Categoría: Entrevistas

  • Paco Román (Neuman): «Crashpad ha sido el disco más ilusionante de mi vida»

    Paco Román (Neuman): «Crashpad ha sido el disco más ilusionante de mi vida»

    Los conocimos con «If», pero lo cierto es que desde ese momento, han pasado ya varios años. Ahora, Neuman está inmerso en la presentación de su último trabajo, «Crashpad». Una presentación en directo, que los traerá este jueves 17 de enero al WizInk Center. ¿El motivo? El concierto solidario, llamado «Lenovo Sounds Different», que donará todo el dinero recaudado a diferentes proyectos benéficos, organizados por distintas asociaciones.

    Sobre este concierto tan especial y sobre muchas otras cosas más, hablamos hace unos días con Paco Román, vocalista y front-man de Neuman. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?

    ¿Cómo surge el concepto de «Crashpad»?

    Lo cierto es que veníamos de hacer más de 300 conciertos en tres años, lo cual era una barbaridad. Durante esa época, estuve de un lugar a otro sin parar, sin un hogar fijo en el que estar. Fue un poco locura, pero fue el momento que me tocó vivir y lo estuve sobrellevando. Y en medio de toda esa etapa, tuve poco para componer. Aunque ya a partir del segundo año, comencé a recopilar todo lo que tenía, tras «If» y los singles que fuimos sacando después. 

    Lo que me ayudó a asentarme fue el parón tras la gira de «If», momento en el que me vine a vivir definitivamente a Granada. Pero yo ya tenía temas hechos de manera previa. Pero al final, tras toda esa locura y caos previos, se me ocurrió montar un estudio de grabación en casa; donde comenzó a gestarse «Crashpad». Lo cierto es que este ha sido el disco más ilusionante de mi vida, ni mejor ni peor. Simplemente, el más ilusionante. Y refleja lo que ha sido mi vida en estos últimos años, porque «Crashpad» hace referencia a esos lugares en los que tan solo pasas una noche.

    ¿Cómo ha sido la acogida de este trabajo?

    Fue increíble. Y más viniendo de una gira tan larga y dura, como fue la de «If», que además, hizo mucha mella en nosotros. También íbamos con un poco de miedo, porque este último trabajo ha nacido de manera muy rápida, es muy visceral, y no sabíamos cómo iban a ser esas reacciones. Además, se ralentizó porque lo grabamos en cinta, así que íbamos muy justos de tiempos.

    De cualquier manera, prácticamente a la semana de que saliera «Crashpad», entró en el top de las listas de ventas nacionales. Fue una sorpresa total, porque por encima de nosotros había bandas muy grandes como Foo Fighters o Madonna. Pero fue una gran alegría.

    ¿Cómo afrontas la actuación en el «Lenovo Sounds Different» y cómo se te plantea la oportunidad de actuar en este concierto solidario? 

    Será un concierto muy especial. En principio, iba a ser en acústico, pero después decidimos que mejor en eléctrico. El sitio en el tocamos, además, es increíble. Igual que los compañeros con los que compartimos cartel. Y encima es por una causa importante, lo cual le da otra dimensión al espectáculo. Así que, ¡qué mejor que dar un empujón a iniciativas de estas características y con grupos de nivel!

    La verdad es que va a ser un «conciertazo». De hecho, ya tenemos hasta el setlist preparado. Podemos avanzar que habrá muchos temas icónicos y reconocidos de la banda. En definitiva, tenemos muchas ganas de que llegue el jueves, estamos muy ilusionados.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Neuman?

    Ahora la idea es seguir girando con este último trabajo, aunque en marzo van a salir dos canciones nuevas (a modo de continuación). También tenemos previsto el lanzamiento de un corto de «Crashpad» y el videoclip de la canción que da título al disco. Y, por supuesto, seguir rodando por salas y de cara al verano, en festivales. Como novedad, estoy ya trabajando en disco nuevo, que esperamos que pronto vea la luz.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    La mayor locura, quizás sea que he entregado mi vida a la música. Para mucha gente sea algo loco, a mí es lo que me dictaba el corazón. Vivo para la música. Es precisamente lo que quería hacer, aunque conlleve muchos riesgos. En mi caso, me entregué a la música totalmente, porque es la única manera que conozco de vivir.

    Si todavía no tienes tu entrada para el Lenovo Sounds Different, consíguela aquí.

  • Tregua: «Kilómetro a Kilómetro es un sueño hecho realidad»

    Tregua: «Kilómetro a Kilómetro es un sueño hecho realidad»

    Llevan ya toda una vida componiendo, tocando y girando. Una década recorriendo cada uno de los rincones de España y eso se merecía una celebración. Hablamos de Tregua, la banda gallega que acaba de lanzar su álbum recopilatorio, «Kilómetro a Kilómetro». Y el próximo 18 de enero lo presentan en la Sala Costello de Madrid.

    Hace unas semanas hablamos con Mario García, vocalista de la banda, quien nos da todos los detalles de este disco tan especial.

    ¿Cómo surge el concepto de «Kilómetro a Kilómetro»? 

    Hacíamos 10 años y queríamos celebrarlo y reflejar de alguna forma que las bandas de rock crecen a base de trayectoria, carretera y escenario, de ahí el nombre. 

    El título parece bastante revelador. ¿Es así? 

    Sí, porque creemos que esa es la forma en la que se deben de forjar las bandas. A base de esfuerzo, trabajo y buen hacer. De esta forma afianzas público porque ven que detrás hay un curro impresionante por parte de los músicos. 

    Un titular que defina este disco. 

    Un sueño hecho realidad y el punto de partido de nuestro próximo nuevo disco. 

    ¿Con qué canción os quedaríais? 

    Me quedaría con el hecho de haber conseguido que tantos artistas se hayan sumado a la causa de formar parte de este disco, hayan dicho SÍ, de alguna forma quiere decir que te apoyan y que creen en tu trabajo también.

    ¿Cómo está siendo la acogida de este disco? 

    Muy buena, hemos agotado copias en varias ciudades algo que hasta ahora nunca nos había pasado así que no podemos estar más contentos pero como siempre, pensando en seguir trabajando y creciendo al lado del público que nos sigue, juntos. 

    Además, contáis con multitud de colaboraciones como Pedro de La Fuga, José Andrea, Carlos de Sober, Carlos Goñi, entre muchos otros. ¿Cómo surgen? 

    La idea surge porque queríamos hacer algo especial por los 10 años y simplemente sacar un recopilatorio se nos hacía poco, así que nos preguntamos por qué no intentar que casi todos los artistas con los que compartimos escenario en estos años formen parte de él, y ahí están. Agradecidos a todos por haber acudido la llamada. 

    ¿Por qué celebrar vuestro décimo aniversario de esta manera? 

    Porque al final, después de estos años en los escenarios forjas amistad con muchos artistas a los que has seguido años atrás y sigues en la actualidad, ahora eres fan y amigo, y poder compartir con ellos tus canciones era una oportunidad que no podíamos dejar pasar. Todos se volcaron 

    ¿Qué balance hacéis de esta década de trabajo? 

    Muy positivo, hemos hecho lo que queríamos: tocar, tocar y tocar en todos los sitios donde nos han dejado. Tocar y convencer, y de cada concierto llevarnos siempre seguidores para el viaje, y de esta forma seguir creciendo juntos, público y banda, que es como tiene que ser.

    ¿Cómo veis el panorama musical actual? 

    Con muchísimas propuestas y muy buenas, creo que el relevo generacional está ahí y que es responsabilidad de los medios de comunicación y de los que consumimos música el dar la oportunidad de ser escuchados a las nuevas bandas porque hay muy buenas canciones y muy buenos músicos en carretera. 

    ¿Creéis que, actualmente, se ha perdido el poder del disco como discurso? 

    No, quiero pensar que no, creo que es un tópico como lo de que el rock está muerto. Afortunadamente somos muchos aún a los que nos gusta el hecho de poder palpar y tener el disco en casa ya sea en formato vinilo o CD, pero físico. Y hay que educar a los que vienen detrás para que esto no se acabe. 

    Habéis comenzado ya con la gira de «Kilómetro a Kilómetro» y en enero pasaréis por Madrid. ¿Cómo lo afrontáis? 

    Con muchas ganas, hemos hecho Costello anteriormente y siempre lleno. Así que tenemos muchas ganas de repetir y de dejarnos la piel y la garganta en el escenario, como siempre. 

    Siguientes pasos de Tregua. 

    A corto plazo, dejar reflejado este disco y estos 10 años en un DVD que grabaremos en nuestra Coruña el próximo 16 de marzo y en el que participan muchos artistas invitados también. A partir de ahí, seguiremos trabajando sobre nuevas canciones para en 2020 publicar un nuevo trabajo. 

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Te parece poco locura seguir haciendo canciones, discos y dejarse la piel por el trabajo cada día [risas].

  • Don Flúor: «Atropic es sinónimo de rollazo»

    Don Flúor: «Atropic es sinónimo de rollazo»

    Se ha convertido en uno de los DJs de referencia dentro del panorama nacional. Además, es de la región con mayor talento en la actualidad, Murcia. Se trata de Don Flúor, quien recientemente publicó nuevo EP: «Atropic».

    Poco antes de estas fechas locas que son las Navidades, pudimos hablar con él sobre su nuevo trabajo y sobre su carrera. Así que si quieres conocer un poco mejor a Don Flúor, atrévete a leerla.

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo EP, «Atropic»?

    Eran de nuestros temas preferidos. El productor de minimal techno Dubmanf escuchó «Atropic »y nos conecto con la discográfica chilena Disolend Records, les gustó y completamos el lanzamiento con el remix de  «Go Away», de nuestros amigos de Lebwosky. Es ni más ni menos que lo que nos apetecía hacer.

    Un titular que lo defina.

    «Atropic» es sinónimo de rollazo.

    ¿Cómo está siendo la acogida?

    Se han estrenado los dos temas en «Siglo21», programa de Radio 3 presentado por Tomás Fernando Flores. Mondo Sonoro también ha estrenado el clip de «Go Away». Todo lo que hemos leído y escuchado por ahí nos gusta mucho

    ¿De qué manera surge la colaboración con José Morata en «Go Away»?

    José y yo llevamos 5 años trabajando juntos, es un ser maravilloso y un hater de libro. «Go Away» surgió, como otras cosas buenas, en el backstage de La Yesería, los Lebowsky nos propusieron hacerles un remix y sabía la canción que quería de ellos. Es un tema especial y son gente de puta madre.

    Precisamente de este tema, creasteis unos montajes visuales muy particulares. ¿Cómo surgen y qué importancia tiene en tu proyecto la parte más gráfica?

     

    En el clip de «Maybe Was a Trip», un tema maravilloso que hicimos con Jorge Guirao (Second), contamos en imágenes cómo es el viaje. En este clip hablamos de una Murcia que me fascina, más oscura pero también llena de vida, es el reverso, la vuelta del viaje. Queremos aprovechar los clips para contar cosas, son parte de nuestra propuesta y queremos que mantenga el punto «home made» que tiene todo el proyecto.

    También has colaborado recientemente con la OJRM (Orquesta Joven Región de Murcia). ¿Cómo surgió esta colaboración y cómo encajar dos géneros tan diferentes?

    El año pasado por estas fechas actué con 4 músicos de cuerda en la plaza del Romea, en pleno centro de Murcia. La lluvia apenas dejó que hiciéramos en directo 3 temas pero Marta López-Briones, directora general del ICA, nos propuso hacerlo a lo grande con la OJRM en el Animal Sound. A partir de ahí, sumamos a Pedro Contreras (compositor nominado a los Goya, director de orquesta y arreglista de primer nivel) y trabajamos duro para que el público viviera una experiencia única. 

     

    La música electrónica es la forma de expresión musical más democrática y asequible y una Orquesta Sinfónica es un Ferrari pero en esencia se trata de música y la música siempre triunfa. Fue una experiencia musical distinta para 15.000 jóvenes y muchos de ellos era la primera vez que se enfrentaban al sonido de una orquesta en directo. Para mi es un orgullo enorme ser el primer DJ español en defender esta propuesta.

    ¿Cómo ves el panorama musical en Murcia, donde últimamente se ha puesto mucho el foco?

    Me siento muy orgulloso de formar parte de la escena murciana. Es una región con festivales como La Mar de Músicas, Animal Sound, Warm Up, B Side, entre otros. Con buenísimos técnicos y productores como Raúl de Lara, Antonio Illan, Alberto Belando, César Verdú, Antonio Eriakarta y un largo etcétera. Con grandes bandas como Second o Viva Suecia, cantautores como Funambulista o Muerdo. Y los medios regionales le prestan atención a lo que hacemos. ¡Viva Murcia joder!

    ¿Y, en concreto, tu escena: el sector de los DJ?

    Me siento más parte de la escena musical murciana que del sector del DJ, aún así respeto y admiro a muchos compañeros.

    Multitud de salas y festivales, y años de experiencia. ¿Qué balance haces de tu carrera?

    Todo se resume en gente bailando, disfrutando de la música y creando conmigo momentos de felicidad. Don Fluor son esos momentos, todo lo demás es pasado y apenas importa.

    Próximos pasos de Don Flúor.

    Tenemos algunas canciones sobre la mesa, algunas colaboraciones pendientes que afrontamos José Morata y yo con muchas ganas.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    ¿Una locura tipo, «un tío enorme bailando desaforadamente 40 temazos por hora sobre un escenario» varias veces a la semana?

  • Gremio DC y el afán por recuperar sus raíces

    Gremio DC y el afán por recuperar sus raíces

    Directos desde Orihuela, llegan Gremio DC. La banda pionera en grabar un disco 2.0 en España. O lo que es lo mismo, fueron los primeros en lanzar un trabajo mediante una campaña de crowdfunding, que consiguió, además, alcance internacional. Entonces corría el año 2007. Ahora, están sorprendiendo con su nuevo single, «Distintos». Un tema que sirve de avance del quinto trabajo de la banda alicantina.

    Hace algunas semanas, pudimos hablar con Juanma Fabregat, vocalista, bajista y letrista de la banda. Y esto es lo que nos contó.

    ¿Cómo afrontáis la inminente salida de su próximo trabajo?

    Lo afrontamos con mucha ilusión, porque será ya el quinto trabajo editado. Y precisamente es especial, porque las canciones de este trabajo reflejan muy bien la historia de la banda. Comenzamos muy influenciados por el grunge y hemos pasado por distintos estadios, adoptando también ritmos más pop e indies. Lo bueno de nosotros es que hacemos lo que nos apetece, siempre lo hemos hecho. Pero en este, estamos tratando de recoger todo lo que somos, sin adecuarnos a una época o a un estilo. Queremos que los temas rueden solos y que fluyan. La verdad es que estamos muy contentos, creo que estamos en el camino.

    ¿Habéis vuelto en este trabajo con Raúl de Lara?

    Claro, claro. Nunca hemos dejado de trabajar con él. Desde que comenzamos a trabajar con Raúl en «Vista Futura», hemos seguido con él. Y luego ya masterizamos en Londres con Mike Marsh. Al final, está muy guay, porque hemos creado familia.

    ¿Qué balance hacéis de vuestra trayectoria y cómo veis el panorama actual de la música?

    El panorama ha cambiado bastante y creo que, en determinados aspectos, a peor. Nosotros cuando comenzamos, en los bares nos pagaban, por poner un ejemplo. Otro aspecto negativo es que la compra de discos ha bajado también muchísimo, por el fácil acceso a través de internet, con el que sí que es cierto, que se gana mucha más visibilidad. Al final, creo que todo tiene sus pros y sus contras.

    Un titular que defina el quinto disco de Gremio DC, que está por llegar.

    Con este disco, vamos a volver a profundizar en la raíz de la banda. Queremos que suene bien, pero que también refleje muy bien nuestra historia. Y las canciones son como piezas de un todo, cada una de ellas, de hecho, refleja un fragmento, una parte de nosotros mismos.

    También hemos jugado mucho con los cambios. En un mismo tema, podemos trasladar por diferentes épocas o momentos. No sabemos si va a gustar o no, aunque de momento estamos recibiendo buenos comentarios.

    «Parodia», «Nadie» y «Distintos» fueron los primeros adelantos. ¿Por qué escoger estos temas?

    Nosotros normalmente lo que hacíamos era componer todas las canciones del disco, entrar a grabar y luego ya comenzar a lanzar adelantos. Pero en esta ocasión, cambiamos el método. Y es que, estas tres fueron las tres primeras canciones que grabamos y no queríamos esperar un año hasta que las demás estuvieran listas. Sentíamos la necesidad de mostrar ya nuevo material, por eso, comenzamos publicando «Parodia». Era una manera de preparar a la gente, para lo que está por llegar.

    Luego llegaron «Nadie» y «Distintos», y nos pasó exactamente lo mismo. Grabamos con Raúl de Lara y él también nos animó a lanzar los temas, porque quedaron súper redondos.

    Siguientes pasos de Gremio DC.

    Pues en abril terminaremos el disco, ya que nos queda solo un «temilla». Y eso lo estamos compaginando con la creación y grabación de un tema que estamos haciendo en recuerdo de Miguel Hernández.

    Luego, en cuanto a los directos, tenemos que prepararlos. Pero justo coincidiendo con la salida del disco en abril, tendremos la presentación en el Festival de la Pre-Conquista en el Recinto de los Huertos de Orihuela.

    ¿Qué es lo más loco que os ha pasado, siendo Gremio DC?

    Pues creo que el haber conseguido el primer crowdfunding de España, en una época en la que esta práctica no era tan habitual. Que la gente apueste por ti e invierta dinero en ti, sin conocerte de nada, es una auténtica locura, la verdad. Fue algo muy importante para nosotros.

  • «Líneas de meta» o la apuesta por vivir intensamente de Ciclocéano

    «Líneas de meta» o la apuesta por vivir intensamente de Ciclocéano

    «Líneas de Meta» ha sido su primer álbum, el disco que hará que Ciclocéano debuten como banda. Aunque Aunque Antonio Curros, Fer Vilar, Adri Espinosa y Xavi Igual tienen bastante recorrido y años de experiencia en la música.

    Hace algunas semanas, hablamos con Antonio Curros, compositor y vocalista de la banda. Le preguntamos sobre el grupo, el disco y los próximos pasos. Y esto es lo que nos respondió.

    ¿Cómo surge el concepto de «Líneas de Meta»?

    Antonio. «Líneas de Meta» surge a partir de canciones mías. He tenido otros proyectos y he estado involucrado en otras bandas, por lo tanto nunca he dejado de componer. Pero ya me apetecía montar yo un proyecto grande y apostar por él. Por eso, cuando tuve canciones suficientes como para grabar, decido llamar a unos amigos. Lo bueno es que en todos los que pensé formar banda, a la primera me dijeron que sí.

    Fue una gran suerte y da mucha tranquilidad, porque además de amigos son grandes músicos. Y el trabajo con ellos fue genial, porque en cuanto me dijeron que sí, les pasé las canciones y en base a eso, cada uno ha ido aportando ideas brutales y hemos dado lo mejor de nosotros mismos.

    ¿Cómo fue el trabajo con Manuel Ángel Mart en el estudio?

    A. Aunque suene muy típico, para mí fue un sueño cumplido. Por eso quería contar con él, porque admiro mucho su trabajo. Y ya lo seguía desde que Estirpe. Así que, tras una visita suya a Madrid, decidí planteárselo a Manuel y enseguida me dijo que por supuesto. Le mandé el material, le gustó y sobre las demos comenzamos a trabajar. También hubo mucho trabajo de local, de vernos en directo y de pulir detalles. Y ya en el estudio, aunque íbamos con los temas muy trabajados, también hubo mucha libertad para modificar o cambiar cosas. Incluso después de haber grabado, eliminamos cosas que pensábamos que quizás no funcionarían.

    Un titular que defina el disco.

    A. A mí me gusta mucho una idea, de la que todo el disco está empañado en realidad. Y es que hay que vivir todo de verdad y profundamente. Con esto, no quiero decir vivir a lo loco. Lo que quiero decir es que no debemos negar lo que sentimos. De hecho, el disco empieza con la frase «elijo antes una pesadilla, que pasar una noche entera sin soñar». Y es que, el que nos pasen cosas buenas o malas, es indicio de que estamos viviendo.

    Una canción.

    A. Estoy bastante orgulloso de cómo ha quedado «Cianuro», que es el single. Es una canción que, en principio, no parecía que fuera a llamar la atención. Pero tras todo el trabajo de estudio con Mart, quedó un tema que nos encantó y que no parecía que fuera a quedar así. Aunque me quedaría con todas, por razones obvias. Por ejemplo, «Líneas de Meta» es uno de los temas más personales que he escrito.

    ¿Cómo surgen las colaboraciones con Javi Marssiano (O Funk’illo) y con el pianista Nico Casal?

    A. En el caso de Javi Marssiano fue un poco a través de Mart, porque se conocen desde hace bastante tiempo. Como comentaba, al estudio llegaron algunas cosas bastante abiertas y una de ellas, era el solo de «El Manual». Y fue el propio Manuel Ángel Mart quien nos lo propuso. Así que nos pusimos en contacto, le propusimos la idea y le mandamos el tema, y salió adelante.

    En el caso de Nico es porque es amigo mío de toda la vida, nos conocemos desde el colegio. Para mí, ese caso fue más obvio. Necesitábamos orquestación y no se me ocurrió nadie mejor que él. Le mandé la idea y en pocos días, lo teníamos todo hecho. Particularmente, me encanta que sea un amigo mío quien participe, porque le da mucho más valor al proyecto.

    Primer disco de una banda cuyos miembros tienen amplia trayectoria. ¿Cómo afrontáis esta etapa con Ciclocéano?

    A. Lo afrontamos con muchísima ilusión. De la ilusión de la primera vez. Hemos tenido otros discos y otros conciertos, pero con otros proyectos. Así que esto es como cuando inicias una nueva relación con alguien. El principio es ilusionante y no dejas de descubrir nuevas cosas.

    En realidad, nos sentimos como unos chavales de 15 años que acaban de montar su primera banda. En mi caso, no me pesan los proyectos previos. Estoy como si fuera la primera vez.

    Siguientes pasos de Ciclocéano.

    A. Para mí, hay dos cosas muy importantes. La primera de ellas es tocar en directo. De hecho, estamos ya trabajando en ello y es que es lo que más nos gusta, es la finalidad última. Y la segunda, es comenzar a componer entre todos, porque en este disco, me he encargado yo de ese aspecto.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    A. Dejar a mi familia y mis amigos en Galicia y venirme solo a Madrid, con apenas 20 años. Tenía muy claro a lo que me quería dedicarme y dónde estaba el centro de todo. Y me siento orgulloso, siento que ha merecido la pena totalmente.

  • Una Vez Medianoche: «Amanecer es emoción y color»

    Una Vez Medianoche: «Amanecer es emoción y color»

    Han entrado de lleno en la industria de la música con un álbum debut especial y mágico. «Amanecer», de Una Vez Medianoche, es el típico disco que se merece ser escuchado de principio a fin, sin pretensiones, sin parones y sin ningún tipo de filtro.

    La pasada semana, nos reunimos con Pascal Chahin y David Cobos, que nos dieron todos los detalles de su proyecto y de su nuevo álbum.

    ¿Cómo surge el concepto de «Amanecer»?

    Pascal. «Amanecer» surge porque Cobos y yo vivimos la vida muy intensamente [risas]. No, de verdad. Surge por la necesidad de contar un poco nuestras vivencias. Sí que es cierto que yo ando siempre un poco más en las nubes, como en la constelación K-48; y Cobos siempre pone esa parte más terrenal. Con el título, nos decidimos por «Amanecer», por esa relación con el volver a empezar, con el renacimiento.

    Pero por remontarnos un poco, hace años nosotros teníamos otra banda, en la que cantábamos en inglés. Y nuestra vocal coach, Patricia Ferro, siempre nos decía que teníamos que pasarnos al español. Hasta que al final cambiamos y comenzamos de nuevo. Al principio, hacíamos un rock más progresivo, pesado y psicodélico, pero necesitábamos un «restart». Queríamos llegar al mayor número posible de personas. Pero tampoco queríamos perder la esencia. Así que estuvimos más de un año trabajando canciones, escribimos a Manuel Colmenero, le mandamos dos de los teníamos por aquel entonces y nos respondió diciendo que quería hacer un disco con nosotros.

    He visto también que la imagen y lo audiovisual es muy relevante en vuestro proyecto. ¿Qué nivel de importancia tiene?

    Cobos. Tiene una importancia tremenda. Pascal, de hecho, se dedica a ello. No nos gusta subir cosas de baja calidad, es algo que nos gusta cuidar mucho. Y queremos que todo tenga la mayor calidad, como el disco.

    Pascal. De todos modos, nos estamos dando cuenta de que es algo que cuesta y va muy despacio. Pero inconscientemente, la gente creo que se fija en cada detalle, en las imágenes y las píldoras cuidadas. De cualquier manera, para nosotros la imagen es igual de importante que la música.

    Otra de las cosas que me llamó la atención es el nombre del grupo. Os llamáis como uno de vuestros temas. ¿Por qué?

    Cobos. La canción, originalmente, tenía otro nombre: «Monstruos». Y a la hora de escribir la letra, porque en principio era un boceto, Pascal dijo que le inspiraba miedo o terror. Así que recurrimos a uno de los genios de la literatura de terror, Edgar Allan Poe. De él cogimos la primera frase de «El Cuervo»: «Una vez, al filo de una lúgubre medianoche». Eso quedó reflejado en un bosquejo de letra que a Pascal no le gustó nada [risas]. Al final, acabó mutando y se convirtió en «Una Vez Medianoche». Yo no llegué a verlo nunca como nombre, en realidad. Me parecía raro. Pero una vez entras en el juego, es increíble. Pueden ser muchas cosas.

    Un titular que defina «Amanecer».

    Pascal. Emociones y colores.

    Una canción.

    Pascal. «Milovati».

    Cobos. «Australia» o «Halos de Sal». ¿Pero para qué escoger una si puedes escoger once? [risas]. Y escucharlo de principio a fin, para no perderse nada.

    Justo eso iba a preguntar. ¿Creéis que a día de hoy se ha perdido el poder del disco como discurso?

    Cobos. Totalmente. De hecho, a mí muchas veces me pasa. Que quiero escuchar una canción en concreto o un solo fragmento del tema. Y es como: «NO». Antes con los cassettes era mucho más complicado, por el tema de tener que rebobinar.

    Pascal. Nosotros quizás habríamos sacado más singles. Pero teníamos la necesidad de publicar ya el disco. Al final, todo está ligada al modo de consumo de la gente. Ahora se escuchan mucho más sencillos que discos. La industria en estos momentos, se encuentra así.

    Cobos. Pero sí que es cierto que el disco tiene una entidad que no tiene un EP o un single.

    Siguientes pasos de Una Vez Medianoche.

    Cobos. Tocar y crecer, básicamente [risas].

    Pascal. De hecho, nos hemos propuesto tocar una vez al mes en eléctrico, a partir de febrero. Y, por supuesto, también hacer acústicos. Es súper importante ir perdiendo los nervios e ir cogiendo tablas sobre el escenario. A partir de verano, sí que nos gustaría grabar algún tema más, para ir lanzándolos poco a poco. Y que se vaya viendo cierto movimiento.

    https://www.youtube.com/watch?v=jPKAQtfH9FI

     

  • Venturi: «Mi Estúpida Opinión es un disco joven, estúpido y bonito»

    Venturi: «Mi Estúpida Opinión es un disco joven, estúpido y bonito»

    Los conocimos hace un año y no conseguimos salir ilesas de sus conciertos llenos de energía. Son Venturi y ya tienen su álbum debut en la calle, «Mi Estúpida Opinión». No los perdáis de vista porque el próximo 2019, su nombre resonará en multitud de salas y festivales. Por el momento, podremos verlos en Sonorama Ribera.

    Hace algunas semanas los entrevistamos y esto es lo que nos contaron sobre su nuevo proyecto.

    ¿Cómo surge el concepto de «Mi Estúpida Opinión», del disco en sí?

    Lucas. El disco en sí no lo compusimos pensando en que saldría como álbum. Teníamos las canciones y decidimos juntarlas porque fueron las que quisimos grabar. Pero no lo hicimos pensando en el disco.

    Dani. El título sí que vino un poco por el single. De ahí sacamos «Mi Estúpida Opinión», una parte que nos gustaba, porque no somos muy mayores y entonces todavía tenemos estúpidas opiniones [risas]. En realidad, este disco refleja un poco lo que somos ahora.

    Jonas. Además, aunque fuera el título de una sola canción, lo escogimos también para el disco, porque creíamos que encajaba muy bien con nosotros, con lo que somos ahora y con lo que queríamos transmitir.

    En este disco tratáis diversos temas como el amor, los amigos, las ganas de pasarlo bien o determinadas injusticias. ¿Creéis que a la música actual le falta ahondar aún más en todas estas cosas?

    D. A mi no me molesta que las canciones tengan temas genéricos, pero me gusta que haya variedad.

    L. Yo creo que al final, plasmas un poco lo que te sale o la situación que estás viviendo en estos momentos.

    J. A nosotros, nos gusta plasmar lo que pensamos. Tanto de la sociedad en general, como de la fiesta o los amigos. Pero tampoco queremos dar ningún mitin sobre nada.

    D. Eso sí, nos gusta que las canciones den un mensaje o trasmitan alguna sensación. Aunque sea ambiguo y al final, cada uno lo interprete de una manera diferente.

    ¿Cómo fue grabar en los Estudios Reno?

    L. Pues un alivio, la verdad. Conocimos a Isaac Rico gracias a Miguel Ángel de The Royal Flash. Porque estábamos teniendo problemas para grabar un tema y un día hablando con él, nos lo recomendó. Después de eso, nos gustó tanto cómo había trabajado, que a la hora de grabar el disco, decidimos volver a los Reno. Y la verdad es que genial, porque también llevábamos tiempo dando tumbos y nunca conseguíamos plasmar nuestra esencia. Nuestros directos eran muy enérgicos, pero en los discos no lo plasmábamos.

    D. Con este disco, ha sido fácil y rápido. Y no ha habido apenas correcciones ni nada que cambiar. Isaac nos ha entendido perfectamente y ha sabido sacar lo mejor de nosotros también.

    Un titular que defina el disco.

    J. Joven, estúpido y bonito.

    Una canción de «Mi estúpida opinión».

    D. «Vámonos al centro».

    J. Puede que por el momento que estamos viviendo y por nuestra actitud es «Vámonos al centro».

    ¿Cómo habéis cambiado y qué queda de los Venturi que comenzaron?

    L. Lo primero que ha cambiado es que ya no nos vestimos iguales. Ese ha sido el cambio más grande [risas].Además, creo que hemos mejorado mucho en el sonido. Esa es una evolución constante.

    J. Pero somos los mismos.

    L. Exacto. La actitud y las ganas también son las mismas.

    D. Seguimos siendo los mismos, pero en el escenario ya vamos cogiendo peso y tablas. No tenemos el mismo directo ahora que hace un año, por ejemplo.

    Siguientes pasos de Venturi.

    L. Pues antes de verano queremos hacer una gira de salas, que todavía no tenemos definida. Luego también queremos ir a algún festival. De hecho, nos han confirmado en Sonorama, que nos ha hecho muchísima ilusión.

    J. También queremos lanzar nuevo videoclip, el de «Vámonos al centro».

    L. Y estamos componiendo nuevos temas. Queda mucho para ver cómo saldrán: si en formato disco, EP, single.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    J. Al principio, teníamos novia los tres y no sabemos si fue por la situación o por qué, pero terminamos rompiendo [risas].

    L. Lo que sí que nos pasa cada noche de concierto es que no sabemos cómo va a terminar.

    D. Esos días, vaciamos los planes. Y las botellas también [risas].

    L. Se me acaba de ocurrir una anécdota. El primer año que tocamos en el FIB fue porque ganamos el Carrefest. El caso es que tocábamos domingo y llegamos jueves, confiando en que tendríamos abono. Abono que al final no tuvimos. Y claro, tampoco teníamos ni camping ni sitio donde quedarnos. Así que terminamos montando nuestro propio camping y nuestra propia ducha incluso, en un descampado que había por allí cerca. El punto es que había unas «chicharras» que no dejaban de molestar durante toda la mañana. Claro, por las noches se callaban, pero amanecía y tela [risas].

    D. Además, estábamos al lado de un vertedero.

    L. Nos lo pasamos muy bien. Tocábamos el domingo muy pronto y el sábado dijimos de salir de «tranquis». Al final acabamos durmiendo solo una hora y media. Pero oye, al día siguiente, dimos uno de nuestros mejores conciertos.

  • Austin Slack, la promesa del rock americano, se presenta mañana en Costello

    Austin Slack, la promesa del rock americano, se presenta mañana en Costello

    De él llama la atención su juventud y ese ímpetu por seguir haciendo lo que más le gusta: música. Una pasión que ha convertido en trabajo y que con apenas 18 años, le ha llevado a llamar la atención de muchos medios. Él es el joven Austin Slack y es una de las grandes promesas del rock americano en España. Y mañana miércoles 19 de diciembre, presenta su proyecto en la Sala Costello de Madrid.

    Justo ayer, hablamos con él en pleno corazón de Malasaña y esto es lo que nos contó. Y si sigues sin entrada, consigue la tuya aquí.

    ¿En qué punto Austin Slack empieza en el mundo de la música?

    Profesionalmente, llevo un par de años haciendo giras. Y es que además de mi propia banda de versiones, con la que me recorría la costa, también viajaba con distintos artistas nacionales. Hace como dos años y medio comencé a hacerme nombre como guitarrista, y ya este año me lancé de lleno como Austin Slack, haciendo mi música propia.

    Captaste un poco el foco despues del BigUp!. ¿Cómo lo has vivido?

    Realmente, eso sucedió hace muy poco, dos meses. Pero a partir de ese momento, han surgido bastantes cosas y estamos ya trabajando para el año que viene. La verdad es que estoy muy contento con el recibimiento y con las opiniones de la prensa.

    De hecho, en El País te consideraban como el «nuevo niño prodigio del rock». ¿Qué piensas de esa afirmación?

    Lo cierto es que fue muy fuerte, porque fue levantarme y me lo pasaron. Tal cual. No me lo esperaba para nada. Y al final, la experiencia en el BigUp! fue genial, porque este año fue mucho más grande y acudieron muchos más medios, lo cual me ha venido muy bien.

    Que por cierto, ¿qué está pasando en Murcia, que está saliendo mucho talento musical?

    En Murcia hay muchísimos artistas. De hecho, el otro día lo decía: «en Murcia hay más bandas por metro cuadrado, que sitio en el mundo» [risas]. Hay cientos de bandas y muchas muy buenas. También hay diferentes tipos de circuitos, de hecho, hay mucho metal y mucho jazz también.

    ¿Cómo definirías con un titular el estilo de Austin Slack?

    Creo que es muy pop-rock, pero con unos tintes muy muy americanos.

    ¿Y cómo encajar ese estilo americano aquí en España?

    Sí que es cierto que aquí no se trabaja tanto ese estilo. Aunque las bandas que tengo como referentes, como Imagine Dragons, Muse o 30 Seconds To Mars, sí que tienen su nicho aquí. Pero sí que es verdad que no hay tantas bandas españolas haciendo este género. También son mercados diferentes. Y mi mercado lo veo fuera, lo que pasa es que vivo aquí y tengo que empezar por aquí.

    Has lanzado varios singles en estos últimos meses, ¿por qué apostar por este formato?

    Es cierto que lancé dos EPs, el último de ellos en marzo, y luego he comenzado a lanzar single a single. Y es que creo que cada es más complicado que la gente se escuche discos completos de 8 o 10 canciones. Además, para alguien que está empezando, también es muy costoso grabar un disco mucho más largo.

    ¿Crees que de esta manera se está perdiendo el poder del disco como discurso?

    Depende. Porque sí que creo que los discos conceptuales siguen teniendo bastante peso y relevancia. De hecho, muchos de mis discos preferidos son conceptuales. Sin embargo, mis propias canciones no lo son. Mis temas solo quieren contar cosas que me pasan, aunque algún día sí que me gustaría hacer un disco conceptual y mucho más grande.

    ¿Cómo afrontas el concierto de este miércoles en Costello?

    Va a estar entretenido, porque va a haber muchos conocidos y amigos. Además, es la primera vez que toco en Madrid. He estado en un par de jams sessions aquí, pero eso no cuenta [risas]. No sé por qué he tardado tanto en visitar la capital, la verdad [risas].

    Siguientes pasos de Austin Slack.

    Pues seguir grabando singles. Promocionar mucho mi música en España, a través de redes sociales. Y sobre todo, tocar en directo. Lo que quiero es salir fuera de Murcia, porque allí ya he tocado mucho.

    ¿Y el salto fuera de España?

    Pues me encantaría. De hecho, me han llamado de algún festival, pero quiero que salgan más cosas, porque vivo de esto y no me compensa salir de España solo por una o dos fechas. Pero sí, sí, lo tengo pendiente y estoy deseando salir.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    En directo he hecho muchas locuras [risas]. A veces me he dado hostias buenas, porque no paro quieto y no puedo evitar no subirme en barras y darme contra ventiladores y contra todo lo que encuentro [risas].También me he caído mil veces. Pero es que en los directos, hay que darlo todo. Que se note que es tu pasión, tu manera de vivir.

  • Marta Andrés: «Salvaje tiene mucha intensidad y verdad»

    Marta Andrés: «Salvaje tiene mucha intensidad y verdad»

    Si hablamos de cambios y evolución, quizás, el de Marta Andrés sea uno de los más notables. Ayer vio la luz su segundo trabajo, «Salvaje». En él, deja atrás su faceta más pura como cantautora, para adentrarse en el género que siempre le ha gustado: el rock.

    La pasada semana, tuvimos la oportunidad de entrevistarla y esto es lo que nos contó sobre su nombre proyecto con banda, para el que ha contado con músicos de la talla de Christian León, Alberto Torres, Charlie Solano y Alberto Peto.

    ¿Cómo surge el concepto de «Salvaje», el EP?

    Yo vengo de otro proyecto, más rollo cantautor. Y llegó un punto en el que dije: «mira, voy a tirar más por el rock, para actualizar más el sonido y voy a montar banda, para que las canciones estén mucho más arropadas». Así que esa es un poco la base. El disco tiene seis canciones de todo el repertorio que monté tras el disco anterior. De hecho, seleccioné los temas no más comerciales, sino los que consideraba que podían pegar mejor, dentro del estilo que es.

    Un titular que defina el disco.

    Intensidad y verdad son unas buenas palabras para definirlo. Y las letras tienen mucho corazón. Además tiene mucho rock americano y folk, del de toda la vida.

    Una canción del disco.

    A nivel personal, me quedaría con dos: con el single «Salvaje» y con «En Calma», que es la última del disco. Y que está grabada solo con acústica y voz. Me gusta esa esencia original, sin adornos.

    ¿Por qué pasaste del formato de canción de autor, al rock?

    Era todo óptimo para cambiar justo en este preciso momento. Con el disco anterior, grabé las ocho canciones que en ese momento tenía. Pero después llegaron muchísimas más, he escuchado mucha música y me centré en el estilo que más me gustaba. He ido cambiando. Además, se han dado muchas condiciones favorables: Wegow, promoción, grabación con el productor que quería, que era José Nortes.

    ¿Cómo fue el proceso de grabación con José Nortes?

    Muy bien, porque aprendía muchísimo. José Nortes, humanamente, es una persona increíble. Sabe llevarte justo al lugar adecuado, al lugar que sabe que puedes llegar. Además, es muy ingenioso y creativo.

    Luego, con los músicos genial también, porque me he rodeado de unos artistas increíbles. Así que todo fue perfecto.

    ¿Por qué «Salvaje» y «Red Herring» como adelantos?

    Porque son muy diferentes entre sí. «Salvaje» es muy intensa, y quizás sea la más folk. Además, me he basado un poco en una canción que me gusta mucho de Vince Gill, «What You Give Away». Tiene un tempo muy igual durante toda la canción, pero va creciendo poco a poco. Con «Salvaje» apliqué la máxima de «menos es más».

    «Red Herring» es todo lo contrario, es mucho más rock, más movida. También es más agresiva, canalla y caradura. Es completamente diferente.

    ¿Por qué jugar, precisamente, con tantos estilos?

    Creo que al ser chica, se nos asocia cierta melosidad. Y esta es mi manera de romper un poco con eso, es como decir: «no, no, que yo tengo Red Herring», que es un tema más rockero y cañero. Por eso, jugar con los opoestos y con la contraposición.

    Siguientes pasos de Marta Andrés.

    Tocar en Valladolid el 20 de diciembre, en enero en el Café La Palma de Madrid, y luego ya en febrero en Barcelona. Al final, yo lo que quiero es tocar y aprender mucho tocando. Necesito ver cómo respiran los temas con el público.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Creo que intentar ser yo una artista. Es tan incierto todo, que dedicarte a esto, es jugártelo todo a una sola carta. Y otra, por contarte un hecho, irme a Londres a ver a John Mayer y volver al día siguiente.

  • La primera gran apuesta de Siete70, a punto de ver la luz

    La primera gran apuesta de Siete70, a punto de ver la luz

    Siete70 saltaba a escena hace un año aproximadamente, aunque sus miembros no son del todo desconocidos, ya que tienen amplia experiencia en otras bandas. Ya empezaron a hacer ruido con los dos primeros avances del que será su primer trabajo en conjunto. Es el momento de Siete70. Es el momento de ir descubriendo lo que tienen preparado para nosotros.

    Hace unos días los entrevistamos y esto es lo que nos contaron sobre su proyecto.

    ¿Cómo comienzan su andadura Siete70? 

    Fue en verano de 2017, durante unas clases que daba Jordi en Casa Corona de Madrid. Joanra iba por allí «a saludar» y como se conocían de 20 años atrás (primera época de Love Of Lesbian) empezaron a tramar el proyecto. En otoño, con las primeras ideas más desarrolladas, Juanma y Javi descolgaron sus teléfonos y se dejaron engañar. Y así hasta hoy.

    Durante este año, habéis estado trabajando en vuestro primer LP. ¿Cómo ha sido todo todo el proceso? 

    Sí, este primer año hemos hecho mucho trabajo de «puertas para adentro». Los cuatro tenemos compromisos con otras bandas, ya sea tocando o «a la sombra», de manera que hemos preferido no complicar aún más nuestras agendas saliendo a tocar e ir paso a paso. En enero de 2018 grabamos tres canciones y, justo ahora, en diciembre, estamos grabando siete más, que junto a las tres primeras completarán el disco.

    Un titular que defina lo que está por llegar.

    Los dados están echados y doblamos tu apuesta.

    ¿Cómo fue grabar junto a Miguel Rivera de Maga?

    Miguel es uno más de la familia. Un gran amigo. Fue la primera persona a la que explicamos el proyecto cuando Siete70 era solo un espermatozoide a la deriva e incluso bromeó – o no- con ser nuestro batería. De manera natural se convirtió en el productor de nuestras primeras tres canciones, aunque él prefiere usar el término «guía espiritual».

    ¿Cómo afrontáis la salida del disco?

    Tenemos la suerte de contar con el apoyo de un sello como Subterfuge y eso facilita enormemente las cosas. Nos están cerrando una gira por salas para esta primavera, justo a la salida del disco, y a partir de ahí habrá que ir viendo. Pero está claro que tenemos muchas ganas de compartirlo con el público.

    «El Río» y «Manchas de vino» fueron los primeros adelantos del álbum, ¿por qué estos temas?

    Son las dos primeras canciones que compusimos y por ello les tenemos un cariño muy especial. Concretamente «El Río» fue el pistoletazo de salida de Siete70. Además fue compuesta, tanto la letra como la música, en 5 minutos. Pocas veces sucede eso y hay que aprovecharlo. Frotas la lámpara y ¡plink! despiertas al genio.

    A propósito del próximo lanzamiento de vuestro álbum, ¿creéis que el poder del disco como discurso se está perdiendo?

    Hoy en día poca gente escucha los discos de «pe a pa» y eso es algo que nos parece una lástima. La mayoría de obras, sean o no conceptuales, cuentan una historia o enlazan varias historias. Además, una de las tareas más difíciles en el estudio es decidir el orden de las canciones para que todo tenga cierta coherencia. Escuchar música a través de listas de reproducción equivaldría a montar una película con fragmentos de cinco minutos de muchas películas diferentes. Lo mismo que si recogiésemos en una sola publicación varios capítulos al azar de multitud de libros. Caótico. ¡Imagínate lo que nos perderíamos por el camino! En este caso, sí, el discurso está más que perdido.

    Siguientes pasos de Siete70.

    «…Un pie delante del otro, un pie delante del otro. Desafiantes». – (La M.O.D.A. – «Himno Nacional»).

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido porla música?

    Seguir creyendo en ella 20 años después con todas sus consecuencias. Es droga.

  • «Con uve de verde»: Vlanco, el artista que hay detrás

    «Con uve de verde»: Vlanco, el artista que hay detrás

    Viene desde Elda, Alicante. Es cantautor, aunque no puede negar ni obviar que también tiene una faceta literaria brutal, que próximamente lo llevará a publicar su primer libro. Se trata de Fran Blanco. O Vlanco. Sí, «con uve de verde».

    Con esa sensibilidad que lo caracteriza, Vlanco se atrevió a responder nuestras preguntas hace apenas unos días, aprovechando su reciente visita a Madrid. En la entrevista, estuvimos hablando de «El Mundo Para El Otro», su álbum debut; de música; y también de literatura.

    ¿Cómo nace el concepto de «El Mundo Para El Otro»?

    Surgió por la necesidad de darle un formato profesional a todo lo que venía haciendo desde hacía tiempo, fue por darle vida a la maqueta. Siempre retrasaba el momento, porque no podía o porque estaba estudiando, así que después de unos años divagando entre el sí y el no, creía que este era el instante perfecto.

    ¿Cómo terminas metiéndote de lleno en el mundo de la música?

    La primera experiencia fue con un «grupito» que tuve y que duró en torno a un año y medio. Era muy de andar por casa, pero sí que es cierto que a nivel local, tuvo cierta repercusión. Así que fue en ese momento cuando me di cuenta de que quizás la gente verdaderamente estuviera disfrutando con ello. Por eso, al finalizar esa etapa, me dejé llevar. Tenía más canciones y comencé a componer más con la guitarra, y terminé metido de lleno en este bucle.

    Volviendo un poco al tema del disco, ¿cómo ha sido la acogida del mismo?

    Muy guay, la verdad, ha sido muy bonito. Aunque también muy complicado, sobre todo el conseguir visibilidad y llegar a la gente. Pero en la medida de mi capacidad de llegar a la gente, ha sido algo increíble. Con «El Mundo Para El Otro» he tenido experiencias increíbles, ya que me ha llevado a tocar en centros penitenciarios, en colegios, en la plaza de mi ciudad, en fiestas locales. También es verdad que ha sido un disco muy cuidado en todos los sentidos: letras, composición, producción, diseño. 

    Un titular que defina el disco. 

    No sabría decir un titular, la verdad. Es muy difícil [risas]. «Con uve de verde».

    ¿Por qué lo de «Con uve de verde»?

    Es un poco el nombre que me ha acompañado siempre. Cuando finalicé mi etapa con el grupo musical, estuve un poco parado, también porque coincidió con el fallecimiento de mi madre. Este hecho, hizo que continuara componiendo temas, como «La Reina de mis Recuerdos». Así que en el momento en el que decidí ponerme un nombre artístico que me acompañara en esta nueva etapa, me decanté por «Vlanco, con uve de verde», para que ella me acompañara siempre. Y es que mi madre tenía unos ojos verdes brutales y quería que eso estuviera conmigo permanentemente.

    Justo te iba a preguntar ahora por una canción del disco.

    Pues sí, probablemente sea esa, «La Reina de mis Recuerdos». Creo que es la más especial, la más sincera y la más en carne viva. No es de las más escuchadas tampoco, aunque en los conciertos es la que hace aflorar más sentimientos.

    Compones y cantas, pero también escribes poesía. ¿Por qué aunar esas dos vertientes artísticas?

    No me atrevo a decir que sea poesía, más bien creo que es una prosa poética. De hecho, yo comencé a escribir en diversos blogs culturales. Y a nivel emocional, empecé a publicar esos textos más íntimos. Y sí que es verdad, que al principio, utilizaba la página de Facebook de Vlanco para compartir todos estos escritos. Luego ya me atreví a mostrar las canciones.

    Digamos que es una vertiente paralela que llevo. Voy escribiendo tanto textos como canciones. A veces, hay textos que se convierten en canciones, y canciones que dan pie a textos.

    Estamos muy próximos a una zona en la que está surgiendo muchísimo talento musical. ¿Cómo estás viviendo la aparición de tantos nuevos artistas y bandas en Murcia y Alicante, sobre todo?

    Es algo muy guay, la verdad. Lo cierto es que yo me muevo bastante por Alicante, Murcia, la Vega Baja; y hay tanta gente buena y tanto talento. Evidentemente, en Madrid se mueve muchísimo más, también es normal porque es una ciudad mucho más grande y es algo exponencial. Pero aún así, allí hay mucha gente increíble.

    El haber conocido a cantautores como yo, además, da una relajación brutal. Porque al final es gente que piensa y sueña como tú. Es increíble compartir la misma visión con más gente.

    De hecho, gracias a este mundo, has dado con personas como César Poetry y PabloZ. ¿Cómo surgen las colaboraciones con ellos?

    Fue sobre todo, a raíz de la poesía. Y sobre todo, por César, a quien conozco desde hace muchos años y con quien he girado prácticamente, por toda España. Él me ha permitido conocer a muchas personas de este mundo. Al final, colaborar es muy fácil. Y que exista un binomio entre música y poesía, enriquece y potencia mucho los shows.

    Siguientes pasos de Vlanco. 

    A nivel de conciertos no lo sé, quizás haya un pequeño parón. Quiero centrarme en el proyecto del libro, que autoeditaré muy pronto. Aunque no dejo de pensar en canciones nuevas y en el segundo disco. Quiero dedicarle bastante tiempo a eso, y el tener continuamente conciertos, no te permite eso.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido, bien por la música o bien por escribir?

    Igual es una locura para mí, pero no para el resto de gente. Pero diría que el dedicar el 50% de mi vida y de mi tiempo a todo esto. Y más cuando uno tiene su faceta laboral muy marcada. Al final, es cuestión de creer en mí y en la gente que me escucha.

  • Muñeco Vudú: «Con Gravemente Ilesos seguimos y mejor que nunca»

    Muñeco Vudú: «Con Gravemente Ilesos seguimos y mejor que nunca»

    Diez años de carrera, dos discos a las espaldas y el tercero, «Gravemente Ilesos», recién publicado. Ellos son Muñeco Vudú, vienen desde Asturias, y mañana viernes presentan su último trabajo en la Costello Club de Madrid. Si algo los caracteriza es el huir de cualquier tipo de etiquetas y el primar su música, por encima de cualquier otra cosa.

    La semana pasada estuvimos con Ivo Pérez (voz y guitarra), Borja García (guitarra y coros) y Borja Sauras (percusión y coros). Hablamos con ellos sobre su carrera, sobre «Gravemente Ilesos» y sobre música.

    ¿Cómo surge el concepto de «Gravemente Ilesos»?

    Ivo. «Gravemente Ilesos» es ya el tercer disco, hemos pasado por varios momentos vitales y musicales. Así que, para nosotros significa que a pesar de todos los fracasos o perdidos, sigue estando esa parte positiva. Es ese juego de palabras: el aquí seguimos y mejor que nunca.

    Un titular que lo defina.

    Ivo. Disco de estudio.

    Borja. G. Sí, disco de estudio, pero sin renegar de la frescura y de la inmediatez. De hecho, uno de los temas es en directo. En definitiva, es un disco de estudio que aglutina todas las capacidades de la banda.

    Una canción.

    Ivo. Te diré, que en este disco, por primera vez, me he quedado contento. Aunque luego lo miraremos con perspectiva y lo analizaremos. Pero hoy por hoy, me cuesta quedarme solo con una canción.

    Borja. G. Yo, desde mi punto de vista, «La calle del medio». Me parece un tema con muchas dinámicas y con un toque rockero. Al final, ese es mi papel [risas].

    Borja. S. Es que hay varias. Está «Charcos de sangre», que me gusta mucho por la atmósfera que crea. «Antídotos (de andar por casa)» también me gusta, pero porque las canciones con arreglos diferentes me encantan. La de «100 fotos» también porque es cañera y tiene un toque sórdido. Y la de «Gravemente Ilesos», me parece muy bonita, es como un vals, y tiene un rollo melancólico. Al final, todas tienen algo y te van contando una historia, que pasa por diferentes fases.

    Al hilo de lo de la historia, ¿creéis que se está perdiendo el poder del disco como discurso?

    Ivo. Totalmente. Creo que últimamente vuelve. Siempre ha existido ese concepto, más por parte del artista que por parte del público. Como consumidores, nos hemos pasado más al formato single y no nos hemos parado a valorar ese esfuerzo o ese toque que tiene de empaque un disco entero. Y a partir de ahí, los artistas se han sumado al carro de los singles. Pero que no se acabe nunca el gusto por los discos, se escuchen en el formato en el que se escuchen.

    Borja. S. Yo no lo escuché, pero Rosalía ha construido todo un disco en torno a un libro. Y, de hecho, ha estructurado las canciones en capítulos ordenados.

    Borja. G. Al fin y al cabo, hay muchos discos conceptuales de ese estilo.

    ¿Por qué tanta variedad de géneros dentro del disco?

    Ivo. Tenemos la mala costumbre de querer etiquetarlo todo y que todas las canciones estén encasilladas dentro de un mismo género. A nosotros eso nos da bastante igual. Nosotros, dentro de unas limitaciones, queremos tener cierta libertad a la hora de experimentar cosas nuevas. Una vez ya estás dentro, siéntete tranquilo con hacer lo que te dé la gana.

    Borja. G. Al final es juntar y mezclar las influencias de todos los que formamos parte de la banda.

    Ivo. De todas formas, quien se relaje y escuche el disco, se va a dar cuenta del hilo conductor. Al final, nosotros siempre hemos peleado por hacer canciones bonitas. El sonido o el sello propio lo terminas encontrando.

    Borja. S. Hay variedad de géneros, pero se percibe el estilo de la banda.

    ¿Cómo ha sido esa evolución, cómo ha cambiado Muñeco Vudú?

    Ivo. Es que han cambiado muchísimas cosas. Ha cambiado la formación, además de que cada disco era de una época y una etapa diferente, grababa gente distinta.

    Borja. G. Pero nunca perseguimos el cambio porque sí. En cada época, te pillan unas circunstancias diferentes, así que cada disco termina siendo un poco un reflejo de ello. Pero nunca nos hemos planteado, de manera consciente, el cambiar o el girar hacia un lado. Siempre se ha dado de manera natural. Al final, el momento determina el resultado.

    ¿Y cómo veis el panorama de la industria musical?

    Ivo. Yo veo que hemos pasado de no entender nada, con todas esas nuevos agentes y con todas esas maneras tan clásicas de manejarse en la música; a un punto completamente diferente, de entender cómo funciona todo.

    Borja. G. Sí, y de adaptarte también a los nuevos tiempos de la industria. Al final, ahora mismo, hay muchísimas más opciones que antes dentro de la industria.

    Ivo. Hubo un momento en el que andábamos todos perdidos, preguntándonos: «¿pero qué es esto del Facebook?». Ahora, tienes que tener un buen equipo, gente de comunicación, etc. Pero en ese momento inicial, muchos abandonaron. Y ahora parece que todo se vuelve a entender y se toma con más naturalidad.

    Borja. G. A ver, también a la hora de delegar funciones, influye mucho el factor económico. Antes éramos músicos, pero también un poco mánagers. Ahora se ha entendido el concepto: el músico tiene que tocar, el mánager conseguir bolos, la gente de comunicación tiene que tener acceso a los medios. Creo que es la manera en la que debe hacerse, pero contando siempre con pasta.

    ¿Cómo afrontáis el concierto de presentación en Costello Club?

    Ivo. Muy bien, con muchas ganas de que venga la gente y se lo tomen como una diversión. Tenemos muchísimas ganas de tocar sin parar. Estamos en el punto en el que necesitamos un poco de feedback. Así que ilusionados.

    Borja. S. Nosotros tenemos las ganas y aseguramos el rato agradable, pero queremos ver la respuesta de la gente.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Ivo. Yo, personalmente, me ha arruinado.

    Borja. G. Yo he invertido mucha pasta en guitarras, equipo y demás. Yo veo gente que gira toda su vida con la misma guitarra y me da cierta envidia [risas]. Luego cosas, venirte desde Asturias durmiendo poquísimo y comiéndote horas y horas de carretera.

    Borja. S. Básicamente, empezar a tocar a escondidas de mi familia. Cuando empecé a tocar en casa la guitarra, no hubo problema. Pero llegó un punto en el que me agencié con una batería, la escondí en una nave industrial y comencé a tocar con mi banda, sin que mi familia supiera nada. Al final, me pillaron porque aparecí en el periódico. Se me fue un poco de las manos, aunque yo solo quería tocar.


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