Verdadera Locura

Categoría: Entrevistas

  • Musgö: «Open The Gate gira entorno al tema de conectar con el mundo espiritual»

    Musgö: «Open The Gate gira entorno al tema de conectar con el mundo espiritual»

    Proyecto multidisciplinar donde los haya y con un sonido tan característico, capaz de envolverte en su potente atmósfera. Se trata de Musgö y de su álbum debut, llamado «Open The Gate». Un universo en el que quedamos atrapadas desde el minuto 1 en el que entró en nuestras vidas. Un universo que, hoy, podemos conocer un poco mejor, gracias a la entrevista que le hicimos hace algunos días a Mar Gabarre, que es quien se esconde tras él.

    ¿Cómo surge el concepto del disco, de «Open The Gate»?

    Pues realmente fue un proceso súper natural, porque me contactaron desde una discográfica para producir el disco, pero finalmente con ellos la cosa no cuajo y salió un poco mal. Pero bueno, eso me sirvió para sentarme por primera vez delante de todas mis canciones y para plantearme qué temas incluiría en mi disco. Justo al hacer eso, me di cuenta de que todas las composiciones que tenía hasta el momento, giran entorno a un mismo tema: el de abrir una puerta con el más allá, conectar con el mundo espiritual y ser conscientes de esa parte que tenemos en nosotras mismas. Todo ello, hablado desde diferentes puntos de vista, como el de la naturaleza o como el de las diferentes religiones y todo lo que tienen en común. Siempre me han interesado mucho todos estos temas, pero claro, hasta que no me senté para plantearme el disco, no me di cuenta de todo ello.

    ¿Por qué precisamente hablar de este tema?

    Yo me he criado en un entorno bastante abierto, ya que mis padres son artistas y están iniciados en una filosofía muy espiritual surgida en la India. Desde pequeña me he acostumbrado a ver a mis padres meditar en casa o hablando de la naturaleza, ya que mi madre también es biológa. Siempre he sentido una conexión muy especial con todo ello: de hecho, soy médium y he tenido diferentes experiencias sobrenaturales. Así que estos termas forman parte de vida y de mi día a día.

    En este sentido, ¿qué importancia tiene el mensaje de las canciones?

    Pues mucho, la verdad. Aunque estas cosas salen un poco solas, yo intento que el contenido que se transmita en las canciones sea real y tenga un sentido profundo que, junto a la música formen un todo, un conjunto.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Open The Gate»?

    La verdad es que fue un proceso largo. Este ha sido mi primer disco y he estado componiendo durante mucho tiempo y creándolo de diferentes maneras, ya que no sigo un solo método para componer, pero sí que muchas de las canciones que escribo, surgen a partir de imágenes, de mis propias imágenes, ya que también soy artista plástica. Primero creo las imágenes que, posteriormente, adquieren una dimensión en forma de historia, en forma de letras, de canciones.

    ¿Y cómo ha sido la acogida de este disco por parte del público?, ¿cómo ha sido el feedback?

    Pues fue muy buena, la verdad. Yo soy de Chiclana y claro, aquí hay mucho flamenco y mucho carnaval. Y cuando haces algo diferente, ya la gente te empieza a decir: «tienes que componer en castellano y hacer flamenco, si no no le va a gustar a nadie» [risas]. Claro, lo que recibía desde fuera siempre era un poco ese mensaje y, de repente, hago un disco de tripop e indie más experimental, con el que estoy recibiendo muy buena acogida y muchos mensajes positivos. Mucha gente me ha escrito diciendo: «no sé qué tipo de música has hecho, pero siento que me traspasa el alma y me está cambiando por dentro». O sea, mensajes súper profundos que me han hecho mucha ilusión. Es muy guay que la gente note esa energía que le pongo a mis canciones y a mi arte. Que yo pongo mi corazón, con cero expectativas, aunque evidentemente, creo en mi proyecto. Pero cuando desde fuera te están lanzando otro mensaje, pero aún así te arriesgas, crees en ti misma, publicas un disco en el que hay tanto de ti y que es tan transformador, y encima a la gente le llega…es una sensación muy guay.

    A nivel de producción, ¿cómo fue el trabajo en Freemonk Music?

    Es algo que viene de largo, porque yo participé en Got Talent y a la salida del programa, me contactaron de una diacográfica, para lanzar el disco juntos. Sin embargo, no fue lo que esperaba ya que querían que publicara un disco más comercial, con lo que no me sentía identificada. Así que decidí seguir mi camino y hacerlo de manera independiente: preparé las maquetas, producí los temas y haciendo los arreglos. Ya fue ahí cuando me mudé a Londres, lancé una campaña de crowdfunding que funcionó muy bien y, a partir de ahí, empecé a trabajar en Freemonk Music, Allí terminamos de producir todas las guías que llevaba yo ya preparadas: allí, claro, con un equipo de primer nivel y además, con Chris, que tiene una visión y una experiencia increíbles.

    Tienes un sonido muy característico e incluso han llegado a decir que eres la Björk española. ¿Cómo construye Musgö todo su universo sonoro?

    Objetivamente, no pienso en los sonidos cuando estoy creando. Es más bien esa sensación que te comentaba antes de ver una imagen y transformarla en un sonido: es casi más un proceso sinestésico, más que algo consciente. Yo me imagino los colores o las imágenes que quiero transmitir con la canción y en base a eso, voy creando y experimentando con los instrumentos y las herramientas digitales que tengo.

    ¿Qué importancia tienen otras disciplinas artísticas en el proyecto de Musgö?

    Pues la importancia es total. Y es que yo estudié Bellas Artes, mis padres son artistas plásticos y desde pequeña he mostrado interés en todo ello. Además, con la música siempre he tenido claro que no quería simplemente hacer música. Mi objetivo desde que empecé a tocar, era encontrar este espacio crrativo en el que pudiera mezclar lo visual con lo sonoro. Afortunadamente, ahora lo tenemos muy fácil con todos los vídeos que podemos crear y con todas las herramientas que tenemos a nuestro alcance: ahora más que nunca. imagen y sonido pueden estar muy cerca. Aunque yo desde muy pequeña sabía que quería que todo estuviera junto. Ya más adelante, cuando descubrí el teatro, me di cuenta de que también quería incorporarlo y, de hecho, en Musgö hemos creado un espectáculo al que hemos llamado cabaret holístico. Que básicamente son las historias místicas de las canciones, contadas a través del cabaret. Y es que al final, todo esto es la mezcla de teatro, lo visual y la propia música.

    A pesar de la incertidumbre de estos momentos, ¿cuáles serán los próximos pasos de Musgö?

    Pues intentar, dentro de lo que se pueda, hacer algunas presentaciones más y seguir haciendo lo que hemos estado haciendo, que es componer música con el corazón.

    ¿Qué canción de Musgö define mejor el momento en el que estás y por qué?

    Buf, ¡qué difiícil! [risas]. Pues yo creo que «Hope», precisamente por el tema que trata, La canción es instrumental y no tiene letra, pero tiene como el halo de esperanza que necesitamos ahora, el impulso de que todo va a ir bien y vamos a seguir para adelante, a pesar de todo.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    ¡Ostras! Pues no sé ahora mismo [risas]. Es que he cometido tantas, que no sabría hacer un top. Aunque creo qye la mayor locura es tener la confianza de arriesgarlo todo por la música.

  • St Woods: «Bones ha sido mi manera de superar ciertas situaciones duras»

    St Woods: «Bones ha sido mi manera de superar ciertas situaciones duras»

    Hace dos días vio la luz el álbum debut de St.Woods: un trabajo en el que el artista se desnuda y nos explica algunos de los momentos más personales de su vida. Un álbum intimista, plagado de vivencias e historias. Un álbum que emociona, que nos hace sentir en una auténtica montaña rusa. Un álbum que nos cala hasta los huesos, como su propio título indica. «Bones» ya es nuestro y, precisamente, hace un par de semanas pudimos hablar con Nacho, su creador, la persona que se esconde tras St.Woods. Una entrevista con la que pudimos conocer más sobre el disco, sobre el proyecto y sobre el propio artista. ¡No os la perdáis!

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, de «Bones»?

    Todo empieza un poco porque yo quería grabar en Estudios Reno con Luca Petricca, ya que lo venía siguiendo desde hace un tiempo y me gustaba todo el trabajo que estaba haciendo: había trabajado con Izal, con Vetusta Morla, con Novedades Carminha. Y sí que es verdad, que ya teníamos como cita cerrada a tres meses vista, para empezar a grabar unas demos que ya tenía. Pero durante ese periodo, por circunstancias de la vida, en mi familia perdimos a dos personas, a dos familiares cercanos y también personalmente, atravesé una serie de problemas. Todo eso hizo que las canciones que tenía pensado grabar, quedaran en un segundo plano y que yo comenzara a escribir sobre unan ueva temática, más acorde a lo que en ese momento yo estaba sintiendo. Así que al final, los primeros meses en el estudio me sirvieron un poco para sobrellevar mi propio duelo y, casi sin querer, Luca, Brais y yo terminamos dándonos cuenta de que teníamos un disco que hablaba sobre un denominador común, que es «Bones» y que cuenta una historia. Accidentadamente, podría decir que este álbum es mi propia manera de superar ciertas situaciones duras que me estaba costando superar.

    Precisamente queríamos preguntar sobre eso, ya que el disco trata sobre el propio dolor. ¿Fue finalmente una especie de cura?

    Sí, yo creo que es algo que pasa mucho o al menos, a mí me sucede: que vives cierta experiencia negativa y en vez de que alguien te dé la solución, lo que necesitas es poder contarlo, para quedarte más tranquilo. Así que creo que algo así fue lo que me pasó con el disco. Al fin y al cabo, también estuvimos durante dos meses, tres personas trabajando en este álbum, y la conexión y las conversaciones que tuvimos, me animaban aún más a liberarme y a soltar todo lo que tuviese. Y, bueno, creo que «Bones» hace una especie de análisis de todo lo que es el dolor y de apreciación de lo que ess el sufrimiento de perder a alguien: y es que si alguien se va y te duele, es porque todo lo que ha pasado por medio ha sido bonito. Ese ha sido un poco en análisis.

    ¿Es entonces la música una especie de bálsamo, especialmente en estos momentos o en este tipo de circustancias?

    Sí, yo creo que sí. Y es lo que digo muchas veces, la música tiene muchos usos, muchas aplicaciones. Para mí es una manera de evadirme de todo lo que está ocurriendo y para mí, sí que es una especie de cura. De hecho, incluso grabando este mismo disco, escuchaba mucha música: más que para tener referencias, para calmar todo lo que estaba sintiendo. Y en situaciones como la que estamos viviendo, puede que la música no sea lo más importante: pero de lo menos, sí que es lo más relevante.

    ¿Cómo viviste todo el proceso creativo y compositivo en los Estudios Reno?

    Pues la verdad es que tenía muchas ganas, porque mi experiencia en un estudio no iba más allá de la que tuve con Brian Hunt en El Invernadero y en la que me lo pasé muy bien. Pero claro, en esta ocasión era diferente: el meterme a grabar mi primer álbum y con el riesgo a hacerlo, sin haber tenido muchos lanzamientos anteriores. Así y todo, el trabajo en el estudio fue una experiencia muy enriquecedora: me sirvió para aprender mucho y para darme cuenta de errores que podría estar cometiendo. Para mí, esos casi dos meses que estuvimos en el estudio, me han servido mucho para tomar conciencia de lo que estoy haciendo y de lo que quiero hacer. Y creo que todo ese aprendizaje y ese cambio musical, se aprecian en el álbum. De hecho, el haber tenido esta experiencia, me ha servido para darme cuenta de que la experiencia que quiero transmitir en directo es diferente: el querer ir con banda y no tanto solo.

    ¿Y cómo ha sido la experiencia de trabajar con Luca Petricca y Brais Ruibal? 

    ¡Bien! Creo de hecho, que hemos formado un equipo bastante chulo, porque Luca es un poco la voz de la experiencia: era quien nos guiaba cuando a lo mejor, nosotros nos atascábamos. Además, es increíble trabajar con él todo el tema de la belleza mediante lo simple o lo sencillo. Y por otro lado está Brais, que es un chico muy joven pero con muchos conocimientos técnicos y con un gusto exquisito, a nivel de referencias que quizás nadie conoce. Así que la experiencia fue una auténtica gozada y es que, como te decía, llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con Luca, porque además, los dos compartimos muchos gustos musicales. Y creo que eso él lo ha sabido transmitir muy bien en el disco y a todas las personas que participan con él. Sin duda, «Bones» no puede estar mejor producido, porque el tándem con Luca y con Brais ha sido la fórmula perfecta.

    ¿Y cómo te sientes ante el lanzamiento?

    No me esperaba para nada publicar el disco bajo estas circunstancias. Tuvimos muchas conversaciones para ver si lo retrasábamos o no, pero es que tampoco me imaginaba atrasarlo mucho más. Aún así, tenía muchas ganas de que viera la luz y es que tengo la sensación de que, más allá de los grandes números o de los grandes conciertos, cada hito que se va dando en St.Woods es más colectivo. Al principio, me sentía y estaba más solo, pero de repente el equipo y la banda crecen, la gente que sigue el proyecto también. Entonces tengo muchas ganas de que vea la luz el disco, precisamente por esta sensación que te comento. Es como una especie de victoria colectiva.

    Los dos primeros adelantos que pudimos escuchar fueron «A Part From God» y «On Me», ¿por qué estas dos canciones como avanzadilla?

    «On Me» fue una especie de anzuelo que publicamos, a ver qué pasaba, porque también el EP del que venía era muy diferente, y justo ahora queríamos dar el cambio a un sonido más nuevo y desde otra perspectiva. Y sí que es verdad que con los singles, lo que queríamos más bien es empezar a posicionarme yo para mostrarle a la gente de lo que soy capaz. El «On Me» fue la primera manera de mostrarle a la gente que el sonido iba a cambiar. Mientras que con «A Part From God» quería volver a un sonido o a un género en el que la gente me ha conocido más. Pero no ha habido un criterio o motivo específico de por qué seleccionar una canción u otra, aunque sí que nos sentamos Luca, Brais y más personas del equipo para pensar qué temas podrían encajar más como aperturas del disco.

    Aunque el futuro es un poco incierto, me gustaría saber cuáles serán los próximos pasos de St Woods tras el lanzamiento de este álbum debut.

    Pues la idea que teníamos si no nos hubiera tocado toda la situación que nos está tocando vivir, era irnos en mayo fuera a tocar, concretamente en Reino Unido. A la vuelta, también teníamos varias fechas confirmadas en España, que iban un poco en paralelo a una gira que teníamos con Bellako. De todo esto, con el tema de las presentaciones, estamos muy pendientes a la evoluciñón de la situación y a las recomendaciones sanitarias, para intentar relocalizarlas lo antes posible y para que el disco pueda tener su debida puesta en escena. En cuanto a los conciertos fuera de España, muy seguramente no podamos hacerlos hasta el año que viene. Pero bueno, por el momento, toca esperar y estar atentos a cuándo nos dejen, primero ensayar, y luego tocar. Tampoco es que, en estos momentos, sea muy partidario de los conciertos con banda en streaming, porque creo que no le harían justicia al disco. Así que, de momento, esperar y seguir preparando material de este disco, para ir lanzándolo durante los próximos meses.

    Por cerrar ya un poco, quisiera saber cuál es la mayor locura que has cometido por la música.

    ¡Buf! Pues hay algunas interesantes y otras que casi me matan, de hecho. Pero quizás, la que más me represente a mí, sea la siguiente. Yo me fui a estudiar de Erasmus a Bélgica y más bien por la necesidad de hacer algo, empecé a tocar en la calle. Y, curiosamente, lo que yo pensaba que sería una tarde tocando en la calle, se convirtió en un auténtico viaje por toda Europa tocando en espacios públicos y ganando el suficiente dinero para poder viajar al siguiente destino o país. Sin duda alguna, la experiencia de tocar en la calle, no sé si es una locura, pero ha sido una de las mejores decisiones de mi vida.

  • Dan Millson: «Home surge de la inactividad y de querer ser un creativo»

    Dan Millson: «Home surge de la inactividad y de querer ser un creativo»

    Es uno de los artistas a los que más hemos seguido y, probablemente, a los que más cariño guardamos. No nos hemos perdido ni un solo concierto suyo, porque sabemos que siempre son especiales. Con su espectacular voz, es capaz de hacerte sentir toda una montaña rusa de emociones. Se trata de Dan Millson, que acaba de publicar su nuevo EP en pleno confinamiento: «Home» ya es nuestro y, a continuación, lo desgranamos. Así fue la entrevista que le hicimos al artista.

    ¿Cómo surge el concepto de este EP, «Home»?

    Creo que como nos ha pasado a todos, los proyectos que teníamos en mente se disolvieron. Yo tenía canciones en proceso de ser lanzadas, estaba en medio de grabaciones de videoclips y tenía ya en mente cómo preparar el lanzamiento. Pero tuve que parar y frené todo ese proceso, porque pensaba que tampoco era el momento de lanzar todo ello ahora. Entonces me puse a pensar y decidí empezar el proceso de cero. Dejé apartado el proyecto que tenía iniciado y empecé a componer nuevas canciones, aquí en casa. Si son cinco, son cinco y si es una, es una. Y me puse la meta de sacar dos EPs de dos canciones cada uno. Que si al final son tres, pues tres, depende de lo que dure el confinamiento. Entonces, ¿cómo surge? Surge de la inactividad, de querer ser un poco creativo y de la imposibilidad de seguir adelante con lo que tenía en mente. Ya no tanto de las ganas de componer, porque al principio, sentía que no me apetecía. De hecho, «Between 4 Walls» habla un poco de eso: del hecho de tener que hacer cosas, aunque no quieras. Pero gracias a esa frustración, empecé a componer. Así que así surge un poco este EP.

    Ahora que lo comentas, ¿por qué «Between 4 Walls» y «Hold On» como primeros temas para mostrar?

    «Between 4 Walls» fue la primera que compuse durante el confinamiento y el por qué, ya lo he comentado, es por la frustración esa de tener que componer. Como dice la canción, escribo por escribir; canto para quitar el polvo de los pulmones y para que, dentro de seis meses, no recuerde ni de cómo cantar; toco por tocar. Así que cuando salió, pensé que tenía que estar sí o sí en el EP, porque refleja muy bien el momento en el que estamos. Y el por qué de «Hold On» también tiene historia. Hace un tiempo me diagnosticaron quistes en las cuerdas vocales, en parte, porque no me he cuidado como tenía que cuidarme: trabajar mucho de noche, tocar y cantar mucho durante la semana. Entonces quemo mucho las cuerdas vocales. Así que cuando llegó el confinamiento, empecé a limpiarme por dentro y aún así, me notaba la voz rota. De ahí un poco nació «Hold On», de esa sensación de aferrarte a lo que te gusta, de cuidarlo y no dejarlo de escapar.

    Por lo demás, tengo más canciones que igual salen en el próximo EP. O igual ven la luz dentro de un año, no lo sé.

    ¿Hay fecha o tienes en mente ya esta segunda parte de «Home»?

    No hay fecha, pero va a salir dentro de muy poquito, porque tengo ya cuatro o cinco canciones. La verdad es que he compuesto bastante. Ahora, me falta definir cuáles serán las canciones del próximo EP: tengo ya una clara y me falta la segunda. Tampoco sé si sacar una canción y la otra la semana siguiente, o sacarlas las dos juntas en un mismo EP, como ya he hecho con este.

    ¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo, y también cómo ha sido la sensación de publicar en pleno confinamiento?

    Ha sido rollercoaster, montaña rusa total, como bien dicen los compañeros de The Royal Flash. Lo cogí con muchas ganas, quería sacarlo, me puse a tope con los video-lyrics de las dos canciones. Pero claro, iba viendo lo que iba pasando fuera, cómo estaban funcionando los lanzamientos de otros artistas, cómo iba reaccionando la gente, cómo cada día te ibas quemando más de estar con el móvil y de ver las noticias. Entonces yo me estaba motivando porque estaba haciendo cosas que me gustaban, pero por otro lado, me estaba desmotivando por el factor externo. Hasta el punto de querer lanzarlo ya, para quitármelo de encima. Así lo que es el proceso compositivo, como hemos hablado, no me ha afectado porque las canciones surgieron en casa, yo tocando y bien. El resto de proceso fue algo más complicado. Y es que ahora estoy completamente independiente, por lo que tuve que hacérmelo yo todo. Que estoy acostumbrado a hacer mucho, pero siempre teniendo a una persona de apoyo al lado. Pero claro, ahora he tenido que decidir y hablar con distribuidoras, lanzando al final con Creanauta; hablar con editoriales, aunque al final me quedé con la que ya estaba, porque funcionamos bien y decidimos con qué trabajar y con qué no; y la creación de los vídeos. Menos mal que con la portada tuve la ayuda de Javi Navarro y Paula Mún. Entonces van saliendo las cosas, pero hay mucho trabajo detrás. Pero estoy muy satisfecho y contento.

    ¿Cómo ha sido la acogida?

    A ver, como hemos dicho, estamos en unos momentos un poco raros. No ha tenido la acogida que tuvieron los dos temas previos y, además, yo también llevaba tiempo sin publicar nada. Creo que hay gente que se ha desentendido un poco del proyecto, gente nueva. Sí que ha ido bien, pero no ha tenido la repercusión del anterior release. Aunque también salió lunes y hasta el viernes, uno no ve los efectos reales, ya que es cuando todo se mueve, cuando crean también las listas en Spotify. Estoy contento, ya que he recibido mensajes muy bonitos de la gente; pero siendo realistas, no ha sido el lanzamiento más top, porque tampoco ha sido la producción más top.

    Sobre el tema de la portada que comentábamos, ¿cómo surge la idea y cómo ha sido trabajar con Javi Navarro y con Paula Mún?

    Empecé teniendo un poco la idea de lo que sería la portada, pero yo no sé dibujar: ni se me ocurría, ni sabía hacer un dibujo que me gustara. También incialmente, aunque el EP iba a llamarse «Home», iba a ir tachado, haciendo un poco referencia al hecho de que no me siento en casa, porque no lo es: estoy en Madrid, en un piso de alquiler…Y la imagen iba a ser un foto de cuando yo estaba de gira, ya que es donde más me siento en casa. Pero no me cuadró tampoco. Se lo comenté a Javi y me dijo: «mira, a ver si te gustan estos dibujos de Paula». Y, claro, ella se marcó unos dibujos que me gustaron muchísimo: apareció el sofá que se ve en la portada y pensé que, bueno, al final era un poco la idea que tenía inicialmente. Y, al fin y al cabo, también se trataba de un EP hecho en casa. La misma casa que estoy decorando, para sentirla aún más mía. Así que entre Paula y Javi diseñaron la portada, y yo hice los últimos toques de colocación y colores.

    ¿Será este «Home» una especie de nuevo inicio? Ya que es el último lanzamiento y hemos visto como un pequeño re-start en redes sociales.

    No creo que cada vez que publique algo sea una nueva etapa. Un nuevo inicio fueron «Lost Track of Time» y «Queen Without a Crown», porque me cambiaron drásticamente y me dieron a conocer muchísimo más. Con «Home», lo que quería es que la gente se centrara en lo que estaba sacando y se olvidara en lo que había pasado fuera de casa. Sí que volverán algunas esas publicaciones en redes sociales, que están archivadas. Pero lo que quería es que la gente se centrara en este momento, en el ahora. No es una nueva etapa porque volverá lo anterior y seguiré con nuevo material.

    Y a pesar de la incertidumbre del momento, ¿cuáles serán los siguientes pasos de Dan Millson?, ¿retomarás todos esos temas que dejaste en stand-by?

    Todo eso lo retomaré, a lo mejor no todas las canciones, pero tiene que retomarse. Era algo que me gustaba mucho y tenía muchas ganas de sacar. Además, veréis unas producciones más modernas: no será solo una guitarra, una voz y un piano. Así que sí, tenía muchas ganas. Aunque ahora tendré que cambiar un poco el formato, cómo seguir lanzando y que todo tenga más sentido con lo que tenía en mente. Pero poco a poco, voy viendo el camino y, por supuesto, verá la luz.

    ¿Qué canción de Dan Millson define mejor el momento en el que estás y por qué?

    A ver, «I Miss You My Friend» se puede utilizar en cualquier situación y es la canción con la que puedes echar de menos a tus amigos, a tu familia, a tu pareja. Pero quizás, «Between 4 Walls» es el tema que más pueda representarme ahora [pausa]. En realidad las dos nuevas me definen muy bien. Probablemente más «Hold On», porque estoy más activo, estoy con ganas, me entra la luz por la ventana. Así que, bueno, creo que me quedaría con «I Miss You My Friend» y «Hold On».

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    ¿Cuál es la mayor locura que he cometido por la música? [pausa]. Todo lo que llevo haciendo desde los 14 años. Todo lo hago para y por: no concibo una decisión sin pensar en mi carrera musical o en la música. Recuerdo muchas cosas de carretera, de llenar la furgoneta con todos los instrumentos y todo el equipo y echar kilómetros. Mira, hubo una vez, con otros proyectos que he tenido, que hicimos una gira por Inglaterra. Yo quería que todo estuviera perfecto, así que alquilamos una furgoneta desde Alicante, vino a Madrid a recoger todo nuestro el equipo completo, pagamos por el alquiler y se lo subió hasta Inglaterra. Todo sin saber si volveríamos a ver el material, porque al final, todo lo que cargamos puede que valiera más que lo que pagamos por el alquiler. Pero bueno, fue bien. Una vez allí, cargamos todo en la furgoneta de un amigo, que accedió a acompañarnos de gira. Una gira que fue un timo, todo por culpa de un promotor, que no era promotor. Al final, lo medio salvamos porque empezamos a tocar por nuestra cuenta en diferentes locales. Sin duda, fue una experiencia muy molona, pero a la vez jodida y muy loca. Lo hicimos por amor al arte.

  • Comandante Twin: «Hay una luz define muy bien el momento que estamos viviendo»

    Comandante Twin: «Hay una luz define muy bien el momento que estamos viviendo»

    El pasado viernes, como un verdadero regalo, Comandante Twin nos presentaron la reedición de su mítico tema «Hay una luz». Una canción de lo más positiva, que ha llegado en el momento en el que más la necesitamos. Y, además, lo ha hecho con una colaboración de lujo: la de Gabriel de la Rosa, vocalista de Shinova. Unos días antes del lanzamiento, pudimos charlar por teléfono con Edu Santos, compositor y vocalista de la banda. ¡Y esto es lo que nos contó, mucha atención!

    ¿Por qué reeditar y darle una vuelta de tuerca al tema de «Hay una Luz»?

    En su día, grabamos nuestro primer disco, que es en el que está incluída esta canción, y lo cierto es que Comandante Twin era todavía una banda bastante amateur. En realidad, lo grabamos porque nos apetecía, sin pensar en que después podía gustar tanto como gustó. Entonces la primera canción que vio la luz fue «Hay una Luz», pero no hicimos ningún tipo de lanzamiento de ella: no estábamos currando con nadie de promo, ni montamos ningún tipo de campaña, ni nada alrededor. Sin embargo, tiempo después, la canción ha sido buque insignia nuestro, que supongo que será algo que pasa más de lo que pensamos. Así que, bueno, teníamos muchas ganas de darle el lanzamiento que se merecía, con todos los medios. Y cuando surgió la oportunidad de colaborar con Gabri de la Rosa, nos decantamos por recuperar «Hay una Luz», ya que recoge muy bien la esencia de Comandante Twin, pero claro, dándole una vuelta y renovando un poco lo que es el sonido.

    ¿Qué significa para vosotros «Hay una Luz»?

    Pues para nosotros significa mucho. Primero, porque es la canción que conoce todo el mundo en los conciertos y con la que más conectamos con el público. También es la canción que más visitas y reproducciones tiene en plataformas digitiales, y está incluída en listas editoriales de Spotify. Además, para nosotros tiene ese matiz de banda, que es extraordinario. Y a nivel personal, para mí es un tema muy especial por la historia que hay detrás. Creo que «Hay una Luz» es una canción que llega mucho.

    ¿Cómo surge colaborar con Gabriel de la Rosa en esta canción y cómo fue trabajar juntos?

    Surge un poco de la amistad. Porque, al final, te vas conociendo entre las bandas, a raíz de coincidir en diferentes lugares y de ir charlando. Con el primero con el que entablamos relación fue con Ander, bajista de Shinova, y ya a partir de ahí, comenzamos a hablar con Gabri y con el resto de la banda. Además, son gente muy cercana y muy generosa. Y es que se han portado con nosotros genial, ¡chapó!

    En cuanto a cómo ha sido el trabajo con Gabri, la verdad es que genial y muy fácil. Primero, porque es un tío muy profesional y segundo, porque es muy, muy cercano. Por no hablar del gesto de generosidad que ha tenido con nosotros, porque al final, él no gana nada. Sin embargo, a nosotros seguramente nos permita llegar a más gente. Así que estamos muy agradecidos.

    El tema ha visto la luz con su videoclip, ¿cómo surge la idea?

    Pues nosotros teníamos claro que queríamos es mostrar el vídeo tocando en directo, pero no sabíamos cómo orientarlo. Además hablando con la gente que iba a montarlo, nos dimos cuenta de que tampoco teníamos recursos suficientes. Así que buscamos otra posible opción: que es la del teatro, el juego de luces, los dos cantantes en el patio de butacas, que nos vamos acercando cada vez a la banda. Creo que es muy buena manera de representar lo que sentimos nosotros con esta canción, que es muy especial para todos. Es un videoclip sencillo pero que creo que, a su vez, es llamativo. Se agradece escuchar la canción con estas imágenes.

    ¿Cómo os sentís ante el lanzamiento?

    Pues para nosotros es un momento muy importante. Creemos que «Hay una luz» define muy bien el momento que estamos viviendo ahora, especialmente estos días, que parece que empezamos a ver un poco la luz. Entonces claro, por esa parte, fíjate como son las casualidades: llega esta canción que tiene un mensaje muy homogéneo para todo el mundo con el que te puedes sentir identificado. Y para nosotros es como dar otro pistoletazo de salida para la banda, porque, entre otras cosas, esta es primera colaboración que hacemos como banda y encima con un invitado de lujo. Así que solo esperamos que la reedición guste entre el público y que, bueno, que nos descubra nueva gente.

    Con la complicada situación que estamos viviendo, ¿crees en el poder curativo de la música?

    Sí, sí. No sé si tanto como poder curativo, pero sí que creo que todos tenemos bandas sonoras en función de los estados de ánimo que atravesamos. O que nos ayudan un poco a gestionar lo que sentimos: creo que en canciones que son completamente ajenas a nosotros, podemos encontrar mensajes o ciertas respuestas. No sé si curativo, pero lo que sí sé es que la música es fuente de inspiración para todos.

    Además de la reedición de este «Hay una luz», ¿podremos disfrutar de alguna más?

    Pues podría ser, podría ser. Aunque también es verdad que toda la crisis del COVID-19, nos ha cambiado el paso completamente: y es que teníamos la gira y muchos festivales confirmados, que a ver lo que pasa con todos ellos. Así que, con el paso cambiado, hemos decidido acelarar la salida de nuestro tercer disco, que será un trabajo muy importante. En definitiva, puede que haya lugar para reeditar algún tema más, pero también es verdad que estamos muy enfocados en seguir componiendo y en pegarle un acelerón al próximo disco.

    ¿Se puede avanzar algún detalle del próximo álbum o todavía no?

    Estamos todavía trabajando en ello. Tenemos claro con quién nos gustaría producir, aunque no lo podemos decir todavía. Y, bueno, también tenemos ya algún tema hecho, aunque aún nos quedan muchas discusiones para ver cómo lo enfocamos y hacia dónde lo llevamos. A nivel de estrategia, nos gustaría llevarlo un poquito fuera de la caja, fuera de lo que comunmente se hace.

    ¿Qué canción de Comandante Twin identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Pues probablemente la canción de «Hay una luz» con Gabri es una buena definición. Porque es una canción en la que hemos invertido mucho tiempo produciendo, tanto nosotros mismos en el local de ensayo como con José Caballero. Mantiene muy bien la línea, pero introduce elementos que son nuevos: tiene tintes más electrónicos y la parte rítmica tiene otro rollo. Estamos caminando un poco en esa línea, de ser capaces de evolucionar a nivel musical hacia sonidos más modernos. Y esta canción creemos que es fácil de escuchar y, además, tiene un mensaje bonito, romántico, esperanzador y muy positivo. Todo sin perder la esencia de Comandante Twin. Creo que es un buen termómetro de lo que somos y de lo que está por venir.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Te diría que todo lo que estamos haciendo, porque con todo lo que ha pasado, la banda está sufriendo una situación económica complicada [risas]. Y probablemente, la mayor locura es seguir tirando del carro con todas las consecuencias y a pesar de todo lo que está pasando. Es seguir creyendo en el proyecto que tenemos. Creo que es una buena locura, al fin y al cabo.

    https://youtu.be/64e3enk-jDs

  • Luis Fercán: «6AM es un tema muy íntimo, producto de un momento de ansiedad»

    Luis Fercán: «6AM es un tema muy íntimo, producto de un momento de ansiedad»

    El viernes pasado, día 1 de mayo, sorprendió a todo el mundo con su último lanzamiento. Se trata de la canción «6AM» y, por supuesto, se trata del artista gallego Luis Fercán, quien nos arroja de esta manera, un poco de luz en medio de todo esta complicada situaciñon. Precisamente, unos días antes de que viera la luz su nuevo single, pudimos hablar con él por teléfono y esto es lo que nos contó. ¡No os perdáis nada!

    Con «Vacíos», tu nuevo trabajo, a la vuelta de la esquina, me gustaría saber: ¿cómo surge el concepto?

    «Vacíos» no va a ser un disco, aunque realmente no sé cuántos temas va a haber dentro, pero puede que sea un EP. De hecho, «6 AM», el primer tema que ha visto la luz, es como el «primer vacío». Pero quizás, la siguiente canción que lance, sea como el «primer recuerdo». La verdad es que estamos experimentando un poco en estos momentos y sí, supongo que al final terminaremos juntando todas las canciones conforme vayan viendo la luz. Lo que nos pida el cuerpo.

    ¿Cómo está siendo todo el proceso creativo y compositivo?

    Pues la verdad es que llevaba bastantes meses flojo a nivel compositivo y me vino bien la cuarentena [risas]. De hecho, bueno, he descubierto como mi propio método para componer. Y es que cuando estoy en Madrid, me apetece vivir la vida tal cual, disfrutando de cada momento. En esos momentos no suelo componer, lo hago cuando me recojo y ya me pongo como a canalizar todas las historias que he vivido durante este periodo.

    ¿Cómo ha sido trabajar con David Adkinson y Pablo Estrella a la producción de estos temas?

    Pues ha sido una maravilla, la verdad, porque encima son colegas. Con Pablo ya había trabajado previamente en el disco de «Grietas» y es que fue de las primeras personas a las que conocí cuando llegué a Madrid. Así que, con «6AM» no me corté, les pasé el tema y les gustó. Primero se lo pasé a David y él puso su toque con el piano, le dio un poco de armonía y nos dio alguna idea, quizás un poco más rara, pero que a los dos nos flipó. Y ya después Pablo se encargó de la mezcla, metió un par de ambientes e hizo la magia.

    «6AM» ha sido la primera canción que ha visto la luz, ¿por qué lanzar esta canción la primera y qué representa para ti?

    Pues el por qué de la canción no te sé decir, porque es una canción muy, muy triste [risas]. De hecho, ahora aunque estoy componiendo de amor y desamor, lo estoy haciendo desde un punto de vista más alegre, recordando los buenos tiempos. Esta canción hace referencia a un recuerdo chungo [risas]. Pero no sé, me apetecía publicar una canción que se pudiera trabajar a distancia y ésta pedía bastantes cosas ambientales. Y es que está producida a base de reuniones de Zoom y de compartir pantalla.

    En cuanto a qué significa para mí…esta canción es un poco producto de un momento de ansiedad, que imagino que le habrá pasado a mucha gente. Yo suelo pasar muchas noches en la Sala BarCo de Madrid con amigos. Y una noche estaba allí, pasándolo super bien y, de repente, me dicen que ha entrado mi ex con su nueva pareja. Lo cual me tocó bastante y de ahí, surge esta canción.

    ¿Cómo te sientes ante el lanzamiento de este single?

    Pues tenía muchas ganas la verdad. Porque además, a la gente a la que le estuve enseñando el tema, le sorprendió muy gratamente y es que, cada persona a la que se lo¡ he puesto, ha llorado. Pero muy bien, muy emocionado, tenía muchas ganas de publicar nuevo material. Además, esta canción es muy, muy íntima.

    Ese intimismo se percibe, además, es el claro ejemplo de que menos es más: transmitirlo todo con la voz y pocos elementos más, sin artificios.

    Sí, sí, totalmente. Eso es lo bueno de trabajar, creo yo, a distancia. Y es que quita de en medio muchos artilugios, muchas capas. Y, claro, quitando todo eso: tienes 100 cosas menos, pero 4 que funcionan a la perfección y en las que te tienes que centrar. A partir de ahí, es ponerse a trabajar e intentar transmitir todo con lo poco que tienes. Y muchas veces eso es mucho mejor.

    ¿Es la música una especie de terapia, una manera de liberarse?

    Sí, por supuesto. A mí me está salvando: y es que si estos días me niegas la música la música, me hubiese vuelto loco.

    A pesar de la incertidumbre de estos días, ¿cuáles serán los próximos pasos de Luis Fercán?

    Pues no lo sé [risas]. Porque conciertos estoy deseando dar, pero todo esto va para largo. Por lo demás, seguir produciendo más temas a distancia, que no sabemos cuándo verán la luz. De momento, no hay fechas de ningún tipo…como está la cosa como está, no se pueden poner fechas a largo plazo.

    ¿Qué canción de Luis Fercán define mejor el momento en el que estás y por qué?

    Es que claro, depende tanto del día [silencio]. Pero creo que diría tanto «Mi Luz» como «Mi Oscuridad»: un día una y un día otra, en función de cómo me levante [risas].

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Pues irme a Madrid con lo puesto y con el dinero justísimo, ponerme a tocar en el metro, por la noche recorrer los micros abiertos y a la mañana siguiente, volverme a Santiago. Y así unas quince veces en cosa de un año.

  • Nana Lovv: «Paris es una canción que engloba todo lo que va a ir en el EP»

    Nana Lovv: «Paris es una canción que engloba todo lo que va a ir en el EP»

    Hay artistas que, con sus propias historias de superación, son sinónimo de luz. Luz que nos irradia y que nos invade de principio a fin. Nana Lovv es uno de esos grandes ejemplos. Y es que con «Paris» ha revolucionado nuestra vida, pero es que estamos seguras de que con su inminente EP,  «Happiness is a myth», lo volverá a hacer. Mucha atención a la entrevista que le hacemos a la artista, en la que nos da todos los detalles sobre su proyecto.

    «Happiness is a myth» será tu EP debut, que verà la luz durante este 2020. ¿Cómo surge el concepto?

    Surge, principalmente, a raíz de una experiencia personal que viví hace un tiempo. De hecho, son canciones que venían acompañándome desde hace un tiempo, no son nuevas, nuevas. Las fui componiendo a lo largo del tiempo, ya que, bueno, iba mezclando este trabajo con el de la composición para otros artistas. Así que, en el momento en el que decidí trabajar en mi EP, recopilé los temas más personales que tenía y decidí incluirlos. Y, sin duda, son los que mejor definen mi recorrido vital.

    ¿Cómo fue el proceso creativo y compositivo de este EP?

    Empezó un poco por casualidad. Yo conocí a mi productor, que es Carlos Dueñas de Articwave Studio, me escuchó cantar y me preguntó si estaba haciendo o componiendo algo. Y justo me pilló en un momento en el que me apetecía empezar a grabar mis propios temas, tenía ganas de arrancar con mi propio proyecto. Así que, decidimos empezar con «Paris» que, inicialmente, era una mera prueba, ya que ésta era una canción que no tenía planeada publicar. Pero comenzamos a experimentar y no pudimos parar: inicié el proceso en casa, con los acordes básicos y con toda la letra y ya en el estudio, le dimos forma al sonido, incluyendo sintetizadores, analógicos…También ahora estamos introduciendo capas más atmosféricas y con elementos más modernos, como el autotune.

    ¿Cómo fue todo el trabajo junto a Carlos Dueñas?

    Muy guay, porque es muy difícil encontrar a alguien que sepa expresar lo que quieres decir, musicalmente hablando. Sobre todo cuando no eres productor. Y es que a mí me pasa que, muchas veces, no tengo como el lenguaje exacto para describir lo que quiero o lo que necesito. Pero probamos con «Paris» y nos dimos cuenta de que nos entendemos muy bien a nivel artístico. Hemos encontrado el equilibrio entre el trabajo en equipo y el individual: y es que, al principio, suelo ser yo la que trabaja sola en la composición de todos los temas; y Carlos lo está más hacia el final, dándole los últimos toques a las canciones. En definitiva, es muy fácil trabajar con él y yo estoy muy contenta.

    «Paris» ha sido el primer adelanto que hemos podido escuchar. ¿Por qué precisamente esta canción?

    La verdad, porque es una canción que engloba un poco todo lo que va a ir en el EP. Las canciones que escucharemos a partir de ahora, tienen como un toque más oscuro, más nostálgico. Y es que este trabajo va a representar un poco una especie de recorrido, desde el inicio de la vida hasta el final. Así que «Paris» representa un poco todo, porque nace de una experiencia muy personal de pérdida. Es un poco el punto de inicio de todo lo que está por venir.

    ¿Qué importancia tiene para ti esta canción, «Paris»?

    Pues es una canción que empecé a crear hace cinco años y la terminé el año pasado. Entonces, es muy importante, porque ha expermientado muchos cambios, a la par que yo. Es una canción que explica mi propia situación en un momento determinado, ante una pérdida. Y va evolucionando con el paso de los años, igual que lo he hecho yo, hasta prácticamente ahora. Para mí ha sido muy importante poder reflejar el duelo, el cómo me siento, aunque sea musicalmente, porque de cualquier otra manera, me habría costado mucho más hacerlo.

    «Paris» ha visto la luz junto a su respectivo videoclip. ¿Cómo surge la idea?

    Pues fue un poco igual que con la canción, que a medida que íbamos haciendo. iban surgiendo ideas. Ya una vez le dimos forma a la canción y tuvimos claro que la publicaríamos, nos empezó a encajar mucho en soporte visual, así que nos pusimos a trabajar en ello. De hecho, el protagonista de la historia es mi primo pequeño Marc y, lo cierto, es que fue una experiencia totalmente nueva para mí. Quien se encargó de dirigir y montar el vídeo fue Ángel de Clic Games, con quien estuvimos trabajando durante cinco días, repartidos en dos meses (porque grabar con niños tiene su qué). Y, la verdad, es que estoy muy contenta con el resultado.

    ¿Qué peso tiene el mensaje en tus canciones?

    Pues para mí, es algo que tiene mucho peso, sobre todo, porque la letra es lo primero que me sale cuando compongo. Además, invierto mucho tiempo en ello: no solo en la lírica, también en pensar qué voy a comunicar y qué va a sentir la gente cuando lo escuche. Porque, al final, «Paris» es la canción más alegre que va a salir y, aún así, no lo es. Así que, a pesar de lanzar, este tipo de emociones o mensajes como la tristeza, la nostalgia o la rabia, también quiero que se perciban otros más positivos, como la esperanza.

    Especialmente ahora con la situación que estamos viviendo, ¿crees que la música puede llegar a ser terapéutica?

    ¡Totalmente! De hecho, mi especialidad es la musicoterapia y me he dedicado a estudiar e investigar justo esto. Además, estos días ha quedado muy patente todo ello. Sí que es verdad que, por otro lado, está la industria que, especialmente, en estos días está bastante perjudicada y los artistas van sobreviviendo como pueden. Pero, claro, por otro lado, la gente que no se dedica al arte, creo que sí que está viendo los efectos positivos de tener música y recursos a su alcance, para poder gestionar todos estos momentos, que están siendo muy estresantes para todos.

    A pesar de toda la incertidumbre que estamos viviendo, ¿cuáles serán los próximos pasos de Nana Lovv?

    Pues ahora mismo, nos encontramos produciendo a distancia, lo cual es todo un mundo. Pero seguimos trabajando y la idea es que a finales de este año, más o menos, vean la luz el resto de temas, junto al propio EP. Además, estamos cerrando alguna colaboración, con la que estoy encantada. Pero hasta que no esté todo cerrado, no podemos anunciarla. Por lo demás, es ver cómo va fluyendo la cosa y si va todo bien, seguiríamos sacando temas, ya de cara a 2021.

    ¿Qué canción de Nana Lovv identifica mejor el momento en que estás y por qué?

    Pues te diría «Paris», no solo porque es la única que ha salido hasta el momento y la única que se conoce. También por lo que representa, por la unidad y por el mensaje de esperanza que traslada, a pesar de todo.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Pues creo que dejar de lado toda mi carrera científica de medicina [risas]. Todo por dedicarme a la música, claro.

  • Scott Siskind: «En Old Ghosts, New Homes hay un montón de auto-reflexiones»

    Scott Siskind: «En Old Ghosts, New Homes hay un montón de auto-reflexiones»

    Probablemente, una de las mejores sensaciones de la vida es ese momento en el que la música es capaz de traspasar fronteras, hasta llegar a todas y cada una de nuestras casas. Eso es lo que nos ha pasado con la increíble propuesta de Scott Siskind y su nuevo trabajo, «Old Ghosts, New Homes». Un trabajo del que hemos podido hablar con él: mucha atención a lo que nos cuenta.

    ¿Cómo nace el concepto de «Old Ghosts, New Homes»?

    No es realmente un álbum conceptual, pero todas las canciones tratan de temas similares y hay un montón de auto-reflexiones en la escritura de las canciones. El título del álbum viene de una de las últimas líneas de la canción «What is God?» y está basado en la idea de coger las cosas negativas de tu pasado y llevarlas contigo. Y es que incluso cuando crees que se han ido, siguen siendo parte de ti.

    ¿Cómo te sientes con el lanzamiento del álbum?

    Estoy contento con el lanzamiento del álbum. Fue agradable seguir mi corta gira europea con algo de música nueva y estoy muy orgulloso de esta colección de canciones.

    ¿Cómo ha sido la acogida del álbum?

    Creo que ha sido muy buena hasta ahora, especialmente teniendo en cuenta la situación actual del mundo. Normalmente seguiría un lanzamiento con muchos shows en vivo, pero debido a Covid, eso no es realmente una opción. He tenido que ser creativo en la forma de promocionar el álbum.

    ¿Cómo ha sido el proceso creativo y compositivo?

    Creo que estas canciones salieron de forma bastante natural. Se desarrollaron principalmente como canciones acústicas. Cuando llegó el momento de la grabación, me reuní con el batería John Love y el bajista Chris Perry, para establecer las pistas básicas del disco. Muchas de las otras capas (teclados, guitarra eléctrica, etc.) se crearon durante el proceso de grabación.

    ¿Cómo consigue Scott Siskind su particular sonido?

    Creo que el sonido de cualquier artista proviene de años de evolución. He pasado 12 años en una banda de rock llamada Vinny Vegas, y he aprendido mucho gracias a los músicos que formaban la banda y gracias al modo de composivión que teníamos. Como líder, siempre dije que las canciones son tan buenas como cuando se tocan sólo con la acústica y la voz. Así que pasé mucho tiempo trabajando en los elementos básicos de mi composición.

    ¿Cuál es la importancia de las letras? 

    Para mí, las letras son todo, son la historia, el centro. Trato de ser muy honesto con mis letras y muy honesto conmigo mismo al escribirlas.

    ¿Es la música es una forma de expulsar demonios?

    Absolutamente, es una liberación

    ¿Cómo nació el arte del disco?

    Trabajé con la artista Marjia Tiruina en el concepto de la obra de arte. El objetivo principal era crear un elemento circular, en el que una cosa fluyera constantemente hacia otra. También incluyó referencias específicas a las canciones y a mi propia vida.

    Estamos viviendo una situación complicada, ¿crees en la música como un elemento curativo?

    Creo que la música y las artes son muy importantes en este momento. Nos recuerda lo que es la humanidad, y creo que es absolutamente esencial en este momento para todos.

    A pesar de la incertidumbre: ¿cuáles son los próximos pasos de Scott Siskind?

    Ya que todos los espectáculos están cancelados en un futuro inmediato, estoy tratando de ser creativo con las transmisiones en vivo, la autopromoción y las ideas de vídeos musicales. También estoy empleando este tiempo para escribir y componer, sin la presión de una agenda real. Sólo intento dejar que las ideas fluyan.

    ¿Qué canción de Scott Siskind te representa mejor en este momento y por qué?

    Es difícil determinar qué canción me representa mejor. Todas nacieron de un lugar especial dentro de mí, así que no sé si puedo tomar una decisión. Diré que 2 de mis favoritas en el disco son «Polish Soil» y «The Darkness».

    La mayor locura cometida por la música.

    Me encanta escribir música y grabar. Pero sobre todo me encanta actuar, sin importar el tamaño del público. La conexión humana que puede surgir de la música es un sentimiento increíble.

    How born the concept of «Old Ghosts, New Homes»?

    It is not really a «concept» album, but all of the songs deal with the similar themes, and there is a lot of self reflections in the song writing. The title of the album comes from one of the last lines in the song «What is God?» and it’s based on the idea of taking negative things from your past and carrying them with you. Even when you think they’re gone, they are still part of you.

    How do you feel with the launched of this album?

    I am happy with the launch of the album. It was nice to follow up my short europeans tour with some new music and I’m very proud of this collection of songs.

    How has the album been received?

    I think it’s been very good so far! Especially considering the current situation in the world. Normally I would follow up a release with a lot of live shows, but because of Covid, that isn’t really an option. I’ve had to get creative with how to promote the album.

    How has the creative and compositional process been?

    I think these songs came out pretty naturally. They developed mostly as acoustic songs. When it was time for the recording, I got together with drummer John Love and bassist Chris Perry to lay down the basic tracks of the record. A lot of the other layers (keys, strings, electric guitar, etc.) were built up through the recording process.

    How does Scott Siskind get his particular sound?

    I think any artists sound comes from years of evolution. I’ve spent 12 years in a rock band called Vinny Vegas, and have learned a lot through the other musicians and songwriting we developed in that band. As the frontman, I was always told that your songs are only as good as when they’re played just acoustic and voice. So I spent a lot of time working on just the root elements of my songwriting.

    What is the importance of lyrics? Why speaks in this album about self-exploration and knowledge?

    To me, lyrics are everything. They are the story. I try to be very honest with my lyrics and very honest with myself when writing them.

    For you, is the music a way of expelling demons and worries?

    Absolutely, it’s a release

    And the artwork of this album: What’s the point? How born the concept of the cover?

    I worked with artist Marjia Tiruina on the concept for the artwork. The main goal wast to create a circular element with one thing constantly flowing into another. She also included specific references to the songs and my own life through out.

    We’re living in a complicated situation, do you believe in music like a curative element?

    I think music and the arts are so important right now. It reminds us what humanity is about, and I think it’s absolutely essential in this moment for everyone.

    Despite uncertainty: what are the next steps of Scott Siskind?

    Well, since all shows are cancelled for the foreseeable future, I am trying to be creative with live streams, self promotion and music video ideas. I’m also using this time to being to write a little bit with no real agenda. Just trying to let ideas flow at the moment.

    Which song of Scott Siskind represent you better and why?

    It’s hard to determine which song represents me best. They were all born from a special place inside of me, so I don’t know if I can make a decision. I will say that 2 of my favorites on the record are «Polish Soil» and «The Darkness».

    Which is the best madness that you made for music?

    I love writing music and recording. But I especially love performing, no matter what size audience. The human connection that can come from music is an incredible feeling.

  • Ocata: «En 9 Historias y 1 Mentira hemos encontrado el tipo de música que queremos hacer»

    Ocata: «En 9 Historias y 1 Mentira hemos encontrado el tipo de música que queremos hacer»

    Apenas tiene unos días de vida. Fue este mismo viernes 24 de abril cuando el álbum debut de Ocata vio la luz: «9 Historias y 1 Mentira» ya es nuestro y es una verdadera joya. 10 historias que llegan pisando fuerte, que llegan para transportarnos a otro lugar, para evadirnos. Y todo gracias al trabajo intenso y a ese toque mágico que han añadido los propios miembros Vicenç Pedret (guitarra y voz), Kevin Halfon (bajo y coros), Pepe Montero (guitarra solista y coros), Roger Moreno (batería), y la quinta Beatle de este proyecto, Ashley Garrido (manager). El pasado jueves, a escasas horas de que viera la luz este debut, pudimos charlar un ratito por teléfono con Vicenç sobre este gran proyecto llamado Ocata y sobre el inminente «9 Historias y 1 Mentira». Y esto es lo que nos contó.

    ¿Cómo surge el concepto de «9 Historias y 1 Mentira»?

    «9 Historias y 1 Mentira» es el primer disco que grabamos de una tacada, ya que nos encerramos durante seis meses para poder crearlo, darle forma y buscar un concepto. Y es que queríamos grabarlo y grabarlo bien. De hecho, comenzamos a hacer canciones y de inicio compusimos unas 20, aunque al final nos quedamos solo con 10. Entonces yo creo que es el primer disco en el que nos hemos encontrado un poco con el tipo de música que queremos hacer y con el tipo de letras que queremos hacer. Lo que queremos hacer es música pop, pura y llanamente. Y, sobre todo, contar historias. De hecho, los temas de este disco están basados en historias que le han pasado a personas cercanas a nosotros, que hemos escuchado o que nos han llegado de rebote. Aunque hay una que nos hemos inventado. Así que el título sale un poco de aquí: hay nueve historias y una mentira.

    ¿Cuál es la mentira?, ¿se puede saber o tenemos que adivinarla?

    Pues a mí me gusta mucho contar de qué van las canciones, pero en este caso, lo dejo en el aire, para que cada uno la pueda deducir.

    ¿Por qué dar cabida, concretamente, a estas diez historias?

    Pues nosotros intentamos siempre darle una vuelta a todo, fijarnos en los pequeños momentos que lo hacen todo distinto. Por ejemplo, hay una canción que se llama «Tío Carlos», que está inspirada en el tío de Pepe, nuestro guitarra; que es una persona brillante y fue drag queen. Una historia diferente, a la que hemos querido darle cabida y que es preciosa. Y así con todas, la verdad: tratamos de hablar de temas comunes como el amor, la pareja o la importancia de viajar, pero queremos hacerlo siempre de una manera diferente.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de este disco?

    Pues normalmente, la idea inicial de la canción la saco yo con Pepe, guitarra de la banda. Entonces cuando vemos que una idea funciona con una o dos guitarras, se la llevamos al grupo, a Kevin y a Roger, que son bajo y batería. Y ya entre todos terminamos de darle forma a todo. Ese es un poco nuestro método de trabajo, tanto con la música como con las letras. Con el tema letras, soy yo el que lleva las ideas de los versos y ya entre todos, vamos definiendi, qué se entiende, qué no, qué queda bien, qué queda mejor. Es un poco la manera que hemos encontrado de trabajar y que nos va bien. Aunque curramos mucho con la mentalidad de: «vamos a hacer 10 y nos quedaremos luego con 1».

    ¿Cómo fue el trabajo de producción con Santos&Fluren?

    Fue muy, muy guay, porque son gente a la que hemos admirado siempre por su trabajo y por los discos que han producido: de Love Of Lesbian, de Sidonie, de Izal, de Joan Dausà, de Ruidoblanco. Entonces, cuando nos escribieron y nos dijeron que sí que querían trabajar con nosotros, pues nos emocionamos. Y es que claro, son gente tan conocida y tienen tanta carga de curro, que primero te piden que les mandes tu maqueta y luego ya te dicen si pueden o no pueden trabajar contigo. Y fue muy bien, además también fuimos muy abiertos: es lo que había que hacer. No habría tenido mucho sentido ir a trabajar con Santos&Fluren y luego decirles: «no, este disco se va a grabar como nosotros queremos». Así que nosotros estuvimos muy abiertos a que metieran mano a las canciones y verdaderamente nos ayudaran. Y, la verdad, es que fue muy guay porque creo que supieron ver muy bien la esencia de cada canción y nos guiaron muy bien con todo: con lo que quedaba mejor, con lo que quedaba peor. En definitiva, estuvimos un mes trabajando con ellos y fue muy bien, terminamos muy contentos con todo el trabajo. De hecho, tenemos anécdotas con ellos que, de verdad, no olvidaremos. Por ejemplo, hubo un día que estuvimos grabando hasta muy tarde y, en un momento, con la canción «Quiero Más», Fluren nos dijo: «¿Os importa si esta guitarra acústica la grabo yo? Que tengo muchas ganas». Por supuesto dijimos que sí, porque para nosotros era un honor contar con él y con toda su experiencia.

    «Viajar», «Mis 30», «Yo Robot» y «Quiero Más» han sido los primeros adelantos de este disco. ¿Por qué escoger estas canciones como presentación del álbum?

    Pues mira, sin quererlo, nos lo hemos repartido bastante. Porque al final, todos estamos encantados con el disco, pero tenemos predilección por alguna canción en concreto. «Viajar» es el tema preferido de Pepe; «Mis 30», aunque no es mi favorita, siempre me ha parecido como el single claro; «Yo Robot» a Roger le encantó y es su favorita; ya de «Quiero Más» es la canción de Kevin. Así que, sin quererlo, ha quedado así.

    El disco ve la luz en apenas unas horas, ¿cómo os sentís?

    Pues la verdad es que la sensación es un poco extraña, porque nosotros teníamos ya los planes de cómo sería el lanzamiento del disco. De hecho, teníamos previsto tocar en la Antigua Fábrica de Estrella Damm para presentar este «9 Historias y 1 Mentira». Entonces es como que teníamos muchos planes que, por las circunstancias, no hemos podido realizar. Así y todo, estamos muy emocionados por el lanzamiento del álbum, ya que llevábamos como año y medio trabajando en él: los seis meses de composición, el mes de grabación y el año pensando en todo el concepto, más allá de lo musical (fotografía, videoclips, estrategia de lanzamiento). Así que, en definitiva, estábamos ya con muchas ganas de sacarlo: nosotros lo que queríamos es que la gente lo pudiera escuchar ya, que lo pudiera disfrutar. También lo que a nosotros nos gusta es que la gente escuche el disco como los escuchamos nosotros: te lo pones de una tacada, lo vuelves a escuchar en el coche, te vas enamorando de una canción, descubres otra que no te gusta y, de repente, cambias. Así que, bueno, estamos muy emocionados, en definitiva.

    Hablabas de todo el concepto no musical del disco y justo queríamos preguntar por lo que es el arte del disco. ¿Cómo surge todo ello?

    Pues otro avance que hemos hecho con este disco es que hemos contado con la colaboración de Rocío Larrumbide, que ha sido nuestra directora creativa. Y es que nosotros nos hemos dado cuenta de que la música, guste o no guste, es mucho más que música. Partiendo de esa base y sabiendo que somos música pura, tomamos la decisión de incorporar a alguien más en el equipo, que diera o completara el proyecto con la parte más visual. Y la verdad es que el trabajo con Rocío ha sido genial, porque enseguida captó la esencia: enseguida se le ocurrió la idea de crear diez personajes para cada una de las canciones y como darles vida, que fueran de carne y hueso. Además, junto al equipo de La Bemba también se encargó de conceptualizar el videoclip. Al final, creo que el concepto visual que creó para el disco quedó muy chulo. Refleja muy bien lo que es la otra cara de «9 Historias y 1 Mentira», lo cual, para nosotros era algo muy importante.

    ¿Cómo ha evolucionado Ocata desde aquel primer EP, «Cara B»?

    Pues muchísimo. De hecho, la sensación que tenemos todos es de evolución. Y es algo que se ve, en primer lugar, en cómo nos creemos todos este proyecto. Hace cuatro años, Ocata era un grupillo y sí, tus amigos te preguntaban: «Ay, ¿qué tal?». Y nuestra sensación ahora es de orgullo máximo. Un orgullo que se ha traducido en que nosotros seamos más perfeccionistas y en que hayamos decidido hacer una gran apuesta, rodeándonos de grandes profesionales, en todos los sentidos y en cada una de las áreas. Todo ello ha hecho que, por ejemplo, pudiéramos contactar y empezar a trabajar, a su vez, con Music Bus, que son quienes nos representan. Creo que todo eso empieza por trabajar mucho nosotros y por sentirnos orgullosos del proyecto.

    Especialmente en los momentos que estamos viviendo, ¿creéis que la música es un elemento curativo?

    Yo creo que sí, 100%. Y no solo creo que la música cure. En el caso de la nuestra, considero más bien que tiene como el don de trasladarte a otro lugar, de coger tu cabeza y llevarla lejos de donde está, de hacer que se evada. Todo eso, gracias a que te voy a contar una historia que, por un momento, te va a alejar de tu casa, del tráfico, de la situación que estés viviendo. Así que sí, creo que la música tiene esa habilidad de trasladarte sin ni siquiera moverte, especialmente ahora que no podemos movernos de casa.

    A pesar de toda esta incertidumbre, ¿cuáles serán los siguientes pasos de Ocata?

    Pues ahora mismo, nosotros seguimos componiendo. Estamos aprovechando esta cuarentena para seguir creando, además de para prepararnos para empezar a tope cuando regrese la época de conciertos. Y otra cosa que vamos a hacer es recompensar a toda la gente que nos está apoyando de alguna manera especial, preparándoles pequeñas sorpresas. Queremos cuidarlos y darles las gracias de alguna manera.

    ¿Qué canción de Ocata define mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Uf, qué difícil [risas]. Me la tengo que pensar, ¿eh? Pues yo igual te diría que la canción que mejor define Ocata en estos momentos es «Yo Robot», porque habla de un futuro un tanto surrealista, que es un poco lo que estamos viviendo en estos momentos. Y es que si alguien, hace un año, nos dice lo que estamos viviendo ahora mismo, no nos lo hubiéramos creído. Pero bueno, estamos intentando aprovechar al máximo esta situación, aunque no sea la que nos hubiera gustado vivir. A su vez, esta también es una canción que a los cuatro nos encanta.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Pues la verdad hay varias [risas]. Yo hay una a la que le tengo cariño, pero en realidad no debería. Y es que, bueno, cuando un grupo está empezando, hay veces que tiene que hacer conciertos en los que no te ve nadie. Y eso nos pasó en marzo del año pasado en Mollerussa y no había absolutamente nadie: además, fue un jueves, que nosotros trabajábamos, nos pegamos dos hora de viaje, tocamos para cuatro personas y nos volvíamos, porque al día siguiente teníamos que volver al trabajo. Fue un momento complicado pero también es una situación que te une como grupo, porque si superas eso, significa que ya puedes superar cualquier cosa. Además, son cosas que ponen a prueba la banda. Es una locura, pero al final, forma parte del proceso y merece la pena.

  • Rambalaya: «Este disco se conforma como una especie de Pantone sonoro»

    Rambalaya: «Este disco se conforma como una especie de Pantone sonoro»

    Han sido una grata sorpresa y un gran descubrimiento: se trata de los barceloneses Rambalaya, quienes acaban de irrumpir con su álbum homónimo. Primer álbum con esta nueva formación, aunque la historia les viene de lejos. Y es que están siguiendo la estela de su anterior EP, un trabajo que vio la luz cuando ellos aún se llamaban The Ramblers. Si queréis adentraros en el particular universo de la banda, cargado de blues, soul y R&B por doquier, no os perdáis la entrevista que le hicimos hace algunos días a Jonathan Herrero, voz de la expermientada formación musical.

    ¿Cómo surge el concepto del disco, de «Rambalaya»?

    Bueno, nosotros llevábamos ya un tiempo tocando a cuarteto y quinteto, bajo el nombre de The Ramblers. Principalmente, lo que hacíamos era tocar versiones, temas de blues, de R&B, de soul. Pero enseguida comenzamos a componer y a crear nuestro propio repertorio. De hecho, publicamos un EP como The Ramblers y vimos que la reacción por parte de la gente era bastante positiva. Así que pensamos que siendo una formación como la nuestra y añadiendo guitarras y una sección de metales, podíamos hacer algo muy guay. Así fue un poco como ampliamos la familia, completamos el septeto y continuamos creando. Pero ya llegó un momento en el que nos tocó decidir y meternos a estudio. Fue entonces cuando nos dimos también cuenta de que ya había alguna banda que se llamaba The Ramblers, incluso dentro de nuestro propio circuito. Así que a Matías, bajista de la banda, se le ocurrió el concepto Rambalaya. Y así se quedó.

    Precisamente, la siguiente pregunta era cómo surge un poco Rambalaya, tras el paso por The Ramblers y tras haber participado en otras formaciones. 

    Bueno, ya como The Ramblers habíamos tocado como septeto en el Festival de Blues de Barcelona y en otros eventos. Pero al querer editar ya el primer álbum y distribuirlo en redes y demás, se daba el caso ya de cambiar, como de rebautizarnos. Así que nos quedamos enseguida con el nombre de Rambalaya, en cuanto a Matías se le ocurrió, porque es un nombre con mucha sonoridad. Y vimos que, por supuesto, no había nadie que se llamara así. Así que, así nos llamamos [risas].

    También quería preguntaros, ¿cierto que este primer álbum da cierta continuidad al EP que vio la luz con The Ramblers?

    Sí, sí. De hecho, hay dos canciones que hemos re-grabado con la sección, porque en el EP éramos un quinteto. Así que para completar el LP, les hemos una vuelta a estos dos temas: los volvimos a grabar, cambiamos algunas cosas, le dimos un aire diferente. Creo que están mucho mejor ahora, creo que han crecido mucho: es como hacer un guiso con nuevas especias y con nuevos sabores.

    ¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo de este trabajo y cómo os complementáis siendo una banda con tantos miembros?

    Bueno, tenemos mucha suerte, porque Anton y Matías, batería y bajista de la banda, son los que principalmente componen los temas: tenemos buenos cerebros a nivel compositivo. Así que es muy fácil, porque se han generado muy buenas ideas, aunque algunas se han quedado fuera y quizás las dejemos para más adelante. Pero en definitiva, es muy guay el trabajo así, un gustazo estar con personas con tanta experiencia y que son tan buenos músicos. Todo ello también sumado al trabajo del productor, de Dani Nel·lo, que lo ha sabido poner todo en su sitio. Así que el encontrar a las personas adecuadas y trabajar sobre tan buenas ideas, lo hace todo más sencillo, más rápido y más natural. Con todas las dificultades que conlleva que todos tengamos nuestra propia opinión, claro [risas].

    Ahora que comentabas de Dani Nel·lo, ¿cómo fue trabajar con él?

    Muy fácil, porque Dani no solo es un «musicazo», también es amigo y colega en diferentes proyectos. Es como una enciclopedia musical, sabe muchísimo de todo y eso es muy bueno: tiene muchas referencias, enseguida sabe buscarle colores y detalles a todas y cada una de las canciones. Además de la confianza que ya te une a él: sabes que te va a decir todo tal cual es y que las ideas que va a proponer van a ser por tu bien, sabes que te las está diciendo un amigo, te gusten más o te gusten menos.

    El disco vio la luz hace unas semanas y me gustaría saber cómo ha sido la acogida.

    Pues la verdad es que nos ha pillado toda esta complicada situación, con la cuarentena de por medio. Aún así, las reacciones han sido geniales, tanto por parte de los medios, como por parte del público. Nos han puesto muy buenas reviews y lo cierto es que está gustando mucho. Aunque no podamos salir para mostrárselo al público en directo, que es la manera en la que nos gusta. Pero bueno, de momento está yendo muy guay, así que estamos muy agradecidos. Nos ha puesto mucho las pilas y nos ha dado mucha alegría.

    ¿Cómo construye Rambalaya su sonido y por qué apostar por el R&B como vía, como género musical?

    Estilísticamente, sí que es verdad que el disco está enmarcado en esos estilos: en el soul, en el R&B, incluso toques de country. Son estilos en los que todos los miembros de la banda convergemos, aunque después cada uno tiene sus cosas [risas]. Además, son estilos que todos tocamos o hemos tocado con asiduidad. En lo que respecta al sonido de la banda, en realidad, surge un poco de cada instrumentista. Por ejemplo, cuando escuchas la batería de Anton, suena a rock, pero también lo pasa por un tamiz, porque también tiene mucha experiencia tocando jazz, tocando swing. Y así te podría decir con todos, porque cada uno de los instrumentos, suena a cada uno de nosotros. Pero vaya, que el punto de encuentro principal ha sido este. Y todo ello, al trabajarlo y pasarlo por el foco del productor, el disco se conforma como una especie de Pantone sonoro, muestra toda la zona en la que nos movemos, en la que nos sentimos cómodos y en la que hay cierta homogeneidad.

    Ahora que estamos atravesando una situación complicada, ¿crees en el poder de la música como elemento curativo?

    Sin ponerme muy intenso [risas], solo hay que ver las redes sociales: haciendo vídeos desde casa, montando conciertos y festivales caseros, grabando vídeos para medios de comunicación. Digamos que, de repente, a todo el mundo le hace falta la música, la cultura, el entretenimiento. Quizás todo esto nos sirva para darnos cuenta de que no todo es tan baladí, de que es necesario y de que se le hay que prestar atención, no solo cuando estás en casa. Es normal que la gente busque esta vía de escape, esta manera de evadirse. Creo que es esencial y que todo esto está dando una nueva perspectiva: de valorar lo que tenemos, de darle la importancia que merece. Ojalá valga para algo, sobre todo cuando todo comience a reactivarse.

    A pesar de la situación de incertidumbre, ¿cuáles serán los próximos pasos de Rambalaya?

    Inmediatamente, teníamos las presentaciones en las grandes capitales: Bilbao, Barcelona, Madrid, Valencia, Zaragoza, y todas ellas están en el aire. En este aspecto, estamos un poco a la expectativa y poco más, no podemos hacer más, porque no están en nuestra mano. De repente, nos llaman y nos dicen que X concierto se ha caído, y se ha caído. Pero la maquinaria sigue en marcha. De hecho, ha visto la luz el videoclip de nuestro single «Bootlegger Man», del cual estamos muy contentos, porque lo hemos hecho con Lyona y nos encanta como trabaja y lo que hace. Además, nosotros no dejamos de trabajar y de componer, cada uno desde nuestra casa. Así que, bueno, estamos a la expectativa, pero activos de alguna manera.

    ¿Qué canción de Rambalaya identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?

    ¡Wow! [risas]. Hay muchas que me gustan y seguro que escojo una y después me matan [risas]. Aunque me gustan todas las del disco, me gusta especialmente la energía que tiene «Can’t Take It No More», es un tema muy salvaje y creo que define un poco cómo nos sentimos: mordiéndonos las uñas y deseando poder salir, para poder tocar en directo y soltar toda la adrenalina que soltamos cuando actuamos. Esta es la que yo escogería, pero seguro que si hablas con los demás, te dicen cualquier otro tema.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    [Risas]. Esto es algo también como muy personal. No sé, yo creo que cada uno tiene sus propias historias y no las contaré en su nombre [risas]. Pero yo, la que cometía hace ya muchos años, es la de dejar la carrera en el último año y con todo aprobado, todo porque quería dedicarme a la música. Todo para la alegría de toda la familia [risas]. Creo que esta fue mi gran locura vital, porque lo que estaba haciendo no me gustaba. Fue mi gran apuesta, la música. Y, mira, aquí estamos, lidiando con la vida de una manera sufrida, pero placentera.

  • Malena Zavala: «La Yarará es una representación de mi identidad»

    Malena Zavala: «La Yarará es una representación de mi identidad»

    Directamente desde Argentina, llega Malena Zavala dispuesta a revolucionar todo. Dispuesta a que cambiemos por completo todo el concepto que teníamos sobre la música. Porque lo suyo es algo sobrenatural: mostrando sus raíces y su esencia más puras, la joven artista ha sorprendido con sus temas, adelantos de su inminente trabajo – que verá la luz el 17 de abril -, titulado «La Yarará». Un acontecimiento de lo más importante, sobre el que hemos podido hablar con la propia artista. ¡Sigue leyendo si quieres conocerla mejor!

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo álbum, «La Yarará»?

    «La Yarará» es una representación de mi identidad. Yo nací en Resistencia, Chaco en Argentina, y a los tres años nos mudamos a Inglaterra. Me llevo mucho tiempo  entender que era mi identidad porque los dos países son totalmente lo opuesto al otro, y nunca sabía a cual pertenecía. Para este álbum yo investigue mucho los ritmos y melodías de la música sudamericana y así reconectarme con mis raíces.  Después lo mezcle con música que viene de países donde se habla el inglés (como UK, EE.UU. y Canadá).  Llegue a la conclusión que yo no pertenezco a UN país, sino que yo pertenezco a los países que representan diferentes partes de mi vida y en eso crear mi propia marca de identidad.

    ¿Cómo te sientes ante su inminente salida, el próximo 17 de abril?

     Yo siempre estoy relajada y no tengo expectativas. Entonces solo estoy emocionada con el lanzamiento.

    ¿Cómo construye Malena Zavala su sonido?

    Mis canciones salen de la nada. En un instante escucho una melodía en mi cabeza y me siento para encontrarlo en las cuerdas de mi guitarra. A veces empiezo con el ritmo no más y le voy agregando partes a medida que progreso. Normalmente cuando compongo, lo grabo ahí al toque para capturarlo antes de que se me escape. Y ahí queda la primera idea pura como apareció en mi cabeza, sin cambiarlo.

    ¿Qué importancia tiene el mensaje de las canciones para Malena Zavala?

    En mi primer álbum no le daba mucha importancia, porque todavía estaba aprendiendo como producir música. Ahora con este segundo álbum, el mensaje tiene mucha importancia porque quería transmitir la experiencia de mi identidad y eso necesitaba de las palabras para ayudarlo.

    Recientemente, ha visto la luz tu nuevo single «La Yarará». ¿Por qué esta canción como adelanto?, ¿por qué esta canción da nombre al disco?

    La canción trata de la furia femenina que hay cuando las mujeres piden para que se las escuche y entienda. Es mi primera vez haciendo música con esta emoción. Normalmente usaba en mi música sentimientos melancólicos o suaves pero esta vez quería realmente hacer algo puro y dejar salir mi furia. En el nordeste de Argentina hay serpientes que se llaman Yarará que es la zona donde nací. Y también es un nombre para identificar a las mujeres fuertes y ariscas. Desde re chica mis padres siempre me llamaban «La Yarará» por mi carácter fuerte y decisivo, y quería clamarlo como mío y mostrar que ese lado mio.

    ¿Cómo surge el videoclip y cómo fue trabajar con Sofía Boriosi?

    Yo se que quería algo oscuro para el videoclip, donde mostrara las partes feas de las mujeres pero al mismo tiempo mostrando las partes poderosas y fuerte. Yo trabajé con Sofía Boriosi en todo el arte de este álbum porque quería a alguien hispana/latina para que entendiera y sea parte de lo que estaba tratando de hacer. Con Sofía encontré una conexión entre nuestras ideas, ella tiene una mente re-creativa y atrevida que me gusta. A ella siempre se le ocurren ideas que son exactamente lo que yo tenía en mi mente. Entonces esa compatibilidad creó una confianza que me animo a dejarla hacer lo que quisiera, porque se que lo que sale va a ser muy bueno. Sofia tomo mi idea inicial y fue hacia los detalles más profundos. La serpiente, la lengua de la serpiente, mujeres juntas como brujas, hechizos y encantamientos de la hermandad, el corte de el hablar, la furia, movimiento lentos y rápidos, escenas salvajes, la furia. Me encanto.

    ¿Cómo ha evolucionado Malena Zavala desde sus inicios?

    Yo siempre estoy aprendiendo. Soy una persona muy curiosa y siempre quiero saber como hacer todo. Producir, componer, tocar guitarra, mejorar mi voz, baile, como mejorar mis concierto. Todo es una evolución de este viaje en la música. Cada vez que hago algo, quiero mejorarlo. Y siempre va ser así.

    ¿Y qué queda?

    No sé, yo voy adonde la música me lleve.

    ¿Crees en el poder de la música como elemento curativo?

    Es una de las cosas más importante a la humanidad, es la base de la cultura, de conectar, de mostrar, de sentir. Es una cosa que te distrae, que te hace poner atento, que te ayuda con el movimiento de la vida.

    A pesar de la incertidumbre de estos días, ¿cuáles serán los próximos pasos de Malena Zavala?

    Bueno, ahora voy a tener más tiempo. Quiero usar este tiempo para mejorar todas las cosas que tenía por hacer, que a veces mi trabajo no me permite atacar por falta de tiempo. ¿Tal vez empezar el tercer álbum?

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    No dormir durante días por estar obsesionada con grabar música.

    https://youtu.be/cRfZ6SFpYw0

  • Viaje a Sidney nos teletransporta a las mismas Antípodas

    Viaje a Sidney nos teletransporta a las mismas Antípodas

    Que la música no deje de sonar y aún menos, en los momentos más complicados de la vida. Así es como, píldora a píldora, el indie es capaz de llegar a las Antípodas y volver directo a nuestras casas. Sí, Viaje a Sidney han llegado para quedarse: «Ley de Sombras», «Piezas de Montar» y «Huesos Secos» son las primeras pruebas de ello. Aprovechando todas estas novedades, pudimos charlar un rato con Koldo, una de las voces de la banda y esto es lo que nos adelantó sobre el proyecto.

    ¿Cómo comienzan Viaje a Sidney su andadura?

    Koldo. Hace ya unos cuantos años que Carlos y yo estuvimos tocando juntos en otro proyecto anterior. Después, Carlos continuó en Nada Personal y con otros discos en solitario y yo he estado con Alborotador Gomasio a lo largo de casi diez años. Hubo reencuentro posterior a este paréntesis tan grande en el tiempo y, aprovechando el parón en que están inmersos nuestras otras bandas, decidimos volver a componer juntos y a meternos en el local de ensayo. ¡Más vale lo malo conocido que lo bueno por conocer! A partir de ahí, contamos con Fran a la batería y Juanpe al bajo, ambos conocidos a través de Capitán Sunrise, otro grupo amigo de Madrid. Fran es el batería de dicha banda y Juanpe ha tocado con ellos en etapas anteriores.

    ¿De qué manera ha influenciado el trabajo previos en otras bandas en el desarrollo de Viaje a Sidney?

    K. Bueno, supongo que, en nuestra modesta experiencia con la música, ya sí que tenemos más claros algunos aspectos de, por ejemplo, el directo o la manera de trabajar en el estudio. De hecho, las canciones que hemos grabado hasta la fecha han sido producidas y mezcladas por Carlos Hernández, al que conocí por haber trabajado con él en el último disco de Alborotador Gomasio, «Luz y resistencia». 

    ¿Cómo construye Viaje a Sidney su sonido?

    K. Carlos y yo componemos a medias. Hacemos la mitad de una canción y, ante el impulso que uno tiene de acabar su propia creación, la estrofa, puente o estribillo que nos haya salido, se la cedemos al otro para que complete el puzzle. A partir de ahí, ya se la enseñamos al resto del grupo y vemos por qué camino llevar la canción entre todos.

    ¿Qué importancia tiene el mensaje, las letras para las bandas?

    K. Para nosotros, como creo que para casi todos los que hacemos pop en su concepción más amplia, importa lo que digamos y, sobre todo, cómo lo digamos. Supongo que a veces acertaremos más, otras menos…pero sí que le damos vueltas hasta estar contentos, al menos eso. 

    «Ley de Sombras», «Piezas de Montar» y «Huesos Secos» han sido los tres primeros singles. ¿Por qué estos tres temas como adelanto?

    K. Son los primeros que han ido saliendo. Hemos elegido el formato de ir poco a poco con la publicación de las canciones. Aunque tenemos un repertorio más extenso que la gente que ha venido a conciertos ya ha podido escuchar, vamos dejando registradas los temas poco a poco para ir aprovechando los tiempos de publicación como mejor nos convenga en cada momento.

    De hecho, de este último ha habido videoclip. ¿Cómo surge la idea del vídeo de «Huesos Secos»?

    K. Para este, nuestro primer videoclip, hemos contado con Jonathan Notario, artista plástico de León que también hace animación. Nos gustó su trabajo y pensamos que poder enseñar al grupo tocando era la mejor idea para daros a conocer a los que estamos haciendo música en Viaje a Sidney.

    ¿Cómo ha sido trabajar bajo la producción de Carlos Hernández?

    K. Muy cómodo y con un resultado con el que estamos muy satisfechos. Carlos lleva mucho tiempo entregado a consagrar una manera de producir y trabajar,  y funciona a las mil maravillas. Como dije antes, yo ya le conocía de la grabación de mi último disco con Alborotador Gomasio y sabía que era un valor seguro trabajar con él.

    ¿Cuándo podremos seguir escuchando temas de Viaje a Sidney?, ¿veremos pronto un álbum o iréis publicando single a single?

    K. Iremos single a single. Problemas de confinamiento y aislamiento social aparte, tenemos idea de poder enseñaros otra canción para mayo.

    En estos tiempos complicados que estamos viviendo, ¿creéis en el poder de la música como elemento curativo?

    K. Desde luego que hay que aferrarse en estos momentos a todos los activos culturales que tengamos a mano para poder mantener una actitud mental de buena disposición frente a esta situación. Literatura, cine y música creo que podrán ser, justamente, en momentos como ahora claves para poder volver a tener períodos de reflexión y calma, después de haber estado tantos años inmersos en una actividad de redes sociales y conectividad frenética. No sé qué conclusiones sacaremos de esto, ni cuando saldremos. Creo que estamos todos muy perdidos, aunque haya muchas personas que parezcan tener ahora a mano la llave de todos los misterios. Calma, paciencia y cuidemos de los nuestros, de lo que esté por venir y de cualquier forma de poder.

    A pesar de la incertidumbre actual, ¿cuáles serán los próximos pasos de Viaje a Sidney?

    K. Lo dicho, un single en mayo y luego se verá. Desde luego, la idea es volver a grabar…pero habrá que ver los tiempos.

    ¿Qué canción de Viaje a Sidney [aunque solo hemos escuchado tres] define mejor el momento en el que estáis?

    K. Ninguna de las que habéis escuchado hasta ahora [risas]. Creo que hay una parte de Sidney, con el mismo punto de actualidad, pero quizá con unas melodías más sesenteras que aún no se han podido ver reflejadas en grabaciones. Aunque eso ya está en muchos de los coros que hay en las canciones que ya habéis escuchado, aún está lo mejor por venir.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    K. Perder dinero desde que tenía 20 años. Ya es bastante locura. 

  • Eladio Santos: «Academia es esa especie de lugar en el que estuvimos estos años»

    Eladio Santos: «Academia es esa especie de lugar en el que estuvimos estos años»

    Dentro de muy poco celebremos un mes desde que vio la luz «Academia», nuevo trabajo de Eladio y los Seres Queridos. Una auténtica perla que ha visto la luz en formato disco-libro y que, además, tiene una espectacular edición de vinos con el mismo nombre, cortesía de la bodega Ponte da Boga. Aprovechando este mágico hecho, pudimos hablar largo y tendido por teléfono con Eladio Santos, compositor y vocalista de la banda. Y esto es lo que nos contó sobre su nuevo trabajo.

    ¿Cómo surge el concepto de «Academia»?

    Yo creo que tocaba. Nosotros siempre estamos grabando y acumulando cosas para los siguientes discos: grabamos hasta los ensayos, de hecho. Creo que empecé a ser consciente de cómo todo tomaba forma a la sexta o séptima canción. Pero no es que un día dijéramos: «venga, ahora». Simplemente, te vas poniendo, vas haciendo cosas y recuperas cosas antiguas. Ha sido un proceso de casi dos años y medio.

    Comentas que fue un proceso de dos años, ¿cómo fue todo la fase de creación y composición?

    Nosotros grabamos en general todos los ensayos. Luego lo que hago yo, es currar mucho por las noches: hago muchas canciones con las cosas que van saliendo. Yo creo que la primera hornada llegó hace un par de verano: ahí es cuando llegaron las primeras canciones y poco a poco, fui avanzando también con algún otro tema que en principio iba a entrar en el anterior. Y ya lo siguiente que hago es grabar la maqueta: me grabo con baterías, que van con programación, en los ensayos se las enseño al resto de banda, vamos dando forma y ya grabamos todos juntos en el local. A partir de ahí, comienzo a retocar, a grabar voces, a cambiar el tono mil veces. Ya cuando más o menos está todo, ya hacemos las baterías definitivas. Ya con la primera versión del disco, me pongo a escucharla infinitas veces, veo cómo funciona. Es un proceso muy, muy calmado. Lo bueno es que vas sin presión y haces las cosas cuando te apetece. De hecho, los tres últimos discos surgieron así y ya no me imagino haciéndolos de otra manera.

    El disco vio la luz hace unas semanas. ¿Cómo ha sido la acogida por parte del público?

    Guay, la verdad. Realmente, hasta que no se lo pones a alguien, no tienes la idea de cómo será, de cómo sonará. Y yo tenía la sensación de que sería un disco largo, con muchos timbres, con mucho de todo. Tenía incluso una idea clara y es que no me importaba que el álbum tuviera muchas canciones lentas: lo que quería es que tuviera ritmo, tienes que mover el pie cuando lo escuches. Y si es largo, no pasa nada, tiene que sonar como un recopilatorio: diferente y variado. Todo eso me dio libertad a la hora de dirigirme hacia donde quisiera con cada una de las canciones. Ya, el concepto del disco sale solo, poco a poco va cogiendo unidad.

    En todo este proceso, ¿qué importancia tiene el mensaje para Eladio?

    En realidad, busco más que nada la belleza, la musicalidad. El disco creo que va mucho sobre el paso del tiempo, de reinventarse, de hacer canciones: creo que eso se debe a nuestra edad, estamos ya entrando en esa fase llamada viejoven, pero bien, vamos de cabeza [risas]. Algunos de nosotros somos padres de familia y ya no tenemos esa mentalidad de jóvenes rockeros. Además, nuestro público empieza a ser ya algo más mayor. En definitiva, el disco creo que habla un poco de nosotros. «Academia» es esa especie de lugar mental o físico en el que estuvimos todos estos años: la carretera, la furgoneta, los bares, los hostales. De hecho, se llama «Academia» un poco por una broma: y es que siempre que me piden que mande los temas en mitad de mi proceso creativo, me siento reacio por no saber dónde pueden terminar. Y ya luego cuando llegamos al local y me piden los acordes, respondo: «oye, oye, que esto no es una academia» [risas]. Además, el último tema que también compuse fue «Academia».

    Aunque la respuesta creo que ya la hemos ido desvelando, me gustaría saber en qué se inspiran Eladio y los Seres Queridos a la hora de componer.

    Supongo que tiene influencia todo lo que va pasando a tu alrededor: en base a eso vas haciendo canciones. Yo no suelo escribir nunca desde el dolor ni nada, no creo que este tipo de sensaciones sean determinantes. Pero claro, yo es que muchas veces también voy escribiendo sin saber sobre qué voy a hablar: lo único que sé es que es cierto lo que escribo. Luego ya trabajo mucho sobre la musicalidad, para que la letra no someta a la música. Siempre tiene que haber como un equilibrio y una fluidez entre ambas. No me gusta forzar nada, porque si no al final parece que hay demasiada pirotecnia en las letras. Suelo encontrar más poesía en las canciones populares más llanas, más simples, más directas.Y es que hacemos canciones y las hacemos para que las cante la gente, para que las entienda.

    Quería también preguntar, aprovechando que «Academia» tiene su propia línea de vinos: ¿cómo surge esa colaboración con las bodegas Ponte da Boga?

    Ha sido una edición muy especial, la verdad. El disco ha visto la luz en formato disco-libro, por el mecenazgo de Ponte da Boga. Gracias a ellos, el álbum ha visto la luz con una línea de vinos con el mismo nombre, «Academia». Y eso fue muy guay, es mejor que fichar por una multinacional [risas]. Ellos confiaron muchísimo desde el principio, sin meterse en nada. Además, te da juego para hacer algo increíble. De hecho, no es la primera vez que lo hacen: ya lanzaron un disco con Vega y uno de Budiño. No tengo muy claro cómo surgió esta colaboración, lo que sí recuerdo es que hubo una condición: que ya que el vino se llamaría como el disco, que el título no fuera una locura [risas].

    Ya cuando podamos volver un poco a la normalidad, ¿cuáles serán los próximos pasos de Eladio y los Seres Queridos?

    Hace nada, tres semanas, estábamos ensayando y preparando un directo bastante diferente. Y es que antes disparábamos todo el fondo que hay en los discos, entonces teníamos que ir con claqueta y entrar en el compás exacto. Además, llevábamos cosas muy poco esenciales. Pero, claro, todo eso nos ataba bastante. Así que nos habíamos preparado un show mucho más libre y más dinámico, también gracias al trabajo y ayuda de nuestro nuevo teclista. Estábamos muy ilusionados con todo ello: de hecho, teníamos el primer concierto el 18 de abril. Que por cómo están las cosas, de momento, no se mantendrán. Luego también teníamos bastantes cosas en verano, que esperamos que sigan en pie. Así y todo, está todo en el aire y pensar en el futuro, ahora mismo, es un poco incierto. Pero creemos que todo esto nos cambiará y nos hará volver con más fuerza.

    Teniendo en cuenta los momentos que estamos atravesando, ¿crees en el poder curativo de la música?

    Pues sí, claro que sí. La música y la cultura no dejan de ser el alma de un pueblo. El aprendizaje que espero que saquemos de esto es que no todo es competitividad, ni dinero, ni individualismo…que creo que es a lo que íbamos todos abocados. Una situación un poco límite que, en cualquier momento, tenía que explotar. Así que, creo que cuando salgamos, empezaremos a valorar lo verdaderamente importante.

    ¿Qué canción de Eladio y los Seres Queridos define mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Pues hace algunos días, la gente me pidió, claro, que subiera alguna canción en streaming. Y aunque en estos momentos no estoy mucho con el ánimo de hacer estas cosas, se me vino a la cabeza «Están ustedes unidos», porque la letra parecía cuadrar perfectamente con todo. «Porque en el rayo que no vemos, porque en el trueno que no oímos, es donde vive escondido. Y a todos los gritos de mundo contesta con una respuesta, están ustedes unidos». Y es que, de repente, nos damos cuenta de que alguien pueda estar al margen de todo: estamos todos unidos por mil cosas y todo lo que hacemos tiene consecuencias para los demás. Luego hay otra que se llama «Con el corazón en la mano», que también refleja muy bien la situación actual, pero que viene mejor para el momento más histérico. La otra es más para el momento de reflexión.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Creo que hay un momento, que a todos los músicos nos ha pasado, en el que te das cuenta de que vas a vivir al día y que cualquier cosa se puede torcer y, además, ya tienes responsabilidades porque tienes familia, tienes hijos. Es algo bastante arriesgado [risas]. Y, claro, encima la gente te pregunta: «¿pero a qué te dedicas?». Que, verdaderamente, lo que quieren decir es: «¿se puede?». Pero también creo que si no te arriesgas, si no lo haces, tampoco consigues nada.

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