Categoría: Entrevistas

  • Javi Herrero: «A nivel compositivo, VI es el mejor trabajo de Zenobia»

    Javi Herrero: «A nivel compositivo, VI es el mejor trabajo de Zenobia»

    Los descubrimos casi por casualidad hace unos tres años, poco tiempo si te pones a pensar. Pero es que tantos sus temas como sus directos te absorben de tal manera, que ya es imposible salir de su órbita. Hablamos de Zenobia, quienes hacen apenas unos días publicaron su sexto trabajo de estudio, «VI». Al hilo de este lanzamiento, hablamos con Javi Herrero (batería de la banda) y esto es lo que nos contó.

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, de «VI»?

    El concepto fue rápido y conciso. La verdad es que no pensábamos acabar el año pasado tal cual acabamos: con la escisión o más bien, con la decisión de no seguir contando con uno de los miembros de la banda. Así que, tras eso, nos sentamos para valorar qué componentes podían interesarnos, se les preguntó a ver si querían formar parte del grupo, dijeron que sí y a partir de ahí, comenzamos a trabajar. Es cierto que teníamos ya algunas canciones, pero se desecharon. Lo primero porque era la forma de componer de Víctor de Andrés, nuestro antiguo guitarrista; y luego, porque como él ya no estaba en la banda, no tenía sentido. Aún así, no consideramos que fuera un trabajo perdido, porque siempre se aprenden cosas.

    Nos pusimos al lío en diciembre y queríamos publicarlo en abril, ya que queríamos cumplir las fechas. Así que fue un proceso rápido. Pensado y trabajado, pero rápido. Y lo cierto es que fluyó muy bien: había muchas ganas, fueron llegando muy buenas ideas y, además, el trabajo con los nuevos miembros fue genial. Eso sí, cambió todo el concepto que teníamos inicialmente: el otro iba a ser casi casi conceptual e iba a seguir una única temática, mientras que este ha terminado siendo diferente, siendo cada canción de un estilo.

    En este sentido, ¿cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo de «VI», teniendo en cuenta todos los cambios en la formación?

    Pues por un lado, Mario venía trabajando con Jorge en Berceo, su proyecto en solitario. Con ello, quiero decir que es una persona activa dentro de la música. Por su parte, Marcos también venía de otra banda y era asistente en nuestros conciertos y, además, era guitarrista en una banda de covers. Los dos son gente acostumbrada a crear música y a estar en contacto con ella, lo cual ha ayudado mucho a la hora de crear. Luego está Ernesto, nuestro teclista, que está todo el día activado, nunca se quita la pila de crear y, además, está metido en un montón de proyectos. Así que, la verdad, que estábamos abiertos completamente a crear y, encima, cargados de esa energía que te da contar con nuevos miembros en la banda. En definitiva, el proceso de creación ha sido rápido y mucho más fácil de lo que yo me esperaba. De hecho, creo que a nivel compositivo, ha sido el mejor álbum que hemos hecho hasta la fecha.

    ¿Y cómo habéis vivido el tener que retrasar la salida del disco? Porque estaba fijada para el mes de abril.

    Pues ha sido bastante angustioso, porque nosotros teníamos ya todo preparado, habíamos conseguido cumplir fechas, lanzamos una canción, hicimos un videoclip, estuvimos Marcos, Jorge y yo una semana antes haciendo promo. Y cuando quedaba ya muy poco, nos confinaron. Evidentemente, todas las fechas empezaron a caer conforme se iba alargando el confinamiento. Así que fue complicado. ¿Lo bueno? Que en Zenobia no dejamos de reinventarnos y nos inventamos ese documental que hemos ido haciendo por partes, en el que rescatamos imágenes y vídeos de cómo se fue concibiendo el disco. Creo que hicimos una cosa muy bonita y muy interesante, todo para que los fans no fueran perdiendo esa ilusión. También aprovechamos para grabar «Vuelve» con los nuevos componentes, lo que supuso un poco un lavado de cara. Y con todo ello, hemos ido pasando un poco todo el tema del confinamiento. Así hasta ahora, que fijamos nueva fecha para el lanzamiento del disco.

    ¿Cómo ha sido la acogida por parte del público, teniendo en cuenta que también han tenido todos estos meses de preparación con el documental?

    Pues sí que nos escribía gente diciendo que andaban con un poco de miedo, por las expectativas que se fueron generando, porque no sabían qué se terminarían encontrando. Nosotros, como banda, sí que creemos que es el mejor disco que hemos hecho hasta ahora, esa es un poco la finalidad, trabajar por conseguir eso. Y eso precisamente es lo que veníamos comentando en los documentales: «es el mejor disco, te va a gustar». Entonces claro, estábamos vendiendo una moto que a los fans les generaba cierto recelo, cierto pensamiento de «¿será lo que siempre se dice o de verdad será el mejor disco?». Pero una vez «VI» fuera, a las críticas me remito, ya que están siendo todas demoledoras en ese sentido. Todas coinciden en que es un trabajo súper variado y en que es el mejor a nivel compositivo. Así que estamos muy, muy contentos.

    Disco variado en el que ese sello tan vuestro se sigue manteniendo. En este aspecto, ¿cómo construye Zenobia su sonido?

    Yo creo que la esencia de Zenobia no se pierde, precisamente por Jorge. Si nos ponemos a diseccionar el disco, hay temas de rock, de hard rock, de heavy metal, de power metal e incluso de música electrónica. Pero entre toda esa mezcla de estilos, siempre destaca algo. Y una persona que esté acostumbrada a escuchar Zenobia, dirá: «es Zenobia». Yo creo que es lo bueno que tenemos, que mantenemos esa esencia. ¿Por qué? Quizás sea el timbre de voz de Jorge o la manera de estructurar las canciones, aunque creo que es sobre todo por lo primero, por la voz y por la manera de cantar. Eso es lo que hace que sonemos a nosotros, hagamos lo que hagamos: ya sean temas con toques más electrónicos como «Malefic Circus» o como «El Laberinto»; o más hard-rockeros como «Sin perder la pasión».

    ¿Cómo ha evolucionado Zenobia en estos años y cuáles han sido sus principales fuentes de inspiración a la hora de crear?

    Creo que, al final, evolucionar lo ha hecho de manera individual. Como banda siempre se aprende gracias a los propios componentes. Somos conscientes de que gracias al paso de Víctor de Andrés por la banda, igual que a él le ha venido de puta madre porque ha afianzado y crecido el público que ya tenía, nosotros hemos podido llegar a toda la gente que ya lo seguía a él.

    En definitiva, en Zenobia hemos aprendido, crecido y evolucionado gracias al equipo que nos ha rodeado y, por supuesto, gracias al bagaje, experiencias y gustos de cada uno de nosotros. Yo no tengo ninguna duda de que a Jorge le ha venido genial haber girado con Avalanch. A mí a lo mejor, me ha venido bien bajar la dosis de la música que escucho, que es bastante cañera y centrarme en grupos más tranquilos, como pueda ser Gotthard. De Ernesto puedes aprender mucho, por toda esa capacidad creativa que tiene. Y de Mario y Marcos igual. Creo que eso, aprendes de todos y al final, tú mismo vas encontrando tu propia manera de tocar y tu estilo propio.

    Con el disco ya fuera, ¿cuáles serán los próximos pasos y cómo planteáis el tema gira?

    Los pasos van a ser lo que la situación nos permita. Que ojalá nos permitiera hacer conciertos, aunque es muy complicado crear una gira en estas condiciones. Hemos tenido que cancelar unos cuantos, retrasar otros tantos, así que es bastante complicado. Y ya da un poco de palo hacer promoción de X concierto en X ciudad, motivar a los fans y, justo a una semana, tener que suspenderlo. Así que, bueno, con el tema de la emergencia sanitaria, no nos queda otra que ir casi, casi al día. Es una pena. Si no, vaya, la idea en circunstancias normales, sería hacer gira de salas y estar en el mayor número de festivales posible, dando guerra [risas].

    Con la situación actual que estamos viviendo, ¿qué piensas del tratamiento que se le está dando a la cultura, y especialmente a la música, con tanta cancelacón de eventos?

    Yo creo que mal. A lo que es la cultura y la música rock, yo creo que mal. Hay muchas fotos por las redes en las que se ve a gente saltándose todos los protocolos y normas, por no hablar de las corridas de toros y de todas las fiestas patronales que, a pesar de las circunstancias, se están celebrando. Y aunque suene mal, deberíamos ser «o todos moros o todos cristianos». Es decir, o todos pasamos por el aro o no pasamos ninguno. No me parece bien agarrar a la gente de la música por los huevos y a otros por el cuello. No quería remitirme a las imágenes pero, el otro día por ejemplo, se pudo ver cómo en el Z! Lite de Zamora todos estaban cumpliendo todas las medidas de seguridad y el público en todo momento estuvo sentado; y justo al lado, en un teatro, había otro concierto en el que todos estaban juntos, apiñados. También pasó lo mismo con la visita de los Reyes este verano, creo que fue en Almería que todo se desbocó. La verdad es que lo veo todo muy desproporcionado. Y todo eso, sin meterme en si estoy más de acuerdo o no con lo que nos dicen que tenemos que hacer, pero lo asumo y lo hago. Ahora, quiero que todos hagan lo mismo.

    ¿Qué canción de Zenobia identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Pues creo que «Sigo rugiendo», tanto por la manera de expresar, ya que se toca con mucha rabia, con mucha sensación y mucho rollo; como por la composición y la letra que tiene, que sigue un poco la esencia de Zenobia: y es que a pesar de las adversidades, hay que seguir luchando, hay que seguir ahí, machacando. Porque nadie te va a regalar nada.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    ¡Uf! No sé qué habrán hecho los demás…yo he pasado días sin dormir y sin descansar, porque he estado obsesionado por poder ir a un concierto, por poder ir a ensayar. Privarme de muchas cosas por conseguir un equipo que sonase mejor o incluso aprender cosas nuevas por y para la música. Dedicar todo mi tiempo libre a la música. Aunque la mayor locura personal, ha sido la de coger un avión y tirarme horas y horas de vuelo, para tocar en Latinoamérica o en Los Ángeles, por ejemplo. Nunca me habría planteado ir de turismo a esos sitios, porque me da un miedo terrible subir en avión. Pero cuando nos propusieron ir con Zenobia, ni me lo pensé. Ahora, el miedo sigue ahí, es algo no superado, aunque lo llevo un poco mejor [risas].

  • Varry Brava: «Con Hortera lo que queríamos es que la gente fuera feliz»

    Varry Brava: «Con Hortera lo que queríamos es que la gente fuera feliz»

    Con esa alegría y positivismo que los caracteriza, Varry Brava han formado su vuelta, precisamente en uno de los momentos en los que más necesitamos la música. Y en concreto, su música. Un regreso que lleva por título «Hortera» y que vio la luz hace apenas dos semanas. Desde ese momento, vivimos enganchados a ellos. Y después de hablar con el trío formado por Óscar Ferrer, Äaron Sáez y Vicente Illescas, lo estamos aún más. ¡No os perdáis nada de lo que nos contaron!

    ¿Cómo surge el concepto de «Hortera»?

    Pues, como siempre, surge de juntar un montón de canciones cada X tiempo para poder hacer promoción, porque hablar con los medios es algo que nos encanta, y para poder salir después a la carretera, que ahora mismo se ha truncado un poco por la situación que estamos viviendo. Pero aún así, estos son un poco los motivos para hacer un disco: juntarnos y volver a los escenarios para trabajar.

    ¿Cómo ha sido publicar nuevo trabajo en medio de esta situación y cómo vivisteis el tener que retrasar la fecha de lanzamiento?

    Creemos que ahí hay una mezcla de sentimientos. Hay que ser un poco valiente, porque al final hay que normalizar un poco la situación. La idea era publicar «Hortera» en marzo, pero con todo lo que ha pasado posteriormente, creíamos que no era bueno seguir demorándolo, era ya necesario. Además, ha sido como un soplo de aire y de positivismo, después de todo lo que estamos viviendo. Así que, satisfechos. Porque lo que queríamos es que la gente fuera feliz.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del disco?

    El proceso ha sido un poco el habitual, el que solemos seguir con todos los trabajo. Por un lado, cada uno de nosotros inicia una idea, a nivel de melodía o de letra; y después nos juntamos, las ponemos en común y las desarrollamos hasta el final. Por el otro, también aprovechamos para juntarnos durante diversos días y componer juntos desde cero. Esa es un poco nuestra manera, tanto componer de manera individual cuando a uno le surge la chispa, como componer de manera conjunta, porque es algo que nos gusta mucho y es una forma de que surjan cosas sorprendentes.

    El disco lleva apenas 15 días en la calle, ¿cómo ha sido, por el momento, la acogida de «Hortera»?

    La verdad es que la gente está reaccionando muy bien y acogiendo el disco de manera muy positiva. Creemos que la gente necesitaba un disco así de positivo, justo en este momento. Así que la respuesta ha sido fantástica, estamos muy contentos.

    «Loco» fue el primer adelanto de este disco y llamó la atención por ser muy diferente a lo que nos teníais acostumbrados. ¿Cómo fue experimentar con nuevos sonidos y cómo encajasteis todo el revuelo que generó la canción?

    Después de sacar «Loco», nos dimos cuenta de la gran cantidad de haters que hay en el mundo, así que está bien saberlo. Y, bueno, tiene un poco de ritmo porque, al final como tú dices, es algo diferente a lo que solemos hacer. Pero igualmente, en otros discos hemos corrido también el riesgo de experimentar con sonidos nuevos y hemos estado al loro de lo que, en ese momento, se escuchaba. Al final, es música y estamos contentos con lo que hemos hecho. Ahora hemos hecho «Loco», que tiene bases de reggaeton, pero en su momento hicimos una canción bakala, como es «La ruta del amor». Creemos que lo importante al final es eso, poder experimentar, no tener prejuicios y disfrutar.

    Justo después, vieron la luz los siguientes singles, «Luces de Neón«, «PlisDonGou» y «Mi Mejor Momento». ¿Por qué escoger estas canciones como adelantos?

    Escogimos esas canciones porque nos apetecían en ese momento. Fue un poco sin más, sin un motivo concreto. Sí que es cierto que, en el caso de «Luces de neón», fue un poco por darle continuidad al primer adelanto y mostrar el otro lado. Además, es una canción muy importante para nosotros en este disco. Fue con la que iniciamos como todo el proceso, mano a mano con Andrés Terrón y Pablo Estrella, que son los productores del disco. La verdad es que nos gustó mucho tanto la idea del tema como la producción. Así que, después de «Loco», nos pareció bien mostrar nuestra otra cara, nuestra otra faceta.

    Otra canción que querría comentar es la de «Kit Kat». Después de darle varias escuchas, ¿tiene tintes biográficos o es solo una sensación?

    Si te ha dado la sensación a ti, eso es lo más importante [risas]. La verdad es que es algo que la gente se ha preguntado mucho, así que si parece biográfica es que es biográfica. La verdad es que sí que habla un poco de nosotros, de las cosas que pasan y sientes cuando montas una banda. La verdad es que nunca hemos puesto en una canción de Varry, cosas que nos pasaran a nosotros, como amigos y como pandilla, que es lo que somos. Es la primera vez que lo hacemos y estamos muy contentos. Aunque prometemos no hacerlo nunca más [risas].

    Por seguir desgranando canciones, justo acaba de ver la luz el videoclip de «Hortera». ¿Cómo surge la idea del clip?

    Con el videoclip, lo que queríamos era definir visualmente lo que la propia canción dice. La verdad es que, a nosotros, nos pedía luz, nos pedía algo divertido, nos pedía buen rollo. Y eso es lo que le trasladamos a AfterLife, que es la productora que nos ha hecho el vídeo. Nosotros estamos súper contentos con el resultado, no hay nada más que verlo. Expresa a la perfección lo que expresa la canción, e incluso el disco: el sentirte libre, el reírte, el pasarlo bien.

    Ahora, viendo tal cual está el panorama con todo lo que ha pasado, ¿cómo planteáis la gira?

    Nosotros vamos a intentar hacer las cosas con la mayor normalidad posible, hasta que venga la policía y nos eche de los bares. Vamos a intentar tocar donde podamos, siguiendo siempre todas las medidas de seguridad. Queremos empezar a organizar fechas, tocar y volver poco a poco a la normalidad. Lo que no se puede es estar quieto, es estar parado. Así que vamos a seguir trabajando, con la mayor de las responsabilidades y con muchas ganas.

    Hablando un poco del tema gira, justo antes de que todo colapsara, estuvisteis girando junto a Miss Caffeina en «Dancetería». ¿Cómo vivisteis todos estos momentos?

    Fueron momentos muy bonitos, la pena fue esa, que todo se paralizara. De hecho, no es una gira cerrada, porque en el día de mañana nos gustaría retomarlo. Pero la verdad es que ha sido una experiencia espectacular, ya no solo por el espectáculo, también por haber podido convivir con Miss Caffeina. Nos lo hemos pasado en grande y ojalá pronto podamos juntarnos de nuevo.

    Por cerrar un poco la entrevista, ¿qué pensáis del trato que se le está dando a la cultura y, en concreto a la música, con todo el tema de las cancelaciones? Y todo ello, a pesar de demostrar que la cultura es segura.

    Nosotros, por encima de todo, lo que queremos es que toda esta situación salga adelante de la mejor manera posible y con todas las medidas de seguridad que necesite cada situación. Pero también queremos que se respete todo el curro, la profesionalidad y todas las medidas que se están poniendo en el sector musical, que creemos que están siendo excelentes y ejemplares. Solo podemos decir eso.

     

  • Ainoa Buitrago o cómo la sensibilidad se convierte en música

    Ainoa Buitrago o cómo la sensibilidad se convierte en música

    Hablar de talento musical, muchas veces, puede resultar un tanto subjetivo. Tan subjetivo como personas pueda haber en el mundo. Además, las personas talentosas suelen estar escondidas en los lugares más recónditos del planeta, sin hacerse notar o haciéndolo muy tímidamente.

    Y hoy en Verdadera Locura queremos hablar de una artista a la que hemos descubierto muy recientemente y que estamos seguras que, más pronto que tarde, estará en boca de muchos. Se trata de La joven Ainoa Buitrago, quien hace apenas unas semanas lanzó su nuevo single, «Lo que fuimos». Una canción que desde el principio, nos ha enamorado sin remedio alguno. Así y todo, la trayectoria de la artista viene de lejos. Y es que, escondida tímidamente entre las sombras, irrumpió en el panorama musical con uno de sus primeros temas, llamado «Venecia». ¿Qué tiene de especial? Que el mismísimo Andrés Suárez colaboró con ella, convirtiéndose posteriormente en su mentor y en su mayor fan.

    Un maestro de lujo y una meteórica y ascendente carrera. Todo eso es lo que le espera a Ainoa Buitrago que, desde ese momento, no ha dejado de trabajar. Incansable. Imparable. De hecho, nos ha seguido regalando piezas musicales como este último single, «Lo que fuimos». O colaboraciones con otras bandas, como Veintiuno. Y aunque es cierto que el confinamiento lo ha frenado todo bastante, la madrileña ha recuperado un poco su actividad, ya que el pasado 14 de agosto actuó en Altea junto a Yoli Saa.

    En medio de esta locura de situación que estamos viviendo y a pesar de toda la futura incertidumbre, pudimos hablar y ponerle cara a Ainoa Buitrago, que muy alegremente respondió a todas nuestras preguntas. ¿Queréis saber todo lo que nos contó? Pues ya podéis darle al play, porque el vídeo ya está disponible en nuestro canal de YouTube.

     

  • Carmen Boza: «La Grieta es una canción que nace de una especie de arpegio»

    Carmen Boza: «La Grieta es una canción que nace de una especie de arpegio»

    Lo de Carmen Boza no parece de este mundo, tiene un magnetismo muy particular que engancha desde el minuto uno. Una vez dentro de su universo, ni lo intentes, porque jamás podrás salir de él. Eso es lo que nos ha pasado recientemente, con este nuevo tema que acaba de ver la luz: preparaos para «La Grieta», porque Carmen Boza ataca de nuevo. Y preparaos aún más para leer la entrevista que le hicimos hace algunos días a la artista gaditana.

    ¿Cómo nace este último tema, «La Grieta»?
    «La Grieta» es una canción que nace de una especie de arpegio, de experimentar con un motivo musical, de la obsesión de estar como dándole vueltas a un tema que sabes que te va a dar algo especial. Nace un poco así y se ha desarrollado justo en esta etapa que nos ha tocado vivir, todos confinados. Así que tiene como esa particular que se ha dado justo ahora, de manera natural.

    De hecho, la letra es como muy representativa y, en ciertos puntos, puede parecer un reflejo del momento actual. Con todo lo que hemos vivido, ¿crees que este puede ser el inicio de una nueva era?

    Sí, creo que sí. Todo lo que hemos vivido y lo que seguimos viviendo. Las cosas, simplemente, van sucediendo. Y al mirarlo cada uno con su propia perspectiva, que cada quien haga sus cábalas, pero no quedarse con lo que decimos de: «va a pasar algo» o «saldremos mejores». Yo no sé si supondrá una nueva era, pero está claro que las cosas han cambiado ya y seguirán haciéndolo, dependiendo de cómo vaya evolucionando esta situación particular que atravesamos. Pero yo también me permito ciertas licencias poéticas, porque también es algo que va conmigo: liberar un poco la imaginaciñon, trabajar con metáforas. Además, soy muy apocalíptica, me encantan todo tipo de conspiraciones y estos temas. Así que bueno, es una manera poética de embellecer una idea: que es la de que estamos viviendo un cambio muy grande.

    Hablas de las metáforas a nivel lírico, pero a nivel melódico, el tema está muy trabajado, con influencias de principios de los 00. ¿Cómo encontrar el equilibrio entre ambas?

    No sé, yo creo que en mi caso, este equilibrio que mencionas es producto del trabajo y de una búsqueda. No es algo que salga así sin más o en cinco minutos. Es algo a lo que darle vueltas una vez tienes el material o que tienes una melodía o un tempo. Y en base a eso, es trabajar, trabajar y trabajar. Yo el equilibrio, trato de buscarlo en cada cosa que hago, pero rara vez lo encuentro. En el caso de «La Grieta», creo que se hace justicia con la canción que hemos grabado en el estudio y con la idea que tenía yo en mi cabeza. Sí que hemos experimentado y probado con alguna sonoridad nueva. Así y todo, creo que, como dice el mismo Iván Ferreiro, «el equilibrio es imposible» [risas]. Hay que estar buscándolo constantemente.

    ¿Cómo has vivido todo el proceso creativo y compositivo de esta canción?

    El proceso a la hora de hacer esta canción, ha sido un poco como los demás, en el sentido de coger la guitarra y empezar a trabajar con una melodía. Sí que es verdad que, en estos momentos, yo estoy como investigando, y mi proceso de creación es como un poco heterogéneo: trabajo mucho sobre temas concretos, que me llamen mucho la atención. Lo cierto es que ha sido un proceso creativo normla, aunque lo que sí que me ha afectado ha sido lo del confinamiento, el no poder salir y no poder llevar a cabo ciertas rutinas. Creo que es algo que ha afectado en la vida diaria de todos, en mayor o menor medida.

    ¿Cómo ha sido la acogida por parte del público?

    Ha sido buena, la verdad. No suelo medir mucho la acogida en números, porque me parece frío, prefiero medir en sensaciones, aunque no sea algo tan certero. Pero la sensación y el feedback que me ha llegado ha sido muy positivo, creo que la gente ha conectado mucho. También nosotros, a nivel estético, hemos intentado tratarlo y trabajarlo mucho, con Dani Ballesteros a la batería, Estefanía Gómez al bajo, Javi Mora, Pablo Pulido. Ha habido mucha gente colaborando en esta canción y creo que eso se ha notado, porque el público ha recibido «La Grieta» muy bien, como algo fresco y como un tema diferente, ya que no suena igual que mi obra anterior.

    ¿Marcará «La Grieta» un nuevo inicio para Carmen Boza? Además, ¿es el primer paso de un futuro nuevo trabajo?

    Es cierto que para mí, «La Grieta» es como una especie de culminación de lo que venía haciendo. Creo que la gente que me venía siguiente desde «La Caja Negra» o incluso desde «La Mansión de los Espejos», lo ha podido apreciar, ver esa evolución. Ya a finales de 2019 publiqué «Un Golpe de Suerte», cuando nunca había sacado así un single como desmarcado de un disco. Fue ahí cuando comencé a cambiar un poco el paradigma. En el caso de «La Grieta», es un punto al que acabo de llegar y que también me parece bueno a la hora de empezar de nuevo. No tengo muy claro lo que va a pasar, pero seguimos buscando y trabajando.

    Tras el fin de gira de «La Caja Negra» y el parón del confinamiento, vuelves a los escenarios este verano. ¿Cómo afrontas estos nuevos conciertos y cómo te sientes tras los sold out de Madrid, Sevilla o Barcelona?

    La verdad es que lo afronto con mucha ilusión, aunque la nueva normalidad está siendo un poco rara y se vive todo con un poco de recelo. Pero también soy muy consciente, igual que todos creo, de que en cualquier momento todo puede cambiar, aunque esperemos que no sea así y que podamos ir avanzando poco a poco. En el caso de los conciertos, forman parte de esta normalidad y que, además, están asociados a mi trabajo y a algo que amo. Ahora, los que me vienen por delante, los espero con mucha aceptación y los preparo con mucha ilusión. Creo que en una situación como esta, cada evento gana aún más importancia. Y lo de Madrid, Barcelona, Sevilla y alguna ciudad más, lo afronto con ilusión, porque no dejan de ser ciudades por las que he girado mucho y se agradece mucho que el público siga ahí, apoyando el proyecto después de tanto tiempo. Y más ahora mismo, que se hace tan necesario el apoyo y el consumir cultura, músixa, siempre respetando todas las normas de seguridad.

    Más allá de estos conciertos veraniegos, ¿cuáles serán los próximos pasos de Carmen Boza?

    Pues ahora mismo, estamos promocionando este último tema, «La Grieta» y la verdad, es que ando muy expectante por ver cómo suena en directo. También quiero trabajar mucho el show en vivo, incorporar algunos elementos bastante nuevos, que me suponen retos. Y, por supuesto, tengo más música en el banquillo esperando para salir [risas].

    ¿Qué canción de Carmen Boza identifica mejor el momento en el que estás y por qué?

    Te diría «La Grieta», por el momento en el que ha nacido, un momento que nos ha afectado a todos por igual y del que no podemos escapar, porque es lo que hay. Y teniendo en cuenta que acaba de salir, creo que es la que mejor representa este momento, tanto estéticamente y musicalmente, como a nivel de mensaje. También hay otra canción mía que me representa y que creo que siempre me representará, que es «Sin Salida». Así que creo que diría estas dos.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Pues creo que dedicarme a ella [risas]. Dedicarme a la música ha sido y es una locura, he luchado por muchísimas cosas y ha hecho que lidie con mis inseguridades. Además, hay que estar muy pendiente para que no se coma completamente toda tu vida personal y para que no dependa tu identidad de ella. Es complicado articular todo, pero a la vez, es bellísimo y me da muchos momentos de felicidad. Así que bueno, está bien [risas].

  • Conociendo a Anabel Lee: avalancha musical que llega desde Terrassa

    Conociendo a Anabel Lee: avalancha musical que llega desde Terrassa

    Son jóvenes, pero tienen una fuerza arrolladora. Ellos son los egarenses Anabel Lee, quienes irrumpieron hace algunos meses con su particular versión de «Comprada», uno de los temas más reivindicativos de Pepa Flores, Marisol. Aunque con magistral destreza, recientemente lo han vuelto a hacer con la segunda de sus covers, atriviéndose esta vez por Don Patricio y su «Enchochado de Ti». Eso sí, en ambas ocasiones se ha apreciado claramente la personalidad y estilo de la formación. Versiones al más puro estilo punk pop. Punk pop que muy seguramente también podamos apreciar en su futuro álbum debut, en el que actualmente están trabajando, junto a Carlos Hernández Nombela a la producción.

    Con un rollo muy DIY (‘Do It Yourself’ o ‘Háztelo Tú Mismo’), la banda ha sido, sin duda alguna, uno de los grandes descubrimientos de las últimas semanas. Lo cierto es que ya apuntan maneras, a pesar de ser todos tan jóvenes. Y de batallar ellos solos por hacerse un hueco, por hacerse notar (y es que, entre otras cosas, son ellos mismos los que diseñan y crean sus propios videoclips). Como resultado: Anabel Lee han arrasado con todo en muy poco tiempo, como una potente avalancha musical y llena de actitud. Con tan solo dos versiones y un disco en camino, los de Terrassa han sido finalistas en concursos para bandas emergentes, como el reconocido Vodafone Yu Music Talent. Además, de ser seleccionados como Grup Cases de la Música 2020.

    Hace algunos días, pudimos hablar con Borja, Víctor, Jordi y Perdi. Los cuatro jóvenes llegan pisando fuerte y con muchas ganas de que hablen de ellos. Y es que mucha atención, porque esta bomba de relojería llamada Anabel Lee, está a punto de estallar y hacernos vibrar al más puro estilo New Wave, post punk, indie e incluso folk.

  • Paola Pinar: «La noche de San Juan fue una vía de escape y una terapia para mí»

    Paola Pinar: «La noche de San Juan fue una vía de escape y una terapia para mí»

    Conocimos a la joven zaragozana Paola Pinar hace apenas unos meses, durante este confinamiento, gracias al talent show organizado por el youtuber Ibai Llanos. «Ibaivisión» llegaba para descubrir talentos de todas las comunidades autónomas y vaya si nos los descubrió. Porque lo de Paola no es de este planeta: y es que con su primer single «La noche de San Juan», nos ha conseguido enganchar a todos. Una canción que supone el primer adelanto de su EP debut: «Mira cómo arde». Y hace unas semanas, pudimos hablar con ella: esto es lo que nos contó.

    «La noche de San Juan» ha sido tu single debut, ¿cómo surge la canción?

    «La noche de San Juan» la escribí después de unos meses complicados de salud, porque tuve un accidente y me rompí una vértebra. Para mí fue como una vía de escape, de hecho, la escribí pensando en el final del túnel, que llegaba justo después de la noche de San Juan, que era como la fecha en la que me quitaban la prótesis que llevé durante dos meses. Y es eso, la escribí a modo de terapia, para concienciarme de que ya no quedaba nada para el final.

    Además, este tema es adelanto del que será tu EP debut, «Mira como arde». ¿Qué simbolismo tiene el fuego? Porque parece un tema recurrente.

    Pues la verdad es que lo que quería hacer es dar una imagen de lo que yo soy y de lo que hago: eso es lo que he intentado un poco con todas las canciones, que tanto la letra como el sonido hablen de mí y me definan. Y en este caso, el fuego siempre me ha encantado y representado. Forma parte de mi imaginario y siempre recurro a él para hacer metáforas, para expresar mis sentimientos. Al final, es un hilo conductor entre las canciones y el mensaje que quiero transmitir.

    ¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo del EP?

    Yo me pongo a escribir cuando me viene algo a la cabeza: cojo papel y lápiz y lo plasmo, y con la guitarra le pongo música. Y este EP ha sido producto de varios años de trabajo y composición. Así que todo este proceso creativo ha sido muy espaciado en el tiempo.

    ¿Y cómo ha sido todo el proceso de búsqueda de tu propio sonido? Y en este sentido, ¿quiénes son tus referentes?

    Yo tenía claro que sería como un sonido fuerte, que contrarrestara con mi voz, que es más dulce. En todo este proceso, tenía referencias como Supersubmarina, Leiva, Zahara, porque consiguen justo lo que yo quería. Y es que me gusta mucho cuando la música intensa se contrarresta con una voz más suave o dulce. Me gustaba el efecto que se genera y es lo que yo quería. Partiendo de esta base, me puse a trabajar con mi productor. Sí que es verdad que al principio, casi todo el mundo me decía que yo no tenía una voz para hacer rock, que la tenía para hacer pop, con música más tranquilita. Pero yo quería otra cosa. Justo conocí a Gerard, mi productor, conectamos muy rápido y él enseguida entendió lo que quería y necesitaba hacer. Y la verdad es que con él, fue todo mucho más fácil.

    ¿Cómo fue trabajar con él, con Gerard?

    Pues muy fácil. Estuvimos dos meses trabajando en ello, aunque son solo cinco temas. Hemos invertido mucho esfuerzo, muchas horas, mucha dedicación, porque al final es un primera trabajo, una primera carta de presentación y los dos queríamos que saliera algo chulo de aquí. El proceso fue muy guay, porque Gerard es la caña: más que un productor, es un amigo.

    También quería preguntarte: ¿cómo fue la experiencia de participar en la primera edición de Ibaivisión y qué supuso para ti ganar?

    Fue todo muy rápido, fueron dos semanas o incluso menos desde que comenzó a moverse todo en Twitter. Y lo cierto es que fue muy guay, porque al final, estos concursos son muy complicados de ganar: todo el mundo se suma, se graba desde casa y lo sube a internet. Y claro, había gente buenísima, con un talentazo. Yo he participado en algún concurso de este tipo, nunca he tenido tanta suerte y lo veía muy complicado. Así que a Ibaivisión me apunté, pensando que por participar no perdería nada, pero poco más, no tenía muchas más perspectivas. Pasé como la primera ronda y llegamos a la gala, en la que tuve mogollón de problemas técnicos y lo pasé fatal. Se me quedó la espinita clavada de no haber podido hacerlo bien y no haber tenido los medios adecuados. Aún así, tuvimos la suerte de que el público podía escuchar nuestra canción a través de las plataformas. Y al final, sí que pude cantarla mejor, aunque fuera con el móvil, tirando de datos y sin cascos ni nada. Así que bien, pude quitarme esa espinita.

    De hecho, uno de los premios de este Ibaivisión era tener la oportunidad de grabar single y videoclip con Sony. ¿Qué supuso para ti?

    Pues es una oportunidad increíble y más nosotros, que estamos empezando. Este tipo de cosas nos ayudan un montón, porque en este punto, solo tenemos el apoyo de familiares y amigos, y los recursos que tenemos están bastante limitados. Así que, de repente, tener el apoyo de una major como Sony, a nivel de medios y repercusión es una locura.

    ¿Cómo ha afectado el confinamiento al proyecto de Paola Pinar y, ahora que estamos en medio de la nueva normalidad, cuáles serán tus próximos pasos?

    A nivel musical, he aprovechado para terminar cosas que ya tenía: para sentarme, mirar qué faltaba y darle un empujón. Aunque a nivel de composición, no han sido los meses más fructíferos, porque al final escribes sobre lo que vives y estando confinados, vives poco porque estás encerrado y te pasan pocas cosas, vives al día. Inspiración poca, pero mucho trabajo.

    ¿Qué canción identifica mejor el momento en el que estás y por qué?

    Ostras, pues tengo un problema. Siempre que me preguntan estas cosas, como: «¿qué canción o qué película eres?», nunca sé qué responder. Y es que tengo mala memoria y me cuesta mucho que me vengan a la cabeza. Pero quizás, diría «El Frío» de Zahara. Pero ya te digo, que soy malísima con estas preguntas [risas].

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Pues yo creo que producor y trabajar en mi disco. Pero ya te digo que primero, para poder llevarlo a cabo, tuve que hacer el crowdfunding e ir tirando de lo que tenía guardado. Fue como lanzarse de lleno a la piscina. Y es que los inicios siempre son duros y requieren una inversión muy grande. Y si vives sola, tienes gastos y tienes que invertir en tu música, todo con un sueldo microscópico…pues es complicado. Pero si no lo intentas, nunca sabrás si funcionará o no.

  • Aullido Atómico: «Hedonismo está repleto de canciones bastante críticas»

    Aullido Atómico: «Hedonismo está repleto de canciones bastante críticas»

    Era el mes de febrero cuando la formación valenciana Aullido Atómico presentaba su cuarto álbum de estudio: se trata de «Hedonismo». Un disco crítico a la par que directo que, por las circunstancias, aún no ha podido tener sus primeras puestas en escena. Pero no será porque Don Rogelio (voz y guitarra), Jussi Folch (bajo y coros) y Quique Gallo (batería y coros) no tengan ganas, no. De hecho, nosotras estamos seguras de que pronto podrán echarse a la carretera, aunque mientras tanto, pasamos un ratito leyendo la entrevista que le hicimos hace algunos días a Don Rogelio.

    ¿Cómo surge el concepto de «Hedonismo»?

    En realidad «Hedonismo» tiene un poco de mala leche, porque es un título irónico [risas]. Y es que las letras de las canciones de este disco son bastante críticas y tienen ese punto de ironía. Pero sí que es verdad que a la hora de sacar el título, que en ocasiones pueden ser complejos de sacar, estuvimos todos los miembros de la banda haciendo lluvia de ideas y puesta en común, para sacar un nombre que nos gustara a todos, que fuera potente y que englobara verdaderamente el concepto del disco. Entonces «Hedonismo» fue una palabra que nos gustó, porque parecía que remarcaba el carácter cínico del mensaje del álbum, pero de una manera sutil o sugerete, sin llegar a señalar con el dedo. Y es que hay quien se lo ha tomado como «hedonismo, a pasarlo bien» y es precisamente todo lo contrario.

    ¿Cómo fue el proceso creativo y compositivo del disco?

    Pues fue un proceso complejo, sobre todo a la hora de componer. Yo siempre digo que habría cundido más un grupo creativo o cultural que una banda de música. Sí que es verdad que, a lo largo de los años, la formación ha ido cambiado y lo que hemos dicho a los nuevos integrantes es que nunca diríamos que es lo que tienen que hacer, si no que íbamos a proponer y ampliar ideas entre todos, sin que nadie llevara la batuta y sin que los temas tuvieran una estructura fija desde el inicio. En mi caso, con las letras sí que no acepto nada, es como mi pequeña parcela [risas].

    En este álbum, os habéis encargado vosotros del trabajo de producción. ¿Cómo ha sido todo ese proceso?

    Pues ha sido un follón alucinante, porque nosotros normalmente siempre nos encargamos de la producción, pero nos apoyamos siempre en el ingeniero de sonido con el que trabajamos. Pero con «Hedonismo», que lo grabamos en los estudios Maco de Valencia, hemos trabajado con Oskar Benas, que es muy colega nuestro y ha trabajado con gente muy pro, y nos ha ayudado un montón. Nos ha dado como esa visión externa que necesitábamos, porque ha sido complicado: al haberlo compuesto todo nosotros, grabado y producido, estábamos con el oído un poco viciado. Y tener a alguien de plena confianza ayudándote y guiándote, es genial. Porque si es alguien de quien no te fías, nunca sabes si los consejos van a ir bien o si verdaderamente la otra persona sabe lo que quieres. Pero con Oskar nos entendemos muy bien, aunque también hemos tenido nuestras broncas por opinar o ver las cosas de diferente manera. Aunque eso es normal [risas]. Así y todo estamos muy contentos con el sonido y eso que estábamos preocupados por el tema de cambiar de estudio, porque con nuestro trabajo anterior, estuvimos en La Mina y entonces no sabíamso. Pero fue genial.

    ¿Cómo ha sido la acogida por parte del público?

    Pues no sabemos, porque no hemos podido hacer gira de presentación. De hecho, la semana que nos confinaron, íbamos a anunciar las primeras fechas del tour: entonces nos tocó cancelar casi todas y algunas siguen en el aire. Por eso no hemos podido hacer nada aún, ni un solo concierto. En el único sitio en el que hemos podido mover un poco ha sido en redes sociales, pero no somos muy de mirar estadísticas. Al final, notamos cuando funciona algo cuando salimos a la carretera y tocamos, pero como no lo hemos podido hacer, a ver si después del verano…

    Precisamente, la siguiente pregunta era cómo habíais llevado el confinamiento y cuáles serán la próximos pasos de Aullido Atómico.

    Pues lo hemos llevado fatal, la verdad, porque teníamos muchas ganas de ensayar y de salir a tocar y, de repente, nos lo cortaron todo. Igual a otra gente no le ha afectado tanto, pero a nosotros nos tocó mucho. Nos ha roto la dinámica de una manera bestial. Ahora, con esta nueva normalidad, sí que hemos podido empezar a tocar. Pero claro, todo eso sin saber qué vamos a hacer o lo qye va a pasar. Hay que ir paso a paso, con paciencia, viendo lo que pasa, pero sin hacerse demasiadas expectativas.

    «Hedonismo» ha sido vuestro cuarto trabajo, me gustaría saber cómo ha evolucionado el proyecto de Aullido Atómico desde que arrancó.

    Empezó como un dúo con mi amigo Alex, que tocaba conmigo en otra banda de punk rock, que se llamaba Desguace. Pero yo quería montar una banda que fuera más rollo rock and roll, con una raíz más blues y que fuese en castellano. Así es como comenzó este dúo que, con el tiempo, fue evolucionando, sumándose miembros y marchándose otros. Y aunque la idea inicial era esa, hacer rock and roll, conforme fueron entrando miembros, el proyecto cambió. De hecho, este último disco, aunque mantiene esa esencia con la que nació la banda, sí que es más pausado que otros. Pero ha sido una evolución natural, ni siquiera nosotros la hemos pensado. Pero mientras todo tenga una coherencia, pues mola.

    ¿Qué canción de Aullido Atómico define mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Ostras, esa me la tendría que haber preparado [risas]. Sin duda, sería una del último disco. Igual te diría «Algoritmo y esperpento», porque es un tema súper calmado, que es para tocar muy en bajito, rollo en acústico. Es una canción que disfruto mucho ensayando y tocando.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Pues dedicarnos a ella, sin duda [risas]. En mi caso, llevo muchos años tocando, pero con Aullido Atómico ha sido con la banda con la que más he girado, especialmente con el último trabajo, ya que quisimos tocar lo máximo posible. En total, creo que serían unos 200 bolos en un año. Eso nos sirvió para centrarnos más en la música que en cualquier otro proyecto que tuviéramos para subsistir [risas]. Y, bueno, fue la mayor marcianada que creo que hicimos [risas].

  • Conversaciones con Arde Bogotá: historia de cómo alzar el vuelo

    Conversaciones con Arde Bogotá: historia de cómo alzar el vuelo

    Con la llegada de «El tiempo y la actitud», los chicos de Arde Bogotá saltaron a la palestra hace apenas unos meses. Un EP que, en muy poco tiempo, los ha alzado a lo más alto, convirtiéndolos en una de las grandes bandas revelación de 2020. Y es que, además de todas las buenas críticas por parte de profesionales y público, los murcianos participaron en el Big UP 2019, en la fiesta de presentación de Sonorama en la Joy Eslava de Madrid y, también, fueron seleccionados por Sounds From Spain para participar en el Latin Alternative Music Conference (LAMC), uno de los festivales de referencia en USA. Pero no solo eso: su éxito está siendo tal que incluso llegaron a colgar el cartel de «entradas agotadas» en los poquísimos conciertos que la formación ha podido dar durante los primeros meses de este 2020.

    Con «El tiempo y la actitud», Arde Bogotá nos muestra toda una colección de canciones y un único concepto, que se mueve entre la seducción y la rabia, pasado por la irrelevancia y unas sinceras declaraciones de amor. Canciones y mensajes de lo más directos a la par que metafóricas, que se clavan como una flecha en nuestro interior. Ya lo demostraron con los primeros singles que, a modo de píldoras, los murcianos fueron soltando antes del lanzamiento de este EP debut. ¿Alguien más no puede quitarse de la cabeza canciones como «Antiaéreo», «Big Bang» o «Quiero casarme contigo»?

    Aunque las circunstancias han quebrado el plan que Arde Bogotá tenía para este año. Conciertos que han quedado en el aire, pero que esperamos que pronto puedan regresar con total normalidad. Un pequeño receso para una banda que apunta maneras y que va a dar mucho de lo que hablar. Mientras tanto, para amenizar la espera, podéis darle al play a la entrevista que les hicimos hace algunas semanas.

  • Conversaciones con Rafa Romera: regresa con su single «Como una gota»

    Conversaciones con Rafa Romera: regresa con su single «Como una gota»

    Con una carrera en total ascenso, el cordobés Rafa Romera sorprendió hace algunos días con el lanzamiento de su nuevo single «Como una gota». Una canción de lo más positiva, al igual que ya lo fue «Díselo a la vida». Una canción que nos muestra la esencia más pura de Rafa: esa alegría, ese carisma y ese buen humor. Un tema que, estamos seguras, se volverá a convertir en himno, pero en esta ocasión, traspasará las fronteras de Operación Triunfo y se convertirá en el gran cántico del verano. Todo ello, claro, con una particular manera de cantar al mundo y con una voz de lo más particular y rota: así es Rafa Romera.

    Aprovechando el lanzamiento de este «Como una gota», hablamos con el cordobés que, entre otras cosas, nos contó que escribió el tema durante el confinamiento: una especie de viaje que nació con la idea de despedir toda la mala situación que estábamos viviendo. Y, por supuesto, volver a empezar. Reiniciar. Renovarse. Como resultado, tenemos una canción pura y real, en la que demuestra que es más él que nunca.

    También hablamos sobre su inminente nueva gira, de la mano de Live Nation y que arrancará a finales de este año y que contará con cinco fechas en Córdoba (5 de noviembre), Sevilla (7 de noviembre), Madrid (19 de noviembre), València (20 de noviembre) y Barcelona (21 de noviembre). Una auténtica revolución la de Rafa Romera, que ya ha agotado entradas en prácticamente todas las ciudades por las que pasará. ¿Dónde nos encontrarem

    Además, nos hizo un adelanto de lo más especial: y es que en breves publicará su nuevo single, «Mi Rinconcito». Una oda al lugar más especial para el artista, el Rincón de la Victoria. ¿Qué?, ¿pensando todavía en darle al play? La entrevista está disponible en nuestro canal de YouTube.

  • Pan: «La Nada es una canción con la que nos sentimos muy identificados»

    Pan: «La Nada es una canción con la que nos sentimos muy identificados»

    Tras haber publicado su gran álbum debut, Pan cierran uno de los ciclos más importantes. Se despiden de «Instrucciones para el vuelo» con la publicación del videoclip de uno de los temas más importantes del mismo: se trata de «La Nada». Una verdadera joya que a nosotras nos ha encantado. Y a propósito de todas estas novedades, hace algunos días pudimos hablar con Teresa,

    «La Nada» ha sido vuestro último videoclip y me gustaría saber cómo surge toda la idea del clip.

    Sí que teníamos ganas de que esta canción tuviera un videoclip, porque era muy distinta de todo el resto del disco y para nosotros siempre ha sido especial. Y surgió porque estuvimos dándole una vuelta a la idea, y recordamos que Christopher Cartagena nos pidió que le cediéramos una canción para un corto suyo («Pareja caucásica sonriendo»). Así que aprovechamos para comentarle que queríamos grabar un videoclip y que queríamos trabajar con él. Coincidió que él hacía cine y publicidad, y quería meterse en tema de videoclips. Fue a partir de ahí, de hecho, fue él quien se encargó del guion. Y es que nosotros habíamos grabado ya clips del primer disco, pero fueron todos en directo y nos perdimos un poco ese punto de contar algo más, más allá de ver a la banda tocando en directo. Así que la idea de Christopher nos encantó, añadiéndose posteriormene a la dirección Fran Insúa y, nada, fuimos para adelante.

    ¿Cómo fue trabajar con ellos durante la grabación?

    Pues, sobre todo, fue increíble trabajar con todo el equipo que se involucró. Cuando Christopher y Fran se sumaron fue para hacerlo introduciendo todos los elementos con los que están acostumbrados a trabajar, pero para nosotros era la primera vez. Y es que hemos trabajado con un equipo más propio de una producción de cine, así que fue un placer poder estar codo con codo con ellos. Además fue una experiencia muy chula y gratificante.

    Comentabas que «La Nada» es un tema especial para vosotros, ¿en qué sentido?

    Pues hay canciones que no sabes muy bien explicar por qué, pero tienen algo que hace que establezcas una estrecha relación con ellas. Y quizás, hay temas del disco que sí que te pueda explicar el motivo, por ejemplo, porque están dedicadas a una persona. En este caso no hay un por qué tangible, pero es un tema que a todos nos gusta y con la que nos sentimos identificados, y es curioso, porque hemos visto que a la gente le ha pasado también un poco lo mismo. Una de las cosas que nos pasa a nosotros es que tenemos un espectro sonoro muy amplio, tenemos canciones más cañeras y otras más melódicas. Curiosamente, «La Nada» engancha mucho tanto a la gente a la que le gusta nuestra parte más cañera, como a la parte más tranquila. Y es algo que nos llama la atención, aunque la producción de este tema haya sido como más pop.

    Aunque ya lo has comentado un poco, precisamente la próxima pregunta era cómo había recibido el público este tema y su videoclip. 

    La canción es un poco lo que te comentaba. A nosotros nos gusta que las canciones traspasen un poco los límites de la producción y es que, idependientemente de estos arreglos, es como que tienen una esencia. Y con «La Nada» hemos visto un poco eso: como que tiene algo especial con lo que la gente conecta. Así que la respuesta del público ha sido muy positiva. Para nosotros ha sido muy bonito, porque es lo que nos pasaba de pequeños con otras bandas y que, ahora, la gente nos lo diga a nosotros. En cuanto al videoclip, la respuesta también ha sido muy guay, también porque el público ha dado las interpretaciones que ha considerado y, muchas de ellas, han sido sorprendentes.

    Este videoclip ha sido una manera de cerrar un ciclo, que empezó con la llegada de vuestro disco «Instrucciones para el vuelo». ¿Cómo habéis vivido todo este proceso?

    Ha sido un proceso de aprender muchísimo. Y es que sí que es verdad que todas las fases previas a la salida del disco (composición y grabación) ya los habíamos vivido y trabajado en otros proyectos musicales previos a Pan. Pero toda la parte que viene después de montar una gira o de crear los vídeos, es algo que desconoces y que vas aprendiendo sobre la marcha, porque es algo que nadie te explica. Es un proceso de aprendizaje total, es una aventura.

    En referencia a «Instrucciones para el vuelo», ¿cómo surge el concepto de este álbum?

    Pues al ser este el primer disco, no hubo una reflexión como muy conceptual de «vamos a hacer esto y que vaya sobre tal, tal y tal», si no que vas un poco sacando lo que te pide el cuerpo. Eso es lo que ha hecho que tengamos un abanico amplio de registros, siendo esa tendencia que tenemos a que nos salga un tema super rockero o una balada bonita. Así que lo que hemos intentado en este primer disco es reflejar todo eso, todo lo que nos estaba pasando, con una total libertad y sin cortar absolutamente nada. Tan solo queríamos que las canciones fueran buenas y ya. Y es que en este primer disco, de lo que se trata es de encontrar tu lenguaje o tu idioma.

    Ahora que estamos recuperando un poco la nueva normalidad, ¿cuáles serán los próximos pasos de Pan?

    Pues justo la semana que nos confinaron, íbamos a anunciar una pequeña gira que teníamos confirmada, terminando en la Moby Dick de Madrid. Así que nuestros planes eran presentar el disco en diferentes ciudades, pero al final eso no pudo ser, decidimos dejar parte de la gira para el año que viene y ver qué pasa con el tema de los aforos. Así que ahora estamos centrados en preparar las presentaciones del álbum para cuando las podamos realizar.

    ¿Qué canción de Pan identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Pues la verdad es que si esto me lo preguntas pasado mañana, te diría otra canción. Nosotros creemos que «Pupila», porque es un tema que esconde muchos pasajes. Y eso es lo que más nos gusta, esa capacidad de pasar del frío al calor. Así que, sí, te diría «Pupila».

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Como banda, creo que hacer una apuesta al 100% por el proyecto y más ahora, que la gran parte de trabajos son autosugestionados, porque el papel de las discográficas ha cambiado y cuesta más acceder, al no ser que hagas algo más comercial. Y claro, el punto de hacer las cosas como tú quieres y en el estudio que tú quieres, requiere de una inversión mayor, más esfuerzo y más tiempo. Tienes que condicionar tu vida, para involucrarte de esa forma en el proyecto: no puedes tener un trabajo normal con un sueldo normal, no puedes tener vacaciones, no puedes irte de cañas por las tardes con tus colegas porque tienes que currar con la banda. Entonces, para mí es hacer y dejar de hacer todas esas cosas por pasar tiempo haciendo lo que verdaderamente te gusta.

    (más…)

  • Bambikina: «Componer Túnel fue un proceso muy terapéutico»

    Bambikina: «Componer Túnel fue un proceso muy terapéutico»

    Ha vuelto y lo ha hecho con un EP conceptual que nos hace viajar a través de los diferentes estados de la ansiedad. Se trata de «Túnel», el último y magistral trabajo de Bambikina. Y es que si algo caracteriza este disco es que nos permite conocer a Esther Méndez, la persona que se esconde tras el alter ego. Un duro camino de dos años que ha tenido que recorrer hasta llegar a este preciso instante. Un camino que lo ha hecho acompañada de un gran artista como Depedro y una de las bandas que más nos ha enamorado en los últimos años, Club del Río. Y hoy, os presentamos la entrevista que le hicimos a Bambikina hace algunas semanas. ¿Queréis conocer mejor este proyecto? Pues pasad y leed sin miedo.

    ¿Cómo surge el concepto de «Túnel»?

    «Túnel» es un trabajo que nace a raíz de una experiencia personal y es que yo misma atravesé mi particular túnel, al sufrir un ataque de ansiedad hace un par de años y que me obligó a parar y a dejar los escenarios temporalmente. Entonces durante ese periodo de inactividad, surgieron este puñado de canciones, que quería que vieran la luz. Para mí, publicarlas era algo terapéutico. Y qué menjor nombre que «Túnel», porque además, el orden de las canciones en el disco tiene un sentido: arranca con temas más oscuros y, poco a poco, se van haciendo más luminosos. Como quien atraviesa un túnel y, al final, termina viendo la luz. En definitiva, es un disco conceptual que cuenta los transtornos de ansiedad que sufrí.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Túnel»?

    Al principio, cuando tuve la primera crisis, me desvinculé por completo de la música. Y es que los primeros ataques de ansiedad me vinieron sobre el escenario y aunque yo seguía tocando como si nada, notaba que algo se había roto. Así que cuando paré, estuve cuatro o cinco meses sin poder coger siquiera la guitarra, no quería saber nada de la músicia y necesitaba desconectar. Pero a partir del quinto mes, ya empecé a sentirme mejor y me inspiré mucho a raíz de un hecho muy curioso y premonitorio, y es que cada tarde, un pájaro negro se posaba en el aféizar de mi habitación. Eso sirvió para coger la guitarra y que naciera la primera canción del álbum, que se llama «Todos los pájaros negros». Para mí, componer este disco fue muy sanador, necesitaba tener un proyecto al que aferrarme, para mantener la ilusión. Así que coger una libreta, escribir «Túnel» en la primera página y centrar la cabeza en un nuevo proyecto, fue un proceso muy terapéutico, que me ayudó a superar la enfermedad.

    ¿Cómo ha sido la acogida por parte del público de «Túnel»?

    Pues la verdad es que cuando, antes de que viera la luz el álbum, lanzamos el primer adelanto, «Fe» junto a Jairo Zavala (Depedro), yo ya sabía que cantar con él era un regalo, también porque se encuentra en un momento increíble. Lo que no esperábamos es que el tema tuviera tan buena acogida: en el primer día, llegamos a las 10.000 reproducciones en Spotify. Y nosotros, que somos bastante pequeñitos y estamos creciendo todavía, flipamos porquee nunca habíamos tenido una repercusión tan grande. Con «Túnel» estamos consiguiendo números que nunca habíamos conseguido, así que estamos muy contentos.

    Además de la colaboración con Depedro, también participan Club del Río en este disco. ¿Cómo surgen y cómo fue trabajar con ellos?

    Yo tenía claro que, tras dos años de parón, este disco tenía que tener un gran peso emocional, porque para mí lo tenía. Así que decidí volver rodeada de amigos. Depedro era ya muy buen amigo, estudió la carrera con mi batería Javi Skunk y, de hecho, ya había colaborado con nosotros en otros trabajos, grabando alguna guitarra. Pero para este tema, sí que queríamos que estuviera y que cantara, por lo que implica «Fe», que habla un poco de la esperanza ante la adversidad. Fue muy fácil trabajar con él, en apenas una mañana. En el caso de Club del Río, más o menos igual. Son unos chicos muy talentosos, con los que ya había tenido la oportunidad de colaborar, ya que me han invitado a un concierto suyo. Así que ya existía mucha conexión entre nosotros. Fue curiosa la grabación de este «Hazme llorar un río». Vinieron al estudio a las 7 o las 8 de la tarde y estuvimos grabando toda la madrugada, hasta las 2 más o menos. La canción es casi chamánica y tiene ese punto tribal, perfecta para grabarla en el silencio de la noche. Que hayan colaborado estos artistas a los que admiro tanto, ha sido un verdadero regalo para el disco y para mí.

    Precisamente hablando de «Fe», hace muy poquito ha visto la luz el videoclip. ¿Cómo surge la idea y cómo fue la experiencia de grabarlo durante el confinamiento?

    Fue curiosa, porque en realidad vio la luz un par de meses antes de que llegara el confinamiento. Y la verdad es que fue algo premonitoria. De hecho, en otras entrevistas me preguntaban si la había compuesto durante estos meses, cuando en realidad tenía mucho más tiempo. La cree cuando estaba atravesando un túnel personal, pero vio la luz cuando todos estábamos pasando por un túnel global. Así que se ha convertido en un himno y en la banda sonora de muchas familias, así que de ahí surge un poco la idea, de que el propio público fuera el protagonista. Pusimos un anuncio en redes sociales y el resultado nos sorprendió a nosotros mismos, porque no esperábamos tanta respuesta.

    Hablando del confinamiento, ¿cómo ha afectado toda esta situación al proyecto de Bambikina?

    A nosotros sí que nos ha tocado de manera bastante fastidiosa, porque tras haber parado durante dos años, comenzábamos ahora a engrasar toda la maquinaria tras haber sacado el disco nuevo, nos obligan a parar de nuevo. Al principio sí que fue complicado y me frustré un poco, ya que además nos habían seleccionado para Girando Por Salas (GPS), que es un premio muy prestigioso y te da la oportunidad de actuar en diferentes ciudades. Y, claro, solo pudimos dar el primer concierto en Valladolid.

    Al final, te resignas y asumes que es lo que hay, porque la salud es lo primero. Pero claro, la incertidumbre ha seguid ahí, el no saber cuándo volverían los conciertos, ahora parece que vuelven pero en un formato un poco raro. Pero claro, todos los bolos previamente programados ya han quedado cancelados y, al final, no dejan de ser ingresos necesarios con los que contabas, desaparecen y te quedas sin respaldo. Fue un poco chasco en todos los sentidos, pero ya estamos aquí de nuevo, tratando de mover fechas. De hecho, la presentaciòn que íbamos a hacer en el Café Berlín de Madrid se ha pospuesto al 21 de noviembre y estamos deseando que no haya un rebrote y podamos hacerlo. Además, estamos tratando de reubicar los conciertos de GPS en las mismas ciudades, aunque con todo lo que está pasando, hay muchas salas que no saben qué pasará y no se quieren arriesgar a decir nada. Así que nada, poco a poco.

    ¿Qué canción de Bambikina identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Qué buena pregunta, porque a pesar de que hay un nexo en común entre todas las canciones, a medida que vas tocando y haciendo discos, tanto los temas como nosotros mismos vamos evolucionando. Quizás la Bambikina de antes estaba más enfocada al rock americano, del tipo Bryan Adams o Wilco. Sin embargo, la Bambikina de ahora está más influenciada por el folclore americano. En este sentido, las canciones que mejor nos definan ahora sean «Fe» o «Testamento», que es la canción que abre el disco y que muestra como nuestra faceta más negra, que creo que estará presente en nuestros futuros trabajos. Con «Fe», más o menos igual, ya que es una de las canciones cuya letra es muy evocadora. Y es que esto es algo que nunca antes había hecho.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Creo que desde siempre he hecho locuras por la música. Hace tres años, me contrataron en una agencia de publicidad, que es lo que estudié, estaba fija, ganando sueldo fijo todos los meses. Pero llegó un momento en el que el volumen de conciertos y el trabajo eran incompatibles. Así que, contra todo pronóstico y contra todo lo que me decían mis amigos y mi familia, me decanté por la música. Y es que sentía que el trabajo que tenía no era para mí y donde de verdad era yo era encima de un escenario. Dejé mi vida acomodada por una vida en la furgoneta, lo aposté todo por la música. Al final, creo que es más gratificante volver a casa con la tranquilidad de que estás haciendo algo que verdaderamente te gusta.

  • Berlín Texas y el emocionante viaje hacia «Puerto Escondido»

    Berlín Texas y el emocionante viaje hacia «Puerto Escondido»

    A finales del año 2019, Berlín Texas irrumpían dentro del panorama musical con su nuevo proyecto: la alianza perfecta entre Marta Tchai, Mario Barbero y Marcus Wilson. De hecho, la propia Marta, explicaba el nacimiento de la formación de la siguiente manera: «Para defender en directo mi último disco necesitaba una banda más rock así que me puse a llamar a todos los músicos que conocía hasta llegar a ellos. Después de unos meses tocando y viajando juntos, decidí proponerles seguir como grupo, que es lo que siempre quise tener». Una mezcla de estilos y un ecleticismo que encuentra su punto de unión en la música rock.

    Un proyecto imparable que ya sorprendió con el lanzamiento de su primer single «El Momento Crucial» como «un espacio neutro que diese la posibilidad al espectador de imaginar sitios concretos en su mente. En ese no-lugar nos encontraremos los tres, en una especie de ensueño», explican. A lo que añaden que este tema es «nuestra sala de juegos». Sin embargo, ahora, acaba de irrumpir con el segundo: y es que «Puerto Escondido» ya está aquí. Un tema que fue adquiriendo forma a principios de febrero de 2020, gracias a la producción de Raúl Pérez (Grabaciones en la Mina) en su estudio de Alcalá de Guadaira (Sevilla). Y es que si algo caracteriza «Puerto Escondido» refleja a la perfección el estilo del grupo, que publicará su álbum debut en breves, bajo el nombre de Berlín Texas.

    Un single, un trabajo y un proyecto que no deja de tomar forma y que, estamos seguras, no dejará de crecer. Un proyecto muy especial del que hablamos hace algunos días con Marta Tchai, quien se atrevió a responder a todas nuestras preguntas. ¿Preparados para escuchar y ver la entrevista que le hicimos a la artista? Pues dale al play y disfruta.

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