Era el mes de noviembre cuando publicaron su increíble segundo EP, «Sistemas Inferenciales». Se trata de la banda peruana Satélite Menor, quien ahora vuelven a estar en el ojo del huracán, al anunciar que este mismo viernes estrenan remezcla de «Maisaje», el tema que abre el disco.
«Tu ficción, tu instante perfecto. Yo te quiero, pero, la distancia es mejor».
Con este «Sistemas Inferenciales», Satélite Menor abrieron la brecha y nos invitaron de lleno, a sumergirnos en un intenso viaje sonoro lleno de dreampop melancólico y de reflexiones que evocan a la nostalgia, las dudas, las contradicciones y sobre todo a la reconciliación. Un disco de lo más personal, que ha sido producto del confinamiento, de ahí que se haga tan visible el balance emocional resultante de aquellos días. Las emociones tan particulares juegan mucho con las voces, guitarras, teclados y sintetizadores con los que la banda refleja su estilo oscuro, introspectivo y orgánico.
Producido, como es habitual, por Daniel Quiñones y Mynneza Morales, esta segunda entrega de Satélite Menor busca revalorizar la experiencia musical del disco completo, más allá de los singles, a modo de conceptos que se van sumando en las distintas canciones. «Sistemas Inferenciales» reúne la idea de distintos caminos o formas de análisis para buscar un balance. La portada, apoyada en colores sobrios y modernos, diseñada por Daniel Quiñones, muestra un árbol que representa los sistemas que se entrecruzan para conectarnos con el presente.
Ahora, tras la irrupción de este disco tan personal, Satélite Menor vuelven al ataque con este nueva versión de «Maisaje», a la que seguirán muchas más a lo largo de este año 2021. Y, por supuesto, no hemos podido evitar hablar con ellos y que nos contaran todos los detalles que envuelven este proyecto musical. ¿Queréis adentraros en su particular universo? Pues dadle al play.
Cuando el trap y el neo soul confluyen, tenemos como resultado todo el estilo y el flow que desprende Aiala en todas y cada una de sus canciones. Ahora, ya nos está allanando el camino hacia el que será su nuevo álbum, que llevará por título «2021: an Earth oddity» y verá la luz el 12 de febrero. Por supuesto, hemos podido hablar con ella y esto es lo que nos ha contado.
Para quien todavía no te conozca, ¿quién es Aiala?
Aiala soy yo, Jara Aiala y este es el proyecto que inicié hace ya un par de años. Aunque llevo toda la vida haciendo música, haciendo arte. De hecho, de pequeña bailaba, también me gustaba pintar y, posteriormente, empecé a estudiar música. Durante mucho tiempo también estuve dando conciertos en diversos bares y estuve haciendo covers. Hasta que comencé a sentir la necesidad de crear algo propio. Y ahí nació Aiala, que es mi segundo nombre. A nivel musical, este proyecto es una mezcla de todo lo que yo escucho: desde la música negra más clásica, el rock and roll, el blues o el jazz, hasta el trap, el pop y los sonidos más actuales.
El 12 de febrero verá la luz tu nuevo trabajo, «2021: an Earth oddity». ¿Cómo nace el concepto de este disco?
La verdad es que yo no dejo de crear música, así que justo después de publicar el primer trabajo, continué escribiendo y dándole forma a nuevas canciones. Y llegó el momento en el que tenía ya tantas cosas, que me senté y dije: «voy a ordenar esto un poco». Además, no es que empiece a crear por un concepto en sí. Más bien, me decanto por las letras que más me identifican en ese momento, aunque la canción en sí tenga dos años. En base a eso, a lo que me suena en ese momento, voy buscando un hilo conductor. Y es cuando le pongo música cuando se ve más claro. Posteriormente, en el estudio ya buscamos sonidos más concretos e hilamos a nivel musical. Dándole la puntillita, ya está todo el tema de la imagen, que la definimos al final.
Fotografía: Amparo Marín
¿Cómo has vivido todo el proceso creativo y compositivo?, ¿y cómo ha sido esa búsqueda de un sonido identificativo?
Pues hemos seguido un poco el camino que empezamos a hacer con el primer disco, en el que también trabajé con Chalart58. Pero incorporando todos los aprendizajes que hemos ido sumando. Y es que con el tiempo, tienes las cosas más claras o tienes menos miedo a la hora de experimentar, por ejemplo. Todo eso, te hace llegar a sonidos más elaborados a los que no llegarías de otra forma. Así que, a nivel creativo, ha sido muy divertido. Igual que lo bueno de los directos es el poder improvisar sobre la marcha, lo positivo de las grabaciones es el poder permitirte hacer lo que te apetezca en ese momento. Es como un juego de niños, es el momento de probar lo que te dé la gana y equivocarte.
«Fighting and learning» y «Face to face (Silence)» han sido los dos primeros adelantos, ¿por qué avanzar estas canciones, qué tienen de especial?
Cuando ya teníamos todos los temas grabados, con todas las personas que vinieron al estudio, tuvimos claro que el primer single que sacaríamos sería «Fighting and learning». Primero, porque me parecía muy otoñal (risas) y porque además, nos sonaba a todos super fresco. Hay temas que de la maqueta al disco, cambian muchísimo. Sin embargo, a este no le pasó eso. Realmente, lo único que ha cambiado es que en el estudio sí que estaban todos los músicos con los que grabamos no solo estábamos Chalart y yo. Entonces, suena muy fresco y creo que eso es algo muy difícil de conseguir, y más cuando llevas tanto tiempo trabajando en algo.
Luego está «Face to face (Silence)», porque tiene ese toque reivindicativo a nivel personal. Aquí hablo de esa necesidad del silencio y de estar solo de vez en cuando, porque muchas canciones nacen del silencio. Uno siempre necesita tiempo para pensar, para analizar quién es. Especialmente, en estos tiempos en los que normalmente vamos muy deprisa y apenas podemos frenar.
¿Cómo ha evolucionado Aiala desde «Nothing less than art» y qué supuso para ti este álbum debut?
Yo lo he vivido muy feliz todo, porque la música ha sido para mi una necesidad siempre. Pero también quieres que la gente lo escuche y a la gente le llegue. Entonces, el haber podido presentar este disco en los lugares en los que lo hemos presentado, o el que nos hayan nominado a diversos premios, es flipante. No es algo que yo me esperara, pero precisamente por eso estoy tan agradecida. Es una manera de sentir que reconocen tu trabajo.
Respecto a lo de la evolución, yo creo que evoluciono constantemente. Evoluciono como persona y en mi persona también está la artista, por mucho que intente separar lo profesional de lo personal. Al final, es inevitable, porque somos una. Y es que cuando empecé a trabajar en el primer álbum, tenía 21 años y ahora, tengo 24. Eso me ha hecho cambiar mucho, y todo in contar la pandemia de por medio, que también ha cambiado la manera de trabajar de todo el mundo. Que me gustaría que todo volviera a la normalidad, porque al final mi trabajo son los conciertos y con toda esta situación, está todo parado.
A pesar de toda la incertidumbre en la que estamos viviendo, ¿cuáles son los próximos planes que tienes en mente?
Pues tenemos algunas presentaciones del disco. El 7 de marzo estaremos en Reus, dentro del Black Music Festival (una fecha que ya nos aplazaron el pasado mes de marzo por culpa de la pandemia). El 16, visitaremos la Sala 0 de Madrid, por fin. Y el 17 de abril actuamos en La Nau de Barcelona, que es donde presentamos el primer disco. Todo ello, a la espera de ver cómo va la cosa y de si nos sale alguna fecha más.
¿Qué canción de Aiala identifica mejor el momento en el que estás y por qué?
Pues, ahora mismo, una del próximo disco que se llama «Give Me». Por decirlo de alguna manera, es una canción un poco frenética, que es como me siento yo un poco estas semanas con la salida del álbum (risas).
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
La verdad es que no lo sé, así como locura. Casi todo lo que hago, todo el rato, durante todo el día, durante toda mi vida, es por la música. Vivo por eso, realmente (risas). Mira, en el videoclip de «Fighting and learning» casi me abro la cabeza. Tanto a Sara (la actriz que protagoniza el vídeo) como a mí, nos tuvieron durante la grabación, atadas bajo la lluvia en Monegros. Y en una de esas, que íbamos en la furgoneta que aparece en el videoclip, resbalé y como iba maniatada, casi me abro la cabeza. Y todo eso por la música (risas). Pero bueno, al final, quedó bien el vídeo (risas).
Hace ya unos cuentos años, nos declaramos fans absolutas de Club del Río. Sus canciones, su estilo, su personalidad, lo que transmiten y cómo lo transmiten fueron la clave para que se convirtieran rápidamente en una de nuestras bandas favoritas. Desde entonces, los hemos ido siguiendo muy de cerca, vibrando al son de cada una las canciones que han ido regalándonos hasta este mismo momento. Ahora, por supuesto, ellos están de enhorabuena y nosotras, no podemos estar más felices. Y es que en el mes de febrero, verá la luz el próximo disco del septeto madrileño. «Lejos» está a la vuelta de la esquina.
Mientras, allanando el camino y dejándonos con unas irresistibles ganas de más, el Club nos ha sorprendido con los dos primeros adelantos de este inminente nuevo álbum. Primero fue «De una piedra», una canción que desde el minuto 1, nos invitaba a perder el miedo y a actuar antes de pensar. Y fue hace apenas unas semanas, cuando llegó el segundo single, «Arena Cósmica». «Hay una sustancia que atraviesa el universo y nos empapa. La realidad que percibimos con nuestros sentidos nos permite sentirnos parte de esa sustancia y nos conecta a un movimiento infinito. Lo que es grande se convierte en pequeño y lo que está lejos resulta estar más cerca de lo que creemos».
Es así como, con este nuevo trabajo bajo el brazo, también emprenderán una pequeña gira de conciertos que, por el momento, los llevará por diferentes ciudades como Madrid, Barcelona, Sevilla, Valencia, Valladolid o Donosti. Todo a falta de observar cómo evoluciona la situación y de que puedan llegar más confirmaciones.
Para que nos cuente todos los detalles que se esconden tras «Lejos» y para que nos explique un poco cuáles serán los próximos pasos de Club del Río, hablamos con Esteban de Bergia (vocalista y guitarra acústica). Y esto es lo que nos contó.
La conocimos gracias a Operación Triunfo y desde ese mismo momento, nos llamó la atención su voz, su talento y esa positividad e inocencia que emanaba desde el principio. Ella es la artista canaria Marilia Monzón, quien está de enhorabuena porque acaba de estrenar 2021 con su nuevo tema, «La vida empieza aquí». Una canción que la joven grabó en directo desde la misma Casa de Campo, y en la que nos invita a cumplir metas y a lanzarnos a por nuestros sueños. «Es un brindis por los nuevos comienzos. Es la alegría de encontrarse en el presente. Es la bienvenida al 2021. Alejarse del ruido y escucharse a uno mismo. Realizar un balance, aprender de lo vivido, y ver la oportunidad de cambiar las cosas con ilusión. Y es la esperanza como acción, el presente como motor de cambio».
Sin embargo, antes de sorprendernos con «La vida empieza aquí», Marilia irrumpió con «Trazando rutas», tema con el que inició su nuevo camino, su nueva andadura. Tema también especial para la canaria, ya que en ella refleja una experiencia muy personal e íntima, hablando de un accidente que sufrió cuando era mucho más joven. Así es como este single le sirvió de cura, le sirvió para recordar y cerrar esa cicatriz que siempre la acompañará. Sin embargo, supo sacar una visión muy positiva de toda la situación que sufrió y de la que terminó saliendo y recuperándose.
Aprovechando esta nueva etapa que Marilia Monzón está inaugurando, nos sentamos a hablar con ella. «La vida empieza aquí», «Trazando rutas», su paso por Operación Triunfo, cómo ha vivido este 2020, cuáles serán sus próximos pasos. La joven artista nos contó todas estas cosas y muchas más. ¿Queréis descubrir todos estos detalles que nos adelantó? Pues dale al play y disfruta de esta charla tan especial.
Es uno de los proyectos que más nos enganchó desde el mismo momento en el que lo escuchamos. Se trata de Afkar, quien acaba de publicar su nuevo EP, llamado «Dosis». Una delicia de disco, que esconde seis maravillosos temas en los que se ahonda en lo más profundo de la electrónica, fusionándola a la par con diferentes géneros, con creaciones únicas, emocionales y de gran calidad. Seis temas que van más allá de lo sonoro, cruzando también el límite de lo visual: y es que en torno al proyecto, el madrileño ha construido todo un universo, capaz de atraparnos. Un universo que ha sabido traspasar fronteras hacia lo visual. De ahí que todos los videoclips del artista hayan adquirido ese color tan «negativo monocromático» y ese estilo tan abstracto.
Por supuesto, en la concepción y materialización de todo lo que implica «Dosis» no ha estado solo, pues ha formado un increíble equipo con el DJ y productor, agitador de la noche madrileña, AREK. Además de haber colaborado en este EP con otros artistas como Smokey F, Sanaa, Tom Calde & Sauza Craya. Este trabajo conjunto ha dado como resultado un concepto muy bien definido y marcado, en gran parte influenciado por artistas como David Bowie, James Blake o Tino Casal.
Sin duda alguna, el de Afkar es una de las propuestas musicales más completas que hemos conocido. Y es que es músico, cantante, actor y bailarín. Ya ha demostrado todo su talento en teatros, estudios de grabación y TV durante mas de una década. Precisamente por eso y precisamente porque estamos maravilladas por este proyecto tan apasionate, hemos querido rendirnos ante Afkar. Él mismo nos ha desvelado todos los detalles de su propuesta musical. Mucha atención a todo lo que nos ha contado. Y a vosotros, ¿os ha gustado su música tanto como a nosotras?
Artista multidisciplinar y ecléctica donde las haya. Con una amplia formación como pianista clásica, ha trabajado como compositora de bandas sonoras de videojuegos. A caballo entre Catalunya, lugar en el que nació, y Noruega, lugar en el que vive. Emilia Rovira ha irrumpido en nuestras vidas con una propuesta musical revolucionaria. Una propuesta que tomó forma hace apenas unos días (el 15 de enero concretamente), con la llegada de «Amor i ràbia». Un álbum debut que nos hace viajar desde la indignación y la rabia, hasta los más puros actos de amor. El mejor ejemplo de que todo este cúmulo de dispares emociones pueden coexistir en un mismo momento y espacio, siendo ambas fuertes fuentes de inspiración.
Además, este «Amor i ràbia» es doblemente especial, no solo porque la artista leridana haya podido dar forma y voz a sus propias composiciones, también porque ha tenido la oportunidad de musical algunos de los poemas de su padre, el escritor Pere Rovira. La unión inquebrantable entre música y letras, que ha dado como resultado un disco redondo, repleto de sonidos acústicos y naturales. Y, por supuesto, llamado a convertirse en un trabajo discográfico intemporal y mediterráneo, cargado incluso de influencias de la música clásica y de la música de cámara. Sin duda alguna, una joya musical que, desde ya, forma parte de nuestros imprescindibles.
El gran colofón final tras el lanzamiento de este «Amor i ràbia» es poder presentarlo en directo. De hecho, será el próximo 19 de junio cuando la artista actúe en su ciudad natal, Lleida. La cita, que inicialmente estaba programada para el mes de febrero, tendrá lugar en el magnífico Auditori Enric Granados de la capital del Segrià.
Por supuesto, hemos aprovechado para hablar con la propia Emilia Rovira, quien nos ha desvelado todos los detalles escondidos tras «Amor i ràbia» y tras su increíble proyecto.
Lo conocemos por formar parte de El Niño de la Hipoteca y ser la cara más visible de la banda. Sin embargo, Guiu Cortés es mucho más que eso. Y es que lleva toda una vida dedicado por y para la música. Ahora, después de tantos años con la formación musical con la que lo conocimos, emprende un camino en paralelo. Todo para mostrar su faceta más personal en su proyecto en solitario, con el que ha editado ya su primer EP, «3 Héroes y 1 Villano». Por supuesto, ha sido él mismo el que nos ha contado todos los detalles sobre su nueva propuesta musical y sobre este trabajo.
Lo primero que me gustaría saber es cómo nace el concepto de este «3 Héroes y 1 Villano»
Era algo que me rondaba la cabeza desde hace mucho tiempo. Sobre todo, por la deriva rockera que había tenido El Niño de la Hipoteca estos últimos años, que es donde yo quería llegar, pero terminó pasando por un camino muy largo. Entonces, yo quería volver un poco a ese origen de cantautor que al inicio teníamos, ya que con la banda llegó a mezclarse por completo. Y yo necesitaba separarlo de alguna forma, aunque es cierto que vas creciendo y nunca das el paso. Pero durante el confinamiento, que tuve bastante tiempo para pensar, me decidí y me lacé. Pensé, «mira, tengo aquí varios temas, voy a empezar ya con esto y hago una separación».
¿Cómo ha sido volver a esos inicios y apartarte un poco de El Niño de la Hipoteca?
Pues hay como una sensación de «me he hecho mayor y ya no soy El Niño de la Hipoteca» (risas). Y es que yo soy Guiu Cortés, El Niño de la Hipoteca es una banda de rock en la que hay implicada ya mucha gente y en la que todo depende de todos menos de mí. A nivel de recuperar esos inicios, tampoco me despierta muchas sensaciones porque yo creo que es algo que no he perdido nunca, siempre ha estado ahí en El Niño de la Hipoteca, que al final no dejaban de ser dos proyectos en uno. Al final, es lo mismo pero bien clarificado. Pero sí que tengo esa sensación de hacerme mayor y de que tengo que evolucionar.
¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo de «3 Héroes y 1 Villano»?
Por un lado, una de las canciones, «El villano más malo», ya estaba en el «Operación Guitarra» de El Niño de la Hipoteca, lo que pasa es que no la había editado. Supongo que sería porque tenía la sensación de que no encajaba mucho ahí, pero bueno, el vídeo sí que está en el canal de YouTube. «Sombra Gris», por ejemplo, sí que la tenía pensada para la banda, pero no me terminaban de encajar. Y las otras dos sí que las compuse durante el confinamiento. Lo que sí que noto es que es todo más personal, más general y que, a nivel artístico, tiene como una parte más de ficción. Luego, aquí también trato como temas más personales y me puedo abrir más en canal. Es como otro espacio.
Para «3 Héroes y 1 Villano», te has rodeado de profesionales como Dani Tejedor (percusiones), Arecio Smith (teclado), Iván Torres y Miguel Pino (guitarras). ¿Cómo ha sido trabajar con ellos?
Pues mi idea inicial era hacerlo todo yo. De hecho, me he encargado de la producción, que es algo muy sencillito y acústico. También he hecho los bajos y las guitarras en su gran mayoría. Entonces, quería hacer también todo lo demás, pero tenía como muchas trampas de estudio, podía ir repitiendo tomas, hasta que consigues algo. Así que al final, he recurrido a Dani Tejedor, que es el batería de El Niño de la Hipoteca, para que me hiciera las percusiones y que pusiera las cosas en su sitio. Arecio Smith, que es colaborador habitual y ha ido apareciendo en más de un disco; Miguel Pino lo mismo, es el guitarra de la banda y es, además, quien ha mezclado el disco. En principio no iba a hacer nada, pero me dijo que no podía faltar una guitarra más por ahí (risas). Y, por supuesto, Iván, que es un amigo de la crew. Un día estábamos aquí y dijimos, «venga, tócate algo».
¿Cómo ha sido la reacción por parte del público?
Pues estoy contento, porque ha sido todo muy positivo. Todo el mundo le ve ese punto de diferencia, que es lo importante. No quería que la gente viera que es lo mismo, quería que se notara que son dos conceptos separados. Como puede ser Extremoduro y Robe. O tantos proyectos similares, que no son lo mismo la banda y la persona en solitario. Entonces la gente está respondiendo bien, le está gustando y en los conciertos han reaccionado también de manera muy positiva. Lo único que falta es seguir sacando material.
De hecho, si no me equivoco, estás trabajando ya en el siguiente EP. ¿Hay alguna cosa que nos puedas avanzar?
De entrada, habrá una canción rescatada de El Niño de la Hipoteca, de todas las que considero que se han quedado un poco fuera del proyecto y que están un poco olvidadas porque están en los primeros álbumes. Entonces quiero recuperarla, darle la vuelta y hacer una pequeña colaboración. No diré cuál es (risas). Aparte tengo un par bastante claras. De hecho, una de ellas me encanta. Es la típica canción que acabas y dices: «ole yo» (risas). Además, tengo otra con la que estoy dudando. Tengo también alguna canción en catalán que quiero sacar, otras que quiero reciclar e igual sale alguna nueva en los próximos meses. No tengo nada cerrado todavía. Sí que hay dos muy claras y otras dos que están por decidir.
Tienes ya algunas fechas de conciertos cerradas y me gustaría saber cómo las afrontas y cómo has tenido que adaptarte a toda esta situación COVID
Obviamente es un engorro todo lo que estamos deseando que pase ya. Yo la verdad es que he tenido meses complicados, de bastantes dramas por el camino, aunque ha tocado afrontarlos con dignidad y alegría. Entonces, la movida es que hemos tenido que buscar aforos similares a los que hacía normalmente, pero en espacios más grandes para garantizar todas las medidas de distancia. Lo que pasa es que es una ponzoña para todo el mundo el tener que estar sentado, con mascarilla. A mí me pasa cuando viajo y tengo que tirarme 3 horas en un tren o en un avión.
Ahora que 2020 ha terminado, ¿cuál ha sido tu mayor aprendizaje del año?, ¿y cuál es tu pequeño gran deseo para 2021?
El deseo generalizado creo que es acabar ya con toda esta situación y que eto se normalice, porque al final ya lo ansiamos todos. En 2020, me han pasado cosas chungas, como a todo el mundo. Nos ha afectado a todos, aunque no de la misma forma, y es que a nivel profesional, familiar y emocional, hay quien ha pillado más. En mi caso, ha sido un año maravilloso, porque fui padre en 2019 y pasar un año en casa con ella, viendo como crece, ha sido maravilloso. Aun siendo un año peculiar y malo, a nivel personal, es lo mejor que me ha pasado en la vida. Es que es lo que decía, me he hecho mayor (risas). 2020 ha sido un año de reencuentro conmigo mismo y con la familia. Me lo he pasado muy bien.
¿Qué canción de Guiu Cortés identifica mejor el momento en el que estás y por qué?
De este EP, la que más define la situación en la que estamos es «Sombra Gris», que fue la canción que escribí durante esos nueve meses de creación de una criaturita humana (risas). Es un proceso muy bonito, de muchas emociones y en el que, sobre todo, te estás armando de paciencia, solo esperando, esperando, esperando a que llegue. Lo que pasa es eso, que es una canción que habla tanto de esperar, que es extrapolable a lo que estamos viviendo ahroa mismo. Estamos con la mirada fija en el horizonte, ansiando ya que llegue el final y que todo vuelva a la normalidad.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
A ver, indirectamente, he cometido muchas locuras que han alimentado canciones posteriores. Ahora, vuelvo al tema recurrente, soy un señor mayor (risas). Pero he tenido una vida tan alocada en todos los sentidos, en los buenos y los malos, que llevar tu vida al límite en determinados momentos, te abre todo un abanico de experiencias y cosas de las que hablar. Y de una manera u otra, esas cosas se han terminado convirtiendo en canciones. Todo ello, sin darme cuenta. Eso sí, las locuras no se pueden contar (risas). No por nada, sino porque en muchas no quedo yo muy bien, y en otras hay gente implicada (risas). También son locuras entrañables.
Hoy viajamos hasta Brooklyn (Nueva York) para sumergirnos en la música de Speakeasy Streets, una ecléctica banda que baila al son de nuevos sonidos y otros más clásicos. Swing y Gypsy Jazz mezclado a la perfección con Hip Hop y un toque punky. Un estilo de lo más personal, al que ellos han querido llamar Gyp-Hop. Un estilo de lo más personal, que ha dado como resultado un increíble primer álbum, «Back Alley Beats». Y es que desde que viera la luz el pasado viernes 15 de enero, estamos completamente en bucle con él.
Desde que comenzaran su andadura en 2016, la formación no ha dejado de crear y de innovar. No es para menos. Viven en una ciudad de lo más diversa, caldo de cultivo de la cultura, del arte, de la música. Además, todos los miembros de la banda son de países dispares, desde Francia hasta la misma Nueva York, pasando también por Sudáfrica, Chile o Israel. Así que la multiculturalidad y la sublime mezcla de estilos, influencias, referencias y personalidades están más que servidas.
«Tenemos un objetivo y es hacerte sentir vivo. Cogemos elementos populares de la música del pasado porque eso funcionó. Eso es lo que hace a la gente levantarse y expresarse, y esa es la razón por la que tocamos», explica el contrabajista y cantante Yoni Benshlomo. Una esencia que han sabido reflejar perfectamente en su álbum debut, que además, ha contado con colaboraciones especiales, como las de Pdrito de Gogol Bordello y de Etai Benson.
«Nuestra música cuenta una historia», dice el MC de la banda, Repitwa. «Estamos aquí para demostrar que toda la gente es importante y que toda la gente que vino antes que nosotros ha importado. Por eso hay que estar abierto a nuevos sonidos».
Fue el mismo día del lanzamiento de «Back Alley Beats» que hablamos con ellos y, la verdad, es que fue un auténtico regalo. ¿Quieres conocer desde dentro a Speakeasy Streets? ¡Pues dale al play!
Es una de las grandes promesas del pop nacional y su nombre no deja de resonar con fuerza. Se trata de la artista gallega asentada en Madrid, Yoly Saa, quien con su sensibilidad y su voz tan particular, no deja de escalar en el camino hacia nuestros corazones. Un talento que ya demostró el pasado 2020, con la llegada de su primer EP «Magma», el cual llegó en el momento en el que más necesitábamos. Un talento que se sumó al de Nil Moliner en «Por última vez», que acumula ya más de 600.000 reproducciones en Spotify. Un talento que ha vuelto a hacer aparición, de nuevo en solitario, en «El exilio», su última y catártica canción, que a su vez supone el inicio de una nueva etapa para ella.
«El exilio», la más reciente joya musical de Yoly Saa
Con una sensibilidad y una verdad que abruman, Yoly Saa sorprendió de nuevo hace apenas unas semanas con su nueva joya musical «El exilio», en la que canta al amor, al desamor, pero sobre todo, a esa incesante necesidad de huir cuando estás sumergida en una relación de pareja que no te hace bien, ya que se ha tornado totalmente tóxica. De hecho, el día que lanzó el tema, escribió en sus redes sociales: «No me da miedo decir que es una de las mejores canciones que he hecho hasta la fecha. Ojalá os haga ver que no podemos quedarnos donde nos quieren mal». Un discurso personal con el que sentirnos identificados, pues todos hemos atravesado alguna vez una situación similar. Una canción que marca un antes y un después para Yoly Saa.
¿Y quién no querría sentarse a hablar con ella para que nos diera los detalles sobre su proyecto? Nosotras lo hicimos hace apenas unos días y estos fueron los detalles que nos desveló. ¡Atención, dadle al play!
Llevamos enganchadas a ellos años y años. Imposible no estarlo. Desde que escuchamos la primera canción de La M.O.D.A, fue amor a primera escucha. Ahora, acaban de publicar «Ninguna Ola» y el efecto ha sido exactamente el mismo. Así que aprovechando este hecho, hemos aprovechado para charlar un ratito por teléfono con Nacho Mur, guitarrista de La Maravillosa Orquesta del Alcohol. Y esto es lo que nos ha contado.
¿Cómo surge el concepto de este «Ninguna Ola»?
Pues llevamos trabajando este disco desde 2018. De hecho, estuvimos compaginando la composición de las canciones, con la gira de «Salvavidas (de las balas perdidas)». Así que han sido dos años muy locos, porque estábamos los fines de semana tocando y entre seman, trabajando en el local. Es un álbum que ha tenido un proceso largo, porque en 2018 empezamos nosotros, en 2019 entró Raül Refree a trabajar con nosotros y producir los temas y seguimos dándole vueltas hasta que entramos a grabar a principios de 2020, antes de que sucediera todo esto.
«Ninguna Ola» refleja un poco el momento en el que estamos nosotros, las vueltas que le damos a todo, a los sonidos, los cambios que hemos experimentado todos como personas y como grupo, a todo lo que vemos a nuestro alrededor. De ahí viene también el título, a que ninguna ola es igual a otra, de que todo está en continuo cambio y movimiento.
De hecho, se aprecia que «Ninguna Ola» es un disco bastante más introspectivo, en comparación a temas como «Héroes del sábado» o «1932». ¿Cómo habéis vivido ese momento de mirar más hacia dentro?
Bueno, cada álbum es el reflejo del momento que está viviendo la banda en esos años, en esa época. Es cierto que lo que comentas nos lo ha dicho mucha gente, pero nos pasa en todos los discos, siempre es como «menudo cambio respecto al anterior, a ver qué tal». Entonces no sabemos muy bien qué es La M.O.D.A, todo al final, ¿no? Está claro que «Nómadas» no se parece a «Héroes del Sábado», ni «Héroes del Sábado» a «93compases». Siempre intentamos darle la vuelta, reinventarnos, para no aburrirnos y para ir experimentando. Claro, no vas a hacer siempre lo mismo. Intentamos motivarnos en el local, buscar la emoción desde otros lugares, no repetirnos. No es tampoco una cuestión muy pensada, creo que es más bien una evolución natural. Realmente estamos muy contentos.
Lleváis trabajando en «Ninguna Ola» desde 2018 y ha nacido en medio de vuestra anterior gira. ¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo?
La verdad es que trabajamos siempre así y hemos compuesto todos los discos de esta manera. No es que digamos: «venga, vamos a hacer un parón para componer». Siempre hemos compaginado ambas cosas. De hecho, como pasamos tanto tiempo en el local, aprovechamos para ensayar y a su vez, ir avanzando en la composición.
Con «Ninguna Ola» empezamos tranquilamente en 2018. Tampoco es que estuviéramos cada semana cerrando una canción, ni mucho menos. Pero sí que empezamos a sacar algunas ideas, darles vueltas, probarlas todos juntos en el local. Al final somos siete y nos gusta hacerlo todo bien, buscar el punto exacto, introducir todos los elementos. En 2019, ya entró Raül a trabajar y ayudarnos con la producción, preparando y arreglando las canciones hasta el punto en el que están ahora.
¿Y cómo fue el trabajo con Raül Refree a la producción?
Con Raül hemos trabajado anteriormente y lo cierto es que estamos muy contentos con el resultado. Sí que es cierto que ha sido un trabajo difícil, como creo que tiene que ser el trabajo con un productor. Nosotros siete tenemos muy claro lo que queremos y lo que no queremos, y Raül también tiene su punto de vista como productor y como músico. Él tiene también una personalidad muy marcada en todo lo que produce, y nosotros igual. Ha sido un poco un tira y afloja, pero ha aportado ideas muy buenas. Sobre todo por lo que queríamos hacer con «Ninguna Ola»: queríamos desnudar más las canciones, de llegar al estribillo y no tocar todos a tope, de buscar la emoción de otra manera, volver a la esencia, de que haya menos elementos pero que suenen de una manera más cruda. Y Raül es un experto en todo ello. También nos ha empujado a grabar en directo, sin claqueta, como pasa en el local o en un concierto. Con eso, hemos conseguido que las canciones estén más vivas.
«Ninguna Ola» vio la luz el 11 de diciembre, ¿cómo ha sido la acogida por parte del público en este mes?
Pues ha sido increíble, la verdad. Lo cierto es que yo pensaba que iba a haber mucha polaridad entre gente a la que le iba a gustar y gente a la que no. Sí que es cierto que con los singles hubieron opiniones más diversas y gente que decía que echaba de menos el folk. Pero creo que cuando se escucha el disco al completo, se entiende el concepto. Y es que creo que es un disco muy emocionante, y aunque no somos muy de ponernos nuestros discos [risas], pero hay veces que lo escucho para estudiar y repasar, y me emociono. Creo que es porque también tiene un punto extrapolable a la situación actual, aunque no tenga nada que ver, y la gente conecta mejor con él. Por eso digo que la respuesta ha sido brutal, también para un grupo como nosotros, que no es que tengamos un nivel altísimo de escuchas. Evidentemente, hay gente a la que no le gusta, tiene que ser así, pero la acogida en general, ha sido muy buena.
Lleváis mucho tiempo trabajando en «Ninguna Ola» y ya tocaba que viera la luz, pero ¿cómo ha sido publicarlo en medio de toda esta situación?
Por un lado, estamos muy contentos porque teníamos muchas ganas de sacarlo. Pero por otro lado, estamos un poco frustrados por no poder presentarlo en directo como nos gustaría. Siempre que hemos publicado álbum nuevo, presentamos una decena de fechas y ahora estamos, entre preocupados por la situación mundial y por nuestro gremio, que no tiene mucha perspectiva. Es cierto que, en esta ocasión, tuvimos que retrasar de septiembre a diciembre la salida de «Ninguna Ola», pero tampoco podíamos retenerlo mucho más tiempo. Así que tocaremos donde podamos y donde nos dejen, a causa de la situación que estamos viviendo, porque las cosas están como están.
De momento, habéis confirmado conciertos en Madrid y Barcelona. ¿Cómo afrontáis estas fechas y cómo os habéis tenido que adaptar a esta nueva situación?
Partimos de la base de que ahora queremos tocar, como sea y donde sea. Mientras que antes, queríamos ampliar el equipo y ofrecer un espectáculo mucho más grande y mejor. En estos momentos, es imposible poder hacer todo eso, pero sí que queremos ir con todos nuestros técnicos. Si no se puede, pues trataremos de adaptarnos. Pero queremos mantener el formato y, por supuesto, iremos los siete. Por lo demás, estamos a la espera de ver qué podemos y qué nos dejan hacer. De momento, hemos confirmado estos dos conciertos, porque son los que seguro podamos hacer, aunque no hay nada seguro en la vida. Por eso no hemos cerrado más fechas, porque no queremos tener que cancelarlas en unos días, después de que la gente se haya montado todos sus planes. Así que queremos hacerlo con cuidado y cautela, pero queremos tocar todo lo posible.
También quería aprovechar para preguntar por el arte del disco, que es otra de las cosas que me ha llamado la atención, porque es muy elegante y muy minimalista. ¿Cómo surge todo el concepto?
A nosotros es que nos gustan mucho los discos, pensarlo todo, darle una vuelta a las canciones y al orden. Creemos que hay que cuidar todo el objeto en sí, a pesar de que corren unos tiempos en los que la gente sube sus temas a Spotify y ya está. Pero nosotros seguimos apostando por ello, nos gusta y seguimos consumiendo discos, así que queremos cuidarlo todo. No vas a dejarte todo tu dinero en el estudio, en la grabación, en la producción, en la masterización, y luego vas a descuidar el papel de regalo, el paquete que lo envuelve. Le damos mucha importancia a eso. En este caso, hemos tenido la suerte de trabajar con un ilustrador, que se llama Emba y luego, José Houdini, que se ha encargado de todo el diseño, y que desde el principio, ha entendido todo lo que queríamos y buscábamos. Y es que el disco sigue mucho la línea de lo que hemos hecho con las canciones: el buscar la emoción con menos elementos. Estamos contentísimos. Creemos que lo de dentro refleja muy bien lo de fuera y viceversa.
Ahora que 2020 ha acabado, ¿cuál es el mayor aprendizaje que os lleváis y cuál es vuestro pequeño gran deseo de cara a 2021?
Aquí cada uno te diría una cosa. Pero como grupo, creo que me quedo con que nada es seguro. Ni siquiera lo que considerábamos normalidad, que era sacar un disco y al instante, salir a la carretera para poder presentarlo. Ese era nuestro trabajo. Sin embargo, te das cuenta de que eso, de que nuestro oficio, nuestra manera de vivir, puede desaparecer de un día para otro. Personalmente, evidentemente, hay cosas mucho más dramáticas e importantes. De cara a 2021, lo que deseamos es poder trabajar de nuevo, el poder consumir cultura de nuevo y que todos los puestos de trabajo de nuestros compañeros, vuelvan a la normalidad. Y es que con la situación actual, me parece impensable que puedan surgir nuevos grupos. Creo que está tan difícil…pero también es necesario que todo vuelva.
¿Qué canción de La M.O.D.A refleja mejor el momento en el que estáis y por qué?
Esto es respuesta de futbolista [risas], pero yo te diría que todo el disco, «Ninguna Ola». Porque al final es un reflejo del momento en el que estamos. Además, de que si te lo escuchas de arriba a abajo, se ve que define a la perfección lo que somos ahora y lo que estamos viviendo, incluso mirándolo desde la perspectiva actual, aunque las canciones llevan escritas mucho más tiempo.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Pues yo creo que dedicarnos a esto [risas]. Es una locura absoluta y un milagro que siete chavales de Burgos estemos viviendo y tocando las canciones que hacemos. Es una locura y más ahora. Y, por supuesto, el seguir queriendo vivir de esto. Es muy loco, pero vamos a ello. Estamos muy felices y somos unos absolutos privilegiados.
Llevamos apenas unos días de 2021 y no deja de sorprendernos con nuevas propuestas musicales. Máximo Pájaro está aquí para enamorándonos con su música. Por el momento, ya ha irrumpido con «Líneas rojas», primer single de adelanto del que será su álbum debut. Un debut que será nuestro a lo largo de este año que acabamos de arrancar.
La canción ideal para abrir paso a este proyecto mágico. Y es que «Líneas rojas» nos hace viaja a través de la naturaleza, gracias a todas esas delicadas texturas musicales y esa letra que llega directa al corazón. Por supuesto, ha llegado acompañada de un espectacular videoclip, grabado a principios del mes de noviembre en la sierra de Madrid y dirigido por la productora Pico de Gallo. En propias palabras del artista, «el videoclip expresa que en nuestro camino nos vamos a encontrar multitud de líneas rojas que van a hacer complicado nuestro viaje vital». A lo que añade: «tenemos la opción de cambiar de dirección o de atravesarlas. Esto simboliza que, al atravesar las líneas rojas, puede que suframos o encontremos dolor, pero el resultado a la larga será de renacer y comprender que el camino continúa si las cruzas. Pues estamos rodeados de personas que nos ayudarán a ello para finalmente poder vivir más libres del pasado».
Por supuesto, nos hemos sentado a hablar con él. Desde el otro lado de la pantalla, Manuel Martínez aka Máximo Pájaro nos ha contado todos los detalles del proyecto y de todas las cosas que están por venir. ¡Atención a todo lo que nos contó! Y no lo perdáis de vista, porque promete ser uno de los grandes descubrimientos de 2021. A nosotras, por lo menos, nos ha ganado por completo con este primer tema, «Líneas rojas». ¡No vemos el momento de descubrir su disco al completo!
Se ha alzado poco a poco como un auténtico fenómeno de masas. Artista, músico y productor. Se trata del joven catalán Vic Mirallas, que durante todo este 2020 no ha hecho más que regalarnos sus pequeñas píldoras musicales y de curarnos el alma con sus pequeños grandes bálsamos. Así es como hemos ido cantando y bailando, al ritmo de canciones como «Mi condena», «Todo cambia» con Don Patricio, «Inocencia», «Sin tierra crecer» junto a Muerdo, «Late mejor» en colaboración con Camilo o la última, «Plan B».
Unas canciones que bailan entre diferentes géneros musicales como la música urbana, el pop, la electrónica e incluso del jazz, y que tienen múltiples influencias de artistas como James Blake, Tom Misch, Jamie Cullum John Mayer o Jacob Collier, entre muchos otros. Unas canciones que no hacen más que afianzar al artista, que a pesar de su juventud, ya acumula miles y miles de reproducciones en plataformas digitales. Unas canciones que suponen un nuevo paso al frente, acercándonoso así a su futuro e inminnente nuevo trabajo discográfico.
Además, el espíritu emprendendor y creativo de Vic Mirallas no se queda aquí, va muchísimo más allá. Y es que, en paralelo a su carrera artística y su proyecto en solitario, también se está desarrollando como productor musical, llegando a trabajar mano a mano con artistas como Natalia Lacunza, Alba Reche o Flavio Fernández de las nuevas generaciones de Operación Triunfo.
Es maravilloso sentir la música como la siente él, que lleva desde bien pequeño dedicándose a ella. Precisamente por este motivo, terminamos encantadas después de hablar con él. Y es que es el propio Vic Mirallas el que nos habló de su proyecto, con todo lujo de detalles. Además, nos dio las primeras pistas de todo lo que está por llegar. ¿Vosotros habéis caído ya en sus redes? Pues dentro vídeo.
