Verdadera Locura

Categoría: Entrevistas

  • Gomad! & Monster: la combinación perfecta de rock y electrónica

    Gomad! & Monster: la combinación perfecta de rock y electrónica

    Son la combinación perfecta de géneros. A medio camino entre la electrónica y el rock, Gomad! & Monster han sabido hacer de ello su mejor seña de identidad. Y así lo han demostrado en su último trabajo, que vio la luz el pasado mes de diciembre: «The Inner Encouraged Desire» ya es nuestro, para mostrarnos la mejor versión de la banda madrileña. Una versión adulta y madura, en la que han sabido volcar a la perfección sus ocho años de carrera.

    ¿Cómo surge el concepto de «The Inner Encouraged Desire»?

    Pues surge de la necesidad de ofrecer tanto al público como a los promotores un larga duración, porque hasta este momento sí que habíamos lanzado singles sueltos y EPs, pero no teníamos publicado ningún LP como tal. Y, sobre todo, en algunos viajes (especialmente cuandos salíamos fuera de España), nos lo pedían mucho. Se les hacía muy raro, especialmente estando dentro de la escena rock, aunque es cierto que nos movemos entre ella y la de la electrónica. Así que, bueno, en ese sentido sí que nos reclamaban más un álbum.

    El disco vio la luz el pasado 13 de diciembre y me gustaría saber cómo ha sido la acogida. 

    Pues la verdad es que estamos muy contentos. El disco salió de la mano de Maldito Records y haber salido de la mano de un sello con tan buen nombre y con tanto recorrido a lo largo de los años, ya es positivo. Lo cierto es que llevábamos tiempo sin publicar canciones y creemos que estos temas están funcionando muy bien y que, además, están siendo muy agradecidas. En definitiva, estamos de momento muy contentos con la recepción.

    «Virus» fue el último single escogido antes de la publicación del disco. Además, llegó acompañado de su videoclip. ¿Por qué escoger esta canción y cómo surge la idea del clip?

    Escogimos una lista de canciones para presentar el disco, antes de que éste viera la luz. Esta selección estaba formada por temas que pensábamos que reflejaban, de manera correcta, la idea general del disco. Y «Virus» probablemente sea la parte más rockera, más metalera, más cañera del disco. En cuanto al clip, inicialmente, iba a ser un videolyric, pero desde Maldito Records, que fueron los que realizaron el videoclip, vieron que había muy buen material y nos pidieron grabar unas imágenes extra. Al final, la cosa se fue liando y fue creciendo tanto, que se quedó el videoclip. Y la verdad es que estamos muy contentos con el resultado y muy agradecidos con Maldito.

    Os movéis mucho entre el metal, el rock y la electrónica. ¿Podríamos decir que esta mezcla de sonidos es el sello identificativo de Gomad! & Monster?

    Sí, sin duda. Desde el principio, para nosotros, una de las partes fuertes del proyecto era esta: el hecho de combinar de la mejor forma lo mejor de estos dos mundos, de la electrónica y del rock/metal. Es algo que nace a la par que nace el proyecto. Además, creíamos que en España no estaba muy bien aprovechado este nicho, así que no lo dudamos. Sí que es verdad que, inicialmente, la banda nace y se mueve más por el mundo de la electrónica, pero con el paso de los años, nos hemos movido más hacia la parte del rock. Creemos que, a día de hoy, es la síntesis que más nos llama la atención.

    Al hilo de esta pregunta, me llama la atención un término que acuñasteis que es el de «rave&roll». ¿Cómo identifica esta definición a Gomad! & Monster y qué entendéis por él?

    No recordamos muy bien el momento en el que nace. Pero te diríamos que surge en el momento de definir como nuestro grito de guerra. Lo cierto es que nos pareció una definición muy curiosa, por el juego de palabras y porque creemos que nos identifica bastante bien. Aunque no intentamos que sea ninguna etiqueta, ni ningún género musical. Simplemente, tratamos de tener una forma de presentarnos al público.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «The Inner Encouraged Desire»?

    Pues el proceso de creación de este álbum ha llevado, aproximadamente, tres años, que fue cuando comenzamos a trabajar en las primeras canciones de «The Inner Encouraged Desire». Estábamos trabajando con un productor que se llama Jordi Calviño, muy conocido en la escena drum&bass. A él le fuimos presentando una serie de canciones, que después trabajábamos en mezcla y master. A su vez, comenzamos a trabajar otra serie de canciones con un productor venezolano que se llama Zardonic, también del panorama drum&bass.  Como te comentaba al principio, nosotros veníamos de haber publicado EPs y singles. Entonces según pasaron los años, se fueron acumulando una serie de canciones que podrían definir de una manera más amplia el punto en el que nos encontrábamos, además de mostrar mejor todas nuestras facetas. Esa fue una motivación muy importante. Además, luego nos llegó mensaje de Maldito Records, lo cual para nosotros fue una alegría. Así que nos terminamos de decidir a continuar.

    En este disco habéis contado con numerosas colaboraciones, como «The Game Shop», «Cloud9+», Jon Howard, Coppa o Matt Rose, entre muchos otros. ¿Cómo surgen todas ellas?

    Pues la mayoría de estos artistas que colaboran con nosotros, los conocemos a través de Zardonic, uno de los co-productores del disco. Es un profesional con mucha carrera en la escena y tiene muchísimos contactos. Por lo tanto, fue él el nexo en común. Al final, todos estas estas colaboraciones creemos que encajan muy bien con nosotros y estamos muy contentos. Además, con todos ellos, aprovechamos todas las ventajas de la tecnología para poder grabar las voces, aún estando a distancia. Y es que hay mucho proyecto internacional entre los colaboradores. Este fue un aspecto que cuidamos mucho, ya que nos gusta encontrar la voz perfecta para cada tema. Y creemos que lo hemos conseguido, estamos muy contentos con el resultado.

    Tras ocho años de carrera, ¿cómo ha evolucionado Gomad! & Monster desde sus inicios?

    Pues una barbaridad. Comenzamos en fiestas de electrónica e inicialmente, nuestro sonido era muy básico. Por ejemplo, Ivy, nuestro batería, llevaba una caja y un timbal base y tocaba de pie. También teníamos una imagen menos cuidada: por aquel entonces, teníamos unas máscaras peores. E incluso nuestro directo no estaba tan trabajado. Todo eso, sumado al hecho de que no teníamos formación ni experiencia previa en música electrónica, hasta que iniciamos el proyecto. Lo cierto es que nos hemos visto obligados a trabajar mucho en muy poco tiempo, pero siempre con resultados muy positivos. Porque, al final, siempre hemos recibido un feedback muy positivo con el público. Así que estamos muy contentos, jamás nos plantearíamos dejar de hacer lo que hacemos.

    Tras la publicación del disco, llega el momento de la gira. ¿Cómo la afrontáis?

    Pues con muchísimas ganas, no podía ser de otra forma. Nuestro manager está trabajando en las fechas de presentación de nuestro álbum, por lo que aún no podemos concretar demasiado. Pero lo que sí que podemos avanzar es que visitaremos ciudades como Bilbao, Madrid, Sevilla, Murcia o Castellón, entre muchas otras. Todo ello, hasta verano. A partir de entonces, trataremos de entrar al circuito de festivales.

    Para cerrar la entrevista, me gustaría saber: ¿cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Pues la mayor locura que se me ocurre que hemos podido cometer por la música es descuidar un poco nuestra propia vida. Tenemos momentos muy locos en la carretera, sobre todo. Tener que viajar entre tres ciudades en apenas un fin de semana y durmiendo muy poco, a veces nos ha jugado malas pasadas y nos ha hecho pegarnos sustos en la carretera. Y la mayoría de anécdotas que hemos contado entre nosotros, giran un poco alrededor de esto, de los peligros que nos hemos encontrado en la carretera en más de una ocasión.

  • Lunáticos: «Lo que somos nace con la idea de reflejar todo lo que nos pasa»

    Lunáticos: «Lo que somos nace con la idea de reflejar todo lo que nos pasa»

    Poco a poco y con buena letra. Así está siendo la potente y creciente carrera de Lunáticos, que hace apenas unos meses nos presentaron su primer trabajo de larga duración. Se trata de «Lo que somos», un álbum que recoge muy bien la esencia de cada uno de los miembros de la banda y que, además, descarga una buena dosis de locura y de fiesta. Y es que estas dos son las armas mejores guardadas de la banda.

    Mucha atención, porque hace algunos días entrevistamos a Guillermo García (batería de Lunáticos) y la charla fue tal que así. No os perdáis una de nuestras últimas entrevistas de este 2019.

    ¿Cómo surge el concepto de este «Lo que somos»?

    Llevábamos ya tiempo queriendo sacar nuestro primer disco de larga duración. Así que, poco a poco, Alejandro que es nuestro vocalista, comenzó a componer las canciones que formarían parte de este trabajo. Canciones que cuentan un poco lo que a él le pasan, pero que van adquiriendo una nueva forma cuando se junta con nosotros, cuando nos cuenta y cuando empezamos a compartir experiencias todos los miembros de la banda. De ahí un poco el concepto de «Lo que somos». Nace de la inquietud de reflejar lo que nos pasa, de sacar esa locura que llevamos dentro y enseñarla al mundo.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?

    Pues la verdad es que fue bastante largo. Cuando decidimos que queríamos grabar este proyecto, nos metimos en el estudio a componer, porque tampoco teníamos muchas canciones. Entonces, el hecho de pensar en el concepto del disco, estuvo bastante bien, porque nos hacía centrarnos más en las canciones que queríamos conseguir. Así que ha estado todo muy pensado.

    ¿Cómo ha evolucionado Lunáticos desde que comenzara en 2017?

    Ha cambiado mucho y poco, a la vez. Sí que se ha notado la incorporación de Enrique, nuestro nuevo guitarrista. Pero creo que el cambio más notable que nos ha dado la experiencia, ha sido esa capacidad de sincerarnos más entre nosotros a la hora de componer. Decir las cosas que no nos gustan y hacer todo lo posible por cambiarlas, para que el tema suene mejor. Y tampoco nos hemos puesto límites: hemos dejado que las canciones fluyan más y que suenen como tengan que sonar, independientemente del género. Así que creo que sí que hemos crecido bastante.

    ¿Y qué queda de esos Lunáticos que comenzaron en el mundo de la música?

    Creo que lo que queda es la actitud, esa locura que todos llevamos dentro. Y es que lo que nos une es esa fiesta, esas ganas de pasarlo bien, de darlo todo sobre el escenario. Eso se mantiene, aunque musicalmente hemos evolucionado y no nos cerramos a nada. Lo único que tenemos claro es que queremos seguir manteniendo esa locura y esas ganas de pasarlo bien. Y, por supuesto, hacerlo pasar bien al público, aunque vengan y no nos conozcan de nada.

    Precisamente hablando de los directos, ¿cómo ha sido esta primera parte de la gira?

    La verdad es que estamos muy sorprendidos y contentos, porque se está desarrollando todo muy bien: la gente está respondiendo muy bien y se está dejando seducir. Al final, siempre terminamos tocando con grupos de la ciudad en la que tocamos y, la verdad, que el público siempre reaccionaba muy bien, felicitándonos incluso cuando bajábamos del escenario. Lo cual va un poco ligado al disco, creemos que al hacer canciones con estilos variados, podemos llegar a un mayor número de personas. Estamos muy contentos y con todas esas sensaciones nos quedamos.

    Volviendo un poco al tema del álbum, ¿cómo fue grabar «Lo que somos» junto a José Caballero?

    Trabajar con José Caballero fue una auténtica gozada. De hecho, ya habíamos trabajado con él en la grabación de dos de nuestros singles, todo ello gracias a ganar el concurso del Sonorama. En ese momento, fuimos allí, lo conocimos y nos gustó mucho cómo trabajaba. Así que cuando nos decidimos a grabar este nuevo trabajo, ya teníamos una muy buena relación con él. Para nosotros ya es familia. Así que estamos encantadisimos: desde el principio supo lo que queríamos y necesitábamos. Además, nos ayudó mucho  a buscar nuestro propio sonido.

    En este nuevo trabajo colaboran Gabriel de la Rosa de Shinova y Siloé. ¿Cómo fue la experiencia y cómo lo vivisteis?

    Nosotros cuando estábamos planificando el disco, ya teníamos claro que queríamos un par de colaboraciones. Entonces hicimos una lista y, precisamente, los dos primeros nombres que apuntamos fueron los de Siloé y Gabriel de la Rosa. Y fue un verdadero placer. Con Siloé hablamos después de su concierto en la Sala Galileo, y tanto Fito como Xavi nos dijeron que sí enseguida. Cuadramos fechas y para delante, sin haber escuchar el tema antes. Con Gabriel fue un poco igual: en este caso, fue gracias a José, que fue quien nos ayudó a contactar con él. Se prestó enseguida a colaborar con nosotros y, además, es un tío súper majo. Sin duda, ha sido una gozada para nosotros. Y un sueño, porque son artistas a los que admiramos mucho.

    Los dos primeros singles de este trabajo fueron «Deja de pensar» y «Natural». ¿Qué os llevó a escogerlos?

    «Deja de pensar» nos costó elegirlo, pero al final lo escogimos porque creíamos que era el tema que mejor representaba la esencia del disco. Tiene pinceladas de los distintos temas que tocamos: refleja muy bien toda la variedad que hay en este «Lo que somos». Encima, el videoclip tiene esos toques de locura que buscamos transmitir en los directos. En el caso de «Natural», como habíamos grabado con un coro de niños, teníamos claro que queríamos que salieran en el videoclip. También es un tema muy personal, con tintes más poperos y nos parecía un single genial para lanzar antes de que viera la luz el disco.

    Ahora que está a punto de terminar 2020, ¿cómo afrontáis el nuevo año y la gira que os espera?

    La afrontamos del mismo modo que la estamos afrontando ahora: con muchísimas ganas. Es cierto que hasta ahora hemos tenido cuatro fechas, pero es que en 2020 vienen muchas más. Arrancamos el 18 de enero en Madrid, en la Sala Moby Dick. Y a partir de ahí, continuaremos por muchas más ciudades. Estamos con muchas ganas de darlo todo.

    ¿Qué canción identifica mejor el momento en el que estáis?

    Diría «Delirio», porque define un poco cómo nos sentimos: estamos flipando mucho con el recibimiento.

    ¿Un escenario en el que tocar?

    Es una pregunta difícil, la verdad. Pero creo que diría en el escenario principal del Sonorama Ribera.

    ¿Un escenario al que volver?

    La Plaza del Trigo, también del Sonorama.

    ¿Artista o banda con el que compartir escenario?

    Pues en mi caso, me encantaría compartir escenario con Sienna. Porque escuché su último trabajo y, la verdad, es que me flipa mucho, me encanta lo que hace y quisiera conocerle y ver un bolo suyo.

    Un artista al que hayáis descubierto recientemente.

    Yo he descubierto hace muy poco a Cimafunk, que es un cubano bastante discotequero, que tiene un rollazo increíble. Me gusta un montón. Tuve la suerte de verle y está muy chulo lo que hace.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Yo creo que las hacemos todas las noches que salimos de fiesta los cinco, justo después de los conciertos. Nosotros se lo decimos mucho a la gente, que si quieren saber por qué nos llamamos Lunáticos, tienen que venir con nosotros de fiesta y descubrirlo.

    PRIMERAS FECHAS DE LA GIRA 2020

    18 ENERO Sala Moby Dick (Madrid)

    7 FEBRERO La Ley Seca (Zaragoza)

    8 FEBRERO Alfa En Viu (Barcelona)

    15 FEBRERO Sala Hollander (Sevilla)

    7 MARZO  Moon Music Club (Santiago de Compostela)

    13 MARZO Café Avalon (Zamora)

    21 MARZO Sala Musik (Murcia)

    15 MAYO Tio Vivo (Salamanca)

    16 MAYO Rock Beer The New (Santander)

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  • Javier Solo: «Con Un Buzo En El Espacio buscábamos nuestro propio sonido»

    Javier Solo: «Con Un Buzo En El Espacio buscábamos nuestro propio sonido»

    Lo conocimos hace algunos meses, cuando estaba presentando su anterior trabajo «Mejor Solo y Bien Acompañado». Se trata del artista Javier Solo, quien apenas un año después, vuelve a estar de enhorabuena. Y es que, por fin, ha visto la luz su nuevo EP, «Un Buzo en el Espacio». Al hilo de este nuevo lanzamiento, pudimos hablar con él: una entrevista de lo más especial que queremos regalaros antes de que termine este año 2019.

    ¿Cómo surge el concepto de «Un Buzo en el Espacio»?

    Pues este EP llega después de haber publicado mi primer trabajo, «Mejor Solo y Bien Acompañado», en el cual hubo unas 40 colaboraciones. Y sí que es cierto que fue un disco muy crudo, pero con muchísimas tendencias y con toques muy diversos de todos las personas que habían colaborado en él. Entonces, a raíz de ahí, lo que empezamos a buscar fue un sonido más propio, más personal, más homogéneo, más nuestro, más de Javier Solo y La Banda del Vecino. Esa fue un poco la idea de este trabajo. Además, tuvimos la suerte de contactar y de contar con el trabajo de Dani Ferrer de Love Of Lesbian, que fue quien se encargó de la producción de estos cuatro temas y fue quien nos ayudó a encontrar el sonido que estábamos buscando.

    ¿De qué manera ha encontrado Javier Solo este sonido propio?

    Teníamos ya una idea de buscar un sonido más actual, introduciendo los sonidos del teclado, para poder empezar a hacer arreglos chulos. Con esta base, le pasamos unas 8 o 10 canciones a Dani Ferrer y de ellos, finalmente, se escogieron cuatro: «El Hombre sin Sombra», «Amor Quemado», «La Noche Más Larga» y una cuarta canción que no llegamos a grabar, porque ninguno en el estudio estábamos convencidos. Así que, al final, terminé componiendo la que se ha quedado en el EP: «Pretérito Perfecto, Futuro Incierto».

    ¿Cómo ha sido trabajar con Dani Ferrer?

    Pues ha sido muy fácil. La verdad es que él entendió rápidamente el sonido que necesitaba el proyecto. Él me pidió que le pasara las canciones, simplemente, con voz y guitarra. Y en base a ello, comenzamos a trabajar y a construir. Al final, creo que en todas las canciones ha conseguido dar en el clavo: creo que ha quedado un EP súper chulo. De hecho, hemos tenido la suerte de que Spotify nos lo meta en una de sus playlist oficiales de rock.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?

    Yo siempre compongo porque tengo alguna historia que contar, no soy de sentarme a escribir sin más. Como en el caso de «Pretérito Perfecto, Futuro Incierto», que la compuse la misma semana en la que estábamos grabando y surgió así: porque sentía la necesidad de contar, de explicar. Un tema que nació a raíz de una conversación que tuve con una persona allegada y me inspiró ese concepto de vivir una vida que no es tuya.

    Este EP tiene una alta carga emocional, motivo por el cual me gustaría preguntarte: ¿qué importancia tiene el mensaje para Javier Solo?

    Para mí lo es todo. Yo siempre digo que me dejan cantar porque las letras son mías, si no buscarían a otro cantante [risas]. Soy compositor, soy letrista, soy músico. Para mí es muy importante contar historias y que las canciones no solo se compongan de cuatro frases bonitas, un estribillo pegadizo y una buena melodía. Una buena canción debe tener una historia, un mensaje, debe tener una introducción, un nudo, un desenlace.

    «Un Buzo en el Espacio» vio la luz en noviembre y quisiera saber cómo ha sido la acogida por parte del público.

    Yo creo que está teniendo muy buena acogida y muy buena crítica. Incluso nos escuchan desde otros países, como México. Precisamente por esto, estamos pensando y trabajando en un posible gira por allí. Además, como te digo, «El Hombre sin Sombra» ha entrado en una de las listas de Spotify. Y para ser nuestro segundo trabajo, todos estos hechos son muy importantes y, la verdad, es algo que valoramos mucho.

    Arrancais 2020 con gira de presentación de este nuevo trabajo. ¿Cómo la afrontáis?

    Pues empezamos ya con las primeras fechas de presentación el 20 de diciembre en la Sala Siroco de Madrid, siendo esta ya la última fecha de 2019. En 2020, continuaremos por Terrassa y Lleida, y ya nuestro cuarto concierto será en la Sala Sidecar de Barcelona, el 11 de enero. En esta ocasión, ya habiendo tenido fechas previas, ya habremos calentado motores. Así que, será un concierto muy contundente y, además, habrá una banda invitada ese mismo día. Lo cierto es que lo afrontamos con mucha energía y con mucho entusiasmo. Tras estas cuatro fechas. creo que ya tenemos cerradas varias ciudades, como Vigo, Gijón, Guadalajara, diferentes lugares de Andalucía. Vamos a recorrer España entera. También tocaremos en algunos festivales, aunque, por el momento, no podemos desvelar nombres. Sí que nos gustaría seguir trabajando, girando y presentando estos temas por todos los lugares posibles.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    No sé si decirlo [risas]. Pero creo que ha sido vender todo lo que tengo, para grabar y llevar a cabo este proyecto. Que, bueno, puede verse como una locura, pero es que la música también es mi gran pasión. Creo que ha merecido la pena. Lo que nos encantaría ahora es que nos surgiera mucho trabajo.

     

  • Apologia: «Hacer música es defender todo lo que sentimos y creemos»

    Apologia: «Hacer música es defender todo lo que sentimos y creemos»

    Con un primer disco en la calle y con una fuerza atronadora, desde el País Valencià, llega Apologia con su primer álbum homónimo. Poco a poco, pero sin pausa, están cosechando toda una increíble lista de éxitos. Y es que. aunque no existe una clave del éxito clara, el trabajo duro te abre muchas puertas. Hace algunos días, tuvimos la opotunidad con ellos y esto es lo que nos contaron sobre su proyecto.

     

    Com sorgeix «Apología», l’àlbum?

    En principi Pablo, qui va començar el projecte, tenia la idea de fer quelcom molt personal, gravar un parell de cançons i au. Una vegada a l’assaig vam connectar de seguida, van començar a eixir idees i, com si de màgia es tractés, vam donar vida als 10 temes que conformen el disc.

    Com va ser tot el procés creatiu i compositiu?

    La manera de treballar era pareguda a la que ja teníem en projectes anteriors. Normalment, Pablo porta una idea a local i és allà on la desenvolupem entre tots. Ha estat molt fàcil, ja que Alberto, Hèctor i Pablo ja ens coneixem de Tirant lo Rock i portem tota la vida tocant junts. Per la seua part, «Pinya» fa molts anys en el món de la música i ens uneix una relació i una militància de molt temps. Això fa que, per exemple, amb una mirada sabem que vol dir i que és el que vol plasmar l’altre, i eixe fet facilita tota faena. 

    Com ha estat l’acollida en aquestes setmanes des de que va veure la llum?

    Pensem que molt bona, de fet, estem flipant encara, no ens ho esperàvem. Més de 35.000 reproduccions, i creixent cada dia més, molts comentaris positius a tot arreu, fins i tot, d’altres músics a les que admirem. Sols podem donar les gràcies a tota eixa gent i esperar a estar a l’altura en els directes.

    Com va ser treballar en aquest àlbum amb Pedro Martínez a la producció i Sam Ferrer?

    Un privilegi. Pedro es un dels millors compositors de punk-rock de l’estat i nosaltres ens hem criat amb EUKZ, així que ja podeu imaginar. Ha sigut però, un treball molt dur. Hem intentat cuidar amb ell cada detall, aprenent d’ell moltíssim (no sols musicalment, també com a persona). Sam, a l’igual que Pedro, s’ha implicat en el projecte com si fos propi. Sabia el que voliem, com ho voliem i com havíem de sonar i, no sols ho ha fet, ho ha millorat.

    Com vau viure la nominació als Premis Ovidi en la categoria de millor àlbum de rock?

    Més o menys, com tota la rebuda del projecte, de manera inesperada i molt agraïts. Per nosaltres va ser un somni amb un primer disc: estar assentats a la gala, rodejats de músics a les admirem, escoltem i que porten tants anys de carrera. Va estar molt guai.

    En aquest treball es barregen el hardcore, el punk, el rock i el pop. Per què aquesta barreja i com encontra Apología el seu segell personal amb ella?

    Doncs, realment nosaltres ens definim com a punk rock, ja que creiem que és on sempre anem a parar. Cada membre del grup escolta música diferent, però amb un nexe comú i és allà on cuinem tots els ingredients per a fer la nostra música. Influències? Moltes, però Berri Txarrak, EUKZ o Desakato són tres grups que referents per a tots.

    Vau irrompre amb «Amb Pluja i Amb Fred», cançó que va eixir amb la col·laboració de Xavi Sarrià. Una manera molt potent de sortir, no? Com va ser treballar amb ell?

    Sí, Xavi és un referent per nosaltres, a nivell musical i polític. A més, tenim la sort de ser amics de fa molt temps i quan li vam dir no va dubtar en pujar a Borriol a gravar la col·laboració, tot i que el vam pillar a meitat de gira. Des de que la vam tocar el primer día al local, sentiem que la cançó demanava la veu de Xavi i va ser tot un orgull fer-ho realitat.

    A més, el disc també compta amb la participació Maluks i Tatiana Javaloyes. Com sorgeixen aquestes col·laboracions?

    Doncs, quan vam entrar nosaltres a l’estudi, Maluks encara no havia publicat cap cançó, però havien estat gravant també amb Sam Ferrer i ell estava ultimant les mescles i ens va ficar una cançó d’elles i ens vam quedar enamorats. És en eixe moment ln vam pensar que ens encantaria col•laborar amb elles. «Antifeixistes» era una cançó que, en principi, volíem que participen companyes que tingueren més flow que nosaltres i vam pensar amb elles. Quan van vindre a gravar ens van deixar amb la boca oberta, són unes cracks! Pel que fa a Tatiana, és una de les millors veus de la nostra comarca, de fet, ha estat un parell de vegades a punt d’entrar en algun programa de la tele de molt de renom. Pedro volia uns cors molt concrets i difícils, que requerien de molta tècnica, pel que encontrar a una persona que ho pogués fer, era una tasca molt complicada. Un dia va vindre a cantar al Casal Popular de Vila-real i vam dir: «és ella». 

    «Desperte» va ser el darrer single, per què escollir aquesta cançó i com va ser treballar amb Alma Batalla?

    Escollir «Desperte» era una manera de baixar les revolucions i mostrar la cara més personal d’Apologia, eixa que no havíem ensenyat en els altres dos singles: més rockers, més ràpids i amb lletres combatives. Treballar amb Alma ha sigut molt fàcil, és molt bona professional, a banda de ser amiga, pel que ha fet que la implicació encara siga major. Vam quedar amb ella un dia, li vam contar que teniem pensat i va començar a traure idees super xules de seguida. Li hem fet treballar molt i sempre a contracorrent, i la seua resposta sempre ha sigut espectacular. 

    Quina importància té el missatge per a Apologia?

    Molta, el propi nom del projecte ho diu. Fer Apologia és fer defensa de quelcom i per nosaltres fer música és fer defensa d’allò que sentim i creiem, de treure tot el que tenim a dins. Tota la música té missatge, sols has de saber buscar-lo. 

    Com veieu el panorama musical al País Valencià?

    Creiem que està més fort que mai i això és evident en quant a grups, públic, treballs de qualitat i amb estils diferents. Tot i això, queda molta feina, especialment a les comarques del Nord d’on venim. Tot i ser, on més catalanoparlants hi ha de tot el territori és on menys grups que canten amb llengua pròpia hi ha, però sempre hi ha esperança.

    Propers passos de la banda.

    Tocar, tocar i tocar. Rodar el disc, fer un directe fort i seguir creixent. Tot i que ja estem treballant amb noves cançons, no volem fer parar la roda.

    Quina és la major bogeria que heu comès per la música?

    A nivell de grups, passar hores i hores, durant dies al local d’assaig, després de treballar les 8h de cortesia. A nivell més personal, un membre del grup ha seguit a Berri Txarrak en 19 concerts per tot l’estat dins la seua gira de comiat, creiem que han estat a punt de denunciar-lo i tot [rises].

    ¿Cómo surge «Apologia», el álbum?

    En principio Pablo, quien comenzó el proyecto, tenía la idea de hacer algo muy personal, grabar un par de canciones y au. Pero una vez en el ensayo, conectamos enseguida, empezaron a surgir ideas y, como si de magia se tratara, le dimos vida a los 10 temas que conforman el disco.

    ¿Cómo fue el proceso creativo y compositivo?

    La manera de trabajar era parecida a la que ya teníamos en proyectos anteriores. Normalmente, Pablo trae una idea al local y es allí donde la desarrollamos entre todos. Ha sido muy fácil, ya que Alberto, Héctor y Pablo ya nos conocíamos de Tirant lo Rock y llevamos toda la vida tocando junts. Por su parte, «Pinya» lleva muchos años en el mundo de la música y nos une una relación y una militancia de muchos años. Eso hace que, por ejemplo, con una mirada sabemos qué quiere decir y qué es lo que quiere plasmar el otro. Y eso facilita el trabajo.

    ¿Cómo está siendo la acogida del álbum?

    Creemos que está siendo muy buena, de hecho, estamos flipando todavía, no nos lo esperábamos. Más de 35.000 reproducciones y, cada día, va creciendo aún más. Tenemos muchos comentarios positivos por todos lados, especialmente, de otros músicos a los que admiramos. Solo podemos dar las gracias a toda esa gente y esperar estar a la altura en los directos.

    ¿Cómo fue trabajar con Pedro Martínez a la producción y con Sam Ferrer?

    Un privilegio. Pedro es de los mejores compositores de punk-rock del estado y nosotros nos hemos criado con EUKZ, así que podéis imaginar. Sin embargo, ha sido un trabajo muy duro. Intentamos cuidar con él cada detalle, aprendiendo muchísimo (no solo musicalmente, también como persona). Sam, al igual que Pedro, se ha implicado en el proyecto como si fuera propia. Sabía lo qué queríamos y cómo. Además de saber cómo debíamos sonar. No solo lo ha hecho, lo ha mejorado.

    ¿Cómo vivisteis la nominación a los Premis Ovidi?

    Más o menos, como todo el recibimiento del proyecto. De manera inesperada y muy agradecidos. Para nosotros fue un sueño conseguirlo con un primer disco: estar sentados en la gala, rodeados de músicos a los que admiramos, escuchamos y que llevan tanto tiempo de carrera. Estuvo muy guay.

    En este trabajo mezclais hardcore, punk, rock y pop. ¿Por qué?, ¿cómo encuentra Apologia su sello personal con esta mezcla?

    Nosotros nos definimos como punk rock, ya que creemos que es donde vamos a parar siempre. Cada miembro del grupo escucha música diferente, pero con un nexo común y ahí donde cocinamos todos los ingredientes para hacer nuestra música. ¿Influencias? Muchas, pero Berri Txarrak, EUKZ o Desakato son los tres referentes.

    Irrumpisteis con «Amb Pluja i Amb Fred», junto a Xavi Sarrià. ¿Cómo fue trabajar con él?

    Xavi es referente para nosotros, a nivel musical y político. Además, tenemos la suerte de ser amigos desde hace mucho tiempo y cuando se lo dijimos, no dudó en subir a Borriol para grabar, aunque lo pillamos a mitad de gira. Desde que la tocamos la primera vez en el local, sentíamos que la canción nos pedía la voz de Xavi y fue un orgullo poder hacerlo realidad.

    En el disco también colaboráis de Maluks y Tatiana Javaloyes. ¿Cómo surgen?

    Cuando entramos en estudio, Maluks aún no había publicado ninguna canción, pero habían estado grabando también con Sam Ferrer, que estaba ultimando las mezclas. Nos puso una canción de ellas y nos enamoramos. Fue en ese momento cuando supimos que queríamos colaborar con ellas. «Antifeixistes» era una canción en la que queríamos que participaran compañeras con más flow que nosotros y pensamos en Maluks. Cuando vinieron a grabar, nos dejaron con la boca abierta, ¡son unas cracks! En cuanto a Tatiana, es una de las mejores voces de nuestra comarca. De hecho, ha estado un par de veces a punto de entrar en algún programa de la tele de mucho renombre. Pedro quería unos coros concretos y bastante difíciles, que requerían de mucha técnica, por lo que encontrar a una persona que lo pudiera hacer, era tarea complicada. Pero un día, actuó en el Casal Popular de Vila-real y dijimos: «es ella».

    «Desperte» fue vuestro último single. ¿Por qué esta canción?, ¿cómo fue trabajar con Alma Batalla?

    «Desperte» era una manera de bajar las revoluciones y mostrar la cara más personal de Apologia, esa que no habíamos enseñado en los dos anteriores singles: más rockers, más rápidos y con letras combativas. Trabajar con Alma ha sido muy fácil, es muy buena profesional, además de ser buena amiga, por lo que la implicación ha sido aún mayor. Quedamos con ella un día, le contamos lo que teníamos pensado y, enseguida, empezó a lanzar ideas super chulas. Le hemos hecho trabajar mucho y siempre a contracorriente. Y su respuesta ha sido espectacular. 

    ¿Qué importancia tiene para vosotros el mensaje?

    Mucha. El propio nombre del proyecto lo dice. Hacer Apologia es defender a todo el mundo y, para nosotros, hacer música es defender todo aquello que sentimos y creemos, de sacar todo lo que llevamos dentro. Toda la música tiene mensaje, has de buscarlo.

    ¿Cómo veis el panorama musical del País Valencià?

    Creemos que está más fuerte que nunca y eso es evidente en lo que respecta a grupos, público y trabajos de calidad. Aún así, queda mucho trabajo, especialmente en las comarcas del Nord, de donde venimos. A pesar de ser una de las zonas con mayor catalano-parlantes, es donde menos grupos cantan en la lengua propia. Pero hay esperanza.

    Próximos pasos de la banda.

    Tocar, tocar y tocar. Rodar el disco, hacer un directo fuerte y seguir creciendo. Aunque ya estamos trabajando en nuevas canciones, no queremos que pare la rueda.

    La mayor locura cometida por la música.

    A nivel de grupo, pasar horas y horas, durante días en el local de ensayo, después de trabajar las 8 horas de cortesía. A nivel personal, un miembro de la banda ha seguido a Berri Txarrak en su gira de despedida por todo el estado: en total, 19 conciertos. Creemos que han estado a punto de denunciarlo y todo [risas].

     

     

     

  • Vuelve Zinc: «Entropía Propia nace en un proceso de cambio social y personal»

    Vuelve Zinc: «Entropía Propia nace en un proceso de cambio social y personal»

    Corría el año 2017 cuando comenzaba a surgir el germen de lo que es a día de hoy Vuelve Zinc. Casi 3 años después y un álbum debut titulado «Entropía Propia», la banda afincada en Barcelona, nos desgrana todo lo que esconde este trabajo. Con una profundidad que asusta, este disco nos acerca a los Vuelve Zinc más personales, que no hacen otra cosa que enamorar a todas y cada una de las personas que los escuchan. Chisco Sanchís (guitarra y voz) es quien se atreve a responder nuestras preguntas.

    ¿Cómo se inicia Vuelve Zinc en el mundo de la música?

    Pues todo surgió un poco a raíz de Pol, el batería, y yo. Los dos nos conocimos a través de redes, porque yo estaba recién mudado: acababa de llegar a Barcelona desde Galicia y llevaba bastante tiempo sin tocar, por lo que tenía ganas de retomar un poco el tema de la música. Así que puse anuncios en diferentes plataformas para músicos y, tras leer las referencias, respondió Pol. Inicialmente, comenzamos a armar y componer temas como dúo enfocado a la electrónica y a los sonidos más orgánicos. Eso fue a finales de 2016 o principios de 2017, y muy poco tiempo después ya se incorporaron André, al sinte y Ricky, al bajo. Entonces ya entramos un poco en el proceso ese de conocernos los cuatro. Así fue un poco cómo empezó.

    ¿Cuáles son las principales fuentes de inspiración de la banda?

    Pues la verdad es que los temas de este disco son bastantes cotidianos. Lo hemos creado y lo hemos compuesto en un proceso un poco de cambio, tanto social como personal. Y al final, en este álbum abordamos todos estos cambios, afrontamos el que estamos haciendo, el cómo podemos mejorar, el analizar y ser conscientes de que esta sociedad está cambiando y que nosotros cambiamos con ella. Así que, al final, nosotros nos basamos en las reflexiones que hacemos día a día. Por ejemplo, uno de los temas trata sobre la familia. Ya que, en mi caso, durante mucho tiempo veía a mi familia de una manera y, tiempo después, mi percepción cambió por completo. Hay otra canción que habla sobre una crisis de edad de mi madre, una vez falleció su padre, que comenzó a ver como su hueco vacío. Un proceso muy complicado que sufrió y en el que yo también me vi reflejado. Al final, se trata de ir analizando los temas una y otra vez, y exponerlos a través de la música. En definitiva, este álbum no tiene un concepto cerrado, con un principio y un final, pero sí que es cierto, que el orden de las canciones es importante, porque sigue un orden cronológico en lo que a composición se refiere. Ha sido como una terapia.

    Al hilo de la respuesta, comentas que «Entropía Propia» sigue una cronología y es como un todo. ¿Crees que este aspecto, el del poder del disco como discurso, se ha perdido un poco?

    Es una buena pregunta, la verdad, porque es un tema que nosotros hablamos mucho y que Pol comenta mucho. Porque él es muy de discos conceptuales y de escucharlos de principio a fin. Y sí que es cierto que mucha gente se queda en los dos singles que salen del artista o banda en cuestión, y no tiene tiempo de escuchar el trabajo completo. Que yo soy el primero que pone la lista de reproducción, ¿eh? Pero, bueno, creo que al final lo importante es tratar de llegar a la gente y si lo consigues, lo demás viene solo. Siempre habrá gente que encuentre el momento de escuchar el disco al completo, una vez se enganche a los singles o incluso a otros temas que nunca imaginarías. En nuestro caso, una de las mejores que mejor está calando es la de «Cada Indecisión», que a nosotros nos gusta mucho, pero nunca hubiéramos imaginado que gustara tanto. Así que, por eso decimos que lo importante es llegar, porque siempre es la gente la que te termina midiendo.

    ¿Cómo está siendo la acogida de «Entropía Propia»?

    Pues estamos yendo poco a poco, como ya sabíamos de antemano. La verdad es que es complicado pegar el pelotazo si no tienes una obra súper genuina. Y mucho menos, si este es el primer trabajo. Así que estamos yendo con calma. Así y todo, la acogida está siendo buena y estamos recibiendo muy buen feedback. De hecho, nos hace flipar que se acerque gente a la que no conocemos de nada en los conciertos para felicitarnos o darnos la enhorabuena. Es algo que valoramos mucho, porque nosotros también somos ese tipo de gente que, cuando vamos de concierto, nos acercamos a la banda al final del bolo, por mucha vergüenza o apuro que nos dé. Así que lo tenemos muy en cuenta, nos ponemos muy en el lugar de la persona que se nos acerca y creemos que eso es lo que marca la diferencia.

    ¿Cómo ha sido trabajar en este álbum con Ferran Resines y Christian Pallejà? 

    Ha sido súper guay, la verdad, porque los conocíamos de haberlos visto tocar con otras bandas. Así que, cuando comenzamos a concebir este trabajo, fuimos a verlos enseguida: queríamos contar con ellos, porque son muy majos y porque habíamos tenido una conexión casi instantánea. Hicimos una reunión inicial, quedamos en pensarlo y volver a hablar más adelante. Pero teníamos clarísimo que queríamos grabar con ellos y así lo hicimos. Congeniamos muy bien desde el principio y ellos enseguida captaron lo que queríamos y lo que necesitábamos. Y aunque veníamos con un disco muy pre-producido, nos faltaba ese color y esa homogeneidad que solo nos supieron dar ellos. Además, supieron cómo darnos caña y cómo animarnos con todo.

    También queríamos aprovechar para preguntaros sobre la importancia para Vuelve Zinc de toda la parte visual y artística. 

    Para mí es una cosa bastante importante. Es cierto que, principalmente, conectas con la gente a nivel musical. Sin embargo, yo me preocupo mucho por cuidar la estética de la banda: desde los videoclips hasta todo el arte del álbum. Además, todos nosotros somos diseñadores, así que nos metemos bastante presión e intentamos cuidar todo esto, porque va todo a la par. Y porque también hay gente que tiene sinestesia y que determinadas canciones le evocan determinados colores, activando así diferentes sentidos. Así que, bueno, nosotros también tratamos de que la imagen y la música vayan acordes, que intenten crear diferentes conexiones.

    Un escenario en el que tocar.

    En la Sala Capitol de Santiago de Compostela.

    Un escenario al que volver.

    Tocamos hace poco en la Sala Jazz Cava de Vic y salimos muy contentos, a nivel de sonido y a nivel de gente. No vinieron muchas personas, pero se creó una magia especial. Así que guardamos un recuerdo muy positivo. Me quedé con ganas de volver, sin duda.

    Alguien con quien compartir escenario.

    A mí me encantaría con holywater, que es una banda gallega con la que creo que compartimos mucho la visión y la manera de componer. Y la llevo un poco en el corazón. Aunque si estuviera aquí André, te diría El Inquilino Comunista.

    Una canción de Vuelve Zinc que refleje el momento en el que estáis.

    Pues diría «Dudar de ti», por el momento de incertidumbre que estamos viviendo ahora mismo. Pero no, yo creo que mejor «La parte que reconozco de los dos», porque es una canción que nos gusta mucho a todos, tanto escucharla como tocarla. Nos permite dejarnos llevar mucho.

    Próximos pasos de la banda.

    Pues muy seguramente, volver a bajar a Madrid. Además, nos encantaría montar una pequeña gira, a partir de los meses de marzo o abril. Y a partir de ahí, movernos por toda la Península, aunque nos gustaría ir por la zona de Andalucía y volver a Galicia, porque tuvimos muy buena acogida. También tenemos en mente publicar un nievo single, que seguramente salga por esas fechas. Por supuesto, también quisiéramos entrar en festivales de verano, aunque eso ya no depende tanto de nosotros.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Uf, es complicado. Me gustaría dar una respuesta súper mágica, pero ahora mismo que estamos sufriendo el lapso económico de afrontar la salida de un disco y todo lo que ello conlleva, quizás la mayor locura que podemos estar cometiendo es la de dejarnos todos nuestros ahorros para que este proyecto salga adelante.

    Aunque, quizás, la mayor locura que nos haya pasado, nos ocurriera la primera vez que bajamos a Madrid. Y es que André y y nos equivocamos al alquilar la furgoneta: nos dieron una más pequeña que la que en realidad necesitábamos. Inicialmente, creíamos que nos cabrían las cosas, cargamos todo, nos metimos dentro, pero sin apenas tener espacio vital. A punto de arrancar para viajar, imagínate: 6 horas de viaje, alguien tuvo la lucidez de evitarlo. Así que terminamos diviéndonos y yendo mucho más cómodos.

  • Atraco: «Nuestros mejores sellos identificativos son la locura y la energía»

    Atraco: «Nuestros mejores sellos identificativos son la locura y la energía»

    Con un tesón increíble y unas ganas de trabajar inmensurables, Atraco llegó a escena con su debut homónimo y consiguieron revolucionarlo todo de arriba a abajo. Incansables, viajaron hasta Argentina para presentar sus temas y han colaborado con artistas de primera línea en lo que a rock&roll se refiere. Y lo cierto, es que es una auténtica maravilla. Ahora, se encuentran ya pensando en su siguiente trabajo. Hay Atraco para rato.

    Hace algunos días, pudimos charlar un buen rato con Diego, vocalista de la banda. Mucha atención a todo lo que nos contó.

    ¿Cómo surge el concepto del álbum «Atraco»?

    Pues el disco, la verdad, es que era algo como lógico, que tenía que llegar, tenía que suceder en algún momento porque llevábamos mucho tiempo con la banda, llevábamos desde 2012. Íbamos haciendo temas, íbamos haciendo temas, y al final, teníamos como esa cosa de querer sacar EPs o maquetas, y nos apetecía sacar un disco con 11 o 12 temas y decir: «bueno, esto es lo que tenemos». Por lo tanto, viene un poco de ahí. Era algo que tenía que suceder.

    ¿Cómo ha sido la acogido desde que salió el disco?

    La verdad es que ha ido in crescendo. Porque nos hemos dado cuenta al sacarlo, que es algo que es un proceso que tiene un largo recorrido. Tú sacas un disco y le va llegando a la gente de una manera muy escalonada. Primero hay una oleada de gente que te va dando su feedback, pasados unos meses hay otra oleada y así sucesivamente. Siempre hay como un goteo de gente que te da su opinión del disco. Y, por suerte, casi todas han sido buenas.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del disco?

    Pues la verdad es que tampoco hubo un proceso como tal, porque eran temas que llevábamos acumulados de hace tantos años, no tuvimos un método concreto. No dijimos: «tenemos que componer un disco, consigamos tener 14 canciones y que después se queden 11». Todo esto, nos pone en un compromiso, porque en el próximo disco sí que vamos a tener que seguir un poco este proceso y decir: «tenemos dos años para componer X temas». Ahora, es lo que se suele decir de que el primer disco es el mejor, porque es para el que has tenido más tiempo y, además, has tenido más tiempo para vivir esos temas.

    ¿Cuál es el sello identificativo de Atraco?

    Pues yo diría que la locura, que se refleja bastante en el disco, pero sobre todo en los conciertos. Esa energía y ese buen rollo, ese sentir y ese querer que todo sea una fiesta, creo que lo transmitimos y queda muy bien reflejado en el disco.

    ¿Y qué inspira Atraco?

    Nunca hemos sido una banda que quisiese cambiar el mundo como premisa principal. Lo que nosotros queremos inspirar es que el tiempo que una persona nos ve sobre el escenario. se olvide de sus problemas. Con nuestros directos y nuestra música, queremos ayudar a la gente a evadirse y a olvidarse e invitar a bailar y a gozar. «Hacemos rock&roll y no vamos más lejos», como decía Leño.

    ¿Creéis entonces en el poder de la música como algo curativo?

    Sí, creemos que es una de las grandes cosas que tiene la música. Lo primero, es que es muy capaz de unir a las personas o de hacernos entender muchas situaciones gracias a ella. Pero también es capaz de hacer que la gente se evada o de que recuerde buenos momentos. Es como comerse el cocido de la abuela, que te sana por dentro. Pues tal cual [risas].

    Volviendo un poco al disco, hemos podido escuchar algunas colaboraciones como con Ariel Rot o Alejo Stivel. ¿Cómo surgen un poco todas ellas?

    La verdad es que ellos conocen nuestro proyecto, tanto ellos como Julian Kanevsky y Juanse. Y creo que, de alguna manera, se sienten identificados con lo que hacemos y se ven un poquito reflejados. Ellos han sido jóvenes, también han tenido bandas y saben lo que es admirar a alguien. Por ejemplo, Tequila colaboraron en el disco «Fiebre de vivir» de Moris. Así que el vivir ese tipo de experiencias al principio de una carrera, hace que a lo mejor, también posteriormente, se vuelquen. Es como un ciclo. Es como que se lo regalas también después a otra persona o a otra banda.

    Habéis estado de gira por Argentina también. ¿Cómo vivisteis los conciertos allí?, ¿cómo fue?

    Pues la verdad es que es maravilloso. Es un país que trata el rock&roll y la cultura de una manera increíble. Muchas veces, cuando la gente nos pregunta cómo sienten el rock&roll allí, no sabemos cómo contestarle. Porque en Argentina, desde una niña de 7 años hasta un anciano de 107, sabe quién es Juanse de Ratones Paranoicos, sabe cómo es un concierto de ellos y se sabe, mínimo, tres temas. Y, además, lo vive. Y aquí creo que no hay ninguna figura parecida a lo que pueda significar Juanse allí. Para ellos es un sentimiento más. La cultura argentina tiene una cosa muy curiosa y es que consigue coger cosas que no son propias, como el fútbol, y lo hace suyo. Y no solo eso, también lo convierten en un sentimiento y la sociedad palpita con ello. Es curioso y es maravilloso. Ver a la gente vivir nuestro concierto, ver cómo viajaron para vernos, fue increíble.

    Precisamente, un poco el homenaje a esa visita a Argentina, lo hemos visto en el videoclip de «Amigos de poca monta». 

    Sí, es una suerte haber podido reflejarlo en ese vídeo. Nos lo hizo un amigo de allí de Argentina, que se llama Damián Pantaleone y es un verdadero genio. Nos acompañó durante todo el viaje y pasamos muy buenos momentos con él.

    ¿Qué canción refleja el momento en el que se encuentra Atraco y por qué?

    «Sábado en la noche» de Moris. Porque últimamente salimos mucho los sábados en la noche a tocar [risas].

    Un escenario en el que tocar.

    En el de La Riviera.

    Un escenario al que volver.

    Jo, qué difícil. Te voy a decir la Sala RockSound de Barcelona.

    Alguien con quien compartir escenario. 

    De nuevo con Tequila.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Atraco?

    Pues seguir componiendo el siguiente disco, terminar la gira en la Sala El Sol de Madrid y preparar el verano de 2020, con todo lo que es el tour de festivales, Y, por supuesto, seguir adelante.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido vosotros por la música?

    Pues la verdad es que no sé cuál es la mayor locura que he cometido por la música, porque seguramente cualquier cosa que hayamos hecho, para las personas que no estén metidas en esto, sea una locura. Pero sí que te puedo contar algo muy loco que nos pasó por la música. Una vez nos dejamos parte del equipo olvidado en la calle y, claro, las personas que se lo encontraron fliparon. Porque había una maleta entre el material, con pedales de la guitarra, con cables. Y al abrir, encontraron el setlist y leyeron: «Atraco en Cruz Roja», que era donde tocábamos. Pero claro, al seguir viendo los títulos de las canciones: «Carro blindado», «Pólvora Ardiendo», se asustaron aún más. Y llamaron a la policía enseguida, porque pensaron que se trataba de algo grave. Al final, terminamos yendo, explicando y demostrando que todo ese material era nuestro y que, bueno, que éramos una banda y que íbamos a tocar [risas].

  • Tesa: «Rural está muy relacionado con lo que soy yo»

    Tesa: «Rural está muy relacionado con lo que soy yo»

    Comenzó sus andadas en El Delito y ahora, en solitario, continúa con el mejor legado que ha sabido crear: su música. Y es que aunque el rap llegara a su vida por pura casualidad, Tesa ha sabido transformarlo, hacerlo suyo. Ha pegado un golpe en la mesa, convirtiéndose en todo un referente y en una luchadora nata. La lucha por el feminismo, la lucha per la llengua, la defensa del poble y la invitación constante a la fiesta. Todos ellos, son los pilares fundamentales de la rapera valenciana. Unos pilares que se aprecian en todas y cada una de las canciones de «Rural», su último trabajo y del cual hablamos con ella, hace apenas unos días.

    ¿Cómo surge todo el concepto de este nuevo álbum, «Rural»?

    Llega un poco de manera natural, tras el anterior trabajo. Y, la verdad, está muy relacionado con lo que soy yo, que vengo de un pueblo. Además, es un concepto que me gusta, conforme me llegó la palabra «Rural» y empecé a darle vueltas, cada vez me empezó a enganchar más. Y sí que es verdad que el disco bebe de muchos estilos, porque a mí me gusta ir probando, ir experimentando. Pero tiene varios pilares en los que se apoya: feminismo, la defensa de la llengua y la cultura, la crítica social del yo, y como contrapunto, la diversión o la fiesta.

    ¿Cómo viviste que «Rural» ganara el Premi Ovidi al Mejor Disco de Hip Hop 2019?

    Pues la verdad es que fue un momento muy feliz, porque mola que se te reconozca el trabajo y el esfuerzo. Y es que al final, si echas la vista atrás, publicar un disco supone un proceso muy largo: composición, grabación, producción…Un proceso en el que también están implicadas muchas personas, que trabajan de manera muy intensa. Así que, que te reconozcan de esta forma, es increíble. La verdad es que a mí me hizo mucha ilusión recibir el Premi Ovidi. Ahora estamos pendientes de los Premis Carles Santos, en los que también estamos nominados. A ver qué pasa en la gala, el próximo 12 de diciembre [risas].

    Mark Dasousa fue el encargado de la producción en este disco. ¿Cómo fue trabajar con él?

    Pues la verdad es que muy bien. Es muy simpático y una persona con la que se puede hablar de todo y es muy accesible. Además, a nivel profesional es un crack, sabe muchísimo y aprendes con él. Lo único es que es un tío muy, muy ocupado [risas].

    ¿Y cómo ha sido la acogida y la respuesta del público desde que el disco saliera en marzo?

    Pues yo creo que está gustando, la verdad. De hecho, con el último tema que publicamos, «La cançó més bonica del món», estamos teniendo muy buenos comentarios. Y la verdad, es que todo esto me hace muy feliz, estoy muy contenta.

    A propósito de «La cançó més bonica del món». ¿Qué tiene de especial?

    Es una canción muy especial, porque es la que le dediqué a mis padres, que son las personas que me han dado la vida y que han hecho todo por mí. De hecho, el día que la presentamos en Barcelona, hice que ellos vinieran a verme. Pero claro, no sabían que había hecho una canción y, menos, que se la había dedicado. Fue todo una sorpresa para ellos. Mi madre llorando como una magdalena, todos con la emoción a flore de piel [risas]. Pero fue un momento muy guay.

    Siendo tan necesaria la lucha feminista y siendo la escena musical tan desigual, ¿cómo se vive desde dentro la escena musical?

    Evidentemente, es un hecho que falta paridad y que las mujeres estamos todavía en situación de desigualdad. Por eso es tan importante tomar conciencia, en unos lugares más que en otros. Porque hay mucha calidad y talento musical curtiéndose en conciertos, aprendiendo, evolucionando. Así que es momento de pegar un golpe en la mesa para que toda esta situación empiece a cambiar.

    En este sentido, ¿qué importancia tiene tener referentes femeninos y cuáles son los tuyos?

    Es importante tener referentes, al final, creo que es una figura súper necesaria. De hecho, cuando yo empecé a rapear escuchaba a muchas otras raperas, con las que me sentía identificada en diferentes aspectos: por cómo eran, por lo que transmitían. Cuando yo empecé, escuchaba mucho a Úrsula o a la Mala Rodríguez.

    Otro de los pilares de Tesa es la defensa de la llengua. ¿Crees que queda aún por recorrer, para que se le de al valencià la relevancia que merece?

    Pues parece que ha habido una revalorización de la llengua, lo cual es importante. Gente que, a lo mejor, hace diez años no era capaz de hacer el esfuerzo por hablar valencià y ahora sí que lo hace. A nivel popular, creo que se valora y se es consciente del valor cultural que tiene una lengua. ¿Que después haya detractores que les da hasta urticaria? Pues sí, puede haberlos. Pero creo que a nivel general, he visto una gran mejora.

    En este aspecto, creo que la música ha ayudado mucho. Cada vez hay más artistas y bandas que cantan en valencià y que fuera lo petan. 

    Sí, totalmente y es increíble. Aunque claro, toda la vida también hemos escuchado música en inglés sin entender «ni papa» y nos ha gustado igual, la hemos escuchado igual. Así que ya es momento de enterrar completamente el discurso de rechazo a la propia cultura.

    ¿Cuáles son los próximos pasos de Tesa?

    Aunque a «Rural» aún le queda vida y quiero seguir presentándolo, la verdad es que también tenemos en mente algún nuevo tema en mente, en el cual la cultura del yo será la víctima. Lo cierto es que tenía muchas ganas de sentarme a escribir, porque es algo de lo que disfruto y el pasado año apenas tuve tiempo de hacerlo.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Complicado, no sabría qué decir [risas]. A ver, no sé, tampoco lo considero una locura, porque algo que haces con pasión y desde el corazón, locura no es. Sí que es cierto que la música se ha convertido en una de las prioridades de mi vida y es algo a lo que le dedico muchísimo tiempo.

  • Nunatak: «En este álbum buscamos la belleza en lo auténtico y lo imperfecto»

    Nunatak: «En este álbum buscamos la belleza en lo auténtico y lo imperfecto»

    Después de haber sorprendido el pasado año con su «Nunatak y el tiempo de los valientes», con el que nos dieron una lección en toda regla, desde Cartagena regresan de nuevo Nunatak. En este caso, con una aventura nueva: «Nunatak y las flores salvajes». Un cuarto disco en el que evolucionan, se hacen mayores y su personaje da un paso más. Como ellos.

    Aprovechando este recién lanzamiento, hace unos días nos sentamos con Adri, vocalista de la banda, y esto es lo que nos contó sobre Nunatak. Mucha atención.

    ¿Cómo surge el concepto de este «Nunatak y las flores salvajes»?

    Pues estuvimos mucho tiempo dándole vueltas, sobre todo a la idea de si hacíamos un disco conceptual o si preferíamos seguir con la trayectoria de los anteriores discos; de si seguíamos un poco con la estela o si nos liberábamos un poco y hacíamos canciones, cada una de una temática. Y al final, hemos hecho un híbrido. Entonces sí que hay un concepto que está presente en el disco, en el nombre y en algunas canciones. Pero el grueso de ellas. no siguen un único hilo conductor. Lo que hemos querido representar con «las flores salvajes» es la idea de buscar la belleza en lo auténtico y en lo imperfecto, sin centrarte tanto en detalles como la foto perfecta de Instagram o el «sold out» en determinada sala. Este disco aboga por la belleza de la mediocridad y de la imperfección.

    El amor, la familia o la situación política son algunos de los temas que aparecen en el disco, ¿crees que la música debería rescatar aún más este tipo de temáticas más cotidianas?

    Yo siempre lo he visto así, aunque creo que la música no parece demandar eso. De hecho, la música que más se consume habla de cosas muy superfluas y muy banales. Y a nosotros, nos gusta consumir un tipo de arte un poco más trascendental, que tengan más poso, que te hagan reflexionar o que te emocionen. Sí que creemos que la música debería dejar un poco más de hueco y debería invitar más a pensar cómo van las cosas y reflexionar.

    El álbum vio la luz en octubre, ¿cómo está siendo la acogida?

    La verdad es que está siendo muy buena. De momento, no hemos tenido demasiadas ocasiones de presentarlo en directo, pero por redes sociales, la gente nos está diciendo cosas muy guays, los medios de comunicación nos están diciendo cosas buenas y nuestros colegas también, que eso es muy importante [risas]. Ahora a ver qué tal va funcionando en directo, aunque creemos que la gente reaccionará de manera positiva, porque las sensaciones son muy buenas.

    Fotografía: Lourdes Martínez

    Hablando un poco del concepto de este disco, observamos mucho la presencia del «Nunatak y…» en los títulos, como si se tratara de una saga muy cinematográfica o literaria. ¿Por qué apostar por esta fórmula?

    Nosotros somos muy cinéfilos y seriéfilos, aunque sí que es cierto que somos malos lectores. Pero al final, todo esto viene muy del rollo sagas, que nos encantan. Así que nos imaginamos a Nunatak como un personaje que vive aventuras y, por decirlo de alguna manera, en cada disco pasa por unas diez pruebas, que le hacen cambiar, evolucionar, crecer. Aunque en este disco ya se ha hecho mayor y, como nosotros, se enfrenta a la paternidad [risas], porque en Nunatak han nacido tres niños en el último año.Y, bueno, es un poco el reflejo de nosotros mismos plasmado  en Nunatak y una aventura.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Nunatak y las flores salvajes»?

    Pues fue todo muy rápido, porque sacamos en marzo de 2018 «Nunatak y el tiempo de los valientes». Después del verano, vio la luz el primer single de las «Sesiones Valientes» y ya en 2019, salió el último de estos singles. Además, coincidieron en el tiempo la grabación de la última colaboración con Carlos Sadness y la de «Creéme», primer single de este nuevo disco. Así que ha sido todo una locura de solapamientos, de ir con la lengua fuera, de correr. Pero estamos muy contentos con el resultado. Aunque pensaba que no llegábamos [risas]. Ahora cuando pase un poco de tiempo, podremos analizar más fríamente.

    En este trabajo, habéis vuelto a trabajar con Raúl de Lara. ¿Cómo ha sido la experiencia?

    Pues muy bien, la verdad. Con él tenemos ya un vínculo muy especial creado, ya nos conocemos y sabemos por dónde quiere ir cada uno. Así que ha sido muy fácil y muy agradable. Además, trabajar con Raúl es un placer porque es un máquina y siempre tiene soluciones para todo. Se ha sumado al carro y ha estado dándolo todo con nosotros, a pesar de los tiempos tan ajustados que teníamos.

    Además, Jorge Guirao de Second también ha colaborado en este disco. ¿De qué manera lo ha hecho y cómo surge?

    Pues precisamente hablando con Raúl, le comentamos que queríamos darle más peso a las guitarras. Entonces él nos propuso contar con Jorge, que es el mayor friki del universo en lo que se refiere a guitarras y también de teclados. Pero principalmente de guitarras. De hecho, tiene un arsenal increíble y se lo trajo al estudio. Meterlo todo nos llevó un buen rato [risas]. Así que, bueno, entre él, nuestro guitarrista Gonzalo y Raúl han ido canción a canción, mirando qué efectos se les puede meter. Ha sido un trabajo muy chulo de orfebrería, que creo que se nota y se va a notar.

    De hecho, si bien es cierto que seguís teniendo ese sello folk tan Nunatak, pero empieza a observarse un cambio en cuanto a potencia de sonido. ¿A qué se debe eso y cómo surge?

    Pues teníamos muchas ganas, la verdad. Sí que es cierto que en el anterior disco ya empezamos a meter un poco más de empaque de guitarras. Y ha sido así porque hemos tenido una evolución muy progresiva: comenzamos de manera muy acústica y, poco a poco, hemos ido derivando a la electrónica. Y en este disco, sí que hemos eliminado un poco lo que son los vientos y las cuerdas, que solo están en un tema, para introducir elementos más eléctricos, para darle más fuerza y más contundencia. Y es algo que se notará en los directos. De hecho, yo que siempre estoy acostumbrado a tocar la guitarra acústica, voy a dejarla más y voy a empezar a coger la eléctrica. En definitiva, estamos muy contentos con este cambio, porque queremos empezar a mostrar una cara nueva de Nunatak.

    ¿Cómo afrontáis el momento directo?

    Pues con muchísimo trabajo, hemos currado como cabrones para llegar. De hecho, los conciertos de Valencia y de Barcelona fueron los primeros de esta gira y aunque estaba la cosa súper ensayada, los nervios se notaban, estaban ahí.

    Una canción que defina el momento en el que estáis.

    «Ya he ganado», de Nunatak.

    ¿Por qué?

    Porque estamos en un momento en el que hemos trabajado duro, hemos remado muchísimo y aún no ves la luz del camino y te sientes un poco frustrado, porque piensas que no llegas. Sin embargo, últimamente me han pasado cosas en la vida que me han hecho darme cuenta de lo que es verdaderamente importante.Y como esa parte de mi vida está cubierta, me siento tranquilo.

    Un escenario en el que tocar por primera vez.

    En el de MadCool estaría muy guay.

    Un escenario al que volver.

    A la Plaza del Trigo del Sonorama. O al BBK, que también es la hostia.

    Un artista o banda con el que compartir escenario.

    Con Bon Iver o con Foo Fighters.

    Próximos pasos de Nunatak.

    Pues ahora estamos inmersos con esta nueva gira de salas, con la que paramos en Navidad peri que retomaremos a partir de 2020 con muchísima fuerza y energía.

    La mayor locura que hayas cometido por la música.

    Pues haber tenido un hijo y estar de promoción [risas].

  • Dani Flaco: «Al Alimón tiene mucho de mí y de todos los artistas invitados»

    Dani Flaco: «Al Alimón tiene mucho de mí y de todos los artistas invitados»

    Artista de los pies a la cabeza, de esos que emanan letras a cada paso que dan, que no pueden vivir sin la música, pero tampoco sin las letras. Hablamos de Dani Flaco, quien recientemente ha publicado su último trabajo, «Al Alimón». Un álbum en el que repasa sus mejores canciones, pero en esta ocasión, acompañado de artistas de lujo. Una vuelta de tuerca, un paso más del que pudimos hablar con él hace tan solo unos días. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, «Al Alimón»?

    Pues nunca había hecho un disco de estas características y me hacía mucha ilusión lanzarme de lleno y hacerlo. Me encantaba la idea de contar con personas a las que siempre había admirado y que cantasen mis canciones. Me apetecía darle una vuelta a los temas y cantarlos de manera diferente. Además quería buscar un lugar diferente en el que yo continuara siendo Dani Flaco, pero estuviera acompañado de artistas de lujo. Y todo ello, manteniendo una homogeneidad en el disco. Y lo hemos conseguido: las canciones suenan a mí, pero también suenan al artista invitado que las interpreta conmigo.

    ¿Cómo fue la experiencia de cantar junto a artistas como Andrés Suárez, M-Clan, Santi Balmes, Javier Ruibal, Manolo García, Ismael Serrano, Rebeca Jimenez, Las Migas, Álvaro Urquijo, Pedro Guerra o Marc Ros?

    La verdad es que fue una sensación increíble y una experiencia impagable. Imagínate, por ejemplo en el caso de Manolo García: el primer concierto al que yo fui fue de El Último de la Fila en el año 1990 en el Estadio Olímpico de Montjuic. O incluso el primer disco que me compré, también fue de ellos. Así que ver a esa persona que llevo escuchando 30 años, cantar una canción mía…es inexplicable e impagable. Lo mismo pasó, exactamente, con Álvaro Urquijo de Los Secretos. Con Andrés Suárez fue un poco diferente porque es amigo mío desde hace mucho tiempo.

    Lo cierto es que colaborar con todos y cada uno de ellos fue un regalo y fue algo emocionante, porque al final, la canción permanece. No es como un concierto que lo vives y se queda ahí. El tema lo puedes volver a escuchar una y otra vez. Sin duda, una experiencia muy grata.

    Precisamente con Andrés Suárez actuaste en la presentación del disco en Madrid, ¿cómo viviste ese día en la Galileo Galilei?

    Bueno, Andrés y yo somos amigos desde tiempo y la verdad, es que es un placer coincidir con él siempre, además de divertido. Es increíble compartir con él, ya sea la letra de una canción o actuación sobre el escenario. Siempre me lo paso bien con él y es una alegría verle. Así que actuar junto a él en la Galileo Galilei fue un verdadero placer.

    Este trabajo vio la luz a finales del mes de octubre, ¿cómo ha sido la acogida del disco por parte del público?

    Pues la verdad es que el feedback ha sido muy bueno, han acogido el disco con mucha alegría y simpatía. A mucha gente le ha sorprendido que haya grabado con este elenco de artistas tan grandes. También he recibido algún comentario de personas que quizás prefieran la canción original, pero eso es completamente normal. En general, a todo el mundo le ha gustado mucho y eso me hace muy feliz.

    ¿Cómo ha evolucionado Dani Flaco desde sus inicios en el mundo de la música?

    Bueno, yo creo que la evolución principal es que cada vez intento hacer mejores canciones, intento superarme a mí mismo: desde grabarlas mejor hasta ser más cuidadoso con todo el proceso de edición del disco. Intento hacerlos siempre lo mejor posible, para luego arrepentirme lo menor posible [risas].

    ¿Y qué queda de ese primer Dani Flaco?

    Pues la ilusión, que creo que ahora es más grande que la de antes. Porque justo en este momento, creo que tengo una mayor capacidad para disfrutar las cosas que estoy viviendo. Creo que es un elemento primordial, el mantener la ilusión. El día que la pierda, probablemente deje de hacer discos.

    De manera paralela a la música, tienes también «Uni-versos Silvestres», tu primer poemario. ¿Cómo surge?

    El poemario es un proyecto que tenía en mente desde hace bastante tiempo, pero nunca me había atrevido a sacarlo adelante hasta hace un año. Y es una experiencia nueva, aunque la poesía y las canciones son primas hermanas, siguen metodologías de trabajo distintas. Con las canciones, al final, tienes melodía de fondo que te ayuda y te facilita desarrollar el mensaje. Con la poesía solo tienes las palabras. Pero fue todo un reto y una experiencia muy positiva.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Dani Flaco?

    Pues estamos ya pensando en la próxima gira, para seguir presentando las canciones de este trabajo. Al final, el libro sigue un camino y un ciclo diferentes al del disco. Así que la idea es seguir rodando con el álbum, de los que tengo muchas ganas ya. Afronto los directos con mucha ilusión.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Dejar un trabajo fijo para dedicarme a ella [risas]. Que al final me salió bien la jugada, pero el reto era muy complicado.

  • Castela: «Siempre es un EP muy ecléctico, que bebe de diferentes estilos»

    Castela: «Siempre es un EP muy ecléctico, que bebe de diferentes estilos»

    Irrumpió en el mundo de la música con la que fuera su banda, Calocando. Momento en el que tendríamos que echar la vista unos diez años atrás. Una etapa que llegó a su fin, pero que impulsó a Samuel Castela a iniciar su nuevo proyecto, el más personal, el más especial. De esta manera, es como ha llegado a nuestras vidas Castela. Y, en consecuencia, su primer EP, llamado «Siempre». De hecho, hace apenas unos días pudimos hablar con él y esto es lo que nos contó sobre este nuevo camino que ha emprendido.

    ¿Cómo se lanza Castela en solitario en el mundo de la música y por qué?

    Surge un poco por una necesidad y por las circunstancias que se dieron. Hace ya unos cuantos años formamos una banda, Calocando, banda en la que estuvimos trabajando cerca de ocho años. Sin embargo, por circunstancias de la vida, llego un momento en el que decidimos separarnos porque, al final, cada uno tenía también otros proyectos personales. Así que no decidí seguir como Castela, ya que hace bastante tiempo que tomé la decisión de que la música sería mi camino. Empecé a componer y cuando ya hubo un buen grupo de canciones que me identificaban, me metí de lleno en la grabación. Ese fue un poco el por qué. Y el cómo, ha sido a base de eso, de trabajo y de esfuerzo. Metidos de lleno en un proyecto que, poco a poco, va creciendo y que comenzó hace un año y medio cuando, después de componer todas las canciones, hablé con Ángel Luján para que me ayudara con la grabación y producción de este EP de cinco canciones.

    ¿Cómo ha sido trabajar con él, con Ángel Luján?

    En la etapa anterior, como éramos tantos, trabajábamos de manera diferente, por lo que no estaba acostumbrado a trabajar de otro modo, a hacerlo con un productor externo. Sin embargo, esta experiencia con Ángel Luján ha sido enriquecedora, he aprendido un montón, con una nueva metodología. De hecho, hemos dedicado mucho tiempo a la fase de pre-producción, en la cual llevábamos 14 canciones y escogimos 4, porque hay una del EP que se ha ido componiendo durante el proceso. Ha sido un trabajo diferente, con tiempos más apretados a los que estaba acostumbrado, pero mucho más focalizado en los objetivos que queríamos conseguir y más intenso.

    ¿Cómo surge el concepto de este EP, de este «Siempre» y qué titular crees que lo definiría?

    Me imagino que es algo que decimos todos, que el tema de las etiquetas no es demasiado lo nuestro. Puede que en otros casos esté más claro. Sin embargo, en este se mezclan muchos más géneros, aunque un poco el germen está en el flamenco, porque durante una etapa muy larga de mi vida he estado dedicado a ello profesionalmente. Pero, al final, este «Siempre» también bebe un poco de otros estilos. Creo que es un EP bastante ecléctico. Si tuviera que poner un titular diría que son cinco temas aflamencados, con influencias del rap y de la música electrónica. Aunque, ante todo, creo que es un trabajo muy personal.

    «Siempre» vio la luz el pasado mes de octubre, ¿cómo ha sido la acogida del mismo?

    En general, el feedback ha sido bastante bueno. Sí que es verdad que en mayo, antes de que saliera en plataformas digitales, hice un preestreno en el Café La Palma y la sala estuvo a reventar. Por las opiniones que fueron llegando en ese momento y por las posteriores, la acogida ha sido buena, aunque este no sea un género muy de masas. Desde que salió el pasado 25 de octubre, por lo que he visto en plataformas digitales, también ha ido muy bien.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Siempre» y cómo ha volcado Castela en él toda su experiencia previa en Calocando?

    La experiencia ha sido total, porque como aquel que dice, yo aprendí a ser músico en Calocando. Mi historia es que creo que diferente, porque antes de la banda, casi que no tuve contacto con la música: no tuve ningún otro grupo antes, no había tocado una guitarra en mi vida y nunca he tenido un ambiente muy musical en casa. Sí que es verdad que desde pequeño, hemos escuchado mucho flamenco pero poco más. Al final, todo comenzó con 18 años, cuando dije que quería aprender a tocar la guitarra. Ese fue un poco el germen. Y ya con 26, montamos Calocando. Aquí es donde aprendí sobre este mundo, donde lo aprendí todo. Así que todo eso, ha tenido su reflejo inevitable en Castela.

    El proceso creativo ha sido a base de tiempo, tiempo, tiempo, hasta dar con las canciones que verdaderamente sentía y quería que vieran la luz. Lo demás vino un poco más rodado: por ejemplo, ya conocía a Luján y sabía que quería trabajar con él. Y la verdad es que fue un acierto: me dio una visión muy profesional de los temas, y fue quien estuvo apoyando en cada uno de ellos con sus guitarras. Ha sido un proceso largo, de darle muchas vueltas, trabajar mucho y ponerle mucho cariño a lo que estábamos haciendo.

    ¿Qué importancia tiene la imagen para Castela, más allá de las propias canciones?

    Pues es algo muy importante, cuidar al mínimo detalle no solo la música, sino todo lo que la rodea, porque es algo en lo que la gente también se va a fijar mucho. Además, te ayuda a desmarcarte de lo que hacen otros y permite darle aún más personalidad al proyecto. Que, en este caso, ya es personal porque es mi propia apuesta y porque lleva mi apellido. Lo cual ha hecho que me rodee de profesionales de primer nivel, de los profesionales que yo he considerado mejores. He estado con Luján trabajando mano a mano en la producción. Y en cuanto a la imagen, he optado por hacer una portada de todos los singles, de todas las canciones para personalizarlo aún más. Justo para este tema, decidí contar con mi amiga Sonia Franco, que es bailaora en la compañía de Sara Baras, pero que también hace un trabajo impresionante a nivel visual. Desde el principio, sabía que el grafismo lo hiciera ella. Y fue un total acierto.

    ¿Cuáles son los próximos pasos de Castela?

    Creo que tengo un producto en el que tengo plena confianza y con el que me siento muy cómodo. Así que el principal objetivo será hacerlo ver. Y, por supuesto, tocar, tocar y tocar. De hecho, ya estamos trabajando en el tema de la búsqueda de bolos. Además, el próximo mes de marzo tengo presentación de este EP en la Sala Galileo Galilei de Madrid. Así que estoy preparando esa fecha: como lo más próximo y especial.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    El punto de inflexión fue decidir dedicarme a la música. Una aventura que empezó con Calocando, con la que viví uno de los momentos más especiales. Yo llevaba tiempo dedicándome a la arquitectura, pero cuando tuvimos el primer concierto con la banda en la Sala Juglar de Lavapiés y me subí por primera vez a un escenario, supe que era lo que quería hacer yo en esta vida y para lo que había nacido. O esa sensación tuve. Así que, a partir de ese momento, decidí dejarlo todo para dedicarme a la música. Y han pasado más de diez años y lo he conseguido: vivo completamente de la música. Aunque mi próximo objetivo es conseguir vivir solo de mi música.

  • LAVIDA: «Era una apuesta muy alta, lanzarse con un álbum tan sincero»

    LAVIDA: «Era una apuesta muy alta, lanzarse con un álbum tan sincero»

    Trabajo, amplio recorrido, esfuerzo y buena música. La fórmula perfecta para que un proyecto funcione, para que eche a rodar, para que crezca, para que se expanda. El caso de LAVIDA es único. Pura energía y potencia, que viaja a través de las ondas, a lo más profundo de todos y cada uno de nosotros. Con un magnetismo brutal, nos han conseguido enganchar: ya no solo con su música (y con este debut homónimo), también con esa forma que tienen de hablar y de expresarse. Y es que la entrevista que les hicimos hace algunos días, no tiene desperdicio.

    ¿Cómo empieza LAVIDA en el mundo de la música?

    LAVIDA comienza cuando cuatro músicos deciden dar otra oportunidad a la música, esta vez sin complejos y sabiendo lo que más debíamos proteger, la libertad y poder compartirla con la gente que queremos.

    ¿Cómo surge el concepto de «LAVIDA», el álbum?

    Pues básicamente, al ser el primer álbum, nace de la idea central de la respuesta a la anterior. Es el resultado de ser lo más honestos posible con nosotros mismos, humildes a la hora de trabajar y sobre todo, de hacerlo mucho trabajo y mucha verdad.

    Este trabajo lleva unos meses en la calle, convirtiéndose en una auténtica revolución. ¿Cómo habéis vivido esta buena aceptación?

    Estamos realmente contentos y también sorprendidos. Era una apuesta muy alta tirarse a la piscina con un álbum tan sincero y personal, y cuando hemos visto la gran aceptación que ha tenido, la verdad, ha sido una buena inyección de combustible para seguir adelante con el proyecto.

    ¿Cómo fue grabar en Sandman Studios junto a Carlos Santos?

    Para algunos de nosotros era ya la cuarta vez. Estar en Sadman Studios es casi como estar en casa, aunque suene a tópico. Con Carlos y Alex todo fue sobre ruedas, les conocemos y les entendemos como ingenieros y ellos a nosotros como músicos, así es que fue todo rodado, en cinco sesiones, disco completo.

    ¿Cómo surgen las colaboraciones con Sean Marholm y Gabriel de la Rosa?

    Llevamos muchos años en la música y hemos conocido a muchísimos músicos, y cuando escuchamos esas dos canciones, pensamos en ellos porque sabíamos que les iban a ir como anillo al dedo, les invitamos y no se lo pensaron dos veces. Fue de lo más natural, lo más complicado fue cuadrar agendas, pero había predisposición e ilusión máximas, y eso creemos que ha quedado perfectamente reflejado en el resultado final. 

    «Funambulista» y «Modo Zen» fueron los adelantos de este trabajo, que vinieron acompañados de sus respectivos videoclips. ¿Por qué estas canciones y cómo surgen las ideas de los videoclips?

    «Modo Zen» supuso cierre de un ciclo y la apertura de otro, es el último tema que compusimos y con el que encontramos el equilibrio perfecto, y quisimos mostrarnos con él, para invitar a los oyentes a escuchar y entender todo el periplo hasta llegar a ese estado escuchando también el resto de canciones.

    Sobre «Funambulista», tuvimos la suerte de que Sean volviera a colaborar con nosotros en el directo de la presentación del disco en la Sala El Sol y nos encantó como quedó, pues además grabamos el concierto completo en vídeo, y con las imágenes decidimos hacer el videoclip. Creemos además que con ese vídeo la gente podrá ver como nos las gastamos y cómo funcionamos en directo.

    Al hilo de esto, ¿qué importancia tiene la imagen para LAVIDA? 

    LAVIDA es un todo, empezando por la música claro está, pero no dejando ningún detalle sin cubrir. Hemos tenido la suerte de tener una serie de artistas cerca (cada uno en su disciplina: ilustración, vídeo, foto…), que se han enamorado del proyecto y han querido aportar con su arte, formando un equipo perfecto, lo cual creemos trasciende en la sintonía alcanzada entre música, el artwork, las fotos, el vídeo e incluso en la manera de expresarnos a la hora de hablar del proyecto.

    ¿Y qué relevancia tiene para vosotros el mensaje en sí de las canciones?

    Muchísima, al fin y al cabo es sacar afuera lo que llevamos dentro. Pensamos que la musicalidad y la composición es muy importante, pero cuando va acompañada de una letra bien trabajada e interpretada con personalidad propia elevas la canción a un nivel mucho más alto. Tratamos de conseguir siempre en la composición de cada canción una armonía, un sentido y un equilibrio entre música, voces y letras.

    ¿De qué manera busca ese sonido tan propio LAVIDA?

    Dejamos que nuestras propias canciones nos hablen y guíen en dirección a su su propia sonoridad, intentando huir de modas pero sin dejar de atender a las nuevas producciones que nos llegan. Buscamos la sonoridad que nos pide cada canción para dotarlas de alma y personalidad propias, y eso se hace con paciencia, trabajo y un buen par de orejas «limpias».

    ¿Cómo es todo el proceso creativo y compositivo de la banda?

    Igual partimos de un riff de guitarra y lo desarrollamos en nuestro estudio, o de una melodía de voz que nos pueda sugerir un cadencia de guitarras o unos acordes y empezamos a trabajarlo. No hay una metodología clara ni cerrada, cualquier idea, provenga de quien provenga, merece una oportunidad, aunque la mayoría de las veces acaba en la carpeta de «Ideas Desechadas», somos muy autoexigentes en la composición.

    Tenéis más de 15 años de experiencia en la música, pasando por otras formaciones. ¿Cómo habéis evolucionado desde entonces?

    Algunos incluso 25 [risas]. Pues la evolución ha sido natural. Somos gente que nos gusta la música en general, cualquier estilo, siempre y cuando tenga algo interesante que mostrar. Nuestra evolución ha ido en paralelo como músicos y como personas, madurando y perfeccionando a la vez que nos quedábamos con la esencia de cada experiencia, haciéndolo fácil aunque en algunos casos no lo sea. 

    ¿Y cómo creéis que ha cambiado la industria musical?

    Música y sociedad cambian a la par. Vivimos en la era de las redes sociales, el impacto ha sido brutal a todos los niveles, en la forma comunicarse, de relacionarse, e incluso de consumir o comprar. No se le pueden poner puertas al campo, y te adaptas o caducas, y la industria no ha tenido más remedio que hacerlo, para bien y para mal. Con sus virtudes y sus defectos, solo hay que entender esa evolución y utilizarla a tu favor, pero al final, para el músico, que es lo que somos nosotros, lo importante debe ser la materia prima de la que se nutre esa industria, la música, componer y  hacer buenas canciones, disfrutar haciéndolas, compartiéndolas e interpretándolas en directo.

    ¿Consideráis que se ha perdido el poder del disco como discurso, tras todos los cambios que se han experimentado a la hora de consumir música?

    La forma de consumir música ha cambiado, ahora se acude a YouTube o a las playlist de Spotify. Está claro que el concepto «disco», atendiendo a esta forma de consumir música, puede que tenga menos sentido. Sin embargo seguimos apreciando el conjunto de una obra: el disco, pues creemos que contextualiza una canción, aunque solo sea a nivel conceptual, y cobra todo su sentido dentro de esa obra, aunque vayas lanzando, como estrategia comercial, canción a canción. Llámanos románticos, pero nos encanta el renacer del vinilo, aunque sea una moda. Larga vida, spin the black circle.

    ¿Cómo veis la nueva escena musical emergente?

    La escena con mayor calidad de la historia de este país, así de sencillo. Ni los 60, ni los 70, ni la Movida Madrileña, ni nada. Ahora hay muchísimos músicos con unos niveles de conocimiento, tanto del instrumento como a nivel técnico, muy, muy altos. Y ya si hablamos de producción, ni te cuento. Están apareciendo verdaderas joyas, incluso algunas probablemente ni saldrán del ordenador en la habitación del artista. La tecnología también tiene cosas buenas.

    Próximos pasos de LAVIDA.

    Ahora mismo estamos cerrando la gira 2020 y empezaremos en enero con ella. De ahí en adelante, bastantes conciertos, algunos de ellos en festivales, pero no podemos anunciar fechas hasta que las promotoras lo hagan aunque nos muramos de ganas, pero en breve tendréis noticias y las anunciaremos todas en nuestros perfiles de redes (@lavidasomos).

    Por otro lado, en breve publicaremos un nuevo tema junto a su videoclip. Estad atentos, porque creemos que va a sorprender mucho.

    ¿Cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?

    Condicionar TOTALMENTE nuestras vidas en TODOS sus aspectos. Maravillosa y verdadera locura. De ahí nuestra bandera, nuestro lema, nuestro hashtag, incluso nuestra web: LAVIDAESMUSICA #lavidaesmusica www.lavidaesmusica.es

  • Tr3sdecorazón, rock desde el mismo corazón de Medellín

    Tr3sdecorazón, rock desde el mismo corazón de Medellín

    Al más puro estilo rock y directamente desde Colombia, hemos conocido a Tr3sdecorazón. Con cerca de dos décadas de recorrido y siete trabajos de estudio, hace apenas unas semanas, la mítica banda visitó nuestro país, recorriendo de este modo diferentes escenarios y ciudades. Barcelona, Madrid y Valencia fueron testigos de la descarga de energía, watios y potencia que los colombianos gastan en todos y cada uno de sus directos.

    Precisamente, tras tres de sus fechas realizadas con éxito y antes de la cuarta en Valencia, pudimos hablar por teléfono con Sebastián Mejía, voz y guitarra de la banda. Y nos contó todo esto, no pierdas detalle.

    Esta es la primera vez que estáis en España, ¿cómo os sentís?

    Primero de todo, queríamos enviar un saludo a todos los lectores: nosotros somos Tr3sdecorazón.

    Sí, esta es nuestra primera vez en Europa, nuestra primera vez en España. En 17 años que llevamos de carrera, apenas tuvimos la oportunidad de «cruzar el charco», como decimos nosotros. Y la verdad es que estamos muy contentos de habernos encontrado todo lo que nos hemos encontrado. Tuvimos unas fechas en Barcelona, Madrid y Valencia y estamos muy felices de haber venido, porque este es un país con mucha tradición rockera, con mucha historia. Ha sido un placer tocar en estos pequeños sitios en los que hay, obviamente, muchos colombianos, pero también muchos españoles dispuestos a escuchar tu música. Es algo que nos alegra mucho.

    Ya habéis realizado los conciertos que teníais previstos en España, ¿cómo los habéis vivido y cómo veis al público español?

    Estos conciertos han tenido una característica importante y es que, principalmente, ha sido público colombiano el que ha venido a vernos. Y ha sido muy emotivo, la verdad. Porque es gente que, en cierta manera, extraña lo que hay allá en Colombia, en la cotidianidad. Así que fueron conciertos emotivos y la gente estaba muy entusiasmada con el repertorio que hicimos, que básicamente estuvo basado en los clásicos de la banda. Aunque también se nos ha arrimado público español, en Barcelona especialmente. Y en Madrid, pudimos conocer a diferentes artistas y bandas locales, con quienes pudimos compartir experiencias e historias, especialmente sobre el punk radical vasco o la Movida Madrileña, movimientos de los que el rock vasco y nosotros mismos, hemos bebido mucho. 

    A pesar de estas influencias, vuestra música es un rock con mucho sabor a Medellín. ¿Cómo influye la propia cultura colombiana en ella?

    El ser de allá, tener nuestra vida. Todo eso influye, desde el primer momento en el que decidimos dar el salto y hacer música. Pero todo ello, se reinterpreta y se adapta al propio lenguaje y sonido de cada uno. Y Tr3sdecorazón, durante estos 17 años, ha logrado consolidar un sonido propio, que es muy sencillo, pero que tiene también mucho contenido cotidiano y nos gusta darle valor a esas pequeñas cosas de la vida que, muchas veces, tendemos a minusvaloraras. Así y todo, para nosotros estos detalles son muy importantes. Al final, no podemos olvidar que nosotros venimos de una ciudad compleja, con mucha historia y muy marcada por episodios violentos por culpa del narcotráfico, especialmente en los años 80 y 90. Por eso, queremos dar relevancia a las historias cotidianas y bellas de la gente. La manera en la que lo cantas, en la que lo cuentas, le da mucho color a todas ellas.

    7 discos de estudio y 17 años de carrera, ¿de qué manera ha evolucionado Tr3sdecorazón?

    Yo creo que, sobre todo, hemos afianzado un sonido. No somos una banda muy experimental, somos lo más orgánicos y espontáneos posibles. Pero hemos logrado pulir la manera que tenemos de tocar las canciones. Eso es algo que hemos procurado mantener durante estos 17 años, disco tras disco. Y, afortunadamente, después de tantos años, creo que eso es algo que hemos sabido mantener y lograr. Creo que cuando escuchas Tr3sdecorazón, sabes que es Tr3sdecorazón. No somos una banda que haya mutado mucho, en lo que a sonido se refiere. Que no es que no nos guste o que no lo hagamos, pero simplemente consideramos que debemos seguir por esta línea y que está bien lo que hacemos, tal y como lo hacemos.

    Además, durante todos estos años, habéis compartido escenario con bandas como Good Charlotte, Green Day, Molotov o Juanes, entre otros. ¿Cómo habéis vivido estas experiencias?

    Sí, lo cierto es que durante nuestra carrera, hemos tenido el privilegio de compartir escenario con todas esas bandas grandes que mencionas. Y nosotros lo que hemos hecho, ha sido aprender de todos ellos y de todas estas experiencias que hemos vivido. Al final, nosotros somos una banda independiente y, de repente, no tenemos las oportunidades que tienen estas bandas en el mercado, porque al final son bandas impecables, con historia. Nosotros somos una banda que estamos en otro nivel, más underground. Así que lo mejor que podemos hacer en estas situaciones es aprender mucho y admirarlos. Pero sobre todo, observar y ver qué podríamos implementar o qué podríamos hacer por mejorar.

    ¿Cómo veis el panorama musical en Colombia y cómo de complicado es acceder a la industria allí?

    Colombia es un país netamente tropical, donde su mainstream o su gran mercado está en los sonidos más tropicales, mezclados con los alternativos. Se ha convertido en una Meca de la música y la cultura en Latinoamérica, porque hay gran apetencia en el mundo por este sonido colombiano, de la cumbia, de la música andina. Es un país multicultural, en el que podemos encontrar diferentes sonidos. Eso en cuanto a la música colombiana. En cuanto al rock, también es un país que tiene gran público, que tiene muchos rockeros y por el que pasando también muchos artistas históricos del género. Así que hay, en ese sentido, contamos con un gran mercado underground. A lo que nos hemos tenido que adaptar todos, sin excepción, es a las nuevas tendencias y modo de consumir música: a las plataformas digitales, ya que ya no se venden tantos discos físicos; y a las redes sociales, a través de las cuales conectamos con nuestro público. Eso creo que ha facilitado que mercados más pequeños puedan darse aún más a conocer.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Tr3sdecorazón?

    Pues tras la gira por España y al regreso a Colombia, publicaremos un nuevo sencillo a finales de mes, que será como el abre-bocas de lo que será nuestro próximo disco, que llegará previsiblemente en febrero. Y nada, inmersos en todo lo que es la producción. Así que estamos con mucho trabajo por delante.

    ¿Os volveremos a ver en España con disco nuevo?

    Qué más quisiera ya [risas]. Ojalá que sí.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Es difícil [risas]. La mayor locura que he cometido yo por la música es haberlo dejado todo y comenzar con esta banda. Pero ha sido una locura fascinante, la verdad

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