Categoría: Entrevistas

  • Muñeco Vudú o cómo retratar la música también con sus imperfecciones

    Muñeco Vudú o cómo retratar la música también con sus imperfecciones

    Si algo nos ha regalado Madrid es el haber puesto en nuestro camino a los chicos de Muñeco Vudú. Es curioso, porque ni ellos ni nosotros somos madrileños. Pero esa es parte de la magia de la música. Y de las ciudades grandes. Así y todo, lo único claro es que desde que los conocimos, supimos que eran especiales. Esa pasión por lo que hacen, el brillo en los ojos, esa manera de tratar con nosotros y, por supuesto, esos directos espectaculares.

    Meses después, hemos tenido la oportunidad de volver a hablar con ellos. En este caso, hablamos con Ivo Pérez (voz y guitarra), a raíz de las sesiones en acústico que han iniciado («One Audio Take Sessions»), tras la salida de «Gravemente Ilesos».

    A raíz de la publicación de «Gravemente Ilesos», ¿cómo surge la idea de grabar las sesiones en acústico?

    La idea viene por varios frentes. El principal es que queremos tocar y queremos que se nos vea tocando, más allá de que entendemos que la industria te lleva directamente a grabar material para seguir estando en esta rueda. Pero para nosotros, la mejor manera era hacerlo de la forma más directa y arriesgada posible, más allá de hacer vídeos que no fueran estrictamente musicales.

    Así que un día, hablando los cinco, se nos ocurrió hacer estas sesiones con una sola toma de audio, con un micro solo de ambiente. Y lo quisimos enfocar hacia lo acústico: queríamos hacer una versión más curva de las canciones, tanto de «Gravemente Ilesos», que fue por donde empezamos; como de nuestros trabajos anteriores. De todo ello, nos ocupamos nosotros: grabación, realización, producción del material.

    Es una manera de darle otra perspectiva a las canciones.

    Sí, eso nos gusta, porque somos una banda de música popular. No somos ni comediantes, ni ingenieros, ni médicos. Así que al final, creemos que la mejor promo es tocar y que nos vean hacerlo. Y si le damos ese giro autoproducido, de coste cero, es un punto de creatividad extra. Y nos ha parecido una buena idea el hacer esta serie de vídeos, que dan otro giro a las canciones.

    Además cada sesión irá acompañada de su respectivo videoclip. Entiendo que en ese sentido, la parte gráfica y visual también es importante para vosotros.

    Claro y más en estos momentos en los que redes sociales como Instagram tienen tanto peso. Al final en todas ellas prima o pesa la imagen, también porque vivimos en una sociedad muy visual. Y aunque la música no dejará de ser audio, también hay que adaptarse un poco a ello. Aunque nosotros no abandonamos la idea de seguir grabando estas sesiones acústicas en una toma, para que se pueda apreciar todo: lo que sale bien, las pequeñas imperfecciones, los pequeños fallos en notas, todo. Porque eso también ha sido parte de la música. Hay discos de los 70 en los que se aprecia eso: me viene a la cabeza «Hurricane» de Bob Dylan, que incluso el tempo se acelera en un momento de la canción y después lo recupera. Pero quizás las grabaciones eran mucho más orgánicas y sin determinados efectos.

    Al final eso es algo que también pasa en los directos, donde no hay momento para parar o repetir si algo sale mal o hay equivocaciones.

    A ese punto quería llegar yo, porque la idea parte un poco de ahí. Si la vida es imperfecta, si un humano es imperfecto, si un árbol es imperfecto, al final, es más real que la música también lo sea. En vez de dar solo una cara de ella, la cara buena y perfecta en la que todo sale bien. La música la vemos relacionada con las cosas buenas, pero también con las imperfecciones. Todo ello, da alma a una grabación.

    El primer «One Audio Take Sessions Vol.I» lo hicisteis con «La calle de en medio». ¿Por qué precisamente esta canción?

    Pues nos llamaba la atención porque todo este disco, «Gravemente Ilesos», está grabado con guitarras y batería muy potentes. Así queríamos un poco ponernos a prueba y comprobar si las canciones en acústico tenían el mismo empaque y la misma versatilidad. Hemos sustituido batería por cajón, las guitarras por acústicas e incluso una melódica, hemos introducido un banjo. Esa era una primera prueba. Además, nos gusto mucho tocar esa canción y tiene un significado importante. Eso nos ha dado alas para tocar otras canciones e incluso llamar a algún invitado, para darle una nueva perspectiva a los temas.

    ¿Y cómo está siendo la acogida?

    En general muy buena. La verdad es que este disco nos está dando muchas alegrías y nos está dando alas. De hecho, seleccionaron «Antídotos (Para Andar Por Casa)» como Mejor Canción en los Premios A La Música Asturiana (Premios AMAS). Y también han optado por «Canción Para Mi Hermano» para la banda sonora de una serie, de «Allí Abajo». Son cosas que, en un tren tan complicado, estimulan y nos hacen seguir arriesgando.

    ¿Cómo estáis viviendo todos estos acontecimientos?

    Pues con mucha ilusión, pero también con un poco de escepticismo o madurez. De hecho, con el primer disco nos dieron tres de esos premios, pero nos pilló también en un momento completamente diferente. Después de eso, han pasado varios años en los que no hemos dejado de trabajar y hemos tenido tanto frustraciones como alegrías. Vamos teniendo nuestras inseguridades y las vamos superando. Pero también hemos crecido. Así que estos hechos los recibimos con mucha alegría, pero también con prudencia y madurez. Nos lo tomamos muy bien, pero hay que comer.

    Siguientes pasos de Muñeco Vudú.

    Pues la verdad es que nosotros tenemos un poco la «filosofía Simeone», que es la de ir partido a partido, poco a poco. Estamos buscando cosas, cerrando, avanzando. Este verano, tenemos un par de fechas en Asturias. El 5 de julio, estamos en el Recinto Ferial de Llanera, y el día 6 actuamos en la Semana Negra 2019 de Gijón. Pero después del verano, no sabemos todavía mucho. Solo que queremos volver a Madrid. Además de que nos encantaría visitar el norte, desde Galicia, Navarra, la zona de Castilla y León.

    En cuanto a material musical, aunque estamos pensando en cosas nuevas, nos gustaría seguir rodando con «Gavemente Ilesos», porque creemos que aún le queda vida. Así que seguiremos con él y continuaremos con las sesiones en acústico.

  • Staytons: «Aunque se titule cosas de niños, Kid Stuff es cosa de mayores»

    Staytons: «Aunque se titule cosas de niños, Kid Stuff es cosa de mayores»

    Hace un año veía la luz «Singularity», debut de los asturianos Staytons. Un primer trabajo que dio alas a la banda y ahora es cuando, justo cuando celebran esa primera vuelta al sol, lanzan su segundo EP: «Kid Stuff». Sí, cosas de niños que suenan muy a Fantastic Negrito, Alabama Shakes o Sam Cooke y en el que, además, se han atrevido a publicar su primera canción en español. Poca broma con ellos.

    Hace algunos días, pudimos hablar con ellos y esto es lo que nos contaron, tanto de su disco nuevo, como de su proyecto. ¡No os la perdáis!

    ¿Cómo surge el concepto de este EP, de «Kid Stuff»?

    «Kid Stuff» como EP surge como un adelanto de lo que estaba siendo la maduración de la banda, hablando de cosas pequeñas. Aunque después, irónicamente, se convirtieron en «cosas de mayores», no tanto de niños. Fue un avance del año que cumple nuestro anterior trabajo, «Singularity» y lo hicimos con la intención de mostrar un poco lo que estábamos haciendo en ese momento, y la exploración y madurez que estábamos experimentando. De ahí que lanzáramos estos cuatro temas, cada uno distinto y de «una madre». Además, nos decidimos a publicar nuestra primera canción en español.

    ¿Por qué atreverse con el español ahora?

    Pues la canción la hicimos de una manera muy natural, igual que hacemos las canciones en inglés. Sí que es verdad que en nuestro background hay mucha música anglosajona, por eso tenemos la naturalidad de escribir las canciones en inglés. Y ahora estamos incorporando más influencias en español, así que nos vimos en el momento perfecto para que, de manera natural, surgiera esta canción, «Ciudad Habitual». Lo vimos como un movimiento lógico.

    ¿Será este el primer paso para sacar más temas en español?

    Yo creo que sí. Vista la naturalidad con la que nos surgió este primer tema, no descartamos. Aunque no creo que ocurra el cambio total de la banda, desde el inglés al español. Porque es un poco el sello, la marca: ese sonido tan americano. Pero para nada nos importaría ser una banda bilingüe.

    Un titular que defina «Kid Stuff»

    Aunque se titule «cosas de niños», este disco es «cosa de mayores».

    ¿Cómo ha sido volver a trabajar con Igor Paskual en el tema de producción?

    Ha ido muy bien: él ya nos conocía y nosotros a él también. Una vez conoces el modus operandi de la otra persona, trabajas de manera aún más fluida si cabe. Siempre ha sido una relación muy cooperativa, basada mucho en la conversación. Entendemos que también debe ser un trabajo complicado el estar con cinco personas completamente distintas y que piensan diferente. Pero Igor es un gustazo de persona.

    «Old Fame» fue el primer adelanto de este nuevo trabajo. ¿Por qué precisamente este tema?

    Fue muy difícil escoger, porque son cuatro canciones muy distintas entre ellas. Al final, nos decantamos por ella, por la continuidad que seguía con el trabajo anterior. Además, es una canción muy inmediata: empieza con la voz, la guitarra. Y tiene muchísima energía: este tema es el que más refleja el alma del single.

    Hablas de lo distintas que son las canciones de este EP, que es algo que también pasaba en «Singularity». ¿Es ese precisamente el sello Staytons?

    Yo creo que sí. O al menos me gustaría que lo fuese. «Singularity» fue nuestro primer trabajo, más tipo carta de presentación. Aún así sí que es verdad que es muy distinto: la primera y la última canción no se parecen en nada. Pero aún así, sigue como un proceso, un hilo que te lleva de una canción a otra. Al final, es inevitable que sean tan distintas, son el reflejo de cinco personas completamente diferentes, aunque tengamos rasgos o gustos comunes. Al final, en «Kid Stuff» creo que vuelve a quedar reflejado ese carácter polifacético de la banda. Nos gusta explorar en nuestros trabajos.

    ¿Cómo afrontáis ahora los nuevos directos de «Kid Stuff»?

    Pues siguiendo un poco con nuestra obsesión por transmitir energía. Queremos ofrecer unos directos con muchos colores, pero enfatizando el ritmo y todos los elementos que den energía. Al final, se trata de mantener una conversación con el público: que lo pasen bien y que disfruten. Es importante tener ese contacto, ese feeling con ellos, es importante ponerse en su lugar.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    La mayor locura por la música, creo que es el decidir ponerse y sacar los trabajos adelante. El vivir de la música. Al final, este proyecto es una apuesta. Y nuestra máxima también es demostrar que en R&R es cosa de jóvenes.

  • Mailers o cómo desnudarse al completo en «Más Humanos»

    Mailers o cómo desnudarse al completo en «Más Humanos»

    Cuando creíamos que «Humanos» se alzaba como último trabajo de Mailers y que, en torno a él, no podía salir nada más bonito: llegan los alicantinos y nos sorprenden con «Más Humanos». Un CD + DVD en directo, que recoge la maravillosa actuación de la banda en el Teatro Principal de Alicante. Un trabajo del que sentirse orgulloso y que, de momento, los sitúa en la lista de nominados a los Grammy. Esa es la clave del éxito, esa es la clave para conseguir las cosas: superarse a sí mismo, no ponerse límite e ir trabajando poco a poco.

    Alicante fue, precisamente, la ciudad testigo de la entrevista que le hicimos a Ana García, vocalista de Mailers.

    ¿Cómo surge el concepto de «Más Humanos», tras la salida de «Humanos»?

    Ha sido un poco bola de nieve: empezó siendo algo muy pequeño y, poco a poco, ha ido creciendo. Todo surgió porque hicimos un concierto aquí, en el Teatro Principal de Alicante. El director nos propuso actuar ahí y la verdad, es que era algo que nos hacía mucha ilusión. Así que aprovechando que es un lugar muy bonito y que iba a ser un concierto especial, hablamos con Helena Cremades, que es directora de orquesta y con la que hemos tocado antes con la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Superior de Mutxamiel, con la Sociedad Musical La Alianza y con el Conservatorio de San Vicente. Ella ha hecho todos los arreglos. En esta ocasión, hablamos con ella porque queríamos contar con un sexteto de cuerda en el concierto y ella encantada. Acto seguido, se lo contamos a nuestro productor Marc Martí y nos dice: «pues dentro de poco voy a presentar candidatura a los Grammy y me encantaría presentar vuestro disco, con un DVD en directo». Y con todo ello, nos pusimos manos a la obra.

    Al final, el nombre viene porque en el CD están los temas de «Humanos». Así que, la grabación de las canciones en directo, «Más Humanos».

    Es curiosa esa mezcla de estilos, al contar con el sexteto de cuerda, que es música más clásica.

    Sí, bueno, es algo que te puede salir muy bien o que te puede salir muy mal. Yo creo que al final, como lo que nosotros hacemos es un pop de cantautor o «adult pop», pues el choque quizás no sea tan brutal. Ahora, lo que nos gustaría hacer es ir a los pueblos y tocar con la sinfónica de cada lugar.

    ¿Qué ha supuesto para vosotros este «Más Humanos»?

    Pues hemos aprendido un montón. Trabajar con músicos más clásicos, siempre nos enseña: probar cosas nuevas con ellos, probar escalas, probar tiempos. Son una fuente de experiencia y aprendizaje maravillosa. Y, luego, el hecho de que nuestro productor quiera presentar su candidatura a los Grammy con este trabajo, también es increíble. Aunque no nos llevemos el premio, estar en la lista ya es todo un honor.

    ¿Cómo ha sido la acogida?

    Pues es curioso, porque de momento, estamos apostando por lo físico. En plataformas digitales, la gente puede escuchar el audio de «Humanos», que ya estaba colgado. Pero el vídeo del directo en el Teatro Principal, no está subido a ningún sitio. En este caso, nos gustaría que el público disfrutara de este directo si viene a vernos o si consigue una copia física de «Más Humanos». Nosotros es que, en este sentido, somos muy nostálgicos: hemos hecho un librito, con comentarios de cada canción.

    Un titular que defina este «Más Humanos»

    Es un poco redundante, quizás. Pero diría que el directo es sinónimo de desnudez, porque no está tratado, es un «directazo». Se nos ve a nosotros, con todas esas imperfecciones del directo: se palpa la emoción que teníamos en ese momento o incluso se aprecian arreglos que no teníamos pensados y, de momento, salen. Tal cual.

    ¿Con qué canción de ese directo te quedarías y por qué?

    Es difícil, lo tengo que pensar. Pues a lo mejor con «Quién eres tú», porque creo que en esa canción, la banda tenemos una especie de conexión. También me quedaría con «La fiesta de los raros», porque es una fiesta: la gente se levanta y se pone a bailar. Es la conexión con el público.

    Siguientes pasos de Mailers

    Pues tenemos previsto empezar a girar y hacer tantos bolos como nos sean posibles. Luego, también tenemos previsto el lanzamiento de dos temas que grabamos el verano pasado. Canciones que serán la precuela de nuestro siguiente disco. Nuestra idea es lanzarlo el verano que viene. Mientras tanto, queremos seguir dándole vida a este «Humanos».

    ¿Algo que se pueda avanzar de estos adelantos?

    Pues creo que van a ser un poquito más rockeros, sobre todo el siguiente. Será más «durete» y descarado. Y es que «Humanos» es un trabajo más suave, más personal y más de sentimientos internos.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Todos juntos: nuestra mayor locura es seguir dedicándonos a la música. Tienes que ser un apasionado de la música o estar loco para dedicarte a ella. Porque la gente tiene mucho miedo de apostar por valores nuevos: solo apuestan si el artista o la banda ya tiene un gran número de seguidores y saben que va a funcionar.

  • La incombustible Vinila Von Bismark presenta su «Quejío Nazarí»

    La incombustible Vinila Von Bismark presenta su «Quejío Nazarí»

    La incombustible y espectacular Vinila Von Bismark presenta su nuevo single, acompañado de su respectivo videoclip. El tema elegido es «Quejío Nazarí» y es un cántico a la libertad que ella tanto defiende. Pero en este caso, utilizando la figura de Boabdil, último nazarí, como hilo conductor de la historia. Un vídeo grabado en su Granada natal y con el que se ha adentrado dentro del mundo cinematográfico. «Esta vez he querido contarlo todo y no solo cantarlo: la melodía, la letra, el guión y el montaje. No he querido limitar el formato de mi manera de contar las cosas. Sé que encontraré diferentes opiniones. Está bien. Pero tengo la necesidad de plasmar mi visión y mi realidad».

    Era 1492 cuando Boabdil, saliendo de Granada y, mirando por última vez su ciudad, se echó a llorar. Fue entonces cuando su madre pronunció las palabras: «llora como una mujer, lo que no supiste defender como un hombre». Una frase un tanto lapidaria que ha servido a Vinila Von Bismark para desarrollar este increíble videoclip. Y es que, «¿por qué asimilar la sensibilidad, lo femenino a la cobardía ¿hay algo más valiente que entregar la ciudad de Granada sin derramar una gota de sangre?,  ¿proteger la vida de sus ciudadanos, frente a su trono en la Alhambra? , la historia le pintó como un traidor, como un flojo, como un poco hombre. Gracias a la sensibilidad de los hombres como Boabdil, a veces el destino cruel de los pueblos tiene un cambio de guión».

    Una historia contada a modo de paralelismo. Tal y como explica la propia artista: «Vivimos en tiempo convulsos, reaccionario. Y como granaína, nacida en esa ciudad donde convivieron pacíficamente musulmanes, judíos y católicos durante un largo periodo […], hasta que alguien decidió romper con esa armonía que sí tenemos los de abajo, quería utilizar una historia ocurrida aquí».

    Si quieres ver el resultado de todo este trabajo, solo tienes que dar al play. Y recuerda que estás a tiempo de verla este verano, en el Iboga Summer Festival, de Tavernes de la Valldigna (celebrado del 24 al 29 de julio).

  • Barbott: «Projections es el encuentro de uno mismo dentro de lo cotidiano»

    Barbott: «Projections es el encuentro de uno mismo dentro de lo cotidiano»

    Barbott es, sin duda, una de las bandas con más proyección que hayamos podido conocer. Los descubrimos allá por 2017, gracias a uno de sus temas más míticos y emblemáticos: «Cream». Tres años después, los de Barcelona regresan con nuevo disco. «Projections» es ya una realidad y es un total descubrimiento: en él, se han atrevido a incluir sus dos primeros temas en español. Un trabajo que, por lo pronto, los va a hacer girar por México.

    Hace algunos días, hablamos con Guillem Sala (vocalista y guitarra) y esto es lo que nos contó.

    ¿Cómo surge el concepto de «Projections»?

    Surge a lo largo del último año y es una especie de recopilación de algunos pensamientos, y de intentar plasmarlo a nivel musical. Aunque es cierto que los pensamientos son de lo más cotidiano: frustración o política incluso.

    Un titular que lo defina.

    Sería como el encuentro de uno mismo, dentro de la cotidianidad.

    Una canción del disco y por qué.

    Yo creo que «Find Us», porque es el tema más representativo: representa el cambio, no solo a nivel de idioma. También refleja todo nuestro aprendizaje previo. Aunque en realidad, el disco no tiene sentido sin ninguna de sus partes.

    ¿Cómo ha sido trabajar con Víctor Cabezuelo domo productor?

    Pues ha sido muy bonito, la verdad. Él es una persona muy entregada y trabajadora: desde el primer momento se involucró al máximo y dijo que sentía el proyecto como suyo propio. Si empiezas ya con esa filosofía, es fácil que salga algo bonito y realmente bien.

    ¿Cómo ha sido la acogida de este disco por parte del público?

    La verdad es que ha ido muy bien y ha sido muy chocante, sobre todo, la cantidad de gente de México que nos ha escrito casi a diario, descubriendo nuestra música. Estamos muy agradecidos con toda esa gente que ha sacado el tiempo necesario para escucharnos y que, después, nos llena de mensajes de afecto y cariño. Esto es lo más bestia que hemos notado. También creo que el haber sacado un tema en español ha hecho que podamos llegar a gente nueva que, quizás, no estaba tan predispuesta a escuchar música en inglés.

    ¿Crees que perjudica mucho el cantar en inglés, de cara al público de habla hispana?

    Imagino que puede llegar a serlo. Una cosa de la que me he dado cuenta es que, por muy abiertos que seamos, los seres humanos nos sentimos atraídos por aquello con lo que nos sentimos identificados. Y la lengua es un punto de inflexión. Nos da cierta familiaridad.

    ¿«Find Us» y «Dinero» será un punto de inflexión para futuros temas en español?

    Tengo la total certeza de que así será. Hace un año, no sabía que haría esto, no sabía que sacaría algún tema en español. Y no sé qué pasará dentro de unos meses o años. Pero sí que me gustaría, porque para mí ha sido muy divertido. Llegar a un nuevo público que siente más conexión con las canciones en español, ha sido genial. Aunque tampoco renegaremos de seguir cantando en inglés.

    «Projections» va a lanzarse en Reino Unido y pronto giraréis por México. ¿Cómo afrontáis ambos hitos?

    Pues con mucha ilusión, sobre todo, y sin ningún miedo. Para nosotros es una de las oportunidades más bonitas que nos ha salido, desde que surgió este proyecto. Así que cruzar el charco y compartir nuestra música con la gente de México va a ser muy bonito y nos hace mucha ilusión.

    Siguientes pasos de Barbott.

    Pues de manera más inminente, estaremos el 8 de junio en El Perro de la Parte de Atrás del Coche, en Madrid. Y luego, por supuesto, la gira por México. Pero hay todavía muchas fechas por cerrar y publicar en nuestras redes sociales.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Creo que no hemos cometido grandes locuras, ni hemos hecho nada que no se sienta como un paso natural en la evolución de la banda. Si miras desde el principio hasta ahora, sí que es una locura el haber llegado hasta esto. Pero si lo ves como un micro-estudio, paso por paso, todo el proceso ha sido muy natural.

  • «Sonido Camaleónico»: bajo el prisma positivo de El Sombrero de Color

    «Sonido Camaleónico»: bajo el prisma positivo de El Sombrero de Color

    El Sombrero de Color son sinónimo de buen rollo, de alegría. Son la demostración perfecta de que la música sí que cambia el mundo, de que la música sí que es un bien necesario. Su último asalto, su nuevo disco, se llama «Sonido Camaleónico». Camaleónico, así como ellos.

    Hace algunas semanas y aprovechando el reciente lanzamiento de su nuevo disco, pudimos hablar por teléfono con Víctor Pajares (guitarra y coros de la banda). A continuación, todo lo que nos contó sobre el álbum y sobre el proyecto en general.

    ¿Cómo surge el concepto de «Sonido Camaleónico»?

    «Sonido Camaleónico» es un poco como llamamos nosotros a nuestra música, a la que consideramos un poco indie-funk camaleónico. Y es que lo que más prima a nivel de géneros musicales son el indie y el funk, pero también hay otros estilos más pop, rock o reggae. Así que, como al final, abarcamos varios géneros, de ahí que utilicemos el apelativo de camaleónico.

    ¿Por qué jugar con esta experimentación de sonidos?

    La verdad es que nosotros no nos planteamos nada a la hora de mezclar estos tipos de música, nos sale solo. Lo que sí que nos gusta es el tema del baile: nos gusta hacer temas que nosotros podamos bailar en directo y que a la gente también le pueda gustar bailarlos.

    ¿Cómo fueron las primeras reacciones tras el lanzamiento?

    El disco salió el 5 de abril y las reacciones que nos van llegando de la gente, son bastantes positivas, así que estamos muy contentos. La verdad es que nos hace sentir muy bien y nos sentimos muy cómodos con estas palabras que nos están dedicando.

    Un titular que defina «Sonido Camaleónico».

    Un estilo de música que engloba muchos palos. Pero el late motiv de todo esto, es un mensaje muy positivo. Somos sabedores que los problemas existen a nuestro alrededor, pero nosotros tratamos de darle un prisma positivo.

    Hablando precisamente de ese prisma o mensaje, ¿creéis en el poder de la música para cambiar las cosas?

    ¡Por supuesto! A nosotros, gran parte de lo que nos mueve la música, es gracias a ese mensaje, que va de la mano de nuestras letras. Aunque utilizamos mucha metáfora, nuestras letras son muy comprometidas y sociales. Nos sentimos muy sociales y pretendemos que llegue, así que la música se ha convertido para nosotros en un altavoz muy potente.

    ¿Cómo ha evolucionado El Sombrero de Color, desde «Todo un año bailando»?

    Pues la verdad, es que hemos evolucionado tanto a nivel musical, como a nivel personal. Vemos que la música va un poco de la mano de la persona que la compone. En este caso, nosotros tenemos pensamientos completamente diferentes a hace dos años, que fue cuando vio la luz «Todo un año bailando». Por ello, nuestra música es diferente ahora y lo será también con el próximo disco que saquemos. Sí que es verdad que nosotros no tenemos presión ni influencia de nadie: somos nosotros mismos. Y eso nos da mucha flexibilidad y libertad para expresarnos como realmente queremos.

    Cada canción de «Sonido Camaleónico» está viendo la luz poco a poco, con su video-lyric. ¿Por qué apostar por este formato?

    Aunque somos músicos, también nos gusta ofrecer obras completas y hacer vide-lyric. Poner imágenes a nuestra música, para nosotros es un reto y nos hace divertirnos más. Además, así la gente puede leer la letra, escuchar la canción de manera diferente, interiorizarla y vivirla con todos los sentidos que están a nuestro alcance. En definitiva, ha sido una apuesta diferente.

    Con el disco ya en la calle, llega el momento de los directos. ¿Cómo afrontáis la gira y cuáles son vuestros siguientes pasos?

    La gira ya ha empezado, de hecho, llevamos ya varios conciertos. Y es una sensación que nos gusta mucho, porque vemos desde dentro, desde el escenario que los temas compuestos funcionan bastante bien. Al final, creemos que la mejor manera de comprobar si gustan o no las canciones, es tocándolas en vivo. Por el momento, estamos muy satisfechos con los conciertos que hemos hecho: la gente mira con atención, bailan, disfrutan. Y desde arriba, nosotros estamos igual: disfrutamos hasta el más mínimo detalle. Creemos que eso es clave para que el público también lo dé todo.

    En cuanto a los pasos más inminentes, este 23 de mayo estaremos actuando en Valencia, en El Corte Inglés. Luego ya en verano, entre julio y agosto, tenemos algún festival.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Pues la mayor locura que hemos cometido por la música es meternos en esto de la música [risas]. Pero es que esto nos llena completamente. Muchas veces nos preguntan que a qué nos dedicamos. Y cuando dices que eres músico, te vuelven a repreguntar que a qué te dedicas. Parece que no es un bien necesario, porque no te la comes o no te salvaguarda del viento. Pero nosotros pensamos completamente diferente: y es que si no tuviéramos la música, seríamos completamente distintos. Así que la música sí que es un bien necesario.

  • «Rimas y Rock» de Exceso o la demostración de que el rock está vivo

    «Rimas y Rock» de Exceso o la demostración de que el rock está vivo

    Su disco probablemente fuera uno de los más esperados. No era para menos, había muchas ganas de Exceso. Y es que aquel «Cenizas y Aciertos» nos dejó con la miel en los labios. Pero, al fin, ya está aquí «Rimas y Rock», justo en el momento en el que te das cuenta de que sí, de que cualquier espera ha merecido la pena. Mucho rock, muchas rimas y mucho Exceso en pura esencia. Esencia que dejará su huella este mismo jueves 23 en la Sala Apolo [2] y que, justo una semana después (30 de mayo), asolará Madrid.

    La semana pasada, pudimos hablar durante un buen rato con Ferrán Exceso (voz) y Miguel Pino (guitarra y producción). Y esto es lo que nos contaron sobre «Rimas y Rock».

    ¿Cómo surge el concepto de «Rimas y Rock»?

    Ferrán. Pues empezamos grabando los temas que teníamos en eléctrico. Había casi más de la mitad. Pero un día, llegó Miguel y nos dijo: «¿y si hacemos estas mismas canciones en acústico y las metemos en el mismo disco?». Y pensamos: «igual es una mala idea, pero como todas las malas ideas, nos la quedamos…y al final fue una buena idea» [risas].

    Miguel. Yo te voy a contar la historia verdadera. Tenemos un amigo en común, que además ha escrito la letra de una canción, Daniel Weah. Un chaval muy amigo nuestro y muy amante del rock. Pues un día pasó por el estudio y le pusimos algún tema. Pero una noche, tomando unas cervezas, me pareció como que insinuaba como que el disco era un poco duro. Y a raíz de ahí llegó todo, porque quizás sí, tuviera algo de razón. Lo difícil de las canciones es hacerlas, pero una vez las tienes, pasarlas por ejemplo, a acústico, no es complicado. Así que tomamos la decisión de hacerlas también en acústico, porque a mucha gente le podría parecer que el disco era duro, también por nuestras influencias: últimamente escuchamos mucho a Pantera (aunque también escuchamos jazz, flamenco y otros géneros, pero el rock es nuestro nexo en común). A todo eso, Ferrán también lleva muchos años haciendo acústicos y tocando las canciones de Exceso.

    Pero a mí me gusta que sea más duro y cañero que el último disco. También han pasado años desde entonces y en cierto modo, la evolución tiene que estar reflejada.

    Miguel. Sí, sí, sí. Tiene más carácter y es más cañero que lo anterior, pero no por nada. Uno no hace discos para hacerse rico, a la vista está…ya tenemos unos años como para saberlo. Al final, el punto es disfrutar de esa música y que a nosotros mismos nos guste lo que hacemos. Que al final, si a la gente también le gusta, es la hostia.

    ¿Cómo ha sido todo ese proceso creativo y cómo habéis vivido ese periodo semi de silencio? Porque al final, han pasado siete años desde el disco anterior.

    Ferrán. Claro, es que parece que el proyecto haya quedado guardado en un cajón, pero digamos que yo le quitaba el polvo regularmente, tocando en acústico por ahí. Miguel ha estado currando mucho con El Niño de la Hipoteca, con Hotel Cochambre y con muchos más grupos. Al final, hemos aprovechado el tiempo que nos quedaba. Básicamente, ha ido por ahí.

    Miguel. Sí, la verdad es que no te das cuenta, pero siete años son muchísimo.

    Ferrán. Realmente, son cinco. Porque salió «Canciones del Segundo Origen» en 2010 y estuvimos dos años girando con él. Y a partir de esos dos años fue cuando dijimos: «o sacamos disco o se frena un poco». Y al final, decidimos frenar, para ponernos todos en su sitio. Que no es como darte un tiempo con tu novia. Fue como un: «vivimos juntos, pero ahora cada uno se va a su casa, aunque seguimos siendo novios». Que seguíamos haciendo bolos de manera esporádico. De hecho, a raíz de uno de los Viña Rock, surgió «Versos Desterrados», porque vimos como la gente empezó a hacer pogos y a bailarse. Y quisimos reflejar eso. En definitiva, ese parón y esos pequeños bolos, han hecho que este disco nazca. Porque ni yo soy el mismo Ferrán de hace cinco o siete años, ni Miguel lo es. De hecho, en este tiempo también he conocido a Fran Mariscal y, ahora, ha hecho varios de los temas del disco. Al final de eso se trata: de contar todas las movidas que nos han pasado estos años y con la música que más nos gusta.

    También es arriesgado el estar tanto tiempo callado, tal cual está montada la industria. Que hay unos tiempos y que parece que si no sacas nada, dejas de estar, dejas de existir.

    Ferrán. Hablando con nuestra gente, dijimos que un año después de sacar «Cenizas y Aciertos», vería la luz el disco. Y, al final, hemos tardado dos. Así que lo único que podemos sentir es gratitud, porque gente que nos escuchaba, le ha importado una mierda que tardáramos un año, dos o tres. Ellos querían el disco de Exceso bien hecho y currado. Y nosotros también teníamos eso claro: este disco no iba a salir de cualquier manera y cuando tiene que salir.

    Miguel. Por otra parte, estando con Maldito Records, sí que se pactó que saldría en 2018. Pero al final, lo fuimos retrasando, porque le íbamos dando vueltas y el disco no estaba como queríamos. Y en ese sentido, Maldito – una de las pocas discográficas que sobrevive y que curran guay -, no metió ningún tipo de presión. Ahora están dando un apoyo brutal y se agradece mucho.

    Ferrán. Es una manera de romper un poco el mito de los tempos, una manera de decir: «te lo puedes tomar con calma». De hecho, me acaban de venir a la cabeza Oques Grasses, que llevaban muchísimo tiempo sin sacar disco. La industria, en teoría, no debería tener que soportar ese tipo de cosas.

    Un titular que defina «Rimas y Rock».

    Miguel. Pues mucho rock y muchas rimas [risas].

    Ferrán. Vamos a poner de moda el rock & roll. Es como nuestro propósito en el buen sentido. E incluimos a mucha gente en ese «vamos», no solo a Exceso. De hecho, tenemos mucha suerte de que los Marea hayan vuelto con nuevo trabajo. Ellos como que levantan la pelota y los demás, damos la patada.

    Miguel. Es muy buen síntoma que hayan sacado álbum después de tantos años y que sigan llenando aforos.

    Ferrán. Eso es síntoma de que el rock está vivo, aunque siga existiendo el fantasma de que el rock está muerto.

    Justo sobre eso quería preguntaros, porque lo de «el rock está muerto» es algo que he escuchado más de una vez.

    Ferrán. Pero es que no es así. De hecho, si quieres otro titular, te diría: «estamos aquí para demostrar que el rock no ha muerto». Tenemos unas edades y una trayectoria por delante, que demuestran que tenemos rock & roll para rato.

    Miguel. Y a nivel «majors», el rock & roll está más vivo que nunca. De hecho, Metallica llenaron hace unas semanas el Estadi Olímpic de Barcelona. Y en Madrid metieron 60.000 personas. Los Iron Maiden igual, han hecho gira y lo han reventado.

    Una canción del disco y por qué.

    Miguel. Hostia, eso es difícil.

    Ferrán. ¿A cuál de tus hijos quieres más? [risas]. Te iba a decir una, pero luego me he acordado de otra. Encima son canciones que yo no he escrito y no quiero afear ninguna. Tiene que ver mucho el material, con la intensidad. Vamos de macarras, pero somos unos intensitos. El disco tiene macarrismo, pero cada canción tiene su cosa y su cariñito puesto.

    Miguel. A mí como guitarrista, me puede gustar el riff de una canción o el solo de otra. Pero no, no podría quedarme con una sola canción: mejor el disco entero.

    «Cenizas y Aciertos» y «Que sonrías para mí» fueron los dos primeros adelantos. ¿Por qué estos temas?

    Miguel. «Cenizas y Aciertos» fue la manera de arrancar con el disco. Justo íbamos al Viña Rock y queríamos presentar un tema. Lo que al final no pasó, es que saliera el disco al año siguiente.

    Ferrán. Pero sí que nos dio la confianza para seguir con el resto de temas. A partir de ahí, empezamos a quedar bastante más, para seguir avanzando e ir chequeando ideas.

    Miguel. ¡Claro! Ya después, con el disco hecho, «Que sonrías para mí» nos pareció un tema muy cañero, con un estribillo también bastante diferente. A mí, particularmente, me pareció muy original. De hecho, a mucha gente le sorprendía ese tema. Por el riff, por la caña que tiene esa canción.

    Ferrán. Sí, para mí es diferente. Es como que tiene un sonido muy «Exceso New Age». Recuerda y tiene sabor a lo que hacíamos en el primer disco. Es como el tema de transición entre el anterior disco y este. También es cierto que cuando sacamos «Cenizas y Aciertos», hubo mucha gente que dijo que era muy duro, porque lo comparaban con lo anterior. Pero con «Que sonrías para mí» sí que hubiera sido más de transición. Si hubiéramos tenido todos los temas, éste probablemente habría sido el primer adelanto.

    Ahora que llega el momento de presentar el disco en directo, ¿cómo afrontáis la gira?

    Miguel. Bueno, de entrada tenemos muchas ganas de tocar. Estos días estamos en pleno ensayo, para que salga todo de la mejor manera posible.

    Ferrán. Conseguir que los temas de Exceso suenen como en el disco, para mí es casi más importante entrenar que ensayar.

    ¿Dónde está la frontera entre entrenar y ensayar?

    Ferrán. Cuando ensayas, le das importancia a la parte artística. Y cuando entrenas, se la das a la parte física. Ellos cuando terminan de tocar, siguen con los temas en la cabeza, pero han guardado la guitarra. Yo me sigo llevando la voz de fiesta [risas]. Llega un punto en el que tengo que cuidarme, entrenar la resistencia, el cansancio.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Miguel. Pues dedicarse a la música es una gran locura, directamente. En mi caso, esa. Y en el suyo, probablemente también.

    Ferrán. Bueno, yo constantemente estoy cometiendo locuras, por seguir viviendo como vivo: que es dedicándome a la música. Estoy dispuesto a hacer cualquier cosa por esto, porque soy feliz y me lo paso de puta madre.

  • Her Little Donkey: «Where’s The Glow? es puro pop luminoso»

    Her Little Donkey: «Where’s The Glow? es puro pop luminoso»

    Her Little Donkey o cómo transformar el pop desde dentro. Se reinventan ellos y reinventan el género, sin olvidarnos de dar su propio toque personal, ese que los hace único. Así es como surge «Where’s The Glow?», su nuevo trabajo. Y aprovechando la visita de la banda a Madrid, aprovechamos para hablar con ellos sobre su álbum y sobre el proyecto.

    ¿Cómo surge el concepto de «Where’s The Glow»?

    Pues somos una banda un poco accidentada en temas de salud. Somos los tullidos [risas]. Entre un disco y otro, hubo varios percances, pero sobrevivimos. Así que este disco fue un poco como ver la parte bonita dentro de la mierda. Y surgió de ahí, básicamente. Es un disco bastante optimista, de ahí el título también. Es como un: «a pesar de todo, hemos conseguido relucir».

    Un titular que lo defina. 

    Pop luminoso para escuchar en la ducha.

    Una canción del disco y por qué.

    Pues lo más lógico sería decir «No Devotion», que fue la canción que escogimos como primer single. Es cierto que cada canción, como que habla de un tema diferente, pero todas ellas se pueden empaquetar o englobar en lo que es el conjunto del disco. Así y todo, esta es la que mejor define el conjunto. Habla un poco de hacer las cosas que te gustan, con pasión, aunque no puedas vivir de ello.

    Además, es la que define mejor lo que queríamos hacer. Teníamos claro que queríamos hacer un disco pop y esta canción es la que tiene un estribillo más pegadizo y tenía una estructura más pop.

    De hecho, he leído que decían de vosotros en una entrevista previa: «persiguen la utopía de la canción indie pop perfecta». ¿Hasta qué punto es real?

    A ver, el pop perfecto para nosotros. Queremos matizar [risas]. Al principio, sobre todo, le dábamos muchas vueltas a las canciones: cuantos más cambios de acordes haya, mejor; cuantos más cambios de ritmo, mejor. Pero ahora es como todo lo contrario, porque ni siquiera nosotros tenemos como referencia canciones de ese tipo. Además, en este disco hemos dado mucha más importancia a los estribillos.

    Respecto a lo de la canción pop, no queremos sentar cátedra con nada. Simplemente, buscamos la canción pop perfecta para nosotros, que es la que se te queda en la cabeza y la que tiene melodías bastantes dulces. Y que aunque tenga muchas cosas difíciles o complicadas, entra fácil.

    De ahí también que utilicéis la fórmula de menos es más, ¿no?

    ¡Exacto! Eso, sobre todo, cuando llegó el momento de grabar y mezclar el disco. No queríamos meter tantas capas, queríamos que cada instrumento tuviera su espacio, que hubiera silencios y que pudiéramos disfrutar de ellos.

    ¿Cómo está siendo la acogida de este disco?

    A nivel de prensa, nos están llegando reseñas bastante chulas. De hecho, nos están llegando referencias que nos gustan bastante. Luego a nivel de conciertos, nos están saliendo más bolos que nunca.En redes y en plataformas digitales, el feedback también es bueno. Así que creemos que, en general, bien.

    Aunque también tenemos muchas ganas de empezar este maratón de conciertos, para vernos cara a cara con el público y ver su reacción.

    ¿Cómo afrontáis la gira y cómo adaptáis también los temas al directo?

    Pues intentamos ser lo más fieles posibles a las canciones del disco, pero con un poquito más de caña. De hecho, en este disco nos está resultando mucho más fácil que en el anterior, porque tenía muchas más capas que este. Pero con «Where’s The Glow?» como lo que hemos grabado es lo que hay, lo tocamos prácticamente tal cual y no necesitamos soporte extra. Aunque siempre hay alguna cosa que adaptamos. Pero en general, es bastante fiel. Y lo que queremos es transmitir en directo ese feeling y ese buen rollo.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Her Little Monkey?

    Pues la verdad es que seguir con la gira, de momento, por Cataluña. En verano sí que tenemos algo fuera, pero todavía no se puede anunciar.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    A diario, hacemos pequeñas locuras individuales, que tienen forma de sacrificio. Todo por estar aquí. Pero es tan cotidiano, que no sabemos si se puede considerar locura.

    A nivel más personal, lo típico de tratar de entrar en camerinos o en algún festival. Pero claro, eso cuando no teníamos dinero para las entradas [risas].

  • Green Valley: «Todos los temas de Bajo la Piel tienen algo especial»

    Green Valley: «Todos los temas de Bajo la Piel tienen algo especial»

    La música como poder, la música como arma para cambiar el mundo. Si hay una banda capaz de conseguir esto, con su mensaje, su buen rollo y su buen hacer, es Green Valley. Banda que, además, está de enhorabuena: y es que hace apenas unas semanas, lanzaron su nuevo trabajo «Bajo la piel».

    Aprovechando la salida del disco y la visita del grupo a Madrid, pudimos conversar unos minutos con Ander Valverde (vocalista y compositor) y con Egoitz Uriarte (bajo).

    ¿Cómo surge todo el concepto de este «Bajo la piel»?

    Ander. El concepto nace de la necesidad de tocar y de hacer canciones nuevas, de escribir. Empezamos a hacer una maqueta muy minimalista: guitarra y voz, era todo muy orgánico. Y poco a poco, fueron surgiendo varias canciones que tenían un mismo hilo conductor.

    Un titular que defina el disco.

    Ander. «Bajo la piel», sin más.

    Una canción y por qué.

    Egoitz. Es que el disco es muy variopinto. Pero a mí, hay una canción que particularmente me gusta: «El mundo llora», tema que hicimos junto a Laguna Pai, una banda peruana. «Sol y Luna» también me gusta, creo que tiene «rollazo». Al final, todas las canciones como que tienen su pellizco.

    Ander. Yo pienso igual. Al final, preferimos quedarnos con la obra completa y no con un fragmento de ella. Cada tema tiene algo especial, pero una que represente todo es difícil. «El mundo llora», por ejemplo, es como el trance. Luego «Caminando», la colaboración con Macaco, tiene otro rollo y representa otro momento. «Sol y Luna» es muy especial para mí, porque habla sobre mi paternidad. «Un amigo» también es una canción muy bonita. Entonces todas tienen algo especial. Si tuviéramos que quedarnos con una, quizás sería «Somos Luz», que es la que hemos tocado en todas las entrevistas, pero porque es un poco una declaración de intenciones.

    Egoitz. Sí, esa canción representa un poco el sello Green Valley.

    Rescatando un poco el hilo de ver el disco como un conjunto o una obra. ¿Creéis que se ha perdido el poder del disco como discurso?

    Egoitz. Sí, creemos que actualmente no hay paciencia para escuchar un disco completo. Lo que se lleva ahora es el consumo rápido, el de escuchar single a single. Y si no entra la voz al segundo de empezar el tema, se pierde muy rápido la atención. Pero creemos que pasa con todo: en general, el mundo va a una velocidad brutal.

    Ander. A pesar de todo, creo que aún sí que queda un porcentaje de público que va a esa velocidad y que consume música de una forma más inmediata. Pero también queda otro porcentaje de personas, quizás menor, que se paran a escuchar el disco al completo.

    Al final, se trata un poco de convivir con este nuevo modo de consumir música.

    Ander. Bueno, sí. Y de aprovechar al máximo los recursos, porque al final, sí que es cierto que los singles tienen un gran poder comunicativo, son muy buena forma de ir accediendo al público y que vayan descubriéndote. En el caso de los singles que hemos ido sacando, cada uno de ellos ha ido generando cada vez más ruido y fuerza. También recalcar el poder de lo audiovisual: si no sacas videoclip, parece que no tienes nada.

    Precisamente, quería preguntar. Los tres singles de este disco han ido acompañados de videoclip. ¿Tiene importancia la parte audiovisual para Green Valley?

    Ander. Para mí, esta guay que una obra de arte esté lo más completa posible: desde la música hasta lo audiovisual, pasando por los gráficos del disco. Todo eso es arte.

    Egoitz. De hecho, uno de los temas, tiene paralelamente un documental. Fuimos más allá de lo meramente audiovisual, ha habido un tentáculo: y es que la propia canción ha derivado precisamente en eso.

    ¿Creéis en el poder de la música para cambiar las cosas?

    Egoitz. Por supuesto. Creemos en el poder del arte y de la música en concreto. Es capaz de removerte, de hacerte aflorar sentimientos. Y si encima la mezclas con la poesía, es mucho más completo. La música es muy poderosa, nos hace vibrar.

    Ander. Yo he llegado a llorar escuchando una canción. Y es increíble recibir mensajes de gente diciéndote lo mismo.

    ¿Cómo surgen todo el tema de la colaboración con Zatu (SFDK)?

    Ander. Con Zatu fue porque teníamos algo pendiente. Yo había hecho una colaboración, un estribillo con ellos. Pero lo hicimos todo a través de la red, no estuvimos juntos en el estudio. Y de repente, siempre lo hablábamos, que teníamos que juntarnos para hacer algo en el disco.

    De hecho, teníamos ya un tema grabado con El Canijo de Jerez, que al final no sale en el disco. El caso es que quise cambiar el estribillo, porque no me terminaba de convencer, y llamé al Zatu para juntarnos los tres y ver si nos podía ayudar. Estando allí, también me sabía mal no aprovechar la oportunidad de hacer algo con él. Así que comenzamos a investigar esta línea de acordes, me gustaron mucho, montamos la instrumentación y, de repente, surgió la idea y comencé a escribir. Y a los dos meses nos juntamos e hicimos el tema.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Egoitz. En realidad es que el entrar aquí, ya es muy loco. Porque la música es una locura. Y emigrar del País Vasco a Barcelona, porque el proyecto ha arrancado allí, también tiene un grado de locura. Dar el salto, buscarte un curro, montar una vida nueva. Es una locura, por mucho que creas en ti, es algo que no haría cualquiera.

    Ander. El haber invertido toda nuestra vida en esto, creo que es ya una buena locura.

    Egoitz. El estar trabajando para poder pagar el local de ensayo o el invertir las pocas energías del día, para ensayar y sacar adelante los bolos que tienes ese fin de semana. Hasta que emerge y tienes la suerte de que te escuchen y de que el proyecto funcione. No es fácil que pase y no a todo el mundo le sucede, pero es una locura.

    Ander. Por la música, pero no solo por ella lo hemos hecho. Al menos en mi caso. A mí, lo que me seduce en sí, aparte de la música, es el mensaje. Y ver que llega y que la gente te escribe. Es muy heavy que nos llegue a escribir peña que ha salido de la cárcel y que nos diga que le hemos cambiado la vida. Esto se merece todo el esfuerzo que hemos invertido y toda nuestra vida.

  • María Campos: «Mis canciones son mis historias de vida»

    María Campos: «Mis canciones son mis historias de vida»

    Por pura casualidad, María Campos llegó a nosotros y la verdad es que fue un completo acierto. Ya no solo por su música, también por su forma de ser, que se intuye tras esa particular y directa manera de comunicarse. María Campos, al igual que su debut «Popular», encandila desde el minuto 1.

    Aprovechando su visita a España, pudimos hablar con ella sobre su proyecto. Y esto es lo que nos contó.

    ¿Cómo surge el concepto de «Popular»?

    La realidad es que vengo escribiendo canciones desde muy chica y fui madre muy chica, pero no dejé de escribir jamás. Todo eso sumado a que no llegué a encontrar un productor que me diera la suficiente confianza, como para salir al mundo con un disco tan autobiográfico. Y es que al final, todo lo que escribo es autobiográfico, no hay ningún elemento fantástico. Mis canciones son mis historias de vida: amores, decisiones, malas pasadas.

    Sí que es cierto que hace como 8 años, se me planteó la oportunidad de publicar un disco, pero la rechacé. En ese momento, pensaba que a nadie le podía interesar lo que yo tenía que contar. Luego llegó una persona que me dejó a medio camino. Por eso, cuando apareció Federico Scialabba, yo ya no podía más y acepté el grabar el disco. Mi hija ya estaba grande, así que me vi con fuerza. Necesitaba sacarme de encima las mejores composiciones y dirigir mi vida por el camino de la música.

    Un titular que defina «Popular».

    Probablemente, una canción del disco que se llama «Salí adelante», lo defina muy bien. Creo que no hay otra manera de afrontar la vida.

    ¿Por qué «Charlita Veneno» y «Popular» como primeros adelantos?

    «Charlita Veneno» fue la última que escribí del disco y la primera que quería sacar, porque estaba ansiosa. De hecho, la había escrito sobre la grabación del disco, se la mostré a Fede y le encantó, así que fuimos para adelante con ella. Respecto a «Popular», la decisión de lanzarla como segundo adelanto fue un poco de Fede, que tiene más criterio para eso. A mí me habría gustado lanzar «Salí Adelante». Pero claro, yo al final, estoy muy cerca de mis canciones. Así que toca delegar un poco.

    Precisamente, con «Popular» te han nominado en los Premios Bardem, al «Mejor Disco del Año». ¿Cómo te sientes?

    Me voy a hacer un buen vestido para la gala [risas]. Estoy fascinada, la verdad. Aunque en ningún momento pienso en ganar, porque compito con grandes artistas pop como Tiny o Laly. Pero yo ya siento que gané. Me siento en la máxima felicidad, me nominaron, se fijaron en mí y hayan escuchado el disco.

    Has estado por parte de Latinoamérica girando y de promo. ¿Cómo lo has vivido?

    La verdad es que tengo un poco de fobia a viajar. Pero aún así ha sido una gran experiencia. He estado girando por mi país, por Argentina. Y se siente algo de vértigo: es distinto viajar por placer a hacerlo con una propuesta musical. Para mí, mi música es como mi religión. Y conocer nuevos lugares por ella, me fascina. Estuve en Santa Fe, Córdoba, Rosario. He viajado mucho, pero sin un objetivo. Ahora, lo encontré y estoy muy agradecida por ello.

    ¿Cómo afrontas la visita a España?

    Pues la verdad es que con mucho nervio y mucho miedo, porque es la primera vez que vengo a tocar acá. Pero nervio y miedo del bueno. Y cantar para otro país, me resulta súper atractivo y me gusta la idea. Es distinto a hacerlo en mi país, porque allá es mucho más fácil encontrarse con algún conocido.

    ¿Cómo ha evolucionado María Campos desde que comenzara a escribir?

    Pues la verdad es que traté de dejar la música mil veces, porque me olía lo difícil que sería dedicarse a ella. Intenté hacer otras cosas, no hacer nada. Traté todo, menos darle bola a mi camino, porque era el que más requería de mí. Y no tuve ni una infancia, ni una adolescencia fáciles. Pero, al final, nunca lo pude dejar. De hecho, mejoré: cada vez escribo mejor, cada vez actúo mejor sobre el escenario, cada vez tengo menos miedo a mostrarme. Hace dos años, no me imaginaba llegar hasta este punto. La primera vez que canté, que fue con 18 años, lo hice con los ojos cerrados. No los abrí en ningún momento del show.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de María Campos?

    Pues seguir [risas]. Voy a grabar el segundo disco, ya lo tengo todo escrito. De hecho, ya salió el primer single, que se llama «La Regalada». Es una canción de algo espantoso que olfateé e intuí, y que acabó pasando. Mi idea es ir sacando como un single cada mes, más o menos. Y, por supuesto, quiero seguir tocando.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Ser yo misma.

  • Molina Molina: «Creo que la clave del éxito es la constancia»

    Molina Molina: «Creo que la clave del éxito es la constancia»

    Hablamos con él hace unos meses, cuando «La Gran Esperanza Blanca» acababa de ver la luz. Se trata de Molina Molina, el artista granadino que, a base de esfuerzo y trabajo, está consiguiendo hacerse un gran hueco dentro del mundo de la música. No es para menos. Por el momento, ya forma parte del cartel de festivales como el O Son Do Camiño (Santiago de Compostela) o el Madcool Festival (Madrid).

    Hace algunas semanas, hablamos con él de nuevo, en pleno centro de Madrid, y esto es lo que nos contó sobre su proyecto. ¿Todavía no lo habéis leído?

    ¿Cómo ha evolucionado en estos meses «La Gran Esperanza Blanca»?

    Pues la verdad es que al principio, tenía un poco de incertidumbre. Más que nada, porque de las 11 canciones del disco, 8 de ellas salieron como single. Entonces ese factor sorpresa no existía, porque ya la gente conocía casi todos los temas. De hecho, creo que ya comentamos que «La Gran Esperanza Blanca» era una especie de recopilación de grandes éxitos. Así que tenía mis dudas y mis miedos: creía que la gente iba a ver las canciones como material antiguo y que iban a esperar lo próximo.

    Así y todo, la sorpresa ha sido máxima. Porque el poder de las canciones ha seguido creciendo, una vez el disco ha visto la luz. Así que ha cumplido completamente con mis expectativas. Para mí ha sido espectacular, para lo que esperaba. Todo esto me ha dado un aliciente, ha hecho que quiera darle otra perspectiva a las canciones y quiera sacarlas como single, pero de otra manera. Por eso, he querido potenciar el tema de las colaboraciones.

    A nivel personal, ¿qué ha significado para ti este disco?

    Para mí ha sido un paso increíble. Venía de un punto en el que mi proyecto Molina Molina estaba formándose y, a partir de la salida del disco, hemos empezado con lo que yo llamo, «la segunda temporada». Y la verdad es que está siendo impresionante, porque hemos llamado la atención de bastantes festivales, que quieren contar en el cartel con nosotros. Además, desde fuera creo que se esta viendo cada vez como un proyecto mucho más sólido.

    Hablando justo de la repercusión que está adquiriendo Molina Molina y de los festivales. ¿Qué ha supuesto para ti entrar en carteles como el de Madcool?

    Eso fue una sorpresa. Justo antes me habían confirmado para el «O Son Do Camiño» y, al poco, me llamaron para confirmarme en otro festival, en el «Madcool». Y para mí fue algo increíble. Sin menospreciar ningún festival y valorándolos todos. Pero sí que es cierto que hay lugares que tienen su magia, su encanto para actuar.

    Un titular que defina el momento actual en el que se encuentra Molina Molina.

    ¡Fantasía! «Molina Molina, la serie, en la mejor temporada». El punto es siempre superarse, mejorar e ir marcando nuevos objetivos en el camino.

    ¿Qué canción de Molina Molina definiría el momento actual?

    Te diría «Lo Vimos Venir», pero precisamente por todo lo contrario: porque «no lo vimos venir». De hecho, va a ser el siguiente single, justo por eso: porque parece que me sumerja cantando la canción, esperando lo que está por llegar, pero de repente, llega algo nuevo y me sorprende. Sobre todo, porque al final terminan siendo cosas «guays». Al final, también va a tener razón mi madre cuando me dice que soy el tío con más suerte del mundo [risas].

    ¿Cuál crees tú que es la clave del éxito?

    La constancia. De hecho, todo el mundo que tiene éxito, o el 99,9% de ellos, coinciden y han sido constantes. Independientemente de que tengan más o menos talento. Y es algo en lo que coincide también mucha gente: en que la constancia es la clave. Luego al hilo de esta, llega el reconocimiento. Que la gente te reconozca cuando escucha una canción tuya es también sinónimo de alcanzar el éxito. Esa es mi meta.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Molina Molina?

    De manera más inminente, conseguir que los 11 temas se conviertan en 11 singles. Ya de cara al verano, completar los festivales en los que me han confirmado, y ya a finales de año, tenemos previsto que nuestro productor colabore con nosotros. Y, a priori, aunque no tengo programado disco como tal, sí que tengo en mente trabajar en un nuevo EP.

  • Sienna nos prepara para su próxima y ansiada «nueva dimensión sonora»

    Sienna nos prepara para su próxima y ansiada «nueva dimensión sonora»

    De carrera imparable y con un talento desbordante, conocimos a Sienna hace año y medio. Por aquel entonces, acababa de ver la luz su debut, «Trágico y Fugaz». Hace apenas unos días coincidimos de nuevo. Y es que, en estos momentos, la banda se encuentra trabajando en su nuevo trabajo. Aunque mientras tanto, hemos podido escuchar dos nuevos temas: «El Simulacro» y «Solo te noto a ti».

    Y si queréis disfrutar de su directo: el próximo 4 de mayo, Sienna visita el Loco Club de Valencia. Un concierto especial, porque es en casa.

    ¿Cómo ha evolucionado Sienna desde «Trágico y Fugaz»?

    Pues es curioso, porque «Trágico y Fugaz» tiene ya año y medio, nació en 2017. Y desde ese momento, la evolución ha sido constante. Porque ya en este «Solo te noto a ti», corresponde a una etapa vital un poco oscura de mi vida. Y eso, al final, se traduce en el sonido y en la voz, que pasa a estar más en un segundo plano. Me gusta investigar muchos universos sonoros y reinventarme, en las melodías, en la instrumentación, en la simbiosis de letra y música.
    Sí que es verdad que en esta canción hablo de una relación, cosa de la que no me gusta hablar. Aunque en realidad, hablo más bien del concepto de sumisión constante y consciente: a pesar del daño que me haces, o que me hace algo, solo te noto a ti.

    En definitiva, el Sienna de «Trágico y Fugaz» permanece. Aunque en estos momentos, es mucho más maduro y tiene muchos más escenarios recorridos.

    De hecho, ese cambio o evolución ya se empezó a notar con «El Simulacro».

    Sí, aunque «El Simulacro» no sé si estará incluido en el siguiente disco, porque sí que lo veo más como un tema de transición. Pero es cierto que en ese momento ya se empezaba a notar la evolución. Aunque tampoco quiero perder lo orgánico de «Trágico y Fugaz». Va a haber instrumentación orgánica y melodías más puras, pero también habrá material nuevo.

    De hecho, a «El Simulacro» siguió «Solo te noto a ti», tema que vio la luz con su respectivo videoclip. ¿Cómo surge?

    El videoclip lo ha dirigido el barcelonés Jordi Cussó, que también ha trabajado mucho con Siloé, y utlizamos una cámara de cine, que es analógica. Por lo tanto, no sabes lo que grabas hasta que no está todo y lo ves. En base a eso quisimos contar una historia, aunque yo quería que se viera bien el cambio, sobre todo, estético. Estamos muy contentos con el resultado. Es un poco más oscuro, pero creemos que es lo que la canción necesitaba.

    Un titular que defina lo nuevo que está por llegar.

    Buff, por tener, no tengo ni el título del próximo disco [risas]. Pero diría: «nueva dimensión sonora». También diría que es «intensito» [risas]. Pero una intensidad moderada. Quiero que el trabajo tenga sus altos y sus bajos, que sea como un viaje.

    ¿Cómo ha sido todo este proceso y todo el trabajo con Raúl de Lara?

    Pues la verdad es que ha sido bastante rápido, porque no hemos parado entre trabajo, conciertos y grabación. A veces es complicado llegar a todo y que el material tenga cierta calidad. Pero trabajar con Raúl es un maravilla, facilita mucho las cosas y ayuda mucho. Desde 2014 trabajamos juntos y ya hemos llegado a un punto de leernos la mente cuando nos vemos. Trabajamos de manera muy inmediata, como en directo. Y desde el minuto 1 nos ponemos al servicio de la canción y vamos haciendo lo que ella nos pida. Y a partir de ahí, vamos construyendo.

    Durante todo este proceso, no has dejado de actuar. De hecho, uno de los grandes hitos fue el concierto con Vetusta Morla. ¿Cómo has vivido todo este camino?

    Yo no me esperaba, para nada, el tocar tanto. Y la verdad es que hemos tenido actuaciones muy importantes y especiales. La del Low Festival fue una de ellas, luego las actuaciones en Madrid o, mismamente, el concierto junto a Vetusta Morla en la Plaza de Toros de Alicante. Esto último fue una pasada, aunque también una completa responsabilidad: el abrir para una banda de ese tipo, en un lugar tan grande. Yo estaba como en shock. De hecho, llegué a casa como dos días después y me puse a llorar, porque no me había dado tiempo a asimilar todo lo que había sucedido. Aún así, fue una pasada: la gente estuvo brutal y sonamos increíbles, gracias también a que Raúl de Lara nos sonorizó. Increíble, uno de los mejores conciertos que hemos hecho.

    ¿Cuál crees que es la clave del éxito?

    La perseverancia, sin duda. Sí que es verdad que hemos tenido momentos muy buenos, pero nos ha costado mucho. Tienes que estar ahí constantemente, generando contenido. generando noticias. Y a mí me gusta crear cosas de calidad. Así que es todo muy bonito, pero a veces frustrando. Así que sí: creo que la clave del éxito es perseverar, insistir, seguir al pie del cañón.

    Siguientes pasos de Sienna.

    Pues el 26 de abril pasamos por Valladolid. Y el 4 de mayo estaremos de nuevo en Valencia, en mi tierra. En esta ocasión, en el Loco Club. Va a molar mucho, porque tenemos sorpresas preparadas. Luego ya pararemos un poco, para meternos más de lleno con el próximo disco. Hay maquetas hechas, pero falta grabar.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Pues dedicarme a ella [risas]. Igual es una respuesta típica, pero es real: es una locua. A mí me pone los pelos de punta, porque es muy complicado. A veces te pilla en buen momento, muy artiba; pero en otras ocasiones, te pilla abajo. Y es que este mundo es muy estresante y yo soy una persona muy exigente, así que termino «comiéndome el tarro» en muchas ocasiones.

    ¿Crees que es más loco dedicarse a la música ahora, que hace 20 años?

    Yo creo que sí, porque ahora estamos en la época de la sobre-información. Hay muchísima música a día de hoy, porque el acceso es quizás más sencillo. Y diferenciarse de todo ello, es mucho más complicado. Antes, creo que había más gente dispuesta a descubrir música y apostar e invertir en ella.

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