Directamente desde Guatemala, nos llega la propuesta de Sara Curruchich, quien nos adentra en su particular mundo en el que la espiritualidad es la gran protagonista. Una espiritualidad que tomó aún más forma el pasado 12 de junio, con la llegada de su último álbum «Somos», grabado y producido entre Guatemala, Francia y España, con la colaboración de Amparo Sánchez (Amparanoia) y la dirección artística y producción musical de Gambeat.
Un álbum en el que está incluida la canción de «Tukur», con cuyo videoclip nos ha sorprendido recientemente. Y es que con este tema, la cantautora guatemalteca maya kaqchikel nos ayuda a descubrir la cosmovisión maya, ya que en sus versos le canta a una esencia inmaterial que transcendió del plano físico, pero que acompaña a las personas a través del aire, el fuego y los sonidos de las montañas.
«Tukur es una canción que le canta a nuestras abuelas y a nuestros abuelos, quienes nos acompañan en nuestros caminos. También es una manera de romper el miedo sobre el búho, ya que mucha gente cree –en Guatemala– que este animal trae noticias malas, pero realmente es un cantor o una cantora», explica Sara Curruchich, a lo que añade que «tukur» significa «búho».Un videoclip que ha sido realizado y digirido por el multipremiado director de cine Jayro Bustamante, quien quedó gratamente sorprendido al escuchar la canción. «Lo primero que me pasó al escuchar la canción es que me sentí en un lugar seguro, un universo protegido por alguien, por una fuerza femenina, por una abuela. Pero este universo no estaba cerrado, a él podían entrar otros tipos de energías, personajes, figuras místicas, mitológicas, criaturas generosas que me invitaban al baile, una fuerza que de alguna manera yo conocía».
La pasasa semana pudimos hablar con la mismísima Sara, para conocer aún más su proyecto musical. Si todavía no la conocers, dale ya al play.
Los conocimos en 2017 en Madrid, precisamente en uno de los conciertos que hicieron en la mítica Sala Moby Dick y desde el principio, nos enamoraron, por sus canciones y esa energía tan magnética que tienen. Se trata de la banda italo-española asentada en Madrid Delaporte, quienes durante estos meses previos no han dejado de sorprender con la publicación de sus nuevos temas «Clap Clap», «No», «Nodirás» junto a la artista mexicana Ximena Sariñana o «De dónde vienes», avanzadilla de lo que será su próximo trabajo (que sí, verá la luz en el mes de septiembre). Y es que, desde que los conocimos hace ya tres años, la carrera de Delaporte no ha hecho más que crecer: desde su aparición en el programa «Fama, a bailar» con «Un jardín» (canción que terminó abriendo cada día el talent show de baile), hasta tocar en multitud de escenarios y de festivales de toda la geografía nacional (Festival de les Arts, BBK, Madcool, SXSW, Oh See Festival, entre muchos otros).
Un viaje hacia un universo completamente diferente, hacia los submundos de la indie-electrónica, pero con ese toque y esas atmósferas tan características: y es que Delaporte solo suena a Delaporte. Sonido que es producto de la más pura innovación y experimentación de la banda. Unos caminos que ya pudimos empezar a apreciar en los dos primeros EPs de la banda, #ONE (2017) y #UNO (2018). Caminos que han ido evolucionando hasta el punto en el que estamos.
Hace algunos días, hablamos largo y tendido con Sandra Delaporte y con Sergio Salvi sobre «De dónde vienes», el último tema que han publicado, en colaboración con Putochinomaricón. Aunque también pudimos repasar su carrera y saber qué es lo que nos tienen preparado para los próximos meses. ¿Quieres saber lo que nos contaron? Pues prepárate para darle al play.
Hace algunos días, desde casa pudimos entrevista al dúo madrileño VOLVER, quienes recientemente han presentado su último single, llamado «lodeayer». Un tema en acústico que supone la antesala del futuro homólogo en eléctrico, con la que han vuelto a sorprender. Una lata de cerveza, un paquete de cereales e incluso una maleta, entre otras cosas, conforman las percusiones de esta simpática versión acústica de un tema inédito. Un confinamiento productivo, que Luis y Miriam aprovecharon para grabar este vídeo, con el que además, nos invitan a mover las caderas. Un nuevo tema sobre el que continuarán construyendo su imparable carrera musical.
Y es que, a pesar de llevar tan solo cuatro años como banda, VOLVER han conseguido ya grandes hitos. En 2018, se alzaron ganadores del concurso BDCoder, actuando en la edición de ese año del DCODE Festival, junto a Imagine Dragons, Bastille o Izal. Pero es que dos meses después, en noviembre de 2018, abrieron los conciertos de la gira española de Morcheeba
¿Cómo conocimos a VOLVER?
Fue en Madrid, en uno de los tantos conciertos en los que estuvimos cuando VOLVER llegaron a nuestra vida y, desde el principio, quedamos impresionadas con sus composiciones hipnóticas que atrapan por sus voces, la limpieza del sintetizador, las melodías suaves y los pequeños toques de post punk revival. Todo ello, hace que nos adentremos de una manera irremediable en su onírico universo. Quedamos enganchadas a ellos, descubriendo poco a poco su música. Y es que, tras irrumpir con «Alas», no han dejado de crear: inmediantemente, llegaron temas como «Cenizas», «Electrízame» o «5AM»; y EPs como su debut, «Abril» (2018).
Su reciente tema «lodeayer», sus anteriores singles o el futuro de la banda. De todo esto y mucho más hablamos con VOLVER: así que si quieres saber qué más nos contaron, tan solo tienes que darle al play.
Con un proyecto nacido desde las entrañas, conocemos a Karmento, quien hace cerca de un mes, irrumpió con su nuevo trabajo llamado «Este Devenir». Un álbum que auna a la perfección lo mejor del folclore y lo mejor del pop. Un trabajo muy especial y directo, que nos deja aún más si cabe, adentrarnos en el particular universo de la artista. Precisamente hace unos días, hablamos con ella y esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Este Devenir»?
La verdad es que cuando empezamos a grabar, el disco tenía otro nombre. Pero cuando fue pasando un poco el proceso de grabación y me fui encontrando con las canciones, el concepto fue cogiendo otra dimensión y me di cuenta de que ese no era el título. Entonces durante mucho tiempo, se quedó el vacío de cómo se iba a llamar el disco, pero de repente, llegó como si fuera una iluminación, igual que me pasó con mi anterior trabajo. Y es que en realidad, vino solo: una noche esta durmiendo, dándole vueltas en la cama y conecté con la palabra devenir y sabía que ese devenir tenía relación con los procesos de transformación de la vida. Por no ser pretenciosa y porque fuera en consonancia con lo que hablo, que son historias de la vida y de las verdades de la gente, pensé que este disco más que con el devenir, tenía relación con este devenir: de mis 38 años, de lo que soy ahora y de la música que hago. ¡La verdad es que me encantó!
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?
Fue una maravilla, ha sido uno de los procesos más bonitos que he vivido en mi relación con la música y más, sabiendo que yo venía de un trabajo previo, que me había pillado en otro momento vital y, de hecho, ese proceso de grabación y creación mucho más complejo e incluso traumático. Sin embargo, con este nuevo disco, tenía tan claro lo que quería y lo que quería provocar en cada canción, además, los temas ya me habían hablado tanto de sí mismos. Y luego el estudio es otro rollo, es como un laboratorio de música. Fue una pasada y con Eduardo Figueroa, que es el productor, tuve feeling desde el primer momento. Y es muy fácil trabajar con él: desde que entrábamos al estudio, era un darle vueltas a las canciones y experimentar con ellas, todo sin miedo a que las crecieran y evolucionaran. También hubo mucha flexibilidad a la hora de grabar, porque yo tenía que ir a Madrid, con lo cual, dio todo mucho juego para que los temas fueran creciendo. Disfruté mucho con este proceso y creo que cuando llegas a este momento, ya siempre te va a gustar.
Mencionabas a Eduardo Figueroa, ¿cómo fue trabajar con él a la producción?
Muy bien, porque nos entendíamos a la perfección, teníamos afinidad musical y creo que nos entendíamos y adaptamos muy bien. Además él conectó muy rápido con mi concepto y con mi música, que creo que eso es muy importante. Teníamos los dos ese equilibrio entre la seriedad del trabajo y la flexibilidad para quedar. Es un tío al que le gusta lo que hace y eso es imprescindible. Así que la experiencia de trabajar con Edu fue genial. De hecho, hay una parte importante del disco que tiene que ver con él y con las propuestas de producción que hizo, aunque yo tenía claras muchas cosas. Pero ha hecho muchos aportes, me ha entendido muy bien y ha propuesto lo que sabía que sería mejor. ¡Contentísima con él, estaría encantada de volver a trabajar juntos!
Quería preguntarte también sobre la construcción del sonido de Karmento, ¿cómo surge y por qué esa mezcla entre el pop y el folclore?
Claro, eso te iba a preguntar a ti, que cuando escuchas tú las canciones, qué género dirías que son, porque a mí me cuesta definirlo, me cuesta salir de mí y preguntarme: ¿esto a qué suena?, ¿quién soy yo? En cuanto al sonido, yo creo que se construye de una raíz vinculada al folclore de mi tierra: y es que yo pequeña he escuchado mucha copla, mucho corro, mucho flamenco. Todo lo que tiene que ver con las raíces humildes, de pueblo. Y referente al pop, no deja de ser un estilo que también he escuchado: sin darme cuenta también he ido mamando parte de lo que es la música popular y he ido bebiendo de todo ello. Así que lo que sale finalmente, es algo muy importante. Aunque creo que en «Este Devenir», no solo hay un trabajo de recordar todo lo que es la música más tradicional manchega, mezclada con sonidos más actuales o pop. También hay una influencia muy clara de toda la música que yo escuché en mi viaje a Malta, donde me junté con muchos músicos de países distintos. Además de ser un encuentro con un tipo de música más espiritual, como los mantras. La conexión con el mar y con otros elementos de la naturaleza también influye en la construcción del sonido de Karmento en «Este Devenir». De manera parelela, escucho este álbum y creo que también tiene un punto con melodías más étnicas y más tribales. Soy muy ecléptica y una persona muy orgánica, no funciono con la mente, funciono con el corazón y con las vísceras.
Imagino que en este sentido, las letras y la historia que estas transmiten serán muy importantes, ¿no?
Es un poco difícil ponerle un nivel de importancia. Yo creo que esto también depende mucho de la gente y con lo que conecten: hay personas que son muy musicales y hay otras que vienen mucho del mundo de la letra. En mi caso, partimos de la base de que yo soy cantautora, así que intento mucho transformar los temas en algo que el público pueda entender. Pero claro, yo vengo del cantautorismo, me gusta hablar, me gustan las palabras, me gusta comunicar. Así que las letras son una de las bases de mi música.
A nivel visual, el proyecto también está muy trabajado. ¿Qué relevancia tiene este aspecto como complemento de la música?
Es una herramienta fundamental para el trabajo. A ver, una de las cosas que tenía claras cuando empecé con la grabación, es que me metería hasta el final, que lo iba a cuida y que iba a trabajar en él, en todos los aspectos que pudiese. Así que la comunicación, la imagen, la promoción, también dibuja todo el concepto que quieres transmitir. Creo que lo más importante es que tengas un andamio, un producto que te guste, que conmueva, que transmita: cada uno tendrá sus objetivos. Yo con eso estoy muy contenta y es que estoy enamorada de mi trabajo y de lo que hemos hecho. Pero la comunicación y la imagen son muy importantes para terminar de conectar con la gente y mostrarles lo que quieres, y evidentemente forma parte de la estrategia.
¿Cómo ha sido la acogida de «Este Devenir» desde que vio la luz?
Pues el disco vio la luz hace un mes y ahora hemos sacado a la venta los discos físicos. Al final, esto es una carrera de fondo, entonces vamos dando pequeños pasitos. Nosotros siempre tenemos la referencia de las redes sociales o de los oyentes en plataformas. En cuanto a la acogida, desde mi punto de vista y de sentir es muy buena: con quien conecta este disco, lo hace de una manera muy especial. Es llegar a ese punto de fidelización, de llegar a un público que te sigue y que le gusta lo que haces. Así que, bueno, ahí vamos, hacia delante. Aunque estamos en ese momento inicial en el que vamos a tope y parece que no has avanzado tanto como te gustaría, pero aún así, todo indica que vamos bien. Pero falta la parte más importante, que es la de los conciertos y es que no he podido hacer aún ninguna presentación. Y tengo muchísimas ganas. A ver cómo podemos entrar en esa nueva normalidad de la que hablan, porque claro, tuvimos que cancelar todos los conciertos y estamos mirando nuevas fórmulas, viendo cuándo los podremos programar: en principio están previstos para septiembre y estamos ahí un poco con la esperanza de que algo podamos hacer. Igual nos toca tirar por hacer pequeños conciertos en terrazas o en pequeñas salas. El caso es que todos estamos en ese momento de incertidumbre, en el que no sabemos qué pasará, aunque la cosa parece que está empezando a moverse.
¿Qué canción de Karmento define mejor el momento en el que estás y por qué?
Pues ahora mismo, la canción que me pongo todos los días, porque me llena el corazón de amor, es «Danza sobre la tierra». Es un tema que tiene una trayectoria desde lo íntimo, desde lo pequeño, desde las raíces hacia lo extenso, la conexión con el todo: ese devenir y esa frase que me encamta: «todo lo que somos, ya lo fuimos». Luego, a nivel musical, me llena porque no para de crecer, que te eleva. En estos momentos, es la canción de Karmento.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Pues hay locuras pequeñas y estúpidas, y otras más grandes. Yo creo que la mayor locura que he cometido por la música es tomar la decisón de ser música, porque yo empecé a componer a los 29 o 30. Cantar, cantas toda la vida, porque se lleva en las venas; pero yo me he dedicado a otras cosas toda la vida. Pero el irme a Malta, supuso la ruptura con todo y lo que me hizo querer dedicarme a la música. Volví a España y grabé mi disco, tuve una crisis y hace dos años cuando empecé a concebir «Este Devenir», fue cuando me di cuenta de que posiblemente este fuera mi camino.
Los conocimos hace unos meses gracias al proyecto que iniciamos de Píldoras Encadenadas, aunque llevan haciendo ruido mucho tiempo atrás. Ya han pasado diez años desde que In Materia comenzaran su gran aventura y ahora nos presentan su último gran proyecto: «Infinito Tripular». Un álbum que nos invita a conocer mejor nuestra cara más oculta. Sobre todo ello, hablamos hace algunos días con Javier Mateo, batería de la formación.
¿Cómo surge el concepto de este último álbum, «Infinito Tripular»?
A nivel musical, nosotros llevábamos tiempo inmersos en la búsqueda de un sonido propio que, a la vez, llegara a las grandes masas, al gran público. Toda esa búsqueda nos metió de lleno en una especie de viaje, que es un poco una analogía personal también. Así que «Infinito Tripular» viene a ser un viaje infinito hacia nuestro propio conocimiento, un viaje que no termina nunca, el de conocernos mejor y ahondar más en nosotros mismos. Algo que va ligado a nuestra música, ya que nosotros también estamos en constante búsqueda: de sonoridades, de cómo sentirnos más cómodos con lo que hacemos, de cómo llegar más a la gente. De ahí un poco nuestro nuevo álbum, como de una mismo tripulación en un viaje infinito, que no termina nunca.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del álbum, y también, cómo fue la búsqueda de ese sonido propio?
Realmente, el disco supone un inicio y un fin en sí mismo. Lo que es la búsqueda de nuestra sonoridad viene de mucho tiempo atrás, lo que pasa es que en «Infinito Tripular» empezamos a incorporar nuevos elementos: samplers un poco tradicionales; apostamos por un estudio como lo es PKO de Madrid para conseguir un sonido de banda gordo, en el que también ayudó mucho nuestro productor Raúl Quilez, con el que llevamos trabajando mucho tiempo y que es un genio. Así que, bueno, la búsqueda del sonido no es solo en este disco, viene de mucho tiempo atrás. Aunque este álbum es la culminación de una sonoridad con la que nos sentimos totalmente cómodos. Y así lo vemos en la respuesta de la gente. Así que estamos super contentos porque hemos encontrado el equilibrio perfecto entre la búsqueda, la sonoridad, la armonía, la estructura, y al mismo tiempo, una sencillez que hace que el público se enganche.
Ahora que hablas del público, ¿cómo ha sido la acogida del disco por su parte?
Pues está siendo muy, muy buena. Nosotros sabíamos que teníamos entre manos un producto realmente importante, en cuanto a calidad de las canciones y en cuanto a sonido, que nos parecen brutales. Teníamos mucha confianza, lo que pasa es que sí que es verdad que hasta que la gente no te da ese feedback, no lo sabes cierto y te quedas con la sensación de, ¿es nuestra percepción o realmente este trabajo va a causar ese efecto? Pero efectivamente lo ha causado, porque la respuesta que estamos obteniendo es espectacular y se nos están abriendo muchas puertas. Creemos que hemos dado con una fórmula que resulta muy sugerente, diferente y actual, tanto para el público general como para el profesional, como medios o salas.
Tras haber hablado un poco del sonido de In Materia, me gustaría saber ahora sobre la importancia de las letras de las canciones, de la necesidad de que te cuenten una historia.
Pues la verdad es que tienen mucha importancia y es otra de las cosas en las que pensamos que hemos evolucionado mucho en este disco. Antes, nuestras letras habían sido un poco más enigmáticas y en este disco, intentando mantener nuestro lenguaje, queríamos acercarnos aún más a lo que una persona pueda sentir en un momento determinado. Ya no habla tanto de cosas tan personales, si no de temas que pueden preocupar a cualquier persona. Tampoco es que sean historias como tal, son más bien reflexiones. En este sentido, creemos que hemos dado un gran paso.
Recientemente, ha visto la luz vuestro videoclip de «Luna 3». ¿Cómo surge la idea y cómo ha sido la experiencia de grabarlo desde casa?
La verdad es que el videoclip está gustando mucho, porque es muy curioso y es que surge un poco al hilo de la canción. «Luna 3» ofrece una imagen muy sincera sobre diferentes decisiones desafortunadas que todos cometemos a lo largo de nuestra vida, lo cual está también relacionado con conocerte a ti mismo, quedando ligado de nuevo a nuestro «Infinito Tripular». Todos tenemos una parte que ni los demás ni nosotros mismos conocemos y «Luna 3» propone ese viaje a nuestro interior y a conocernos mejor. ¿Por qué «Luna 3»? Porque fue el nombre que tuvo la primera sonda soviética que, a finales de los 60, consiguió fotografiar la cara oculta de la luna. Un concepto que define muy bien lo que nosotros queremos trasladar. Y lo que quisimos reflejar en el videoclip, que tiene una estética muy de las series de los 80. Un clip que hace que toda esta mezcla dé lugar a esta historia. Como anécdota, contar que el protagonista principal es mi padre y lo grabamos durante las últimas fases del confinamiento. Evidentemente, con los recursos limitados que teníamos, porque no teníamos opción de viajar para juntarnos con nadie. Y aunque la historia es un poco surrealista, viene a representar este viaje a lo oculto de nosotros. Así que estamos muy, muy contentos.
Un videoclip casero en el que. aún así, se cuida mucho la imagen. ¿Qué importancia tiene esta para In Materia y como complemento de su música?
Para nosotros es fundamental y es que, al final, somos artistas. La música es a lo que nos dedicamos, pero la estética que rodea el proyecto, puede llegar a ser igual de importante que las canciones. Al final, cuando estás ofreciendo un material al público, estás creando una experiencia en la que todos los sentidos están relacionados. Por eso, nosotros intentamos cuidar mucho la estética, desde las imágenes que compartimos, hasta los videoclips. Decir que no es algo buscado, ya que para nosotros, el arte viene a ser un todo.
Ahora que estamos empezando a ver la luz después de tres meses en casa, ¿cuáles serán los próximos pasos de In Materia?
Durante el confinamiento, la verdad es que no hemos parado [risas]. Hemos preparado el formato acústico, el videoclip, las redes sociales, componer nuevos temas. Al final, ¿cuáles serán esos próximos pasos? Pues darle continuidad a todo eso. Por el momento, hemos podido reunirnos de nuevo en el local y retomar los ensayos, lo cual ha sido emocionante. Y ahora estamos centrados en crear nuevos temas y, sobre todo, preparar una gira nacional de presentación del disco. Esa gira la teníamos bastante bien diseñada, pero desafortunadamente, todo eso se nos cayó a causa del coronavirus. Así que lo que viene ahora es reiniciar todo eso, porque esto no para.
¿Qué canción de In Materia define mejor el momento en el que estáis y por qué?
Sin duda, tiene que ser una canción del último disco. Yo me quedaría con dos, que son las dos de las que hemos sacado videoclip, «Nunca más de dos» y «Luna 3». Por un lado, ¿por qué nos quedamos con «Nunca más de dos»? Porque supuso el gran salto a otro tipo de sonido, a un sonido de banda grande, con una melodía muy reconocible y cantable. Además, es una canción mucho mensaje, ya que trata sobre el delicado tema de los abusos de menores, el cual hemos intentado tratar con el más absoluto respeto. Por otro lado, «Luna 3» también es un tema muy importante para nosotros porque introduce elementos musicales, como la caja de ritmos. Además de cómo se ha grabado el videoclip, en esta situación excepcional de confinamiento. Digamos que, a nivel musical, «Nunca más de dos» ha sido nuestro gran salto y «Luna 3» pasará a nuestro recuerdo, por la situación que estamos viviendo a día de hoy.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
La mayor locura es seguir en la música después de tantos años juntos, aguantarnos y no matarnos [risas]. Y todo por el amor a lo que hacemos. Creo que es la mayor locura y la más constante. Y es que nosotros somos un grupo de amigos, al fin y al cabo. Aunque cabe decir que el proyecto de In Materia comenzó hace cerca de diez años, sí que tocamos juntos desde hace mucho más tiempo. Y es que, que sigamos siendo una piña después de más de veinte años, me lleva a pensar que lo que nos une es la manera tan especial que tenemos de entender la música. Creo que esa, en sí misma, es la mayor locura de In Materia.
Los conocimos durante nuestra larga estancia en Madrid y es una de las bandas que, sin duda, nos llevamos de la ciudad allá donde vayamos. Se trata de Celia es Celíaca, quienes están de enhorabuena porque han publicado recientemente el videoclip de «Reinas». Y a raíz de eso, pudimos tener una charla de lo más animada con Celia, la frontwoman de la banda. Además de la alegría que nos dio volver a hablar, también pudimos conocer un poco mejor el proyecto.
¿Cómo surge un poco la idea de este nuevo tema, de «Reinas»?
Normalmente, cuando nosotros estamos componiendo, no lo hacemos pensando en qué vamos a escribir. Sencillamente, escribimos de lo que nos pica en ese momento. Fue bastante guay porque, por lo general, el proceso creativo es bastante distinto. Con este tema, queríamos hacer una versión, pero salió un ritmo bastante guapo y empezamos a tirar de él. Fue como un momento de inspiración. Además, la hicimos en un tiempo record porque teníamos la idea, pero de repente llegó Luis, de Ciudad Oasis, y nos dijo: «¿podríais tener un tema de aquí a 15 días?». Así que rápidamente nos pusimos a ello, la preparamos, hicimos la maqueta, grabamos.
En cuanto a la canción, bueno, tras haber publicado nuestro anterior disco «Despechos de Autor», siempre nos habían dicho: «es como La Oreja de Van Gogh pero con mala leche». Así que con esos comentarios, un poco con ese despecho, me puse a hacer «Reinas», que si te fijas, está hecha con cachitos al revés, de lo que viene siendo «Pop». Pero claro, le hemos dado la vuelta. En vez de «eres la reina del pop», cantamos «ya no hay reina del pop». Todo un poco por hacer referencia a la falta de referentes femeninos en la música, que no es que no los haya, es que no están presentes en el panorama musical reinante, no se les ve.
¿Cómo fue trabajar con Fran Meneses, en lo que respecta a la producción?
Pues la verdad es que moló mucho, porque aunque habíamos escuchado lo que había hecho, no lo conocíamos. Y lo cierto es que tenía ideas muy claras y fue muy rápido y fácil. Además nos ayudó mucho a buscar el sonido con sus sintes y no dejaba de proponernos cosas y de darnos su opinión para mejorar la canción. Y es que todo fue tan ágil y sencillo: nos juntamos un 12 de agosto a las 10 de la mañana y a las 6 de la tarde, ya estaba todo.
¿Cómo ha sido la acogida de este «Reinas» por parte del público?
Pues la verdad es que la gente nos ha dicho que es un tema cañero y que plasma un poco todo lo que somos en directo. Como que «es muy gordo». Mola y sí que es verdad que hemos recibido muy buenos comentarios, pero también creo que a la gente le ha llegado ya en un momento diferente, en plenas fases de la desescalada y estamos ya con otro chip. Así que, verdaderamente, no sé si han escuchado la canción tanto como me gustaría.
El videoclip de «Reinas» ha acompañado el lanzamiento de la canción. ¿Cómo surge la idea de mezclar partes del directo con otras grabadas en casa?
A ver, la idea inicial era hacer un vídeo solo con imágenes del último directo que hicimos en Madrid. De hecho, le pedimos a la gente que grabara con sus móviles la canción de «Reinas» y que después nos lo mandaran. ¿Qué pasa? Que entre que a la gente se le olvida mandártelo, que graban solo un fragmento de la canción o que la calidad variaba mucho, nos dimos cuenta de que el vídeo se quedaba un poco solo, a pesar de que recibimos material muy guay. No teníamos tantos planos como nos hubiera gustado. Así que, en plena cuarentena, tuve la idea de grabarme en casa, con lo primero que tuviera a mano: de ahí las pelucas y el traje brillante [risas]. La verdad es que no sabía qué iba a salir, pero quedó un videoclip curioso [risas].
A nivel de imagen, me ha llamado mucho la atención el arte y la portada del single. ¿Cómo surge un poco?
Pues tiene varias ideas mezcladas. Por un lado, la corona que aparece tiene una pinta muy de realeza, aunque por otro lado, la portada está muy inspirada en el «God Save The Queen», pero claro, aparece con la cara tapada.A la vez que, claro, es mi cara la que sale. De hecho, usamos la foto que normalmente teníamos de perfil. Así que el objetivo era un poco jugar con esa estética y con todos esos elementos que teníamos a mano. Y es que al principio, la idea no es que no fuéramos nosotros los que hiciéramos la portada, pero nos pusimos a hacer brainstorming y surgió esta.
¿Cuáles serán los siguientes pasos?, ¿escucharemos pronto algún tema nuevo de Celia es Celíaca?
Pues de momento, no, aunque estamos trabajando mucho. De hecho, el otro día escuchaba a Leiva diciendo en Buenafuente que no había sido nada creativo esta cuarentena. Pero yo sí, por ejemplo. Y es que con las canciones que han surgido esta cuarentena, tenemos perfectamente para dos discos. Así que ahora estoy atosigando a la banda, para darles una vuelta. Al final, como he tenido yo más tiempo durante la cuarentena, pues me he puesto a experimentar con el tema de la composición, con el tema de tocar instrumentos. Como resultado, tengo bastantes canciones, cada una de su padre y de su madre. Pero nuestra idea es esa, componer y darle forma a lo que tenemos. Pero no publicar nada de momento, porque el año pasado ya sacamos un disco entero y, bueno, fue un proceso largo: es algo que lleva como un par de años previos. Así que ahora estamos replanteamos y mirando opciones, como por ejemplo, la de sacar singles. De todos modos, como ahora es todo tan incierto, porque no sabes cuándo vas a volver a la normalidad, ni cuándo vamos a volver a tocar.
¿Qué canción de Celia es Celíaca identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
¿En el que estamos nosotros o en el que está el mundo? Porque el otro día lo estábamos hablando y creemos que la que mejor define el momento en el que está el mundo, sería «Una Nación», que hace un poco una crítica a cómo los gobiernos se dedican a declararse la guerra, sin importarles todo lo demás. Creo que esta canción nos mueve mucho como concepto, a mí me gusta mucho. Aunque, bueno, si tuviera que elegir una canción que definiera el momento en el que estamos nosotros, sería la última que hemos publicado, «Reinas» [risas].
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Creo que directamente dedicarse a ella. Simplemente, el querer hacer algo dentro del mundo de la música es una locrua, porque es dedicar cuerpo y alma a una cosa que es tu pasión. Además, te quita el sueño y muchas veces no te da de comer, pero te da la vida.
Hay lugares en los que la música se convierte en refugio. Hay lugares que son sinónimo de altavoz. Hay lugares en los que verse reflejados. Hay lugares como Arctic Sessions, la plataforma audiovisual de ArcticWave Studio (Barcelona). Un lugar en el que descubrir nuevos artistas y bandas a través de su música. Si aún no los conoces, ya puedes leer la entrevista que le hicimos hace algunos días a Carlos Dueñas, su fundador.
¿Cómo surge el proyecto de Arctic Sessions?
Nacen a raíz de que yo soy productor en ArcticWave Studio y tengo también amplia experiencia en directos. Y los lives es algo que siempre me ha motivado mucho, además de que tenía curiosidad por ver qué se podía conseguir haciendo directos dentro de un estudio, de manera más controlada y con unos medios mucho más cuidadosos. Todo ello para que la gente viera lo que es la calidad de un proyecto de este tipo, sin artificios y sin necesidad de que esté producido. Así que pensamos que era una idea guay de descubrir a la gente nuevas bandas y artistas, ya no solo de Barcelona, también de otros lugares.
¿Cómo funciona la plataforma y desde cuándo lleva funcionando?
Pues nosotros como estudio llevamos funcionando como cinco años y la plataforma nació un poco porque habíamos visto otros proyectos parecidos de los que nos ocupábamos del sonido. Pero en este caso, decidimos tomar las riendas y nos decidimos a lanzar una plataforma propia, con todos los artistas que quisieran mostrarse en este tipo de formato. De esta manera, Arctic Sessions surgió un verano en el que nos encerramos con ocho bandas y cada día, trabajamos con dos de ellas, a las que grabábamos un par de temas. Teníamos un par de cámaras, tomábamos diferentes planos y mezclábamos en sonido final. Fue una experiencia que nos gustó mucho y desde entonces, decidimos continuar.
En cuanto a la selección de los artistas, ¿cómo es todo ese proceso?
Es un proceso que ha ido evolucionando. Al principio, llegábamos a los artistas que podíamos. Era algo que hacíamos a modo de inversión, como un trabajo de estudio en el cual un equipo de vídeo que también colaboraba, pero todo de manera muy altruista. Y claro, llegábamos a los artistas a los que llegábamos y a los que conocíamos. Pero todo esto fue cambiando, creciendo y evolucionando, llegando a crear un calendario: ahora, vamos programando diferentes artistas, mes a mes por estilo. Creemos que todos ellos tienen algo especial que transmitir a la gente. Por eso intentamos no hacer mucha criba y darle la oportunidad a todo el mundo. Pero también es verdad que al tomar las riendas nosotros, decidimos hacer las cosas que nos gustaban. Y es que en el estudio producimos mucho indie, mucho pop, mucha música urbana. Al final, tomamos la decisión un poco en base a lo que nos motiva, pero intentamos hacer hueco a todo el mundo en nuestro calendario.
¿Crees que hacen falta más plataformas de este tipo, especialmente entre las bandas más emergentes?
Bueno, yo de hecho, creo que hay muy pocos proyectos de este tipo: teníamos Balcony TV, teníamos la cadena impulsada por Movistar y un par más. Pero todas han ido bajando la producción e incluso han desparecido. Eso es algo que cuesta un montón, porque al final tienes que mantener a un equipo y es un trabajo que se hace por intentar ofrecer a la gente un trabajo audiovisual de calidad e intentar que bandas pequeñas lleguen a otro tipo de público. Pero creo que este tipo de plataformas son muy importantes, además de que al trabajo audiovisual tampoco se le da la suficiente relevancia.
En relación a esto, ¿cómo ves el panorama musical actual especialmente en estos momentos?
Creo que la situación derivada del COVID ha hecho que todo el mundo esté aturdido. No sé qué va a pasar, pero no tengo ningún tipo de duda de que el sector musical va a buscar las fórmulas que hagan falta para que, a partir de julio que podamos hacer cualquier tipo de evento al aire libre, se lleven a cabo las miles y miles de iniciativas que seguramente surjan. Lo que tengo claro es que se va a reinventar porque es una industria y si no ingresa un mínimo, no sobrevive. Entonces es básico buscar la fórmula, para que todo vuelva un poco a la normalidad. Un panorama que choca con lo que pasa en el estudio: y es que, puesto que muchas bandas han decidido que no podrán tocar mucho, se han propuesto adelantar su proceso de grabación que a lo mejor tenían para invierno o para el año que viene. Todo para volver a la normalidad el próximo año.Esta es un poco mi visión sobre la situación.
Volviendo un poco a las Arctic Sessions, el último vídeo que hemos podido ver es el de Ginestà. ¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?
Hay bandas con las que trabajamos porque existe una conexión, una compatibilidad. Y en otras ocasiones, trabajamos con sus productoras, sus managers o sus agencias de comunicación. En esta ocasión, lo hicimos todo a través de José Garanto, que es amigo mío desde hace mucho tiempo y trabaja con múltiples bandas. Además él tiene ya como barra libre en Arctic Sessions [risas]. Entonces fue él quien nos propuso a Ginestà para esta sesión y enseguida dijimos que sí. Y la verdad es que son una maravilla, todo fue muy bien con ellos y eso que no los conocíamos. Pero nos propuso a la banda, estuvimos investigando, dijimos que sí y trabajar con ellos fue un gustazo. Es más, están creciendo cada vez más. Así que esperamos que esto les haya servido un poco como escaparate y de ayuda.
¿Cuáles serán un poco los siguientes pasos de Arctic Sessions?
Pues tenemos en mente los próximos pasos que queremos implementar, aunque no sabemos cuándo, porque todo dependerá de cuánto tardemos en recuperarnos de esta crisis. Uno de ellos, que llevamos tiempo planteándonos, es el de hacer Arctic Sessions en streaming. Normalmente, nosotros lo que hacemos es grabar los vídeos, los producimos y los emitimos. En este caso, lo que queremos es que sea más inmediato y que tenga esa sensación de live, pero con una calidad increíble. Pero este es un reto muy grande, porque hay muy pocas opciones de que eso funcione: es algo complejo que solo las televisiones consiguen. El siguiente reto que nos planteamos es el desplazarnos, dentro de unos años, a otro estudio, un poco más grande para darle otro plató a los vídeos y para tener más capacidad de logística. Pero poquito a poquito.
Durante este tiempo que Arctic Sessions está funcionando, ¿recordáis algún momento especial que recordéis con mucho cariño?
Yo creo que a veces hay proyectos que no te imaginas que van a llegar tan fuerte. Es como, por ejemplo, cuando grabamos a María Rodés, que hizo una versión muy bonita. Ella es amiga desde hace mucho tiempo y se lo propusimos y dijo que sí, además fue de las primeras. Pero cuando empezamos a grabar y escuchamos la canción, se creó un aura bastante mágica a nivel . Quedó muy bonito ya la verdad es que terminamos muy contentos. Ese fue un momento muy especial. Por lo demás, nos ha pasado de todo, como accidentes [risas].
De los que han pasado por Arctic Sessions, ¿qué artista ha sido un descubrimiento a nivel musical?
Pues hay varios artistas que nos han sorprendido. Maïa Vidal fue increíble: fue de los primeros que hicimos y ella tiene un talento inmenso. Pavvla nos gustó mogollón. Fue de los primeros que hicimos y lo grabamos cuando ella apenas tenía un single en la calle y nunca lo llegamos a sacar, lo publicaremos. Además, creció tanto, que volvimos a hacer otra al año siguiente, porque lo cierto es que también tiene mucho talento. Marta Pérez fue otra de las artistas que nos sorprendió. No la conoce mucha gente y es increíble, me alegro mucho de haber podido trabajar con ella. Además de Penny Necklace, Ana Biermann, Intana, CARLA. Todas ellas han sido un gran descubrimiento y nos han gustado mucho, aunque a algunas de ellas no las conocíamos mucho. A muchos otros ya los seguíamos y conocíamos su trayectoria previa, pero también hemos disfrutado mogollón.
Por cerrar un poco, ¿con qué artista os gustaría trabajar y aún no ha pasado por Arctic Sessions?
Es que hay muchísimos, yo tengo ganas de trabajar con muchos artistas. Es infinita la lista [risas]. Pero nos gustaría y tenemos pendiente a bandas como Dorian, Mi Capitán, Miss Caffeína. Grupos más consagrados con los que nos encantaría trabajar. Luego hay bandas más pequeñitas con mucho talento con las que también quisiéramos grabar. Por mí, haríamos un montón, así que no te puedo decir uno exacto. Aunque sí que te puedo decir el siguiente, que con todo lo del confinamiento y el COVID-19 quedó paralizado, que es Ferran Palau. Pero llegará.
Hay discos que son especiales, ya no solo para el público, también para los propios artistas. Es el caso de «La mejor defensa» de Carlos Cros, quien después de años de haberlo lanzado, se ha decidido a publicar la revisión extendida del mismo. Y es que no hay mejor manera de despedir un álbum que ha significado y significa tanto.
Una nueva versión con temas convertidos en himnos y con canciones inéditas, concebidas especialmete para este disco. Eso sí, no hay disco especial sin colaboraciones. En este caso, aparte de la de Carlos Cros, también podemos contar con las voces de Santi Balmes, Marc Ros, Delafé, Coque Malla, Maria Rodés, Miqui Puig y Santi Campos, quienes han impregnado de magia todos los temas.
«Estas canciones nuevas son muy especiales para mí porque una de las cosas más divertidas de este oficio es sorprenderte a ti mismo». Como resultado, tenemos canciones tan dispares como únicas. Un viaje en el que pasamos del calypso o los coros salseros, a los sonidos clásicos de Elvis Costello y Nick Lowe, pasando por el power pop o los ritmos más 70’s. Canciones de amor, de desamor y de todas aquellas pequeñas cosas que no sabemos ver y que nos sacan de nuestra cotidaneidad. Canciones que esconden una gran honestidad y una increíble dulzura tras de sí.
Con una carrera impecable y con un reconocimiento muy particular, Carlos Cros es creador de pequeñas joyas musicales con sabor a pop. Y es que entre sus últimos hitos, destaca haber sido seleccionado por GPS (Girando por salas) para realizar una gira de seis fechas por la geografía española. Aunque debido a la complicada situación que estamos viviendo, se celebrará a finales de este 2020.
A raíz de todo ello, hemos podido hablar con el artista Carlos Cros. ¡La entrevista completa está disponible en nuestro canal de YouTube!
El pasado 25 de octubre de 2019 vio la luz su nuevo trabajo, llamado «Nosotros hemos incendiado la luz» de los madrileños Finta. Un trabajo muy especial que nació en el corazón de los Metropol Estudios de Madrid, bajo los mandos de Alex Cappa (que ha producido entre otros a KITAI o Correos) y Pablo Rousselon (artista en Hey, Bastian!, Mantrah). El gran debut de una banda, que nace en el año 2018 de las cenizas NHILL, pero que tiene ya un recorrido y proyección previas. Un trabajo muy potente con el que irrumpir ahora bajo el nombre de Finta y en el que el rock alternativo británico se alza como principal seña de identidad y nos traslada al sonido de bandas como Biffy Clyro, Marmozets o Don Broco. Pero todo ello, sin perder de vista las melodías entrelazadas con potentes riffs de guitarra. Ya «El Nuevo Rey», «Corre» y «Máxima Contención» fueron las primeras muestras de este sonido tan particular que tiene Finta.
Con este «Nosotros hemos incendiado la luz», Finta empezó (el pasado mes de noviembre) a rodar por escenarios de diferentes ciudades como A Coruña, Vitoria, Barcelona, Murcia, Bilbao o Alicante, siempre cosechando éxitos tras ellos. Todo siguiendo la estela de aquel primer concierto que dieran en su ciudad, en El Perro de la Parte de Atrás del Coche: cartel de entradas agotadas y un gran sabor de boca entre el público. De hecho, con esta nueva gira tenían previsto volver a Madrid: el pasado mes de marzo junto a Smoking Souls. Sin embargo, fue en el peligroso momento en el que estalló toda esta situación, truncando todos nuestros planes. Así y todo, Finta no han dejado de trabajar: tras haber sido finalistas en el concurso de bandas del Cooltural Fest, los madrileños nos cuentan un poco más sobre sus planes de futuro. Además de ayudarnos a desgranar este álbum debut. ¡No os perdáis la entrevista tan divertida que tuvimos por videollamada! No tiene desperdicio.
Después de casi dos años inmersos en una gira de más de sesenta fechas por España, Los Intrusos del Savoy vuelven con nuevos temas bajo el brazo. Y «Perdido en la Ciudad» ha sido la primera muestra de ello: una canción que vio la luz el pasado 8 de mayo y que supone el primer adelanto del nuevo álbum la banda aficanda en Madrid. Pero es que aún hay más: este mismo viernes 22 de mayo, verá la luz el video-lyric de este tema. Aprovechando todos estos grandes acontecimientos, puedimos hablar por teléfono con Sergio Bengoechea (voz principal y guitarra) y con Lucas Bauer (guitarra y voces).
¿Cómo os sentís tras el lanzamiento de «Perdido en la Ciudad»?
Sergio. La verdad es que estamos muy contentos, porque es algo en lo que veníamos trabajando durante mucho tiempo. Así que, de repente, dar el pistoletazo de salida a este trabajo que ha costado cerca de dos años y algún que otro aplazamiento, nos ha hecho una ilusión tremenda.
Lucas. Sí, ya pasó la ansiedad y todos los nervios. Ahora es como: «bueno, ahí está».
Sergio. Bueno y los preparativos de todo. Se ha lanzado un single, pero hay todo un disco detrás, con todo lo que ello conlleva: diseños, grabaciones, todo.
Lucas. Nosotros somos de la vieja escuela y somos de lanzar disco. Si bien acabamos de lanzar un single, pero es como el principio de todo lo que está por llegar.
¿Por qué precisamente este «Perdido en la Ciudad» como primer adelanto? Y ahora dadas las circunstancias, ¿os sentís vosotros un poco perdidos en la ciudad?
S. Desde antes de que pasara todo esto, ya sabíamos que escogeríamos «Perdido en la Ciudad» como primer single.
L. Desde el principio supimos que sería nuestra primera gran apuesta, por lo que significa la canción para nosotros. Está muy vinculada a Madrid, ciudad en la que vivimos pero de la que ninguno de nosotros es. Y digamos que este disco que verá la luz, en líneas generales, nace un poco como consecuencia de nuestras vivencias aquí.
S. Sí, ese es un poco el resumen: el álbum recogerá las vivencias, tanto de Lucas y mías, que somos los que componemos. Así que está íntimamente relacionado con lo que es la ciudad y con lo que hemos vivido en ella. Y «Perdido en la Ciudad» abre un poco la puerta a este nuevo universo.
Aunque ya habéis dado las primeras pinceladas hablando de las vivencias en Madrid, una de las siguientes preguntas era, ¿cómo surge un poco el concepto de «Para Siempre»?
S. Exactamente, «Para Siempre» es un poco eso. De hecho, cada tema es una vivencia en concreto, cosas que nos han marcado para siempre y que seguimos recordando a pesar del tiempo. Y este álbum está plagado de todas estas experiencias.
L. Por otra parte, también está muy vinculado a la relación que tenemos entre nosotros. Santiago, Sergio y yo formamos como un tridente inseparable, movidos dentro del escenario que supone Madrid y de las vivencias que nos ha regalado la ciudad, y que ahora están reflejadas en el álbum.
S. Al final es lo que pasa y es lo que imagino que también te habrán contado otras bandas: lo que cuesta estar aquí y hacerse ver dentro de este panorama musical. Así que todo lo que vivimos, todo lo que experimentamos, beuno y malo, nos marca y, además, genera ese vínculo del que habla Lucas, ese hermanamiento entre los tres.
Recapitulando un poco y volviendo al single, ¿cómo han sido las primeras reacciones por parte del público?
L. Pues muy positivas, la verdad. Estamos contentos porque a la gente le está gustando mucho. De hecho, mucha gente se está ya atreviendo a preguntar cuándo saldrá el próximo single e incluso el disco [risas]. Nosotros nos quedamos con el cariño que está dando la gente, que de eso se trata, de que conozcan, compartan. Así que estamos agradecidos.
S. Agradecidos también por toda la paciencia que han tenido.
L. Como decía Sergio han sido dos años de trabajo, no lento, pero sí lo más mimado posible, de manera pausada y con mucha decisión. Si lo lanzamos justo en este momento, es porque creíamos que era lo adecuado y necesario.
Y durante estos dos años de trabajo, ¿cómo ha sido todo ese proceso creativo y compositivo?
L. Postivo, con muchísimo trabajo. Sergio y yo, que somos los compositores, hemos ido desechando muchas ideas hasta quedarnos con lo que creíamos que valía la pena o, por lo menos, lo que nos emocionaba a nosotros. Nosotros también hemos tenido la suerte de que vivimos juntos y trabajamos juntos, así que no llevábamos nada al local de ensayo con el resto de la banda hasta que no teníamos la idea bien madurada.
S. Sí, sí, en el estudio hay poca improvisación en ese sentido.
L. El proceso compositivo ha sido arduo por el tema de descartes. Pero la verdad es que echando la vista atrás y analizando el resultado, estamos muy muy contentos con el resultado final y creemos que a la gente le gustará el disco.
Es algo que comentábais que ya os habían preguntado, pero ¿cuándo podremos escuchar algo más del disco?
S. En verdad, todos los lanzamientos están un poco pensados ya. De hecho, por medio habrá videoclips y más material que irá viendo la luz, dependiendo de cómo vaya evolucionando toda esta situación que, al fin y al cabo, nos está condicionando.
L. Por adelantarte, podemos decir que pronto estará disponible el video-lyric de «Perdido en la Ciudad». Por lo demás, estamos un poco así: adaptándonos a las circunstancias tan particulares que estamos viviendo. Pero a lo largo del año, saldrá todo el material.
Respecto al video-lyric de «Perdido en la Ciudad», ¿qué podremos encontrar y cómo surge la idea?
S. En realidad, el video-lyric surge un poco por acompañar al tema y porque la gente pueda seguir un poco la letra. Así que hablamos con Jorge Madinaveitia, con el que ya hemos trabajado previamente en otros videoclips, y le planteamos la idea y enseguida se decidió a ayudarnos. Así que bueno, creemos que es un punto a favor publicar material audiovisual más allá de que esté la canción en Spotify, creemos que es algo que la gente valora.
L. Además, no es un video-lyric al uso, porque hay una protagonista, una historia.
Este «Para Siempre» será el segundo álbum de la banda, ¿cómo ha evolucionado Los Intrusos del Savoy desde aquel primer trabajo?
L. Ha sido como una montaña rusa [risas]. La condición nuestra de ir de arriba hacia abajo, hace que sea así también. El grupo nace en Salamanca, en plena época universitaria nos conocemos Sergio y yo. Año 2000 o 2000 y poco. Fue ahí donde empezamos a relacionarnos y a montar algo, sin la intención de que fuera algo serio. Inicialmente era por puro gusto. Comenzamos a hacernos cargo de las Jam Sessions de Salamanca y cuando quisimos darnos cuenta, estábamos tocando todas las semanas, un día fijo en un bar. Y ya con el tiempo fue cuando decidimos iniciar un nuevo proyecto con canciones propias: y desde entonces, somos los tres pilares básicos de la banda.
S. De hecho, cuando Santiago llega, Los Intrusos del Savoy ya va adquiriendo una dirección clara y mucho más profesional. Ya íbamos con la intención de grabar un disco, de salir a tocar. Y desde entonces no nos hemos desviado de ahí.
L. Además, ya en Madrid establecidos, tuvimos la oportunidad de contar con Nacho Vizcay al bajo y Jorge Hidalgo al teclado.
¿Qué canción de Los Intrusos del Savoy define mejor el momento en el que estáis y por qué?
S. La verdad es que es algo que hemos hablado y es que hay un tema en el disco que se llama «Abriendo Caminos». Ya habrá oportunidad de escucharla [risas], pero creo que es el tema más positivo del disco y es el que representa un poco el momento de la banda, el de levantar un poco las alas, tras haber construido una base sólida del proyecto. Y ahora es momento de alcanzar velocidad de crucero y de trabajar este disco: hemos conseguido ya una parte, que es el de grabarlo; pero nos queda la más importante, que es la de llegar a la gente y cantarle nuestras historias.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
S. Locuras, eso contesta Lucas [risas].
L. La verdad es que no lo sé, esto es una locura ya [risas]. La verdad es que ambos hemos dejado, a nivel personal, muchas cosas de lado. Cosas que eran importantes para nosotros. Todo con el objetivo de abrir el camino y de arrancarnos con el proyecto. Esta es una profesión que amamos, por la que estamos dispuestos a todo. Eso hace que peudas dejar aparcadas ciertas cosas. Pero bueno, uno lo hace porque lo siente.
S. Desde fuera, eso se ve como una locura.
L. Pero claro, escoger un camino siempre implica dejar de lado otro.
Hace algunos meses, nos sorprendió con la publicación de su nuevo álbum, «Cuarto de Invitados». Una auténtica joya que no podemos dejar de escuchar en bucle. Se trata del artista vigués Villanueva quien, hace apenas unos días, volvió a acertar con un disparo de lo más letal: hemos vuelto a caer en su red, gracias a la versión al desnudo que nos ha mostrado de su tema preferido, «Gala». Una canción que tiene guardada una gran parte de él. De esto y de muchas otras cosas pudimos hablar la semana pasada: tras una distendida conversación por teléfono, esto es lo que nos contó Josete Villanueva sobre su proyecto.
¿Cómo el concepto de este último disco, de «Cuarto de Invitados»?
El concepto surge a raíz de una concatenación de sucesos y de cosas que me van sucendiendo. Básicamente, mi vida personal ha ido cambiando mucho en los últimos meses y es que, entre otras cosas, he pasado de vivir en Galicia a hacerlo en el Levante, en Alicante. Pero antes de llegar justo a ese punto, pasé por otros lugares como Murcia. Entonces yo sentía que vivía en distintas casas, pero en ningún hogar. Año y medio en el que vivía con una maleta y recorriendo diferentes cuartos de invitados de casas de amigos. Entonces empecé a recopliar cada acontecimiento que iba experimentando, cada historia que me iba confesando a mí mismo, hasta dar lugar a este «Cuarto de Invitados».
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?, ¿y cómo lo viviste?
Pues la verdad es que fue muy poco a poco. Con el tiempo, me fui dando cuenta de que si en mi anterior trabajo «Zoo para dos», me hacía muchas preguntas; ahora tenía muchas de las respuestas. Y es que la música me ayuda mucho a esto, a conocerme a mí mismo, a darme cuenta de quién soy, de qué hago, de cómo reacciono. Entonces este proceso fue un proceso largo, como de psicoanalista. Y de hecho, la primera frase del disco ya avisa, no está puesta por casualidad: «Querido lector, no pienso pedir perdón». Tras todo este proceso compositivo, Sean Frutos de Second me dijo que tenía el productor adecuado para este disco y me presentó a Raúl de Lara, con el que conecté muy rápido.
¿Y cómo fue trabajar con Raúl de Lara a la producción?
Pues muy bien, la verdad. Raúl es un genio y un tío encantador, además de un gran amigo. El trabajo con él ha sido genial, tanto con el resto de músicos, como Nacho Mata, batería que nos acompaña en gira y Ángel Herranz; Jorge Guirao de Second a las guitarras; y Edu de Sidonie. Creamos un grupo de trabajo muy guay y muy sano. Cada día me levantaba a las 6 de la mañana, para estar ya dando gritos en el estudio a las 8. Fue todo muy disciplinado, pero la verdad es que se agradece, es algo que me gusta.
Hablabas previamente del poder de la música para conocerse a sí mismo, ¿pero crees que también tiene determinado poder curativo, especialmente en estos tiempos?
Sí, sí, claro. Si vamos a la raíz de las cosas, nos damos cuenta de que la música es una disciplina artística y como tal, nos invita a hacer acto de reflexión: y es que el arte tiene el poder de hacernos pensar. Y sí que es verdad que la música tiene ese componente de tocar la emoción. Así que, definitivamente, sí que creo en ese poder de la música.
El pasado 1 de mayo vio la luz la versión de estudio de «Gala», ¿cómo surge la idea de presentar la canción de esta forma?
Aquí hay varias cosas. «Gala» es mi canción favorita de todas las que he compuesto, junto a «Bombas Nucleares», quizás. Entonces publicamos el disco y por diferentes circunstancias, Navidad y el confinamiento principalmente, no pudimos tener la promoción que esperábamos en ese momento. Entonces se me ocurrió como mostrar esta versión de «Gala», ya que también fue la que menos cambios sufrió desde que llegó a las manos de Raúl hasta ahora. Y yo confiaba tanto en esta canción, que me dio igual que estuviera más o menos producida, quería mostrarla sin tapujos, también porque creía que la gente iba a agradecer descubrir esta pequeña rareza que tenía archivada, especialmente en un momento como este. Además, creo que ha sido una manera de darle a esta canción su propia identidad: algo de lo que tenía muchas ganas. De hecho, hay gente que es una canción nueva.
¿Qué tiene la canción de «Gala» para que sea tan especial?
Pues junto a «Carlos III», fue una canción que me acompañó casi toda la composición del disco y una sobre las cuales se sustentan los pilares del álbum. Además, empecé a componerla en lugares que son especialmente mágicos y especial para mí. También tiene muchos tintes autobiográficos y, aunque tiene toques muy nostálgicos, es un tema que me da muchos ánimos. Sin duda, también fue la canción con la que me di cuenta de que no tenía que avergonzarme por desnudarme. Y que, bueno, como buen gallego «Gala» tiene muchos tintes a mí tierra.
Nueva versión de «Gala», incluida en tu último disco que también vio la luz hace poco. ¿Cómo ha sido un poco la acogida de ambos?
Pues la verdad es que muy bien y lo cierto es que yo también estoy muy contento con todo el mundo que ha decidido darle una oportunidad. De hecho, mucha gente coincide en que «Cuarto de Invitados» es mi mejor disco. Yo lo concebí un poco sin perspectiva, pero sí que es cierto que estoy contento con el resultado y que, bueno, la opinión del público ha sido bastante homogénea. Y con «Gala» ha sido bestial: había gente emocionada, que me llamaba para preguntarme si la canción era nueva. Es algo que me parecía muy curioso. De hecho, es casi más conocida ya la sesión de estudio que la versión del álbum. La música nunca dejará de sorprendernos.
¿Escucharemos alguna versión de estudio más de este «Cuarto de Invitados»?
[Risas]. Ya tengo preparada la siguiente.
¿Y no se puede decir nada todavía? [risas]
Sí, venga, lo voy a decir. Ahora mismo estoy pasando la cuarentena en un pueblo de la costa gallega, en Baiona. Es un pueblo muy mariñeiro, en el que hay muy poca gente en invierno. Justo aquí me monté como mi pequeño estudio, para poder escribir, componer y hacer mis cositas. Entonces hay una canción de este disco que se llama «15 Segundos» y que recoge mucho el espíritu de la gente que me escucha. Así que he decidido darle una pequeña vuelta y llamarla «Otros 15 Segundos». Es una pequeña versión que he hecho durante el confinamiento, en esta casa en la que estoy viviendo en estos momento. Todo en un entorno casero, pero que suena como en mi propio hogar. Además, en esta ocasión he tenido la oportunidad de trabajar con Manuel Cabezalí, que fue quien la remasterizó. Y, bueno, verá la luz en un mesecito, más o menos.
¿Cómo ha sido toda esta experiencia y cómo ha sido trabajar, en esta ocasión, con Manuel Cabezalí?
Pues ha sido muy emocionante, porque me he transportado al momento de composición de «Cuarto de Invitados». Y más, haciéndolo en estos momentos en los que los sentimientos están tan a flor de piel: estamos viviendo una auténtica montaña rusa de emociones. Pero empecé a meterme de lleno en el proceso, viendo qué recuperaba, qué cambiaba, el volver a grabarme desde casa, donde la calidad no es muy buena. Se me empezaron a agolpar todas las sensaciones de cuando grabé la canción en Murcia y fue algo muy bonito. Me dio hasta un poco de bajón y de nostalgia de aquellos momentos de trabajo en el estudio, que es algo que me gusta mucho.
En cuanto al trabajo con Manuel Cabezalí, increíble, porque él es un profesional como la copa de un pino. Sabe muy bien cómo hacer las cosas y yo, la verdad, es que estoy muy contento con el resultado.
¿Qué canción de Villanueva define mejor el momento en el que estás y por qué?
«Gala», indudablemente. Es una canción muy especial para mí, es como esa especie de rincón en la mente, en el que vuelvo a ser yo. Y es que define todo mi último año, tanto a nivel personal como profesional, con sus momentos duros. Así que, bueno, entre «Gala» y «Carlos III» me quedo yo: creo que son las dos mejores canciones para definirme.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
[Risas]. Tendría que pensar, pero he hecho auténticas barbaridades. Podría decirte, por ejemplo, que me crucé España sin dormir, y es que fui de Vigo a Barcelona para acudir a una entrevista presencial. Otra vez, me fui a Salamanca, porque tocaba allí y no habían carteles colgados: así que fui a propósito y empapelé toda la ciudad. Creo que eso podría definir muy bien las locuras que he podido cometer: cuántas noches sin dormir, cuántas mañanas madrugrando para volverme a casa, cuántos días durmiendo mal y en cualquier sitio. No sé, locuras que seguramente también haya cometido mucha más gente.
En medio de una situación excepcional en la que la cultura y la música se han convertido en verdaderos bálsamos, descubrimos y escuchamos el nuevo trabajo de Mäbu. Y es que el pasado mes de marzo veía la luz «Primavera», el primer EP de adelanto de un álbum que llevará por título «Un Año Después». Cuatro canciones que abren la brecha y que son, verdaderamente, mágicas. A raíz de este lanzamiento, pudimos charlar un ratito por teléfono con María Blanco, compositora y vocalista de la banda. ¡No os perdáis ni un solo detalle!
¿Cómo surge el concepto de «Primavera»?
Llevábamos tiempo sin editar nada nuevo, aunque sí que es verdad que hace un par de años publicamos un recopilatorio recorriendo los temas más emblemáticos de la banda y colaborando con numerosos artistas. Pero realmente, llevábamos tiempo sin publicar material inédito. Entonces le dimos una vuelta y se nos ocurrió crear un proyecto algo más ambicioso, a la hora de presentar un nuevo disco: y es que este nuevo álbum está formado por cuatro pequeños EPs y «Primavera», formado a su vez por cuatro temas, ha sido como el primer adelanto de ellos. Es una manera de crear como un multiverso: universos dentro de un mismo disco, que verá la luz el año que viene.
Cuatro estaciones y «Primavera» que ha visto la luz recientemente. ¿Los demás EPs verán también la luz en su respectiva estación?
Pues esa era la idea inicial. Lo que queríamos en su momento era publicar «Primavera», «Verano», «Otoño» e «Invierno» en su debido tiempo. Pero finalmente, optamos por adelantar únicamente «Primavera» y publicar el disco en noviembre. Aunque con el tema de las nuevas medidas, el álbum puede que lo retrasemos un poco, porque claro, cuando publicamos nuevo material lo que principalmente nos interesa, es poder tocar. Es como la excusa. Pero como ahora no sabemos muy bien qué va a pasar, preferimos retrasar un poco el lanzamiento. Así que, bueno, durante los próximos meses, en vez de sacar el EP de «Verano», lanzaremos los de entre tiempo. Y ya en marzo seguramente vea la luz el disco, que se llamará «Un Año Después». Lo cual nos vendrá genial, porque justo coincidirá un año después del lanzamiento del primer EP.
¿Cómo ha sido todo el proceso cretivo y compositivo?
Realmente, la premisa era intentar extraer la esencia de cada estación a través de las canciones. En el caso de esta «Primavera», buscaba precisamente el remover mucho las sensaciones y de ahí, que una canción que se llame «Terapia». Con este EP buscaba un poco el reseteo de todas las sensaciones: empieza el buen tiempo, el buen humor, estás más optimista, empiezas a cambiar cosas, es como un florecimiento. Todo eso es lo que hemos querido generar en este EP, metiendo al oyente en toda esa sensación. Además, musicalmente hemos reacreado atmósferas que intentaran representar todo este ambiente. A mí la primevera me da ánimos, pero también tiene un toque de melancolía. Precisamente, este punto melancólico es el que siempre hemos tenido nosotros en nuestras canciones.
«Primavera» vio la luz el pasado 20 de marzo, ¿cómo ha sido la acogida por parte del público?
Pues la verdad que brutal, ha sido de las mejores. A priori, nosotros pensábamos que no sería buena idea sacarlo en estos momentos y es que, desde el punto de vista del marketing, era como una especie de suicidio musical. Creíamos que ningún medio de comunicación prestaría atención al lanzamiento del EP en estos momentos y de un grupo que quizás, no es tan conocido. Pero la acogida ha sido bruta, porque le dimos la vuelta y creímos que para la gente sería muy buena distracción el poder disfrutar de este EP. Y creemos que para la historia de Mäbu, el haber publicado un trabajo en este periodod de confinamiento, ha sido una experiencia brutal. La gente nos lo agradeció muchísimo y creo que ese es uno de los mayores logros que puede tener una banda: que el público sea feliz con tu música. Va a marcar nuestra carrera.
¿Crees que la música ha sido una especie de terapia, especialmente estos días?
Sí, la cultura en general y la música en particular. Es muy fácil que nos acompañe: incluso estando haciendo otra cosa en casa, con el piloto automático, es muy sencillo que puedas tener música de fondo, por ejemplo. Y es que yo creo que la música en general, ayuda a inspirar a la gente, a que salga un poco de la rutina, a que sea más creativa. Con la música ha pasado más de lo mismo, aunque creo que nos hemos pasado un poco con tanto concierto en streaming. Que al final, todas estas acciones que se han ido realizando las hemos hecho porque somos muy solidarios y porque nuestro trabajo siempre ha sido muy vocacional y emocional. Entonces estamos acostumbrados a trabajar sin cobrar y a aportar música a gente que lo está pasando mal, es como que nos nace. Y es que nosotros mismos perdemos un poco la perspectiva de que lo que estamos haciendo es un trabajo. Pero bueno, es algo de lo que la gente tampoco tiene la culpa, eso corre más a nuestra cuenta. El público siempre va a agradecer que se le ofrezcan este tipo de acciones, este ocio.
Volviendo un poco al proyecto de Mäbu, quería preguntar sobre el poder del mensaje en vuestras canciones
Más que el mensaje, lo que a mí me mueve a la hora de componer una canción es cómo suenan las palabras con la música. Estoy constantemente trabajando en ello. Que, evidentemente, si no tienen un mensaje, las canciones quedan un poco insulsas. Pero sí que es verdad que en este disco, los mensajes quedaran más claro, sin tantas imágenes, sin tantas metáforas. Aunque la premisa sigue siendo la misma: crear melodrías y ambientes bonitos, a través de metáforas y a través de esa combinación entre palabras y melodías.
¿De qué manera ha evolucionado Mäbu desde sus inicios hasta este punto?
Pues lo que más nos ha hecho evolucionar, indudablemente, han sido los conciertos. Y después de haber hecho tantos, ya que nosotros somos un grupo que se dedica esencialmente al directo, creo que hemos sido capaces de evolucionar de una manera un poco más consciente, sabiendo exactamente qué canciones queremos hacer y cómo hacerlas. Y, bueno, en medio de este proceso, cada vez nos damos más cuenta de que dónde más queremos crecer es en los directos. También nosotros mismos hemos madurado. Todo eso, añadido al hecho de que Mäbu ha sido como el primer proyecto en serio, lo que ha hecho que vayamos a la par, que evolucione y que cambie según mi propio proceso vital.
Y ahora mismo, a pesar de la incertidumbre del momento, ¿cuáles serán los próximos pasos de Mäbu?
Pues por el momento, hemos tenido que cancelar una gira de showcases que ya teníamos programada para presentar el EP y que estaba casi toda ya con las entradas agotadas. De hecho, hemos tenido que moverla al mes de noviembre, hemos devuelto las entradas y vamos a intentar hacer dos pases para cada una de las fechas, ya que muy probablemente tengamos que tomar medidas de aforo. Pero bueno, a las salas les hemos propuesto eso, el poder hacer dos pases el mismo día, aunque eso suponga trabajar el doble.
¿Qué canción de Mäbu identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
Creo que voy a decir «Utopía», porque es la canción que puede definir mejor este momento. Realmente, la canción habla de tener una conversación con una misma, en medio del mundo idílico que muchas veces tendemos a crearnos. Y es que el ser humano tiende mucho a ese pensamiento mágico de que todo irá bien y de que el ser feliz es una constante vital que conseguirás en algún momento. Esa es un poco la utopía que nos montamos en la cabeza y que yo creo que ahora mismo nos representa mucho, porque es como caerse de la parra. Nosotros ahora nos hemos caído y estamos viviendo una realidad que es dura. Una realidad de la que también habla «Utopía». Realidad en la que debe primar el amor a uno mismo.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Vivir de ella [risas]. Pero sí, sí, dedicarnos solamente a ella y el dedicar todo tu tiempo a hacer lo que te gusta. Creo que el dejar todo por la música, en sí, ya es una gran locura.
Mencionabas a Eduardo Figueroa, ¿cómo fue trabajar con él a la producción?
¿Cómo ha sido la acogida de «Este Devenir» desde que vio la luz?
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del álbum, y también, cómo fue la búsqueda de ese sonido propio?
Un videoclip casero en el que. aún así, se cuida mucho la imagen. ¿Qué importancia tiene esta para In Materia y como complemento de su música?
El videoclip de «Reinas» ha acompañado el lanzamiento de la canción. ¿Cómo surge la idea de mezclar partes del directo con otras grabadas en casa?
En cuanto a la selección de los artistas, ¿cómo es todo ese proceso?
¿Cuáles serán un poco los siguientes pasos de Arctic Sessions?
Aunque ya habéis dado las primeras pinceladas hablando de las vivencias en Madrid, una de las siguientes preguntas era, ¿cómo surge un poco el concepto de «Para Siempre»?
Respecto al video-lyric de «Perdido en la Ciudad», ¿qué podremos encontrar y cómo surge la idea?
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?, ¿y cómo lo viviste?
¿Crees que la música ha sido una especie de terapia, especialmente estos días?