Desde el sur de Madrid y con muchas ganas de abrirse paso en nuestra escena musical, llega Doctor Wattson para poner todo nuestro mundo patas arriba con su nuevo sencillo, «Tsunami». Una canción muy especial para la banda, que refleja a la perfección quiénes son a día de hoy: una banda de pop-rock, que da mucha relevancia a las armonías cuidadas, las melodías inolvidables y los potentes estribillos. Una canción grabada en el mes de mayo en Headroom Estudios en Madrid contando con la magia y la producción de Lorenzo Matellán. Por su parte, ha sido masterizada por Felix Davis en Metropolis Studiode Londres.
«Nos gusta ver Tsunami como esa furia contenida que cualquiera puede sentir ante una ruptura o abandono y el deseo de querer alejarte de eso para que no te haga daño pero que hace inevitable que te sobrecoja un cúmulo de sentimientos encontrados», explica y detalla la propia banda. Toda una declaración de intenciones y una canción que ha servido como desahogo. Un verdadero himno con el que sentirnos identificadas…porque, ¿quién no ha pasado alguna vez por una situación similar? Seguramente hasta hayamos perdido la cuenta. Quizás por eso hayamos conectado tan bien con esta canción y ahora seamos incapaces de sacárnosla del bucle.
Sin duda alguna, la mejor manera de darle continuidad a un proyecto musical que nació en Getafe en 2008 y que, a lo largo y ancho de su carrera, ha obtenido grandes reconocimientos. Así es como han ido viendo la luz sus anteriores trabajos discográficos «Suerte» (2011), «Mi Jardín Perverso» (2019) y sus posteriores adelantos, «Cuenta Atrás» (2021), «Todos lo saben» (2022) y la reedición de «Cartas desde Siberia» (2022). Pero con «Tsunami» han logrado dar un gran paso al frente, cualitativo y musical. No es para menos conociendo los precedentes de los madrileñps. ¿Quién sabe si este tema es el inicio de una nueva etapa para la banda formada por Alberto Almeda,Antonio Barrena, Jorge Jiménez, Rubén Muñozy José Luis Ramos?
Hay paradas necesarias y silencios reflexivos que sirven para coger aire, para pillar impulso y poder alzar el vuelo de nuevo. Y, en muchas ocasiones, los dos años de pandemia no han ayudado mucho a que todo fluya. O quizás sí, quién sabe. Lo verdaderamente importante es que, tras unos meses de calma, la banda barcelonesa El Último Mono regresa con nueva música bajo el brazo, más que dispuestos a inaugurar una nueva etapa en su carrera musical. Por lo pronto, nos acaban de sorprender con la llegada de su nuevo sencillo y videoclip, «Casa Tomada». El claro ejemplo de que los parones no tienen por qué ser negativos y es que ellos han tenido la capacidad de volver a conectar consigo mismos. De recuperar esa esencia con la que empezaron a rodar, esas raíces rockeras y potentes con las que nos enamoraron por completo.
Tal es así que, contando con referentes como Smoking Souls, Coldrain o Bring me the Horizon, nos traen esta canción enérgica y contundente. Pero siempre haciendo alarde de esa esencia tan característica de ellos. Una canción que habla sobre abandonar tu red de seguridad, tus convicciones y abrirte a nuevos horizontes. Una canción que, además, ha cogido su propio nombre de la «Casa Tomada», uno de los relatos más famosos de Julio Cortázar. Un relato que ha marcado mucho a la banda y para el que plentean una posible continuidad en poco más de 4 minutos y en formato canción. El resultado de este tema es excelente, y en él ha influido mucho el trabajo y esfuerzo de Edgar Beltri de La Atlántida Estudio en la producción. Todo mientras Víctor García se encargaba de la masterización.
Realmente, no se nos ocurre una manera mejor de firmar su regreso. Y es que la banda formada por Sergio Ruiz (vocalista y guitarra rítmica), David Hernández (bajo), Christian Bernaus (batería) y Jordi Morales (guitarra solista) solo nos acaban de enseñar la primera prueba de todo lo que está por llegar. Pronto, muy pronto, se viene nueva música y estamos convencidas de que estará a la altura de «Casa Tomada». O que será incluso mejor. Si no, tiempo al tiempo.
Los conocimos hace muy poco y lo cierto es que han sido todo un descubrimiento. El Sucio llegan desde Madrid y lo hacen para quedarse. Especialmente, tras haber arrasado con todo, tras el lanzamiento de su aclamado primer álbum «Salvaje». Toda una declaración de intenciones y un interesante planteamiento en el que nos adentramos sin miedo hoy. Un increíble universo sonoro en el que todos somos bienvenidos. Un nuevo proyecto que echó a andar allá en 2019, de la mano de Julio Pérez (cantante y guitarrista), David Fidalgo, Cooki Saade (guitarrista), Karlos Sánchez (bajista) y Felipe Calviño (quien comenzó con el bajo pero terminó adquieriendo el rol de productor).
Un proyecto con el que no ha podido ni siquiera la pandemia. De hecho, estos complicados momentos les han dado alas para seguir creando y componiendo. Tal es así que, tras presentar este primer trabajo discográfico «Salvaje» y presentarlo por todo lo alto en la Sala Nazca de Madrid el pasado 30 de abril, la banda madrileña se dispone a entrar en estudio para comenzar a grabar las composiciones de su próximo disco. Mentes inquietas e insaciables que no dejan de crear, para labrarse todo un camino repleto de éxitos. Eléctricos y con mil ganas de dar mucho de lo que hablar, El Sucio no dejarán indiferente a nadie. Para nosotras ha sido un verdadero placer descubrirlos con este primer EP, pero estamos seguras de que todo lo que venga será mucho mejor.
Eso sí, habrá que tener un poco más de paciencia para descubrir todas las sorpresas que la banda nos tiene preparadas. Paciencia y seguirlos en todas las redes sociales para no perdernos nada. Y mientras ese anhelado momento llega, os dejamos por aquí la entrevista que les hicimos hace algunos días. ¿Quieres saber todo lo que nos contaron?
Se viene lanzamiento de los buenos, se viene lanzamiento de la banda asturiana Drugos. Y es que el pasado viernes 28 de enero, volvieron al ataque con su nuevo álbum, llamado «Amor o dinero». Un trabajo discográfico, que se alza como el primer larga duración, y que llega tras dos EPs de estudio y uno en directo. Eclécticos como ellos solos, han sabido cómo lucirse. Solo ellos son capaces de pasar del rock más cañero («Puntos cardinales» o «Piedad») al blues («Judas» o «Si no salgo de esta», pasando por el pop melódico («Croquetas» o «Vuela») o la música latina («Tus lunares»). Todo ello, sin olvidarnos de esas lentras punzantes, directas e irónicas, comvertidas ya en marca de la casa.
Además, otra cosa no, pero todo en este «Amor o dinero» es representativo. Incluso el propio título, que hace referencia a la representación de que a día de hoy la música rock se tiene que hacer únicamente por amor. Ya sabéis lo que pasa con la música en España, que hay un factor muy importante de hacerla por amor al arte. Pero quizás es hora de romper con todo ello, de acabar con esta larga dinámica.
Más allá de todo ello, y tras la reciente publicación de este álbum debut, la banda asturiana afincada en Madrid nos tiene preparada alguna que otra sorpresa más. ¿Quién no se ha quedado con las ganas de verlos en directo después de haber escuchado el disco? Pues que reine la calma, porque se avecinan las primeras fechas de presentación. Este mismo viernes 4 de febrero, se disponen a poner del revés la sala Galileo Galilei de Madrid; mientras que el siguiente jueves 10 de febrero harán lo propio en la Rock Beer The New de Santander. Todo para seguir el viernes 11 de febrero en la Sala Shake de Bilbao; y el día 25 en La Salvaje de Oviedo. Un nuevo comienzo y el inicio de todo lo que está por llegar (todavía). Como reza esa expresión en inglés: stay tuned! (¡estad atentos!).
Llegan directamente desde Chile para arrasar como un auténtico huracán. Ellos son Von Pluma y acaban de publicar su gran álbum debut, «Fábula». Toda una declaración de intenciones con la que pretenden hacerse un hueco dentro del panorama musical actual, alzándose así como una de las grandes apuestas del rock. Un sonido melancólico, guitarras estridentes y un sofisticado sonido matizado por una característica voz solista. Un primer álbum en el que exploran un sonido muy concreto, pero sin dar de lado ese afán por la experimentación y el descubrimiento de nuevas melodías.
Este debut reúne un total de 10 canciones que se fueron gestando entre la mitad del año pasado y el presente 2021, rescatando influencias que sus autores mencionan como el rock anglo y clásico de los 70’s. Un debut que sigue la senda de un disco conceptual, en que tras varios años de composición la agrupación decide crear un universo narrativo de ciencia ficción y fantasía. Un debut que nació alejado del ruido de la ciudad, en un entorno íntimo y donde cada integrante forma parte fundamental en la estructuración de las canciones. Un debut especial, hecho con gran mimo que, además, cuenta con el trabajo y amor de muchas personas. Y con colaboraciones como la que la banda se marca con Diego Álvarez (miembro de Mecánica Popular o Alejandría) en la canción «El camino».
Bajo este precepto, «Fábula» se alza como un disco digno de escuchar y de incluir en nuestra biblioteca habitual de música. Un disco redondo, de 10, capaz de arrasar allá por donde pase. Un disco que reúne un talento inmenso que, de hecho, hace apenas unos días quedó retratado. Y es que, desde Verdadera Locura, tuvimos el inmenso placer de entrevistar a los hermanos Zackary y Oliver Konow (voz y batería respectivamente). ¡No sabéis cuánto disfrutamos de esta pequeña gran charla! A partir de hoy, también es vuestra.
Notición de la mano de Sergio Rojas. Y es que un año después de que publicara su segundo álbum de estudio, «Pecado», podremos disfrutar de él y de sus canciones en directo. La cita será el próximo sábado 17 de abril en la sala Moby Dick Club de Madrid. Primera presentación en directo después de todo el caos que estamos viviendo. Primera presentación en directo en la que estará acompañado de múltiples artistas y grandes amigos: de Marlon a Angy Fernández, pasando por Lucas Colman y Pedro Girón, de Playa Cuberris. Desde luego, podemos asegurar sin miedo a equivocarnos, que será un auténtico bolazo. Así que si todavía no tienes tu entrada, ¿a qué estás esperando?
Fue el pasado 2020, en medio de la cuarentena, cuando Sergio Rojas sorprendió con la publicación de su segundo álbum. Cuando más necesitábamos de la música para curarnos el alma, llegó él, dando un paso al frente y afianzándose dentro de nuestro panorama musical actual. Demostrando esa clara evolución y subiendo un escalón en su ascendente carrera. Y «Pecado» llegó como agua de mayo, con la crudeza que lo caracteriza y a ritmo de rock. Un disco guitarrero y melódico, que nos muestra, aún más si cabe, la versatilidad del artista. De ahí, que sea aún más especial la noche del 17 de abril. Una noche que sonará a power trío y que estará repleta de himnos con los que vibraremos. Potencia, energía y complicidad. Las tres palabras perfectas para definir este proyecto, este directo.
¿Estáis preparados? Porque si todavía tenéis alguna duda, el propio Sergio Rojas os invita a esta cita casi obligatoria. Y es que hace algunos días, charlamos largo y tendido con él. Quién es, cómo nace «Pecado» o qué podremos ver en Moby Dick fueron algunos de los temas de los que hablamos.
Nosotras ya nos podemos dar por satisfechas. Satisfechas porque La M.O.D.A está de vuelta y nunca mejor dicho: «La Vuelta» es el nuevo tema de la banda burgalesa que, de esta manera, nos acerca al que será su próximo álbum de estudio, tras tres años en silencio. Una canción intimista y muy personal, llamada a convertirse en himno a pesar de llevar tan solo cuatro días en la calle. Una canción a la que no le ha faltado su videoclip, cuya sensibilidad y sencillez, lo convierten en una auténtica joya, esculpida por la directora Laura Sisteró y protagonizada por Aleix Esteban.
El combo ideal entre lo musical y lo visual, el adelanto perfecto de «Ninguna Ola», el nuevo trabajo discográfico de la formación, que llegará a nuestras vidas el próximo viernes 11 de diciembre. Pero, ¿qué sabemos de este nuevo disco? Por lo pronto, muy pocos detalles, ya que es una noticia que nos ha pillado un poco de sorpresa, y las últimas y enigmáticas publicaciones en redes sociales han sido la mejor prueba de ello. Eso sí, lo que La Maravillosa Orquesta del Alcohol ha avanzado, ha sido lo siguiente: «Este trabajo está inspirado en el cambio y hemos estado los dos últimos años componiéndolo». Un total de diez perlas que han sido grabadas durante los últimos meses entre Lisboa, Madrid, Barcelona y Andoain, y todo bajo los mandos del increíble y especial Raül Refree.
Lo único que parece claro es que este tema, «La Vuelta» es la primera muestra clara del nuevo rumbo que ha tomado la banda en lo que respecta a la producción. Un rumbo que tomará forma en este nuevo álbum, «Ninguna Ola» y que, sin duda alguna, los solidificará, aún más si cabe, como una de las bandas de rock alternativo más importantes de esta última generación. De nuestra generación.
Malos tiempos para la música en directo, a la que le cuesta levantar cabeza tras la crisis provocada por el coronavirus. Y es que no hemos dejado de ver cómo caían conciertos o se posponían giras. Entre ellas, la de Larkin Poe, a las que deberíamos haber visto este mismo 2020 o, a las malas, a principios de 2021. Sin embargo, este acontecimiento finalmente tendrá lugar a finales del próximo año. O al menos esperamos que así sea y que nada más lo termine impidiendo.
De esta manera, las nuevas fechas en las que podremos ver a las reinas del blues-rock, serán las siguientes: el 12 de noviembre en la Sala Apolo de Barcelona, el 13 de noviembre en la Sala Cats de Madrid y el 14, en la Sala Jerusalem de Valencia. La mala noticia es que el concierto previsto en la ciudad de Santander queda suspendido, por lo que el importe de las entradas se devolverá automáticamente.
Las ansiadas presentaciones por Europa de Larkin Poe
Si algo va a traer esta nueva gira por Europa de las hermanas Lowell es que aprovecharán para presentar sus dos nuevas creaciones. Por un lado, su trabajo discográfico «Self Made Man», que vio la luz el pasado mes de junio, tras un periodo muy complicado de confinamiento. De hecho, en propias palabras del dúo: «La música es un poder puro que en tiempos difíciles puede galvanizar tu corazón y ayudarlo a elevarse; todo lo que tienes que hacer es cantar a la energía curativa de la música». Un disco increíble que llega a ritmo de gospel y blues.
Por otro lado, también llevarán al directo su primer álbum de versiones «Kindred Spirits», en el que se han aventurado a interpretar temas ajenos, en temas que han formado parte de la banda sonora de las hermanas. Un divertimento que siempre han potenciado en su canal de YouTube y que esta vez ha dado lugar a una colección de covers desnudos y crudos de canciones clásicas y también de nuevas composiciones suyas. «Al grabar ‘Kindred Spirits’ nuestra admiración por los artistas que originalmente crearon e interpretaron esos temas floreció en una reverencia aún más profunda».
Con esta perspectiva, las ganas de volver a ver a Larkin Poe solo pueden ir en aumento.
En medio de un panorama desconcertante y un tanto trágico para la industria de la música, los conciertos no paran, siendo la mejor manera de alzar la voz y demostrar lo necesaria (y por supuesto, segura) que es la cultura. Con toda esta situación de por medio, no dejan de surgir proyectos y propuestas para rescatar un sector que tiembla ante tanta incertidumbre. De ahí que hayan nacido ciclos como el «Crew Nation Presenta», organizado por una de las ticketeras más potentes del país, en la mismísima Sala La Riviera de Madrid. Todo con el objetivo de recaudar fondos y dar visibilidad a los técnicos de artistas, músicos y personal de gira; todos ellos afectados por esta dura crisis que nos está asolando.
Y precisamente en este ciclo actuará Belako. Esta cita ineludible será este domingo 30 de agosto y en ella, los de Mungía presentarán su cuartoálbum de estudio: «Plastic Drama». Un trabajo discográfico que tendría que haber visto la luz el pasado 8 de mayo, pero que ha terminado posponiéndose hasta el 28 de agosto a causa del COVID-19. Ahora, aprovechando esta pequeña luz en medio del túnel, la banda ha iniciado un pequeño tour en diferentes ciudades, en las que darán las primeras pinceladas de este ansiado disco. Este jueves 27 de agosto, lo harán en primicia en el Palacio Euskalduna de Bilbao, pasando posteriormente por Les Nits del Primavera de Barcelona (28 de agosto), mientras que el 30 de agosto será La Riviera de Madrid la que tiemble al son de su música, en un show enmarcado dentro del circuito musical «Crew Nation Presenta».
Es cierto que ya hemos podido escuchar siete de los temas de este «Plastic Drama» («Tie Me Up», «The Craft», «marinela2017», «Truce», «All Nerve», «Profile Anxiety» y «Truth»), pero aún así, las expectativas con este nuevo trabajo están muy altas, especialmente cuando se trata del directo. ¿Cómo lo habrán preparado?, ¿con qué nos sorprenderán? Apenas quedan unos días para comprobarlo, así que si todavía no tienes tu entrada, hazte con ella cuanto antes. Sobre todo, porque los conciertos de esta nueva normalidad tienen un aforo muy reducido y limitado. ¡Consíguela ya!
Los conocimos hace unos meses gracias al proyecto que iniciamos de Píldoras Encadenadas, aunque llevan haciendo ruido mucho tiempo atrás. Ya han pasado diez años desde que In Materia comenzaran su gran aventura y ahora nos presentan su último gran proyecto: «Infinito Tripular». Un álbum que nos invita a conocer mejor nuestra cara más oculta. Sobre todo ello, hablamos hace algunos días con Javier Mateo, batería de la formación.
¿Cómo surge el concepto de este último álbum, «Infinito Tripular»?
A nivel musical, nosotros llevábamos tiempo inmersos en la búsqueda de un sonido propio que, a la vez, llegara a las grandes masas, al gran público. Toda esa búsqueda nos metió de lleno en una especie de viaje, que es un poco una analogía personal también. Así que «Infinito Tripular» viene a ser un viaje infinito hacia nuestro propio conocimiento, un viaje que no termina nunca, el de conocernos mejor y ahondar más en nosotros mismos. Algo que va ligado a nuestra música, ya que nosotros también estamos en constante búsqueda: de sonoridades, de cómo sentirnos más cómodos con lo que hacemos, de cómo llegar más a la gente. De ahí un poco nuestro nuevo álbum, como de una mismo tripulación en un viaje infinito, que no termina nunca.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del álbum, y también, cómo fue la búsqueda de ese sonido propio?
Realmente, el disco supone un inicio y un fin en sí mismo. Lo que es la búsqueda de nuestra sonoridad viene de mucho tiempo atrás, lo que pasa es que en «Infinito Tripular» empezamos a incorporar nuevos elementos: samplers un poco tradicionales; apostamos por un estudio como lo es PKO de Madrid para conseguir un sonido de banda gordo, en el que también ayudó mucho nuestro productor Raúl Quilez, con el que llevamos trabajando mucho tiempo y que es un genio. Así que, bueno, la búsqueda del sonido no es solo en este disco, viene de mucho tiempo atrás. Aunque este álbum es la culminación de una sonoridad con la que nos sentimos totalmente cómodos. Y así lo vemos en la respuesta de la gente. Así que estamos super contentos porque hemos encontrado el equilibrio perfecto entre la búsqueda, la sonoridad, la armonía, la estructura, y al mismo tiempo, una sencillez que hace que el público se enganche.
Ahora que hablas del público, ¿cómo ha sido la acogida del disco por su parte?
Pues está siendo muy, muy buena. Nosotros sabíamos que teníamos entre manos un producto realmente importante, en cuanto a calidad de las canciones y en cuanto a sonido, que nos parecen brutales. Teníamos mucha confianza, lo que pasa es que sí que es verdad que hasta que la gente no te da ese feedback, no lo sabes cierto y te quedas con la sensación de, ¿es nuestra percepción o realmente este trabajo va a causar ese efecto? Pero efectivamente lo ha causado, porque la respuesta que estamos obteniendo es espectacular y se nos están abriendo muchas puertas. Creemos que hemos dado con una fórmula que resulta muy sugerente, diferente y actual, tanto para el público general como para el profesional, como medios o salas.
Tras haber hablado un poco del sonido de In Materia, me gustaría saber ahora sobre la importancia de las letras de las canciones, de la necesidad de que te cuenten una historia.
Pues la verdad es que tienen mucha importancia y es otra de las cosas en las que pensamos que hemos evolucionado mucho en este disco. Antes, nuestras letras habían sido un poco más enigmáticas y en este disco, intentando mantener nuestro lenguaje, queríamos acercarnos aún más a lo que una persona pueda sentir en un momento determinado. Ya no habla tanto de cosas tan personales, si no de temas que pueden preocupar a cualquier persona. Tampoco es que sean historias como tal, son más bien reflexiones. En este sentido, creemos que hemos dado un gran paso.
Recientemente, ha visto la luz vuestro videoclip de «Luna 3». ¿Cómo surge la idea y cómo ha sido la experiencia de grabarlo desde casa?
La verdad es que el videoclip está gustando mucho, porque es muy curioso y es que surge un poco al hilo de la canción. «Luna 3» ofrece una imagen muy sincera sobre diferentes decisiones desafortunadas que todos cometemos a lo largo de nuestra vida, lo cual está también relacionado con conocerte a ti mismo, quedando ligado de nuevo a nuestro «Infinito Tripular». Todos tenemos una parte que ni los demás ni nosotros mismos conocemos y «Luna 3» propone ese viaje a nuestro interior y a conocernos mejor. ¿Por qué «Luna 3»? Porque fue el nombre que tuvo la primera sonda soviética que, a finales de los 60, consiguió fotografiar la cara oculta de la luna. Un concepto que define muy bien lo que nosotros queremos trasladar. Y lo que quisimos reflejar en el videoclip, que tiene una estética muy de las series de los 80. Un clip que hace que toda esta mezcla dé lugar a esta historia. Como anécdota, contar que el protagonista principal es mi padre y lo grabamos durante las últimas fases del confinamiento. Evidentemente, con los recursos limitados que teníamos, porque no teníamos opción de viajar para juntarnos con nadie. Y aunque la historia es un poco surrealista, viene a representar este viaje a lo oculto de nosotros. Así que estamos muy, muy contentos.
Un videoclip casero en el que. aún así, se cuida mucho la imagen. ¿Qué importancia tiene esta para In Materia y como complemento de su música?
Para nosotros es fundamental y es que, al final, somos artistas. La música es a lo que nos dedicamos, pero la estética que rodea el proyecto, puede llegar a ser igual de importante que las canciones. Al final, cuando estás ofreciendo un material al público, estás creando una experiencia en la que todos los sentidos están relacionados. Por eso, nosotros intentamos cuidar mucho la estética, desde las imágenes que compartimos, hasta los videoclips. Decir que no es algo buscado, ya que para nosotros, el arte viene a ser un todo.
Ahora que estamos empezando a ver la luz después de tres meses en casa, ¿cuáles serán los próximos pasos de In Materia?
Durante el confinamiento, la verdad es que no hemos parado [risas]. Hemos preparado el formato acústico, el videoclip, las redes sociales, componer nuevos temas. Al final, ¿cuáles serán esos próximos pasos? Pues darle continuidad a todo eso. Por el momento, hemos podido reunirnos de nuevo en el local y retomar los ensayos, lo cual ha sido emocionante. Y ahora estamos centrados en crear nuevos temas y, sobre todo, preparar una gira nacional de presentación del disco. Esa gira la teníamos bastante bien diseñada, pero desafortunadamente, todo eso se nos cayó a causa del coronavirus. Así que lo que viene ahora es reiniciar todo eso, porque esto no para.
¿Qué canción de In Materia define mejor el momento en el que estáis y por qué?
Sin duda, tiene que ser una canción del último disco. Yo me quedaría con dos, que son las dos de las que hemos sacado videoclip, «Nunca más de dos» y «Luna 3». Por un lado, ¿por qué nos quedamos con «Nunca más de dos»? Porque supuso el gran salto a otro tipo de sonido, a un sonido de banda grande, con una melodía muy reconocible y cantable. Además, es una canción mucho mensaje, ya que trata sobre el delicado tema de los abusos de menores, el cual hemos intentado tratar con el más absoluto respeto. Por otro lado, «Luna 3» también es un tema muy importante para nosotros porque introduce elementos musicales, como la caja de ritmos. Además de cómo se ha grabado el videoclip, en esta situación excepcional de confinamiento. Digamos que, a nivel musical, «Nunca más de dos» ha sido nuestro gran salto y «Luna 3» pasará a nuestro recuerdo, por la situación que estamos viviendo a día de hoy.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
La mayor locura es seguir en la música después de tantos años juntos, aguantarnos y no matarnos [risas]. Y todo por el amor a lo que hacemos. Creo que es la mayor locura y la más constante. Y es que nosotros somos un grupo de amigos, al fin y al cabo. Aunque cabe decir que el proyecto de In Materia comenzó hace cerca de diez años, sí que tocamos juntos desde hace mucho más tiempo. Y es que, que sigamos siendo una piña después de más de veinte años, me lleva a pensar que lo que nos une es la manera tan especial que tenemos de entender la música. Creo que esa, en sí misma, es la mayor locura de In Materia.
Un jueves cualquier en medio de la desescalada y el camino hacia la nueva normalidad. Tenemos una misteriosa cita de manera online con nuestros amigos de Music Hunters y con un artista al que desconocemos, pero que nos va a presentar su proyecto. Solo hemos podido escuchar una de sus canciones: «Voz Interior». Y la verdad es que nos encanta ese estilo tan personal, ese sonido que viaja entre el indie y el rock y esas letras que te hacen reflexionar. Se trata de Basilea, tras el que se esconde el artista barcelonés Jon Oyster.
Conociendo a Basilea
Ya con el telón alzado, Jon Oyster se presentaba ante la prensa como Basilea. Una banda nacida en el año 2018 y asentado en Barcelona, el joven artista nos habló con una sinceridad abrumadora sobre su proyecto personal. Un proyecto con el que ha irrumpido rápidamente con su primer tema, «Voz Interior», que ya ha visto la luz en exclusiva, aunque seá el 12 de junio cuando esté disponible en todas las plataformas digitales. Una canción de lo más especial que se alza como un verdadero himno dentro del género indie-rock. Una gran promesa que, estamos seguro, será uno de los mayores descubriemientos del año.
Influenciado por bandas como Love of Lesbian, Miss Caffeína, Dorian, Sidonie o Lori Meyers; Basilea ha conseguido encontrar su propio hueco y un sonido muy particular, notable tanto en el tema original, como en acústico, a pesar de que ambas versiones sean muy diferentes. Tiene algo que engancha, que hace que lo escuches una y otra vez, algo que enamora.
Una pequeña semilla que ha comenzado a germinar sin descanso, tras un extenso periodo de reflexión, tras haber lanzado su primer trabajo, grabado entre Dept 17 Studio y Groove Factory Studio. Proyecto al que se han sumado profesionales como Victor García en la producción y Álex Carretero en la co-producción y mezcla. Además, fue clave la colaboración de Tony Mateos (Groove Factory Studio) y Juanjo Muñoz (Catmastering).
«Mango» ya está aquí, como antesala aún más certera de «Casablanca», el que será el nuevo álbum de The Death Of Robert y que verá la luz el próximo 15 de mayo. Un nuevo single que nos permite adentrarnos aún más en el particular universo de la banda barcelonesa y que habla, en términos generales, de una relación personal basada en la toxicidad. Pero, ¿por qué utilizar la referencia del mango para ello? Tal y como ellos mismos explican: «se emplea como símbolo del comienzo de la relación de estas dos personas, y debido a que este nunca será comido es devuelto a su propietario al final de todo, como signo de abandono de la relación».
Un tercer single de lo más especial, con el cual nos proponen un sonido fresco, vivo y con un toque de acidez, alejándonos un poco de toda la instrumentación tan predominante y barroca de las otras canciones sacadas hasta la fecha. Esos teclados a modo de farfisa, esa guitarra con detalles de chorus, los punteos tan significativos del hoffner y ese ritmo de batería: todo preparado para viajar a los sonidos y vibes tan significativos propios de los años 60-70′.
¿Quiénes son The Death Of Robert?
Lara Giardina, Pablo Salvadores, Robert Panadés y Simón López son quienes se esconden tras este proyecto, que vio la luz en la ciudad de Barcelona el pasado año 2018. Una propuesta de rock melódico con riffs palpitantes del rock alternativo de los 90, rozando el barroquismo a través de toda la instrumentación pop-rock de los años 60, con la que han conseguido enamorar a todo el mundo que los ha escuchado. Todo ello, se complementa con unas letras, oscuramente melancólicas e hijas del humanismo existencial, que viajan entre la conducta humana, el existencialismo y las relaciones personales.
Pronto, podremos escuchar el nuevo asalto de The Death Of Robert, llamado «Casablanca». Un álbum que, debido a la complicada situación que estamos viviendo, decidieron posponer. Así y todo, el 15 de mayo es la fecha fijada para que vea la luz: ¿estáis preparados? Un disco conformado por 11 perlas, producidas por Alberto Pérez Sánchez en el estudio Sol de Sants de Barcelona.
Nosotras no vemos el momento de poder disfrutar de nuevo de buenos directos. De un directo de The Death Of Robert. ¿Y vosotros?
El combo ideal entre lo musical y lo visual, el adelanto perfecto de «Ninguna Ola», el nuevo trabajo discográfico de la formación, que llegará a nuestras vidas el próximo viernes 11 de diciembre. Pero, ¿qué sabemos de este nuevo disco? Por lo pronto, muy pocos detalles, ya que es una noticia que nos ha pillado un poco de sorpresa, y las últimas y enigmáticas publicaciones en redes sociales han sido la mejor prueba de ello. Eso sí, lo que La Maravillosa Orquesta del Alcohol ha avanzado, ha sido lo siguiente: «Este trabajo está inspirado en el cambio y hemos estado los dos últimos años componiéndolo». Un total de diez perlas que han sido grabadas durante los últimos meses entre Lisboa, Madrid, Barcelona y Andoain, y todo bajo los mandos del increíble y especial Raül Refree.
De esta manera, las nuevas fechas en las que podremos ver a las reinas del blues-rock, serán las siguientes: el 12 de noviembre en la Sala Apolo de Barcelona, el 13 de noviembre en la Sala Cats de Madrid y el 14, en la Sala Jerusalem de Valencia. La mala noticia es que el concierto previsto en la ciudad de Santander queda suspendido, por lo que el importe de las entradas se devolverá automáticamente.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del álbum, y también, cómo fue la búsqueda de ese sonido propio?
Un videoclip casero en el que. aún así, se cuida mucho la imagen. ¿Qué importancia tiene esta para In Materia y como complemento de su música?
