Verdadera Locura

Categoría: Entrevistas

Caniche Macho: «Venganza puede hablar de cualquier persona»

«Venganza», cuadro de Mercedes Bellido, les sirvió como inspiración para crear su nuevo disco. Un disco que apenas llega un año después del anterior, «Palabras para flores y serpientes». Se trata de Caniche Macho. Una de esas bandas con personalidad arrolladora, que te engancha desde el minuto 1.

A raíz del lanzamiento de este álbum y del comienzo de su gira #VenganzaTour, hablamos hace algunos días con Paco Barco (voz, armónica y guitarra). Y esto es lo que nos contó sobre el nuevo proyecto de Caniche Macho.

¿Cómo surge el concepto de «Venganza»?

Surge a partir de un cuadro de Mercedes Bellido, que es amiga nuestra y es quien nos hizo la portada del primer disco. Bueno, en realidad utilizamos un dibujo suyo. A raíz de esa amistad, Alberto (Octavio) compró un cuadro suyo, titulado «Venganza». Y es precisamente el cuadro que hemos usado como portada. En un principio, nos sirvió también como acicate para hacer algo nuevo.

La idea inicial era hacer un EP, pero poco a poco, fueron saliendo las canciones e hicimos un disco. Se ve que no sabemos EPs [risas]. Durante todo ese proceso, el cuadro ha estado delante de nosotros en el estudio. En cierto modo, ha contaminado el clima de las canciones.

¿Qué es lo que os llamó la atención del cuadro como para inspiraros en él?

Es un cuadro que tiene mucha potencia y fuerza. El título también nos llamó mucho la atención. Aunque en ningún momento quisimos hacer un disco conceptual. De hecho, «Venganza» no es un disco conceptual. Pero en todas las canciones sí que hay unas «gotitas» de venganza, que sirven como para equilibrar la balanza. Al fin y al cabo, la venganza es un impulso, es algo que forma parte de nosotros.

¿Cómo ha evolucionado Caniche Macho desde «Palabras para flores y serpientes»?

La evolución ha sido muy lógica. Nosotros tenemos muy claro que vamos a seguir haciendo canciones y que nos seguiremos dedicando a la música, pase lo que pase. No nos influye demasiado el éxito. De hecho, vivimos en una constante búsqueda. En «Palabras para flores y serpientes», nos dedicamos a buscar y experimentar con sonidos más clásicos, provenientes de la música más latinoamericana. Con «Venganza», nos centramos más en el ahora, en la búsqueda de las influencias actuales y del punto en el que estábamos.

Por eso, creo que Caniche Macho ha seguido una evolución lógica. Porque hacemos lo que queremos, justo en el momento en el que nos encontramos.

Un titular que defina «Venganza».

Difícil [risas]. Es un disco que puede hablar de cualquier persona, porque tiene muchas realidades comunes. Se habla de la depresión, de la incomunicación, del feminismo. Creo que es un disco muy actual en temáticas. Y se ha hecho desde una perspectiva que quiere realzar una verdad, nuestra verdad. Nuestra propia ventana desde la que ver nuestra verdad.

¿Crees que en determinados puntos se ha perdido esa verdad en pro de música más banal?

Bueno, es que la banalidad depende mucho de lo que se entienda por ella. Hay música banal que es maravillosa. Lo que creo que sí que se ha perdido es en pro del marketing. Lo peor de todo esto, es tratar de hacer algo con un objetivo que no sea el de emocionarte a ti mismo o el de que tus canciones no te gusten a ti. Si haces eso, creo que estás vendiéndote completamente.

Una canción del disco y por qué.

Es difícil, pero yo señalaría la última, «El caos y la transformación». Me gusta porque es una canción que encaramos de manera diferente. Nunca habíamos hecho un tema tan largo, pero nos salió así. Además, la historia de este tema comienza en el Génesis y va haciendo un recorrido, en el que mezcla la teoría creacionista con la evolucionista, y acaba en un Seat León. Es diferente. Además tiene ese punto de elaboración y de búsqueda, aunque salió muy del tirón.

Ahora es el momento de los directos, ¿cómo afrontáis la gira?

Pues la afrontamos con mucha ilusión y ganas. Porque las canciones al final se hacen para eso, para los directos. Los discos no dejan de ser una foto, un reflejo de un momento. Luego los temas realmente son y evolucionan en los conciertos. En nuestro caso, llevamos dos formaciones. En una de ellas estamos Alberto y yo, aunque no solemos ir en el formato acústico clásico, ya que introducimos muchos más elementos. El otro, sí que es formato banda.

Por el momento, los conciertos que hemos hecho han ido muy bien, estamos muy contentos. La gente está recibiendo muy bien las nuevas canciones, está habiendo mucho feeling.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Supongo que está por hacer [risas]. Pero quizás dedicarnos a la música y meternos de lleno en ello, sea una gran locura. Al final, tu vida personal también se resiente de alguna forma, porque los procesos compositivos son muy intensos y terminas viviendo por y para esas canciones. O para ese disco.

¡No te pierdas ninguna fecha de su gira y consigue las entradas para ver a Caniche Macho, pinchando aquí!

18 marzo 2019
Jacobo Serra: «Todavía le queda mucha vida a Fuego Artificial»

Sin apenas conocerlo de manera previa, lo descubrimos hace unos meses abriendo el concierto de Vetusta Morla en la Caja Mágica. Desde entonces somos fans de Jacobo Serra, quien sigue presentando las canciones de su «Fuego Artifical». Un álbum que vio la luz hace casi dos años y al que le queda todavía mucha vida. Y es que el artista ya ha arrancado con su gira 2019.

Hace días, nos sentamos con él en un céntrico bar de Madrid y se atrevió a contestar a nuestras preguntas. No te pierdas ni un detalle de lo que nos contó.

¿Cómo surge el concepto de «Fuego Artificial» y cómo ha evolucionado?

Supongo que «Fuego Artificial» es fruto de muchísimas emociones y vivencias del Jacobo de entonces.De esas giras previas al disco, de aprender mucho de mis trabajos anteriores. Tenía muy claro el álbum que quería hacer: quería salirme de lo que había hecho hasta ahora, quería probar cosas nuevas, experimentar, quería un trabajo con mucho color.

También es verdad que el Jacobo de ahora no es el mismo que el que presentó el disco hace ya casi dos años. Ahora el disco ha crecido y madurado. Y es algo que se ve, se aprecia mucho en el directo. Creo que las canciones se deberían llevar antes a los conciertos, para que crezcan, para vivir y convivir con ella. Luego ya grabarla.

Comentas que en este disco querías cambiar, experimentar. ¿Por qué hacerlo en este momento?

Es lo que, de pronto, tenía ganas de hacer. Cuando haces trabajo de introspección, lo suyo es no dejarte nunca nada dentro. Pero en este caso, lo llevé un poco más al extremo. No solo cambió mi forma de componer o de arreglar los temas, también cambié de idioma a la hora de cantar.

«Fuego Artificial» continúa vivo, ¿cómo afrontas esta nueva gira?, ¿se verá también algo nuevo?

Yo creo que sí que se verán cosas nuevas. Ya solo empezando por mí, no tienen nada que ver el Jacobo de antes con el de ahora. Ahora tengo otras inquietudes, otras preocupaciones, otra manera de ver la vida incluso. No sé si el público lo verá.

A nivel musical también será distinto, porque llevo otra banda y otro formato. He hecho muchos cambios y quiero aprender también de todo esto y que las canciones sigan creciendo. Todavía le queda vida a este disco, por eso, quería llevar a cabo esta gira.

¿Crees que tal y como está la música, es cada vez más complicado vivir de la música?

Sí, sin duda alguna. Lo he dicho muchas veces, creo que en la música no hay clase media. Músicos, público e industria deberíamos hacer algo para subsanar esta situación, porque o eres muy pequeño o eres muy grande. En otros países, hay artistas que sí que pueden vivir de su trabajo, porque tienen protección jurídica, porque también tienen sus fans, pueden girar.

¿Dónde crees que está el fallo?

Es una pregunta compleja, porque ¿quién soy yo para determinarlo? Pero creo que hay varios factores. Quizás haya bandas a las que les falte independencia y autonomía como para aguantar, porque en general somos muy poco pacientes.También creo que hay un problema educacional a nivel de público, de apoyar a los artistas, de apoyar a la industria y de ir a conciertos. Creo que la misma industria tampoco apoya al artista. Hay varios frentes y todos ellos son condicionantes.

Volviendo un poco a «Fuego Artificial»: un titular que lo defina.

Buf, no sería capaz. Eso te lo dejo a ti. Es un disco difícil de catalogar, de hecho, es así de manera intencionada. Cada canción es distinta y está hecha con unos ingredientes. Es un álbum que tiene viveza, color; pero a la vez, también habla de relaciones tóxicas, de oscuridad. O de crítica social y política. No sé, una expresión que utilizaba mucho para tratar de definirlo, era «Fuego de color».

Una canción del disco y por qué.

Diría «En Tu Volcán», que es una canción que me gusta mucho. Y diría esa porque habla de un tema que hace mucha referencia a lo primitivo del ser humano. Hay veces que ese hecho se nos olvida, pero la realidad es que somos animales. Además, para mí, el volcán es un símbolo muy tribal: el que la gente que viviera a orillas de los volcanes pensara que cada vez que entraban en erupción, era producto del enfado de los dioses. Me parecía un relato muy inspirador. Extrapolando un poco a la realidad, este tema habla de una relación tóxica. Y a día de hoy, por desgracia, hay muchas relaciones de este tipo.

Al fin y al cabo, me parecía muy interesante aunar ambas cosas en un tema: lo más primitivo del ser humano, lo más tribal; con una realidad tan patente a día de hoy, como es la toxicidad de ciertas relaciones.

¿Cuáles serán los siguientes pasos de Jacobo Serra?, ¿habrá sorpresas próximamente?

La verdad es que en estos momentos, estoy en un proceso muy creativo y no me planteo para nada el parar. Lo que quiero es seguir. Pero todavía no sé la forma: no sé si habrá nuevo disco o si optaré por los singles. Pero tengo que seguir creando sí o sí.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

Seguramente dedicarme a la música, que es un suicidio [risas]. En realidad, he hecho muchas locuras. Por ejemplo, he hecho muchísimos kilómetros por nada, solo por tocar. Pero no sabría decirte una en concreto. Aunque la más grande, sin duda, es dar todo por la música y dedicarme a ella.

12 marzo 2019
El «Cara a Cara» con la vida…¡y con Isma Romero!

Lo conocimos con «Luminiscencia» y, desde entonces, no le hemos perdido la pista. Se trata de Isma Romero quien, hace nada, ha lanzado el primer single del que será su próximo trabajo. «Caraa a cara» se acerca, pero todavía queda mucha «Cicatriz» por disfrutar.

Hace poco más de una semana, nos sentamos con él y le estuvimos haciendo algunas preguntas. ¿Quieres saber qué nos contó?

¿Cómo nace «Cicatriz»?, ¿cómo surge el concepto de este tema?

La canción nace el día de fin de año, hace algo más de un año. Poco tiempo después de que viera la luz «Luminiscencia». Surge mientras estaba en Valencia y lo hace con la intención de mostrar que las cicatrices son las que nos construyen cada día y las que nos ayudan a crecer y evolucionar. Pero quería mostrar una cicatriz bonita, bella, que es la que nos queda cuando ya ha pasado lo malo. Como el recuerdo de lo que fuimos.

En este caso, «Cicatriz» habla de una historia de amor, de una relación. Pero en vez de hablar de la marca que nos deja el desamor, hablo de la que nos deja el amor, de la cicatriz bonita que nos deja.

En torno a esta canción, ha surgido la «Ruta Cicatriz». ¿Cómo surge la idea y qué importancia tienen para ti los lugares en los que estaban ubicadas las paradas?

La idea de la ruta surge gracias al equipo de trabajo de RLM y Estrés, que es un equipo de puta madre. A ellos les quiero agradecer enormemente todo lo que han hecho, porque toda la idea creativa y toda la ejecución fue suya. El objetivo era mostrar algo diferente, interactuar con la gente y que hubiera una conexión con ellos. Al fin y al cabo, presentar la canción de otro modo, porque a día de hoy hay tanta información, que terminamos perdiéndonos cosas.

Se escogieron estos diez sitios porque desde que llegué a Madrid, me he criado en ellos. Y ahí han nacido muchas de mis canciones. Así que los escogí, a modo de cicatriz, no solo de esta canción, también de muchos momentos de mi vida.

En relación a esto, ¿qué importancia tiene para ti la imagen? Más allá de la música.

Para mí es súper importante, porque las canciones tienen que tener una conexión con la gente más allá de lo digital. Vivimos en una era tan digital, que lo físico se nos olvida. Por eso, la idea de avanzar con el tema de la ruta, era un poco la excusa, para que la gente tuviera una interacción directa con la canción. Lo estructuramos como en diez pasajes, para que la gente no solo pudiera escuchar la canción, también para que conociera lo que hay detrás de ella.

¿Crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?

Yo creo que se ha perdido bastante. Al final, si la industria cambia es porque las cosas están cambiando. Las tecnologías, las formas de expresarnos y las maneras de contar una historia, evolucionan. Entonces creo que estamos en una época en la que el formato disco, para mí, está pasado de modo. Quizás el disco tenga un lado romántico. Así y todo, tenemos una manera de vivir tan rápida, que la gente ya no se para a escuchar un álbum de 10 o 12 temas. Y creo que cualquier banda que empezara ahora, apostaría por el formato single o EP. Creo que es la manera de conquistar al público a día de hoy. Mejor hacerlo con canciones y no con un disco, del que no van a escuchar las cinco últimas canciones.

Una buena reflexión y diferente a la que habitualmente me dicen.

Lo interesante es llegar a la gente. El romanticismo para los libros de Neruda [risas].

Volviendo un poco al tema del single. ¿Cómo surge la idea del videoclip de «Cicatriz»?

Queríamos reflejar lo que es la presentación de mi historia. Los dos discos anteriores, son dos pasajes mucho más rockera. Creo que con ellos, he cerrado una etapa y he empezado a abrir otra. Quería, además, mostrar nuevas facetas mías. Salir tocando el piano, refleja muy bien cómo surgió «Cicatriz». Para mí era una manera muy mágica de sacar a relucir cómo se creó el tema, pero trasladándolo a un plano más real: haciendo un videoclip.

Por otro lado, queríamos mostrar la «Cicatriz», pero no de la manera típica. Queríamos huir del tópico de la relación de amor. En este caso, contamos con la espectacular Esther Acebo, a quien admiraba mucho. Así que en el videoclip, optamos por contar la historia de dos amigos que viven juntos, pero uno de ellos termina yéndose a vivir fuera. Y al tiempo, regresa y me da la sorpresa.

Al final, las cicatrices pueden ser de diferentes tipos. Pueden ser de amor, de amistad, pueden reflejar las relaciones familiares, las enfermedades. Son una marca de absolutamente todo.

«Cicatriz» es la antesala de todo lo que está por venir. ¿Escucharemos pronto nuevo trabajo de Isma Romero?

Sí, sí, claro. Ahora estiraremos un poco «Cicatriz», porque está funcionando muy bien y los medios están respondiendo de manera maravillosa. También avanzo que aún pueden haber sorpresas con esta canción. Pero no vamos a adelantarlas todavía.

El EP verá la luz en un par de meses. Llegará acompañado de un nuevo single y de tres colaboraciones muy especiales.

Un titular que defina el EP que está por llegar.

El título es el mejor titular: «Cara a cara». Es un cara a cara con la vida.

Siguientes pasos de Isma Romero.

Como vivo en el presente, mis siguientes pasos después de terminar esta entrevista son hacerme unas fotos para La Razón [risas]. Luego ya veremos.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

Yo creo que he hecho un poco de todo. Pero por contar una anécdota un poco graciosa. Hace unos cinco años, vivía un poco a las afueras de Madrid y estaba mal de pasta. Me acuerdo que estaba con las clases de guitarra y tocando versiones en algunos locales, para sacarme algo de dinero. En esos momentos, mi compañero Iván, que era programador de la Sala Bumerang de Guadalajara, me dijo de ir a tocar allí un día. Al final fui y toqué para él y para el camarero. Pero tuve el despiste enorme de no mirar ni los cercanías de vuelta, ni ningún sitio para dormir en Guadalajara. La cosa es que cuando termina el concierto y empieza a entrar gente. Y yo, que no sabía qué hacer, me metí en el camerino a dormir hasta las 5 de la mañana que cerraba el garito y salía el primer tren. Ahora mismo, no lo haría.

El próximo 8 de mayo, Isma Romero actúa en el Café Libertad 8. ¡Hazte ya con tu entrada!

11 marzo 2019
Malsujeto: «La Armonía del Caos recoge un poco toda nuestra trayectoria»

En 2018, veía la luz el nuevo trabajo de Malsujeto. Era la hora de «La Armonía del Caos», cinco años después de su anterior trabajo. Incansables, no están dejando de girar con este nuevo disco hasta traerlos aquí, a Madrid.

La semana pasada, días antes de su bolo en la capital, pudimos hablar con Táber (vocalista) y con Enrike (batería). Y esto es lo que nos contaron sobre el proyecto.

¿Cómo surge el concepto de «La Armonía del Caos»?

Táber. Viene de tiempo, porque cuando acabamos «Paraíso Infierno» ya teníamos en mente el siguiente trabajo. Aunque al final, entre unas cosas y otras, se nos ha ido retrasando un poco. En los últimos dos discos, nuestra filosofía ha sido la de grabarnos todos nosotros mismos y finalmente, se alargó un pelín. Pero el concepto principal viene desde hace cinco años, con «Paraíso Infierno».

¿Cómo ha sido la espera desde 2012, cuando vio la luz «Paraíso Infierno»?

Enrike. Realmente, aunque hemos estado cinco años sin sacar disco, nunca hemos dejado de tocar. Año tras año, hemos ido haciendo conciertos y festivales y, al final, el nuevo trabajo se ha estado retrasando por eso. Porque trabajamos desde casa, no hay límites de tiempo y combinado con todos los conciertos, ha hecho que se complique.

¿Cómo han sido la acogida del disco?

E. Creo que ha sido bastante buena. De hecho, los primeros conciertos han ido muy bien, la reacción es muy buena. El concierto incluso que hicimos con Gatibu en Bilbao fue muy bien, todo vendido. Todo lo que estamos haciendo, está funcionando guay.

Un titular que sintetice «La Armonía del Caos».

E. Que de lo peor, se puede sacar lo mejor. No sé, es que un titular, es muy difícil [risas].

T. Es un disco que recoge toda nuestra trayectoria: desde lo más antiguo, que es nuestra forma de hacer las canciones, a lo más actual, que es el sonido diferente.

Una canción del disco y por qué.

E. La verdad es que entre todas las canciones, es difícil escoger solo una. Pero en mi caso particular, me quedaría con «Tierra de Libertad». No será la canción más single, pero es uno de los temas a los que más cariño le tengo, porque habla del despertar de las conciencias. Además, es un estilo que no hemos tocado, tiene efectos diferentes que me gustan bastante y tiene un estribillo bastante potente.

T. Yo no lo sé. Por decir una, diría «Cruce de miradas», porque es diferente a lo que hemos estado haciendo. Y tiene un toque distinto.

Hablando un poco de los mensajes de las canciones, ¿creéis que la música ha perdido un poco esa esencia?

E. Creo que en el rock ese espíritu más contestatario siempre ha estado más patente. Abriendo a más estilos, quizás sí que haya música más neutra, más banal. Pero creo que el rock & roll sí que ha mantenido viva esa llama de autenticidad que otros géneros no han tenido o que en algún momento, han perdido. Que otros estilos no es que no tengan esa verdad detrás, pero una de las señas del rock siempre ha sido el compromiso.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Malsujeto?

E. Pues la verdad que el principio de la gira, que es lo que teníamos programado, ya lo hemos hecho. Fijo que en mayo tengamos una fecha en Buñol, con Gatibu.

T. Sí, también cerraremos más adelante alguna fecha más, que iremos colgando en nuestras redes. Además, nos estamos metiendo ya en el local de ensayo y están saliendo cosas nuevas.

E. Sí, para que no vuelvan a pasar otra vez cinco años [risas].

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

E. Yo es que he locuras muy locas, que no puedo contar [risas]. A mí, por ejemplo, me gusta mucho la música clásica y toco en formaciones clásicas. Cuando fuimos a tocar a Córdoba, a las 3 de la mañana, cogí el coche y me volví a Buñol, porque tenía otra actuación a las 10 de la mañana.

6 marzo 2019
Alabel, la gran promesa del folclore, inundará el Café Berlín

Aunque llevan poco tiempo como banda, Alabel es uno de esos grupos que desde el minuto 1 encandila. Será por lo que cantan y por cómo lo cantan. Es la gran y joven apuesta del folclore, ese que forma parte de nuestro pasado, ese que en algún momento, nos hará entender nuestro futuro. Y mañana encandilarán a todo el que se precie a pasar por el Café Berlín de Madrid. Poca broma con ellos y mucha magia.

Hace algunos días, pudimos hablar con María de la Flor, vocalista de este particular proyecto. ¿Queréis saber lo que nos contó?

¿Cómo surge todo el proyecto de Alabel?

Empieza un poco porque yo siempre he sido una loca del folclore de diferentes lugares del mundo. De hecho, me llegaba mucho por diferentes vías y por distintos amigos. Entonces, en un punto de mi vida, me dio por cantar y centrarme solo en la labor de vocalista, sin tocar y sin ser yo instrumentista, porque yo en realidad soy violinista. Así que me decidí a montar yo este «tinglao» y a rescatar todas estas canciones tradicionales. Entonces apareció en mi cabeza el nombre de Lorenzo Moya, a quien le propuse participar en el proyecto porque sabía que también le apasiona todo esto. Y enseguida me dijo que sí. Directamente, cerramos una fecha en Búho Real y a partir de ahí, comenzamos a construir tanto la banda, como el sonido.

Precisamente, la siguiente pregunta era, ¿por qué aunar tradición oral con música?

En mi caso es que está muy relacionado. Yo canto porque mi abuela canta, mi madre canta y porque a mí me han cantado toda la vida. Al final, yo hilo eso con un sentimiento materno de cuidar y de salvar la memoria. Y puedes cantarle al futuro, pero lo haces con cosas que no son tuyas. Y yo canto así, aunque no cante este género de música. Así que para mí tiene mucho sentido el colocarme en ese lugar, no solo para cantar, también para sentir. Y habrá a quien le interesa más o menos la labor de rescate. Pero si te resulta amena, lo que encuentras es un tesoro.

En las canciones que hemos podido escuchar, hay mucha diversidad de género. Folclore, flamenco, jazz. ¿Por qué esa variedad?

La verdad es que la diversidad de géneros ha surgido de la mezcla de músicos. Y es que al final, cada uno de nosotros tiene un lenguaje distinto. También porque partimos de edades, formaciones y experiencias distintas. Lorenzo, por ejemplo, viene más del mundo clásico y del flamenco. A Antonio le encanta el jazz, pero toca mucha música brasileña y de Latinoamérica. Bandolero viene del flamenco. Joaquín, que es el batería que sale en los vídeos, viene también del jazz. Luego, mi voz dicen que tiene toques folclórico. Igual que las melodías. Al final, si quieres algo común y mezclas todo eso, surgen dejes de todos y cada uno de nosotros.

¿Cómo afrontáis el concierto de mañana miércoles en el Café Berlín?

Pues yo un poco nerviosa, la verdad [risas]. Pero también tengo muchas ganas. Lo que pasa es que yo soy una persona un poco ansias. Y es eso, tengo un poco de miedo porque pueda salir mal, pero a la vez sé que va a salir bien. Sé que va a ser muy guay y tengo ganas de que venga mucha gente. Además, hemos invitado a muchos artistas que tocan y cantan que te mueres. Es un gusto contar con personas que se desenvuelven con tanta facilidad con este tipo de canciones.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Alabel?

En principio, fluir un poco y dejarnos llevar, una vez haya pasado el concierto en el Café Berlín. Hay varios festivales a los que nos hemos esperado y que esperamos que vayan saliendo. Y esa es un poco la idea. Sí que está sobre la mesa la idea de grabar los temas que están más cerrados. Y el hecho de que se una al grupo algún percusionista. Pero de momento, esto es lo más inminente.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

Mi día a día es una locura [risas]. Y exponerme a este grado de ansiedad y de estrés [risas]. No, en realidad, la mayor locura que he hecho por la música ha sido hacer cosas que no sé hacer. La primera vez que yo me subí a un escenario para cantar, no había cantado nunca antes. Y lo hice para sustituir a la cantante principal de una «big band» que habíamos montado en el conservatorio. Tocábamos en la Galileo y estaba todo vendido, pero aún así, me decidí a subir y sustituirla. Y, claramente, yo no había hecho eso nunca. Al final, como esas he hecho infinitas, porque soy una persona que se envalentona muy rápido. Lo bueno es que mi aprendizaje es que esa es la única manera de avanzar.

5 marzo 2019
Gimnástica: «Líquido se compuso pensando que podría ser el último disco»

Una de las bandas más prometedoras y con mayor talento. Una demostración más de la revolución que está suponiendo el Levante a nivel musical. Se trata de los alicantinos Gimástica, quienes se encuentran presentando las canciones de su nuevo trabajo, «Líquido».

De hecho, el próximo 28 de marzo pasarán por la reconocida Costello Club de Madrid. Un evento que no nos pensamos perder y para el que deberías sacar ya entrada (pinchando aquí).

¿Cómo surge el concepto de «Líquido»?

Juanma: «Líquido» gira en torno al concepto de «vida líquida» de Bauman, que habla del paso del estado de solidez al estado líquido entendido como fluidez, cambio, flexibilidad o adaptación. Los temas tratan sobre ese movimiento, que va desde un estado negativo y evoluciona hacia lo positivo, haciendo que nos desprendamos de los residuos que no nos dejan avanzar. Además buscábamos un nombre que cerrase el ciclo aire con «Paracaidismo» y tierra con «Montaña» y ya cerrar la trilogía.

¿Cómo fue trabajar con Víctor Cabezuelo, Manuel Cabezalí y Dany Richter?

Juanma: Para «Líquido» queríamos probar sonidos nuevos que no estuvieran en los trabajos anteriores de Gimnástica. No queríamos cerrarnos puertas creativas. En el local y en nuestro home studio -también llamado «La habitación de la ilusión» – nos fuimos acercando indirectamente a una mezcla de sonidos orgánicos y añejos -por una parte-, y elementos de electrónica.

Desde un principio sabíamos que Vic era el productor adecuado para proyectar esta mezcla de ideas. Siempre hemos seguido muy de cerca sus producciones y sabíamos que era la persona idónea.

Después él nos propuso trabajar con Manuel Cabezalí y Dany Richter en el estudio El Lado Izquierdo. Fue un lujo trabajar con los tres, estuvimos muy cómodos. Pasar tanto tiempo dentro de un estudio de grabación con tres personas tan creativas es un lujo.

Un titular que defina el disco.

G. Somos una ola que desemboca en las flores. «Líquido» se compuso pensando que podría ser el último disco de Gimnástica.

Una canción del álbum.

Juanma: Para mí «El Viaje del Caracol». Fue un tema que estuvo a punto de quedarse fuera del disco. En pleno proceso de grabación decidimos bajar a Aranjuez junto a Vic, a los locales de los Rufus T. Firefly, para darle una oportunidad -puesto que era un tema que tenía únicamente a guitarra y voz, y no se había maquetado-. Tras unas cuantas horas, terminamos de darle forma y finalizamos la composición junto a Víctor. Salió algo muy mágico de ahí.

¿Cómo han sido las reacciones al disco?

Frank: La verdad es que han sido buenas. Nuestro público ha crecido y evolucionado junto a nosotros, y desde la primera escucha, ha entendido lo que queríamos contar con este disco.

«Líquido» se compuso con cierta incertidumbre con respecto a nuestro futuro como banda. Estábamos solos y con muchas dudas. Es por esto por lo que se yergue con sinceridad y amor por la música como premisas. Como si fuese nuestro último disco; nuestras últimas canciones. Luego llegó el apoyo discográfico de Oso Polita, y cambió todo esto, dándonos la energía para seguir empujando, con más ganas que nunca. Aún así, ese sentimiento inicial sigue ahí, y ha llegado al público. Es muy bonito.

«Caléndula» fue el primer adelanto, que vio la luz además, con su respectivo videoclip. ¿Por qué escoger este tema como avance y cómo surgió la idea del vídeo?

Juanma: «Caléndula» es un tema muy potente y afilado, con mucha energía en las guitarras y un tempo que camina hacia adelante. Pensamos que sería una buena carta de presentación visual de la banda. Un «hemos vuelto» en toda regla. Por estas mismas razones, «Caléndula» es la primera canción del disco.

Luis: «Caléndula» es una canción enérgica que a la vez posee un aura mística concentrando muy bien las cualidades que se presentan en el resto del álbum.

¿Cómo fue trabajar en el videoclip, bajo la dirección de Jaime Massieu?

Frank: Queríamos que el primer videoclip de «Líquido» mostrase a toda la banda tocando y su energía en el escenario. En este aspecto, Jaime es el mejor capturando esa fuerza. Incansable artista del vídeo y la fotografía en directo, supo entender a la perfección las atmósferas y ritmos de la canción. Estamos muy contentos con el resultado.

Y dicho quede, Jaime es un tipo con un gran humor. Grabamos los exteriores del vídeo a las 3 de la mañana en un polígono de las afueras de Madrid, de empalme tras tocar en Granada con Simple Minds. La borrachera de sueño dio mucho juego a la comedia.

Saltasteis a escena en 2012 con «Paracaidismo». ¿Qué queda de los Gimnástica de entonces y en qué ha cambiado la banda?

Juanma: Más que cambios ha habido una evolución tanto en la mentalidad como en lo musical de la banda. Desde 2012 varios componentes han abandonado la banda y otros nuevos han entrado y eso hace que la banda tenga otro enfoque, pero la esencia Gimnástica sigue estando ahí.

Luis: Al ser el último músico que se incorporó al proyecto, he visto y sentido muy de cerca toda la evolución de la banda desde una perspectiva privilegiada, antes como seguidor y ahora como miembro del proyecto. La Gimnástica de hoy es el resultado de muchos años de esfuerzo y amor por la música. La joven intuición e inocencia han pasado a transformarse en precisión y pasión. Líquido es un salto evolutivo que canaliza el crecimiento de la banda durante todos estos años.

Sois de Alicante, zona en la que hay mucho movimiento musical y mucho talento emergente, junto a Murcia. ¿Qué está pasando?, ¿cómo estáis viviendo toda esta situación?

Lucas: La verdad es que nos gusta mucho lo que está ocurriendo con esta zona. Cuando nosotros empezamos con los primeros proyectos que teníamos éramos «cuatro gatos», pero ahora hay mucho movimiento. Antes era muy difícil salir desde aquí, porque generalmente los grupos salían de ciudades como Granada, Madrid, Barcelona, Bilbao. Pero hoy en día ya hay una escena potente en el Levante español, con claras influencias del indie patrio pero con una personalidad distintiva.

Con el auge de tanta banda emergente, ¿cuál creéis que es la clave del éxito?, ¿qué hacer para diferenciarse del resto y destacar?

Lucas: Nosotros creemos que la única forma de destacar, en esta jungla de competitividad, es ser uno mismo. Porque nadie tiene la clave del éxito, y para estar sufriendo por competir, mejor disfrutar siendo quién eres, luchar por ser tu mismo y si llega el éxito, será fácil mantenerlo.

Luis: El éxito no se encuentra, es él el que te encuentra a ti. No tiene sentido ir en busca de una fórmula que realmente no existe. Día tras día nos sorprendemos de los artefactos exitosos y de todos aquellos proyectos que caen en el olvido incomprensiblemente. Ante este panorama, sólo nos queda trabajar para mejorar día tras día, transmitir nuestro proyecto y enamorar al mayor número de personas mientras disfrutamos del camino.

Centrándonos de nuevo en Gimnástica: ¿cuáles son vuestros siguientes pasos?

Lucas: Estamos produciendo el directo con mucho trabajo y mucha investigación para que el público que venga a nuestros conciertos de la gira que hay programada para 2019, disfrute de un show de calidad. Nuestra m

úsica en su puro estado. A principios de año, salió el segundo videoclip de «Líquido» y ya empezamos con la promoción antes de la gira. Y para el verano, nuestros Oso Polita y Last Tour están trabajando para que os acompañemos en muchos de los grandes festivales.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música, siendo Gimnástica?

Lucas: La mayor locura ha sido crear nuestras vidas alrededor de Gimnástica, que ha pasado desde buscar y encontrar un trabajo que nos permita siempre seguir con la banda al 100%, hasta la última anécdota, que fue cambiar la fecha de mi propia boda para poder sacar adelante el último disco.

La gira de Gimnástica (Todas las entradas en Wegow)

14 de marzo – Alicante (con Uniforms)

15 de marzo – Barcelona (con Uniforms)

28 de marzo – Madrid

29 de marzo – Jaén (con Uniforms)

29 de junio – Festival Metrópoli (Gijón)

11 de agosto – Torrelavega (Cantabria)

17 de agosto – Cooltural Fest (Almería)

4 marzo 2019
Leize sorprende con su nuevo trabajo: ya está aquí «Deriva»

Cuarenta años de carrera, momentos de descanso y bastantes discos a las espaldas. Se trata de Leize, quienes han sorprendido nuevamente con su reciente trabajo, «Deriva». Un disco con el que empezarán a girar la próxima semana en Barcelona. Un disco con el que llegarán a la Sala Changó de Madrid el próximo 30 de marzo.

Hace unos días, pudimos hablar cara a cara con Félix Lasa, guitarrista y fundador de Leize. Esto es lo que nos contó.

¿Cómo surge el concepto de «Deriva»?, ¿es alguna especie de guiño?

En realidad, lo de «Deriva» es un concepto un poco de hacia dónde vamos nosotros como sociedad. Pero no mirado desde el punto de vista de: «la sociedad me aplasta, el sistema es una mierda». Más bien, desde el lado personal, desde la perspectiva de qué vas a hacer tú para cambiarlo. Y sobre todo, a qué le das importancia tú en tu día a día: si es al querer, si es al poder, si es al parecer. Así que el concepto está enfocado a eso: a la deriva personal que cada uno tiene.

¿Qué crees que nos ha llevado a esa deriva?

Creo que nos han involucrado en una historia de consumo brutal. Antes había más consumo material, ahora es más mental. Con lo cual, te tienen más «agarrado». Tú no puedes descargar absolutamente todo y el talento no es algo que se consuma a golpe de click, al final es algo que te tienes que trabajar.

En definitiva, creo que nos han enredado en una maraña en la que parece fácil hacerlo todo, pero en realidad, no sabes hacer nada. Nos tienen totalmente controlados. Así que la deriva va un poco en ese sentido.

¿Consideras que en medio de toda esa deriva, se está perdiendo el poder del disco como discurso?

Totalmente. Al final, volvemos un poco a lo mismo. Nos están obligando en cierto modo a consumir música de manera rápida y de esta manera, nos estamos perdiendo toda la historia que cuentan los discos. En el caso de «Deriva», está estructurado de tal manera que tenga sentido si lo escuchas en orden, de principio a fin. Y el final, luego te vuelve a llevar al principio.

Así pasa también con muchos otros discos. Al final, es como quien empieza a leer un libro. Empiezas a leer por la primera página, no por la número cien, ¿no?

Un titular que defina este disco.

No hay nada mejor que el título, «Deriva». Anda que no le he dado yo vueltas. Y al final, no he encontrado un titular mejor que ese.

¿Cuál es la clave del éxito para Leize?

No sabría decirte, aunque creo que la clave es hacer las canciones con el corazón y mostrarte tal cual eres. Yo no le doy más vueltas tampoco. El punto, al final, es hacer las canciones, pero no hacerlas para algo o para alguien en concreto.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Leize?

Pues la próxima semana empezamos ya a tocar. El 9 de marzo estaremos en Barcelona y luego pasaremos por ciudades como Zaragoza, Bilbao, Logroño, Madrid el 30 de marzo. Además, tenemos como objetivo llegar con este disco a Andalucía y Galicia.

¿Por qué Andalucía y Galicia?

Porque están lejos y porque allí no hay nadie que organice nada, salvo cuatro festivales, en los que además, siempre tocan las mismas bandas. Así que, nos encantaría poder entrar ahí, aunque es un poco complicado.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Pues la verdad es que me gusta pensar algo, porque nosotros no somos una banda de excesos o de decisiones locas.

Muchas bandas me han comentado que su mayor locura fue dejarlo todo por la música.

Mira, nosotros eso no lo hicimos. Y tuvimos la oportunidad, la verdad. Es la primera que me ha venido a la cabeza, pero no lo veo una locura, en nuestro caso fue un acierto. Nosotros hemos podido hacer lo que más nos gusta y lo hemos conseguido llevar a cabo, teniendo también una familia maravillosa. Si hubiéramos tomado esa decisión y hubiéramos renunciado a lo que tenemos, habría sido una gran locura. Las decisiones hay que tomarlas con cabeza, aunque luego te equivoques. Pero no se pueden tomar con el efecto gaseosa.

28 febrero 2019
Cuando la magia de Dan Millson llegue hasta El Sol

Lo conocimos hace poco más de un año y, desde ese momento, no hemos dejado de verlo crecer. El caso de Dan Millson es especial. Es uno de esos artistas con estrella y por los que, al final, es inevitable no alegrarse cuando las cosas le marchan bien. Talento, trabajo, suerte. La combinación perfecta para que, sí, las cosas le marchen bien.

Hace algunos días, hablamos con él, a propósito del lanzamiento de sus dos últimos singles: «Lost Track Of Time» y «Queen Without a Crown». De hecho, el videoclip de esta última canción, vio la luz el pasado viernes y es el ejemplo perfecto de que menos es más. Y de que se pueden contar grandes historias, con pequeños detalles.

¡No os perdáis lo que nos contó! Y tampoco os lo perdáis en directo: el próximo 10 de abril, inundará el escenario de la Sala El Sol.

En las últimas semanas, nos has sorprendido con el lanzamiento de «Lost Track Of Time» y «Queen Without a Crown». ¿Cómo surge el concepto de ambos temas?

Bueno, como sabes, yo venía de publicar mi EP «Little Box Of Treasure» y luego llegó «Shine a Light». Todas estos temas estaban bastante producidos y eran rollo más canción «hit». Entonces quería sacar algo completamente diferente. A una parte de mí, le encantan las baladas, la crudeza de la música antigua y, sobre todo, cómo se grababa: con micrófonos, con piano, con un cuarteto de verdad. Y quería probarlo.

La verdad es que las dos canciones son como las dos caras de la moneda. En una está el lado negativo, la del pasado oscuro, que en cierto modo, aún está. Es como cuando te pasa algo y no sabes cómo afrontarlo. Hay gente que llora, hay gente que se queda en casa y no sale. Yo tuve cierta agresividad, que la saqué por ese camino. Intenté afrontar mis miedos y así es como los supe gestionar. «Lost Track Of Time» habla un poco de eso, de olvidar de quererte a ti mismo.

Sin embargo, «Queen Without A Crown» es una canción de amor. Pero no es una canción de amor al uso. Lo que quiero transmitir con ella es que para querer a una persona, te tienes que querer a ti mismo. Entonces son como las dos caras.

¿Será la sala de un nuevo trabajo de Dan Millson?

La intención es publicar nuevo trabajo. Me encantaría que fuera a final de año, pero no sé si será posible, porque tengo que pensar muy bien cómo hacerlo y cómo prepararlo. Me gustaría que fuera un disco un poco conceptual, que todos los temas estuvieran unidos de alguna manera. Pero antes, hay que ver qué sucede con estas dos canciones y dónde nos llevan. Además, ahora estamos muy centrados en el concierto del próximo 10 de abril en la Sala El Sol. Después, voy a Inglaterra a girar y en septiembre vuelvo a Suecia. Están pasando muchas cosas, así que quiero ver si me da tiempo a componer.

¿Cómo has vivido la acogida de ambos singles? Porque en plataformas digitales han sido una verdadera revolución.

Yo estoy muy emocionado, la verdad. Si analizamos los datos de mis otras canciones, «Shine a Light» tiene 18k reproducciones ahora, pero «Queen Without A Crown» tiene 20k y salió hace poco más de una semana. Es una diferencia muy grande. También hemos trabajado con otro equipo y creo que las canciones han salido en buena época, además de que ahora tengo más seguimiento que antes.

Así que feliz. Si todo va así y con esos pasos tan agigantados, quién sabe lo que pasará en 2020.

¿Y cómo afrontas ante el concierto de abril en la Sala El Sol?

Lo afronto con nervios, la verdad. Porque es un paso muy grande para mí. Siempre he tocado en salas más pequeñas y, de hecho, lo más grande que he hecho en los últimos meses ha sido la Sala Siroco. Estuve con la banda y la verdad es que funcionó muy bien, la gente me habló genial.

Después de eso, he decidido dar un paso al frente e ir a por El Sol. He pensado en un formato diferente. Además de ir con la banda, también quiero llevar un cuarteto de cuerda. Así que estoy con muchas ganas, a pesar de los nervios.

¿Cómo ha evolucionado Dan Millson desde «Little Box Of Treasure»?

Pues en realidad sigo siendo el mismo. Llevo mucho tiempo dedicándome a la música y siempre he tenido claro lo que quería. Lo único es que ahora creo que me encuentro en otro capítulo diferente, en el que creo que aún estoy más seguro de lo que quiero. Al final, vas viendo las reacciones del público y cómo reciben lo que haces. Quizás queda un poco feo decirlo, porque a la gente no le gusta verlo así. Evidentemente, todo lo que haga va a salir del corazón y lo voy a hacer convencido. Pero lo que es la imagen, el concepto, la marca, en qué salas tocar, con quién hacer entrevistas…todo eso ayuda a ver un camino más claro.

¿Cómo has vivido este último año? Porque además de lanzar temas, también has girado por dentro de España y por fuera. Y este año vas a repetir.

La verdad es que ha sido un año de locura y muy intenso. En 2017 salió «Little Box Of Treasure», en 2018 comencé a girar y publiqué «Shine a Light», estuve en Reino Unido, Italia y Suecia. Ahora ven la luz estos dos nuevos temas y volvemos.

Es curioso, porque al final creo que el mayor público está fuera de España. Precisamente por eso, no voy a dejar de salir y girar por fuera si se me plantea la oportunidad. Aunque España y Madrid me encantan y aquí me quedo. Pero sé que fuera hay más mercado.

Ahora que se apuesta por el formato single y que vivimos en la cultura de lo efímero, ¿crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?

Lo de los singles es algo que ya pasaba en los años 50, con los singles de dos caras. Los lanzaban a la radio y si funcionaba, te daban la oportunidad de grabar un EP. Aunque sí que es cierto que hay cosas que han cambiado. Antes costaba mucho más grabar. Lo del CD fue una manera de darle salida a más canciones y vender más.

Lo que me molesta un poco más es que haya gente que no se molesta en escuchar la canción completa y se quede en los 10 primeros segundos, porque estamos tan saturados de información. Pero no lo mezclaría con el tema de los discos. Al final, si te gusta un artista, te paras, te sientas y lo escuchas.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

Dedicarme a ella. Dejar todo por ella.

Es una de las respuestas más comunes. Pero lo cierto es que es arriesgado.

Sí, es que es verdad. Lo he dejado todo por ella. De hecho, yo no vivo donde nací, en ocasiones me puede generar conflictos con familia, es una preocupación continua para mí. Pero me va bien, porque no he dejado de trabajar y porque también estos dos últimos años he tenido suerte. Cuando yo me vine a Madrid, no teníamos ni piso, los primeros días dormíamos en el coche o en casa de algún amigo. Tuvimos antes local de ensayo que casa. Subimos, dejamos todo en el local y esa noche dormimos en el coche, mientras buscábamos piso.

27 febrero 2019
Eladio y los Seres Queridos: «Historias de caza es una colección de canciones»

Lo bueno de la música es que te hace descubrir, no solo bandas, también personas. El caso de Eladio y los Seres Queridos ha sido uno de esos grandes descubrimientos que forman parte de nuestro 2018. Los conocíamos pero nunca los habíamos visto en directo y lo cierto es que acabamos en bucle con ellos. Una banda gallega que engancha y cuya experiencia traspasa fronteras. Seguramente, nos volvamos a encontrar con ellos, porque continúan girando con su «Historias de caza», aunque ya están preparando canciones nuevas.

Por eso y de manera previa a la celebración del aniversario de Cocktail Musical, pudimos sentarnos con Eladio Santos. Hablamos sobre la banda, su proyecto y sobre música. Y esto es lo que nos contó.

¿Cómo surge el concepto de «Historias de Caza»?

Realmente, lo que pasaba es que no encontraba relación entre las canciones, voy a ser sincero [risas]. Nunca he hecho discos conceptuales. Yo soy más de hacer canciones que, evidentemente, tienen cierta relación, porque hablan de momentos de tu vida concretos. Y al final, el concepto lo encuentros tres o cuatro años después de haber lanzado el álbum. Pero había una cosa especial, que es que no todas las canciones eran mías. Así que el único concepto que se me ocurrió, fue el de ver las canciones como historias de caza como de la Prehistoria, pero muy desarrolladas. Y pensar en los temas como historias que comienzan a nacer alrededor de una hoguera. De hecho, hice una canción para explicar el concepto [risas].

¿Cómo ha sido toda la acogida del disco?

Fíjate, por el formato y por las características del disco, había quien pensaba que era un trabajo poco ambicioso. Y, sin embargo, ha funcionado bastante bien, se vende y se ha llevado varios premios. Además, con él hemos alcanzado la independencia total: no tenemos editorial, no tenemos manager y lo hacemos todos nosotros. Incluso grabamos los discos nosotros.

Un titular que defina «Historias de caza».

Es una especie de fuego de campamento, un encuentro entre amigos. De hecho, hay una canción que no es nuestra, que es «Ella», que me gustaba mucho y optamos por grabarla. Igual más o menos que «La leyenda del tiempo», que la hicimos a medias. Entonces es como una «Rue 13 del Percebe», hay varias «casitas». Al final, es una colección de canciones, no diría nada más que eso.

Alguien con quien compartir escenario.

Soy muy ambicioso [risas]. Desde siempre, he sido muy fan de Bob Dylan y de The Beatles. Aunque si tuviera que hacer una lista más realista, quizás me decantaría por Quique González. También hemos compartido escenario con artistas como Vetusta Morla o Xoel López, con quien tenemos una relación bastante estrecha.

Además, suelo escuchar mucha música latinoamericana. Uno de los sueños que me hubiera gustado cumplir, hubiera sido cantar con Mercedes Sosa, fíjate. Pero ya es imposible.

Me gustan las voces con mucha raíz, con mucha tierra.

Siguientes pasos de Eladio y los Seres Queridos.

Pues tenemos algunas canciones en mente. Lo que nos pasó es que con nuestro anterior disco «Cantares», tocamos mucho en Galicia. Pero fuera de allí, como que últimamente nos ha costado un poco salir. Al final, lo que pasa es que allí, nos hemos convertido un poco en «grupo pureta», de señores [risas]. Hemos pasado de tocar en bares a tocar en teatros.

Entonces, aprovechando que tenemos algunas canciones, quizás hagamos lo que se suele hacer mucho ahora. Apostar más por ir sacando singles, algún video-lyric o videoclip. Y probablemente en verano grabemos el disco.

Con el auge de los singles, ¿crees que se está perdiendo el poder del disco como discurso?

Bueno, sí, quizás sí. Es que es el ritmo del mercado. El, «le doy al play y escucho 20 segundos de canción, a ver si me engancha». Entonces ahora toca esforzarse un poco más por llamar la atención y demostrar que estás ahí. Pero pedirle a alguien que se escuche un disco entero, es más jodido. Antes comprabas un disco por la portada o porque ya habías escuchado a la banda. Empezaba gustándote una canción y a la semana, te enganchaba todo el disco.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por Eladio y los Seres Queridos?

Hemos hecho bastantes locuras, como la de ir a tocar a Zaragoza y volvimos el mismo día. De esas cosas te das cuenta luego. Hay que tener mucho cuidado, sobre todo cuando se sale a la carretera. Y nosotros, por temas de trabajo, hemos llegado a pasar 20 horas en coche. Porque no queríamos perdernos conciertos importantes, pero igual al día siguiente también teníamos que ir a trabajar. Por eso, quizás sea la mayor locura. Ha habido otras, evidentemente, pero quizás no tan contables [risas]. Lo bueno de esos viajes es que hablamos mucho y lo pasamos bien, al final todo eso nos sirve de terapia. Tenemos como una ley que es que «lo que se cuenta en la furgoneta, se queda en la furgoneta». Se comparte mucho y, en definitiva, es algo que echo de menos, sobre todo en los momentos en los que a lo mejor, no estamos de gira.

24 febrero 2019
The Mad Keys: «Mediterrani es un tema de espíritu pop y alma soul»

Alicantino, se adentra de forma casi innata en el mundo de la música. Fruto de una curiosidad insaciable, comienza a formarse y a aprender, hasta llegar al punto en el que se encuentra. Se trata de The Mad Keys, artista que recientemente ha publicado su nuevo single, «Mediterrani».

Un tema que juega con los sonidos más sintéticos y electrónicos, siguiendo la influencia de artistas como Bonobo, George Fitzgerald, Beacon, The Acid o Pional, pero siempre siempre, con su propio sello personal detrás.

Hace unos días pudimos hablar con él y esto es lo que nos contó sobre su proyecto.

¿Cómo surge el concepto de este tema, de «Mediterrani»?

Mi obra artística siempre ha estado ligada al mar, la verdad es que es el reflejo de mi vida, del lugar donde he nacido y he crecido. «Mediterrani» habla un poco de encontrar la persona, el momento adecuado y el lugar, en lo que ha sido el transcurso de mi vida, que ha estado muy ligada a la costa mediterránea. En concreto, a tres ciudades: Alicante, que es dode nací y crecí; Granada, donde estudié; y Barcelona, que es donde vivo actualmente.

¿Cómo ha sido la acogida de este tema?

La verdad es que estoy muy contento. Es la primera vez que publico algo oficialmente, tanto en plataformas digitales como en tiendas. Lo cierto es que estoy muy orgulloso, porque tanto amigos como conocidos me han ayudado mucho, compartiendo el tema en redes. Y, por otra parte, también eternamente agradecido a los medios de comunicación, por toda la difusión que le estáis dando al proyecto. No es algo que uno se espere la primera vez que lleva a cabo un lanzamiento.

Un titular que defina «Mediterrani».

Quizás escogería las palabras sobriedad, porque al final es una canción que juega solo con tres o cuatro elementos musicales; espíritu pop, por lo accesible que es; y alma soul, por los arreglos a nivel armónico, que tienen que ver con esta música.

¿Cómo empieza The Mad Keys en la música?

Con 16 años, yo tocaba en una banda de indie rock de Alicante. Cuando nos separamos, estaba en un momento de mi vida en el que sabía que quería dedicarme a la música. Así que The Mad Keys surgió de la necesidad de hacer lo que a mí más me gustaba y de querer comenzar un proyecto en solitario. Al final, me decidí por la música electrónica, porque es el género con el que más cómodo me siento.

¿Y cómo ha evolucionado The Mad Keys?

Realmente, todo es un proceso de aprendizaje. Cada vez que creo algo nuevo, estoy aprendiendo y retándome a mí mismo. La evolución también viene un poco dada, tras reconocer las propias carencias. La primera demo que hice, la hice yo totalmente. Desde el diseño hasta la producción. Con «Mediterrani» he sabido ver mis carencias y, por eso, me he querido de rodear de un buen equipo, que me asesorara en cada área específica: desde la producción hasta la comunicación, pasando por el arte del single o la animación del videoclip.

Precisamente hablando del videoclip. ¿Cómo surge la idea del vídeo y por qué llevarlo por el camino de la animación?

La idea surge tras pedirle a mi amiga Diana Sánchez, que es diseñadora gráfica, que adaptara un poco el formato de la portada del single a las características específicas de YouTube, que es donde íbamos a lanzar el videoclip. Y a partir de ahí, comenzamos a jugar con la estética «glitch», de tal manera que las olas del mar de la fotografía, se estuvieran moviendo.

Siguientes pasos de The Mad Keys.

Pues ahora mismo, estoy preparando un EP con varios temas, aunque todavía no puedo decir cuándo verá la luz. Va a haber un cambio, se va a apreciar un giro hacia algo mucho menos oscuro, mucho más bailable y colorido.

¿Por qué precisamente ahora este cambio?

Supongo que por orden cronológico. Los proyectos los he ido creando en un orden y quiero respetarlo a la hora de su lanzamiento. Más que nada porque creo que es la mejor manera de apreciar mi evolución como músico.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

¡Wow! [risas]. Diría que la mayor locura que he cometido por la música es dejar atrás el lugar en el que nací y al cual me siento muy arraigado, y marchar a otra ciudad solo para estudiar algo estrictamente relacionado con la música. Al final, he pasado cuatro años de mi vida fuera de casa, estudiando y formándome.

21 febrero 2019
Presumido harán bailar a toda la Costello, con los temas de su «Invierno»

Su música desprende personalidad a raudales, independientemente del género en el que se mueven. Con ese carácter que los define, Presumido lanzaron en diciembre la primera parte del que será su largo «Cuatro Estaciones». Era el momento de «Invierno», aunque la «Primavera» está cada vez más cerca.

El próximo sábado 2 de marzo, darán en Madrid su único concierto en sala hasta otoño. Será en la mítica sala Costello. Una cita que no os podéis perder. Aunque mientras llega, podéis leer lo que nos contaron sobre su proyecto, hace apenas unos días.

¿Cómo surge todo el concepto de «Cuatro Estaciones»?

Tarci. De inicio, surge un poco como una necesidad. Nos encontrábamos en un momento de liberación, de estar con una mano delante y otra detrás. Sentíamos que teníamos que sacar algo. Así que decidimos publicar las tres canciones que ya teníamos grabadas para el disco, tras darles unos últimos toques. Al lanzarla bajo el nombre de «Invierno», todo lo demás comenzó a coger forma. Y así es como decidimos que iríamos publicando un EP por cada estación y en otoño, que suele ser la época de cosecha, cosechamos esos cuatro EPs digitales y los recopilamos en un disco.

¿Vais a hacer que cada EP coincida justo con la estación?

T. Sí, sí, por supuesto. De hecho, la presentación de «Invierno» fue el mismo 21 de diciembre. Esa es la idea, que tenga el mayor sentido posible, aunque a veces se nos puede ir algo de fecha.

¿Por qué apostar por el formato EP?

T. A ver, el modo de consumir música ha cambiado muchísimo hoy en día. La gente cada vez consume más el formato single, pero a nosotros nos sigue gustando lo que es el disco conceptual. Así que optamos por ir por el camino de en medio: hacer un álbum conceptual, pero lanzarlo por EPs y que cada EP tenga su single. De esta forma, conseguimos estar más tiempo en medios y que la gente lo consuma de una manera más fácil.

¿Creéis que de esta manera, se ha perdido el poder del disco como discurso?

T. Sí, sí que se ha perdido. Pero del mismo modo, desde el otro lado, nosotros somos los primeros en reivindicar ese valor. E incluso el del disco físico: algo que tenga un olor, un tacto, que sea visual. Que no solo se escuche.

Volviendo un poco a «Invierno». ¿Cómo ha sido la acogida?

Nacho. Ha sido muy buena, la verdad. Desde que lanzamos el crowdfunding hasta ahora, estamos viviendo todo el proceso con mucho orgullo, estamos viendo cómo se está materializando. Estamos muy contentos, porque este proyecto es un proyecto 360º, lo hemos dejado todo para dedicarnos a él, y vemos cómo vamos avanzando. Con «Invierno», la acogida ha sido brutal. Desde que lanzamos el single, «El Rey Azotado» hemos recibido muy buenos comentarios. De hecho, los chicos de Diavlo la están versionando en toda su gira.

De hecho, nos hemos dado cuenta de que al lanzar en formato EP, es mucho más fácil de digerir, ya no solo por parte del público. También por parte de los medios, que han tratado este trabajo con mucho mimo y mucho cariño.

Un titular que defina «Cuatro Estaciones».

T. Pues es muy intenso, tanto las partes suaves como las más «cañeras». Es una ruleta rusa de emociones.

El 2 de marzo actuaréis en la Costello de Madrid, siendo el único concierto en salas por el momento.

T. Sí, es el único. La verdad es que no nos estamos planteando cerrar una gira, porque queremos esperar a que salga «Cuatro Estaciones» al completo. Y a partir de ahí, comenzar a girar de manera intensa. Ahora estamos cerrando algunos festivales y solo haremos una fecha en sala, que será la del 2 de marzo en Costello.

¿Cómo afrontáis esa fecha?

T. Pues con mucha ilusión, porque ya hemos vendido como la mitad de las entradas. La verdad es que tampoco queremos anticipar mucho, pero tocaremos canciones de «Vendetta», de «Invierno» y puede que de los EPs que todavía no han visto la luz. Además, también habrá varias sorpresas.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

T. Montar Presumido y dejarlo todo por el proyecto. Nacho estaba estudiando ingeniería y yo estaba trabajando. Pero queríamos centrarnos solo en esto.

N. Empeñar los instrumentos también ha sido una locura [risas].

T. Pero eso es más circunstancial [risas].

20 febrero 2019
Grim Swindango sorprenden con su nuevo trabajo, «Afterlife»

Hace unos días vio la luz su nuevo trabajo, «Afterlife». Un disco completamente diferente, con el que Grim Swindango se reafirman. Un disco que, además, presentarán este mismo sábado 23 de febrero en El Perro de la Parte de Atrás del Coche.

Justo el mismo día que llegaba al mundo «Afterlife», pudimos hablar con la banda. Noe Cooper (guitarra) y José Vinuesa (bajo) respondieron a nuestras preguntas. Esto es lo que nos contaron.

¿Cómo surge el concepto de «Afterlife»?

Noe. La temática del grupo está basada en la fiesta del día de los muertos. Entonces «Afterlife» está basado en la vida después de la vida. Así que todo gira entorno a eso.

¿Por qué escoger precisamente esa temática, la de la fiesta del día de los muertos mexicana?

N. La verdad es que nos gustaba ese rollo.

José. La idea venía ya de Noe. Comenzamos a ambientar el proyecto en torno a eso, pero al final, todo terminó girando alrededor del mismo tema: letras, imagen, etc.

N. Queríamos también tener una imagen definida y que tuviera relación con el mundo más «oscurillo».

En relación con todo esto, ¿qué importancia tiene la imagen para Grim Swindango?

N. Nosotros entendemos todo como un pack: la música, los directos que sean entretenidos, los vídeos, la decoración y, por supuesto, la imagen. Hay grupos que hemos ido a ver y que apenas se mueven del escenario e interactúan con el público. Nosotros no queremos eso, queremos que nuestros conciertos sean una experiencia. Así que la imagen es muy importante para nosotros.

Un titular que defina «Afterlife».

N. Yo creo que va a sorprender.

J. Es diferente.

Una canción que sintetice «Afterlife» y por qué.

N. «Catrina’s Whisper» es la canción que creemos que mejor define el proyecto y que más personalidad tiene.

El disco ha visto la luz tras una campaña de crowdfunding. ¿Por qué apostar por ello y cómo habéis vivido todo el proceso?

J. En realidad, cada miembro del grupo viene de otros proyectos anteriores, así que ya habíamos vivido todo el proceso de las campañas de crowdfunding previamente.Así que estuvimos hablando de las vivencias de cada uno y miramos bien cómo enfocarlo. Por lo demás, cruzamos mucho los dedos para que saliera adelante. Y al final, salió.

N. No nos esperábamos que saliera, pero queríamos que lo hiciera.

J. Sí, y al final superó de hecho nuestras expectativas.

¿Cómo fue el trabajo en Estudios Uno?

N. Muy bien, la verdad. Aunque el trabajo real comenzó en julio, cuando comenzamos a arreglar los temas. Y entramos a estudio el 2 de noviembre, justo el día de los muertos [risas].

J. Lo mejor, es que no estuvo hecho a propósito [risas].

¿Cómo se llega al punto de construir un sonido tan propio y particular? Porque «Afterlife» no me recuerda a nada que haya podido escuchar con anterioridad.

J. Creo que más que buscar un sonido concreto, tiene mucha importancia en estos casos, la personalidad, la experiencia y las influencias de cada uno. Todo aporta.

N. El modo que tenemos de trabajar es el siguiente: yo compongo y llevo una especie de maqueta, y cada uno va aportando su estilo.

J. También todo esto ha sido producto de un proceso. Hace un año, o incluso en verano cuando comenzamos a grabar, no sonábamos así. Es un proyecto que ha evolucionado.

Este sábado 23 de febrero, presentación oficial del disco en Madrid. ¿Cómo afrontáis el concierto?

N. Con miedo [risas]. De momento, estamos ensayando a tope, entre dos y tres días a la semana. Y deseando llegar al mayor número posible de personas.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Grim Swindango?

J. Pues el videoclip es una de las cosas más inminentes. Además, también estamos contactando con distintas agencias, para poder empezar a rodar. Porque al final, nosotros queremos tocar y vivir de la música.

N. Nosotros mientras tanto, tenemos claro que vamos a seguir trabajando y peleando.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

N. ¿Hay algo que no sea una locura? [risas].

J. En realidad, dejarlo todo por la música creo que ha sido mi mayor locura. Dejé mi ciudad y a gente atrás, por querer dedicarme a esto.

20 febrero 2019