Verdadera Locura

Categoría: Entrevistas

  • Nil Moliner: «Para mí la batalla es la vida y hay que saber bailar con ella»

    Nil Moliner: «Para mí la batalla es la vida y hay que saber bailar con ella»

    Acaba de publicar un disco que es un verdadero lujo, una joya en bruto que está empezando a relucir. Y la verdad es que nosotras no podemos estar más contentas de que este «Bailando en la Batalla» de Nil Moliner, haya llegado a nuestras vidas. Aunque para felicidad, la de poder haber hablado con el artista catalán: un auténtico regalo. Mucha atención a todo lo que nos contó.

    ¿Cómo surge el concepto de «Bailando en la Batalla»?

    Pues «Bailando en la Batalla» viene un poquito de lejos y es que llevo cerca de dos años trabajando en este disco, aunque algunas de las historias que cuento tienen mucho más tiempo. Pero yendo un poco lo que es al concepto, para mí la batalla es la vida y me parecía interesante el bailar con ella, el bailar con tus miedos, con tus inseguridades, el marearlos hasta que se caigan o desaparezcan, el tomártelo todo con positivismo. En definitiva, no tomarte la vida como una lucha, sino como un baile.

    ¿De ahí que tenga como ese carácter tan positivo?

    Sí, a lo mejor es que yo también me imagino la batalla como algo de color y no como algo repleto de armas y de luchas. Para mí es al contrario, creo que la vida es como un baile en el que nos caemos y nos volvemos a levantar y, al final, solo tenemos que aprender a bailar.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de este disco?

    Es cierto que llevo mucho tiempo escribiendo este disco, aunque en plan más serio dos años. Y fue muy interesante, porque hubo temas que los lancé al momento, sin necesidad de tocarlos nunca más. Sin embargo, hubo temas que necesitaron como un proceso más largo de maduración: de escucharlas una y otra vez, de ponerlas en el coche, de bailarlas, de cambiar cosas. Fue un proceso muy bonito, en el que mi banda estuvo presente en todo momento y en el que las figuras de Manu Guix y Roger Rodes, los productores, fue también clave. Y es que gracias a ellos, tocamos todas las teclas, llegamos a los acordes perfectos, a las notas justas. Hemos cuidado mucho los detalles, para que las canciones transmitan lo que quería que transmitieran.

    Precisamente, antes de que viera la luz el disco, hemos podido escuchar muchos de los temas y ver diversos vídeos en plataformas digitales. En este sentido, ¿qué importancia han tenido las redes?

    Pues las redes y las plataformas digitales han sido la clave para mi proyecto, porque eran mi canal de comunicación directo. En ellas, colgaba mis versiones, ahora cuelgo mis canciones, puedo hablar con mis fans y puedo compartir mis días. Son una herramienta que me han permitido hablar con mis seguidores y darme a conocer. Si no hubiera sido por ellas, no sé cómo lo habría hecho. Creo que las he aprovechado.

    En este «Bailando en la Batalla» también hemos podido escuchar a dos artistas como Rayden y Dani Fernández. ¿Cómo surgen las colaboraciones con ellos?

    A Dani lo conocía desde hacía muchos años, de cuando él estaba con su banda y yo con la mía. Pero nos perdimos un poco la vista y, al cabo de un tiempo, nos reencontramos y nos volvimos a presentar, pero dijimos: «tú y yo ya nos conocíamos». La verdad es que con él fue muy fácil, conectamos desde el inicio porque tenemos unas energías muy parecidas: nos hemos echado juntos muchas cervezas, hemos hablado de prácticamente cualquier cosa, somos como hermanos. Para mí es un lujo tener dentro de la industria de la música un hermano como Dani, con el que puedo contar de manera incondicional para todo. Además, el poder colaborar con él en una canción como «Soldadito de Hierro», que significa tanto para mí, es un honor. Y lo cierto es que surgió todo de manera muy natural, en una terraza hablando, le pregunté si quería hacer esa canción conmigo y enseguida me dijo que sí.

    Con Rayden surgió todo de manera diferente. Yo siempre lo he seguido mucho, desde las batallas de gallos, en las que incluso llegaba a imitarlo. Pero por casualidades de la vida, años después, coincidí con él en el Share Festival, que fue donde nos conocimos en persona (aunque ya nos conocíamos de antes). La verdad es que es un tío increíble y fue muy guay porque también tenemos como energías muy parecidas. Total, que fue a días de vernos cuando volví a hablar con él para preguntarle directamente y decirle: «Tal Vez sale la semana que viene y quiero que estés, no sé cómo lo vamos a hacer». Enseguida me dijo que sí, escribió su fragmento y me lo pasó enseguida. Y, efectivamente, la canción vio la luz cuando tocaba. Es increíble.

    Precisamente con Dani Fernández y con «Soldadito de Hierro», te vimos en el plató de Operación Triunfo. ¿Cómo lo viviste?, ¿te ves en cierto modo ves el reflejo en los concursantes o crees que vuestras experiencias son completamente diferentes?

    Fue una experiencia muy guay: salir en la televisión con Dani y, encima, en un programa como Operación Triunfo es una experiencia increíble. Además, conozco a mucha gente que curra allí y siempre es una alegría reencontrarte con ellos. Y respecto a los concursantes, para nada los veo diferentes. Sí que es cierto que este año no lo estoy siguiendo tanto, pero otros años sí y la verdad, hay un talento brutal, son artistazos. Es un programa de entretenimiento, pero seguro cuando salgan de ahí, si quieren hacer algo, lo harán y lo conseguirán. Porque el talento está y las ganas de hacer cosas y de seguir, es un motor increíble.

    Retomando un poquito el hilo: ¿cómo estás haciendo frente a todo lo que está llegando? Porque este es el primer álbum, pero hay canciones como «Soldadito de Hierro» que se han convertido en himnos y, además, ya has colgado el cartel de entradas agotadas en Razzmatazz

    Directamente, no le hago frente, dejo que pase y ya está. Creo que tratar de afrontarlo emocionalmente sería estúpido, porque no hay manera de luchar contra ello o de asumirlo. Así que yo voy haciendo, van pasando cosas así, miro y digo: «hostia, qué guapo». Y no me lo quiero creer mucho, ¿sabes? Aunque sí que es verdad que hay un poco como otro lado, especialmente cuando llenas una sala como Razzmatazz, que para mí es muy especial, y te pones a analizar. Yo hace no mucho estaba tocando en Barts Club, que es la sala pequeña de Barts, después en la Bikini, después en la grande de Barts, ahora en Razz. Lo miras con perspectiva y te das cuenta de que todo es, gracias a las canciones, pero también gracias a todo el equipo con el que trabajo: músicos, discográfica , agencia, absolutamente todos. Lo cierto es que todo es la recompensa de todo el trabajo duro que hemos hecho durante estos meses.

    ¿Crees que hay una clave del éxito o sencillamente, es trabajo?

    Pues ojalá lo supiera, la verdad. Claro, es que el éxito es muy relativo, pero para mí es hacer las cosas con amor y rodearme de gente que también hace las cosas con amor. En ese sentido, creo que tengo éxito o tengo suerte. Por estar acompañado de gente con tanto amor y pasión, y por tener unos seguidores que son iguales: que están llenos de amor y que no dejan de apoyarme.

    Empiezas con la gira en Razzmatazz el 29 de marzo, pero ¿cuáles serán los siguientes pasos de Nil Moliner?

    Pues arrancamos el día 29 de marzo en Barcelona, con un espectáculo muy guay y renovado y, justo después, comenzaremos con la época de festivales. Tras el verano, me voy a Latinoamérica por primera vez y, lo cierto, es que estoy muy emocionado: por cruzar el charco y por poder llevar mi música más allá de nuestras fronteras. Es que es justo más de lo que me imaginaba que pudiera llegar a hacer. Para mí, es una locura más dentro de este cúmulo de locuras, que ya asumiré cuando esté en el avión. Yo siempre digo que me dedico a la música, precisamente por vivir estos momentos de encontrarte con la gente y seguir celebrando la vida. Es como una especie de ritual.

    ¿Qué canción de Nil Moliner define mejor el momento en el que estás y por qué?

    Te diría dos y dejando la letra aparte. A nivel melódico, diría «Bailando» y «Por Última Vez» que, precisamente, son la primera y la última. Creo que, emocionalmente, reflejan muy bien el cómo me siento: la primera es que me hace bailar y la última, consigue emocionarme.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    ¡Cómo me gusta que sea por la música y no por amor! Porque por amor no he hecho mucho, pero por la música lo he hecho todo. Pero la verdad es que no sé muy bien qué decir, nunca me habían preguntado eso. Iba a decir una, pero como es titular tan malo, no la voy a decir [risas]. Quizás diría que me he perdido muchas clases, que he trabajado de lo que sea para poder grabar el disco o que incluso, le he llorado a Manu para que me dejara grabar el disco. También he tocado en garitos de mala muerte y que daban miedo para poder conseguir dinero. Me has pillado ahí, la verdad. Pero es que hay tantas…que daría para escribir un libro.

    Pero mira, una graciosa: antes de grabar «Hijos de la Tierra», hice una cover de Rosana y justo ella me contactó, para que fuera a su estudio. Yo pensaba que era mentira, pero era completamente real. Total, que me deja el teléfono de su manager y llamo y me dice: «el martes nos vemos en Madrid». Eso era un domingo. Y yo ahora voy a Madrid a menudo, pero en ese momento no había cogido un AVE en mi vida. Cuelgo y digo: «el martes en Madrid, de qué». Buscando trenes corriendo y, bueno, al final allí me planté.

    NIL MOLINER
    «BAILANDO EN LA BATALLA TOUR»

    29/3 BARCELONA RAZZMATAZZ ENTRADAS AGOTADAS
    2/4 MADRID LA RIVIERA
    3/4 GIJÓN ALBÉNIZ
    4/4 VALLADOLID LAVA
    17/4 ALICANTE THE ONE
    18/4 VALENCIA MOON
    24/4 ZARAGOZA OASIS
    25/4 BILBAO SANTANA 27
    30/4 TENERIFE AGUERE CULTURAL
    1/5 GRAN CANARIA THE PAPER CLUB
    8/5 GIRONA LA MIRONA
    9/5 LLEIDA LANUIT
    22/5 SANTIAGO DE COMPOSTELA CAPITOL
    23/5 VITORIA KUBIK
    29/5 MÁLAGA PARIS 15
    30/5 SEVILLA CUSTOM
    3/10 PALMA ES GREMI
    21/11 BARCELONA SANT JORDI CLUB

  • «Préndelo Otra Vez» de El Último Mono o el método para huir de la rutina

    «Préndelo Otra Vez» de El Último Mono o el método para huir de la rutina

    Han sido un gran descubrimiento para nosotras: El Último Mono ya están aquí, pisando fuerte, demostrando que llegan para quedarse. Y lo han hecho con un nuevo trabajo bajo el brazo: bajo el título de «Préndelo Otra Vez», los barceloneses inician un meteórico viaje, que los hará recorrer rincones insospechados. Aunque por lo pronto, estarán este mismo sábado 29 de febrero en el Diobar de Barcelona, iniciando así su ansiada gira. Aprovechando este momento tan especial, pudimos charlar con ellos. Mucha atención a lo que nos contaron Sergio Ruiz (vocalista y guitarra rítmica), David Hernández (bajo) y Jordi Morales (guitarra solista).

    ¿Cómo surge el concepto de este disco, de «Préndelo Otra Vez»?

    S. Pues todo vino hilado, a raíz de que comenzaramos a escribir las letras y crear en sí las canciones: vino todo muy rodado y, de repente, llegó como el leitmotiv del álbum, que es un poco como el hecho de estar encajonados en la rutina, absorbidos por el trabajo, con muy poco tiempo para dedicarnos a nosotros mismos y el utilizar la música como para intentar escapar, intentar romper con todo ello.

    En esta línea, no sé si hay también un poco de simbolismo entre las canciones, el título del álbum, todo el arte en sí del disco. 

    S. Sí, era algo que quisimos que estuviera muy bien atado y que tuviera un sentido, lo cual ya ha supuesto un cambio respecto al disco anterior. A nivel de diseño, procuramos cuidar mucho el simbolismo: la mano es como que nos representa a nosotros, luego hay planetas de colores diferentes por cada canción que, a su vez, giran alrededor de nosotros y, finalmente, la llama para quemar todo ello. Además, cada tema tiene una imagen, representando de una manera más abstracta lo que significa.

    El disco acaba de ver la luz (llegó a nuestras vidas el viernes 21 de febrero), ¿cómo os sentís?

    J. Cuando sale algo, ya sea un disco o una canción, nos sentimos felices. Porque al final, es un material en el que has invertido tiempo y trabajo. Hemos estado cerca de un año batallando, haciendo, rehaciendo, que si te enfadas porque no te salen las cosas, que si no te enfadas. Y, de repente, llega el día en el que ya lo puedes enseñar…sobre todo es eso, el poder enseñarlo. A mí, personalmente, es lo que más me gusta.

    S. Yo estoy impaciente, porque lleva mucho tiempo grabado y en las redes sociales, solo puedes enseñar una pequeña parte y la gente te va preguntando: «¿cuándo sale, cuándo sale?». Pero entre que cerramos el tema del videoclip, del diseño, de todo, se va alargando. Y ahora está aquí, pero está aquí a medias porque en Spotify no lo pudimos lanzar a la vez que en el resto de plataformas, tuvimos problemas técnicos y saldrá en los próximos días.

    ¿Cómo han sido las primeras reacciones?

    D. Pues muy bien, ya nos han empezado a llegar los primeros artículos y las primeras reseñas.

    J. Es muy curioso y me llama la atención que analicen tanto y tan profundo todas las canciones y que, de una manera u otra, nos vayan sacando ciertas comparaciones con otros artistas o bandas.

    D. Están muy guays, porque al final te van dando otro punto de vista que no tenías o que no esperabas, porque claro, tú ya estás acostumbrado o viciado a tocar tus canciones.

    S. Luego, claro, familiares y amigos siempre te apoyan y lo hacen de manera incondicional, esté mejor o peor el disco [risas]. Pero también gusta, te reconforta. También especialmente cuando te llegan este tipo de comentarios de gente que no suele escuchar este estilo de música y considera que has pegado un salto cualitativo. Es algo que llena.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de este trabajo?

    J. Normalmente, casi siempre improvisamos en el local: sacamos algún riff o algunos acordes, o decidimos encaminarnos hacia algún género concreto. Y a partir de ahí, vamos construyendo todo lo que es la melodía; mientras que Sergio se encarga más de lo que son las letras. Al final, tratamos de estar todos lo más implicados posible en todo lo que es la creación. Aunque sí que es verdad que nuestro productor tiene un papel importantísimo en el proceso, porque es él quien separa el grano de la paja, es quien nos da esa visión externa.

    D. Al final, su figura es importante porque nos da otra visión, completamente externa. Igual que lo está haciendo el público ahora con el disco, él lo ha hecho en la fase de producción.

    ¿Y cómo crea El Último Mono su sonido tan particular?

    S. Yo creo que a partir de referencias. Normalmente, eso de sentarnos y decir: «vamos a componer», nunca funciona. Así que preferimos optar por poner las canciones que, en ese momento de juntarnos, nos inspiran por X motivos. Y empezamos a fijarnos en los sonidos, comenzamos a experimentar con los pedales y con referencias sonoras. A partir de ahí, comenzamos a construir el sonido de El Último Mono, no copiando, pero sí tomando como referencia.

    D. Sí, justo el punto es el encontrar ese hilo del que tirar y sobre el que construir posteriormente, la letra y el resto de elementos de la canción.

    S. Es eso. Y creo que en este disco sí que hemos conseguido encontrar un sonido propio, mucho más limpio, mucho más trabajado y con muchos más elementos incorporados. Cosa que en el otro no estaban.

    J. El anterior disco era como más indie, pop, nos quedamos a medias. Este tiene una dosis incorporada de rock, porque sí, porque también somos más durillos, más cañeros. Es lo que buscábamos.

    ¿Cómo ha sido trabajar con Edgar Beltri a la producción?

    D. Ha sido como uno más de la banda: es un profesional y tiene mucho tacto, no nos ha molestado ninguno de los cambios que nos ha ido haciendo con los temas.

    J. Ha sido prácticamente como El Quinto Beatle [risas].

    S. Ha dado como su toque mágico: hay canciones que están prácticamente iguales a como salieron del local, pero él dio su aporte y la verdad es que se nota la mejoría y te abre la mente. Tú también tienes que abrir la mente y saber aceptar, tienes que dejar de lado el ego.

    J. Anda que no me enfadaba que me quitara partes en los temas. Me enfadaba, pero lo aceptaba [risas].

    S. Pero al final, dejas todo el ego de lado porque delegas y confías plenamente en esa persona. Al final, no deja de ser alguien que siempre estará ahí para todo y que está mirando por el conjunto del disco y del grupo.

    ¿Qué importancia tiene el mensaje de las letras para El Último Mono?

    S. Pues la verdad es que somos un grupo que da mucha relevancia a la letra, para nosotros tienen prácticamente el mismo peso que la melodía. También como consumidores nos fijamos mucho: hay canciones que nos gustan mucho, pero las letras luego no nos terminan de decir nada. Así que intentamos reflejar eso en nuestros temas, queremos decir algo, queremos transmitir el mensaje que queremos, nuestros sentimientos, nuestras opiniones. Si no, no haríamos música.

    D. Además, creemos que es precisamente la letra lo que hace que una canción sea más tuya, lo que hace que termines de conectar con ella y de identificarte.

    J. También es verdad que al final, todo es relativo. El mensaje de las canciones varía mucho en función de quien la escuche. Lo bonito es que la gente escuche y la haga suya, que saque su propia interpretación de ella.

    Ahora llega el momento de presentar «Préndelo Otra Vez» en directo y empezáis este sábado 29 en Barcelona, en casa. ¿Cómo os sentís y cómo os preparáis?

    J. Yo soy un poco frío, realmente. Sí que estoy un poco con el runrún…y quizás, sí que esté un poco más cohibido.

    S. Yo estoy nervioso, porque cuando juegas en casa, tienes algo más de presión. Al final, viene familia, vienen amigos y aunque no sea así, es como que les debes algo. Impone un poco. Pero tenemos ganas. Sí que es cierto que son canciones que ya hemos estado tocando, pero cuando presentas es diferente. Además, estamos empezando a probar nuevos elementos en el espectáculo y queremos saber cómo sale.

    J. Lo cierto es que hemos a añadir samplers y algunas cosillas más, para que los temas se parezcan un poco más a los del disco. Y porque si, al final, nosotros estamos con las guitarras, no podemos estar centrados en lo otro. Ya lo probamos en Madrid, pero queremos ver cómo sale aquí.

    Tras este concierto en Barcelona, ¿cuáles serán los siguientes pasos de El Último Mono?

    S. Pues seguir defendiendo el disco en directo en diferentes ciudades. Aunque la verdad es que ya tengo algunas ideas en la cabeza y quisiera componer. Pero presentando disco nuevo y con la cabeza centrada en los directos, es un poco complicado sacar tiempo para ponerse a ello.

    J. Justo este proceso de creación inicial a mí me gusta mucho: ese momento entre que surge la primera idea y la canción comienza a tomar forma. Es cuando más te permites experimentar y probar cosas nuevas.

    D. También es verdad que nos gusta disfrutar de ese rato de componer todos, tranquilos. De ahí que nos guste hacerlo con calma y encontrar el momento adecuado.

    ¿Qué canción de El Último Mono define mejor el momento en el que estáis y por qué?

    J. Por el tema letra, creo que «Nadie Va a Salvarnos».

    S. Sí, es que habla un poco de dejarse llevar, como un cohete que despega y que nos lleva hacia ninguna parte, pero fluyendo y sin importarnos nada. En el momento en el que estamos, verdaderamente, nadie va a venir a salvarnos [risas].

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    J. Yo hacía madrugar a mi padre cada domingo, lo hacía levantarse a las 7 de la mañana y juntos íbamos a buscar a Sergio, cargar todos los instrumentos e ir al local para ensayar. Claro, todo esto con 17 años. A mí me lo hace mi hijo, supongo que lo haría, pero ¡joer! [risas].

    S. Yo me acuerdo de una vez que tocaron Metallica en el Fórum y conseguimos ir a verlos, nadando por el Fórum. Pero oye, allí nos plantamos [risas]. Sin embargo, creo que la mayor locura que he pensado por la música, pero no he cometido, es la de dejarlo todo para dedicarme a ella. Aunque es imposible a día de hoy, al menos para mí, el poder hacerlo. Pero el simple hecho de pensarlo, considero que ya te hace valiente.

    PRÓXIMOS CONCIERTOS

    Sábado 29 febrero
    Diobar (Barcelona)

    Sábado 28 marzo
    Shake! (Bilbao)

    Sábado 04 abril
    Polar Live Weekend Festival (Lleida)

    Sábado 30 mayo
    Polar Live Weekend Valencia (Veles e Vents Amstel Art)

  • Los mágicos Coffee & Wine inundarán este fin de semana toda Barcelona

    Los mágicos Coffee & Wine inundarán este fin de semana toda Barcelona

    Tienen una sensibilidad poco vista en otros artistas. Y eso es, precisamente, una de las cosas que más nos han enamorado de ellos. Se trata de Coffee & Wine: banda madrileña que acaba de presentarnos su nuevo single doble, «Castles/Because». Single que llega como homenaje o celebración de vida de su último álbum, «Hirundinidae». Pero no es la única buena noticia que los rodea, y es que este fin de semana tienen doble fecha en Barcelona. Los días 28 y 29 de febrero, los podremos ver actuar en acústico junto a A Singer Of Songs, en el mismísimo salón de una casa.

    A todo esto, hemos podido hablar con Ana Franco, vocalista de Coffee & Wine, para que nos contara muchas más cosas de la banda. ¡No os perdáis la entrevista!

    ¿Cómo surge el concepto de este doble single «Castles/Because»?

    Pues como se estaba acercando ya el primer aniversario desde que vio la luz «Hirundinidae» y habían quedado tantos temas en el cajón, entre ellos, muchas versiones, decidimos lanzar singles con cara B para darles cabida a todos ellos. «Castles/Because» es el segundo doble sencillo que sacamos y recoge «Castles», que es uno de los temas principales del disco; y «Because», que es una versión de The Beatles que ya habíamos hecho previamente y que queríamos aprovechar y reeditar. De ahí un poco estos singles con cara B que estamos publicando.

    ¿Todo ello a modo de celebración del primer aniversario de «Hirundinidae»?

    En realidad, «Hirundinidae» vio la luz en marzo y, bueno, vio la luz su single previo y después ya sacamos el álbum entero. Pero claro, como comentaba, a lo largo de los meses hemos ido sacando singles porque es el formato que tienen, pero ya está fuera el disco. Lo que pasa es que muchas veces entendemos el concepto single como algo previo al disco y no tiene por qué ser así. De hecho, en este caso emula un poco a los sencillos que veían la luz hace unos años: en vinilo y a 45rpm. También un poco por recuperar esa parte más nostálgica.

    Hablando de esa nostalgia de los vinilos, de los dobles sencillos y de la evolución que ha experimentado la industria, ¿creeis que se ha perdido ese carácter de la música?

    En ese sentido, por ejemplo, yo ya soy de la era CD, entonces tampoco puedo opinar mucho. Yo lo que escuchaba ya eran cassettes y algún vinilo, pero por mis padres, y luego ya CDs. Entonces sí que es cierto que los vinilos tienen ese carácter analógico que, quizás, el resto no tengan tanto. En cuanto al consumo de música, es verdad que a día de hoy, es muy complicado que la gente escuche un disco completo, de principio a fin. Entonces, claro, el tema de ir publicando singles, mezcla un poco todo lo de ahora en lo que respecta al modo de consumir; con toda aquella parte más nostálgica y más clásica, de doble single con cara B y esa cara B, en cierto modo, es una rareza.

    ¿Por qué alternar temas propios con una cara B repleta de versiones?

    Bueno, «Castles/Because» es el segundo doble sencillo, el primero de ellos fue «Old Photographs/Little Sin», donde recogimos una versión de una banda más pequeñita que se llama A Singer Of Songs. Y es lo que comentaba, es el hecho de poder sacar todos estos temas con cierto sentido. Que quizás otra forma especial podría ser publicar un álbum repleto de estas pequeñas rarezas, pero si sacamos disco cada siete años [risas]. Esta también es una forma como de estar presente y, finalmente, consideramos que ir sacando singles con su respectiva cara B era una buena opción.

    ¿Y cómo han evolucionado los propios temas de «Hirundinidae», al ver la luz en el álbum y ahora al reformularlos en los singles dobles?

    La verdad es que los temas van cambiando y evolucionando a medida que los vas tocando en directo, es ahí cuando los comienzas a conocer. Grabando o ensayando te aprendes las canciones, pero cuando las tocas en directo, adquieren una nueva dimensión. Ese cambio puede ser casi imperceptible para cualquier otra persona, pero tú lo notas a un nivel bestial: ves cómo evolucionan, pero sobre todo, cómo van cogiendo personalidad. Como pasa en las entrevistas, que a medida que te van preguntando, vas cambiando las respuestas, las vas madurando y les das tu propia personalidad. Con la música, exactamente igual.

    ¿Cómo construye su sonido Coffee & Wine?

    Pues el proceso compositivo suele partir de mí con la letra, y Andrés es luego quien realiza la primera visión del tema, dando las primeras ideas a nivel de sonido y a nivel de producción. De hecho, él también mete mucha mano con las estructuras. Y, bueno, con «Hirundinidae», hemos estado también involucrados en el proceso los cuatro, Andrés, Jaime, Juanma y yo. Lo bueno de este disco es que a nivel de instrumentación, cada miembro de la banda ha hecho su propio proceso compositivo. Entonces, en ese sentido, es muy compacto. Además de ser como el primer trabajo hecho por la banda como tal, pero siempre parte un poco de mis composiciones, así desnudas. Y en base a eso, construímos entre todos.

    Este fin de semana actuáis en Barcelona, donde tenéis dos fechas (una de ellas sold out) junto A Singer Of Songs. ¿Cómo os sentís y cómo lo afrontáis?

    La verdad es que tocar en Barcelona es siempre una alegría, además es como mi segunda casa musical, porque después de Madrid, es la ciudad en la que más he tocado y en la que toqué casi por primera vez, los temas de Coffee & Wine, hace muchos años [risas]. Y, bueno, actuar con Lieven, que es quien está al frente de A Singer Of Songs, es una alegría. Porque es una persona que lleva ahí desde el inicio de nuestro proyecto y nos conocemos desde hace mucho tiempo: desde la época de MySpace, de hecho [risas].

    Además, estos dos conciertos serán muy especiales porque serán en un formato muy íntimo y, bueno, será donde A Singer Of Songs presente su nuevo disco. Así que, que se hayan agotado las entradas para el primer día, no nos cabía duda. Y la verdad es que para el segundo, quedan muy poquitas.

    ¿Cómo os prepararéis estas dos fechas?

    Pues ya estamos trabajando en ello. De hecho, el domingo estuvimos reunidos, ensayando y preparándonos. Lo haremos en formato acústico, porque por el espacio, no podemos hacerlo de otra manera. Además, estamos seleccionando muy bien lo que son los temas, porque el concierto será en una casa, por lo que el concierto no puede ser muy largo. Pero estamos emocionados, porque a pesar de ser tan íntimo y tener al público tan cerca, es un formato que a nosotros nos encanta y con el que estamos muy cómodos.

    Después de este fin de semana, ¿cuáles serán los próximos pasos de Coffee & Wine?

    Pues nuestra idea es seguir tocando, en acústico o con banda, dependerá de la logística de cada lugar al que vayamos. Es cierto que primavera es un poco una mala época para nosotros, por temas laborales de Andrés, que en abril desaparece [risas]. Sí que es verdad que tenemos algunas cosillas en el aire, pero no están completamente cerradas, así que de momento no podemos avanzar mucho. Si bien es cierto que a finales de marzo, con motivo del Piano Day, sí que vamos a colaborar con Sergio de la Puente en la Sala Galileo Galilei de Madrid.

    ¿Qué canción de Coffee & Wine definiría mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Es una pregunta que nunca he pensado, la verdad [risas]. Es un poco difícil, pero así por unir varios lazos, diría «Old Photographs». Porque es un tema acústico, hecho por toda la banda y porque incluye instrumentos que no habían aparecido antes en Coffee & Wine, como un banjo. Además, es una canción que tiene muy poca producción. Y, bueno, el videoclip de esta canción nos gusta mucho: es como muy hogareño, muy folk. Sí que es cierto que del disco, es el tema más diferente, pero creo que tiene muchas cositas de la banda.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis por la música?

    Bueno, habría que pensarla, porque yo he cometido varias por la música [risas]. Yo creo que una que llevamos cometiendo muchos años es la de viajar mucho, en unas condiciones un poco extremas y precarias, y jugándonos un poco la cartera. Es verdad que lo de los viajes también lo hemos hecho para ver a otros grupos tocar: yo recuerdo diez años de mi existencia, ahorrando para poder escaparme de vacaciones, a ver a artistas que me gustan en otros países. Aunque, bueno, tampoco es una locura como tal, porque nosotros no somos muy de locuras, no te creas. Locura puede ser gastarse el dineral que se gasta uno en hacer un disco, eso sí [risas]. Locura maravillosa, siempre.

  • Pablo Lesuit: «Belorizonte es la fotografía de un intenso momento vital»

    Pablo Lesuit: «Belorizonte es la fotografía de un intenso momento vital»

    «Belorizonte» el nuevo álbum de Pablo Lesuit que, como un verdadero regalo, ha visto la luz el viernes 21 de febrero. Y es que no es más que un increíble viaje hacia el interior del artista. Un viaje que fue una realidad y que rozó el alma del gallego. Y ahora ha hecho lo propio con las nuestras. Precisamente, sobre este ansiado lanzamiento hemos podido hablar con el propio Lesuit. Mucha atención, porque es imposible salir ileso de esta entrevista.

    ¿Cómo surge el concepto de «Belorizonte»?, ¿qué podremos encontrar en él?

    «Belorizonte» es la compilación de las canciones que compuse entre 2016 y 2017 durante mis viajes por Uruguay y Argentina. Es un disco de viaje, la fotografía de un intenso momento vital.

    ¿Cómo afrontas el lanzamiento de este álbum?

    Con mucha ilusión, he disfrutado mucho del proceso de grabación porque ha sido increíble y alejado, en gran parte, del tópico del estudio de grabación. Las canciones han estado vivas y se han ido modificando a medida que el viaje me entregaba los ingredientes que precisaban.

    ¿Cuál es el sello identificativo de Pablo Lesuit?

    Creo que es más fácil que te lo cuente otro (risas). Supongo que mi manera de hacer canciones y mi voz sirven como hilo conductor en los discos, pero creo que no puedo tomar la suficiente distancia como para ser objetivo.

    ¿Se debe huir de las etiquetas musicales?, ¿por qué?

    No creo que haya que huir de las etiquetas, para mi es importante sentirme cómodo y representado en cada una de las canciones que hago. No pienso mucho en el estilo, solo busco que la propuesta sea honesta y sincera que no haya una actitud impostada.

    ¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo?

    He escrito mucho y finalmente han quedado 10 canciones. El proceso compositivo se ha dado de manera muy natural. Encontré inspiración en los lugares que visité, lo que me iba ocurriendo, las músicas nuevas que iba conociendo y los músicos que participaron del proyecto. No puedo escribir si no me está pasando nada.

    Este trabajo tiene una instrumentación muy particular, ¿cómo fue todo ese trabajo, todo ese proceso de creación?

    Me entusiasma encontrarme con nuevos instrumentos, soy bastante atrevido o inconsciente y suelo lanzarme a tratar de tocarlos. En este caso el charango y el bombo legüero son una pieza importante de «Belorizonte». Una vez los descubrí, traté de encontrar mi lugar en esas sonoridades y que no pareciese un turista musical. Creo que hay un nuevo sonido en este disco.

    ¿Cómo surgen las colaboraciones de Esmeralda Escalante y Eladio Santos?

    Eladio ha sido una de las personas más importantes en mis últimos años, nos conocimos en Madrid en un taller de composición (y eso que en Vigo vivimos a 500 metros) y lo considero uno mejores escritores de canciones de nuestro país, además de un tipo honrado y generoso. Grabaría siempre con él. Por otro lado, Esmeralda es cantante de la banda argentina Aínda. Creo que es una de las voces con más talento de la escena latinoamericana y tengo la suerte de que sea mi amiga. Su aportación ha sido fundamental en este trabajo

    ¿Cómo fue todo el trabajo de producción junto a Juanito El Cantor?

    Juanito apareció en el momento perfecto, sin él no hubiese sido capaz de materializar esta idea. Nos conocimos en la costa de Uruguay y además de productor es un gran músico. Este disco es el primer paso de muchos proyectos juntos, compartimos la producción y trabajamos en equipo, recomiendo a todo el que tenga cariño por sus canciones y las quiera producir que contacté con él, es un perfil de músico y persona muy difícil de encontrar.

    ¿Qué importancia tiene para Pablo Lesuit el mensaje y qué relevancia tiene en este disco?

    Es fundamental decir algo, si la propuesta es interesante pero está vacía de contenido creo que pierde mucho valor. En «Belorizonte» todo es de verdad, cada una de las palabras escritas están vividas y creo que eso es muy importante.

    En cuanto a la imagen, ¿crees que es importante construir una buena imagen alrededor del producto musical como tal?

    Totalmente, me encanta el diseño, la moda, el audiovisual. El modelo de consumo ha cambiado y la canción ha pasado de ser solo canción a convertirse en algo más completo. Hay gente a la que no le gusta, a mí me parece realmente interesante lo que está pasando. La tecnología nos permite crear desde cualquier lugar y eso es realmente genial.

    «Cuerpos» y «La Noche» han sido los dos primeros adelantos de este trabajo, ¿por qué estas canciones?

    Me parecen dos temas bastante rupturistas con lo que está ocurriendo en la escena independiente de España. Creo que tienen un discurso fuerte y son muy personales.

    ¿Cuál crees que es la clave del éxito?

    Tuve un profesor de composición que a una pregunta parecida, contesto algo así como «ser feliz y mientras hacer música». Creo que si consigo estar en ese punto ya tendré todo el éxito al que aspiro .

    ¿Cómo afrontas el concierto de presentación en Madrid el próximo mes de marzo?

    Me pone muy contento presentar este disco en la Sala Sol, va a ser el primero después de publicar el álbum. Llevo años sin tocar en Madrid y creo que va a ser un reencuentro muy emocionante. Llevamos un show realmente interesante.

    Próximos pasos de Pablo Lesuit

    Voy a estar en México presentando este trabajo durante algunas semanas y al regreso comenzamos una gira que espero sea muy larga. 

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Renunciar a todo lo que implique no hacer mi música.

    PRIMERAS FECHAS PABLO LESUIT

    Viernes, 6 de marzo – MADRID – Sala El Sol

    Sábado, 16 de mayo – VIGO – Sala Mondo

    Jueves, 21 de mayo – LEÓN – El Gran Café

    Viernes, 22 de mayo – VALLADOLID – Sala Black Pearl

  • Sienna: «Tiempos de Impacto nace de una época de cambios y evolución»

    Sienna: «Tiempos de Impacto nace de una época de cambios y evolución»

    Sue nuevo disco llegó hace algunas semanas para salvarnos la vida, para curarnos las heridas cuando más lo necesitábamos. Se trata de «Tiempos de Impacto», el segundo larga duración de Sienna, que nos ha enamorado desde la primera escucha. Escucha que muy pronto se trasladará al directo y es que este mismo viernes 21 de febrero, podremos disfrutar de él en la Sala Continental de Barcelona. Aunque mientras llega el día, os traemos la entrevista que le pudimos hacer hace algunos días. Atención, porque tiene mucha miga.

    ¿Cómo surge el concepto de «Tiempos de Impacto»?

    Pues lo cierto es que «Tiempos de Impacto» es un poco una consecuencia de «Trágico y Fugaz». Tras este primer disco, experimenté una época de evolución, como de muchos cambios, de una intensa búsqueda del camino correcto y, sobre todo, de trabajar mucho con el equipo. Todos esos cambios y todo ese cúmulo de emociones, fueron para mí como pequeños impactos. Fueron como las consecuencias de «Trágico y Fugaz», pero desde una perspectiva de enfado y de resignación por todos esos impactos. Así que estas diez canciones son diez impactos que han quedado congelados durante el proceso.

    Hablando de impactos y de consecuencias, ¿cómo ha cambiado Sienna desde aquel «Trágico y Fugaz»?

    Pues al final, durante todo este proceso han ido llegando varios palos, pero no queda otra que ir aprendiendo y superando. Y, poco a poco, vas componiendo nueva música y vas sabiendo lo que quieres. Lo cierto es que la evolución es algo natural, forma parte de todo este proceso: lo raro sería no cambiar. Si no lo haces. algo no está funcionando. Así que, en definitiva, no soy el mismo y eso se ve reflejado en este nuevo disco.

    ¿Y qué queda? Porque al final siempre permanece nuestra esencia, aunque evolucionemos.

    Pues yo lo que creo es que lo que he intentado es seguir siendo fiel a mí mismo y tener presentes a los que han sido siempre mis referentes, como Editors, The Smiths o The Arctic Monkeys. Aunque realmente, lo que he querido es hacer un ejercicio de copiarme a mí mismo, pero cambiando el discurso y cambiando las letras. Y, evidentemente, contando otras historias. Pero siempre intentando ser fiel a mi manera de articular la música.

    ¿Cómo ha sido la acogida del álbum?

    Pues lo cierto es que me ha sorprendido muchísimo. Llevábamos mucho tiempo sin publicar nada y no esperaba tal acogida. Pero la verdad es que la gente ha sabido esperar muy bien y ha dado mucho espacio para poder crear y componer. Además, se nota que  no solo se han quedado con los singles, sino que se ha escuchado todo el álbum, tiene su canción favorita y conecta, la hace suya. Esa bidireccionalidad entre artista y público me gusta mucho.

    Nos ha llamado mucho la atención lo bien que está hilado todo: desde el título del álbum hasta el propio diseño. ¿Cómo surge todo el concepto de la imagen?

    Yo tenía claro que no había ninguna canción de relleno: quería que todas ellas tuvieran el mismo peso y que fueran igual de sólidas todas. Por eso, quería que cada una de ellas tuviera un icono determinada. De ahí, que la portada del disco sea un corazón simbólico, un corazón con forma de cerebro, que a su vez, está rodeado de un hilo. Un hilo que, si escuchas el disco, tiene un significado: y es que representa toda esta maraña emocional de la que hablábamos, representa todos estos impactos. Todo eso es lo que me interesaba representar: esa maraña a nivel emocional en la que cerebro y corazón están sumamente unidos. Y es que, todo lo que afecta a uno, también afecta al otro.

    De todo lo que leímos, una frase nos llamó la atención: «En este tiempo, hubo 14 impactos, pero solo 10 de ellos, los más profundos, se materializaron en este disco». ¿Qué te hizo descartar los otros 4?

    En la portada sí que se ven reflejados todos, porque hay 14 números. Pero sí que es verdad que las canciones que consideraba las más sólidas y contundentes, eran las que se han quedado. Quizás los otros 4 impactos, tienen que evolucionar en el tiempo y solidificar su discurso. Pero estas 10, como digo, son las que más peso tenían a la hora de componerlas y posteriormente, vestirlas.

    ¿Cómo ha sido trabajar con Raúl Nacher en todo lo que es la producción del disco?

    Ha sido muy guay, la verdad. Llevo trabajando con Raúl desde 2014 y creo que este es el momento que más he disfrutado de este proceso. Son muchos años conociéndonos, pero en esta ocasión, no ha habido ningún tipo de expectativa ni de querer hacer más: simplemente, nos hemos puesto al servicio de las canciones. Sí que es cierto que ha habido cierta presión, por mi parte al ser el segundo disco. Pero aún así, han sido dos o tres meses súper intensos en los que, con calma, he estado escuchando los temas una y otra vez, buscando una aproximación a lo que está sonando en mi cabeza, sobre todo.

    Como adelantos escuchamos «Solo Te Noto a Ti», «Una Presa que Atacar» y «La Cabeza y el Juicio». ¿Por qué estas canciones?

    Además, son justo las tres canciones que abren el disco. «Solo Te Noto a Ti» fue la primera casi que grabamos y la primera en salir: vio la luz en el mes de marzo, poco antes de lo que teníamos previsto que saliera «Tiempos de Impacto», pero por diferentes motivos, se terminó retrasando todo. «Una Presa que Atacar» fue la siguiente, porque pensamos que era la que mejor reunía el sentido del álbum: un discurso sólido y con esa parte hiptónica del principio. En cuanto a «La Cabeza y el Juicio» fue un pálpito: todos querían que el single fuera otro, pero yo sentía que tenía que ser esa y es que es una de las más especiales, tiene gran sentido para mí. Y ha funcionado muy bien, porque creo que cuando algo tienen mucha verdad, todo vale. De hecho, el mismo día que vio la luz este último single, vi que la compartió Alberto de Miss Caffeina, lo cual me hizo muchísima ilusión.

    «Tiempos de Impacto» muestra la evolución y el cambio de sonido de Sienna, aunque «El Simulacro» fue la primera prueba de ello. ¿Cómo surge esta canción?

    Pues al final, «El Simulacro» se ha quedado un poco como un tema de transición entre un disco y otro. Se ha quedado, como bien dice el título, como una especie de simulacro, a ver qué pasaba. Se ha quedado en la búsqueda de sonido, en el cambio que terminó desembocando en «Solo Te Noto a Ti». Lo seguimos llevando a los directos, porque nos parece un tema guay y a la gente le gusta. Pero creo que se tenía que quedar donde está, justo en el limbo entre ambos álbumes.

    ¿Cómo es todo el proceso creativo de Sienna?, ¿cómo construye su sonido?

    Creo que todavía le queda mucho por avanzar. Sí que es cierto que con el primer EP que publicamos, «Épico y Mortal», comenzamos a abrir un camino en la forma de crear la música, de componer la melodía. Y aunque hubo errores y diferencias, de todo ello terminas haciendo una virtud. Así que en base a eso, traté de empezar a construir todo el universo Sienna: desde las letras hasta la melodía, pasando también por esa simbiosis entre ambas. Y creo que conseguimos el equilibrio perfecto, entre el sonido de banda y la letra de cantautor.

    ¿Qué canción de Sienna definiría mejor el momento en el que estás y por qué?

    Pues quizás me quedaría con «Multitudes», porque es toda una declaración de intenciones y porque para mí tiene una de las mejores letras de este disco. Es súper directa y honesta, y es uno de los discursos más importantes para mí. Además, fue de las primeras que escribí. Eso, canción de este disco. Evidentemente, en la carrera de Sienna hay otras canciones como «Épico y Mortal», «Como Dos Cometas» o «Una Presa Que Atacar». Todos ellos son como temas bandera de la banda.

    Ahora llega el momento de los directos y ya tuvisteis primera toma de contacto en Madrid: ¿cómo vivisteis en concierto y el sold out allí?

    La verdad es que me está empezando a dar un poco de miedo todo lo que está pasando, porque ahora estamos empezando a ser conscientes de la magnitud que está congiendo el proyecto, a base de todo el trabajo que hemos hecho, claro. Y sí que es verdad que estoy empezando a notar cómo crece la burbuja y cómo se hace también más sólida toda esa base de seguidores que íbamos teniendo. Y lo cierto es que es todo muy gratificante. Precisamente, en ese inicio de gira en Madrid yo estaba tan nervioso, pero al final fue tan bonito, que se me olvidó absolutamente todo. Fue muy guay empezarlo allí, la verdad.

    ¿Cuáles son ahora los próximos pasos de Sienna?

    Pues estaremos recorriendo diferentes ciudades, como Barcelona este viernes y luego seguiremos por Alicante, sevilla, Granada o Murcia. Tenemos una gira de salas bastante extensa, que se unirá después a la de festivales (que quedan bastantes por confirmar). Y, bueno, algún que otro as en la manga tenemos. Estamos muy contentos con todo, la verdad.

    Para cerrar la entrevista, ¿alguna locura reciente que se pueda contar?

    Bueno, locura, a mí es que me pasan mil, pero porque soy muy despistado en ciertas cosas [risas]. Resulta que en uno de los conciertos, alquilamos una furgoneta para poder movernos de un sitio a otro. Y resulta que la empresa de alquileres siempre nos cedía la misma, pero en esa ocasión nos la cambiaron y ni nos fijamos. Así que yendo ya dirección al concierto, paramos y, sin querer, le puse diesel en vez de gasolina. ¿Qué pasó? Pues que claro, el coche se paró en medio de la carretera, tuvimos que llamar a la grúa, no llegamos a tiempo, se nos hizo una hora tarde. Ahora lo pienso y me río, pero en su momento lo pasé mal [risas]. Pero son cosas que pasan cuando vas con la inercia. Bueno y seguro que muchas más me pasarían, pero ya no me acuerdo [risas].

  • Adentrándonos en el particular universo de Ciudad Jara

    Adentrándonos en el particular universo de Ciudad Jara

    El pasado 7 de febrero nos sorprendía con el lanzamiento de su primer álbum ‘Donde Nace el Infarto’. Se trata de Ciudad Jara, proyecto personal de Pablo Sánchez, quien acaba de emprender un nuevo viaje. Viaje en el que, nuestros compañeros María Ibáñez y Makeda, han acompañado al autor durante unos instantes. No os perdáis la entrevista que le hicieron hace apenas unos días.

    «Hoy nace, dura como la piedra, una ciudad nueva. Un nuevo lugar.
    En ella se levanta el vaso y el puño.
    En ella cabe la locura de remate.
    Todo tenía un porqué.

    Un viaje a un lugar nuevo.
    Un destino del que tú también formas parte.
    Bienvenidos a Ciudad Jara».

    Así presentaste en octubre el nuevo proyecto, como una especie de nuevo mundo, al que además la intro del disco invita a que nos adentremos de una forma, para mi gusto, muy romántica: la luna, la noche, la locura. ¿Tenías claro desde el primer momento que querías que este halo de misterio envolviese el disco?

    Sí. A mí me gustaba pensar que toda la idea de ese algo nuevo que íbamos a generar, no solo musicalmente sino también como concepto, como Ciudad Jara, tuviera una llamada, una introducción que sí que tuviera este misterio. Y fíjate que era arriesgado porque al soltar una intro así tan épica podía parecer que todo el disco iba a ser así, en plan Juego de Tronos. Pero sí, me gustaba que la primera toma de contacto fuese así.  No sé, es como cuando ves el trailer de una peli y te genera ese: “Hostia, ¿qué es esto? ¿qué va a pasar aquí?”. Porque realmente en cuatro frases se está diciendo que se viene un mundo muy grande, y eso es lo que yo quería expresar.

    Me había ido de “viaje”, entre comillas; había estado un año y medio fuera de todo, componiendo, y ahora estaba volviendo a tocar tierra y me imaginaba a mí mismo así, rodeado de una fragata de gente que abandera la locura, que hace las cosas de corazón y como salen del alma, y me sugirió esta escena de los barcos llegando a tierra.

    ¿En un principio pensaste en el disco como concepto global o querías que cada canción tuviera su propio universo? 

    Yo creo que más como varios universos diferentes porque es muy, muy complicado pensar en un disco como si estuvieses pensando en un libro, por ejemplo. Yo no sé si hay algún artista que lo haga… Bueno, sí, creo que el disco que tiene Rosalía tiene como una línea narrativa en todos los temas, pero para mí, aunque me gusta la literatura, eso es algo complejísimo. Además creo que en la música tienes que expresar cosas que te salen muy fugazmente o esporádicamente y no puedes ceñirte a un guion de todo un disco. Me gustaba más plasmar la idea de plasmar doce historias diferentes.

    Entonces en el disco no hay, por así decirlo, un mensaje principal.

    Ninguno, no hay ningún mensaje. Sí que es verdad que cada disco lo compones en una época de tu vida y son los  momentos y la vida los que te van marcando el estilo. Yo por ejemplo he vivido una época muy bonita, que es la de ser padre, simultánea a una época muy difícil a nivel emocional porque he dejado un proyecto que estaba muy consolidado, con mucha gente que formaba parte de él. He decidido irme y hacer un viaje en solitario y todo eso pues te supone un montón de conflictos a nivel personal y emocional, y por eso no creo que haya ninguna idea clave. 

    Prácticamente una semana después del lanzamiento, ¿cómo  valoras el recibimiento por parte del público? ¿Ha cumplido con tus expectativas y con las suyas? Porque recordemos que antes de que saliese el disco ya habías hecho dos sold out para los conciertos de presentación.

    Joder, el recibimiento ha sido muy guay. Hay una cosa que valoro mucho y es que noto en el feedback que la gente más que centrarse y pensar o expresar que les gusta más una canción o que les gustaba más el Pablo de La Raíz, ha entendido un cambio. Más allá de si les gusta o no han entendido que esto es una deriva artística, que yo quiero expresar otras cosas, que quiero expresarme y vestir mi música de otra manera. Y esto es lo que más me gusta fuera de números, que también son importantes, ¿no? Porque como decías hemos hecho sold-outs con dos canciones apenas, cosa que por un lado da mucho miedo porque realmente vuelves a estar en la escena o en el mismo lugar del que huiste. Pero bueno, también pienso que aunque todo ha sido muy vertiginoso hemos currado mucho este año con el equipo de Ciudad Jara que somos muchos, no solamente Pablo Sánchez y los músicos. Hay un montón de gente alrededor de las redes sociales, la logística y todo eso. Y hemos currado al detalle cada cosita para que todo saliera bien, y creo que también es recoger el fruto de lo que hemos sembrado.

    Dentro de las doce canciones que completan tu trabajo hay un poco de todo: hay poesía, hay crítica, sensibilidad del cantautor.  ¿Sigues alguna fórmula para desarrollar la temática de las canciones?

    Fórmula como tal no. Yo saco muchos estribillos. A lo mejor saco veinte o veinticinco estribillos de canciones con la guitarra, muy épicos, me los imagino muy cantables y cada uno con una temática. Luego cojo los que más me gustan, me los quedo y desde ahí empiezo a hacer las once o doce canciones que quiero. Por eso al final es tan dispar el disco en temáticas y en estilos, porque un día me salió un estribillo un poco murguero, otro día las nanas. Pero no, pienso que no hay ninguna fórmula. 

    Y dentro de esta variedad de estilos, ¿piensas que hay alguna innovación importante?

    Como a nivel estilístico es muy variado, yo creo que a lo mejor la innovación está más en que la gente que conocía cómo componía yo, ha descubierto una parte más íntima o más personal, una manera de expresarme un poco más profunda alejada del bullicio de lo explícito, más cercana a la poesía y la metáfora. A lo mejor están encontrando un poco más de, como has dicho tú, sensibilidad de autor. Quizá eso sea lo más novedoso.

    En la primera escucha me llamó la atención especialmente los versos de Alfonsina Storni al comienzo de “Ultramar”. También has hablado del protagonismo de la estatua del pensador de Rodin. ¿Qué otras influencias artísticas has querido dejar plasmadas?

    ¡Buah, un montón! En casi todas las canciones las hay. Musicalmente hay muchísimas: canción de autor, que van desde Sabina, Violeta Parra, o Jorge Drexler, que me encanta; grupos extranjeros que me han gustado mucho y que parece que no tienen nada que ver a priori pero que están de alguna manera como Biffy Clyro o Coldplay. Y luego aparte otras fuentes artísticas como las que has dicho: he leído mucho a Alfonsina Storni, a Ángel González, y a Miguel Hernández sigo leyéndolo. “El último pasillo” lo inspiró un poema italiano que se llama “Ali d’ella” y habla del poder igualitario de la muerte. También escucho mucha música latinoamericana, de Uruguay, Argentina… No sé, muchas.

    Lo que hablábamos antes de la sensibilidad de autor es algo que donde más queda reflejado es en las letras, que en el disco tienen especial protagonismo. ¿Cómo piensas adaptar esto al directo? ¿Habrá una puesta en escena más bien íntima?

    No lo sé. Estamos empezando a ensayar las canciones, pero no el directo. Tenemos pensado empezar a ensayar el directo ahora cuando acabemos con esta promoción. Yo todo lo que hago en la música lo intento cuidar al máximo y el directo también. Obviamente será un concierto muy diferente a los que hacía con La Raíz. Ahí éramos once personas dando botes, muchísima energía, había mucho desenfado, un lenguaje muy explícito. La comunión con el público era enorme, cantaban ellos más que nosotros. No había a priori tanta exigencia a nivel técnico como puede tener esto. Intentaré que sea un concierto en el que pueda demostrar estas cosas íntimas que he plasmado en las letras de manera más cercana, pero que también sea intenso.

    Ahora que comentas esto de la cercanía, llama la atención que las confirmaciones que de momento tenéis, salvo los tres conciertos de presentación, son en varios festivales. ¿Valoráis o tenéis previsto hacer una gira de salas ya de cara al otoño, quizá?

    La gira de salas depende un poco de los conciertos que vayamos cerrando. El hecho de que empecemos en festivales tiene que ver un poco con el calendario porque si tú sacas un disco en marzo, no te da tiempo a hacer una gira de salas porque están todos los festivales ya en funcionamiento. Y nosotros nos vamos directos a los festivales por eso, porque hemos sacado el disco un poco “tarde” y también porque nos abre la puerta a que nos vea un abanico de público un poco más amplio.

    PRIMERAS FECHAS CIUDAD JARA

    06/02. 18:30H. FNAC Triangle (Barcelona)
    10/02. 19:00H. FNAC Sant Agustí (València)
    13/02. 19:00H. FNAC Callao (Madrid)
    19/03. Joy Eslava (Madrid). SOLD OUT.
    20/03. Joy Eslava (Madrid). SOLD OUT.
    21/03. IruñaRock 2020 (Iruña)
    27/03. Auditorio Murcia Parque (Murcia)
    28/03. Telecogresca 2020 (Barcelona)
    11/04. Ítaca (L’Escala)
    05/06 – 06/06. Festival de les Arts 2020 (València)
    19/06 – 20/06. Festival VinToro 2020 (Toro)
    02/07 – 04/07. Festival Río Babel (Madrid)
    04/07. Canet Rock 2020 (Canet de Mar)
    10/07 – 12/07. Festiuet 2020 (Coma-ruga)
    12/08 – 16/08. Sonorama Ribera (Aranda de Duero)
    13/08 – 15/08. Rabolagartija Festival (Villena)
    20/08 – 23/08. Cooltural Fest (Almería)

  • Morning Drivers: «Nuevas Intenciones refleja lo que teníamos en nuestra mente»

    Morning Drivers: «Nuevas Intenciones refleja lo que teníamos en nuestra mente»

    Descubrirlos ha sido un auténtico regalo: y es que desde las inmensidades Ibiza, llegan Morning Drivers para rozarnos el alma con todas y cada una de sus canciones. Canciones que han adquirido una nueva dimensión en su nuevo álbum. Preparaos para una revolución, llamada «Nuevas Intenciones». Y mucha atención también a la entrevista que hicimos hace algunos días a Luis Iglesias (bajista de la banda).

    ¿Cómo surge el concepto de «Nuevas Intenciones»?

    Pues lo cierto es que ha ido cambiando, el concepto inicial ha ido mutando durante dos años, que es el tiempo que hemos estado trabajando en él. La idea era un poco madurar un poco la música y el estilo que quedaron reflejados en el primer disco, en «Perspectiva». Al final, los primeros discos no suelen ser trabajos donde se refleje la madurez del grupo. Así que tras nuestro debut, nos quedamos un poco con la mosca detrás de la oreja y con la sensación de que teníamos que estrujarnos más la cabeza, darle una vuelta a lo que habíamos hecho, escribir las canciones de una manera diferente. Ahora, este «Nuevas Intenciones» sí que refleja mejor lo que teníamos en mente. Aunque seguramente, dentro de un año, nosotros mismos hayamos evolucionado y cambiado. En definitiva, queríamos darle una vuelta al concepto musical y creemos que lo hemos conseguido.

    Ya nos has dado las primeras pistas, pero precisamente, nos gustaría saber cómo ha evolucionado Morning Drivers.

    Ha sido un proceso natural, el proceso natural de cinco amigos. Aunque la verdad es que ha sido muy importante que los cinco hayamos tenido los mismos objetivos, porque nos hemos dejado llevar todos hacia una misma dirección. Era lo que necesitábamos, lo que buscábamos y lo que nos ha pedido el cuerpo, en este caso.

    ¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo de este disco?

    Pues ha sido bastante largo, porque las canciones han tenido millones de versiones: no sabemos la cantidad de veces que las hemos cambiado. Sí que es verdad que tenemos una manera de componer bastante peculiar, porque nace primero la música y luego encima, va la voz. Entonces durante este proceso cambiaron muchas cosas, igual que en el estudio. No queremos decir que ha sido un proceso durillo, pero sí que ha sido sacrificado: de estar a diario durante años y no conformarse con lo primero que llega y te gusta, siempre con la idea de que se puede mejorar e ir a más. Y es difícil, porque hace mucho tiempo, nosotros dejamos de ser objetivos con nuestras canciones, entonces cuando ya estás tan viciado con tus temas, te entran dudas. ¿Estará ya bien?, ¿lo estaré haciendo bien? Por eso ha sido complicado. No ha sido un proceso de crear y grabar al día siguiente. Cada canción ha estado macerando durante mucho tiempo y hemos cambiado cosas por el camino, pero al final, siempre hay que encontrar el punto y parar.

    En ese sentido, el trabajo con Joan Barbé y Omar Gisbert habrá sido clave. ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con ellos?

    La verdad es que la figura de ambos ha sido importante, ha sido como aire fresco: ellos han tenido la mente clara y fresca para guiarnos y ayudarnos, cuando nosotros ya estábamos muy viciados y no sabíamos qué cambiar y cómo hacerlo. Además, Joan Barbé y Omar Gisbert son dos personas con mucho peso en la escena musical de Ibiza y saben muchísimo. Así que para nosotros han sido una ayuda y un empujón increíbles: gracias a ellos, no somos cinco en la banda, somos siete.

    En este disco, ¿qué peso tiene el mensaje, las letras?

    Creemos que estas once canciones recogen historias y sensaciones que nos han pasado o que hemos sentido la mayoría. Aún así, hemos tenido como base en este disco, enviar un mensaje de optimismo a la gente. Es como ver el vaso medio lleno o medio vacío: en nuestro caso, lo hemos querido ver medio lleno y transmitirlo de esta manera al público. Al fin y al cabo, «Nuevas Intenciones» es un disco que habla de sacrificios y de heridas que aunque duelan, siempre se terminan curando.

    En cuanto al sonido, ¿cómo construye Morning Drivers todo ese universo sonoro?

    Siempre empezamos en el local y todo probando. Sabemos lo que nos gusta y lo que no, y en base a eso, funcionamos a base de prueba y error, dándole también una vueltecita al sonido que llevamos usando toda la vida.

    «Sabe a Poco» y «Salto Cuántico» fueron los primeros adelantos, ¿por qué escoger estos dos temas?

    «Sabe a Poco» la escogimos porque consideramos que era lo más fresco, lo más alternativo que hay en el disco. Nosotros, en ningún momento, nos hubiéramos imagino que saliera un tema como este. Es muy diferente, son prácticamente todo arreglos y no hay ningún tipo de relleno. La canción salió así, tal cual. Y nos sorprendió tanto a nosotros mismos, que enseguida entendimos que tenía que ser uno de los adelantos.  En cuanto a «Salto Cuántico», decidimos que fuera esa, porque era un poco lo contrario a la primera: es un tema más movido y que invita más a bailar y a pasárselo bien. Creíamos que era una buena opción demostrar que éramos capaces de una cosa y de la otra.

    Otra de las cosas que nos han llamado la atención ha sido el diseño del disco. ¿Cómo surge?

    El diseño de lo que es el disco está hecho por nosotros, junto a un compañero diseñador en el que hemos confiado. Al final, refleja de manera metafórica y a través de sus ojos, el camino o la propia trayectoria de la banda. Y, en cierto modo, creemos que también cierto pie a la ilusión, nuestra ilusión. Por eso nos gustó tanto.

    ¿Os imaginasteis en este punto cuando empezásteis?

    Cuando empezamos no, también porque comenzamos haciendo algo completamente diferente, inicialmente y antes de crear nuestras canciones propias, nos dedicábamos a versionar temas de Two Doors Cinema Club, Foo Fighters. No recordamos qué pensábamos hace seis años cuando nos metimos de lleno en esto, pero seguro que no era esto. Aunque más adelante, sí que nos planteamos qué hacer y hacia dónde dirigirnos. Fue ahí cuando empezamos a buscar lo nuestro y cuando decidimos que una de nuestras bases sería pasárnoslo bien y disfrutar. Ahí ya sí que nos lo imaginamos, porque ya íbamos decididos a por ello.

    Ahora llega de presentar el disco en directo, ¿cómo lo afrontáis y cómo os preparáis para ello?

    Lo afrontamos con ilusión y con muchas ganas, porque poder salir de gira es un auténtico lujo. Hay gente que no puede hacerlo, así que el hecho de poder hacerlo nosotros es un regalo. Así que estamos totalmente agradecidos de poder salir, aunque después vengan solo 50 personas. El punto es ir llegando, poco a poco, a más gente. En cuanto a cómo nos preparamos los directos, vamos al dedillo en cada sitio. Y es que cada bolo en cada ciudad, es único y exclusivo del lugar al que vamos. La idea es que la gente vea algo diferente en cada ciudad. Es un trabajo que nos gusta y que nos mantiene en forma.

    ¿Qué canción de Morning Drivers define mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Quedarnos con una es complicado, pero diríamos «Fronteras» y eso que no es de este disco. Pero creemos que es la canción que más necesitamos ahora mismo, porque habla un poco de expandirse, de celebrar todo lo que estamos consiguiendo, de romper cualquier tipo de barreras. Barreras que todavía seguimos teniendo y es que aún nos queda mucho camino por recorrer y mucha gente a la que llegar. Por eso, «Fronteras» es la canción con la que nos quedaríamos a día de hoy.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Sin duda alguna, la mayor locura que hemos cometido es compartir hotel. Es horrible.

    No sé si preguntar por qué o no…

    Eso ya es secreto de estado, pero es horrible [risas].

    PRÓXIMAS FECHAS

    14 de Febrero – Sala Azza + L’home brut – Valencia. 
    15 de Febrero – Sala Musik + Joven Dolores – Murcia. 
    28 de Febrero – Sala La Trinchera – Málaga. 
    29 de Febrero – Sala X + Joven Dolores – Sevilla. 
    16 de Abril – Sala Boogaclub – Granada. 
    30 de Abril – Sala Sidecar – Barcelona.
    01 de Mayo – Sala El Perro – Madrid.


  • Penny Necklace: «Para componer, hay que dejarse llevar y yo lo estoy haciendo»

    Penny Necklace: «Para componer, hay que dejarse llevar y yo lo estoy haciendo»

    Es una de las artistas a las que más tiempo le hemos seguido la pista y no es para menos: desde la primera vez que la escuchamos, algo de nosotras se quedó con ella. Se trata de Penny Necklace, quien recientemente ha estrenado su nuevo EP, «Líquidos». Precisamente, al hilo de este lanzamiento, pudimos hablar con ella: conocimos mejor su proyecto y nos adentramos en su particular y especial universo.

    «Líquidos» acaba de ver la luz, un EP especial que forma parte de todo un trabajo muy bien conceptualizado. ¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde su inicio?

    Creo que está siendo un proceso creativo del cual está siendo la gente partícipe. Sí que es verdad que tengo un esquema en la mente y que en base a eso, voy generando unas piezas dentro de un concepto, pero lo voy reformulando constantemente. Creo que eso también forma parte del proceso, el no ponerte límites y no cerrarte puertas, el dejar que determinadas situaciones o personas te vayan inspirando durante el tiempo que pasa de un EP a otro. Hay que dejarse llevar y eso es lo que estoy haciendo. Cuando es época de grabación, me meto mucha caña para generar las piezas, que después pasan por una fase importante de postproducción. Hay cosas que se quedan en barbecho para después rescatarlas y trabajar en ellas. Voy sacando las cosas periódicamente, para tener como esa continuación, pero no dejo de abrirme y de hacer en unos meses lo que, a lo mejor, otros artistas hacen en dos años.

    Al ser tan pausado, ¿cómo está siendo todo el proceso creativo y compositivo de este proyecto?

    ¡Bien! La realidad es que lo estoy compaginando con la vida más cotidiana. Al final, voy avanzando cuando consigo cuadrar todos los ratos libres o de vacaciones con los de la banda y con los del productor. A veces incluso es cuando consigo todos los medios para poder seguir avanzando. Creo que es un ritmo en el que estoy sumida y que se ve reflejado en lo que puedo hacer.

    Hace unos meses en una entrevista previa, hablamos del tema de la sinestesia, que es un poco el hilo conductor de estos EPs. ¿Por qué hablar precisamente de ella?

    Sencillamente, es un tema que me interesó muchísimo. Tuve la casualidad de coincidir con alguien que era sinestésico y me producía mucha curiosidad. Considero que la sinestesia es un súper poder. Justo a raíz de ahí, comencé a leer sobre ello y creo que es un tema como un tanto onírico, como que la gente no termina de aterrizarlo o entender del todo en qué consiste. No es algo como demasiado científico y, además, cada sinestésico tiene como sus propias asociaciones. Es un súper poder. Y es algo que se presupone que tienen los niños al nacer, pero luego se separa. Imagínate seguir teniendo esa frescura y esa conexión en su cerebro. Me parece maravilloso tener todos tus sentidos conectados y tener la capacidad de desarrollar más de cinco. Yo no soy sinestésica pero sí que intento buscar esas conexiones raras con mi música y que, después, la gente interprete y sienta de diferente manera cuando la escucha.

    Volviendo un poco a «Líquidos»: ¿cómo ha sido la acogida del EP?

    Pues la verdad es que ha sido muy buena. Vio la luz el primer tema como single, ahora ha visto la luz «Aceite» como videoclip y ahora estamos trabajando para crear un nuevo vídeo. Mi intención es seguir rodando aún más este EP, tocar dentro y fuera de Madrid, y seguir trabajando. A su vez, estoy terminando de producir «Gaseosos», a ver si para después de verano puede ver la luz el disco.

    Foto: Joe Sámano

    Nos ha llamado la atención los temas que forman parte de este «Líquidos». ¿Por qué «Agua», «Sangre» y «Aceite»?

    Cuando yo me lo planteé, pensé un poco lo mismo. En primera instancia, quise ir al mínimo común múltiplo, a lo básico. Por eso, escogí el «Agua» como primer tema, porque es el alimento básico, el primer rasgo de vida y es que todo está compuesto de agua. Luego, a raíz de eso, había un tema del que quería hablar: recientemente he debutado como diabética de tipo 1, así que, el hecho de medirme el azúcar en la sangre se ha convertido en mi día a día. De ahí que introdujera «Sangre» dentro de «Líquidos». En cuanto a «Aceite», creo que es la amalgama que une estos dos líquidos, uno denso y otro más cristalino. Además, quería utilizarlo para hablar de un rasgo que me gusta mucho, que es el de fluir, el de engrasar una máquina. Finalmente, por su propio peso, fueron las tres ideas que más me convencieron.

    En todo este proceso, Víctor Cabezuelo ha sido una pieza importante, especialmente en lo que respecta a la producción. ¿Cómo ha sido trabajar de nuevo con él? 

    En realidad, cada vez que planifico mis tiempos para componer y grabar, al primero al que le pregunto es a Víctor. Y a raíz de sus fechas, empiezo a planificar yo las mías. Ahora mismo, no concibo hacer nada sin él. Aunque, bueno, también entiendo que cada uno tiene su propio camino y en cualquier momento, podré trabajar con otra persona. Pero ahora mismo, forma parte de Penny Necklace.

    Junto a Víctor, tú has estado co-produciendo. ¿Volverías a repetir la experiencia de formar parte tan activa?

    Sí, en realidad, no sé muy bien dónde está la barrera. Porque estoy aprendiendo mucho, me estoy metiendo mucho en la preproducción de los temas y el tiempo que puede invertir Víctor es para estar en el estudio grabando y avanzando. Entonces creo que hay muchas cosas que vienen ya bastante machacadas de casa, también porque el género, la electrónica es un poco así: tiene muchas capitas y muchas texturas. También creo que es un poco por mi manera de componer: paso tiempo en casa, con el ordenador y en solitario, trabajando en las nuevas canciones. Tal y como está compuesto el proyecto a día de hoy, es la única manera que se me ocurre y seguirá siendo así.

    «Aceite» ha sido el último tema en salir junto a su videoclip. ¿Cómo surge la idea del mismo?

    Surge un poco por la idea que te comentaba de fluir, de dejarse llevar, de buscar una solución a los problemas. Resulta que nos fuimos de viaje a Ámsterdam y Rotterdam y con el móvil grabamos otra ciudad, otro ambiente, otro entorno urbano. Una idea que me gustó bastante y que me apeteció contar. Además, yo estudio arquitectura y estuvimos viendo muchos edificios interesantes de ambos lugares. Con todo eso, me volví un poco loca con el neón, que brotó sin más y se ha convertido ahora un poco en el sello de identidad de «Aceite» y de «Líquidos», incluso. En definitiva, tenía claro que quería dejar fluir y mostrar algo bonito, con los medios que tenía. Y creo que quedó bastante auténtico.

    ¿Cómo construye Penny Necklace ese sonido tan particular que tiene?

    Pues tengo muchas referencias, la verdad. Y cuando algo me sorprende, intento desmigarlo al máximo y ver qué tiene esa persona para que haya realizado dicha obra. Luego también, muchas veces comienzo composiciones con las que experimento y que terminan mutando en otras. Además, tengo muchas referencias visuales que se entremezclan: trabajos de los 90′ que se juntan con temas más actuales. De ahí el mix. No considero que haga un género en concreto, aunque sí que es verdad que me interesa la electrónica y la psicodelia, y que he escuchado mucho pop. Así que intento tenerlo todo presente, porque todo ello determina un poco quién soy.

    ¿Cuáles son los próximos pasos de Penny Necklace?

    Mi intención era tocar todo lo que pudiera, aprovechando el verano y la época festivalera. Aunque sí que es verdad que, en determinados puntos, es complicado que el proyecto de Penny Necklace encaje en determinados lugares. Entonces quiero continuar, pero ya con vistas al año que viene, de seguir bookeando sitios y propuestas diferentes. También quiero invertir esfuerzos en componer, en grabar, en crear nuevos y mejores videoclips, mejorar mis conciertos y poder ofrecer directos en lugares en los que la gente disfrute. Al fin y al cabo, me gusta ir a sitios donde quieran escucharme.

    Un escenario en el que tocar.

    En el Festival Sinsal, que se celebra en Galicia. La gente se sube a un barco sin saber qué artistas van a actuar.

    Un escenario al que volver.

    Me apetece mucho volver al Sonorama, en el que ya estuve hace cuatro años, y al fin vuelvo este 2020,

    Un artista o banda con quien compartir escenario.

    Es un poco idea loca, pero hace algunos días alguien lo comentó y me pareció genial: el hacer un festival con todas las bandas amigas. Con Rufus T Firefly, con Lázaro, con Ambre.

    Qué canción de Penny Necklace identifica mejor el momento en que estás y por qué.

    Yo creo que sería «Sangre», porque es mi favorita ahora mismo y estoy preparando el set ahora mismo, con interludios, para que las canciones fluyan de unas a otras como un viaje continúo. En eso creo que está muy involucrada la electrónica y esta es la canción más electrónica que tengo ahora mismo.

  • Carletti Porta: «En Especies de Sombras quería recoger el imaginario en el que convivo»

    Carletti Porta: «En Especies de Sombras quería recoger el imaginario en el que convivo»

    «Especies de Sombra» tiene ya nueve días de vida. Se trata del nuevo trabajo del artista albaceteño Carletti Porta, a quien conocimos hace cerca de un año con el final de gira de su «Caballero». Mucha atención a esta auténtica joya que acaba de ver la luz y que está recorriendo ya escenarios de cabo a rabo. Mientras, podéis disfrutar de la entrevista que le hicimos a Carletti Porta y de todo lo que nos estuvo contando.

    ¿Cómo surge este «Especies de Sombra», el último adelanto que presentaste junto a Ricardo Lezón?, ¿cómo nace el tema y la colaboración con él?

    Pues esta canción es una de las más antiguas que tenía en los cajones que, además, da título a mi nuevo álbum. Y nada, hace unos meses tocaba en el Coppola de Bilbao, una sala a la que suelo ir con frecuencia, y una de las noches fue Ricardo Lezón, a quien conocí gracias al dueño del local. Desde el principio, congeniamos genial y enseguida le pregunté si quería colaborar. A mí lo que más me gustaba de Ricardo eran sus letras, más que las mías. Así que entendí que si metía unos versos en «Especies de Sombra», iba a mejorar un montón. Al final, este tema habla precisamente de nosotros, de los que hacemos canciones y estamos en las sombras.

    ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con él?

    Creo que la frase que mejor podría definir esta colaboración es la de «Dios los cría y ellos se juntan». Estaríamos solo como una hora o tres cuartos hablando en Bilbao, pero nos caímos bien al instante. Fue ahí cuando le tiré el tejo. A partir de ahí, el contacto ha sido a través de correo electrónico: yo grabé la canción en mi estudio, se la pasé y él grabó en Bilbao. Aún así, se ha creado ya un vínculo entre nosotros, como si nos conociéramos de toda la vida ya. Ha sido algo increíble, la verdad. Además, la canción ya nos une para toda la vida: nuestras voces están ya unidas en un mismo tema. ¿Es algo muy potente, no?

    Continuando con el tema de colaboraciones, también podemos escuchar a Marlango en este nuevo álbum. ¿Cómo surge y cómo fue trabajar juntos?

    A Marlango los conocí en Albacete, donde me invitaron a tocar en un concierto con ellos y la verdad, es que genial. Luego, para devolverles la pelota, los invité al final de gira de «Caballero», en el Café La Palma. Justo después de esta primera toma de contacto, me invitaron a telonearlos durante su gira «Technicolor». Lo cierto es que son gente súper sencilla con la que da gusto trabajar. Y todo ello nos sirvió para mantener el contacto, de ahí que hayan participado en «Cómo no voy a morir por ti»: Alejandro puso su sello al piano y Leonor hizo lo propio con la voz. Así surge la colaboración, a base de cotidaneidad. Trabajar con ellos, para mí ha sido una escuela de calor: Alejandro Pelayo es un mago de las teclas y Leonor Watling es una de las damas de la música.

    Respecto al álbum, ¿cómo surge todo el concepto de «Especies de Sombra»?

    Pues «Especies de Sombra», en realidad, es un término botánico y hace referencia a todas aquellas especies que necesitan de las sombras para poder crecer y salir hacia la luz. Era un concepto en sí que me atraía, porque en la vida real, los músicos somos unas especies de sombra que necesitamos salir a la luz o no. Igual que nuestras canciones. O que los niños. Entonces quería recoger en este álbum todo ese imaginario en el que convivo, de música, familia, casa, vida. Además, precisamente estas canciones eran canciones que estaban a la sombra desde hace bastantes años. Así que viene de ahí.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de este trabajo?

    Yo suelo componer canciones siempre desde la cotidianidad: soy un tipo tranquilo con una vida normal, pero lo que aflora dentro de mí lo saco y suele encontrar su hueco en las canciones. Las necesito para convivir conmigo mismo y, la verdad, es que no suelo buscar nada en concreto, sin trucos y sin ataduras.

    ¿Y qué importancia han tenido las letras, el mensaje de cada una de las canciones de este trabajo?

    Creo que según voy haciéndome más mayor, voy encontrando más refugio en las canciones. No sé qué poeta decía que escribía poesía por estar un rato solo; y a mí me pasa un poco lo mismo. La música, las canciones me hacen sentir más sano, más fuerte en mi día a día. Además, saber que algunas de mis canciones han ayudado o han conmovido a algunas personas, también me sirve a mí como motor. Que tengan sentido para otros, me reconforta, me hace sentir bien. Al fin y al cabo, lo único que quiero es seguir caminando.

    ¿Cómo te sentiste ante el lanzamiento de este «Especies de Sombra»?

    Hay una cosa que me pasa siempre que publico single o disco: y es que las canciones, la noche de antes del lanzamiento, no me suenan igual. Es una necesidad de expulsarlas y de que vean la luz, para que empiezan a ser parte del público y no solo mías. Todo ello, termina haciéndome sentir más ligero.

    ¿Y de qué manera ha evolucionado Carletti Porta desde «Babyhannah’s Album»?

    Hace poco me preguntaron que por dónde recomendaría empezar a escuchar mi música. Yo recomendaría, a quien fuera, empezar por este último trabajo. Y es que en este «Especies de Sombra» hay mucha más madurez, mucha más conciencia del trabajo y, sobre todo, como más ímpetu o conciencia de estar en el mundo. «Babyhannah’s Album» y «Caballero» fueron dos trabajos inevitables, casi que no fueron intencionados. Eran trabajos que, de cualquier manera, tenían que salir. Así que resumiría la evolución en dos palabras: madurez e intención.

    ¿Cuáles serán los siguientes pasos de Carletti Porta?

    Pues seguir con la gira, tras el concierto del pasado 1 de febrero en Madrid. El 15 de febrero tocaré también con banda, en la Black Note de Valencia. A partir de ahí, seguiré solo el día 28 en Alicante, Zaragoza, La Roda, Barcelona. y en mayo regresaré a Madrid. Al final, la idea es no parar de tocar. Es lo que conlleva, es lo que lleva implícito el hacer canciones.

    ¿Cómo te preparas los directos y más actuando en dos formatos diferentes, con banda y tú solo?

    Pues cuando voy solo, me he dado cuenta de que la manera en la que más cómodo me siento es ir sin setlist, sin guión. Unos veinte minutos antes sé con qué canción voy a empezar, pero ya está. Voy tocando los temas que voy sintiendo, que me van surgiendo. Y de esta manera, el concierto también es mucho más fluido y más natural. No me voy interrumpiendo mirando el papel. Para mí esto ha sido muy importante, porque ha hecho que vaya mucho más relajado al concierto. Ha sido como un salvavidas.

    Cuando voy con banda es diferente. Lo preparamos todo de tal manera para que todos los músicos tengamos bastante margen de maniobra, ya que tenemos muy pocos ensayos. En estos casos, cada uno de nosotros aportamos lo que consideramos que es mejor, siempre con un criterio, y salimos al escenario a darlo todo.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Pues llamé a mi jefe y le dije que no seguiría trabajando con él, incluso ofreciéndome una mejor en mi puesto. En ese momento, me dije a mí mismo: «voy a dedicarme a la música». Y cuando colgué el teléfono, me llamaron de Marlango para colaborar en una canción y trabajar mano a mano con ellos. Al final, ha sido la locura más cuerda que he cometido en mi vida.

    PRIMERAS FECHAS DE CARLETTI PORTA

    15 DE FEBRERO – BLACK NOTE CLUB – VALENCIA

    28 DE FEBRERO – VILLAVIEJA 6 – ALICANTE

    7 DE MARZO – SALA SARAMAGO – ALBACETE

    13 DE MARZO – SALA CREDEENCE – ZARAGOZA

    21 DE MARZO – SALA SIGÜENZ(A)RTE – SIGÜENZA

    4 DE ABRIL – REVOLTA – BARCELONA

  • Messura: «Musicalmente, Animal es un disco continuista»

    Messura: «Musicalmente, Animal es un disco continuista»

    Han sido uno de los grandes descubrimientos de estos últimos meses. Con el rock por bandera y con un profundo amor hacia la música, el cuarteto ha vuelto a sorprendernos. Sí, se trata de Messura, quienes acaban de publicar su reciente trabajo «Animal». Un álbum con una fuerza arrolladora y desgarradora, que presentarán este mismo viernes 7 de febrero en Madrid: que tiemble la Sala Cadillac Solitario, porque Messura ya están aquí. Y al hilo de este esperado lanzamiento y de este enérgico concierto, hemos podidos hablar con la banda. Mucha atención a lo que nos han contado.

    ¿Cómo surge el concepto de este último trabajo, de «Animal»?

    Realmente es continuista, en «OtoñoXVII» sólo grabamos cuatro temas que ya enseñaban las maneras de Messura. Nuestra idea era la de no ponernos trabas en lo que a la composición o el estilo se refiere. Dentro de un género tan amplio como el rock no queríamos cerrarnos a nada y seguimos con esa actitud. 

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?

    Como te comentamos, nos gusta que el proceso creativo no sea restrictivo. Las ideas las trae Diego al local y entre todos les damos forma. Él trae algo con muchos cambios pero sin estructura y ya en el local todos aportamos y hacemos de su caos un tema [risas]. 

    ¿Cómo fue trabajar en los Estudios Reno?

    Algo nuevo para nosotros. Nunca habíamos podido dedicar tiempo a la producción y en «Animal» ha sido así. Trabajar con Karim y Rams fue enriquecedor a nivel personal, para la banda y para el disco. Suponemos que ese es el fin, y en este caso creemos, que lo hemos conseguido.

    ¿Por qué ahora el salto al LP?

    Somos unos románticos. Sabemos que la industria no va por ahí, ahora se llevan los video-singles y colgar contenido en redes cada mes, pero también somos conscientes de dónde venimos y en lo que creemos. Un LP da credibilidad a nuestro trabajo y una base más sólida que los EPs. A finales de este mes sacamos el vinilo y es algo de lo que tenemos muchas ganas, ya que como decíamos antes, somos unos románticos [risas].

    ¿Cómo está siendo la acogida?

    Estamos sorprendidos, pero sobre todo agradecidos. Es muy bonito ver como crecen los oyentes día a día, más aún cuando es algo que hemos hecho de una manera visceral y por necesidad. Como músicos llevamos toda la vida en bandas y por tanto esto ha crecido con nosotros y cuando algo que nace sin pretensiones, llega a la gente de la manera en que está llegando, es increíble y sorprendente.

    Pop, stoner, rock. Toda una variedad de estilos que conviven a la perfección en vuestras canciones. ¿Podríamos decir que es este el sello Messura?

    Esto lo deberían decir los oyentes [risas], no sabemos cuál es nuestro sello. Lo que tenemos claro es que no vamos a renunciar a ninguno de esos estilos que nombras, ni a ningún otro. Si los temas tienen alma van para adentro sí o sí. 

    ¿Se debe huir de las etiquetas?

    Nosotros huímos, pero entendemos que son necesarias para la comunicación entre melómanos. Tanto estas, como las comparaciones ayudan a la gente a la hora de hablar de música. Pero luego a las bandas nos resulta muy difícil apropiarnos de ellas.

    ¿Cómo ha evolucionado Messura desde aquel primer «OtoñoXVII»?

    En lo musical, como comentábamos, es continuista. Pero en lo profesional, es un equipo humano que va creciendo en todos los aspectos. En número y en calidad, pero sobre todo en aprendizaje. Aunque llevemos toda la vida en la música, nunca nos había exigido tanto a nivel bolos, raiders, técnicos, medios. 

    «Dicotomía» ha sido el último adelanto. ¿Cómo surge toda la idea del videoclip?

    Pues no queríamos salir en pantalla y dar importancia a la poesía del tema, tanto en la lírica como en lo musical. En este videoclip queríamos dar importancia a la estética, a la fotografía. Contactamos con Patricia para la dirección y con Álvaro para la grabación de este. Ambos entendieron a la perfección la idea y una vez así no quisimos interferir en su trabajo y estamos encantados de haber actuado así. El resultado nos ha gustado a nosotros y está teniendo una acogida sorprendente. 

    Sois la banda emergente de la Promoción’20 de «Hoy empieza todo» (Radio 3), habéis participado en «Un país para escucharlo» y pronto actuareis en «Los conciertos de Radio 3». ¿Cómo os sentís ante todo ello y cómo lo afrontáis?

    Agradecidos y con fuerzas para afrontar lo que venga. Si es cierto que todo esto que nombras ha sido sorpresivo pero nos da confianza en nuestro trabajo. Aun así, la juventud de la banda como tal hace que sintamos un poco de vértigo. Aunque como dice una amiga «al vértigo, alas». 

    ¿Cómo vivisteis las primeras presentaciones en Logroño y Madrid?

    Jugar en casa, a priori, es más sencillo pero es la plaza que más nos mueve el pecho. Sabíamos que había espectación pero no imaginábamos lo que sucedió. Meter 650 personas con tan poca trayectoria como banda es un hito en la escena riojana. Fue apoteósico ver a la gente cantando todas nuestras canciones y con una actitud como público que nos emocionó. Lo mismo sucedió en la Sala Juglar en Lavapiés. Salir de nuestro entorno y encontrarnos con la acogida que nos encontramos aquí fue algo más sorprendente si cabe. Ver a gente que no conoces de nada corear tus estribillos es algo que llena mucho. 

    ¿Cómo afrontáis esta gira 2020?

    Con ganas y con la idea de aprender y disfrutar de este aprendizaje. De momento se están cerrando cosas muy interesantes y la perspectiva es de crecimiento, así que ilusionados con ello. 

    Dos años como banda y carrera in crescendo. ¿Qué está pasando con el fenómeno Messura?

    Eso nos gustaría saber a nosotros [risas].

    ¿Cuál creéis que es la clave del éxito?

    Creemos que eso no lo sabe nadie, si no este mundillo sería muy frío y matemático. Somo de la idea de que el arte no son matemáticas. 

    ¿Qué importancia tiene para vosotros el mensaje?

    Lógicamente mucha. Diego no concibe escribir sin mensaje. Este puede adoptar muchas formas. De hecho en «Animal» hay mensaje directo y mensaje entre líneas. Da importancia a la poética pero si esta no tiene contenido, no vale. 

    ¿Creéis que la música peca de falta de mensaje que conmueva o que conciencie?

    Según los estilos, hay música que tiene mucho mensaje. Otra cosa es en los estilos que imperan en los medios, ahí si que no hay mensaje válido para nosotros. Es rara la banda que suena en las emisoras convencionales con mensaje subversivo. Pero creemos que es más un problema de las multinacionales musicales o grandes empresas de comunicación que de las bandas en sí. No interesa que la gente sea crítica, y la música siempre ha sido un canal que calaba profundamente en la filosofía de la juventud. 

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Seguir en ella con la misma emoción que el primer día. Seguir aquí nos está dejando claro que va a ser muy difícil que lo dejemos. Además de la banda, somos profesores de música los cuatro así que la locura la cometimos al inicio de este camino o tal vez nacimos dementes. El caso es que aquí seguimos.

  • Triángulo Inverso: «Seres en Movimiento habla de temas mucho más cotidianos»

    Triángulo Inverso: «Seres en Movimiento habla de temas mucho más cotidianos»

    Todavía no hace ni una semana que salió el nuevo disco de Triángulo Inverso. Pero ya está aquí «Seres en Movimiento», como un verdadero rayo de luz, para enamorarnos con todas y cada una de las diez canciones únicas y personales que recoge. Y es que, amigos, nos encontramos ante el mejor disco de los madrileños: el mejor y el más intimista. Precisamente, el mismo día del lanzamiento (el viernes 24 de enero), nos encontramos en Barcelona con Manu y Gabri Muñoz y con Jose Arriero. Aprovechamos para hablar del disco, de música y de muchas otras cosas más.

    ¿Cómo os sentís ante el lanzamiento de este «Seres en Movimiento»?

    Manu. Estamos muy contentos porque ayer lo presentamos en las oficinas de nuestra distribuidora, de Altafonte. Y la verdad es que desde el principio la energía fluyó de una manera bestial. Ya se notó en la grabación que iba a ser un disco muy alegre, y tras esta pequeña primera presentación, ya notamos esa magia. Esperamos que siga creciendo, creciendo y creciendo, y que se convierta en un monstruo.

    ¿Cómo surge el concepto de «Seres en Movimiento»?

    Gabri. Pues lo empezamos a hacer en 2018. Nada más terminar el primer disco, nos dimos cuenta de que queríamos hablar de temas mucho más cotidianos nuestros y ver los diferentes puntos de vista que teníamos respecto a lo que es la vida para nosotros en estos momentos. Fue entonces cuando nos dimos cuenta de que «Seres en Movimiento», como concepto, era lo que más pegaba con lo que queríamos. Como resultado, tenemos diez pequeñas historias que hablan precisamente de eso, de seres que se encuentran en movimiento. A veces estamos arriba, a veces estamos abajo, pero siempre usamos el movimiento como una plataforma, como un altavoz.

    Manu. Para hablar del momento de tu vida en el que estás. Creemos que son diez historias que te van a contar cosas reivindicativas e incluso esperanzadoras, en el sentido de que hay algo nuevo en lo que creer. En definitiva, son vivencias con las que nos podemos sentir identificados todos: momentos en los que te sientes atrapado y frágil, otros en los que te crees el puto amo y estás en movimiento, e incluso otros en los que te enamoras de la gente. De hecho, «Seremos Luz», habla un poco de eso, de la energía y de la luz que te transmite la gente.

    Precisamente, escuchando el disco, me ha dado la sensación de que es más introspectivo que los anteriores. Aunque ya habéis dado alguna pincelada, ¿hasta qué punto es así?

    G. Sí, hemos sido más egoístas, hemos querido hablar más de cómo estábamos nosotros y del punto vital en el que nos encontrábamos, con nuestros 20 y tantos años. Que al final, es extrapolable a cualquiera, porque las situaciones que contamos están un poco enmascaradas con metáforas. Aún así, este «Seres en Movimiento» sí que es un disco muy personal, muy muy nuestro. No deja de ser nuestra particular visión de cómo es el mundo, de cómo lo vemos nosotros.

    Siguiendo un poco el hilo sobre el mensaje y su importancia, ¿creéis que a la música, a las canciones, les falta ese poder de transmitir?

    M. Sí, vivimos en una sociedad en la que hay tantas canciones que transmiten cero, que a nosotros sí que nos gustaría un poco coger la bandera de «oye, tenemos algo que decirte». En ese sentido, creemos que este disco es mucho más humano y va conectar mucho mejor con la gente, porque al final, transmitimos unas vivencias, unos momentos. Y la música no deja de ser un escaparate de todos ellos.

    ¿Cómo ha sido trabajar con Santos&Fluren en este disco?

    Jose. La verdad es que ha habido una gran diferencia respecto a «Golpe y Efecto». Ya solo el haber viajado hasta Barcelona para grabar el disco es un punto a favor y es que la ciudad es protagonista en nuestras canciones. Sí que es cierto que este «Seres en Movimiento» se ha visto envuelto en una frescura muy particular, que «Golpe y Efecto» no tenía Luego, el trabajo con Santos&Fluren ha sido increíble. Muchas veces, a la gente le puede parecer un poco fría la figura del productor, pero nada que ver. Nosotros, nada más llegar, conectamos al instante con ellos, que son dos personas muy cercanas. Así que fue como grabar el disco con dos amigos más. Además, la forma que tienen ellos de trabajar es muy particular y nos llamó mucho la atención: al principio, sí que estábamos todos juntos trabajando, pero después nos dividimos en dos grupos y comenzamos a trabajar por separado. Son geniales, la verdad.

    Gabri. La verdad es que el disco no se puede entender sin ellos. Es muy importante reivindicar la figura del productor, porque quizás desde fuera no se aprecie demasiado. Y este disco es tan nuestro como de Santos&Fluren. Han hecho un trabajo maravilloso y han sacado lo mejor de nosotros.

    «Seres en Movimiento» y «Universos y Planetas» fueron los dos primeros adelantos. ¿Por qué y cómo surge un poco la idea de este último clip?

    G. Pues en el imaginario de Triángulo Inverso había dos facetas que sabíamos que queríamos mostrar. Una de ellas era la de «Seres en Movimiento» como hilo conductor del disco. Y la otra era de «Universos y Planetas» como el contrapunto, como otro modo de entender la música, mucho más festivo, de intentar disfrutar mucho más. Ya a nivel audiovisual, estuvimos trabajando desde el principio, en todo el concepto que queríamos construir. Sí que es cierto que videoclip solo hay uno, el de «Seres en Movimiento»; el otro clip que hay de «Universos y Planetas» es un videolyric, aunque lo replanteamos y para nosotros es más un «karaoke band« [risas].

    M. Es como un «karaoke lyric» [risas]. Hemos decidido cantar todos los temas y reformular el tema de los videolyric, que hemos visto que a la gente no le gusta mucho eso de poner la portada y la letra de la canción. Así que grabamos todas las canciones con un croma y ahora que ha salido el disco, iremos publicando poco a poco.

    G. Claro. Al final es que también es importante que la gente te ponga cara. Y los videoclips sí que los vemos como algo más artístico, que tenga un simbolismo. De hecho, en el de «Seres en Movimiento», recurrimos mucho a la naturaleza, al bosque, como camino hacia lo desconocido, hacia un sueño. Sin embargo, en el videolyric lo que queremos es que la gente nos ponga cara, nos vea, disfrute y cante con nosotros.

    Hablando de todo este concepto, ¿cómo surge todo el arte del disco?

    M. Pues, a través de nuestra agencia, nos pusimos en contacto con Fernando Mercé, porque es muy amigo de Rebeca, una de las compañeras de nuestra oficina. A partir de ahí, nos reunimos con él y desde el minuto 1 se quiso involucrar mucho con el proyecto. Se ha empapado mucho del disco y nos hizo dos propuestas que nos encantaron: por esa mezcla de elementos, como los triángulos; por esa introducción de formas como más mecánicas; esa sensación de movimiento; todo nuestro imaginario con los planetas. Definió muy bien lo que queríamos y lo que somos. Es una obra de arte y ha conseguido que merezca la pena comprarse el disco.

    ¿Cómo ha evolucionado Triángulo Inverso?

    G. La verdad es que cada vez estamos más compactos y vamos hacia una profesionalización, porque vamos tocando mucho más. Creemos que la evolución está siendo muy constante, de hecho, si escuchas ahora nuestro primer EP y nuestro último disco, se aprecia. Sí que es cierto que ahora nuestro sonido está mucho más trabajado y hemos introducido nuevos elementos. Pero aún así, sí que sabes que somos Triángulo Inverso, no vamos dando bandazos. Lo que estamos buscando es eso: enamorar a la gente con el concepto que estamos construyendo en cada uno de nuestros discos y, sobre todo, en los directos. Porque somos una banda de directos: al final, somos cinco tíos tocando, lo cual es un poco complicado a día de hoy por cómo se consume música y por el tipo de música que se consume.

    J. De hecho, es que es curioso lo rápido que se queman las canciones a día de hoy en plataformas como Spotify. Que sí que es verdad que yo soy el primero que peca un poco de eso. Así y todo, nosotros queremos mostrar este pack de diez canciones, con sus diez historias, sus videoclips, sus videoclyrics y sus artes. Queremos mostrar este «Seres en Movimiento» como concepto.

    ¿Y qué queda de los Triángulo Inverso de «Cromatismos»?

    M. Pues todo. Hemos hecho una evolución y un crecimiento natural de nosotros mismos. El primer gran cambio fue la incorporación de Pepe tras «Cromatismos», lo que supuso ya un gran paso hacia delante. Nos van interesando muchas más cosas, se va sumando más gente al equipo. Al final, somos cinco tíos locos por la música que quieren contar cosas, mediante la música.

    Próximos pasos de Triángulo Inverso.

    G. Tocar mucho.

    M. Sí, tocar mucho y seguir, ya que no nos ponemos techo. Hacerlo creo que no nos ayudaría nada. Estamos muy contentos con este disco, porque creemos que es el mejor que podíamos sacar. ES un disco que tiene diez historias increíbles, que esperemos que conecten con la gente.

    Un escenario en el que tocar.

    El del FIB. Y Madrid también: un DCODE no estaría mal.

    Un escenario al que volver.

    Sonorama.

    Un artista con el que tocar.

    Con FOALS o Alex Turner [risas] o con Love Of Lesbian o Sidonie

    Artista o banda que hayáis descubierto recientemente.

    J. Low Roar

    G. Ocata

    M. Creo que ya no hacen nada juntos, pero diré Viola Beach

    Último concierto en el que hayáis estado

    Llevamos una temporada de monjes que apenas salimos [risas]. Pero creemos que el último concierto fue el de Jack Bisonte en Madrid.

    Canción de Triángulo Inverso que defina el momento en el que estáis

    «Eufórico Equilibrio», porque empieza el mundo, se comienza a mascar. Es una canción muy esperanzadora, la verdad.

    Mayor locura cometida por la música

    Pues recorrer siete ciudades en siete días seguidos [risas]. Bueno, hubo una cuando estábamos grabando el disco: vinimos desde Ojén (Málaga) hasta Barcelona, pasando antes por Madrid. Salimos a las 9 de la mañana y llegamos a las 2 de la mañana. Y claro, llegamos diciendo una de tonterías [risas]

    https://youtu.be/KotkbCg3zJw

  • Nasanov: «Hacemos indie eléctrico al paladar, con retrogusto a revolución»

    Nasanov: «Hacemos indie eléctrico al paladar, con retrogusto a revolución»

    Un apellido les sirvió con inspiración. El apellido de uno de sus bisabuelos. Un nombre con una fuerza increíble y que parece llevar esas ganas intrínsecas de lucha, de conciencia social, de denuncia. Lo que, finalmente, hacen ellos con su música: emplear sus composiciones para remover a la sociedad. Se trata de los valencianos Nasanov, quienes acaban de publicar su primer trabajo, su debut homónimo. Y hace apenas unos días pudimos hablar con ellos por teléfono- ¿Quieres saber lo que nos contaron Carles Zuriaga (voces y percusión); Sergio Hernández (guitarra eléctrica); y Santiago Ruiz (guitarra acústica y coros)? Solo tienes que seguir leyendo.

    ¿Cómo surge el concepto de este disco, de «Nasanov»?

    Realmente, este disco finaliza un trabajo que ha durado un par de ellos. Debido a situaciones personales de cada uno de nosotros, no pudimos lanzarlo en el momento que nos hubiera gustado. En 2016, sacamos un EP de cinco canciones y en casi 2018, íbamos a completarlo con otros siete temas. Pero por motivos de salud, tuvimos que retrasarlo hasta ahora, que vimos que era el momento perfecto: estábamos con ganas y en condiciones de lanzarlo y de comenzar con la gira. Lo vimo de haber retrasado la publicación del disco, es que hemos evolucionado y eso se aprecia en las canciones. De hecho, algunas de ellas no iban a ser así, pero hemos podido darle una segunda vuelta, así que han terminado teniendo un toque muy personal.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo del disco y de qué manera ha evolucionado?

    Fuimos componiendo tema a tema. Y junto a Mark Dasousa, que fue la persona encargada de producirlos, íbamos añadiendo ideas: si teníamos que añadir potencia a las guitarras, si teníamos que añadir un groove diferente. Creemos que lo que más claro estaba eran las letras y los mensajes que queríamos ofrecer.

    Precisamente, ¿cómo fue trabajar con Mark Dasousa en Atomic Studios?

    Pues muy bien, la verdad. Fue curioso, porque ni nosotros lo buscamos a él ni él a nosotros, sino que nos encontramos en algún punto, interesados un poco por el mismo género, el indie-rock. Lo cierto es que nos ha ayudado mucho y nos ha guiado, nos ha enfocado con todas las ideas que teníamos en la mente.

    Hablabais del mensaje de las canciones, que entiendo que es importante. ¿De qué manera lo es y cómo los trabajais?

    Tenemos claro que siempre queremos hablar de cosas que nos parezcan interesantes y, sobre todo, que tenga algo de importancia o relevancia. Dejar de lado temas como el amor y tratar asuntos mucho más sociales. O incluso lanzar una reflexión o una crítica. Sea más evidente o no, esté más camuflado o menos, siempre buscamos algo que nos llame la atención y que merezca ser escuchado.

    ¿Cuáles son vuestros referentes y cómo definiríais el estilo Nasanov?

    A nivel de referencias, cada uno de nosotros tiene un poco los suyos, que son bastante variopintos como nuestros temas. Al final, sí que es verdad que lo volcamos todo en la banda, cuyos temas son un poco un collage de todo lo que vamos escuchando por ahí. Si bien es cierto que hay influencias que no se pueden obviar como Lori Meyers o Vetusta Morla. Son grupos que siempre han estado ahí y que han marcado la historia del indie, haciendo lo que hacen.

    En cuanto a cómo definiríamos nuestro sello, nos gusta decir que hacemos «indie eléctrico al paladar, con retrogusto a revolución» [risas]. Y es que nos gusta que nuestra música sea contundente, sobre todo en directo. Respecto a lo de «retrogusto a revolución», es por el mensaje de nuestras letras, que es político pero sutil. Aunque sí que es verdad que todo ello viene un poco porque no nos gustan las etiquetas. Y partiendo de ahí, nos inventamos un poco la nuestra. También porque creemos que «indie» es algo muy global y queremos desmarcarnos un poco, porque queremos tirar más hacia lo eléctrico y queremos dar un mensaje muy concreto, queremos hablar de cosas que nos llamen la atención.

    ¿Creéis que falta un poco eso en la música, el remover conciencias?

    Creemos que es algo que está en auge, ¿no? Especialmente en Cataluña y Valencia, donde la música y el compromiso social comenzaron a germinar y a ir de la mano. Y creemos que ahora, se está adaptando a otros géneros. Lo cual nos parece muy interesante, porque creemos que la música está empezando a tratar temas que se debían tratar.

    Hablando un poco de la escena de la música en valenciano, ¿cómo estáis viviendo todo el auge y explosión de la misma?

    Pues lo cierto es que lo hemos vivido muy de cerca: hemos visto cómo han crecido y evolucionado muchos grupos valencianos, porque han conseguido atrapar y llegar a gente que piensa muy como ellos. Lo cual es maravilloso, porque han hecho que la música sea un lenguaje con el que poder comunicarse a la perfección. Tampoco ha sido de la noche a la mañana. Además, a la par que crecía un grupo, nacía uno nuevo. Este panorama ha ido creciendo y, finalmente, ha explotado.

    Volviendo un poco al tema del disco. Habéis colaborado en un tema con Óscar Ferrer de Varry Brava. ¿Cómo surge y qué ha supuesto para vosotros?

    Tras hacer el tema de «Hipócrita Consecuente», lo escuchamos y pensamos que quedaría muy bien la voz de Óscar en la canción, porque es muy de su rollo. Precisamente, por casualidades de la vida, Jordi, uno de los chicos que nos está ayudando mucho con el tema conciertos y que tiene un pub en Ontinyent, tenía el contacto de Óscar. Así que nos lo propuso y nos comentó que hablaría con él, para ver qué le parecía. Y enseguida se prestó. Así que nosotros encantadisimos. Ya a posteriori, seguimos manteniendo contacto con él, porque la verdad es que es un encanto. Y, además, Varry Brava ya es una banda con nombre, que no dejan de ir de lado a lado. Estamos deseando coincidir con ellos en algún escenario, la verdad.

    Este trabajo lleva unos días en la calle, ¿cómo está siendo la acogida?

    Pues la verdad que muy bien. Por el momento, el feedback que hemos recibido de las canciones es muy positivo. De hecho, «Hipócrita Consecuente» es la que más está gustando y la que más lo está petando en plataformas. También «Isla de Plástico», tema que está de actualidad por el asunto de la contaminación en mares y océanos. Entonces la gente también valora eso.

    Ahora llega el momento de presentar el disco en directo. ¿Cómo lo afrontáis y también, cómo os preparáis?

    Ahora mismo nos estamos pegando el currazo para elaborar todo lo que es la gira. Por el momento, tenemos dos fechas: una en Valencia y otra en Madrid, a las que seguirán otras en Pedreguer o Murcia. Y tenemos unas ganas brutales ya de empezar con los conciertos, porque una cosa son las canciones en el estudio y otra bien distinta, el directo. Al final, es donde te muestras y donde debe haber conexión con el público. Nosotros somos una banda muy de directo, somos muy enérgicos y nos gusta pasarlo bien y hacer que la gente también lo pase bien.

    Un escenario en el que tocar

    Nos encantaría tocar en el Arenal Sound o en el WARM UP

    Un escenario al que volver

    Al Quatre Estacions de Pedreguer. No es un gran escenario, pero la magia que tiene ese sitio es muy especial. Tiene un microclima musical muy potente.

    Alguien con quien compartir escenario

    Pues con Rozalén o con Dinero. Pero si se puede pedir, también nos gustaría telonear a Vetusta Morla o a Izal.

    Banda o artista al que acabáis de descubrir

    No los acabamos de descubrir, pero estamos poniendo mucho a Crudo Pimiento.

    Último concierto en el que hayáis estado

    Fuimos a la final del Concurso Vinilo Valencia. Hay que apoyar a las nuevas bandas emergentes que están surgiendo y teníamos muchas ganas de ver qué propuestas había.

    Canción de Nasanov que defina el momento en el que estáis

    «Solamente Camina». Por el hecho de apartar el miedo y continuar para adelante. Es una canción de coger impulso.

    Mayor locura cometida por la música

    Dedicarnos a ella. Es como un tiro en el pie, nos está costando la vida [risas]. También es bonito, no es que estemos bajando a la mina a picar. Aunque para locura, locura: bueno, lo típico, saltarnos clases de la universidad para ir a tocar. O ir y volver a Madrid en el mismo día para ver un concierto o para tocar nosotros.

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