Hay canciones predestinadas a acompañaros, a perseguirnos, a no dejarnos escapar una vez llegan a nuestra vida. Canciones que surgen como respuesta a muchas otras. Entre todos estos dilemas personales se ha estado moviendo en los últimos meses Andrea Santiago, que acaba de publicar su nuevo single «Las Bestias que me Acompañan». Una canción que sirve como primer adelanto del primer largo de la artista, que aún sin título, verá la luz a finales de este año 2020. Lo que sí que podemos adelantar es que será un álbum conceptual, producto de todo este proceso vital de la artista. Un álbum que recogerá el testigo de aquel primer EP, que le sirvió para presentarse en sociedad: «He Dejado de Buscar tu Casa». Álbum que recogerá el testigo, muy especialmente, del tema que cierra aquel primer debut, canción llamada «Hoy no Puedo Dormir». El insomnio en el que nacen unas bestias mecidas por la dulce voz de Andrea y sacudidas por la fuerza de guitarras y percusión, en un tema donde conviven folk, rock y pop.
La talentosa carrera de Andrea Santiago
Más de una década dedicándose a la música y a caballo entre su Pamplona natal y Madrid, con su guitarra a cuestas. Sin embargo, fue en el año 2017 cuando irrumpió con una fuerza arrolladora dentro del panorama musical con su primer sencillo, llamado «Hasta el Agua». Año también de los primeros conciertos, en los que enamoró a todo el mundo con ese particular sello tan suyo, que está a medio camino entre el folk-rock y el pop alternativo. Justo un año después de todo este momento inicial, en 2018, cuando reunió a su actual banda: Borja Muerza (percusión, sintes), Miguel Tiberio (bajos, sintes) y Nacho Muerza (guitarras). Ya con ellos, comenzó a grabar y producir el que fuera su primer EP, «He Dejado de Buscar tu Casa».
Sin embargo, XZcon «Las Bestias Que Me Acompañan» la artista arranca con una nueva etapa en la que Borja Muerza se pone de nuevo a los mandos de la producción, junto a la propia Andrea, y concebido en los Estudios Aberin (Navarra).
Nous projectes que comencen amb una força arrebatadora. Ells són Arc de Triomf, que acaben de presentar el seu àlbum debut: ja és nostre «Nascuts per a molestar». I aprofitant aquest llançament, hem pogut parlar amb els germans Burek. Ja la podeu llegir a continuació!
Com naix el concepte d’aquest àlbum, de «Nascuts per a molestar»?
Doncs, amb aquest projecte nosaltres vam engegar fa un par d’anyets, ja que teniem uns temes a la calaixera que no haviem tret. I tot just vam decidir començar una nova etapa amb un projecte completament nou. Entre altres coses, nosaltres abans cantàvem en anglés i ara voliem passar al català, perquè és la nostra llengua i amb la qual ens sentim còmodes fent les lletres. I evidentment, la música acompanyava.
Com va ser tot aquest procés creatiu i compositiu?
La veritat és que el procés va ser molt fluit, va sortir solet perquè teniem moltes ganes de posar-nos a fer coses noves i, per suposat, de tocar en directe. Açò és precisament, de lo que més ganes tenim. Per això, aquest disc ha sortit tan directe, tan ballable i tan guay.
Quina importància té el missatge de les cançons en aquest disc?
Hi ha molts treballs que parlen del amor o de certs sentiments. Però nosaltres voliem fer un àlbum que fossi molt directe i que tingués aquesta energia, com una mica reivindicativa: així és com tenim temes que parlen de la ciutat de Barcelona, altres cançons que fan referència a la situació socio-política i moltes altres que són carpe diem, que parlem més del dia a dia. Creiem que hem fet un àlbum que és actual i que tothom que l’escolti es pot sentir identificat. «Nascuts per a molestar» és una mica la reivindicació contra la indiferència.
«Per un món» va ser un dels primers avançaments. Per què escollir aquesta cançó?
Estàvem molt dubitatius, nosaltres tampoc teníem molt clar quina publicar. Però al final ens vam decantar pel tema ràdios i és que aquesta és una cançó perfecta, perquè és molt festiva i és ja com una espècie d’himne, perquè darrere hi ha com una intenció molt clara de voler canviar les coses, de voler millorar el món. Aquest és un poc el punt de reivindicar: des de tot allò que nosaltres canviaríem, fins la nostra pròpia multiculturalitat o el carpe diem i el viure el moment.
I com han sigut les primeres reaccions?
Estem alucinant amb la sort que hem tingut, perquè només treure l’àlbum hem rebut les primeres reaccions de ràdios i més mitjans i han estat molt bones. A més hem format un bon equip de management, que ens ajudaran a aconseguir bolos. Així que, de moment, estem molt contents.
De quina manera ha evolucionat Arc de Triomf des de que començarem com a Daylight?
Aviam, Daylight erem un grup més de punk rock. I amb Arc de Triomf hem trencat amb això, hem começat de zero, encara que a nivell compositiu sempre hi ha similituds. Però hem volgut començar amb un projecte completament nou. Sí que és veritat que amb Daylight hem acumulat moltes experiències, especialment el haver tocat el molts països. Però just ara, amb Arc de Triomf, volem demostrar tot lo contrari, que també són capaços de tocar per aquí, en casa.
I què queda d’aquells inicis?
Queda l’experiència, perquè som un grup nou, però tenim ja una base prèvia. Hi ha gent que ens està començant a descobrir i nosaltres hem vingut aquí a batallar persona a persona. Però així i tot, ja tenim un bagatge i una experiència. I això suposem que també ens ajudarà moltíssim un cop ens pugem als escenaris.
Encara que estem passant uns moments un poc complicats, quins són els propers passos d’Arc de Triomf?
Doncs a finals del mes d’abril arrenquem amb un primer concert. Suposem que per aquest moment ja podrem recuperar l’agenda. I el bolo que teníem aquest mes de març a la Barcelona, ho celebrarem el proper 20 de maig a la Sala Apolo.
Quina cançó d’Arc de Triomf defineix millor el moment en què esteu i per què?
Ahí nos has pillado [rises]. Creiem que potser «Tornarem», que ens encanta, per com arrenca amb aquell «comença una aventura sense res a perdre». I creiem que ens defineix a la perfecció: nosaltres també estem començant una nova aventura amb aquest projecte i no tenim res a perdre.
Quina és la major bogeria que heu comés per la música?
Doncs potser que lo més boig haja sigut convencer a la resta del grup de que deixara la seva feina, per dedicar-se a la banda. Més enllà d’allò, ens ha passat de tot! De fet, quasi ens arresten per traficar amb drogues, quan estàvem portant Paracetamol [rises]. O, per exemple, altre cop també vam estar 24 hores viatjant i conduïnt. I com aquesta, moltes paregudes [rises].
Nuevos proyectos que comienzan con una fuerza arrebatadora. Ellos son Arc de Triomf, que acaban de presentar su álbum debut: ya es nuestro «Nascuts per a molestar». Y aprovechando este lanzamiento, hemos podido hablar con los hermanos Burek. ¡Ya la
¿Cómo surge el concepto de este álbum, de «Nascuts per a molestar»?
Pues con este proyecto empezamos hace un par de años, porque teníamos unos temas en el cajón que no habíamos publicado. Y justo decidimos comenzar una nueva etapa con un proyecto completamente nuevo. Entre otras cosas, nosotros antes cantábamos en inglés y ahora queríamos pasarnos al catalán, porque es nuestra lengua, con la que nos sentíamos cómodos haciendo las letras. Y evidentemente, la música acompañaba.
¿Cómo fue el proceso creativo y compositivo?
La verdad es que el proceso fue muy fluido, surgió solo porque teníamos muchas ganas de ponernos a hacer cosas nuevas y, por supuesto, de tocar en directo. Eso es de lo que más ganas tenemos. Por eso, este disco ha nacido de una forma tan directa, bailable y guay.
¿Qué importancia tiene el mensaje para la banda?
Hay trabajos que hablan del amor o de ciertos sentimientos. Pero nosotros queríamos hacer un álbum que fuera muy directo y que tuviera esta energía tan reivindicativa: así es como tenemos canciones que hablan de la ciudad de Barcelona, otros que hacen referencia a la situación socio-política y muchos otros que son sinónimo de carpe diem y que hablan del día a día. Hemos hecho un álbum actual y con el que todo el mundo se puede sentir identificado. «Nascuts per a molestar» es una reivindicación contra la indiferencia.
«Per un món» fue uno de los primeros adelantos. ¿Por qué esta canción?
Estábamos muy dubitativos, nosotros tampoco lo teníamos muy claro. Pero al final, nos decantamos por el tema radios y es que esta es una canción perfecta, porque es muy festiva y es ya como una especie de himno. Tras ella hay una intención de querer cambiar las cosas, de querer mejorar el mundo. Este es un poco el punto de reivindicar: desde lo que nosotros cambiaríamos hasta nuestra propia multiculturalidad o la necesidad del carpe diem y vivir el momento.
¿Cómo han sido las primeras reacciones?
Estamos alucinando con la suerte que hemos tenido, porque nada más lanzar el álbum hemos tenido las primeras reacciones de radios y más medios de comunicación, y han sido todas muy buenas. Además, hemos formado un buen equipo de management que nos ayudarán a conseguir bolos. Así que de momento, muy contentos.
¿De qué manera ha evolucionado Arc de TRiomf desde que empezaran como Daylight?
Daylight era un grupo más de punk rock. Y con Arc de Triomf hemos roto con eso, hemos empezado de cero, aunque a nivel compositivo siempre hay similitudes. Pero hemos querido comenzar con un proyecto completamente nuevo. Sí que es verdad que con Daylight hemos acumulado experiencias, sobre todo el haber tocado en muchos países. Pero justo ahora, con Arc de Triomf queremos demostrar lo contrario: que somos capaces de tocar aquí, en casa.
¿Y qué queda de aquellos inicios?
Queda la experiencia. Porque al fin y al cabo, ahora somos un grupo nuevo, pero tenemos base previa. Hay gente que nos está empezando a descubrir y nosotros hemos venido a batallar persona a persona. Pero así y todo, ya tenemos un bagaje y experiencia. Y eso suponemos que nos ayudará mucho en los escenarios.
Estamos viviendo unos momentos complicados, pero ¿cuáles son los próximos pasos de la banda?
A finales de abril arrancamos con el primero de los conciertos. Suponemos que para entonces ya podremos recuperar nuestra agenda. Y el bolo que teníamos ahora en marzo en Barcelona, lo celebraremos el 20 de mayo en la Sala Apolo.
¿Qué canción de Arc de Triomf define mejor el momento en el que estáis y por qué?
Ahí nos has pillado [risas]. Creemos que «Tornarem» porque nos encanta y por cómo comienza: «comença una aventura sense res a perdre». Nos define a la perfección: nosotros también estamos comenzando una aventura con este proyecto y no tenemos nada que perder.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Puede que la mayor locura haya sido convencer al resto de banda para que dejaran sus trabajos y se dedicaran al proyecto. Aunque más allá de ello, ¡nos ha pasado de todo! Casi nos arrestan por traficar con drogas, cuando solo llevábamos Paracetamol [risas]. O, por ejemplo, en otra ocasión estuvimos viajando y conduciendo durante 24 horas. Así que como estas nos han pasado muchas [risas].
Son la combinación perfecta de géneros. A medio camino entre la electrónica y el rock, Gomad! & Monster han sabido hacer de ello su mejor seña de identidad. Y así lo han demostrado en su último trabajo, que vio la luz el pasado mes de diciembre: «The Inner Encouraged Desire» ya es nuestro, para mostrarnos la mejor versión de la banda madrileña. Una versión adulta y madura, en la que han sabido volcar a la perfección sus ocho años de carrera.
¿Cómo surge el concepto de «The Inner Encouraged Desire»?
Pues surge de la necesidad de ofrecer tanto al público como a los promotores un larga duración, porque hasta este momento sí que habíamos lanzado singles sueltos y EPs, pero no teníamos publicado ningún LP como tal. Y, sobre todo, en algunos viajes (especialmente cuandos salíamos fuera de España), nos lo pedían mucho. Se les hacía muy raro, especialmente estando dentro de la escena rock, aunque es cierto que nos movemos entre ella y la de la electrónica. Así que, bueno, en ese sentido sí que nos reclamaban más un álbum.
El disco vio la luz el pasado 13 de diciembre y me gustaría saber cómo ha sido la acogida.
Pues la verdad es que estamos muy contentos. El disco salió de la mano de Maldito Records y haber salido de la mano de un sello con tan buen nombre y con tanto recorrido a lo largo de los años, ya es positivo. Lo cierto es que llevábamos tiempo sin publicar canciones y creemos que estos temas están funcionando muy bien y que, además, están siendo muy agradecidas. En definitiva, estamos de momento muy contentos con la recepción.
«Virus» fue el último single escogido antes de la publicación del disco. Además, llegó acompañado de su videoclip. ¿Por qué escoger esta canción y cómo surge la idea del clip?
Escogimos una lista de canciones para presentar el disco, antes de que éste viera la luz. Esta selección estaba formada por temas que pensábamos que reflejaban, de manera correcta, la idea general del disco. Y «Virus» probablemente sea la parte más rockera, más metalera, más cañera del disco. En cuanto al clip, inicialmente, iba a ser un videolyric, pero desde Maldito Records, que fueron los que realizaron el videoclip, vieron que había muy buen material y nos pidieron grabar unas imágenes extra. Al final, la cosa se fue liando y fue creciendo tanto, que se quedó el videoclip. Y la verdad es que estamos muy contentos con el resultado y muy agradecidos con Maldito.
Os movéis mucho entre el metal, el rock y la electrónica. ¿Podríamos decir que esta mezcla de sonidos es el sello identificativo de Gomad! & Monster?
Sí, sin duda. Desde el principio, para nosotros, una de las partes fuertes del proyecto era esta: el hecho de combinar de la mejor forma lo mejor de estos dos mundos, de la electrónica y del rock/metal. Es algo que nace a la par que nace el proyecto. Además, creíamos que en España no estaba muy bien aprovechado este nicho, así que no lo dudamos. Sí que es verdad que, inicialmente, la banda nace y se mueve más por el mundo de la electrónica, pero con el paso de los años, nos hemos movido más hacia la parte del rock. Creemos que, a día de hoy, es la síntesis que más nos llama la atención.
Al hilo de esta pregunta, me llama la atención un término que acuñasteis que es el de «rave&roll». ¿Cómo identifica esta definición a Gomad! & Monster y qué entendéis por él?
No recordamos muy bien el momento en el que nace. Pero te diríamos que surge en el momento de definir como nuestro grito de guerra. Lo cierto es que nos pareció una definición muy curiosa, por el juego de palabras y porque creemos que nos identifica bastante bien. Aunque no intentamos que sea ninguna etiqueta, ni ningún género musical. Simplemente, tratamos de tener una forma de presentarnos al público.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de«The Inner Encouraged Desire»?
Pues el proceso de creación de este álbum ha llevado, aproximadamente, tres años, que fue cuando comenzamos a trabajar en las primeras canciones de «The Inner Encouraged Desire». Estábamos trabajando con un productor que se llama Jordi Calviño, muy conocido en la escena drum&bass. A él le fuimos presentando una serie de canciones, que después trabajábamos en mezcla y master. A su vez, comenzamos a trabajar otra serie de canciones con un productor venezolano que se llama Zardonic, también del panorama drum&bass. Como te comentaba al principio, nosotros veníamos de haber publicado EPs y singles. Entonces según pasaron los años, se fueron acumulando una serie de canciones que podrían definir de una manera más amplia el punto en el que nos encontrábamos, además de mostrar mejor todas nuestras facetas. Esa fue una motivación muy importante. Además, luego nos llegó mensaje de Maldito Records, lo cual para nosotros fue una alegría. Así que nos terminamos de decidir a continuar.
En este disco habéis contado con numerosas colaboraciones, como «The Game Shop», «Cloud9+», Jon Howard, Coppa o Matt Rose, entre muchos otros. ¿Cómo surgen todas ellas?
Pues la mayoría de estos artistas que colaboran con nosotros, los conocemos a través de Zardonic, uno de los co-productores del disco. Es un profesional con mucha carrera en la escena y tiene muchísimos contactos. Por lo tanto, fue él el nexo en común. Al final, todos estas estas colaboraciones creemos que encajan muy bien con nosotros y estamos muy contentos. Además, con todos ellos, aprovechamos todas las ventajas de la tecnología para poder grabar las voces, aún estando a distancia. Y es que hay mucho proyecto internacional entre los colaboradores. Este fue un aspecto que cuidamos mucho, ya que nos gusta encontrar la voz perfecta para cada tema. Y creemos que lo hemos conseguido, estamos muy contentos con el resultado.
Tras ocho años de carrera, ¿cómo ha evolucionado Gomad! & Monster desde sus inicios?
Pues una barbaridad. Comenzamos en fiestas de electrónica e inicialmente, nuestro sonido era muy básico. Por ejemplo, Ivy, nuestro batería, llevaba una caja y un timbal base y tocaba de pie. También teníamos una imagen menos cuidada: por aquel entonces, teníamos unas máscaras peores. E incluso nuestro directo no estaba tan trabajado. Todo eso, sumado al hecho de que no teníamos formación ni experiencia previa en música electrónica, hasta que iniciamos el proyecto. Lo cierto es que nos hemos visto obligados a trabajar mucho en muy poco tiempo, pero siempre con resultados muy positivos. Porque, al final, siempre hemos recibido un feedback muy positivo con el público. Así que estamos muy contentos, jamás nos plantearíamos dejar de hacer lo que hacemos.
Tras la publicación del disco, llega el momento de la gira. ¿Cómo la afrontáis?
Pues con muchísimas ganas, no podía ser de otra forma. Nuestro manager está trabajando en las fechas de presentación de nuestro álbum, por lo que aún no podemos concretar demasiado. Pero lo que sí que podemos avanzar es que visitaremos ciudades como Bilbao, Madrid, Sevilla, Murcia o Castellón, entre muchas otras. Todo ello, hasta verano. A partir de entonces, trataremos de entrar al circuito de festivales.
Para cerrar la entrevista, me gustaría saber: ¿cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Pues la mayor locura que se me ocurre que hemos podido cometer por la música es descuidar un poco nuestra propia vida. Tenemos momentos muy locos en la carretera, sobre todo. Tener que viajar entre tres ciudades en apenas un fin de semana y durmiendo muy poco, a veces nos ha jugado malas pasadas y nos ha hecho pegarnos sustos en la carretera. Y la mayoría de anécdotas que hemos contado entre nosotros, giran un poco alrededor de esto, de los peligros que nos hemos encontrado en la carretera en más de una ocasión.
Con un primer disco en la calle y con una fuerza atronadora, desde el País Valencià, llega Apologia con su primer álbum homónimo. Poco a poco, pero sin pausa, están cosechando toda una increíble lista de éxitos. Y es que. aunque no existe una clave del éxito clara, el trabajo duro te abre muchas puertas. Hace algunos días, tuvimos la opotunidad con ellos y esto es lo que nos contaron sobre su proyecto.
Com sorgeix «Apología», l’àlbum?
En principi Pablo, qui va començar el projecte, tenia la idea de fer quelcom molt personal, gravar un parell de cançons i au. Una vegada a l’assaig vam connectar de seguida, van començar a eixir idees i, com si de màgia es tractés, vam donar vida als 10 temes que conformen el disc.
Com va ser tot el procés creatiu i compositiu?
La manera de treballar era pareguda a la que ja teníem en projectes anteriors. Normalment, Pablo porta una idea a local i és allà on la desenvolupem entre tots. Ha estat molt fàcil, ja que Alberto, Hèctor i Pablo ja ens coneixem de Tirant lo Rock i portem tota la vida tocant junts. Per la seua part, «Pinya» fa molts anys en el món de la música i ens uneix una relació i una militància de molt temps. Això fa que, per exemple, amb una mirada sabem que vol dir i que és el que vol plasmar l’altre, i eixe fet facilita tota faena.
Com ha estat l’acollida en aquestes setmanes des de que va veure la llum?
Pensem que molt bona, de fet, estem flipant encara, no ens ho esperàvem. Més de 35.000 reproduccions, i creixent cada dia més, molts comentaris positius a tot arreu, fins i tot, d’altres músics a les que admirem. Sols podem donar les gràcies a tota eixa gent i esperar a estar a l’altura en els directes.
Com va ser treballar en aquest àlbum amb Pedro Martínez a la producció i Sam Ferrer?
Un privilegi. Pedro es un dels millors compositors de punk-rock de l’estat i nosaltres ens hem criat amb EUKZ, així que ja podeu imaginar. Ha sigut però, un treball molt dur. Hem intentat cuidar amb ell cada detall, aprenent d’ell moltíssim (no sols musicalment, també com a persona). Sam, a l’igual que Pedro, s’ha implicat en el projecte com si fos propi. Sabia el que voliem, com ho voliem i com havíem de sonar i, no sols ho ha fet, ho ha millorat.
Com vau viure la nominació als Premis Ovidi en la categoria de millor àlbum de rock?
Més o menys, com tota la rebuda del projecte, de manera inesperada i molt agraïts. Per nosaltres va ser un somni amb un primer disc: estar assentats a la gala, rodejats de músics a les admirem, escoltem i que porten tants anys de carrera. Va estar molt guai.
En aquest treball es barregen el hardcore, el punk, el rock i el pop. Per què aquesta barreja i com encontra Apología el seu segell personal amb ella?
Doncs, realment nosaltres ens definim com a punk rock, ja que creiem que és on sempre anem a parar. Cada membre del grup escolta música diferent, però amb un nexe comú i és allà on cuinem tots els ingredients per a fer la nostra música. Influències? Moltes, però Berri Txarrak, EUKZ o Desakato són tres grups que referents per a tots.
Vau irrompre amb «Amb Pluja i Amb Fred», cançó que va eixir amb la col·laboració de Xavi Sarrià. Una manera molt potent de sortir, no? Com va ser treballar amb ell?
Sí, Xavi és un referent per nosaltres, a nivell musical i polític. A més, tenim la sort de ser amics de fa molt temps i quan li vam dir no va dubtar en pujar a Borriol a gravar la col·laboració, tot i que el vam pillar a meitat de gira. Des de que la vam tocar el primer día al local, sentiem que la cançó demanava la veu de Xavi i va ser tot un orgull fer-ho realitat.
A més, el disc també compta amb la participació Maluks i Tatiana Javaloyes. Com sorgeixen aquestes col·laboracions?
Doncs, quan vam entrar nosaltres a l’estudi, Maluks encara no havia publicat cap cançó, però havien estat gravant també amb Sam Ferrer i ell estava ultimant les mescles i ens va ficar una cançó d’elles i ens vam quedar enamorats. És en eixe moment ln vam pensar que ens encantaria col•laborar amb elles. «Antifeixistes» era una cançó que, en principi, volíem que participen companyes que tingueren més flow que nosaltres i vam pensar amb elles. Quan van vindre a gravar ens van deixar amb la boca oberta, són unes cracks! Pel que fa a Tatiana, és una de les millors veus de la nostra comarca, de fet, ha estat un parell de vegades a punt d’entrar en algun programa de la tele de molt de renom. Pedro volia uns cors molt concrets i difícils, que requerien de molta tècnica, pel que encontrar a una persona que ho pogués fer, era una tasca molt complicada. Un dia va vindre a cantar al Casal Popular de Vila-real i vam dir: «és ella».
«Desperte» va ser el darrer single, per què escollir aquesta cançó i com va ser treballar amb Alma Batalla?
Escollir «Desperte» era una manera de baixar les revolucions i mostrar la cara més personal d’Apologia, eixa que no havíem ensenyat en els altres dos singles: més rockers, més ràpids i amb lletres combatives. Treballar amb Alma ha sigut molt fàcil, és molt bona professional, a banda de ser amiga, pel que ha fet que la implicació encara siga major. Vam quedar amb ella un dia, li vam contar que teniem pensat i va començar a traure idees super xules de seguida. Li hem fet treballar molt i sempre a contracorrent, i la seua resposta sempre ha sigut espectacular.
Quina importància té el missatge per a Apologia?
Molta, el propi nom del projecte ho diu. Fer Apologia és fer defensa de quelcom i per nosaltres fer música és fer defensa d’allò que sentim i creiem, de treure tot el que tenim a dins. Tota la música té missatge, sols has de saber buscar-lo.
Com veieu el panorama musical al País Valencià?
Creiem que està més fort que mai i això és evident en quant a grups, públic, treballs de qualitat i amb estils diferents. Tot i això, queda molta feina, especialment a les comarques del Nord d’on venim. Tot i ser, on més catalanoparlants hi ha de tot el territori és on menys grups que canten amb llengua pròpia hi ha, però sempre hi ha esperança.
Propers passos de la banda.
Tocar, tocar i tocar. Rodar el disc, fer un directe fort i seguir creixent. Tot i que ja estem treballant amb noves cançons, no volem fer parar la roda.
Quina és la major bogeria que heu comès per la música?
A nivell de grups, passar hores i hores, durant dies al local d’assaig, després de treballar les 8h de cortesia. A nivell més personal, un membre del grup ha seguit a Berri Txarrak en 19 concerts per tot l’estat dins la seua gira de comiat, creiem que han estat a punt de denunciar-lo i tot [rises].
¿Cómo surge «Apologia», el álbum?
En principio Pablo, quien comenzó el proyecto, tenía la idea de hacer algo muy personal, grabar un par de canciones y au. Pero una vez en el ensayo, conectamos enseguida, empezaron a surgir ideas y, como si de magia se tratara, le dimos vida a los 10 temas que conforman el disco.
¿Cómo fue el proceso creativo y compositivo?
La manera de trabajar era parecida a la que ya teníamos en proyectos anteriores. Normalmente, Pablo trae una idea al local y es allí donde la desarrollamos entre todos. Ha sido muy fácil, ya que Alberto, Héctor y Pablo ya nos conocíamos de Tirant lo Rock y llevamos toda la vida tocando junts. Por su parte, «Pinya» lleva muchos años en el mundo de la música y nos une una relación y una militancia de muchos años. Eso hace que, por ejemplo, con una mirada sabemos qué quiere decir y qué es lo que quiere plasmar el otro. Y eso facilita el trabajo.
¿Cómo está siendo la acogida del álbum?
Creemos que está siendo muy buena, de hecho, estamos flipando todavía, no nos lo esperábamos. Más de 35.000 reproducciones y, cada día, va creciendo aún más. Tenemos muchos comentarios positivos por todos lados, especialmente, de otros músicos a los que admiramos. Solo podemos dar las gracias a toda esa gente y esperar estar a la altura en los directos.
¿Cómo fue trabajar con Pedro Martínez a la producción y con Sam Ferrer?
Un privilegio. Pedro es de los mejores compositores de punk-rock del estado y nosotros nos hemos criado con EUKZ, así que podéis imaginar. Sin embargo, ha sido un trabajo muy duro. Intentamos cuidar con él cada detalle, aprendiendo muchísimo (no solo musicalmente, también como persona). Sam, al igual que Pedro, se ha implicado en el proyecto como si fuera propia. Sabía lo qué queríamos y cómo. Además de saber cómo debíamos sonar. No solo lo ha hecho, lo ha mejorado.
¿Cómo vivisteis la nominación a los Premis Ovidi?
Más o menos, como todo el recibimiento del proyecto. De manera inesperada y muy agradecidos. Para nosotros fue un sueño conseguirlo con un primer disco: estar sentados en la gala, rodeados de músicos a los que admiramos, escuchamos y que llevan tanto tiempo de carrera. Estuvo muy guay.
En este trabajo mezclais hardcore, punk, rock y pop. ¿Por qué?, ¿cómo encuentra Apologia su sello personal con esta mezcla?
Nosotros nos definimos como punk rock, ya que creemos que es donde vamos a parar siempre. Cada miembro del grupo escucha música diferente, pero con un nexo común y ahí donde cocinamos todos los ingredientes para hacer nuestra música. ¿Influencias? Muchas, pero Berri Txarrak, EUKZ o Desakato son los tres referentes.
Irrumpisteis con «Amb Pluja i Amb Fred», junto a Xavi Sarrià. ¿Cómo fue trabajar con él?
Xavi es referente para nosotros, a nivel musical y político. Además, tenemos la suerte de ser amigos desde hace mucho tiempo y cuando se lo dijimos, no dudó en subir a Borriol para grabar, aunque lo pillamos a mitad de gira. Desde que la tocamos la primera vez en el local, sentíamos que la canción nos pedía la voz de Xavi y fue un orgullo poder hacerlo realidad.
En el disco también colaboráis de Maluks y Tatiana Javaloyes. ¿Cómo surgen?
Cuando entramos en estudio, Maluks aún no había publicado ninguna canción, pero habían estado grabando también con Sam Ferrer, que estaba ultimando las mezclas. Nos puso una canción de ellas y nos enamoramos. Fue en ese momento cuando supimos que queríamos colaborar con ellas. «Antifeixistes» era una canción en la que queríamos que participaran compañeras con más flow que nosotros y pensamos en Maluks. Cuando vinieron a grabar, nos dejaron con la boca abierta, ¡son unas cracks! En cuanto a Tatiana, es una de las mejores voces de nuestra comarca. De hecho, ha estado un par de veces a punto de entrar en algún programa de la tele de mucho renombre. Pedro quería unos coros concretos y bastante difíciles, que requerían de mucha técnica, por lo que encontrar a una persona que lo pudiera hacer, era tarea complicada. Pero un día, actuó en el Casal Popular de Vila-real y dijimos: «es ella».
«Desperte» fue vuestro último single. ¿Por qué esta canción?, ¿cómo fue trabajar con Alma Batalla?
«Desperte» era una manera de bajar las revoluciones y mostrar la cara más personal de Apologia, esa que no habíamos enseñado en los dos anteriores singles: más rockers, más rápidos y con letras combativas. Trabajar con Alma ha sido muy fácil, es muy buena profesional, además de ser buena amiga, por lo que la implicación ha sido aún mayor. Quedamos con ella un día, le contamos lo que teníamos pensado y, enseguida, empezó a lanzar ideas super chulas. Le hemos hecho trabajar mucho y siempre a contracorriente. Y su respuesta ha sido espectacular.
¿Qué importancia tiene para vosotros el mensaje?
Mucha. El propio nombre del proyecto lo dice. Hacer Apologia es defender a todo el mundo y, para nosotros, hacer música es defender todo aquello que sentimos y creemos, de sacar todo lo que llevamos dentro. Toda la música tiene mensaje, has de buscarlo.
¿Cómo veis el panorama musical del País Valencià?
Creemos que está más fuerte que nunca y eso es evidente en lo que respecta a grupos, público y trabajos de calidad. Aún así, queda mucho trabajo, especialmente en las comarcas del Nord, de donde venimos. A pesar de ser una de las zonas con mayor catalano-parlantes, es donde menos grupos cantan en la lengua propia. Pero hay esperanza.
Próximos pasos de la banda.
Tocar, tocar y tocar. Rodar el disco, hacer un directo fuerte y seguir creciendo. Aunque ya estamos trabajando en nuevas canciones, no queremos que pare la rueda.
La mayor locura cometida por la música.
A nivel de grupo, pasar horas y horas, durante días en el local de ensayo, después de trabajar las 8 horas de cortesía. A nivel personal, un miembro de la banda ha seguido a Berri Txarrak en su gira de despedida por todo el estado: en total, 19 conciertos. Creemos que han estado a punto de denunciarlo y todo [risas].
Con un tesón increíble y unas ganas de trabajar inmensurables, Atraco llegó a escena con su debut homónimo y consiguieron revolucionarlo todo de arriba a abajo. Incansables, viajaron hasta Argentina para presentar sus temas y han colaborado con artistas de primera línea en lo que a rock&roll se refiere. Y lo cierto, es que es una auténtica maravilla. Ahora, se encuentran ya pensando en su siguiente trabajo. Hay Atraco para rato.
Hace algunos días, pudimos charlar un buen rato con Diego, vocalista de la banda. Mucha atención a todo lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto del álbum «Atraco»?
Pues el disco, la verdad, es que era algo como lógico, que tenía que llegar, tenía que suceder en algún momento porque llevábamos mucho tiempo con la banda, llevábamos desde 2012. Íbamos haciendo temas, íbamos haciendo temas, y al final, teníamos como esa cosa de querer sacar EPs o maquetas, y nos apetecía sacar un disco con 11 o 12 temas y decir: «bueno, esto es lo que tenemos». Por lo tanto, viene un poco de ahí. Era algo que tenía que suceder.
¿Cómo ha sido la acogido desde que salió el disco?
La verdad es que ha ido in crescendo. Porque nos hemos dado cuenta al sacarlo, que es algo que es un proceso que tiene un largo recorrido. Tú sacas un disco y le va llegando a la gente de una manera muy escalonada. Primero hay una oleada de gente que te va dando su feedback, pasados unos meses hay otra oleada y así sucesivamente. Siempre hay como un goteo de gente que te da su opinión del disco. Y, por suerte, casi todas han sido buenas.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del disco?
Pues la verdad es que tampoco hubo un proceso como tal, porque eran temas que llevábamos acumulados de hace tantos años, no tuvimos un método concreto. No dijimos: «tenemos que componer un disco, consigamos tener 14 canciones y que después se queden 11». Todo esto, nos pone en un compromiso, porque en el próximo disco sí que vamos a tener que seguir un poco este proceso y decir: «tenemos dos años para componer X temas». Ahora, es lo que se suele decir de que el primer disco es el mejor, porque es para el que has tenido más tiempo y, además, has tenido más tiempo para vivir esos temas.
¿Cuál es el sello identificativo de Atraco?
Pues yo diría que la locura, que se refleja bastante en el disco, pero sobre todo en los conciertos. Esa energía y ese buen rollo, ese sentir y ese querer que todo sea una fiesta, creo que lo transmitimos y queda muy bien reflejado en el disco.
¿Y qué inspira Atraco?
Nunca hemos sido una banda que quisiese cambiar el mundo como premisa principal. Lo que nosotros queremos inspirar es que el tiempo que una persona nos ve sobre el escenario. se olvide de sus problemas. Con nuestros directos y nuestra música, queremos ayudar a la gente a evadirse y a olvidarse e invitar a bailar y a gozar. «Hacemos rock&roll y no vamos más lejos», como decía Leño.
¿Creéis entonces en el poder de la música como algo curativo?
Sí, creemos que es una de las grandes cosas que tiene la música. Lo primero, es que es muy capaz de unir a las personas o de hacernos entender muchas situaciones gracias a ella. Pero también es capaz de hacer que la gente se evada o de que recuerde buenos momentos. Es como comerse el cocido de la abuela, que te sana por dentro. Pues tal cual [risas].
Volviendo un poco al disco, hemos podido escuchar algunas colaboraciones como con Ariel Rot o Alejo Stivel. ¿Cómo surgen un poco todas ellas?
La verdad es que ellos conocen nuestro proyecto, tanto ellos como Julian Kanevsky y Juanse. Y creo que, de alguna manera, se sienten identificados con lo que hacemos y se ven un poquito reflejados. Ellos han sido jóvenes, también han tenido bandas y saben lo que es admirar a alguien. Por ejemplo, Tequila colaboraron en el disco «Fiebre de vivir» de Moris. Así que el vivir ese tipo de experiencias al principio de una carrera, hace que a lo mejor, también posteriormente, se vuelquen. Es como un ciclo. Es como que se lo regalas también después a otra persona o a otra banda.
Habéis estado de gira por Argentina también. ¿Cómo vivisteis los conciertos allí?, ¿cómo fue?
Pues la verdad es que es maravilloso. Es un país que trata el rock&roll y la cultura de una manera increíble. Muchas veces, cuando la gente nos pregunta cómo sienten el rock&roll allí, no sabemos cómo contestarle. Porque en Argentina, desde una niña de 7 años hasta un anciano de 107, sabe quién es Juanse de Ratones Paranoicos, sabe cómo es un concierto de ellos y se sabe, mínimo, tres temas. Y, además, lo vive. Y aquí creo que no hay ninguna figura parecida a lo que pueda significar Juanse allí. Para ellos es un sentimiento más. La cultura argentina tiene una cosa muy curiosa y es que consigue coger cosas que no son propias, como el fútbol, y lo hace suyo. Y no solo eso, también lo convierten en un sentimiento y la sociedad palpita con ello. Es curioso y es maravilloso. Ver a la gente vivir nuestro concierto, ver cómo viajaron para vernos, fue increíble.
Precisamente, un poco el homenaje a esa visita a Argentina, lo hemos visto en el videoclip de «Amigos de poca monta».
Sí, es una suerte haber podido reflejarlo en ese vídeo. Nos lo hizo un amigo de allí de Argentina, que se llama Damián Pantaleone y es un verdadero genio. Nos acompañó durante todo el viaje y pasamos muy buenos momentos con él.
¿Qué canción refleja el momento en el que se encuentra Atraco y por qué?
«Sábado en la noche» de Moris. Porque últimamente salimos mucho los sábados en la noche a tocar [risas].
Un escenario en el que tocar.
En el de La Riviera.
Un escenario al que volver.
Jo, qué difícil. Te voy a decir la Sala RockSound de Barcelona.
Alguien con quien compartir escenario.
De nuevo con Tequila.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Atraco?
Pues seguir componiendo el siguiente disco, terminar la gira en la Sala El Sol de Madrid y preparar el verano de 2020, con todo lo que es el tour de festivales, Y, por supuesto, seguir adelante.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido vosotros por la música?
Pues la verdad es que no sé cuál es la mayor locura que he cometido por la música, porque seguramente cualquier cosa que hayamos hecho, para las personas que no estén metidas en esto, sea una locura. Pero sí que te puedo contar algo muy loco que nos pasó por la música. Una vez nos dejamos parte del equipo olvidado en la calle y, claro, las personas que se lo encontraron fliparon. Porque había una maleta entre el material, con pedales de la guitarra, con cables. Y al abrir, encontraron el setlist y leyeron: «Atraco en Cruz Roja», que era donde tocábamos. Pero claro, al seguir viendo los títulos de las canciones: «Carro blindado», «Pólvora Ardiendo», se asustaron aún más. Y llamaron a la policía enseguida, porque pensaron que se trataba de algo grave. Al final, terminamos yendo, explicando y demostrando que todo ese material era nuestro y que, bueno, que éramos una banda y que íbamos a tocar [risas].
Después de haber sorprendido el pasado año con su «Nunatak y el tiempo de los valientes», con el que nos dieron una lección en toda regla, desde Cartagena regresan de nuevo Nunatak. En este caso, con una aventura nueva: «Nunatak y las flores salvajes». Un cuarto disco en el que evolucionan, se hacen mayores y su personaje da un paso más. Como ellos.
Aprovechando este recién lanzamiento, hace unos días nos sentamos con Adri, vocalista de la banda, y esto es lo que nos contó sobre Nunatak. Mucha atención.
¿Cómo surge el concepto de este «Nunatak y las flores salvajes»?
Pues estuvimos mucho tiempo dándole vueltas, sobre todo a la idea de si hacíamos un disco conceptual o si preferíamos seguir con la trayectoria de los anteriores discos; de si seguíamos un poco con la estela o si nos liberábamos un poco y hacíamos canciones, cada una de una temática. Y al final, hemos hecho un híbrido. Entonces sí que hay un concepto que está presente en el disco, en el nombre y en algunas canciones. Pero el grueso de ellas. no siguen un único hilo conductor. Lo que hemos querido representar con «las flores salvajes» es la idea de buscar la belleza en lo auténtico y en lo imperfecto, sin centrarte tanto en detalles como la foto perfecta de Instagram o el «sold out» en determinada sala. Este disco aboga por la belleza de la mediocridad y de la imperfección.
El amor, la familia o la situación política son algunos de los temas que aparecen en el disco, ¿crees que la música debería rescatar aún más este tipo de temáticas más cotidianas?
Yo siempre lo he visto así, aunque creo que la música no parece demandar eso. De hecho, la música que más se consume habla de cosas muy superfluas y muy banales. Y a nosotros, nos gusta consumir un tipo de arte un poco más trascendental, que tengan más poso, que te hagan reflexionar o que te emocionen. Sí que creemos que la música debería dejar un poco más de hueco y debería invitar más a pensar cómo van las cosas y reflexionar.
El álbum vio la luz en octubre, ¿cómo está siendo la acogida?
La verdad es que está siendo muy buena. De momento, no hemos tenido demasiadas ocasiones de presentarlo en directo, pero por redes sociales, la gente nos está diciendo cosas muy guays, los medios de comunicación nos están diciendo cosas buenas y nuestros colegas también, que eso es muy importante [risas]. Ahora a ver qué tal va funcionando en directo, aunque creemos que la gente reaccionará de manera positiva, porque las sensaciones son muy buenas.
Fotografía: Lourdes Martínez
Hablando un poco del concepto de este disco, observamos mucho la presencia del «Nunatak y…» en los títulos, como si se tratara de una saga muy cinematográfica o literaria. ¿Por qué apostar por esta fórmula?
Nosotros somos muy cinéfilos y seriéfilos, aunque sí que es cierto que somos malos lectores. Pero al final, todo esto viene muy del rollo sagas, que nos encantan. Así que nos imaginamos a Nunatak como un personaje que vive aventuras y, por decirlo de alguna manera, en cada disco pasa por unas diez pruebas, que le hacen cambiar, evolucionar, crecer. Aunque en este disco ya se ha hecho mayor y, como nosotros, se enfrenta a la paternidad [risas], porque en Nunatak han nacido tres niños en el último año.Y, bueno, es un poco el reflejo de nosotros mismos plasmado en Nunatak y una aventura.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Nunatak y las flores salvajes»?
Pues fue todo muy rápido, porque sacamos en marzo de 2018 «Nunatak y el tiempo de los valientes». Después del verano, vio la luz el primer single de las «Sesiones Valientes» y ya en 2019, salió el último de estos singles. Además, coincidieron en el tiempo la grabación de la última colaboración con Carlos Sadness y la de «Creéme», primer single de este nuevo disco. Así que ha sido todo una locura de solapamientos, de ir con la lengua fuera, de correr. Pero estamos muy contentos con el resultado. Aunque pensaba que no llegábamos [risas]. Ahora cuando pase un poco de tiempo, podremos analizar más fríamente.
En este trabajo, habéis vuelto a trabajar con Raúl de Lara. ¿Cómo ha sido la experiencia?
Pues muy bien, la verdad. Con él tenemos ya un vínculo muy especial creado, ya nos conocemos y sabemos por dónde quiere ir cada uno. Así que ha sido muy fácil y muy agradable. Además, trabajar con Raúl es un placer porque es un máquina y siempre tiene soluciones para todo. Se ha sumado al carro y ha estado dándolo todo con nosotros, a pesar de los tiempos tan ajustados que teníamos.
Además, Jorge Guirao de Second también ha colaborado en este disco. ¿De qué manera lo ha hecho y cómo surge?
Pues precisamente hablando con Raúl, le comentamos que queríamos darle más peso a las guitarras. Entonces él nos propuso contar con Jorge, que es el mayor friki del universo en lo que se refiere a guitarras y también de teclados. Pero principalmente de guitarras. De hecho, tiene un arsenal increíble y se lo trajo al estudio. Meterlo todo nos llevó un buen rato [risas]. Así que, bueno, entre él, nuestro guitarrista Gonzalo y Raúl han ido canción a canción, mirando qué efectos se les puede meter. Ha sido un trabajo muy chulo de orfebrería, que creo que se nota y se va a notar.
De hecho, si bien es cierto que seguís teniendo ese sello folk tan Nunatak, pero empieza a observarse un cambio en cuanto a potencia de sonido. ¿A qué se debe eso y cómo surge?
Pues teníamos muchas ganas, la verdad. Sí que es cierto que en el anterior disco ya empezamos a meter un poco más de empaque de guitarras. Y ha sido así porque hemos tenido una evolución muy progresiva: comenzamos de manera muy acústica y, poco a poco, hemos ido derivando a la electrónica. Y en este disco, sí que hemos eliminado un poco lo que son los vientos y las cuerdas, que solo están en un tema, para introducir elementos más eléctricos, para darle más fuerza y más contundencia. Y es algo que se notará en los directos. De hecho, yo que siempre estoy acostumbrado a tocar la guitarra acústica, voy a dejarla más y voy a empezar a coger la eléctrica. En definitiva, estamos muy contentos con este cambio, porque queremos empezar a mostrar una cara nueva de Nunatak.
¿Cómo afrontáis el momento directo?
Pues con muchísimo trabajo, hemos currado como cabrones para llegar. De hecho, los conciertos de Valencia y de Barcelona fueron los primeros de esta gira y aunque estaba la cosa súper ensayada, los nervios se notaban, estaban ahí.
Una canción que defina el momento en el que estáis.
«Ya he ganado», de Nunatak.
¿Por qué?
Porque estamos en un momento en el que hemos trabajado duro, hemos remado muchísimo y aún no ves la luz del camino y te sientes un poco frustrado, porque piensas que no llegas. Sin embargo, últimamente me han pasado cosas en la vida que me han hecho darme cuenta de lo que es verdaderamente importante.Y como esa parte de mi vida está cubierta, me siento tranquilo.
Un escenario en el que tocar por primera vez.
En el de MadCool estaría muy guay.
Un escenario al que volver.
A la Plaza del Trigo del Sonorama. O al BBK, que también es la hostia.
Un artista o banda con el que compartir escenario.
Con Bon Iver o con Foo Fighters.
Próximos pasos de Nunatak.
Pues ahora estamos inmersos con esta nueva gira de salas, con la que paramos en Navidad peri que retomaremos a partir de 2020 con muchísima fuerza y energía.
La mayor locura que hayas cometido por la música.
Pues haber tenido un hijo y estar de promoción [risas].
Al más puro estilo rock y directamente desde Colombia, hemos conocido a Tr3sdecorazón. Con cerca de dos décadas de recorrido y siete trabajos de estudio, hace apenas unas semanas, la mítica banda visitó nuestro país, recorriendo de este modo diferentes escenarios y ciudades. Barcelona, Madrid y Valencia fueron testigos de la descarga de energía, watios y potencia que los colombianos gastan en todos y cada uno de sus directos.
Precisamente, tras tres de sus fechas realizadas con éxito y antes de la cuarta en Valencia, pudimos hablar por teléfono con Sebastián Mejía, voz y guitarra de la banda. Y nos contó todo esto, no pierdas detalle.
Esta es la primera vez que estáis en España, ¿cómo os sentís?
Primero de todo, queríamos enviar un saludo a todos los lectores: nosotros somos Tr3sdecorazón.
Sí, esta es nuestra primera vez en Europa, nuestra primera vez en España. En 17 años que llevamos de carrera, apenas tuvimos la oportunidad de «cruzar el charco», como decimos nosotros. Y la verdad es que estamos muy contentos de habernos encontrado todo lo que nos hemos encontrado. Tuvimos unas fechas en Barcelona, Madrid y Valencia y estamos muy felices de haber venido, porque este es un país con mucha tradición rockera, con mucha historia. Ha sido un placer tocar en estos pequeños sitios en los que hay, obviamente, muchos colombianos, pero también muchos españoles dispuestos a escuchar tu música. Es algo que nos alegra mucho.
Ya habéis realizado los conciertos que teníais previstos en España, ¿cómo los habéis vivido y cómo veis al público español?
Estos conciertos han tenido una característica importante y es que, principalmente, ha sido público colombiano el que ha venido a vernos. Y ha sido muy emotivo, la verdad. Porque es gente que, en cierta manera, extraña lo que hay allá en Colombia, en la cotidianidad. Así que fueron conciertos emotivos y la gente estaba muy entusiasmada con el repertorio que hicimos, que básicamente estuvo basado en los clásicos de la banda. Aunque también se nos ha arrimado público español, en Barcelona especialmente. Y en Madrid, pudimos conocer a diferentes artistas y bandas locales, con quienes pudimos compartir experiencias e historias, especialmente sobre el punk radical vasco o la Movida Madrileña, movimientos de los que el rock vasco y nosotros mismos, hemos bebido mucho.
A pesar de estas influencias, vuestra música es un rock con mucho sabor a Medellín. ¿Cómo influye la propia cultura colombiana en ella?
El ser de allá, tener nuestra vida. Todo eso influye, desde el primer momento en el que decidimos dar el salto y hacer música. Pero todo ello, se reinterpreta y se adapta al propio lenguaje y sonido de cada uno. Y Tr3sdecorazón, durante estos 17 años, ha logrado consolidar un sonido propio, que es muy sencillo, pero que tiene también mucho contenido cotidiano y nos gusta darle valor a esas pequeñas cosas de la vida que, muchas veces, tendemos a minusvaloraras. Así y todo, para nosotros estos detalles son muy importantes. Al final, no podemos olvidar que nosotros venimos de una ciudad compleja, con mucha historia y muy marcada por episodios violentos por culpa del narcotráfico, especialmente en los años 80 y 90. Por eso, queremos dar relevancia a las historias cotidianas y bellas de la gente. La manera en la que lo cantas, en la que lo cuentas, le da mucho color a todas ellas.
7 discos de estudio y 17 años de carrera, ¿de qué manera ha evolucionado Tr3sdecorazón?
Yo creo que, sobre todo, hemos afianzado un sonido. No somos una banda muy experimental, somos lo más orgánicos y espontáneos posibles. Pero hemos logrado pulir la manera que tenemos de tocar las canciones. Eso es algo que hemos procurado mantener durante estos 17 años, disco tras disco. Y, afortunadamente, después de tantos años, creo que eso es algo que hemos sabido mantener y lograr. Creo que cuando escuchas Tr3sdecorazón, sabes que es Tr3sdecorazón. No somos una banda que haya mutado mucho, en lo que a sonido se refiere. Que no es que no nos guste o que no lo hagamos, pero simplemente consideramos que debemos seguir por esta línea y que está bien lo que hacemos, tal y como lo hacemos.
Además, durante todos estos años, habéis compartido escenario con bandas como Good Charlotte, Green Day, Molotov o Juanes, entre otros. ¿Cómo habéis vivido estas experiencias?
Sí, lo cierto es que durante nuestra carrera, hemos tenido el privilegio de compartir escenario con todas esas bandas grandes que mencionas. Y nosotros lo que hemos hecho, ha sido aprender de todos ellos y de todas estas experiencias que hemos vivido. Al final, nosotros somos una banda independiente y, de repente, no tenemos las oportunidades que tienen estas bandas en el mercado, porque al final son bandas impecables, con historia. Nosotros somos una banda que estamos en otro nivel, más underground. Así que lo mejor que podemos hacer en estas situaciones es aprender mucho y admirarlos. Pero sobre todo, observar y ver qué podríamos implementar o qué podríamos hacer por mejorar.
¿Cómo veis el panorama musical en Colombia y cómo de complicado es acceder a la industria allí?
Colombia es un país netamente tropical, donde su mainstream o su gran mercado está en los sonidos más tropicales, mezclados con los alternativos. Se ha convertido en una Meca de la música y la cultura en Latinoamérica, porque hay gran apetencia en el mundo por este sonido colombiano, de la cumbia, de la música andina. Es un país multicultural, en el que podemos encontrar diferentes sonidos. Eso en cuanto a la música colombiana. En cuanto al rock, también es un país que tiene gran público, que tiene muchos rockeros y por el que pasando también muchos artistas históricos del género. Así que hay, en ese sentido, contamos con un gran mercado underground. A lo que nos hemos tenido que adaptar todos, sin excepción, es a las nuevas tendencias y modo de consumir música: a las plataformas digitales, ya que ya no se venden tantos discos físicos; y a las redes sociales, a través de las cuales conectamos con nuestro público. Eso creo que ha facilitado que mercados más pequeños puedan darse aún más a conocer.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Tr3sdecorazón?
Pues tras la gira por España y al regreso a Colombia, publicaremos un nuevo sencillo a finales de mes, que será como el abre-bocas de lo que será nuestro próximo disco, que llegará previsiblemente en febrero. Y nada, inmersos en todo lo que es la producción. Así que estamos con mucho trabajo por delante.
¿Os volveremos a ver en España con disco nuevo?
Qué más quisiera ya [risas]. Ojalá que sí.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Es difícil [risas]. La mayor locura que he cometido yo por la música es haberlo dejado todo y comenzar con esta banda. Pero ha sido una locura fascinante, la verdad
Con «Supremacy» ya en la calle, Juan Saurín está inmerso en la gira de presentación de este nuevo trabajo. Un álbum conceptual que contiene toda una historia detrás. Y trabajo, sobre todo trabajo. Todo ello, queda patente cuando escuchas el disco. De principio a fin.
A raíz de este lanzamiento tan especial, pudimos hablar con el propio Saurín, para descubrir qué se esconde tras este «Supremacy». Y ojo, que hay mucha miga detrás.
¿Cómo surge todo el concepto de «Supremacy»?
Siempre me ha gustado darle un aire conceptual a todos los discos, es algo que personalmente me encanta, para hacer de los discos un «todo», entre música, el diseño gráfico del disco o el orden de las canciones, entre otras cosas. Y en este caso, la inspiración vino al ver, día tras día, la decadencia del ser humano, hasta qué punto se cree un dios para hacer lo que quiera sin tener en cuenta ni su entorno ni sus iguales. «Supremacy» trata sobre esa decadencia que finaliza inevitablemente en la autodestrucción.
¿Por qué darle esta visión conceptual y estructurarlo en dos parte y un epílogo final?
A medida que iban surgiendo los temas, que en el caso de este disco ha sido más natural que nunca, me iban sugiriendo esta estructura. Entre las partes hay sonoridades comunes que te sugieren ser una misma parte de un tema más global pero con diferencias obvias. Fue básicamente lo que me pedía en el momento en el que empecé a trabajar el orden de las canciones, y creo que ha quedado muy bien, con mucha lógica.
Precisamente, «Supremacy» nos hace viajar por diferentes estados, emociones y actitudes del ser humano, como ese afán de superioridad o esa propia autodestrucción. ¿Por qué hablar de estos temas?
Es lo que me inspiró sin duda a hacer este nuevo disco, y dado el momento que estamos pasando, creo que refleja a la perfección hasta qué punto el ser humano vive una decadencia de valores y de respeto por la naturaleza e incluso sus iguales. Son momentos muy tristes la verdad. A pesar de todo este cariz apocalíptico, espero de verdad que «Supremacy» sea más bien una advertencia y no una profecía.
Este trabajo vio la luz el pasado 18 de octubre, ¿cómo ha sido la acogida?
Muy buena, la verdad. El disco se está vendiendo muy bien, y en muchos casos ya lo catalogan como mi mejor trabajo. La respuesta del público y de los medios está siendo genial, tenemos más actos y promo que nunca, y nos han llegado una gran cantidad de mensajes de felicitación. Estamos muy contentos con el camino que está siguiendo este nuevo disco.
Un titular que defina este álbum.
SESENTA MINUTOS DE INTENSIDAD Y EMOCIÓN SIN DESCANSO.
¿Cómo entiende Juan Saurín el metal instrumental melódico?
Pues básicamente sería la fusión de rítmicas propias del metal con sonidos solistas dándole protagonismo a ambas por igual. Lo importante es hacer canciones. No soy muy partidario de hacer temas que parezcan que olvidan la base rítmica, para mí todo debe tener su protagonismo y siempre hay que busca ese equilibrio que haga del tema algo grande y contundente.
¿Cómo se refleja la madurez de Juan Saurín en este trabajo?
Quizás en la naturalidad. «Supremacy» no ha sido un álbum muy difícil en lo compositivo, ha salido todo de forma muy natural. Cuando escucho los temas y veo las estructuras, riffs y solos, y recuerdo la naturalidad con la que salieron, me siento muy orgulloso de haber llegado a un punto donde tanto la composición como más tarde la interpretación, se disfruta tanto. Es una sensación fantástica.
¿Cómo surge toda la idea del artwork junto a Ángel Polo?
Ángel Polo es un grande sin duda de la ilustración. La idea que te comentaba anteriormente, Ángel ha sabido plasmarla en este Digipack Especial de manera sobresaliente. Ha propuesto muchas ideas y básicamente ha dado en el clavo. La ambientación de «Supremacy» le debe mucho a Ángel Polo.
¿Cómo fue trabajar con todo el equipo de profesionales y músicos, como Matt de Vallejo, Andy C, Anti Horrillo y Pepe Herrero?
Como siempre un lujo enorme. Ya son varios discos trabajando con ellos, y el resultado es siempre de diez. No es que tan solo sean unos músicos y técnicos de un nivel impresionante, es que además son unas personas increíbles. Poder contar con ellos es lo que hace que todo vaya tan rodado y que suene de esta forma. Son gente maravillosa en todos los sentidos.
¿Qué importancia tiene la imagen en el proyecto de Juan Saurín?
Siempre intentamos que cada disco tenga su imagen, su historia, su sonido, y evidentemente, para este hemos optado por el sonido más oscuro que nunca hemos sacado y la imagen va directamente en esa dirección. En la imagen tiene mucho que ver nuevamente Ángel Polo, y lo ha vuelto a clavar.
¿Cómo fue todo ese proceso de creación, composición y posterior autoproducción?
La composición fue relativamente sencilla e intensa, quizás ha sido el disco más “fácil” de crear a priori, luego la mezcla siempre es un punto crítico y complicado hasta que conseguimos darle el sonido que queremos. En cualquier caso no ha sido excesivamente difícil, poder contar con Andy C en la Grabación y Anti Horrillo en la mezcla y master hace mucho, son enormes profesionales que ayudan muchísimo a la hora de sacar el sonido que buscábamos.
Cuarto lanzamiento de Juan Saurín, ¿cómo has evolucionado?
Creo que la evolución más evidente es haber dejado ya muy perfilado el sonido y el estilo compositivo que empezamos con Génesis y que de alguna manera en «Supremacy» se ve ya muy claro y con más fuerza que nunca
¿Cómo crees que ha cambiado la industria musical, desde que te iniciaras en el mundo de la música?
Bueno, sigue más o menos igual, ya cuando empecé hace cuatro años todo estaba en internet y sigue estando ahí. Creo que lo más importante es siempre ofrecer algo más, no pensar únicamente en la música. El disco tiene que tener un extra que en nuestro caso lo aportamos con lo bien trabajado que esta el digipack para que aun siendo un disco instrumental, tenga su mensaje claro en los textos e ilustraciones que componen este digipack, y además en este caso, incluimos de regalo el EP «Human Sinfónico» que publicamos el año pasado. Todo tiene la intención de ofrecer algo de mucha calidad para que los que compren la edición física, que además es especial y numerada, tenga un plus que lo haga muy atractivo y que vean su inversión muy justificada.
¿Consideras que se ha perdido el poder del disco como discurso, tras todos los cambios que se han experimentado a la hora de consumir música?
Como te comentaba antes, en los tiempos que corren toca darle muchas vueltas a la cabeza y ofrecer algo más, algo de calidad que lo haga más atractivo. Todo tiene que estar muy bien pensado y muy trabajado. Que el público note que es un producto de calidad, no algo hecho deprisa y corriendo.
¿Cómo ves la nueva escena musical emergente?
Es tremenda, hay mucho nivel actualmente. La lástima son la falta de oportunidades y el apoyo de los grandes medios que aún siguen despreciando el rock y el metal sin conocimiento ninguno. Tenemos que seguir peleando y sobre todo darlo todo para nuestro público, que sin duda es el más fiel y apasionado que hay.
Próximos pasos de Juan Saurín.
Ahora mismo preparar los directos, que ya te puedo adelantar que suenan brutales en los ensayos. Tengo la enorme suerte de poder contar con la enorme banda INFERNALE, para los directos, y es algo sencillamente brutal. Hay muchas ganas de empezar a rodar ya. Durante estos meses estaremos de promo y preparando la agenda ya para 2020, que tiene muy buena pinta.
¿Cuál es la verdadera locura que has cometido por la música?
Sacar discos de Metal Melódico Instrumental (risas). Hay que estar muy «chalao» para sacar discos de este rollo hoy en día, pero es una necesidad «biológica», y en mi caso particular no puedo quejarme ni un poco. Hemos conseguido muchísimo en estos cuatro años, y en ese camino seguiremos.
Muchísimas gracias por esta fantástica entrevista y por todo el apoyo a la escena del Rock y el Metal. Sois parte importantísima para poder llegar al máximo de público posible. ¡¡¡Muchísimas gracias!!!
En plena vorágine musical, Nunatak volverán para encender aún más, si cabe, nuestras vidas. Incansables e incombustibles, más pronto de lo que pensamos, los murcianos regresarán con un nuevo álbum bajo sus brazos. Un nuevo álbum que sigue con la saga y que llevará como título, «Nunatak y las flores salvajes». Un nuevo álbum, que como un rayo, nos iluminará el próximo 25 de octubre.
Sin embargo, antes, podemos disfrutar ya de alguno de los adelantos de la banda, que han llegado ya a nuestras vidas con el objetivo de romper el hielo, de abrir la brecha, de demostrar que Nunatak son más Nunatak que nunca. Y es que «Todas las campanas» es ya el tercer single de este inminente trabajo. Una canción que destaca por la potencia y contundencia, tanto de sus guitarras como de sus estribillos, en los que la voz de Adrián adquiere una nueva dimensión, mucho más desatada y sin complejos. No es para menos, porque en este tema re-descubren todas las relaciones que han vivido y las vueltas al sol que ya han dado, no sin olvidarse de lo duro que fue el inicio, de los sacrificios que tuvieron que hacer y del torbellino inicial en el que se vieron envueltos. A pesar de todo ello, los murcianos han mostrado una total capacidad de transformación y adaptación: se han convertido en una banda nueva, en una banda aún mejor.
Una canción que ha venido acompañada de su respectivo videoclip, en el que también dan un paso más y ofrecen una nueva visión de su proyecto. Adrián Gutiérrez ha sido el encargado de dirigir, diseñar y animar esta pieza, en la que se entremezclan elementos de animación modernos y otros más clásicos, acompañados de una pareja de bailarines quienes ponen el broche en forma de pura expresión y movimiento a este cuento.
Lo que se avecina con «Nunatak y las flores salvajes»
Después de dejar el listón alto con «Nunatak y el tiempo de los valientes», la banda promete un regreso aún más épico, más maduro. Lo hará marcando unas altas expectativas que seguro se sale por la tangente de todo lo que acontece en la escena musical nacional. Y el mismo 25 de octubre seremos testigos de ello.
Concebido durante varios meses de trabajo, el cuarto trabajo de Nunatak adquirió forma en los AMA Estudios (Los Dolores, Murcia), bajo el comando de Raúl de Lara, productor con el que ya trabajaron en su álbum previo.
Y, por supuesto, en medio de este inminente lanzamiento, no pueden faltar las primeras fechas de presentación de «Nunatak y las flores salvajes». A falta de más fechas por confirmar, Nunatak visitarán Logroño (27 de septiembre), Zaragoza (28 de septiembre), Valencia (22 de noviembre), Barcelona (23 de noviembre), Pontevedra (29 de noviembre), Madrid (30 de noviembre) y Cartagena, su casa (14 de noviembre). ¿Pasan por tu ciudad? Rápido y consigue ya tu entrada en su página web.
Después de una creciente y meteórica carrera que surgió en la ciudad condal, Digo Detroit están de vuelta. Se avecina un nuevo trabajo, bajo el nombre de «Cosas que nunca veremos y siempre explicaremos». Un trabajo que podremos escuchar en breves, pero mientras tanto, para matarnos el gusanillo de la curiosidad, podemos disfrutar del primer single de este tercer disco. Un single que, cómo no, viene acompañado de una espectacular videoclip, que verá la luz hoy mismo. «Trendencia» ya está en la calle: ya es nuestro, ya es vuestro, ya es de todos.
Todo lo que implica «Trendencia»
Como primer single de este inminente trabajo, «Trendencia» marca una nueva dinámica de la banda, creada en Barcelona allá en 2012. Y es que desde ese momento, han pasado ya siete años y Digo Detroit ha evolucionado, adaptándose a los nuevas sonoridades y estilos.
«Trendencia», single grabado en Estudios Reno con Luca Petricca a los mandos, se alza como un grito contra una sociedad autómata, absorbida por el ego y la tecnología. Unas actitudes que nos atrapan y encadenan, impidiéndonos vivir la vida, vivir la realidad. Todo ello se refleja y se complementa con el videoclip que, con una ambientación totalmente futurista, ya ha supuesto ya una verdadera revolución. Y es que en apenas 24 horas, ya acumula más de 20.000 reproducciones.
Un primer adelanto que, sin duda, nos da señales de cómo sera el resto del álbum. Se observa muy bien el cambio de la banda, esa capacidad de adaptación y de, por supuesto, sorprendernos. Seguimos observando esas influencias del R&B americano, mezclado con el pop-rock más independiente. Sin embargo, se aprecia un gran cambio en lo que respecta a la sonoridad: Digo Detroit regresan con un sonido más directo y contundente, en el que los sintetizadores envolventes adquieren una nueva dimensión. De esta manera, los barceloneses están virando hacia una progresión instrumental, que no descuida la contención para, finalmente, llegar a un crescendo reivindicativo.
Después de haber lanzado «Squirt» y de haberse presentado con su potente directo por todos los lugares posibles, Gallos se preparan para su siguiente asalto. Acuérdate, apunta la fecha y el lugar, porque van a dar mucho de lo que hablar: el 11 de octubre, los madrileños reventarán la Sala El Sol. Y es que al grito de «Rock & Roll en tu puta cara», pondrán del revés el escenario de la capital.
Presentándose con este trabajo, Gallos presenta los paisajes más modernos del rock con un sonido mucho más actual. Grabado en directo, y producido y mezclado por Iván Chapo González (M-Clan) en Audiomatic Studio (Madrid), con las colaboraciones de Sergio Valdehita (Sidecars, Iván Ferreiro) y Luis Pinel (Aurora & the Betrayers) a los teclados. Ellos son así, ya nos lo avanzaron cuando los entrevistamos: «seguimos haciendo el rock de toda la vida, pero a nuestra manera, importándonos solo el cómo. Y ese cómo, tiene que ser sucio, elegante y mojado». Gallos son Gallos y vienen a dejar huella.
Una potencia que se mantiene en el disco y que de traslada a los conciertos. La amplia trayectoria de los madrileños lo demuestra. Valencia, Soria, Vigo, A Coruña, Sevilla, Ourense, entre otras ciudades de la península. Ahora toca el turno de su ciudad, Madrid. Y por supuesto, va a ser sumamente especial. Para esta cita tan especial, la banda pretende abrir la caja de pandora, durante la hora y media que dure el espectáculo. Además, contarán con la banda valenciana INC, encargada de abrir la noche: la gran noche del rock en español.
Pero, ¿quién es quién en Gallos? Nacho Carballo, Pablo de Pablo, Alejandro Ruiz y Laura Solla son los componentes de esta sólida banda, que deja mella con sus directos a su paso. Un rock con aire clásico pero con la fuerza, peso y actitud que respira la escena moderna.
Driive han vuelto a hacerlo, han vuelto a sorprendernos. Después de lanzar su primer EP («Strange is Good») y su álbum debut en noviembre, «Hideaway», en el mes de noviembre, lo han conseguido de nuevo. Tras lanzar «The Show» como primer single, llega el turno de «Icarus», segundo adelanto y primer videoclip de este reciente trabajo.
Un acierto total el haber escogido esta canción, «Icarus». Y es que es una de las más especiales y más arriesgadas del disco. Sus casi 7 minutos de duración lo demuestran. 7 minutos que se salen de la típica canción de radio-fórmula y en la que la banda madrileña se explaya, explora, experimenta con diferentes sonidos, que van del rock y post rock, a la música dance. Una escucha pausada, que merece calma y que muestra los pequeños detalles de una producción de este tipo. Una canción perfecta para abrir este primer álbum y que choca directamente con el que fuera el primer single de «Hideaway». Y es que «The Show» sí que era un tema más al uso, mientras que en «Icarus» sí que se muestra más la madurez de la banda.
Una apuesta que ha salido bien y que Driive han sabido ejecutar de manera maravillosa. Y es que gracias a «Icarus», podemos atravesar por diferentes estados y emociones. Una apuesta que se escapa de cualquier estándar establecido por la industria y que, por ello, nos encanta.
El videoclip, que vio la luz el pasado lunes día 10 de junio, ha sido dirigido y grabado por Alejandro de Vega y Álvaro Moriano. Una idea sencilla, pero bien ejecutada, es la clave para este clip. Y es que al final, está rodado como si se tratara de un ensayo: tras la llegada de la banda al local, la calidez de las imágenes se entremezcla con la propia música, con la propia canción.
Si no habéis visto todavía el videoclip, aprovechad y dadle al «play». Estamos ante una de las grandes promesas del panorama indie-rock nacional.
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Una canción que ha venido acompañada de su respectivo videoclip, en el que también dan un paso más y ofrecen una nueva visión de su proyecto. Adrián Gutiérrez ha sido el encargado de dirigir, diseñar y animar esta pieza, en la que se entremezclan elementos de animación modernos y otros más clásicos, acompañados de una pareja de bailarines quienes ponen el broche en forma de pura expresión y movimiento a este cuento.
Presentándose con este trabajo, Gallos presenta los paisajes más modernos del rock con un sonido mucho más actual. Grabado en directo, y producido y mezclado por Iván Chapo González (M-Clan) en Audiomatic Studio (Madrid), con las colaboraciones de Sergio Valdehita (Sidecars, Iván Ferreiro) y Luis Pinel (Aurora & the Betrayers) a los teclados. Ellos son así, ya nos lo avanzaron cuando los entrevistamos: «seguimos haciendo el rock de toda la vida, pero a nuestra manera, importándonos solo el cómo. Y ese cómo, tiene que ser sucio, elegante y mojado». Gallos son Gallos y vienen a dejar huella.