Los tres han formado la alianza perfecta. Siendo la primera vez que trabajaban juntos y con un talento desbordante que los avala, Edu Requejo, Cya Kalei y VLVT unen fuerzas e irrumpen con «Sin avisar». Un tema llamado a convertirse en el hit que necesitamos en estos mismos momentos, y que apuesta por la mezcla de géneros, ahora como el urban y el nuevo pop. Y es que es una canción que refleja y da voz al rencor y la culpabilidad. Una historia interpretada por los artistas en un dúo, en el que las voces de Edu y Cya se complementan a la perfección. Todo para cerrar con el trabajo de VLVT a la producción y composición de la parte instrumental.
Además, la publicación de este single viene acompañado de un videoclip producido por la agencia creativa santanderina INFLUX Music Hub, y que ha contado con la dirección de NLGB, quien ha trabajado con artistas de renombre como Nathy Peluso,Dellafuente o Don Patricio.
La canción perfecta para comprobar lo bien que casan las voces de dos artistas tan diferentes como talentosos. Desde Edu Requejo, quien continúa ampliando horizontes con seis singles a sus espaldas, incluída «Sin avisar». El artista barcelonés es el claro ejemplo de eclecticismo, y es que cada uno de los temas que ha ido publicando reflejan un estilo diferente, desde afropop, salsa o bossanova hasta gnawa o incluso dembow. Hasta Cya Kalei, joven artista que vive a caballo entre Madrid y Santander, lugares entre los cuales está desarrollando su carrera. Una carrera que la llevará a explorar lo inexplorado y que no hará más que sumarle éxitos a las espaldas, y sus dos primeros singles son buena prueba de ello («Things We Can Do» y «Katarsis»). Pasando por VLVT, joven artista, productor e ingeniero de audio afincado en la capital. Si bien tiene raíces en la electrónica, el garage de UK y el grime, tiene una capacidad innata para crear y para experimentar con diferentes géneros, como también el hip hop, trap y la música urbana pop moderna.
Un pequeño testeo de este temazo, del que ellos mismos nos han contado mucho más. Edu Requejo, Cya Kalei y VLVT nos adentran en el universo de «Sin avisar». Dale ya al play.
Desde Venezuela, nos ha llegado una propuesta musical de lo más personal y especial. Alguien que está revolucionando todo el panorama allí y que, estamos seguras, que pronto lo hará aquí también. Él es Simon Grossmann y acaba de presentarnos su nuevo single «Patineta». Un tema que se concibió durante la cuarentena y que nos transporta de lleno a esos momentos en los que éramos libres y nuestra única preocupación era disfrutar del verano.
«Durante el encierro me permití hacer música sobre lo que quería estar viviendo mas que aferrarme a la situación por la que todos estábamos pasando. Patineta habla sobre ser libre y desconectarse de lo habitual, sobre estar afuera y respirar el aire fresco. La letra del tema puede variar en significado pero la intención al escribirla fue proponer imágenes que nos recuerden a días mejores cerca del mar».
Un tema fresco producido mano a mano junto a Jose Luis Pardo «Cheo». Un tema fresco que ha llegado cuatro años después de que lo hiciera su primer álbum, el que lo encumbró. Y es que con «Ciclo», consiguió lo nunca visto: y es que alcanzó más de 3 millones de reproducciones gracias tan solo al boca boca. De ahí que se haya alzado como una auténtica revolución musical, que cuenta con más de 350.000 oyentes mensuales en Spotify y con más de 20 millones de reproducciones en sus canciones.
Sin duda alguna, Simon Grossmann conseguirá convertirse en uno de nuestros artistas top, tanto que no solo nos ha enganchado con su música, también con toda la personalidad que desprende cuando hablas con él. Y es que hace algunos días, charlamos con él sobre su proyecto, sobre «Patineta» y «Ciclo», y sobre los próximos planes del artista. ¡Dale al play!
´Móntate a mi patineta, el verano queda cerca, móntate y ya lo verás».
Era 2018 cuando vio la luz su primer EP, «Pobladores del suelo, las nubes y el mar». Tres años después, Kike M está dispuesto a regalarnos su nuevo álbum, que comenzó a preparar el pasado año y que será nuestro tras una exitosa campaña de crowdfunding. Sí, «Antipersonal» está a la vuelta de la esquina. Y sí, «Destellos» ha sido la primera píldora de este trabajo con la que ha arrasado. Mientras tanto, hemos aprovechado para charlar con él un ratito y esto es lo que nos ha contado.
Para quien todavía no conozca el proyecto, ¿quién es Kike M?
Kike M es un músico y compositor salmantino atrapado en Madrid que lleva subido a los escenarios desde hace más de 15 años pero que está a punto de publicar su primer disco. Creo que soy un rockero con corazón de cantautor que necesita hacer canciones como respirar. También soy un gran amante de las Bellas Artes.
El último tema que hemos podido escuchar, ha sido «Destellos». ¿Qué tiene de especial esta canción para haberla presentado como adelanto?
Compuse «Destellos» en un momento vital en el que tuve que tomar una decisión difícil pero de la que, con el tiempo, no me he arrepentido. Es una canción de cambio de etapa y además es uno de los temas con los que más cómodo me siento en directo. Me pareció una buena forma de decir: «¡Este soy yo y aquí está mi sonido!»
Un single que llega tras «Trance». Y es que ambos temas formarán parte de tu próximo álbum, «Antipersonal». ¿Cómo nace el concepto de este trabajo discográfico?
«Antipersonal» nace de la idea de que todo el mundo pueda hacer suyas las canciones que lo componen. El disco es una lucha contra uno mismo pero también un proceso de transformación. «Antipersonal» responde a preguntas tan comunes como, ¿quién quiero ser?, ¿qué me hace realmente feliz? o ¿cómo se escapa del tiempo?
¿Cómo recuerdas todo el proceso creativo y compositivo del álbum?
He tenido mucho tiempo para pulir las canciones, maquetarlas en casa y transformarlas con los músicos en el local. Ha sido emocionante y muy divertido. Tengo una suerte tremenda de contar con la banda que hoy me acompaña. Sus arreglos e ideas han sido fundamentales para toda la construcción sonora de este álbum.
En este sentido, ¿cómo fue trabajar con Ángel Cáceres en la producción?
Otro de los grandes aciertos. Con Ángel todo es una locura maravillosa. Tiene una forma de trabajar muy precisa y sin embargo con una asombrosa capacidad creativa en el estudio. Le ha puesto muchísimo cariño a la mezcla y creo que eso se percibe.
Un disco especial que, en su edición física, llegará acompañada de un libreto-fanzine. ¿Cómo surge la idea de crear todo este concepto artístico alrededor de las propias canciones?
También soy ilustrador y diseñador gráfico, por eso me gusta mucho implicarme personalmente en la parte visual de las canciones y con este trabajo sentía que un libreto convencional quizá se me quedaría pequeño para contar todo lo que quería contar. Quise experimentar y mezclar disciplinas artísticas con las que he jugado siempre como el cómic, la pintura o el collage.
Además, si no me equivoco, «Antipersonal» llega tras una exitosa campaña de crowdfunding. ¿Cómo recuerdas esta experiencia?
Lancé la campaña justo al inicio del estado de alarma, fueron días muy estresantes. Pero centrarme en el crowdfunding me ayudó a tener una rutina y no volverme loco con la cuarentena. Ha sido una oportunidad estupenda de conectar con mi público y estoy muy agradecido por la acogida que ha tenido.
¿Cómo ha evolucionado Kike M desde que publicara su primer EP, «Pobladores del suelo, las nubes y el mar»?
El primer EP fue la excusa perfecta para lanzarme a la carretera. He aprendido mucho de los escenarios, del público y de mi mismo. La formación ha ido mutando hasta que he encontrado a los músicos perfectos. He experimentado y me he enfrentado a las canciones desde lugares que jamás habría imaginado. En definitiva creo que he crecido como músico y como ser humano.
¿Cuál dirías que es el mayor aprendizaje de todos estos años de carrera?
Hay que ser constante, ponerse metas realistas y disfrutar del camino lo que se pueda. Hay que dar y ayudar porque en la vida todo vuelve y hay que no tener miedo de preguntar, tropezarse y seguir aprendiendo de los demás. Las canciones son lo más importante aunque no lo único.
Tras el lanzamiento de estos dos primeros singles, ¿cuáles son los próximos pasos de Kike M?, ¿cuándo podremos descubrir el disco al completo?
Vamos a desmenuzar el disco poco a poco, en mayo publicaremos otro tema y anunciaremos algunas fechas de conciertos porque aunque el disco no haya salido, nosotros necesitamos salir y tocar. Si todo va como debería publicaremos «Antipersonal» al completo después de este verano.
¿Qué canción identifica mejor el momento en el que estás y por qué?
Cualquiera de las que ando componiendo últimamente… Me están pasando muchas cosas buenas y dolorosas al mismo tiempo, últimamente mi vida es un poco montaña rusa pero creo que pronto dejará de haber tantas turbulencias.
¿Cuál es la mayor o verdadera locura que has cometido por la música?
Llegan pisando fuerte. Tanto que, con apenas los cuatro singles de su inminente trabajo en la calle, consiguieron colgar el cartel de «sold out» este fin de semana, tanto en Moby Dick Club y la Sala Maravillas de Madrid. Ellos son Era Paraíso y están a punto de regalarnos la que será su nueva y primera obra maestra, «La Maratón Mundial», concebida bajo los mandos de Dani Alcover (Dover, Pignoise o Niña Polaca). Una pequeña gran joya para la que ya hemos activado la cuenta atrás, y es que será nuestra este próximo viernes 26 de abril.
Un álbum debut que esperamos con mucha ansia, aunque mientras llega, tenemos en bucle los cuatro temas que Era Paraíso nos han presentado hasta el momento. Arrancaron con «Vuelve» y continuaron con «La mañana que salí de tu portal» y «El ascensor». Todo, hasta la llegada del último «Pastilla azul», single en el que se han aliado con La La Love You. Una canción movida, divertida y enérgica con estribillos coreables y un ambiente muy pop, cuya temática se centra en la dificultad de llevar una relación de la mano con la sinceridad. Sin embargo, el final la canción es esperanzadora, pues siempre hay una predisposición por hacerlo bien y por apostar por el amor. Y es que si Morfeo les diese a elegir, elegirían la pastilla azul con tal de no descubrir la verdad, ya que a veces ésta, puede ser realmente dolorosa.
Ahora, tras el paso de la banda por Madrid con dos carteles de entradas agotadas y con el inminente lanzamiento de su álbum debut «La Maratón Mundial», aprovechamos para sentarnos a hablar con Era Paraíso. Un auténtico placer poder descubrir desde dentro este proyecto que nos apasiona. ¿Queréis saber todo lo que nos contaron? ¡Pues dadle al play y dentro vídeo!
Bacon Radars atacan de nuevo y lo hacen con su primer larga duración. Desde este pasado viernes, «Keep the lights off» es nuestro. Un disco que se alza como justo manifiesto de lo que es el garage balear, que es como les gusta denominar lo que hacen: guitarras afiladas, voces distorsionadas y ritmos de batalla, frente a una escena mucho más chill y mediterránea.
Además, para quien no se lo crea o no haya escuchado este álbum todavía, llega en el momento preciso, con un discuros más que necesario en estos momentos en los que estamos deseando salir y bailar hasta el alba, hasta ese momento en el que encienden las luces contra nuestra voluntad. «Keep the lights off» es un alegato en favor de esa sana actitud de que «todo es posible mientras las luces del garito sigan apagadas».
Grabado en el estudio Sol de Sants, junto a Alberto Pérez, este disco llega a ritmo de rock. La mejor manera de aterrizar en este nuestro escenario musical. Un primer LP macizo y entregado, aval más que suficiente para aspirar a grandes escenarios. Un LP que es lo que necesitamos en este preciso momento. Formada a raíz de amistades surgidas durante los años de universidad de sus componentes, la banda afincada en la Ciudad Condal está lista para dar el salto. Un salto que los encumbrará al Olimpo musical, asentándolos como una de las bandas más potentes de este 2021.
Aprovechando este gran hito, nos sentamos a hablar con la banda balear asentada en Barcelona, para que nos cuenten todos los detalles que se esconden tras Bacon Radars y este recién inaugurado «Keeps the light off». Cómo surge, qué supone para ellos o cuáles son sus siguientes pasos a pesar de todo. Todo esto y mucho más en el vídeo que presentamos a continuación. ¡Dale ya al play!
Tiene un talento inconmesurable. Ella es La Otra y vuelve a escena para presentarnos «Incendio». Un trabajo discográfico que verá la luz en el mes de mayo, y del que ya nos ha avanzado dos pequeñas píldoras: «Selvática» y «Nunca canto sola». Dos temas llamados a convertirse en himnos, igual que ya lo fue en su momento «Contigo», que cuenta con más de 7M de visualizaciones en YouTube y más de 5’5M reproducciones en Spotify. Un nuevo gran paso que la afianzará aún más, especialmente tras la llegada de su primer álbum «Pa’fuera y pa’dentro» (2014) y su segundo «Creciendo» (2018).
Con las dos pequeñas píldoras que nos ha avanzado, La Otra da un paso al frente y nos muestra una nueva faceta, hasta ahora desconocida. Una nueva faceta que la ha llevado a explorar nuevos sonidos, que van del hip-hop al neosoul pasando por sonidos más pop y latinos. Eso sí, siempre fiel a su lema, que reza «lo personal es político». Un estilo de lo más particular, que ha llevado a La Otra a afianzarse como una de las figuras más representativas de la nueva escena de la canción de autor. Tanto es así que, con sus giras anteriores, ha arrasado en todos y cada uno de los escenarios que ha pisado. Tanto a este lado como al otro del océano. La revolución es nuestra, la revolución lleva el nombre de La Otra y tiene el feminismo por bandera.
Hace algunos días, nos sentamos a hablar con ella. Y nos contó todo esto sobre «Incendio» y sobre todo lo que está por llegar, entre otras cosas, su gira con banda, que arrancará el 29 de mayo en el Teatro EDP Gran Vía de Madrid. Descubrimos a La Otrabehind the scenes. Conocemos a Isa. ¿Quieres saber más sobre ella y sobre su proyecto musical? ¡Pues dale ya al play y disfruta!
Notición de la mano de Sergio Rojas. Y es que un año después de que publicara su segundo álbum de estudio, «Pecado», podremos disfrutar de él y de sus canciones en directo. La cita será el próximo sábado 17 de abril en la sala Moby Dick Club de Madrid. Primera presentación en directo después de todo el caos que estamos viviendo. Primera presentación en directo en la que estará acompañado de múltiples artistas y grandes amigos: de Marlon a Angy Fernández, pasando por Lucas Colman y Pedro Girón, de Playa Cuberris. Desde luego, podemos asegurar sin miedo a equivocarnos, que será un auténtico bolazo. Así que si todavía no tienes tu entrada, ¿a qué estás esperando?
Fue el pasado 2020, en medio de la cuarentena, cuando Sergio Rojas sorprendió con la publicación de su segundo álbum. Cuando más necesitábamos de la música para curarnos el alma, llegó él, dando un paso al frente y afianzándose dentro de nuestro panorama musical actual. Demostrando esa clara evolución y subiendo un escalón en su ascendente carrera. Y «Pecado» llegó como agua de mayo, con la crudeza que lo caracteriza y a ritmo de rock. Un disco guitarrero y melódico, que nos muestra, aún más si cabe, la versatilidad del artista. De ahí, que sea aún más especial la noche del 17 de abril. Una noche que sonará a power trío y que estará repleta de himnos con los que vibraremos. Potencia, energía y complicidad. Las tres palabras perfectas para definir este proyecto, este directo.
¿Estáis preparados? Porque si todavía tenéis alguna duda, el propio Sergio Rojas os invita a esta cita casi obligatoria. Y es que hace algunos días, charlamos largo y tendido con él. Quién es, cómo nace «Pecado» o qué podremos ver en Moby Dick fueron algunos de los temas de los que hablamos.
Hoy volvemos a traspasar fronteras y pegamos el salto al otro lado del charco, de la mano de Amy S. Massiri, quien ha conseguido engancharnos y enamorarnos gracias a su nuevo tema «Dopamina». Un tema con el que la artista colombiana firma su vuelta tras «Temporada de manzanas», además de poner la primera piedra de lo que será su nuevo trabajo discográfico. Un nuevo EP que llevará por título «Madame» y que verá la luz durante los próximos meses.
Ya lo hemos empezado a intuir con este primer «Dopamina», pero es que «Madame» al completo, nos hará viajar a través de diferentes sonidos y estilos musicales, recordándonos a artistas como Moderat, Trentemoller, Kiesza o Jessy Lanza. El inicio de una nueva etapa en la carrera musical de la artista, al abordar temáticas, géneros y sensaciones diferentes, al acercarse un poco más a lo banal y a lo humano. Un cambio de paradigma respecto a la Amy que pudimos escuchar previamente con «Temporada de manzanas». Más electrónica y más potente. Siempre acompañada de Darío Ariza, su productor.
Nacida en Barranquilla (Colombia), demostró desde muy pequeña su pasión por el teatro, la danza y especialmente por el canto. De hecho, su pasión por la música fue tal, que llegó a formar parte de diferentes formaciones musicales de su circuito local. Sin embargo, fue en el año 2017 cuando decide lanzar su carrera como solista, concibiendo su primer sencillo, «Maga». En 2019, resulta ganadora del Festival Interactivo de Música Uninorte, en la categoría Rock y del Portafolio de Estímulos de la Secretaría de Cultura, el cual permitió la producción de su primer álbum.
La semana pasada, viajamos hasta Colombia sin apenas salir de casa, y nos adentramos en el particular universo de Amy S. Massiri. Fue la propia artista la que nos dio todos los detalles de su proyecto, que acaba de aterrizar en España. ¿Queréis conocerla? Porque nos tiene preparadas muchas grandes sorpresas. ¡Dale al play ya y disfruta!
Es el grupo más importante e internacional del género festivo en Italia. Ellos son Talco y están de vuelta, bajo el nombre de Talco Maskerade, su alter ego. La manera de reinventarse en tiempos de pandemia y de mostrar una cara mucho más íntima y personal. Por supuesto, lo han hecho con nuevo disco bajo el brazo, titulado «Locktown». Un álbum que recoge todas las experiencias del aislamiento vivido por la banda, la manera en la que sus vidas se han visto afectadas y los cambios sociales de los que han sido testigos. Un álbum que, además, supone la vuelta de la banda a géneros más cercanos al folk y soul acústicos.
Talco Maskerade nadan contra corriente y contra todas las dificultades del momento, pero están preparados para llevar al directo «Locktown» en este nuevo contexto.
Decisiones difíciles en tiempos difíciles. Especialmente, tras ver cómo el mundo se paraliza y tener que hacerlo tú con él. Todo en un momento en el que Talco estaba a punto de publicar su nuevo disco, «Videogame», y tener que presentarlo en multitud de ciudades y escenarios de todo el mundo. Sin embargo, en vez de quedarse sin hacer nada en una Venecia confinada, la formación se lanzó a adaptar y mostrar sus grandes éxitos en un formato más acústico, además de soltar algunas de las pildoritas que podríamos haber escuchado en este paralizado nuevo álbum. Y como resultado, tenemos esta nueva joya, llamada «Locktown».
Hace algunos días, tuvimos la oportunidad de hablar con Tomaso De Mattia «Dema», vocalista de la banda, para que nos contara todo lo que se esconde tras Talco Maskerade y esre nuevo «Lockdown», nacido en época de cuarentena. Y es que, pese a la adversidad, la Punkchanka no hay quien la pare. ¡Dadle al play y disfrutad ya de la entrevista!
Ha sido una de nuestras bandas revelación top de los últimos meses. Y es que desde que descubriéramos la voz de Sierra Leona en «El arte de amar» y «El milagro», estamos completamente enamoradas de ella. Tanto, que hemos hablado con ella y aquí van todos los detalles de este proyecto que nos llega desde la mismísima València. ¿Os atrevéis a descubrirlo?
¿Quién es Sierra Leona, para quien todavía no conozca el proyecto?
Un proyecto musical que ha creado una mujer a la que le fascina hacer canciones emocionales y épicas. A groso modo creo que esta sería una buena presentación.
«El Milagro» y «El arte de amar» han sido los dos últimos temas con los que has sorprendido. ¿Cómo nacen y cómo recuerdas el proceso creativo y compositivo de ambas?
Ambas han nacido después del confinamiento. Creo que el encierro me hizo tener ganas de escribir canciones con más luz, más vitalistas y hacerlo de una forma aún más personal y a pecho descubierto mostrando quién soy.
Ha sido fascinante crear estas canciones con esa premisa, y además salir un poco de lo que había hecho en el trabajo anterior y seguir investigando la composición y la producción de los nuevos temas.
Dos canciones que hablan de la lucha, del orgullo, del amor libre, de aceptarnos a nosotras mismas. ¿Crees en el poder de la música para reivindicar y cambiar a la gente?
Absolutamente, y sobretodo creo en el poder sanador que tiene. Es increíble cómo unen las canciones y la capacidad que tienen para no sentirnos solos y solas en nuestras luchas.
También me han llamado especialmente la atención ambos videoclips. ¿Cómo surge la estética de los dos clips y qué importancia tiene la imagen, más allá de la música, para Sierra Leona?
En «El Arte de Amar», Francesc Planes y Jesús Ponce fueron los que tuvieron muy clara la estética para el clip. En «El Milagro», teníamos un tipo de estética más clara desde que escribimos el guion, teniamos claro lo que queríamos mostrar y cómo lo queríamos hacer. Luego fue muy fácil trasladarlo al resto de equipo y que dieran en el clavo.
Es importante la imagen, porque creo que en este punto del proyecto refuerza ciertos valores que para mí es importante que se transmitan y de igual forma, para mi ha sido clave contar con el trabajo de Estela Benitez, que es la estilista que me ayuda a crear la imagen de Sierra Leona.
¿Cómo ha sido la acogida por parte del público de estas dos canciones?
Pues está siendo muy bonito ver cómo la gente capta los mensajes que ambas canciones lanzan y además como refuerzan esos mensajes con tanta emoción. A mi me fascina leer todo lo que la gente me va contando, me parece increíble que algo que nace en mi casa llegue tan lejos. Así que la acogida está siendo muy buena y sobretodo muy emocionante.
¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde ese primer «Cruzar un río»?
Bueno, vas dirigiendo el barco hacía donde quieres ir, va cogiendo forma y fuerza. Cuando sacas un primer disco en un nuevo proyecto todo está en el aire y no sabes nunca qué va a ocurrir. Desde entonces hasta ahora se han asentado las bases del proyecto y el equipo de trabajo se va estableciendo. A nivel artístico, aunque siempre trabaje las canciones desde un punto emocional, estoy en una constante búsqueda de sonidos y sensaciones.
Tras casi una década al frente de Flaco Favor, ¿de qué manera has volcado esa experiencia previa en Sierra Leona?
No llegar de 0 a esta industria ha sido un plus para poder empezar a trabajar con Sierra Leona, sobretodo por todas las experiencias que ya traía del anterior proyecto. No tuvo una gran relevancia pero aprendí a identificar todas las necesidades que tiene un proyecto y que necesita cubrir para poder avanzar en esta selva. Todas esas partes que el público no ve pero que son hipernecesarias para levantarlo. Y a nivel artístico me formó en muchísimos escenarios.
A pesar de la incertidumbre que estamos viviendo, ¿cuáles serán los próximos pasos o planes de Sierra Leona?
Pues sólo diré que a lo largo del año sucederán cosas.
¿Qué canción de Sierra Leona identifica mejor el momento en el que estás ahora mismo y por qué?
Pues estoy muy en «El arte de amar». Enamorada, agradecida, plena, feliz, regenerada, orgullosa, emocionada.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
No podría contar una anécdota aislada porque vivo en una continua locura por la música desde hace años. A veces me asusta pero me hace muy feliz.
En el corazón del Vinalopó Mitjà, entre Monòver y Petrer, comienza a fraguarse hace un par de años Vienna, banda liderada por Artur Pérez y Pau Castillo. Desde ese mismo momento, y paso a paso, han ido haciendo ruido, consiguiendo calar en todos y cada uno de nosotros. A pesar de que la pandemia se cruzó en nuestros caminos. Y es que ni eso les impidió publicar hace un año su primer EP «Hem trobat un pis per a llogar», ni ahora ha hecho que presenten su primer larga duración «Tot allò que una vesprada morí amb les bicicletes». Adaptarse o morir, y ellos han decidido adaptarse. Y en medio de toda esta complicada situación, hemos hablado con ellos.
¿Cómo nace«Tot allò que una vesprada morí amb les bicicletes»?
Pau. Pues fue un poco a raíz de la pandemia, que llegó y nos abofetea la cara. Acabábamos de presentar nuestro primer EP y Arturo ya tenía temas en la retaguardia.
Arturo. Temas nuevos antes de la pandemia ya había. Lo que pasa es que al llegar la cuarentena y tener más tiempo, me metí más de lleno.
P. Y ahora porque sabemos todo lo que ha supuesto el coronavirus, pero al principio no. De hecho, la primera canción la grabamos el 14 de marzo, y tuve que irme corriendo desde Monóvar a Petrer, porque nos encerraban. Claro, en pleno estado de alarma, yo pensaba que eso era La Purga [risas]. y hasta el mes de mayo no pudimos volver a grabar, ahí fue cuando pillamos carrerrilla y estuvimos todo el verano.
A. Durante el verano estuvimos yendo todos los días, y ya a partir de octubre íbamos cada dos o tres semanas, porque estábamos ya muy quemados.
P. A la vez que fue divertido grabar en mucho tiempo y sin ninguna presión; también fue muy saturante, precisamente por lo mismo, por el tiempo tan espaciado que le dimos a todo.
A. Claro, y que además, los tiempos suelen ser siempre diferentes. Normalmente, sacas un disco y después lo vas presentando en directo. Entonces cambias el chip. Pero nosotros, solo pudimos hacer tres conciertos. Así que salimos del estudio con el EP y nos volvimos a meter con el disco. Al final, se desequilibró un poco todo. Y además, hay que tener en cuenta que grabamos en el estudio de un amigo, así que nos tiramos aún más tiempo.
Aunque ya habéis respondido un poco, pero ¿cómo recordáis todo el proceso creativo y cómo ha sido esta sensación de publicar EP al principio de la pandemia y el disco justo en este momento?
A. Es como los bebés que nacen en pandemia, nosotros no conocemos otra realidad. Así que es un: «que hay pandemia, que la haya, nosotros vamos a sacar disco».
P. Claro, es que nosotros no hemos llegado a catar lo que es una realidad. Porque solo hemos tenido tres conciertos y ya. Encima estuvieron juntos, fueron en apenas dos semanas. Entonces, si esta es nuestra normalidad, pues vamos a trabajar con ella. Lo bueno y lo malo es que, es cierto que a nosotros no nos dio tablas, pero el resto de industria también se vio paralizada. Entonces nosotros no tuvimos que ir detrás, entrando en el bucle, aunque nos hubiera gustado.
A. También creo que al ser un grupo que acaba de nacer, la pandemia no ha afectado tanto. En ese sentido, ha sido peor para quien vive de esto, el ver cómo se cortan todos sus ingresos. Nosotros veníamos de la nada y hemos llegado hasta este punto.
Hablábais al inicio de todo el trabajo en el estudio, pero ¿cómo fue trabajar con Pepe Bernabé que, además, es amigo?
P. Para nosotros fue como jugar. Es como quien queda con sus colegas para jugar al Fortnite, pues nosotros jugamos a hacer música. Nos sentamos delante del ordenador, nos echamos unas cervezas y estamos ahí tranquilos. Este es nuestro Fortnite [risas].
A. Pepe y yo es que somos amigos de toda la vida. Y lo que hemos hecho este año de juntarnos para grabar, lo llevamos haciendo tres o cuatro veranos. Este ha sido uno más, aunque ahora teníamos el objetivo de hacer un disco, así que te lo tomas más en serio.
El disco, además, está plagado de colaboraciones: Jo Jet i Maria Ribot, Malifeta, Ariox, La Fúmiga, El Diluvi, Pep Mirambell, Sara Vera. ¿Cómo surgen un poco y cómo fue trabajar con todos ellos?
A. Ha sido muy guay, porque han sido colaboraciones que las hemos hecho porque son grupos que nos gustan y a los que admiramos mucho. Así que cuando aceptaban, nos sentíamos como realizados, por el hecho también de que compartieran con nosotros una canción nuestra.
P. Que nos contestaran cuando les escribíamos y que nos dijeran que sí, era un momento brutal de subidón.
En relación con eso, uno de vuestros grandes referentes son Els Jóvens. ¿Doblemente especial la colaboración con Pep Mirambell?
A. Sí, sí, sí, fue muy guay. Además, él en todo momento dijo que sí, no hubo que insistir. Le dijimos que si quería colaborar y su respuesta automática fue: «hago lo que haga falta y voy donde haga falta».
P. Bueno, y cuando vino aquí, fue un festival. En realidad, cuando vinieron todos. Porque cuando llegó La Fúmiga, cuando llegó Flora (El Diluvi), cuando llegó Pep, fue convivencia total. Además, en ese momento, podíamos juntarnos todos sin restricciones. Se creó una piña muy guapa, y encima con gente a la que admiramos.
Un EP y un álbum en apenas un año, y evolución respecto al sonido. ¿Cómo habéis vivido este cambio y de qué más maneras ha crecido Vienna en este tiempo?
A. En este disco nos hemos atrevido con más estilos: hemos ido desde lo más personal a lo más comercial. Y al final, creo que Vienna es eso: tiene una coherencia pop, pero las producciones y las ideas cambian según la canción. Al final es demostrar que cualquier estilo, desde un gusto más pop, se puede escuchar y está chulo. Y muchas veces es que hay muchos prejuicios respecto a eso: «no, yo hago pop, o no, yo hago reggaeton».
P. Nunca nos han gustado estas etiquetas de: «¿qué hacéis? indie-pop en valenciano». Y a ver, yo indie no me considero.
A. De hecho, somos bastante mainstreams.
P. Bueno, y que yo vengo más del mestizaje. Y Arturo viene de todo lo contrario.
Al final, entramos en el bucle de poner etiquetas a todo e inventarnos otras como «rock en catalán» o «pop en valenciano». Es como: ¿desde cuándo cantar en determiado idioma es un género?
P. Eso ha sido como una problemática durante años, que parecía como muy radical el cantar en valenciano, el hacer pop, el hacer rock, el hacer reggaeton…la gente se extrañaba.
A. Pero yo ya no sé si el problema es de la gente que lo consume o de la gente que lo creaba. Porque se veía mucho el cantar en valenciano como una resistencia, si tú hacías algo mainstream o comercial, te estás vendiendo. Es como que, en cierto modo, aunque no sea un género, los propios artistas han visto eso como una manera para crear su propio circuito reivindicativo. Y al final, para que un idioma verdaderamente cale gracias a la música, tiene que haber multitud de géneros.
P. Claro. Y todo sin tener que convertir el idioma en un género concreto, porque al final no lo es.
Pero ahora el paradigma ha cambiado. Todo se ha globalizado mucho y la escena valenciana está en plena ebullición.
P. Era totalmente necesario ya. Y ha sido la propia escena la que se ha dado la vuelta. De hecho, el otro día estaba escuchando una entrevista a Malifeta, y Arnau dijo que antes de arrancar el proyecto se planteó mucho las cosas, porque venía de un panorama diferente, de haber tocado con La Gossa Sorda, de haber tocado con ZOO. Pero claro, él en su casa escucha reaggaeton y decía: «es que este género no está en valenciano y si yo lo puedo dar». Creo que romper los tabús es necesario.
En relación a todo esto, y sabiendo la importancia de Alicante para Vienna. ¿Hace falta reivindicarla más?
P. ¡Sí! Bueno, no es que haya que reivindicarla más, es que prácticamente no está reivindicada. Que nosotros escuchemos canciones que nos lleven a Barcelona o València, nos pueden transmitir. Pero si suceden como en nuestra tierra, pues nos pega más el bofetón. Y esa era un poco la idea de cuando creamos «Alacant o el pop d’aquí».
A. Al final, el punto es crear referentes pop, que puedan sonar en la radio, y cuyo escenario sea Alacant.
P. Y es que si lo piensas: Txarango le canta a Barcelona, Auxili o muchas otras bandas cantan a València, pero ¿quién le canta a Alicante? Es un poco como la gran olvidada.
Hablábamos del nacimiento de Vienna en plena cuarentena y de los pocos conciertos que habéis podido hacer. Pero hace algunos días actuasteis en Barcelona. ¿Cómo fue?
P. ¡Muy bien! La verdad es que fue un cúmulo de emociones que te cagas.
A. Y muy raro. Fue, además, la primera vez que tocamos con banda. Ahora no somos dos, somos cuatro. También fue media hora y no pudimos casi prepararnos el directo, porque hasta casi mitad de marzo no pudimos juntarnos para ensayar por las restricciones. Y fue el 10 de marzo cuando nos dijeron: «que tenéis concierto en Barcelona el día 26». Así que claro, solo tuvimos como tres ensayos.
P. Lo bueno es que nos hemos topado con dos personajes igual que nosotros y cuadramos súper bien.
A. Y también hemos hecho muy buen equipo con Mireia o con Salva, que siempre nos echan un cable y son muy sinceros con nosotros. Ese mismo día nos dijeron todo lo que había salido bien, todo lo que había salido mal. En definitiva, el concierto salió bien y nos compenetramos muy bien, pero un show es más que eso. Pero necesitamos tiempo y ensayos.
Todo esto ha coincidido con la prueba masiva que hace algunos días hicieron en el Palau Sant Jordi con Love Of Lesbian. 5000 personas con test de antígenos negativo y mascarilla, pero sin distancia social. ¿Creéis que la recuperación del sector pasa por este tipo de pruebas?
P. Al final es una prueba. Habrá diferentes maneras de recrear o volver a los conciertos como los conocíamos, y esta es una de ellas. Aunque creo que un concierto al uso, no lo vamos a poder ver hasta dentro de un tiempo, pero es un paso.
A. Es un paso y ahora, que la cosa está más estable. Igual pasa un mes y llega una cuarta ola, volvemos a estar paralizados y se va todo a la mierda otra vez. Y, claro, no podemos hacer este tipo de pruebas. Al final, no es algo que tampoco dependa de ti, depende de lo que hay alrededor.
P. Pero está guay, es un paso importante. Aunque después de todo este año, me cuesta mucho pensar en la gente sin mascarilla y toda junta de nuevo.
A partir de aquí, ¿cuáles son los siguientes pasos de Vienna?
A. Preparar un directazo que dejemos a la peña loca [risas].
P. Además de verdad, porque de momento, no tenemos ningún concierto cerrado. Así que estamos dándole una vuelta y estamos revisionando los temas, para que la gente los pueda tener en el disco y también pueda disfrutar de la experiencia.
A. Bueno, y seguir creando, para poder ir presentando singles más adelante, cuando ya haya pasado un tiempo del disco. La verdad es que estamos teniendo una buena racha a nivel de inspiración. Que podríamos sacar otro disco al año que viene, aunque personalmente estoy ya un poco quemado.
Quedan un par de preguntas, que son con las que me gusta cerrar siempre. la primera de ellas es, ¿qué canción de Vienna identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
A. Pues yo diría la de «Obertura en Emaj», ¿verdad?
P. Sí, además es una de las canciones que, al principio, más escondidita estaba. Y a la gente le está encantando.
A. Yo me quedé flipando por las reacciones, porque fue uno de los temas que más nos costó. Nos quedamos desde las 4 de la tarde a las 12 de la noche grabándola. La terminamos y al día siguiente, me fui a correr, y a la vuelta, de la misma saturada que llevaba, dije: «menuda mierda». Y no quería que saliera en el disco. Pero ya pasaron los meses y la perspectiva cambió.
P. Y gracias a esta canción, llegó «Un altre aire».
A. Claro. «Un altre aire» no estaba hecha todavía, pero como metimos la de «Obertura», que a mí no me gustaba, pues incluí también esta, que es más de reggaeton [risas].
Y la última es, ¿cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
A. Meterte en la música ya es una puta locura [risas]. Además, es que nuestra idea de grupo era la de dos amigos que hacen música, y si nos escuchan los colegas, pues bien. Pero ha ido a más. Y estamos empezando a asumir ciertas responsabilidades que ni sabíamos.
P. Sobretodo después del fin de semana en Barcelona, que para nosotros ha sido una catarsis. Porque estábamos en nuestra burbuja, con nuestros colegas en Monóvar y en Petrer, y de repente vamos allí, y toda la gente sabía, toda la gente nos decía.
A. Sin ir más lejos, el hecho de que ha habido gente que ha valorado nuestro trabajo más que nosotros, lo que nos ha hecho darnos cuenta de que, oye, que está muy bien lo que hacemos. Creo que el curro tanto en este primer trabajo, que hemos perdido la perspectiva del trabajo artística. Y es algo que nos ha dado rabia, el darnos cuenta de todo ello por los demás y no por nosotros mismos.
Es complicado encontrar la definición exacta para explicar quién es Jordi Bastida. Y es que su trabajo incansable durante años y años con formaciones de la talla de Carlos Sadness, Els Pets, Ramón Mirabet o Trau, lo han convertido en uno de los artistas imprescindibles de nuestro panorama musical. Ahora, en solitario, ha pegado un gran salto al vacío con su proyecto en solitario. Él es Chico Jorge y acaba de debutar con su primer single «Las flores que arden,». La imagen perfecta para dar la bienvenida a la primavera de 2021, que se plantea ligeramente mejor que la del pasado 2020.
Y, por supuesto, la manera ideal de iniciar una nueva etapa, que promete tener una larga continuidad. De ahí, la coma que tiene el título de su primera canción. Una invitación a seguir descubriendo y escuchando todo lo que Chico Jorge nos está preparando. Unos temas que, en realidad, lleva bastantes años gestando a lo largo de todos estos años de escenarios, experiencias y viajes. Una carretera que recorrer, a ritmo de pop, rock y noise. Así lo ha dejado patente en este primer adelanto, «Las flores que arden,». Una canción en la que no le ha temblado el pulso a la hora de aunar su suave pero indulgente voz con sus poéticas letras y sus riffs rompedores. Una mezcla de escándalo que ha cobrado vida en este primer capítulo del relato que Chico Jorge está construyendo.
«Ni Jordi ni Chico Jorge entienden de egos ni nunca lo han hecho. Con la humildad por bandera, nos cuenta su propia historia universal con la que nos invita a mirar hacia adentro y perdernos en sus letras, como él lo hizo componiéndolas, para navegar por nuestras batallas individuales».
Aprovechando este primer paso en el camino, quisimos hablar hace algunos días con Chico Jorge, consiguiendo que nos metiera aún más de lleno en esta espiral musical que está creando con su proyecto en solitario. ¿Queréis saber todo lo que nos contó?
