Verdadera Locura

Etiqueta: rock

En fotos: Caramelos de Cianuro en la Sala Mon Madrid

[vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbRYq9PwL3rvwZ99gkp7QPKP»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Apenas había pasado un año desde que Caramelos de Cianuro pisaran España. Aún así, las ganas de este concierto en la Sala MON de Madrid, eran más que reales. Probablemente, todos los ciudadanos venezolanos residentes en la capital, estuvieran allí la pasada noche del 25 de mayo. Estaban dispuestos a darlo todo. Y más, después de haber colgado el cartel de «sold out».

Llegaban a la capital del reino, a finales del mes de mayo, a propósito de su gira «Tour Retrovisor 2018», con la que están promocionando su disco más reciente, «8».

Tardaron un poco en saltar al escenario. Pero la sala entró en furor cuando, por un pequeño pasillo entre el público, los caraqueños se abrieron paso hacia la tarima. El show estaba a punto de comenzar. Un show que duró casi dos horas. Un show en el que los fans lo dieron todo: cantaron, gritaron, bailaron y vivieron el concierto, prácticamente, a través de las pantallas de sus teléfonos móviles. Así y todo, no sería por intensidad. Los venezolanos Caramelos de Cianuro pidieron y sus fans respondieron.

He ahí una de las grandes diferencias con el público español. Los fans latinos viven más y mejor los conciertos. Y no faltan el respeto a las bandas, hablando entre sí. Van a exprimir cada segundo de espectáculo, como si fuera el único.

Casi 240 minutos duró el concierto. Los de Caracas jugaban contrarreloj: tenían poco tiempo para recorrer dos décadas y media de discografía. Pero por la respuesta del público, lo hicieron bastante bien. Cantaron temas de su último disco, «8». Pero tampoco podían faltar otras canciones míticas, no podían faltar sus grandes éxitos. Ejemplo de ello, temazos como «Verónica», «Verano», «La Casa» (dedicada a todos los venezolanos de la sala), «La Carretera», «Adiós Amor» o «Asunto Sexual», entre muchas otras.

En definitiva, fueron casi dos horas de buenas vibras, en las que la energía fluyó por toda la sala. Una energía inversamente proporcional al oxígeno que había en la Sala MON Live.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery interval=»3″ images=»7921,7922,7923,7924,7925,7926,7927,7928,7929,7930,7931″ img_size=»large»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Lourdes Martínez Álvarez» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

5 junio 2018
Lemozine y su gran apuesta por el rock, el glam y la electrónica

A medio camino entre el rock, el glam y la música electrónica, Lemozine presenta su nuevo trabajo: «Things We Should Say». Hace apenas unas semanas, lo presentaron en Hard Rock Madrid y en Basik Sessions. Este disco es su gran apuesta por el rock, el glam y la música electrónica. Y con él, pretenden escalar a lo más alto.

¿Cómo surge el concepto de «Things We Should Say»?

Surge un poco por la necesidad de la banda de crear un disco propio. El núcleo sería el rock, pero teniendo en cuenta las influencias que teníamos cada uno, en nuestro día a día. Hemos escuchado desde metal hasta electro o funk. A pesar de todo ello, la idea era crear un producto totalmente nuevo. Y es que, al final, hacemos rock del siglo XXI, con todas las influencias actuales.

¿No es complejo encajar todas estas influencias musicales?

Claro que lo es. En ciertos momentos, hemos tenido que parar y decir: «esto se nos va un poco de las manos». Aún así, no nos hemos reprimido. Esto es lo que somos y así lo hemos transmitido en el disco.

¿Cómo fue ese proceso de creación y composición?

Dave y Raúl comenzaron hace tres años con el proceso de creación. Comenzaron con la misma idea, pero en catalán. De hecho, llegaron a grabar pero vieron que no funcionó. Así que volvieron a pensarlo y decidieron que fuera en inglés. Para darle un toque internacional y porque al final, el inglés es la lengua materna del rock. Así que hicieron un casting, que fue donde me presenté y me seleccionaron. Ahí fue donde comencé a aportar toda la parte de letras, y ellos toda la composición y creación.

¿Con qué dos o tres palabras definiríais el disco?

Este trabajo es un trabajo orgulloso. Este disco es producto de dos años intensos de trabajo. Es un disco muy trabajado y muy producido. Por eso, lo presentamos con mucho orgullo. Aunque también me gusta presentar el disco como un viaje musical. Porque al final le hemos añadido estos paisajes sonoros, que son cuatro temas nuevos. Es como un libro. Este disco tiene muchos altibajos, tiene de todo.

¿Qué pesa más: la letra o la música?

Creo que al final es el conjunto de ambas cosas. No habría canciones si no tuviéramos una letra definida. La letra es importante. Siempre buscamos que no sea tan obvio o tan banal. Buscamos un poco las sutilezas, pero sin llegar a ser predicadores. Luego, siempre buscamos los detalles en cuanto a melodía se refiere.

¿Cómo surge el concepto de «Silly Song»?

«Silly Song» surge un poco en las manos de Dave y Raúl, tras el suceso en la Sala Bataclan (París). Todo surgió al día siguiente del atentado y a todos nos dejó como mudos. Ellos dos habían quedado ese día en el estudio y los dos estaban conmocionados por el suceso. Así que la canción fue puro resultado de la emoción. Así que todo fue resultado de la emoción del momento, fue una necesidad de hablar y de contar, pero no desde la crítica. «Silly Song» surge como una celebración de la vida y de todo lo bueno que tenemos alrededor.

Tras los atentados de Bataclan, sentíamos que nos habían atacado. Y «Silly Song» fue nuestra particular demostración de que nos lo pasamos bien haciendo música. Fue nuestra manera de disfrutar lo que hacemos, pero permaneciendo ojo avizor de todo lo que nos rodea.

¿El resto de letras tienen el mismo peso?

Sí, a ver, nos gusta trabajarlas y prestarles cierta atención. Nos gusta hablar de la sociedad en la que vivimos o de la sociedad que nos esclaviza. Tratamos de hacer una pequeña llamada a la sociedad en la que vivimos. Pero esta llamada, siempre la hacemos con humor. Nos gusta predicar, pero también nos cachondeamos de nosotros mismos.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música, como banda?

Ayer cenamos en pijama [risas]. Bueno, aún no hemos tenido grandes momentos como banda. Pero en el escenario, sí que nos gusta divertirnos y gamberrear un poco. Nos gusta gritar y saltar como locos.

Silly Song – Lemozine

1 junio 2018
Mañana, Gotelé arrasará Madrid con su nuevo trabajo «Vertical»

«Vertical» es el trabajo más reciente de los abulenses Gotelé. Y mañana por noche tendrá su gran debut en la capital. La sala Siroco será testigo de esta gran presentación en Madrid. Un concierto que será único, ya que el grupo de Ávila no estará solo. Entre las sorpresas más destacadas, estarán las colaboraciones con Canard y Siloé.

«Vertical» vio la luz el pasado mes de marzo. Y desde entonces, no ha hecho más que crecer. Tal y como nos contaba la banda en una entrevista previa, este trabajo ha sido una de las grandes apuestas de Gotelé. Con el concepto del álbum, «tuvimos muchas dudas. El disco tiene varias canciones que hablan de nubes, de salto o de arriesgar. Habían algunos conceptos identificativos». Y al final se quedaron con «Vertical».

Muy al hilo del disco, surgió «Alas de cera», que se alzó como primer single. «Es como una oda más al concepto del disco, al salto. No contada desde la vista del perdedor, sino del que te pone los pies en la tierra», nos comentaban. A lo que añadían, «esta canción es un cántico al: inténtalo, hazlo y luego ya veremos».

La gran gira de Gotelé

Este nuevo trabajo, ha supuesto la maduración de una banda que, en cada directo, se ha ido creciendo. Así lo demuestran las buenas críticas que ha dejado tras de sí «Vertical». Y es que, Gotelé ha arrasado por allá por donde ha pasado con este nuevo trabajo. Burgos, Soria, Arévalo, Valencia, Salamanca y ahora, Madrid.

La cita en la Sala Siroco será mágica. Con un potente directo, Gotelé seguro que sorprenderá. Un directo que, seguramente, virará hacia sonidos más rockeros, igual que lo ha hecho el disco. «Este trabajo es más cañero», nos aseguraban. «Queríamos ofrecer un disco de 10 temas, desde distintas perspectivas, pero con energía y «epicidad». Que es un concepto que hemos empezado a trabajar y que no sabemos si existe, pero que creemos que viene de épico», añadían.

17 mayo 2018
La noche en la que «Pneuma» y Muntz debutaron en Madrid

[vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbSMHGs1NzlpWYxdN3U1QFGw»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]«Pneuma» es su trabajo más reciente. Con apenas unas semanas de vida, y directos desde Alcázar de San Juan (Ciudad Real), Muntz tenían la complicada tarea de presentar su nuevo EP en la capital. Pero no estaba solos. A las 21.00 horas, del pasado 5 de mayo, las puertas de Tempo Club se abrían.

Las Chipys aparecían sobre el escenario, para hacer bailar con su particular estilo indie-garage. Un concierto que sirvió como anticipo al de presentación de su nuevo EP, «Rear-View Mirror». Aunque la verdadera revolución comenzó con Red Gurd. Intensidad, fuerza, electricidad y mucho rock. El punto álgido de la noche fue gracias a la banda madrileña. La sala estaba llena de gente y el público estaba completamente entregado, cantando y bailando. La descarga estaba completamente asegurada.

No contentos con el show que estaban dando, la banda madrileña – que recientemente estrenó su single «Miss my soul» -, tenía una sorpresa. Quedaba el último empujón de concierto, por lo que llamaron al escenario a Carlos, batería de Muntz. De esta manera, remataron, dejando el listón demasiado alto.

Finalmente, llegó el turno de Muntz. En cierto modo, esperábamos que la energía transmitida por Red Gurd se mantuviera. Y sabíamos que por los de Alcázar de San Juan no sería. Pero, una vez más, el público volvió a demostrar que no siempre es agradecido. Al menos no del todo. Parte del público se marchó tras la segunda actuación. Pero no importaba, prefiero pensar que nos quedamos los mejores.

Era el gran momento de presentar «Pneuma». Siguiendo la tónica de la banda anterior, Muntz supieron cómo mantenernos con la energía arriba. Abrieron el concierto, dispuestos a venir a por nosotros («Coming For You»). Y nosotros reaccionamos. Nos adentramos en el universo Muntz sin darnos cuenta. Nos contagiamos de la soltura, tablas y sentimiento de Álvaro, Alfonso y Carlos. Y, por supuesto, disfrutamos de los temas de la banda. No faltó ninguno. Desde «The Autocrat» hasta «Sirocco», pasando por «Drift», «Cyrano» o «Delta». Aunque el punto y final, llegó con «Light in your eyes».

Sin duda, en este concierto, Muntz se reafirmaron, volvieron a mostrar su personalidad. Nos quedamos electrizados con su directo y nos habríamos quedado en bucle en su concierto.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery interval=»3″ images=»7701,7702,7703,7704,7705,7706,7707,7708″ img_size=»large»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Lourdes Martínez» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

15 mayo 2018
En junio regresa a Madrid, una nueva edición de Noches del Botánico

Un año más, regresa a Madrid el ciclo «Noches del Botánico», con una programación de lujo. Bandas nacionales e internacionales de muy alto nivel, se darán cita en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII. El cartel es una maravilla y pura magia. Entre los confirmados, encontramos a Kraftwerk, Serrat, Corinne Bailey Rae, James Rhodes y Norah Jones, entre muchos otros.

Un mes de conciertos, con un cartel de lujo

Esta tercera edición del festival, arranca el 21 de junio, de la mano de Elvis Costello & The Imposters y Seu Jorge. Un doble show espectacular para esta jornada inaugural. El 23 de junio será la siguiente, con el espectáculo 3D de Krafktwerk. Ésta será una fecha especial con una de las bandas más legendarias de la electrónica. Y el siguiente será Serrat, poniendo el broche de oro el 26 de junio. Jeff Beck y Simple Minds cerrarán el mes de junio, con sus actuaciones el 29 y 30 de junio, respectivamente.

La del 1 de julio, promete ser una jornada distinta, con la inauguración del ciclo «Bonsai». Una jornada en la que la música electrónica será la protagonista. Poniendo música este día: British Murder Boys y Karenn. Un ciclo que tendrá su segunda parte el 8 de julio, con Miss Kittin y Kim Ann Foxman.

El 2 de julio, abrirá Pat Metheny y dará paso a Angus & Julia Stone, que actúan el 4 de julio. Rufus Wainwright y la especial Corinne Bailey Rae serán los dos artistas que actúen en las dos siguientes jornadas consecutivas. Durante las siguientes fechas de julio, recorrerán el festival David Byrne o Funambulista. Sin olvidarnos del mítico compositor James Rhodes.

Los amantes del flamenco también disfrutarán de dos jornadas muy especiales. El 14 de julio con Miguel Poveda y el 16, con Farruquito. Tras ellas, saltamos de género musical y pasamos a otros, como el rock. Rock internacional, de la mano de Bomba Estéreo y Zoé el 19 de julio.

Por otro lado, las músicas del mundo de Calexico y Depedro, tendrán también cabida el 21 de julio. Y del reggae al más puro estilo Rototom disfrutaremos el 22 de julio, con Ky-Mani Marley.

Con esta edición de Noches del Botánico casi llegando a su fin, Phoenix el 26 de julio y Norah Jones el 29, se cerraría este espectacular festival. Un festival hecho, sin duda, a gusto de todos. Y con una gran variedad musical.

1 mayo 2018
Tu Otra Bonita y Veintiuno, juntos en Sound Isidro 2018

Con la llegada de San Isidro, se acercan las tradicionales fiestas madrileñas en la Pradera de San Isidro. Y los conciertos. Enmarcados en el circuito de Sound Isidro 2018, disfrutaremos de Tu Otra Bonita y Veintiuno. La cita será el 10 de mayo, a las 21.30 horas, en la Sala El Sol.

«¿Verdad o atrevimiento?», lo nuevo de Tu Otra Bonita

Tu Otra Bonita regresa a escena con su particular «rumba psicodélica», con sus sonidos mestizos y esos ritmos tan «world music». Hace apenas un mes, la banda publicaba su nuevo álbum: «¿Verdad o atrevimiento?». Con este reciente trabajo, dan una vuelta de tuerca a su propuesta. Como resultado, lanzan al mundo un mensaje directo y cargado de energía positiva.

«Voy» ha sido el primer single adelanto de este «¿Verdad o atrevimiento?». Un tema que ya está disponible en todas las plataformas digitales y del que podremos disfrutrar el próximo 10 de mayo en El Sol. Igual que del resto de canciones del disco.

Veintiuno, preparando nuevo material

Son el claro ejemplo de trabajo continuo y constante. Y también son un claro ejemplo de que ésta es la única manera viable de avanzar. Desde que los seleccionaran y tocaran en Mad Cool 2017, no han dejado de crecer. Y de creer.

Ya han pasado dos años desde que publicaran aquel «Grandes Felinos» (2016), su último EP. En estos años, Veintiuno nos ha dejado himnos, como «El Apetito», «Llama y Gasolina» o «Antorcha Humana», entre otros. Pero ha llegado el momento de mostrar nuevo material.

Con el apoyo de Warner Music, el próximo 4 de mayo, publican de manera oficial, el primer single de su próximo álbum: «Dopamina». Un tema que, por el momento, tan solo se ha podido escuchar en el programa de Radio 3, «180 Grados». ¿Estáis ya preparados para esta pequeña droga musical?

30 abril 2018
En fotos: Dinero en Sala But

[vc_row][vc_column][vc_video link=»https://youtu.be/jOIQTecggJE»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Los aniversarios están para celebrarlos, especialmente cuando llega la década sobre el escenario. Eso es lo que le está pasando a Dinero este 2018.

Recientemente, publicaron su disco «A diez años luz», en el que han rescatado sus grandes éxitos de esta década, reeditándolos y cantándolos con colaboraciones muy especiales. De esta manera, en este álbum han trabajado con artistas como Nina de Juan (Morgan), Iván Ferreiro, Gonçal Planas (Mi Capitán), El Drogas, Dani Martín, Superlaser, Charlie Bautista, Martí Perarnau IV (Mucho), Alejandro Ovejero y Mikel Izal. Del mismo modo, han vuelto a cantar algunos de sus temas más reconocidos, como «Mentiras», «Duelo de Titanes» y «Mata Hari», entre muchos otros.

Evidentemente, la gran sorpresa del disco de celebración, había que llevarla al directo. Por ese motivo, el pasado jueves 5 de abril, la banda liderada por Sean Manhorlm se subía al escenario de la Sala BUT. Eso sí, dispuesta a hacer bailar y sudar al público. Y dispuesta, por supuesto, a sorprender.

Los fans, completamente entregados, cantaron, bailaron y se dejaron sorprender por la banda, que llevó grandes colaboraciones, siendo Mikel Izal uno de los más aplaudidos. Diez años no se cumplen todos los días. Y es que, sin duda alguna, este concierto fue la demostración más tangible. Fue «Enérgico, Mágico, Eléctrico».

Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»image_grid» images=»7341,7342,7343,7344,7345,7346,7347,7348,7349,7357,7351,7352,7353,7354,7355,7356,7358,7359,7360,7361,7362″ img_size=»medium»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

16 abril 2018
El antes y después de Hey! Bastian: la nueva revolución del indie-pop

Hey! Bastian es su gran salto, su gran cambio, su punto de inflexión. El proyecto vira hacia otros lugares y como resultado, tenemos un nuevo trabajo: «Millenials». Y, precisamente, sobre «millenials» y música, mucha música, estuvimos hablando con ellos hace unos días.

¿Cómo surge Hey! Bastian y por qué ese salto de Dreaming For A Day?

Hey! Bastian surge de una manera muy natural. Veníamos de otra banda, que era Dreaming For A Day. Veníamos del metal y del punk-rock, pero nos apetecía hacer algo mucho más tranquilo. Con Hey! Bastian cambiamos. Por ejemplo, pasamos del inglés al español. Y comenzamos a hacer música para pasarlo bien y que la gente disfrutara con nosotros. Además, se unió el tercer pilar a la banda, que es Eneko. Digamos que nos unió el indie.

Un cambio de estilo muy drástico, ¿no?

Aunque vengamos de géneros muy dispares, nos gustan otros artistas que son muy pop. Por ejemplo, Ed Sheeran o Harry Styles. La música comercial también nos flipa. El punto en común de los tres, era ese estilo más Twenty One Pilots o Two Cinema Club. Algo más movido y festivalero.

¿Es Hey! Bastian un antes y un después?

Sí, creemos que sí. Por eso cambiamos el nombre del grupo. Hubo tantos cambios naturales, que eso se tenía que reflejar de alguna manera. Aunque en un principio, no sabíamos si continuar con Dreaming For A Day o cambiar a Hey! Bastian.

Nos dio pena, porque con Dreaming For A Day llevábamos ya tres años. Pero la gente había acabado etiquetándonos. Nos habían encasillado en el grupo de «los moñas». Y queríamos romper la barrera de hacer música sin etiquetas. De ahí este disco.

¿Cómo definiríais este nuevo proyecto con un titular?

Nostalgia a flor de piel, disfrazado de diversión.

¿Cómo afrontáis esta nueva etapa?

Con unas ganas que alucinas. Llevábamos cerca de tres años componiendo el disco y queríamos que saliera ya, para que la gente lo escuchara. Necesitábamos «vomitar» todas nuestras inquietudes y este disco tiene mucho de eso.

¿Cómo sintetizarías «Millenials» en dos o tres palabras?

De «Millenials» diríamos tres palabras: nostalgia, diversión y sorpresa.

¿Y cómo surge todo el concepto del disco?

Una vez compuestas las canciones, a la hora de elegir título, nos dimos cuenta de que los tres del grupo estamos dentro del rango de «millenials». Además, las letras de las canciones hablan de esa sensación que pueden sentir ahora los «millenials». El título también tiene un tono irónico.

Precisamente, os íbamos a preguntar por el título. Si éste tenía un sentido o no.

Todo tiene sentido. Desde las letras hasta los títulos de las canciones, pasando por el mismo título del disco. Todo hace referencia a este momento que estamos atravesando, a esa incertidumbre que hace que no sepamos si «salirnos del rebaño» es bueno o malo. Es una cuestión que está en boca de todos, pero que de la que nadie se atreve a hablar abiertamente.

Luego, además, nos hemos dado cuenta de que hay gente a la que parece darle vergüenza ser «millenial». Y no es nada grave, a cada uno le ha tocado nacer en una época y vivir unas experiencias.

«Trastorno emocional» llegó como primer adelanto, con su respectivo videoclip. ¿Por qué esta canción?

Porque engloba la totalidad del disco. Tiene partes electrónicas, tiene su estribillo pegadizo y el resto de características que está en todo el disco, pero que no todas las canciones tienen. Así que decidimos que era la mejor. Además, todos tenemos un trastorno emocional y más en la época en la que vivimos. Y mogollón de personas nos han reconocido que se sienten identificadas con el tema.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Hey! Bastian?

Lo primero es presentar el disco al público y que lo escuchen. Y lo siguiente ya va a ser tocar y llevarlo al directo. Tenemos ya algunas fechas cerradas por España, además de la presentación en Madrid, que será el 26 de mayo en el Perro de la Parte de Atrás del Coche.

¿Cuál es la cosa más loca que habéis hecho por la música?

Una vez que tocamos en Alicante y olvidamos el merchandising en Valencia, que fue donde actuamos la noche de antes. Fueron unos días intensos y, tras tocar en el Levante, decidimos volvernos a Pamplona. Del tirón y por la noche. Encima, nos equivocamos encima de carretera y tardamos mogollón.

11 abril 2018
Playa Cuberris: «Entrar A Matar refleja el salto profesional de la banda»

Llevan tiempo peleando por hacerse un hueco dentro del panorama rock en español. Pero con este «Entrar a matar» han pegado un gran salto. La gran apuesta de Playa Cuberris se está tornando tan real como tangible. Y este viernes 6 de abril, los podremos ver en directo, en la Joy Eslava de Madrid.

Hace unos días entrevistamos a Pedro, vocalista de la banda. El nuevo disco, los siguientes pasos de Playa Cuberris o la figura de la mujer fueron algunos de los temas de los que nos habló.

¿Cómo surge el concepto de «Entrar A Matar»?

«Entrar a matar» es una declaración de intenciones, en toda regla. De alguna forma, traduce un poco el salto profesional que ha habido desde el primer disco hasta ahora. Digamos que, al principio, publicamos un disco autoeditado y sin ningún tipo de apoyo. Y en este segundo disco ha habido otra proyección. Por un lado, ha habido una industrialización y, por otro lado, una profesionalización. Teníamos que ir a por todas. Ese era nuestro lema.

Ahora que el disco lleva un tiempo rodado, ¿cómo está siendo la acogida por parte del público?, ¿está cumpliendo vuestras expectativas?

Pues la verdad es que sí. Ha sido muy agradecido todo este proceso. Y ha conectado mucho más con el público, porque el primer disco era mucho más críptico, en cuanto a lenguaje y estilo. Y con «Entrar a matar» hemos sido más terrenales y hemos hablado de cosas que atañen más a todo el mundo. Por eso la acogida ha sido diferente y el recorrido, nos está llevando a sitios cada vez más grandes.

Este disco es mucho más terrenal. ¿En qué os inspiráis para componer las canciones?

Yo soy el que compone las canciones y no me he inspirado en nada abstracto. Sencillamente, he extrapolado las vivencias que yo tenía a otras personas. Es decir, hablamos de amor, de desamor, de salir de fiesta. En definitiva, hablamos de cosas que cualquier persona ha vivido en un momento dado. También nos hemos reservado un poco de lucha social, como siempre hacemos, porque llevamos eso en las venas. Y por supuesto, hemos rescatado el icono de la mujer, que siempre lo llevamos por bandera.

¿Por qué realzar la figura de la mujer en canciones como, por ejemplo, «María Isabel»?

Tiene una lógica, porque el 80% del disco habla de una mujer en concreto. De modo que, en el sentido idiomático sí que hacemos muchas alusiones a la mujer. Así que trasladar eso al plano audiovisual y reforzarlo, también tenía un sentido claro.

También hemos podido observar un tono más picante, en canciones como «Viernes verdes», «Furia nuclear» o «Locos de atar». Y teníamos que preguntaros el por qué de estos temas.

Bueno, la sexualidad es algo que tiene que estar presente, siempre y cuando, no se ofenda a ninguna de las partes. Al final, la sexualidad es algo que forma parte de la vida de cualquier persona. Igual que la música. Así que fusionarlas no nos parecía demasiado descabellado.

¿De qué manera os ha permitido evolucionar este trabajo?

En lo personal, nos hemos esforzado cada vez más en nuestros directos. Somos muy agradecidos con lo que nos está pasando.

Todos los singles que habéis publicado de este álbum, los habéis presentado en formato videoclip. ¿Por qué apostar por ello?

Vivimos en una sociedad digital, en la que cada vez tenemos menos tiempo para pararnos y disfrutar las cosas. De alguna forma, mezclar la música con un impacto audiovisual, hace que capte un poco más la atención del público.

¿Cómo definiríais este «Entrar A Matar» en dos o tres palabras?

Somos furia nuclear.

¿Qué pesa más en Playa Cuberris: las melodías o las letras?

Suelo componer a la vez. Las canciones surgen un poco así. O a veces haces un poco, lo que se llama «Efecto Frankenstein»: coges una melodía de una canción anterior y lo mezclas con una letra que se te acaba de ocurrir. Y sale una especie de híbrido. Lo cierto, es que cada canción tiene su propio proceso de creación. Lo cierto es que ambas partes, tienen que crear una sinergia.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

Yo me he ido a trabajar a Ucrania, para poder pagar el primer disco de Playa Cuberris.

¿Cómo afrontáis el concierto de este viernes en Joy Eslava?, ¿creéis que será un antes y un después para Playa Cuberris?

En cierto de modo, la Joy Eslava es una materialización de lo que ha venido ocurriendo estos meses atrás. Y a la vez, es un punto de inflexión, porque es un salto importante. Es una plaza muy grande y una forma de reivindicar que estamos presentes. En el mundo del rock de Madrid, al menos.

Después de la Joy Eslava, ¿cuáles son los siguientes pasos de la banda?

Pues de momento, tocamos el 20 de abril en La Riviera, junto a Sidecars. Y también tocaremos en varios festivales este verano. Ya los iremos desvelando.

Esta es la playlist de Playa Cuberris

2 abril 2018
Caramelos de Cianuro: lo más hot de Venezuela llega a España

Los venezolanos Caramelos de Cianuro regresan este 2018 a España. No ha pasado un año desde su última visita, ya que el pasado mes de julio cruzaron el océano. Por fortuna, la banda caraqueña está inmersa en su gira «Tour Retrovisor 2018», que los llevará por todo el mundo.

Con la llegada de la primavera, Caramelos de Cianuro visitará de nuevo España. El próximo 25 de mayo vuelven a la capital, en esta ocasión, a la Sala MON Live (Madrid). Aunque esta no será la única fecha en España. Dos días después, el 27 de mayo visitan la Sala Bikini de Barcelona.

Una gira en la que deleitarán al público, con sus temas favoritos como «Verónica», «Sanitarios» o «El último polvo». Pero sin olvidar los más recientes, esas canciones que conforman su disco más reciente, «8».

«8», el trabajo más reciente de Caramelos de Cianuro

Llevan ya 25 años en activo. Más de dos décadas, en las que Caramelos de Cianuro han publicado ocho discos de estudio. De esta manera, han conseguido su hueco dentro del panorama rock venezolano.

En 2015, publicaron su álbum más reciente, «8». Y llegó cinco años habían pasado desde el anterior («Lados B»). El disco fue grabado entre Madrid y Nueva York, y está formado por 10 temas. Sorprendieron a sus fans con los adelantos de este trabajo. «Secretos» fue el primer sencillo. Al que siguieron muy de cerca, «Abismos» y «El instante pasó».

Este disco es el trabajo más maduro y personal de la banda hasta el momento. Aunque continúan nutriéndonos con sus temas de amor, sexo y relaciones casuales.

En entrevistas previas, Asier Cazalis, el vocalista reconoció que «es un disco menos guitarrero que el anterior, tiene más sonidos distintos». A lo que añadía: «tratamos de buscar otras texturas, otros lenguajes. Cada disco es un retrato de lo que tú estás viviendo en ese momento que lo estás escribiendo».

En definitiva, «8» se encuentra en esa delgada línea entre reinventarse y arriesgar, y no perder esa esencia tan identificativa de Caramelos de Cianuro. ¿Preparados entonces para verlos en directo? Pronto podréis conseguir las entradas para los conciertos en España.

29 marzo 2018
Dan Millson: «Little Box of Treasure es mi vida en los dos últimos años»

Tiene un talento que desborda. Dan Millson, solo con su guitarra y su voz, es capaz de llenar una sala sin apenas esfuerzo. Y esa garra es la que hace que no puedas dejar de mirarlo y escucharlo. Con «Little Box of Treasure» ha sacado a relucir sus pequeños tesoros en forma de canciones. Y nos ha encandilado.

¿Cómo surge el concepto de «Little Box of Treasure»?

Yo trabajaba en una editorial en la que me ficharon y me dijeron de grabar un EP. Tenía canciones o ideas maquetadas desde hacía un tiempo y para mí eran «tesoritos» escondidos que no había escuchado nadie. Así que decidí llamarlo así, más que nada porque en «I miss you my friend», se habla de una caja, en la que guardaba frases o pequeñas cosas.

¿Fue por el simbolismo de «I miss you my friend», por lo que fue el primer single?

No sabíamos que iba a ser el primer single, hasta que no se acabó la grabación del EP. Pero al final, vi que «I miss you my friend» era la mejor canción para ello.

Ahora que el EP lleva un tiempo rodado, ¿ha cumplido tus expectativas?

Mis expectativas era sacarlo y dar a conocer una faceta mía que nadie conocía. Y por supuesto, darme a conocer, porque nadie sabía nada de Dan Millson.

La verdad, es que «I miss you my friend» ha llegado y ha cumplido mucho más que mis expectativas. La gente conoce la canción, es la que más reproducciones tiene y el público la canturrea muchi. No compongo las canciones pensando en si son pegadizas, pero con ese tema, parece que di con la clave.

El disco anda a medio camino entre el folk y el rock. Pero, ¿cómo define su estilo Dan Millson?

El EP, creo que es una mezcla de diferentes estilos. Al final, todo se une y se conecta con la voz. Hay canciones más folk, otras son más tranquilas y, luego, de repente, pasamos al pop-funk. Todo se mezcla, pero de manera muy natural.

En este aspecto, no me gustan las etiquetas en realidad. Creo que son necesarias, pero no primordiales.

Un titular para definir el EP.

Mi vida en los dos últimos años.

Las letras de tus canciones son muy personales e intimistas. Pero si pusieras en una balanza letras y melodías, ¿qué ganaría?

Yo siempre digo que melodías. Tarareo cosas. Aunque es verdad que, dentro de ese tarareo, suele haber palabras sueltas. Con «Palm Tree» o «I miss you my friend», me pasó al contrario. Yo sabía qué estaba escribiendo y a quién se lo estaba dedicando internamente. Pero generalmente, mis canciones suelen empezar con la melodía.

Ya has empezado la gira de este EP por España, pero además, tienes previstas algunas fechas internacionales. ¿Cómo han empezado estos conciertos y cómo afrontas los siguientes?

Pues con muchas ganas, la verdad. Espero pegar un brinco. Me gustaría pegar el salto al otro lado del charco también. Por la Península me ha ido muy bien, no me puedo quejar. Sé que soy artista emergente y soy consciente de que hay sitios donde la gente me conoce más y sitios donde me conoce menos. Pero yo trato de ir a lugares, donde sé que las personas que me siguen, lo tendrán fácil para llegar.

Pegar el salto pequeñito a Inglaterra, aunque sea de donde procede mi familia, es un avance. Tengo muchas ganas de tocar allí y de ver cómo va a ir. Para 2019 quizás, me encantaría visitar otros lugares como Francia, Italia o Alemania. La idea es no dejar de tocar, porque desde pequeño sé que mi vida está encima de un escenario.

¿Y en qué punto te diste cuenta de que querías hacer de la música tu profesión?

Empecé en el Conservatorio, donde estudié tres años. Recuerdo que la teoría musical se me daba muy mal y que odiaba los dictados. Justo ahí fue donde hice mi primer concierto, al que salí temblando. Pero ahí era demasiado pequeño. La primera vez que me di cuenta, fue con 14 o 15 años. Mi padre tenía una banda de versiones en Benidorm y nos invitó a tocar a mi hermano y a mi. Entonces me di cuenta de que ese mundo me encantaba y que quería dedicarme a ello. Fue horrendo, aunque a la gente le gustó. De hecho, hace poco, en Instagram colgué un vídeo de ese primer concierto.

¿Cuándo podremos escuchar cosas nuevas de Dan Millson?

Dentro de muy poquito. De hecho, puede que cuando leáis la entrevista, ya haya visto la luz «Shine a light». Este tema, lo hice específicamente para la campaña de la DGT. Tengo muchas ganas de que lo escuchéis, porque la producción está mucho más currada y madurada.

22 marzo 2018
Anaut: «Con Hello There tratamos de marcar nuestro camino»

Anaut regresa. Con sus particulares influencias de soul, R&B, folk y rock. Pero también con toques distintos. Con ese afán de experimentar y de sentir la libertad en sus pieles, nace «Hello There», su reciente puesta de largo. El disco lleva apenas unos días en la calle, pero su nombre ya resuena. Y más que lo hará, porque ahora toca girar, girar y girar.

¿Cómo surge «Hello There»?

Nace tras acabar la gira de «Time Gones On». Decidimos hacerlo los cuatro músicos del grupo, de manera muy libre, trayendo ideas muy variadas. Buscando nuevos caminos, saliendo de lo clásico y explorando nuevas vías. Y aquí estamos.

¿Cómo afrontáis el despegue de este nuevo disco?

Con muchas ganas y cariño. Aunque también un poco expectantes: estamos deseando ver qué pasa y cómo lo acepta la gente. Pensamos que es un cambio. Y como todos los cambios, te deja el «gusanillo» ahí en el estómago.

¿Qué expectativas tenéis?

Las mejores posibles. Es un cambio, una evolución. En ningún caso es una ruptura. Estamos muy ilusionados y los conciertos van a ser muy divertidos.

¿Cómo se produce esa evolución en el sonido?

Probando, arriesgando, dejándonos llevar bastante. Este disco, lo hemos hecho como «soltando los perros». Arriesgándonos y no censurándonos para nada. También nos hemos dejado llevar mucho por la experiencia y por las cosas que pasan en los conciertos. En esta última gira, nos hemos sentido más libres para experimentar e improvisar sobre el escenario. Al final, cosas que probábamos en directo y que veíamos que funcionaban, las trasladábamos al estudio.

Toda esta evolución, os ha permitido desarrollar un sonido propio. ¿Cómo definiríais el sonido Anaut?

0% intelecto y 100% intuición [risas]. En realidad, en este disco se empieza a ver, pero el sonido Anaut todavía se está desarrollando. Las influencias están claras, pero estamos en ello, seguimos buscándolo. Es todo un poco ensayo-error. Pero de cualquier manera, la libertad y el pasarlo bien, siempre deben ir por delante.

Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en dos o tres palabras?

Rock and Roll [risas]. «Hello There» viene un poco por eso, por decir «hola, aquí estamos». No rompiendo con lo anterior, pero tratando de marcar nuestro camino.

Al final, entre unas cosas y otras, te acaban encasillando, pero tú quieres seguir teniendo la libertad para hacer lo que quieras. Y este disco va un poco por ese camino.

Entendemos entonces que, en cierto modo, huis de las etiquetas.

Para lo malo sí, para lo bueno no [risas]. Eso tiene un punto positivo, que es darte a conocer en una escena concreta o en ciertos festivales. Pero, en realidad, nosotros no hemos dejado de hacer la música que queremos. Y eso que somos músicos que tenemos influencias diversas. Al final, nuestra música no es música de género, tiene muchos matices.

¿Por qué apostar por la auto-producción?

Nosotros apostamos por el trabajo en equipo. Nos gusta tener el control sobre la música que hacemos y tenemos a personas que nos ayudan en determinados ámbitos (comunicación, booking, etc). En este disco, nosotros hemos grabado antes en nuestro estudio, para saber a lo que nos enfrentábamos. Después de eso, nos hemos dedicado a completarlo en varios estudios.

«I will see you again» fue el primer adelanto. ¿Por qué?

Nos encantaba. Además, fue la primera canción que mezclamos. Era la que más clara teníamos y también era la más diferente, en comparación al segundo single, que es «The Difference». Nos apetecía que el primer adelanto fuera un reflejo de lo que estamos haciendo ahora.

¿Cómo afrontáis la gira y qué esperáis?

Ahora mismo estamos ensayando el disco nuevo en el local. Tenemos muchas ganas de empezar con la gira y lanzarnos a la carretera. También tenemos la esperanza de ver público nuevo, además de los clásicos, que nunca fallan.

7 marzo 2018