Italiana con alma italo-española. Diana Tejera llega como un huracán, dispuesta a revolucionarlo todo. Aunque para revolución, la que lleva generando tantos y tantos años: y es que su extensa carrera como compositora, artista e intérprete la avalan. Con todo este background, ¿quién no caería rendido a sus pies? Porque nosotras no lo hemos podido evitar. Y «Aún», su nuevo y recién estrenado single, ha sido la prueba más reciente de ello. Una canción de lo más necesaria que habla de la aceptación de la separación, muchas veces intevitable. Pero todo ello, desde una perspectiva serena y tranquila. Una pieza íntima y dulce tanto en la letra como en la música.
De esta manera, la artista da el pistoletazo de salida al que será su próximo álbum, que estará formado por diferentes canciones en español, inglés y francés. Un álbum que ha sido compuesto y producido por la propia Diana, a excepción de «Volveré», cuya producción ha corrido a cargo de Andrea Di Cesare.
Un gran paso más en su carrera musical, que la ha llevado a actuar en el mítico Festival de Sanremo junto a la que era su banda, a componer para artistas como Tiziano Ferro o a crear la banda sonora para algunas películas y cortometrajes. Un hecho que la ha llevado a trabajar mano a mano con directores como Francesco Colangelo o con compositores como Massimo Nunzi. Más allá de todo ello, Diana ha seguido explorando su vena artística, llegando incluso a escribir poesía. Tal es así que, por ejemplo, publicó en 2012 el poemario «Al cuore fa bene far le scale», en colaboración con la poeta Patrizia Cavalli. Arte en toda regla.
De ahí que nos hiciera tanta ilusión poder hablar con ella. Tener la oportunidad de descubrirla y de conocerla de primera manp. Fue un verdadero placer. Así que os animamos a que os paséis por nuestro canal de YouTube, porque es mágica.
Tiene un talento descomunal y una voz fuera de serie. De hecho, cuando la escuchamos por primera vez, fuimos incapaces hasta de pestañear. ¡No es para menos! DORA es especial, DORA tiene mucho que contar. Y la música se ha convertido en el mejor canal para hacerlo. La misma música que lleva respirando desde bien pequeña, y que la está haciendo despuntar por mérito propio. En este sentido, lleva dos años componiendo, creciendo y evolucionando. Desde que debutara con «Call me back» y hasta ahora, que nos ha regalado «Sorry». Y es justo esta capacidad de transmitir la que la va a llevar hasta el festival ESNS. Pero antes, hemos hablado con ella. Esto es lo que nos ha contado.
Vienes de una familia de artistas y es cierto que, desde muy pequeña, hemos visto cómo versionabas auténticos temazos (gracias a tu canal de YouTube). Pero, ¿recuerdas el momento en el que decidiste dedicarte a la música?
Siempre he querido cantar, lo tengo muy claro desde que tengo memoria, vamos. Por eso, empecé tan pequeña a versionar canciones, hasta que llegué a los 12 años y mi padre me dijo que si quería ser cantante y llenar grandes estadios tendría que escribir mis propias canciones, y así hice.
Fue en 2019 cuando pudimos escuchar tu primer tema propio («Call me back» si no nos equivocamos). Han pasado ya dos años y nos gustaría saber cuál es el mayor aprendizaje que te llevas de todo este tiempo.
Para mí, uno de mis mayores logros (sobre todo a lo largo de este año) ha sido el proceso de encontrarme en la música y empezar a desarrollar un sonido con el que me siento cómoda, aunque todavía es solo el principio. También he encontrado mi propósito en la música, que es compartir el mundo a través de mis ojos. Hoy en día me parece muy importante transmitir un mensaje significativo, siento que todo el mundo se repite y a mi me aburre hablar siempre de lo mismo.
Así, hasta llegar a «Sorry», que ha sido tu último lanzamiento. ¿Qué nos puedes contar sobre este tema?, ¿cómo nace?, ¿qué significa para ti?
Es un perdón irónico hacia todas las personas que esperan que sea de una forma que no soy. Una crítica a las expectativas del mundo contra mí. Siento que está muy ligado a mi proceso de encontrarme a mí misma fuera y
Una decena de singles, todos ellos con estilos muy diferentes, mezclando español con inglés…¿Cómo es y cómo vive Dora todo este proceso creativo y compositivo?, ¿y cuáles son sus principales referentes y fuentes de inspiración?
Me inspiran tantas cosas que es difícil resumir, supongo que mi día a día, la vida que hago. Eso conlleva mucha música, lectura, cine, amigos, noches, alegrías, tristezas.
En este sentido, has trabajado mano a mano con Pional en la producción de cada uno de estos temas. ¿Cómo es trabajar con él?
Pional es mi Tito de la música. Me introdujo en el mundo del estudio, con el empecé a dar mis primeros pasos en producciones musicales y con él sigo escribiendo y creando. Fue la persona con la que aprendí a echarle horas al estudio y con quién aprendí una dinámica de curro muy especial que solo tiene él.
Un tema también muy importante: estás nominada a los Music Moves Europe Awards 2022. ¿Qué significa para ti esta nominación y cómo estás viviendo todos estos momentos?
Para mí significa la apertura de una nueva puerta. Nunca habría pensado que con siete singles en el mercado llevaría mi música fuera de España, lo cual es un gran logro para mí. Me hace confiar mucho en mí misma y me alivia que, al fin, todo el trabajo duro, emoción y pasión que he estado manifestando obtenga su recompensa. Estoy muy orgullosa de ello.
Además, también actuarás en enero en el festival Eurosonic Noorderslag (ESNS). ¿Cómo afrontas esta fecha tan especial?, ¿cómo te estás preparando?
¡Sí! Es mi primer concierto internacional, me estoy preparando con un repertorio nuevo, con el que quiero dar la vuelta a lo que solía hacer. Con el que quiero dar un paso adelante con mi puesta en escena, sin olvidarme de los temas que suelo tocar, pero también incluyendo nuevas canciones. Quiero crear un show fresco en el que sucedan cosas que te hagan no querer quitar la vista ni los oídos de lo que pasa en el escenario. Pero esto todavía es work in process.
Más allá de eso, ¿qué planes futuros tiene Dora?, ¿hay más música o conciertos a la vista?
Este año es muy importante para mi, representa mi libertad, porque por fin me gradúo [risas]. Y eso significa que tendré más tiempo para desarrollar mi proyecto en cuanto a música nueva y en mundo directo. También es una oportunidad para aprovechar que seré libre para tener más conciertos y poder hacerlos entre semana.
Quedan ya dos preguntas, que son con las que siempre nos gusta terminar. La primera de ellas es, ¿qué canción propia identifica mejor el momento en el que te encuentras (artísticamente)?, ¿por qué?
La canción que más me representa en estos momentos es un tema de mi EP por venir, se llama «Flores de Abril». Estoy muy orgullosa de este tema porque yo tenía una visión que quería transmitir a través de él y lo he conseguido claramente Solo que tendréis que esperar para escucharlo.
Y ya por último, ¿cuál es la mayor locura que has hecho por la música?
Adaptar mi estilo musical al cine, en la película de Paco [León], fue un gran reto para mi, porque salía de mi zona de confort y no solo tenía que pensar en lo que me gustaba a mi, si no lo que pegase con la escena, lo que Paco viese adecuado. Además de ser un proyecto muy arriesgado, estoy maravillada con el resultado.
Juventud, pasión y unas ganas infinitas de romper con todo. Así es el artista y compositor Dieggi. Considerándose a sí mismo ciudadano del mundo, lleva en su mochila personal miles de experiencias, historias e influencias procedentes de todo el mundo. Vivencias y personas conocidas a lo largo de este camino llamado vida. Un conjunto de todo que se termina reflejando en su música.
¿Quién no ha sufrido en alguna ocasión por una ruptura sentimental? Todos hemos sido víctimas (y verdugos) del dolor y la tristeza que supone despedirse de alguien. Todos hemos estado alguna vez bien jodidos por culpa del amor.
Precisamente, bajo este importante prisma, el joven artista nos acaba de regalar «Bien jodido». Una canción que relata el sentimiento desgarrador de alguien que acaba de sufrir una ruptura amorosa y cuya ex pareja muestra completa indiferencia ante la situación, sin considerar la historia que vivieron. Esta canción mezcla una melancólica letra junto a sonidos urbanos y música negra, entregando un resultado fresco con el que el oyente se puede identificar y a la vez disfrutar.
Un tema doblemente especial, no solo por lo que significa para el propio Dieggi, también por ser la primera que nos presenta. El inicio de su carrera en solitario empieza aquí, con este adelanto y con la necesaria e inquebrantable ayuda de Fura, productor e incondicional compañero de batallas del joven cantante y compositor. Cerrando filas en este equipo, también encontramos a Miriam Boó, Jorge Ayllón y Abraham Gutiérrez, quienes han trabajado mano a mano con el artista.
El inicio de todo lo que está por llegar. Y es que, sí, amigos, se viene mucha más música. Pero poco a poco. Mientras ese momento llega, Dieggi quiere disfrutar del camino. Momento perfecto para sentarse y recordar la entrevista que le hicimos hace algunos días. ¿Quieres saber más sobre este proyecto?
Hay canciones que no pueden ser más oportunas, hay canciones que llegan en el momento preciso, para llenar de luz todo nuestro futuro. Al menos, lo que conseguimos ver de él. Luego está Tugot, que lleva esta premisa a otro nivel, regalándonos una nueva pieza musical, muy poco tiempo después de habernos encandilado con su álbum debut. Pero es que el momento de «Volver a las andadas» era ahora o nunca. Solo quien la haya escuchado lo entenderá. Una canción especial que habla de la necesidad de volver a girar por salas, volver a la carretera y sus menús, volver a estar cerca del público. Y es que tal y como explica la banda, «las salas de música en directo son el lugar donde recoges un sentimiento y, como banda, una experiencia que jamás olvidas y que suma».
«Volver a las andadas» viene como anillo al dedo ahora, año y medio después de que todo colapsara. Ahora, que parece que las salas de conciertos pueden volver a abrir con cierta normalidad, aunque siempre viviendo a expensas de lo que puede pasar. «Volver a las andadas» tiene ese punto de nostalgia, de ganas, de vida. «Como no podía ser de otra forma, el videoclip fue rodado durante nuestro primer concierto, arropados por el caluroso público que llenó la madrileña sala Moby Dick», explica la banda.
Más allá de eso y tal y como comentábamos, esta canción ha llegado de manera casi inminente tras la publicación, a principios de octubre, del álbum debut de los madrileños «Cosas que nadie nos puede quitar». Toda una declaración de intenciones, un increíble primer gran álbum que, a pesar de todo, no pudieron presentar en vivo tal y como se merecía, tal y como ellos querían. ¿Será ahora el momento?
Con todo este panorama por delante, aprovechamos para hablar con los miembros de Turgot. Gracias a la charla que tuvimos hace algunos días con ellos, pudimos conocer más y mejor el proyecto, saber qué significa para ellos «Volver a las andadas» o cómo fue todo el proceso creativo de «Cosas que nadie nos puede quitar». Así que si queréis saber más, solo tenéis que darle al play.
Madrid fue la ciudad que los vio nacer, en plena pandemia, de hecho. Era marzo de 2020 y el estar en casa, dio a Crush Queen (vocalista y letrista), Dani Marx (guitarrista) y Pablo Orribo (DJ y beatmaker) la inspiración suficiente para comenzar a fusionar sus diferentes influencias musicales. Un hecho que ha tenido un gran resultado y que, por el momento, se ha saldado con la llegada de tres temazos (a los que próximamente se sumarán más): «B.e.i.b.i», «Paredes Frías» y «A pedazos». Estamos hablando de Kreddo, banda que dará mucho de lo que hablar y a la que ansiamos seguir muy de cerca.
Poco más de un año ha pasado desde ese momento y Kreddo ya puede presumir de grandes hitos, al haberse alzado recientemente con el segundo premio del concurso nacional Vodafone Yu Music Talent, siendo además su canción «Paredes Frías» una de las 10 más escuchadas, entre las más de 1000 propuestas recibidas. Ese fue el impulso que necesitaban, ese hecho hizo que decidieran invertir sus ahorros en producir un videoclip, que fue rodado por Dr.Terociva (Últimos Bañistas o Second), en el auditorio El Batel en Cartagena. José Hortelano fue el encargado de dirigir dicha pieza audiovisual.
Ya fue en junio de 2021 cuando sacan su segundo tema «A Pedazos», con un sonido más Lo-fi y un videoclip mucho más sencillo, cálido y cercano. Hat-trick perfecto con «B.e.i.b.i», tercer tema que conforma esta pequeña gran trilogía. El inicio de todo lo que está por llegar y que, pronto, puede tomar forma de LP. ¡Ojala! Porque están llamados a convertirse en uno de los grupos que pise fuerte en la nueva ola artística post-pandemia. Y nosotras ahí estaremos para verlo, por supuesto. ¿Que no? Pues la entrevista que les hicimos hace apenas unos días es la mejor prueba de ello. ¡Pasen y vean!
Aunque Barcelona ha sido la ciudad que los ha juntado, Solo Carmen es una banda multicultural, pues sus miembros proceden de diferentes puntos como la misma ciudad condal, Valencia e incluso Francia. Una mezcla que se aprecia firmemente en su música, que viaja a través de múltiples influencias, pero siempre bajo el amparo o paraguas del indie pop. Bajo esta potente premisa, y tras haber dado sus primeros pasos, acaban de presentarnos su gran álbum debut, llamado «Autocomplacencia». Un disco muy sentido y muy trabajado que cuenta con la producción de Carlos Hernández Nombela (productor musical también de bandas como Los Planetas, Carolina Durante, Viva Suecia o Triángulo de Amor Bizarro, entre muchas otras). Acompañanando, un estilo único y unas letras con las que es fácil sentirse identificado. En resumen, música sin demasiadas pretensiones, pero muy directa y con un gusto exquisito.
Un álbum debut que dará mucho de lo que hablar. Un álbum debut que ya ha dado sus primeros pasos por escenarios de ciudades como Barcelona, Madrid, Almazán, Aranda de Duero, Zaragoza o Granada. Un álbum debut que los seguirá llevando por muchísimos más lugares, arrasando con todo y enamorando a todo aquel que se atreva a escucharlos (y verlos, por supuesto). Más teniendo en cuenta el positivismo y alegría que son capaces de contagiar con su actitud y su buen hacer. Y si no os lo creéis, tiempo al tiempo.
En medio de toda esta vorágine musical, hace algunos días tuvimos la enorme oportunidad de charlar un rato con ellos. Y no solo pudimos conocer más sobre este proyecto musical, también nos dieron todos los detalles escondidos tras este primer «Autocomplacencia», y nos dieron las primeras pistas de todo lo que está por llegar. ¿Queréis saber lo que nos contaron? Pues solo tenéis que darle al play.
Como una brújula marcándonos los puntos cardenales, marcándonos el camino. Así llegó el pasado mes de octubre «Norte», el segundo álbum en solitario de Pedro Fernández ‘Razkin‘. Y el primero tras su reciente salida de La Fuga, tras doce años de carrera junto a ellos. Un álbum formado por once canciones en las que el artista y compositor navarro continúa explorando los sonidos del rock más íntimo, sin perder un ápice de energía y manteniendo en todo momento ese sello único y personal que tanto le caracteriza. Un álbum lleno de historias, de romances, calles, madrugadas, y sueños, que a golpe de guitarras invitan a aflorar nuestros sentimientos más profundos.
Poniéndose bajo los mandos de Javi San Martín (Sonido XXI) a la producción, Razkin ha sabido darle forma y vida a un auténtico discazo. Una joya increíble que cuenta con diez canciones originales y una particular versión de «La leyenda del tiempo» que, basada en un poema de Federico García Lorca, fue inicialmente interpretada por Camarón de la Isla. Una adaptación más rockera en la que el artista navarro ha colaborado mano a mano con Kutxi Romero (Marea). Un broche de oro a un disco variado, completo y que deja al descubierto las entrañas de Razkin, que está aquí para quedarse. Así lo ha demostrado y así lo seguirá demostrando.
En medio de toda esta vorágine de lanzamiento, firmas de discos y primeros conciertos de presentación (que este mes de diciembre pasará por Cáceres y Pamplona, para continuar recorriendo ciudades durante 2022), la pasada semana tuvimos la oportunidad de hablar con Pedro Razkin. De que nos contara todo lo que se esconde tras esta pequeña gran joya musical. ¿Quieres saber todo lo que se esconde tras «Norte»?, ¿quieres saber más sobre todo lo que se avecina? Pues es momento de darle al play y disfrutar.
Hay artículos que nos hace mucha ilusión escribir, especialmente cuando se trata de hablar de alguien conocido, vecino, alguien que es sinónimo de casa. Es lo que nos está pasando en estos momentos con Álvaro Hernández, músico, artista y compositor monovero, a quien conocemos desde hace muchísimo tiempo. Hace ya cerca de 10 años que lo seguimos de cerca, desde que pisara el escenario de Tú sí que vales. Pero es que desde ese mismo momento, no ha dejado de crecer y de crear, siendo uno de los grandes talentos de nuestro pueblo y de toda la provincia de Alicante.
Y es que en medio de toda esta vorágine creativa, Álvaro acaba de presentarnos su nuevo y recién estrenado single, llamado «Sin motivo». Una canción que, al más puro estilo pop, nos habla del final de una historia de amor de, prácticamente, una vida entera. Un relato de superación, al fin y al cabo. Sin duda alguna, la mejor manera de continuar con esta nueva etapa que el artista inauguró algunos meses con «Para volverte a ver», uno de sus temas más exitosos. Pero, ¿por qué nueva era? Porque además del salto cualitativo y profesional que ha dado, el compositor monovero ha comenzado a trabajar con su amigo y también artista Pepe Bernabé, quien se encuentra en estos momentos frente a la producción de sus composiciones.
Por supuesto, la canción de «Sin motivo» ha llegado acompañada de su respectivo videoclip, en el que han participado y trabajado otros jóvenes y talentosos artistas de Monóvar. Como la actriz Aitana Alfonso, protagonista principal del clip; y Juan Campos (JJFILMZ Filmmarkers), encargado de la dirección de la pieza audiovisual.
Ahora que «Sin motivo» está en la calle, es el momento perfecto para sentarnos con Álvaro Hernández y conocer mucho más y mejor este proyecto musical y vital. ¿Qué más queréis saber sobre él?
Tiene una sensibilidad y un talento fuera de serie. Así nos tiene, en bucle. A partir de ahora, lo podemos llamar efecto Danny Starr. «Belong» ha sido la más reciente composición que nos ha regalado. Un tema en el que se ha vaciado por dentro, desnudándose y regalándonos su parte más íntima. Pero no será el único, pues en apenas un par de días nos dará una nueva sorpresa que, por supuesto, también llegará en forma de canción. Preparaos para la llegada de «Losing Sight», a la par que disfrutáis de la entrevista que le hicimos.
¿Quién es Danny Starr? ¿Quién está detrás de este proyecto musical?
Soy un cantautor londinense de 22 años que lleva escribiendo canciones desde hace 8. He vivido en Londres toda mi vida, envuelto en el torbellino que es nuestra capital, y he dado cientos de conciertos en mi ciudad natal y en todo el Reino Unido. Todo empezó como un desahogo emocional para mí después de haber perdido mi principal camino en la vida, el camino que había seguido desde que tenía 4 años, el rugby profesional. Una lesión me impidió volver a jugar de forma competitiva, así que lo que era un pasatiempo a tiempo parcial se convirtió en una posible carrera a tiempo completo. Cuando empecé a componer, construía mis canciones sobre la montaña rusa emocional que supone ser un adolescente irresponsable con una perspectiva muy limitada del mundo. Un momento complicado en el que el más pequeño de mis problemas, parecía una gran catástrofe que iba a cambiar la tierra. Ahora, escribo con la misma honestidad y misma dedicación, pero teniendo unos cuantos años más de experiencia y de vida.
¿Cuál es el proceso creativo y compositivo de Danny Starr?
Normalmente, mi inspiración proviene de momentos memorables de mi vida o de personas que he conocido y que han pasado por cosas que me parecen especialmente conmovedoras. La idea de la canción se forma a partir de estos momentos de inspiración y suele crecer a partir de ahí, empezando con una línea o letra que lleva el mensaje y el sentimiento general que quiero transmitir. Con el tiempo, la canción y yo entramos en un ritmo natural en el que se plasma casi sin esfuerzo en la página. Esto es mucho más común cuando escribo sobre mi propia vida, ya que el elemento terapéutico de la escritura entra en acción. Puedo simplemente volcar mis emociones sobre algo en la letra. Otras veces, este ritmo tarda mucho más en alcanzarse (especialmente si tengo que enterrarme en la cabeza y el corazón de otra persona) y puede que no se alcance nunca. En los momentos difíciles en los que la escritura se detiene, suelo recurrir a partes de canciones que me han gustado y pienso en por qué me gustan. Luego, trato de incorporar algo de eso a la obra actual y ver hacia dónde me lleva. Me encanta el proceso de construir algo a partir de la nada. Me gusta mantener la naturalidad y la realidad en todo momento.
La parte lírica de la composición siempre ha sido mi principal salida. Últimamente, la parte de composición de mis canciones se ha convertido en un proceso más colaborativo, ya que he empezado a trabajar con un compositor con mucho talento y gran amigo mío. Esto me da más tiempo para pensar únicamente en las letras, mientras Charlie me pasa melodías y acordes que terminan concentrando muy bien el mensaje.
Cuando la gente conecta con una canción que he escrito sobre mi propia experiencia o mi interpretación de una experiencia muy personal de otra persona, siento que he logrado mi objetivo como compositor, y no hay nada más gratificante que ver que eso ocurre también en los conciertos. A veces, mientras escribes la canción, esos momentos se te presentan por sí solos. Pero muchas otras veces, solo puedes saber si el tema cala en la gente cuando lo cantas por primera vez. Así que esa primera actuación es parte de mi proceso. Si no funciona, se vuelve a abrir el cuaderno y se saca el bolígrafo.
¿Cuáles son las principales influencias y referencias cuando compones?
Hay algunas bases fundamentales que contribuyen a lo que intento conseguir con mi escritura… la primera de ellas es Amy Winehouse. La honestidad de las emociones y la crudeza de las historias que contaba en sus canciones es incontestable en mi opinión. El poder de Adele para transmitir sus experiencias a través de las canciones y la franqueza lírica de Arlo Parks, junto con la capacidad de narración de Arctic Monkey o Passenger, son habilidades a las que aspiro. El imaginario e ingenio de Ben Howard no puede dejar de mencionarse, mientras que todo el sonido inspirado en el gospel de Hozier es algo a lo que me remito a menudo en el estudio. Por último, hay que mencionar a The Kinks, que dominaron gran parte de mis escuchas cuando empecé a escribir canciones con la guitarra, y a Paolo Nutini, que me inspira continuamente a ampliar mi rango vocal y mi ambición con la escritura melódica. Hay muchos más, por supuesto, pero eso te da una idea de dónde siento que viene lo que hago.
¿Qué importancia tiene el mensaje, las letras de las canciones?, ¿cómo de liberador es componer para ti?
Para mí lo es todo, y a veces no es nada liberador. A veces mi dedicación al mensaje, al argumento y a la emoción que transmite la canción mata la idea en su totalidad.
Este verano nos regalaste tu último single «Belong». Cuéntanos más sobre él, ¿cómo surgió y qué importancia tiene para ti?
«Belong» es una canción con la que tendré fuertes asociaciones emocionales durante mucho tiempo. Empecé a escribir el tema justo antes de que la COVID19 se convirtiera en noticia. Acababa de romper una relación larga y me sentía perdido, confundido y sin ese sentido de pertenencia que tanto anhelamos como seres humanos. Todas esas emociones se acentuaron cuando se anunció el confinamiento, justo al día siguiente del último concierto de mi gira de 2020. Momento en el que nos vimos sumidos en un aislamiento forzoso. Esos meses que siguieron fueron algunos de los más duros de mi vida y durante ese tiempo terminé la letra de «Belong», tratando de encapsular el sentimiento de falta de contacto, de rumbo o de propósito vital que estaba experimentando… Esperaba que cuando la gente escuchara el tema comprendiera que, por mucho que asocien su soledad con la canción, todos estamos luchando de forma muy similar y al mismo tiempo. Así que ninguno de nosotros estaba realmente solo todo ese tiempo, pero estábamos luchando mentalmente juntos.
¿Es este el comienzo de una nueva era para Danny Starr?, ¿se avecinan nuevas composiciones?
Todo el proceso de «Belong», desde la composición hasta la producción y el lanzamiento, pasando por el hecho de que mi mejor amigo de la infancia hiciera el diseño del single, hizo que me sintiera más en contacto conmigo mismo, respecto a anteriores composiciones. Y aunque todas ellas han nacido de lo más profundo de mí y han sido muy personales, «Belong» ha elevado al máximo todas esas sensaciones. Es por eso por lo que este tema es diferente. Ese desarrollo es algo que definitivamente veo como un proceso demasiado continuo como para hablar de pasar a una nueva era. Aunque hay aspectos de mi vida definidos o plasmados en cierto tipo de canciones, mi forma de escribir cambia con cada tema que termino. Así que el punto en el que me encuentro, que no veo que vaya a terminar pronto, se centra en encontrar la representación más honesta y cruda de lo que estoy tratando de decir. Tal vez estemos entrando en una nueva época dentro de la era actual en la que escribo menos sobre la ruptura de la adolescencia y más sobre hacia dónde nos dirigimos como especie, y dónde encajo yo en ese viaje.
Más allá de todo esto, ¿cuáles son tus próximos pasos?, ¿nuevos conciertos en el horizonte?
Tengo un nuevo single, «Losing Sight», que saldrá el próximo 26 de noviembre, y tengo muchas canciones nuevas que seguiré publicando a lo largo del próximo año. He pasado mucho tiempo escribiendo con Charlie. Igual que he pasado mucho tiempo en el estudio de Harlesden, grabando algunos instrumentos magníficos a través de una mesa Neve de los años 60 aún más magnífica, que está captando todos los tonos vocales crudos que siempre he querido en mis temas. El estilo vintage con el que estamos empezando a construir mis canciones, aporta esta nostalgia a los disco, haciéndolos más reales. Quiero que parezca que estoy sentado en una habitación cantando a todos y cada uno de los oyentes, y siento que estoy empezando a conseguirlo. En cuanto a los conciertos, trato de tocar tan a menudo como puedo. El 25 de noviembre, estaré con la banda de Charlie, Weird Milk, en Omeara; y el 21 de enero toco en The Slaughtered Lamb.
Has tenido un gran reconocimiento a lo largo de tu carrera (341.000 streams en todo el mundo, ganaste el LANDR Rising Artist Initiative, alcanzaste el número 1 en las listas de ReverbNation Singer/Songwriter). ¿Qué ha supuesto todo esto para ti y cuál es el mayor aprendizaje que te has llevado?
Todo el apoyo que recibo gracias a mi música, significa y significará muchísimo para mí. Desde los comentarios individuales en mis redes sociales hasta los mensajes privados de la gente sobre el significado de ciertas canciones y cómo las han interpretado, pasando por las emisiones de radio, las entrevistas y las listas de reproducción en todo el mundo. Todo ello me hace sonreír y me hace trabajar más y más. Escribo poniendo todo de mí, mostrando siempre mi parte más personal. Así que ver cómo la gente conecta con esa producción creativa y comparte esos sentimientos conmigo es simplemente hermoso. No hay nada en el mundo que se le parezca.
Quedan dos preguntas, que son las que siempre me gusta terminar. La primera es, ¿qué canción tuya identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?
Ahora mismo, diría que «Hello 2063». Es una canción que habla de una futura raza humana que se evacua a Marte tras llegar a un acuerdo con los marcianos. Todo a raíz de la crisis del cambio climático. No hace falta decir que las ideas sobre un futuro interplanetario para nosotros ya no son demasiado oscuras, con lo aterrador que es lo que está pasando con nuestro planeta ahora mismo, no solo en lo que respecta al clima. Escapar al espacio parece bastante tentador, la verdad.
Y la última, ¿qué es lo más loco que has hecho por la música?
En la actuación de Lewis Capaldi en Barn On The Farm, mis compañeros y yo atravesamos todo el público para pasarle una alfombra a Lewis durante «Someone You Loved». Todo mientras cantaba, «I let my guard down, and then you pulled the rug». La cogió y corrió por el escenario tirando de ella. Una tontería, pero el tipo de tonterías que se dan en los festivales del Reino Unido.
Son potemcia en estado puro. Así lo han demostrado en su primer adelanto, «Mierda de fiesta». Y es que Ultraligera encarnan perfectamente la nueva esencia del rock, cuya estética puede llegar a recordarnos a bandas como Måneskin; pero sin perder la esencia de formaciones más clásicas o míticas como los Strokes, Artic Monkeys o The Killers. Pero, por supuesto, todo ello pasado por el propio filtro de la joven formación madrileña.
Une electricidad y una personalidad capaz de traspasar fronteras, capaz de alcanzar a cualquiera que se ponga en su camino. Sí, es el efecto Ultraligera, que acaba de causar sus primeros estragos. Con apenas una canción. Pero tan solo es la primera de la lista, la primera de todas las que stán por llegar. De hecho, a principios de año pasaron por Gaua Producciones, un antiguo caserío ubicado en Bizkaia, que les sirvió como retiro musical y espiritual. Su espacio seguro, en el que poder componer, crea, grabar y dar vida al resto de canciones que nos presentarán en breves. Fue allí donde se sumergieron en una especie de burbuja, que tan solo se volvió a la vuelta de Ultraligera a Madrid, que en ese momento, se encontraba completamente cubiera de nieve y bajo los efectos del temporal Filomena. Una primera fase de grabación a la que, hace muy poco tiempo, se sumó una segunda en Estudio A sonido, donde trabajaron mano a mano con el productor Ludovico Vagnone (Maná, Alejandro Sanz, The Corrs o Zucchero).
Una realidad palpable, nuevas canciones que se avecinan y algún que otro concierto en mente. Bajo esta potente premisa y con el ansia y la emoción por bandera, no nos queda más que esperar a que Ultraligera nos siga sorprendiendo con todas y cada una de las sopresas que nos tienen preparada. Y, por supuesto, disfrutar de la entrevista que le hicimos hace apenas unos días a Javier Gismero, vocalista de la banda.
Canciones que con más que canciones. Canciones que se convierten en toda una declaración de intenciones. Canciones que están llamadas a convertirse en himnos. Como «a punto, muy cerca», el nuevo y esperado hit del joven artista y compositor Greg Taro. Una canción con la que ha firmado su vuelta y con la que ha redefinido su sonido, marcando así el inicio de una nueva etapa en su carrera. Además de ser una de las más personales e íntimas para él. Y es que, tal y como asegura él mismo: «la escribí cuando estaba pasando por una fase donde creía tener que demostrar algo a gente de mi entorno».
La primera cuarentena fue la oportunidad perfecta para que Greg Taro se metiera de lleno con la composición de este «a punto, muy cerca». Meses de encierro y soledad para todos. Meses de introspección. Meses de crear arte y dar vida a un tema único. Poco más tarde, llegó el momento de entrar a estudio, siendo Berlín el escenario perfecto para ello. Fue entonces cuando entran en juego Florian Hofer y Alex Beitzke (James Arthur, Florence and the Machine o Lighthouse Family), con quienes Greg trabajó mano a mano en la producción del tema.
El inicio de todo lo que está por llegar y de todo lo que Greg Taro aún nos tiene que regalar. Y es que si algo podemos asegurar con tota certeza es que 2022 será su año. El año que lo alzará aún más como uno de los artistas más prometedores de nuestro panorama musical. El año en el que lo podremos conocer más y mejor gracias a su música, a sus canciones. Aunque mientras ese momento llega, preferimos quedarnos con el recuerdo de la entrevista que le hicimos hace apenas unos días. ¿Queréis saber más sobre él?
Lo descubrimos hace muy poco tiempo y estamos en bucle con cada una de las cosas que hace. Procedente de Recife, pero afincado en Lisboa, llega Paes para arrasar con su música, concretamente con su recién estrenado álbum, llamado «Blue Tree Salvador». Cuarto álbum de estudio y uno de los más personales, que se adentra en el universo recreado por el artista durante el confinamiento que vivimos a causa de la crisis de la COVID. Momento en el que el compositor todavía residía en São Paulo. Todas y cada una de las canciones reflexionan sobre la existencia, el aislamiento y traen temas que hablan de la nostalgia, la ausencia y la memoria.
Una esencia y una manera de componer que ya forman parte del imaginario de Paes, y que ya hemos podido percibir en sus anteriores trabajos. Y, que por supuesto, adquieren una nueva dimensión en los directos, en los que no solo nos adentra en los temas de este último «Blue Tree Salvador». También repasa todas y cada una de las composiciones compuestas y editadas durante sus 14 años de carrera, así como versiones de temas de Unknown Mortal Orchestra y Jards Macalé. En este sentido, impensable perdernos las dos grandes citas que el artista tiene en Barcelona: hoy sábado 20 de noviembre en L’Occulta y el próximo jueves 25 de noviembre en el Bar Vinil de la ciudad condal.
De manera paralela, Paes también se ha adentrado en el mundo del arte, al haber participado en diferentes exposiciones conjuntas. Así es como dio forma a «Fotosensibilidad», un conjunto de dibujos de humanoides en situaciones inusuales. O la que fuera su primera exposición individual llamada «A Memory of Saudade», una serie de pinturas con retratos, una instalación y fotografías que abordan el tema de la nostalgia, la naturaleza de los rituales, la ascendencia y el renacimiento.
Es por eso por lo que ayer nos sentamos a charlar con Paes, para que nos hablara más y mejor de su proyecto musical y para que nos explicara todo lo que está por llegar o cómo afronta sus conciertos aquí en Barcelona. Entre muchas otras cosas más, por supuesto. ¿Queréis saber más? Pues solo tenéis que darle al play.
