Verdadera Locura

Categoría: Entrevistas

Güs & Los Impostores: «Este trabajo es pura energía, pero sobre todo, cuenta grandes historias»

Justo en el momento del cambio, de la evolución. El proyecto de Gus Guzmán adquiere otra dimensión con la nueva banda y con el nuevo disco como tal. Aquí nos presenta el mismo vocalista, el primer trabajo como grupo. Esto es «Güs & Los Impostores».

¿Cómo surge el concepto del disco «Güs & Los Impostores»?

Yo vengo de tocar en solitario en mi anterior disco. Proyecto en el que cargaba solo con todo el peso, así que en esta ocasión, quise formar un equipo, una banda, para repartir y delegar, y dejar de sentir tanta presión. Al final, hemos conseguido hacer un disco con un sonido que nos define muy bien. Muy rollo rock & roll. Llevamos ya un tiempo tocando juntos y este es el primer álbum, espero que de muchos.

¿Cómo fueron las primeras reacciones al disco?

¡Tengo sensaciones muy buenas! Los dos primeros sencillos salieron este verano y luego, a raíz de que viera la luz el disco, las impresiones han sido genial. Yo estoy muy contento, para ser el primer proyecto con la banda. Estamos encantados. Y ya no es lo que nos digan, son las sensaciones internas que tenemos nosotros.

Una canción del disco.

Es complicado, al final cada miembro de la banda elegiríamos un tema. Pero yo, quizás por la complejidad del tema, me quedaría con «Londres». La compusimos mano a mano, con la artista australiana Lorena Dale, con quien además colaboramos en la canción. Así que para mí es un tema especial.

Un titular que defina este disco.

Es pura energía y, sobre todo, cuenta grandes historias.

¿Por qué rescatar, precisamente, esas historias?, ¿crees que la música está perdiendo esa esencia de contar?

Yo siempre he sido muy de canciones y de letras. Así que, en este disco, hemos intentado cuidar mucho las letras. Aunque no sean autobiográficas, la manera de contarlas sí que son muy personales. Y eso en la música, sí que creo que debería primar. El cantar con el corazón y no con otra cosa. En el rock & roll sí que continúa vigente, quizás no tanto en otros géneros.

A nosotros, al final, lo que nos gusta es contar historias y que la gente las sienta cómo las hemos hecho.

Precisamente hablando del rock. He escuchado en muchas ocasiones que es un género que siempre ha estado «mal» o que ha permanecido un poco en silencio en comparación a otros. ¿Tú lo ves igual?

Sí, en parte sí, y cada vez más. Aunque cada vez hay más bandas emergentes dentro del rock, pero al final, creo que sobre todos los medios, se hacen eco de otros estilos. Entonces hacerse hueco ahí es complicado. Pero a nosotros no nos queda otra que seguir trabajando y tratar de hacerlo lo mejor posible.

Volviendo un poco al tema del disco. «Aguas Turbulentas» y «Mi Última Canción» fueron los dos primeros adelantos. ¿Por qué estos temas?

«Mi Última Canción» la sacamos la primera porque ya la tocábamos durante nuestro gira anterior y, además, fue el primer tema que compusimos para este trabajo. Así que el público ya la tenía más escuchada. Y «Aguas Turbulentas», porque era de los temas que más nos gustaban y define muy bien lo que es nuestro sonido. También la hemos disfrutado mucho en los ensayos.

¿Cuáles son los siguientes pasos de la banda?

Estamos preparando los próximos conciertos y lo que es ya la gira de presentación. Estamos con mucha promo también. Y ensayos a tope.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

En nuestro caso, la locura la cometemos un poco en nuestro día a día. Al gastarnos dinero que muchas veces no tenemos, en el proyecto. Sacar disco en estos tiempos, es una locura. Pero al final, hay que apostar.

La playlist de Güs & Los Impostores

14 noviembre 2018
Zirconita: «Amago ha supuesto un giro, el inicio de una nueva etapa»

Anteriormente conocidos como Several Prices. Ahora se hacen llamar Zirconita. Misma esencia, pero distinto proyecto. Eso sí: con las mismas personas. Su primer trabajo con el nuevo nombre, ya está en la calle. Es «Amago» y la propia banda, nos descifra el EP.

¿Cómo surge el concepto de «Amago»?

Este EP surge a raíz de la evolución de la banda. Previamente, teníamos otro grupo, que se llamaba Several Prices. De hecho, somos los mismos. El concepto del disco nace de las ganas y la necesidad que teníamos de expresar en español, todo aquello que queríamos decir en las canciones. Pasa que si un idioma no es nativo tuyo, es complicado encontrar cómo definir ciertos aspectos. Así que el concepto de «Amago» viene un poco del cambio del inglés al castellano, sobre todo. Y de la forma que tenemos de enfocarlo con nuestro productor, Manuel Cabezalí. Todo esto, se reduce a un sonido que no es muy común en las bandas de nuestro género, que cantan en español. Es distinto a lo que hacía Several Prices, ahora somos más «bailongos», además de que las estructuras está mucho más trabajadas y pensadas. Se nota la evolución.

Habláis de las diferencias respecto a Several Prices. Pero, ¿qué queda de ellos en Zirconita?

Creemos que sigue quedando bastante, Sobre todo en lo que respecta al tema del sonido, porque es un sonido que llevamos trabajando desde el segundo álbum de Several Prices. Además de la forma en la que trabajábamos cada canción. Hemos ganado en ciertos detalles, que ahora cuidamos muchísimo más.

Ha habido cierta evolución, pero el poso queda. De hecho, Zirconita no existiría, si no hubiera existido previamente Several Prices.

¿Por qué «Inmortal» y «Fantasmas» como adelantos?

Realmente, yo creo que la canción que más nos identifica es «Fantasmas», pero se decidió lanzar antes «Inmortal». Consideramos que era un tema que atraería más público y mucho más diverso. Luego, llegó «Fantasmas» porque era un poco la que nos gustaba y unía. Era la que tenía un poco la mezcla de todos los sonidos que conforman a Zirconita.

Un titular que defina el EP.

Nueva etapa. Es un giro, un cambio, una evolución. Partimos de cero, pero con el bagaje de Several Prices.

¿Cómo ha sido trabajar de nuevo con Manuel Cabezalí y Dani Richter?

Ha sido genial. Los dos son unos pedazo de profesionales y son unas persona excelentes. Con Manuel nos ha pasado que no es el típico productor que nos dice: «las canciones tienen que ser así». Sabe cómo aconsejarnos y guiarnos. Además, podemos explorar con él multitud de posibilidades y al final, entre todos, escogemos la mejor. Tanto como personas como profesionales, es una gozada trabajar con ellos.

Lleváis bastante tiempo dedicándoos a la música, ¿cómo veis el panorama actual?, ¿creéis que ha perdido esa esencia de agitadora mental?

Creemos que sí. Siempre hay bandas que cubren un poco esa parte, pero es verdad que últimamente, no es banalización, pero sí que a lo mejor está perdiendo un poco de fuerza lo que son las bandas de siempre. Mucha gente va con mucha batería pre-grabada. Se le da mucha prioridad al solista, olvidando lo que es la banda. Aún así, seguimos viendo mucha calidad musical, que al final, terminará imponiéndose.

Además, seguimos viendo que hay cierta mafia, que mueve mucho el dinero y que se sigue priorizando mucho a bandas antiguas y a los cabezas de cartel de festivales.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Zirconita?

Ahora toca presentar el EP en el mayor número de lugares posibles. A Madrid volvemos en febrero, a Café La Palma. E ir saliendo, poco a poco, de la ciudad. Y a ver qué pasa.

12 noviembre 2018
Jupiter Lion regresa con «We Will Lose Gracefully»

Para el público y los fans de Jupiter Lion han pasado cuatro años desde su último trabajo. Y, por fin, los valencianos regresan con su tercer trabajo de estudio: esto es «We Will Lose Gracefully» y Jose Guerrero, bajista de la banda, nos ha dado todos los detalles de este nuevo álbum, que lleva días en la calle.

¿Cómo surge el concepto de «We Will Lose Gracefully»?

Surge como todos, por las ganas de juntarnos en el local, de querer hacer nuevas canciones y mostrarlas. Pero no nace con un concepto claro. No es un álbum conceptual, simplemente es una colección de temas de Jupiter Lion.

El disco llega después de cuatro años de silencio creativo. ¿Cómo fue ese proceso?

Realmente, se grabó en noviembre del año pasado. Vio la luz más tarde por falta de tiempo para mezclar y terminar de dejarlo perfecto. En cuanto a lo de los años, de cara al público parecen muchos más, pero en realidad habrá sido año y medio o dos de silencio.

El proceso es como todo. Todo viene de la idea de juntarnos y hacer canciones. Con algunas tardas más y con otras menos. A veces, tienes la suerte de tener más tiempo para componer y ensayar. Lo que sí que pasa es que conforme pasa el tiempo, te vuelves más exigente con los temas que haces. Por eso, es preferible tardar más y hacerlo bien.

Con «Brighter» llegasteis al Low o al Sónar. ¿Qué expectativas tenéis con este?

Es complicado cuando te preguntan por las expectativas, porque al final lo que quiere el grupo es tocar. Verdaderamente, no hay unas expectativas. Nos encantaría tocar en el Sónar, pero eso al final no depende de nosotros. Las expectativas no hacen que un grupo llegue a determinados lugares. Eso depende de los propios festivales y de las personas que te quieran contratar. Nosotros solo queremos tocar.

¿Cómo está siendo la acogida?

Pues acaba de salir y, de momento, ha habido muy pocas reseñas. Parece que está gustando. Además, hemos tenido la suerte de que no solo lo ha publicado BCore, también lo ha hecho un sello de Francia, que llevan tiempo siguiéndonos la pista y les hemos gustado. Así que de momento bien.

Un titular que defina el disco.

Dedícale un poco de tiempo y siéntate a escucharlo. Ningún disco se merece que lo escuches por encima, pero quizás este se merece un poco de tiempo.

Una canción.

Es difícil, porque todas nos gustan por algo. Y todas están ahí por algo. Es como decir, ¿a quién quieres más, a papá o a mamá? Al final quieres a papá por una cosa y a mamá por otra. Creo que es un disco muy variado y eso es muy positivo.

¿Por qué jugar con esa variedad en las canciones?

No hay ninguna intención, simplemente te salen así, casi sin querer. No hay ni que hablarlo. Y también al final escuchas mucha música y todo eso influye y enriquece.

¿Crees que de alguna manera, se ha desvirtuado la música, con el auge de determinados géneros?

No, qué va. Hay millones de bandas y de artistas que son buenísimos y que, además, son nuevos. En ese sentido, yo no dejo de descubrir nueva música. Al revés, creo que cada vez hay más música.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Jupiter Lion?

Ahora mismo, tenemos las presentaciones de discos en Valencia, en Madrid y en Barcelona, que serán entre enero y febrero. Luego haremos una gira, más por el norte de España e incluso por Francia. Y a ver si poco a poco, vamos llegando y explorando nuevos lugares. No hay una forma diferente de hacerlo, si no lo haces un mes, lo haces el siguiente.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

Pues la verdad es que no lo sé [risas].

Por último, ¿qué diez canciones meterías en una playlist?

Eso es imposible. Estoy totalmente obsesionado con la música y no podría meter solo diez. De hecho, estoy constantemente descubriendo nuevos temas y creo que me quedaría corto.

11 noviembre 2018
En busca de la gravedad, con «Gravity Tour» de Fizzy Soup

Años de trabajo, giras infinitas, tocar, tocar y tocar. Si la fórmula del éxito existe, Fizzy Soup está cerca de conseguirlo. Uno de sus últimos hitos, el gran concierto que se marcaron en el Auditorio de Cuenca, con orquesta e invitados. Y es que con «Gravity Tour» reinciden, insisten y persisten. El nuevo trabajo de los conquenses se está acercando. Esto es solo el principio.

Hace algunos días, pudimos hablar con Javi y Sonia y esto es lo que nos contaron sobre su nuevo proyecto.

El disco ve la luz a principios de 2019. ¿Cómo surge el concepto del disco y cómo afrontáis la salida?

Sonia. El concepto todavía no lo tenemos definido.

Javi. La semilla está en la tierra. Lo que pasa es que hay que hacerlo rápido. Nosotros, simplemente, vamos regando. Y la verdad es que lo afrontamos con ganas y con estrés.

S. Sí, la verdad es que el tiempo pasa volando. Lo de los conceptos, para nosotros es importante, pero hasta que no tenemos todas las canciones y no nos sentamos, no atamos bien bien los detalles. Es algo que se nos hace complicado, porque lo pensamos demasiado: la portada, el título, el packaging, etc.

J. La verdad es que es un disco que está surgiendo un poco entre bolo y bolo. Entre parada y parada. No es lo típico de que paras, experimentas, escribes. Así que muy posiblemente, parte del concepto salga de ahí, de la intermitencia sin descanso.

De hecho, los dos primeros adelantos «Gravity» y «Diver» ya están en la calle. ¿Por qué estos temas?

S. Teníamos muchas ganas de enseñarlas y hacerlas sonar en directo. Queríamos probar con esos nuevos sonidos. Porque ha sido año y medio de girar con el disco previo, y teníamos muchas ganas de probar con nuevos sonidos. La verdad es que las queremos mucho.

¿Cómo veis el panorama, creéis que la música está perdiendo profundidad en lo que respecta al mensaje?

J. No sé, mientras no sean los artistas los que pierden profundidad.

S. Depende, no sé. No todo tiene porqué ser profundo. De hecho, nosotros no sé si lo somos.

Me refería más bien a que la música como agitador mental.

J. Nosotros es que somos más de removernos las tripas.

S. También escuchamos mucha música que nos remueve las tripas.

J. Hay muchos tipos de grupo. Evidentemente, a Ojete Calor no les pidas profundidad, aunque tomen alguna idea profunda como base, pero siempre van a buscar el sentido del humor, la crítica.

¿Cómo fue trabajar en Organic Studio, junto a Iñaki Martínez?

J. Fue muy guay. Ya hay mucha confianza con él.

S. Hemos grabado con él todo.

J. Es alguien con quien nos entendemos, hay esa confianza y esa telepatía de tener la misma idea casi a la vez.

S. Te mira a los ojillos y sabe lo que quieres [risas]. En el estudio es como uno más. Luego nunca nos hace caso y se viene a tocar con nosotros. Pero en un escenario no quiere subirse con nosotros.

J. Es la caña y muy resolutivo. Aporta y propone mil ideas. Tiene un criterio que respetamos y valoramos mucho. El papá.

Un titular que defina lo que se aproxima.

J. Todavía no me ha dado tiempo a imaginarme esto en titulares [risas].

S. Es que un titular es mucha responsabilidad.

J. Los rarunos de Cuenca [risas].

Alguien con quien tocar.

J. Llevamos muchas entrevistas diciendo que nos encantaría tocar con Pájaro Sunrise.

S. Con Rufus T Firefly también nos encantaría colaborar.

J. Con El Meister, también sería un pepino.

Un lugar donde tocar.

S. No tiene porqué ser un escenario, ¿no?

J. No, yo ya he dicho que me encantaría tocar en una cueva, ya que tiene un sonido especial. Y que sea una experiencia natural y diferente. Se hacen conciertos en cuevas.

Ya habéis comenzado con la gira de «Gravity Tour», con la que habéis pasado por Madrid y Cuenca. ¿Cómo está siendo esta primera toma de contacto?

J. Muy bien, la verdad. Está siendo una gira de singles y, lo cierto, es que se nos está yendo un poco de las manos. Una vez al año, cometemos un par de locurones. Como este de tocar en el Auditorio de Cuenca, con orquesta y artistas invitados. Y montar ahí un espectáculo. Se nos fue un poco la pinza.

S. Estamos bastante sorprendidos.

J. No siempre se peta.

S. Pero la complicidad con el público, las reacciones y lo que luego te cuentan. Eso es impresionante.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Fizzy Soup?

J. Pues ya sabemos gatear, ahora nos falta echar a andar.

S. Seguir tocando y compaginarlo un poco con la evolución del disco.

J. Sobrevivir también a la gira del próximo disco. Y que no se nos acaben nunca las ideas. En definitiva, seguir viviendo de esta forma.

S. A corto plazo, encontrarnos con el disco y hacer algo muy bonito con él. Y otra gira infinita de estas que hacemos nosotros.

¿Qué es lo más loco que os ha pasado siendo Fizzy Soup?

J. Hace un crowdfunding en Navidad.

S. Grabar «Far». Fue un infierno muy guay.

J. Con ese tema, nos fuimos a recorrer varios lugares de Cuenca. Y grabamos cada instrumento en un sitio, más lejos que el anterior.

S. Cogimos la furgoneta y el estudio. A cada lugar que llegábamos, montábamos el estudio y nos poníamos a grabar. Teniendo en cuenta las condiciones sonoras de cada sitio.

J. Fue un viaje bastante loco que, de hecho, grabamos en vídeo. Nos llevábamos hasta decoración, para esta a gusto en cada lugar. Fuimos a sitios increíbles, con acústicas increíbles. Las voces las grabamos en una antigua iglesia que ahora mismo es un museo. Había un reverb impresionante y no nos escuchábamos nada. Luego fuimos mezclando todos esos sonidos, que en realidad no se notan. Pero la realidad es que se grabó de manera muy loca.

Esta es la playlist de Fizzy Soup

8 noviembre 2018
Antílopez muestra la otra mejilla del pop, con «Dibujo Libre»

Trabajo, constancia, inquietud y sí, también boca a boca. Quizás esto se acerque a lo que es la fórmula mágica, la fórmula Antílopez. Ha pasado un tiempo desde que los descubrimos en, probablemente, alguno de los tantos micros abiertos de Madrid. Y ahora, están presentando su nuevo trabajo: «Dibujo Libre». Libre, así como ellos.

Hace unos días, hablamos con Miguel y Félix y esto es lo que nos contaron sobre su recién estrenado álbum.

¿Cómo surge el concepto de «Dibujo Libre»?

Teníamos ya muchas canciones hechas y ya era momento de sacar disco. En realidad, teníamos muchos títulos en mente y, conforme íbamos componiendo y grabando temas, se nos ocurrían conceptos que podían un poco arbolar todo el concepto.

Pero nos gustó ese guiño a la infancia, cuando faltaba el profesor y nos decían: «venga, ahora dibujo libre». Y, al mismo tiempo, la palabra libre. El no tener a nadie que nos tenga cogido por los estribillos, por así decirlo. Estuvo también a punto de ser «Desdibujo Libre», por rizar aún más el rizo. De hecho, estuvimos trabajando sobre ese título. Pero al final, lo descartamos y nos quedamos con «Dibujo Libre».

¿Cómo han sido las primeras reacciones?

Han sido muy guays, la verdad. Es que había mucha gente esperando. Y se ha ido corriendo la voz. Nosotros tenemos la suerte de que se ha corrido mucho el boca a boca. De hecho, creemos que ha sido el primer año que ha habido demanda de nosotros cuando hace X años no pasaba. Nosotros íbamos a los conciertos y la gente no sabía qué carajos íbamos a cantar. Nos preguntaban «¿qué hacéis?» y era como: «ven a vernos». Ahora eso ya no nos pasa tanto. Ahora hay un flujo increíble de gente que nos busca o nos sigue. O que incluso nos canta, como los chicos de Operación Triunfo.

¿Qué tal la experiencia en Operación Triunfo, por cierto?

Bien, en lo personal bien. También es un poco complicado entrar ahí ya saber que, de repente, hay tres millones de personas viéndote. Aunque sabíamos que los protagonistas eran los chicos. De hecho, no se les podía llevar nada de información del exterior. Les pudimos contar nuestra historia y, a modo de consejo, les dijimos que no se volviera gilipollas, porque este camino es muy largo y no sabes con quién te encontrarás.

Nos sentimos orgullosos, no solo de haber ido a OT, también al resto de programas a los que hemos ido. Porque al final, hemos acudido exclusivamente por nuestro trabajo y por lo que hacemos. Y eso es mucho mejor que una gran compañía te coja y te exponga demasiado rápido.

Los concursantes están ahí y hay gente detrás estudiando el mercado. De repente, les dan por cantarnos o por cantar a El Kanka, la gente de programa se pone a currar en ello, vamos y los chavales flipan. Todo el mundo sale ganando.

Volviendo un poco al tema del disco. Un titula que lo defina.

La otra mejilla del pop español.

¿Por qué «Country Jondo» como adelanto?

En realidad, el primer adelanto fue «Metralla, Medida y Viaje». Pero también escogimos «Country Jondo», porque es un tema que nos gusta mucho. Lo tuvimos bastante claro. Además, era el momento preciso de sacar un segundo avance y decidimos que fuera esa, porque entraba muy bien, era muy moderna, muy para radio.

También por el juego de palabras. Desde el título, es una canción que te impacta. Pero que no se queda ahí, ya que luego la escuchas y flipas.

Respecto a «Metralla, Medida y Viaje», lleváis tocándola tiempo, porque cuando os conocimos ya la cantabais.

Sí, de hecho entró a finales del show anterior. En plan: «señores, estamos preparando nuevo disco y aquí tenéis un pequeño adelanto». Nos ha acompañado mucho tiempo y nos ha dado muchas alegrías. Pero claro, ha pasado cerca de un año desde que salió hasta que ha llegado el disco.

La verdad es que empezamos a cantarla pronto, porque normalmente en nuestros espectáculos, empezamos contando una historia y en medio, nos gusta poner una canción un poco flamenca, que corte un poco. Además, estaba guapísima, eso había que cantarlo ya. Eso es algo bueno de nuestro show, que nos permite recordar temas antiguos, nuevos e incluso temas que no están, que están descatalogados.

¿Por qué «chiripop»?

Es una etiqueta prácticamente para los medios. Cada vez que íbamos a las radios, nos preguntaban qué hacíamos, porque mezclamos muchos géneros. Y, de repente, surgió este concepto. «Chiri» por ese modo de ver la vida, de sacarle punta a las cosas. Y «pop» por el género, porque al final abarca muchas cosas.

Me gusta que todas las canciones tengan su trasfondo, pero que las llevéis al extremo del humor. ¿Por qué usar el humor como arma?

Entendemos la expresión, pero no creemos que lo usemos como arma. Lo usamos como recurso o como auto-ayuda. También es algo que llama la atención del público, como cuando el buhonero visitaba los pueblos. «Acérquense».

Al final, usamos el humor para lo que habitualmente se usa el humor. Nos gusta ir buscando la cosquilla. El humor es algo en lo que solemos caer normalmente en nuestra vida. En las canciones hay que trabajarlo mucho, le damos muchas vueltas y, además, somos muy exigentes con nosotros mismos.

¿Creéis que al panorama musical actual le falta cierta profundidad y humor?

Sí, creemos que sí. Lo hay, pero hace falta que se expanda mucho más, porque hay un sector muy guay. Está Ignatius Farray, está Broncano. En la música también hay grupos así. Lo cual no nos convendría, porque nos harían la competencia [risas]. Pero sí, es algo muy necesario.

Siguientes pasos de Antílopez.

Ahora estamos con la gira del disco por España. De hecho, tenemos dos formatos: dúo y banda. Y lo siguiente que tenemos en mente, es Latinoamérica. Sabemos que tenemos mucha gente por México DF, por Colombia.

6 noviembre 2018
Nunatak se desnuda con su nuevo EP, «Sesiones Valientes»

Incansables. Insaciables. Nunatak regresa y se desnuda con su nuevo EP, «Sesiones Valientes». Algunos de los temas de su último trabajo, «Nunatak y el tiempo de los valientes» en completo acústico y con colaboraciones de lujo, como Rafa Val (Viva Suecia) o Iván Ferreiro. Además, han empezado a anunciar de su nueva gira de salas. En Madrid toca el próximo 17 de noviembre. ¿El lugar exacto? La Sala El Sol.

Hace algunos días hablamos con Adrián Gutiérrez, vocalista de Nunatak. Y esto es lo que nos contó sobre el nuevo trabajo y la nueva gira de salas.

Ahora que «Nunatak y el Tiempo de los Valientes» lleva una temporada en la calle, ¿cómo ha sido la acogida?

Muy buena, la verdad. Antes de que saliera el disco, yo decía que estábamos ante el mejor trabajo de Nunatak y el mejor puñado de canciones. Y por lo que he podido ver en los conciertos y escuchar por parte de la gente, por ahí van un poco las cosas. Estoy muy contento con la acogida, la verdad.

Este disco, saca a relucir historias de personas desconocidas que, de una manera u otra, tienen cierta valentía. ¿Habéis descubierto nuevos valientes por el camino?

La verdad es que se quedaron muchas historias en el tintero, porque esto da para siete discos por lo menos. No te sé decir una en concreto. Pero al final, lo que recoge un poco una de las canciones, la de «Nadie nos va a venir a salvar», es que el hecho en sí de aceptar tus limitaciones, tus días malos, tus flaquezas y tus inseguridades; y seguir con tu vida, porque nada está en tus manos, es un acto de valentía. Es el tema que recoge el lema global del disco y que se desgrana en el resto de canciones.

¿Cómo surge «Sesiones Valientes» y por qué darle esta nueva perspectiva al disco?

Teníamos muchas ganas de centrarnos en la esencia de la melodía pura, con muy pocas capas. Porque al final cuando te metes en el disco, te lías a meter capas y sí que es cierto que las canciones lo agradecen. Pero también mola verlas tal cual se compusieron. Es como ir hacia atrás, es como volver al estado inicial de maqueta. Así que ese va a ser un poco el rollo que tendrán las canciones del EP. Y eso sumado a voces de artistas que admiramos.

¿Será también el inicio de un nuevo directo?, ¿será el momento de llevar los temas a otro nivel en vivo?

En principio, están pensados para un formato eléctrico. Pero nunca se sabe. Quizás, dentro de un tiempo sí que le damos un estilo más acústico. Pero de momento, no.

Tres palabras que definan «Sesiones Valientes».

Melodía, esencia e intimidad.

«Nadie nos va a venir a salvar» ha sido la primera canción enmarcada dentro de las «Sesiones Valientes», con Rafa Val de Viva Suecia. ¿Cómo surge esta colaboración?

Tanto Viva Suecia como nosotros somos de Murcia, nos conocemos desde hace tiempo, hemos colaborado en directo y estamos en los mismos locales ensayando. En definitiva, hay una buena relación entre nosotros. Así que cuando empezamos a darle vueltas al tema de las colaboraciones, salió el nombre de Rafa y encima asociado a esta canción, ya que le va muy bien a su voz, así grave. Además a él le encantaba el tema. En realidad, surgió de manera muy natural y espontánea. Nos flipa cómo lo ha hecho.

¿Se puede avanzar algo de las siguientes «sesiones»?

Todavía no, pero pronto saldrá la segunda colaboración, que se trata de una voz masculina también. Para el tercer tema, sí que contaremos con una voz femenina. Y hasta ahí puedo leer, si no me matan.

[La segunda colaboración ha visto la luz justo hoy, viernes 2 de noviembre. Es la canción «Bestias Sedientas», interpretada junto a Iván Ferreiro].

A propósito de la primera colaboración con Rafa, ¿qué pasa en Murcia con la música? Porque hay muchísimo talento musical (Second, Kuve, Viva Sueca).

Yo creo que se han juntado un poco dos generaciones. Una que ha abierto un poco la veda y que ha hecho que el foco se centro en Murcia; y justo los nuevos grupos emergentes. Pero siempre ha habido un buen fermento creativo, tanto en la ciudad, como en la Región en general. Bandas como M-Clan o Second, han hecho que la gente se fije en el potencial que había y que sigue habiendo.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Nunatak?

Estamos en pleno lanzamiento de gira de salas. Empezamos en Sevilla el día 3; Almería y Granada el 9 y el 10; luego venimos a Madrid el 17; y el 23 y 24, Valencia y Barcelona.

¿Qué es lo más loco que os ha pasado siendo Nunatak?

Hay una experiencia muy guay. Hace poco estuvimos en Nueva York y la única hora que teníamos libre para descansar, queríamos descansar un poco. Estábamos en uno de los parques más míticos de la ciudad, creo que era el Washington Square Park, con una guitarra, que la habíamos llevado a alguna entrevista. De repente, un chico se nos unió y nos preguntó si se podía unir. Al final, terminamos haciendo una macro jam con él, con unos raperos que se unieron y con muchísima gente más. Fue una experiencia brutal.

2 noviembre 2018
Shinova adquiere un nuevo rumbo con «Cartas de Navegación»

El pasado 5 de octubre, veía la luz el nuevo disco de Shinova, llamado «Cartas de Navegación». Fue la tan ansiada espera de la banda, de la que queríamos empezar a escuchar nuevo material. Ya habían avanzado algunos temas como «El Álbum», «Cartas de Navegación» y «En el Otro Extremo».

Un trabajo con el que han dado un paso más, con el que quizás se muestran más introspectivos y con el que toman un nuevo rumbo. Un disco que nace en medio de la gira anterior. Dos años en los que no han dejado de trabajar y en los que dedicaban los espacios en blanco para la creación y composición de «Cartas de Navegación».

Pronto comenzarán con las primeras fechas de la gira, con la que pasarán por Madrid. La cita en la capital será el próximo 2 de febrero en la mítica Sala Joy Eslava.

Hoy, delante de la cámara se sientan Gabriel de la Rosa (voz), Erlantz Prieto (guitarra) y Joshua Froufe (batería), dispuestos a responder todas las preguntas que les hagamos. ¿Quieres conocer todos los detalles de este nuevo trabajo? Pues dale al play.

Muchas gracias a Shinova por prestarse.

A All Sounds Promo y Warner Music por hacerlo posible.

Y, por supuesto, a Makeda por hacer magia.

31 octubre 2018
Koel: «Brújula, como cualquier viaje, es una lluvia de emociones»

¿Cómo surge el concepto de «Brújula»?

«Brújula» surge cuando se agotó «Superforma», en el sentido de que ya nos habíamos recorrido la mayoría de salas de España un par de veces y teníamos ya alguna idea en la guantera. Así que sentíamos la necesidad de darle salida. La idea se ha ido formando desde ese momento inicial, hasta hace poco que el disco adquirió toda su forma en el estudio. Verdaderamente, no ha sido una idea que surgió en un momento. Ha sido más bien un proceso evolutivo.

El título es revelador, pero no sé hasta que punto lo es.

La brújula significa muchas cosas. A muy pocos artistas les gusta decir de qué trata su canción. En este caso, es algo muy personal. Aunque ha habido gente que nos ha dicho que le recuerda a determinadas situaciones de su vida o a alguna persona. Al final, cada uno se la lleva a su terreno individual.

Pero imaginamos que te refieres más al concepto en sí del disco, ¿no?

Exacto.

En un punto, vimos que esta canción adquiría un nuevo sentido, el de: «vamos en una nueva dirección». Entonces la brújula tiene un nuevo sentido simbólico, el de guiarnos cuando no sabemos muy bien por dónde ir. Ese es un poco el concepto. Aunque al final, hemos terminado por dejar de lado la brújula, preferimos dejarnos llevar. Si nos perdemos a mitad de camino, ya nos encontraremos.

La brújula de polaridades locas [risas].

¿Cómo fue trabajar en los Estudios Reno con Luca Petricca?

Nosotros hemos trabajado en realidad, en loes Estudios ES de Granada. Fue donde se grabó con el equipo de La Madre. Allí trabajamos con Javier Serrano de Supersubmarina, sobre todo, el tema vocal. Y cuando ya estuvo gran parte del trabajo hecho, porque somos mucho de llevar el material pregrabado, fuimos a los Estudios Reno con Luca. Y la verdad es que ha sido un lujazo, nos hemos entendido a la primera y apenas hemos tenido que rectificar nada. Ha sido todo muy fluido. Al final, estamos muy contentos. Así que muy seguramente repitamos.

Un titular que defina el disco.

«Brújula», como cualquier viaje, es una lluvia de emociones.

Una canción.

Cada uno tenemos una y cada día es diferente. Siempre decimos que sin alguna de las doce canciones, el disco dejaría de ser lo que es.

¿Cómo han sido las primeras reacciones?

Han sido muy positivas, la verdad. El movimiento genera movimiento. Hemos publicado un disco, nos hemos movido para darlo a conocer y la gente ha generado un nuevo movimiento. Ha sido una pasada, el público ha reaccionado súper bien y nuestra gente más cercana ha cambiado por completo el concepto sobre nosotros.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Koel?

Movimiento [risas]. En realidad, no hemos planificado nada. Al igual que el disco, queremos que esta gira vaya surgiendo poco a poco. No salimos a la calle con 10 o 15 fechas. La idea es que vayan llegando. No nos generamos metas, ni tenemos pretensiones. Así que que venga lo que tenga que venir y que la brújula loca nos lleve donde nos tenga que llevar.

¿Qué es lo más loco que os ha pasado siendo Koel?

La vez que tocamos en la Maravillas. Llegábamos súper tarde e íbamos muy justos al bolo. Fuimos a aparcar la furgoneta a un parking e íbamos tan agobiados que, al meter el coche, no nos dimos cuenta de la altura. La metimos y se quedó pillada. Pero la dejamos en mitad del parking y nos fuimos a tocar. Hay otra muy buena, que no vamos a decir en qué sala fue, estábamos en mitad del bolo, tuvimos que para el concierto, bajar del escenario y cerrar la puerta del baño. Por culpa del olor que salía. A punto de vomitar [risas].

30 octubre 2018
El incesante crecimiento de Staytons y su «Singularity»

Si nos ponemos a hablar de descubrimientos y de bandas revelación, sin duda, nos vendría un nombre a la mente: Staytons. Es el ejemplo claro de banda joven que, con un solo álbum en la calle, han arrasado. Y es que recientemente, con «Singularity», se han alzado con el premio Talento Ribera. Un certamen que los llevará directamente al escenario de Sonorama Ribera 2019.

¿Cómo ha sido la acogida de «Singularity», ahora que lleva un tiempo en la calle?
Muy positiva. Nos hemos preocupado por confeccionar un disco que no sólo de una buena primera impresión, sino que también mantenga el interés según se siga escuchando con detalle. «Singularity» crece con el tiempo.

En apenas unos meses, no habéis dejado de sonar como una de las bandas revelación. ¿Cómo os sentís?
El reconocimiento por parte de los medios siempre es un gran apoyo con el que sienta muy bien contar. Nunca dejaremos de agradecer a todas las radios, televisiones, revistas, podcasts, blogs y prensas que nos han dado su voto de confianza tanto en nuestra provincia como a nivel nacional. Uilizamos esto como combustible para propulsar nuestra música hacia lugares que nunca hubiéramos imaginado. Es un verdadero placer.

¿Esperabais tanto ruido?
Staytons es nuestro primer proyecto musical. No adivinábamos el impacto que tendría sobre la escena musical ni sobre nosotros mismos. Es una oportunidad sobre la que nos hemos volcado por completo. Del ruido nace más ruido.

¿Cuál es la clave del incipiente éxito de Staytons?
Energía y naturalidad. Somos quienes somos y lo somos con total convicción. No concebimos otra forma de hacer música ni ningún otro tipo de arte. La Singularidad es la única clave.

Tenéis unas influencias muy variadas y marcadas, a la par que un sonido muy personal. ¿Intento de buscar vuestro propio sonido?
Nuestro sonido siempre ha abarcado una amplia variedad de influencias. Todos los integrantes traemos bagajes musicales muy distintos, que encajan unos con otros como las piezas de un puzzle. Buscamos nuestra identidad en la diversidad del rock, funk, soul, y el R&B con un tono de actualidad.

Definición del sonido Staytons en un titular.
Blanco y negro; groove y fuego

Recientemente, habéis sido ganadores del concurso Talento Ribera, que os llevará al Sonorama 2019. ¿Cómo os sentís?
Nos sentimos realmente bien. El Talento Ribera nos abrió las puertas a la Plaza del Trigo del Sonorama, y gracias a la oportunidad que nos brindó, nos hemos enamorado del festival y de toda Aranda de Duero. Fue el paso decisivo para llevar el sonido de «Singularity» a toda España.

Una canción del disco.
«Singularity».

Un lugar donde tocar.
Stayton

Una persona con la que compartir escenario.
Leo Pellegrino

Siguientes pasos de Staytons.
Seguir tocando, creciendo, y llevando nuestra música a todos los oídos que nos encontremos por el camino. Conocer y conocernos, pisar las tablas de salas y festivales, y viajar a la velocidad del sonido «Singularity».

Alguna locura que os haya sucedido como banda, durante estos meses.
Nuestro trompetista, Luis, es un imán para las locuras, para los sujetadores lanzados desde el público, y curiosamente, para las mujeres de más avanzada edad. Llegó a ocurrir que en medio de un solo de trompeta, una admiradora de estas características le arrebató su botella de cerveza y se la devolvió con una enorme marca de beso en pintalabios rojo, y un papel cuidadosamente plegado con su número y dirección. Talento o maldición, puede que la próxima vez que reciba un brasier catapultado desde la multitud, se plantee acudir a la cita.

28 octubre 2018
Milongas Extremas o cuando el folclore rioplatense atraviesa fronteras

Directamente desde Uruguay, llegan Milongas Extremas, banda en la que el folclore rioplatense y el rock se mezclan y resurgen. Ayer actuaron en la capital, pero es que la gira por España aún no ha terminado. De hecho, está en pleno apogeo. Y es que aún quedan fechas por Bilbao, Barcelona y Sevilla. ¿Listos para re-descubrir las canciones de Extremoduro, mezclado con el más puro estilo milongas?

¿Cómo surge la idea de rendir homenaje a Extremoduro?

Nosotros tenemos dos discos. En el primero, quisimos reunir todas esas canciones que ya tocábamos y versionábamos, con guitarras criollas. Un formato típico del Río de la Plata. Había como unos 20 temas, que llevábamos a los directos. Y como la banda ya quería crecer, decidimos grabar ese primer disco, que eran todo versiones de Extremoduro. Eso fue en 2012. Y en 2016, vio la luz el segundo disco, que ya son temas propios y colaboraciones con algunos amigos. En él, quisimos volcar todo lo que veníamos haciendo, pero con otras composiciones.

¿Por qué llevarlo todo al lado del folclore rioplatense?

Es algo que se hizo siempre en Uruguay. Hay muchos artistas que lo hacen con muchos estilos. Al final, todos ellos se mezclan. Lo que nos pasó a nosotros es la posición desde la que el cantor de milonga canta, es muy similar a la de Robe de Extremoduro. Entonces, al probar, nos dimos cuenta de que sonaba bien y de que el mensaje llegaba. Para nosotros fue muy interesante y lo vivimos de una manera re-linda. Aún con cuatro guitarras criollas, hay mucho de Extremoduro en lo que hacemos.

En su momento, Robe Iniesta dijo que erais el único grupo de versiones, capaz de aportar un sello diferente.

Capaz que antes nadie los versionaba. Porque para nosotros, la versión muestra otra perspectiva de los temas, es como agarrar algo y llevarlo a otro terreno. Entonces capaz que no haya ningún otro grupo que haga lo que hacemos nosotros con las canciones de Extremoduro, a las que damos nuestra propia personalidad. Y suenan completamente diferentes, porque somos cuatro guitarras, pero también cuatro voces.

Además, Extremoduro no es una banda hiper conocida en Uruguay. Ahora sí que empiezan a sonar más. De hecho, comenzaron a vender discos en Latinoamérica, a partir de 2014. Antes llegaban algunos, pero muy pocos. Nosotros en 2008, empezamos a tocar canciones de ellos y la gente apenas se las sabía.

¿Y cómo llegan Extremoduro a vuestras vidas?

En realidad, por conocidos y amigos, que comenzaron a escuchar a Marea y Extremoduro. Al principio, no nos gustaban mucho, porque estábamos acostumbrados a escuchar rock en inglés o rioplatense. Y nos parecía raro al principio, escuchar rock con el acento de acá. Pero nos terminaron gustando. Al final, con el boca a boca, la gente comenzó a escucharlos más por allá.

¿Cómo han evolucionado Milongas Extremas en esta década?

Seguimos siendo los mismos, en realidad. Pero cada vez, con desafíos más grandes y con proyectos más difíciles de encarar, ya que eso es lo que al final te hace crecer. Al final, la idea es viajar más, recorrer más escenarios y más grandes.

Hemos girado mucho por Uruguay. Y, al final, Montevideo tiene millón y medio de habitantes; y el resto de país, otro millón y medio. Así que tenemos que esforzarnos mucho en cambiar nuestros espectáculos. Porque no vamos a tocar todos los meses, las mismas cosas. Así que procuramos publicar cada dos años material nuevo. Y eso es lo que hemos hecho hasta el momento. Aunque no hemos dejado de versionar temas de Extremoduro.

¿Cómo afrontáis la visita por España?

Lo vivimos minuto a minuto, como un verdadero desafío. También venimos con mucha menos incertidumbre que la vez anterior. La verdad es que estamos re-contentos de volver, se nos pasaron tres años. Cuando vinimos en 2015, queríamos regresar prácticamente al año siguiente.

De todos modos, estuvimos trabajando mucho por allá, porque es mucho más sencillo que alguien empatice con nosotros allá, aún sin conocer a Extremoduro. Nosotros sabemos que las letras de la banda son profundas y llegan, pero por nuestra manera de llevarlas al escenario, con un cuarteto de cuerda, es más fácil que el público uruguayo, argentino o brasilero conecte con nosotros. Porque el sonido es mucho más familiar. Venir acá a tocar canciones de Extremoduro en formato milonga, es un desafío. De hecho, en 2015 creíamos que el experimento no iba a funcionar, pero no fue así.

Esta vez venimos sin expectativas, pero con muchas menos incertidumbres. Venimos para volver a insistir en ciudades en las que ya estuvimos y para descubrir nuevas. Lo bueno, es que siempre hay gente que agita y nos pregunta que cuándo volveremos.

Un titular que defina este último trabajo.

Temprano. Es «electric feel». La verdad es que salió muy rápido y quedó muy fresco. Casi todas las canciones eran «nuevitas». Aunque lo cierto es que venimos más a presentar el nuevo espectáculo.

Un titular que defina el espectáculo.

«Vení» a verlo. Es algo que no se puede explicar, solo se puede vivir.

Es, quizás, un problema nuestro. El no saber grabar los discos tal cual sonamos en los directos. Aunque en realidad, son dos mundos paralelos. Nosotros escuchamos los discos y nos encantan, pero luego los vivos no tienen nada que ver. La tensión es diferente. Además, hay mil cosas por medio. En los conciertos, siempre hay una electricidad que en los discos no se percibe.

¿Qué es lo más loco que os ha pasado siendo Milongas Extremas?

Pasaron cosas muy locas [risas]. Hay una cosa muy loca y muy linda, también. En Buenos Aires, la gente es muy sentimental. Este año tocamos allá y vino una familia, con un bebé pequeño. La cuestión es que la mamá nos contó que tuvo el parto en su casa, escuchando a Milongas Extremas. Y esa gente nos va a ver, con la niña muy chiquita.

28 octubre 2018
Molina Molina: «La Gran Esperanza Blanca nace como disco de grandes éxitos»

Molina Molina está de enhorabuena, «La Gran Esperanza Blanca» está en la calle, desde el pasado mes de septiembre. Magia, luz y energía positiva a raudales es lo que transmite este álbum. Es lo que transmite él cuando lo entrevistamos. 30 minutos de conversación que parecieron 2 segundos. Por fin os podemos mostrar todo lo que nos contó sobre su nuevo trabajo y sobre la situación actual de la industria de la música.

El próximo 16 de noviembre, el artista presentará el disco en la capital, en la reconocida Sala Búho Real.

¿Cómo surge el concepto de «La Gran Esperanza Blanca»?

¿Como disco o como título? Porque el título tiene una intra-historia detrás, que me reservaré para mi libro, porque es una movida muy «tocha». Es una especie de cuento de hadas, tiene algo muy mágico detrás. Para mí fue muy especial.

El concepto del disco en sí, surge como álbum de grandes éxitos. Todas las canciones han salido como singles, excepto dos, que verán la luz pronto. Entonces es muy curioso que el disco haya salido después de que casi todos los singles hayan visto la luz. Es más una compilación de grandes éxitos, que un disco con temas inéditos. Ha sido el resultado del trabajo de estos dos años y medio.

¿Y no crees que al publicar single por single, se pierde un poco la historia y la magia del disco?

Sí que creo que se pierde. Aunque yo luego he hecho lo contrario de lo que digo. Aún así, creo que se pierde la magia, se pierde la novedad, se pierde el orden. Porque la selección de temas no es aleatoria. Pero sí que es cierto que vivimos en esa sociedad del consumo rápido, el ponerse el disco se ve como una pesadez. Entonces, no tiene mucho sentido. Aunque en este caso sí, por el formato en el que se ha hecho: se ha publicado en vinilo, bonito y metiendo las canciones que merecían estar. Para mí, ha sido como subir un «escaloncito» a nivel profesional.

Si hubiera sido un disco con canciones inéditas, quizás no habría tenido tanto sentido. Precisamente por eso, porque hoy se escucharía y mañana ya sería un disco antiguo.

El diseño del disco tiene gran peso e importancia. ¿Cómo surge el concepto del mismo?

Yo soy muy obsesivo con muchas cosas y me gusta controlar todo: desde el videoclip, hasta las canciones, pasando por lo que se publica en redes sociales. Yo tenía una idea de portada, pero mi equipo no lo tenía tan claro. Así que decidí que yo no quería participar de ello. Mabel Casas, de Warner, fue la encargada del diseño del disco. La verdad es que es una persona que me conoce a la perfección, con la que trabajo muy mano a mano, me dijo: «no te preocupes, porque voy a hacer la portada perfecta para ti». Y efectivamente, así fue. Cuando la vi, me di cuenta de que había referencias muy evidentes a lo que soy yo y lo que significa este disco.

Una canción del disco.

«Nervio», también «He vuelto a casa» con Iván Ferreiro, por lo que significa. Pero me quedo con «Nervio», porque tiene una cosa especial. Quizás influye que es la última del disco y la última que grabé.

Un titular que defina el disco.

Son canciones chulas. Yo baso todo en las canciones, si te llegan, ya está todo.

¿Huir de las etiquetas en pro de buscar un sonido propio?

Eso siempre. Además, creo que cuando un artista se auto-etiqueta, se está cerrando muchísimo campo. Si yo mañana quiero hacer reaggeton, que hay cosas guays dentro de ese género, ¿ya no lo puedo hacer porque supuestamente soy indie? Me parece una tontería. Por eso decía que lo importante son las canciones. A mí me puede gustar un tema de Camilo Sesto, otro de Fangoria y otro de Rosalía.

Es cierto que yo siempre estaré encauzado en una determinada corriente. No podría hacer heavy metal, porque no tengo el timbre de voz y no soy un virtuoso del género. Pero sí que reconozco que hay canciones heavys que molan.

Lo verdaderamente complicado es encontrar tu sello. Si haga lo que haga, eres capaz de escucharme y saber que soy Molina Molina, es ya un éxito total.

Pues precisamente, hay bandas que parece que sean réplicas unas de las otras. No tienen personalidad y ese sello se pierde.

Quizás porque se suben al carro de la moda, de lo que saben que está funcionando en ese momento. De hecho, salió Supersubmarina, salió Izal y desde entonces, han salido mil bandas siguiendo esa estela. Al final, si analizo, esas bandas no han triunfado no por el estilo que hagan, si no por imitar. Por ejemplo, gente como Raphael, Sabina, Sía, se han creado una marca muy potente. Puedes imitarlos e incluso cantar mejor que ellos, pero como ellos no hay dos iguales. Ellos fueron los primeros.

Cuando yo hablo de «La Gran Esperanza Blanca», aludo a esa diferencia. A esos aspectos que me distinguen de los demás.

¿Cómo se produjeron las colaboraciones con Iván Ferreiro y Alberto Jiménez (Miss Caffeína)?

Con Iván Ferreiro fue un sueño cumplido, porque de hecho, cree la canción solo para que la cantara él. Y le dije que si no la cantaba él, que ese tema nunca aparecería en ningún sitio. Al final, tuve la suerte de que conforme la escuchó, me dijo: «por supuestísimo». Para mí, él era lo máximo, porque he crecido con su música. Fue muy chocante y espectacular.

Y con Alberto fue muy guay también. En ese caso, la canción estaba ya hecha y, en principio, no estaba pensada para ninguna colaboración. Pero una vez escuchándola, me dijeron que recordaba mucho al estilo del último disco de Miss Caffeína. Así que creímos que Alberto sería perfecto para cantarla conmigo. Así que se la mandamos y automáticamente, dijo que sí.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Molina Molina?

Hacer mucha promoción, para que la gente se peleé por ellos, con navajas en la puerta [risas]. Y, sobre todo, hacer presentaciones. Voy a hacer la primera tanda de presentaciones en acústico. Y luego, a partir de enero o febrero, hacerlas con banda. A partir de verano, es empezar con la ruta de los festivales.

¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

No lo que he hecho, si no lo que estoy haciendo. Que es, simplemente, dedicar toda mi existencia a la música y a sacar el proyecto adelante. Y es que, básicamente, vivo en el Alsa que va de Granada a Madrid. Me pego entre dos y tres viajes a la semana, a cinco horas por trayecto. Así que, con esto, me lo estoy jugando todo a una carta. Y sin una plan B.

La playlist de Molina Molina

25 octubre 2018
Full: «Capadocia tiene la misma cantidad de amor, de misterio y de rabia»

«Capadocia» ya está en la calle desde el pasado viernes 19 de octubre. Y con él, Full han lanzado su disparo más certero y más maduro. Desde ya, la banda sevillana está preparada para llevarlo al directo, primero en acústico y, luego, en eléctrico. La gran fecha en Madrid será el próximo 16 de febrero en la Sala Ochoymedio.

Hace unos días, pudimos hablar con Javi Valencia, vocalista de Full. Y esto es lo que nos contó sobre su nuevo álbum de estudio.

¿Cómo surge el concepto de «Capadocia»?

Cuando estás componiendo un disco, siempre hay un punto en el que te planteas: «¿y qué nombre le pongo a esto?». Pero me di cuenta de que en el momento en que cree las canciones, cada una de ellas era como una especie de capas internas. Eran como un sitio al que bajar y en el que analizar la situación: el por qué estaban las canciones en ese punto y cómo habían llegado hasta allí. Todos los temas tenían ese punto en común y quería buscar un nombre que recogiera todo ese concepto. Y siempre me ha gustado la arqueología y la historia, sabía del desierto de la Capadocia, conocido por sus ciudades subterráneas y, al final, me vino a la mente. Al final, era como una analogía de todas esas capas internas mías.

¿Digamos que ese es el hilo conductor del disco?

Sí. El disco, en realidad, tiene canciones muy diferentes entre sí, ya que hablan sobre un momento diferente, sobre una cultura diferente, tienen un estilo diferente. Son viajes de profundidades.

Vuestros temas tienen profundidad en las letras y transmiten sensaciones. Pero, ¿piensas que la música en general, ha perdido esos valores?

Sí, por supuesto. De hecho, la música que lleva mucho tiempo teniendo éxito es el reaggeton. Y de profundidad, para mí, tiene poco. Respeto mucho los gustos, pero mi opinión la tendré.

¿Y cómo competir contra eso?

No creo que se trate de competir. Al final, el consumo de la música, es lo que te da el indicativo de cómo funciona todo. Entonces, el problema en sí no es el reaggeton. El problema es la sociedad. ¿Y cómo se arregla eso? [risas]. Es lo que interesaría arreglar. Y tampoco creo que se trate de eso. El punto está en que, para determinados sectores, es mucho más fácil el tenerte controlado, si piensas menos.

Volviendo un poco al disco: un titular que defina «Capadocia».

Es un conjunto de canciones que guardan la misma cantidad de misterio, de amor y de rabia.

«Alfombra Roja», «Historia Perdida» y «Zombies» fueron los primeros adelantos. ¿Por qué?

Creo que muestran mucho la esencia de Full, además de avanzar ese plus que buscábamos, en cuanto a perfeccionamiento en la composición, armonías, sonidos, arreglos. En fin, muchísimas cosas. Además, cada canción es diferente. Son como tres vértices distintos de la banda. Era lo más representativo.

Un canción.

«X».

¿Por qué?

Es una canción, cuyo estilo de música me llama mucho la atención. Además, tiene un color con el que nos gustaría seguir trabajando, que nos gustaría seguir explorando. Tiene su punto de rock, su punto de pop, su punto de soul. Tiene muchos grooves y muchos cambios armónicos. Pasan muchísimas cosas en esa canción. Además, la letra te lleva por lugares muy concretos. Aunque no sepas exactamente el miedo del que se habla, es un tema que te deja entrever esa problemática.

Alguien con quien colaborar.

Como puedo decir a cualquiera, diría a Silvia Pérez Cruz. Creo que es de las voces más increíbles.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Full?

Pues empezaremos con la gira por distintas FNAC de España, presentando algunos temas en acústico y firmando disco. Además, hemos anunciado que el 16 de febrero, arrancamos gira oficial en la Sala Ochoymedio de Madrid. Tenemos más cosas preparadas, pero ya iremos anunciando poco a poco.

¿Qué es lo más loco que os ha pasado, siendo Full?

Cada día hay una. Al final, hay tantas que se te van olvidando otras. Pero creo que la locura más grande, viajar con la primera furgoneta que teníamos. En realidad, nos jugábamos la vida de manera constante. Al final, preferíamos ni pensar en eso y, por eso, creo que no nos llegó a pasar nada. Bueno, una vez nos quedamos tirados, pero finalmente, llegamos a tiempo. De hecho, en el último concierto que tuvimos en Crevillente, la furgoneta llegó en grúa. Y eso que era más nueva.

La carretera es algo con lo que hay que llevar mucho cuidado. Se pasan más horas ahí que en los escenarios. Hay que ser muy conscientes de cómo y en qué condiciones hacer los viajes.

23 octubre 2018