No sabríamos decir exactamente cuándo los descubrimos. Probablemente fuera cuando debutaron con su primer trabajo llamado «Singularity» (2018). Poco después llegó el turno de su EP, «Kid Stuff» (2019). Y ahora, lo han vuelto a hacer. Staytons regresan por todo lo alto y lo hacen con su nuevo trabajo discográfico, su segundo álbum, «Lo que siempre has querido». Un disco con el que rompen completamente con la dinámica actual, un disco con el que comienzan a experimentar con nuevos sonidos e incluso con nuevos idiomas, un disco que tenemos totalmente en bucle, un disco que ha llegado como un bálsamo en estos tiempos complicados. Y es que no deja de ser el mejor reflejo de lo que los asturianos son: un grupo de jóvenes que han perdido el verano de su juventud en el invierno de la pandemia, pero que a pesar de todo no se han rendido. Por fortuna, existe la música. Existe su música.
Un disco de tribu en un mundo de solistas. Un disco que supone el segundo larga duración en la carrera de los asturianos y que fue grabado durante 2021 en dos tandas en la enorme sala de OVNI Estudio (Llanera) con Igor Paskual y Dani Sevillano como productores. Como resultado, tenemos once instantáneas que hablan de querer y no saber; de buscar y no encontrar. Y, a pesar de todo, de seguir queriendo. En definitiva, una pequeña obra de arte que no hace más que asentar a Staytons como una de las grandes esperanzas de nuestra emergente (y no tan emergente) escena musical. ¡Qué suerte que formen parte de ella!
Es por eso que, en medio de tantas novedades recientes, sentarnos a hablar con ellos ha sido una verdadera maravilla. Y es que, podemos hablar largo y tendido sobre la banda y este disco. Pero, ¿quién mejor que Staytons para darnos todos los detalles al respecto?
No es la primera vez que hablamos sobre él. Pero hemos de reconocer que llegó a nuestras vidas hace relativamente poco tiempo. Así y todo, en muy poco tiempo, Selbor ha conseguido hacerse un enorme espacio en nuestras vidas. No es para menos si sacamos a relucir el enorme talento y el amor que hay tras este increíble proyecto musical que, en clave de electrónica, se dispone a arrasar con todo. Si con «Lies» comenzó a abrirse paso, con «Mensaje» y con «The Arrow» terminó de ganarnos. Sin embargo, este pasado viernes dio un paso al frente. Este pasado viernes vio la luz su primer larga duración homónimo.
Un discazo en el que está cuidado hasta el más mínimo detalle. Un discazo en el que Selbor nos ha permitido conocer su faceta más íntima y personal, pero todo pasado por el sutil filtro musical de la electrónica y las melodías pop. De la mezcla única de ritmos hipnóticos. Un discazo 360º en el que absolutamente todo es importante: desde las propias canciones, capaces de atraparte y adentrarte en su universo; hasta el propio arte visual que lo envuelve. Precisamente, en este último aspecto, el compositor y DJ ubetense afincado en Londres no ha estado solo, pues ha colaborado con la artista, escultora y maestra del diseño 3D, DÉBORAS. Y ha sido ella la encargada de realizar la portada del disco. Sabiendo todo ello, no cabe duda de que el concepto artístico de este «Selbor» está muy bien definido e hilado.
Aprovechando la reciente salida de este increíble disco, queríamos invitaros a que lo escuchéis y lo descubráis. Pero no sin antes avisaros de que hace algunos días charlamos un rato con Selbor. ¿Quién mejor que él para explicarnos cómo se ha fraguado este álbum? Él mismo nos dio todos los detalles al respecto. ¿Queréis saber más? Pues tan solo tenéis que darle al play.
Después de cualquier tormenta, llega la anhelada calma. Una calma y una luz que, en nuestro caso, ha venido determinada por «Little Bighorn», el tercer álbum del quintento vigués Isius. La mejor manera, sin duda, de firmar su regreso y hacerlo por todo lo alto. Un trabajo discográfico repleto de luz, poderío y madurez. Un trabajo discográfico que supone el tercero en su carrera, y que a nosotras nos ha vuelto completamente locas. Sencillamente, es una auténtica maravilla. Un diamante en bruto que hay que escuchar a la de ya. Sin duda alguna, se han lucido por completo. Han conseguido combinar a la perfección diferentes sonoridades y demostrar cuán importante es pasárselo bien y disfrutar, sin muchas más pretensiones o expectativas. Es ahí donde radica la magia. Es eso, precisamente, lo que nos ha hecho vibrar tanto.
«Little Bighorn» es la prueba sonora del amor que Isius destila por el power-pop donde tienen cabida influencias de The Beatles, The Beach Boys, The Kinks, Sonic Youth, Dinosaur Jr., The Posies, Nada Surf, Teenage Fanclub o Wilco. La prueba de que la pasión mueve montañas y que la música siempre, siempre se convierte en nuestra mejor medicina. Una medicina que en directo adquirirá una nueva dimesión. Y es que mucha atención, porque con la reciente llegada de este tercer álbum, los vigueses se disponen a presentarlo en directo. Ojala sumen fechas pronto, pero por el momento, sabemos que disfrutaremos de ellos en la Sala Karma de Pontevedra (mañana 1 de abril), en la Fábrica de Chocolate de Vigo (el sábado día 2) y en la Sala Cadavra de Madrid (el 21 de mayo). ¿Os los vais a perder?
Pero mientras estos anhelados momentos llegan, nosotras preferimos recordar la charla que tuvimos hace algunos días a Edu, uno de los miembros de Isius. Para nosotras fue un verdadero placer descubrir más sobre la banda y conocer todos los detalles que envuelven este tercer lanzamiento.
Deseando que llegue el anhelado momento en el que «Pausa dramática», el nuevo álbum de Vënkman sea nuestro. Un disco que sabemos que llegará para revolucionarlo todo y que se alza como el gran trabajo de la banda mallorquina y su primer larga duración, tras haber debutado en 2020 con su EP, «¿Hay alguien ahí?». Un instante anhelado que, sin embargo, se hace mucho más llevadero si pensamos que la formación liderada por Teo Marín ya nos ha dado las primeras pistas de lo que encontraremos en su disco. Así es como se han ido abriendo paso «Imperfecto», «A quien le hagan daño» y la última «Autómatas».
Ha sido con esta última canción con la que los descubrimos. Ha sido esta canción la que tenemos completamente en bucle. Bajo el manifiesto de «jamás te rindas, jamás claudiques», la banda nos presenta la que puede ser su canción protesta o visionaria. Hablamos de «Autómatas», un tema que el propio Teo Marín escribió antes de que la pandemia nos arrancara los días de luz y de color. Sin más pretensión que expulsar lo que llevaba dentro, resultó ser un himno perfecto para los días de encierro.
Una canción especial. Una canción que se sumará a «Imperfecto» y a «A quien le hagan daño», ya no solo en este nuevo disco que llegará como agua de mayo a nuestras vidas. También en los conciertos. Y es que el próximo 8 de abril, Vënkman actuarán en el Club Mutante de Palma de Mallorca. Nueva cita en directo que estamos deseando que llegue ya. aunque mientras todos estos grandes acontecimientos se suceden, nosotras preferimos quedarnos con la entrevista que le hicimos hace algunos días a Teo Marín. Él nos da todas las pistas sobre este increíble proyecto musical que acabamos de descubrir. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?
Es una de las bandas de Latinoamérica más representativas de la escena del pop. Ellos son Miranda!, la mítica formación argentina liderada por Ale Sergi y Juliana Gattas. No sabríamos decir cuánto tiempo ha pasado desde que los descubriéramos, pero ese momento se nos quedó grabado a fuego. Su talento e influencia han permanecido intactos a lo largo del tiempo. Han sido ejemplo a seguir. Han sido grandes referentes para toda una generación de jóvenes que ha crecido con su música. Y ahora, en medio de la celebración de su 20º aniversario y poco después de haber presentado su octavo álbum «Souvenir», tenemos la enorme suerte de disfrutar de ellos en España (esta noche y el jueves en la Sala Apolo de Barcelona, y el viernes en la Shoko de Madrid). Así que imaginad la emoción de hablar con ellos antes de estas tres citas ineludibles.
Aprovechando que vio la luz el pasado año, me gustaría preguntaros por vuestro último álbum «Souvenir». ¿Cómo nace y qué suposo para vosotros? Y en este aspecto también, ¿cómo fue la acogida?
Ale. La verdad es que las canciones se readaptaron al concierto. Nosotros, siempre que hacemos un disco, pensamos en la grabación, pero sobre todo pensamos en cómo esas canciones se van a incluir en el show, porque somos un grupo de vivo. Nos encanta grabar, pero entendemos que es el en el directo cuando más fuerza y sentido adquiere nuestra propuesta. Y eso ha pasado desde que el álbum vio la luz, que lo hemos ido mezclando con los clásicos. Hay temas como «Me gustas tanto» que ya se fue para el fondo de la lista , lo que quiere decir que ya está entre los top. Lo mismo nos pasó con la aperturda del álbum («Por amar al amor»), que también la tenemos como apertura de los conciertos y de los festivales, y siempre funciona bárbaro.
Completando tu pregunta, para nosotros este disco supone celebrarnos, regodearnos en nuestra esencia. Es un álbum en el cual no pretendimos explorar caminos muy, muy diferentes. Siempre tratamos de que haya algo distinto, sin variar la esencia de lo que es Miranda! Pero en este no quisimos incorporar nada nuevo, simplemente quisimos recuperar los momentos más importantes de nuestra carrera y refrescarlos. Eso lo hicimos a propósito porque el disco salía el año de nuestro 20 aniversario. Entonces nos parecía lindo hacer un disco de celebración. Pero no recogiendo los grandes éxitos, que es lo que se suele hacer en estos casos. Nosotros quisimos celebrarlo de esta manera, haciendo nuevas canciones inspiradas en lo que es nuestra propia esencia. De ahí el nombre también, es como un pequeño recuerdo de nuestro cumpleaños número 20.
¿Cómo recordáis todo el proceso creativo y compositivo de este álbum? Y en este aspecto, ¿cómo fue trabajar con Cachorro López y con Gabriel Lucena?
A. Fue igual que siempre, canción a canción. No es que un día decidamos crear un disco y nos pongamos del tirón. Nosotros estamos permanentemente haciendo música. Muchas veces vamos al estudio y me encuentro allá con Juli, vamos teniendo ideas que vamos desarrollando juntos o que incluso ya llegan bastante avanzadas. Lo mismo con Cachorro, que es productor nuestro desde nuestro tercer álbum y tenemos esa dinámica de trabajo. Quizás ya sí que cuando nos jutamos con él, pensamos puntualmente en el álbum. Pero te diría que estamos todo el tiempo componiendo, a ver qué sale. Aprovechando la visita en Barcelona, voy a visitar el estudio de un amigo argentino y grabaré una canción. Hace algunos días me junté con los Varry Brava y también estuvimos componiendo. Estamos pernanentemente haciendo música nueva, sin pensar demasiado en cómo y en cuándo verán la luz.
Ya en el momento en el que necesitamos dar vida a un nuevo álbum para renovar tour y girar de nuevo, es cuando regresamos a todas estas canciones. Juntamos lo que más nos gusta y completamos con ideas nuevas. Pero no es que nos sentemos a idear un concepto y en base a eso creamos. Va surgiendo poco a poco. De hecho, «Entre las dos», la canción que tenemos con Javiera Mena nació un poco así. Sin forzar nada y un día que nos juntamos con ella en Buenos Aires. Grabó ella y en el momento de hacerlo nosotros le preguntamos si le parecía que la incluyéramos en nuestro disco. Y enseguida nos dijo que sí.
Mencionabas la colaboración con Javiera Mena y también quería preguntaros por la que tenéis junto a Sidonie. ¿Nació también de esta manera tan genuina y tan fortuita?
Juliana. Sí que fue fortuita porque tuvimos la suerte de que nos conocieran y de que les gustara nuestra música, porque justo estábamos en España y Ale comenzó a consultar con quién podíamos hacer una colaboración nueva con este tema que teníamos, que se llama «Me gustas tanto». La compañía discográfica nos comentó que podía ser con Sidonie, a los que todavía no conocimos en persona, pero con los que creemos que tenemos una conexión muy fuerte. Los conoceremos estos días. Así y todo, creemos que la canción quedó muy chula y que recoge muy bien la conexión entre ambos. Lo cual es curioso porque normalmente las colaboraciones siempre las hacemos con amigos, con personas con las que tenemos relación estrecha. Como con Javiera, a la que conocemos desde hace ya 15 años. Pero muy bien, porque este tema quedó muy cálido y muy en sintonía con lo que es Miranda! Le pusieron unos arreglos muy concretos y tiene como una esencia muy irónica que nos encanta. A mí me gusta mucho, deberíamos tocarla más en directo.
A. Ahora con ellos [risas]. Sí que es cierto que lo que hicieron al final de la canción fue una locura. Grabaron 80.000 voces en múltiples canales.
Siguiendo con este tema de las colaboraciones, tuvimos la oportunidad de veros hace algunas noches en el concierto de Varry Brava, con quienes cantasteis «Hortera». ¿Cómo vivisteis vosotros el momento y cómo sentisteis la energía desde el escenario?
J. Bueno, se siente como una ilusión realizada, porque de todas las cosas que hicimos en medio de este paréntesis, en medio de esta pandemia, la colaboración con Varry Brava la grabamos en mi casa. Y eran cosas que íbamos haciendo nosotros porque nos gustaban y nos entusiasmaban. Un poco por mantener el personaje artista que llevamos dentro. Y lo cierto es que jamás nos imaginamos grabando esta canción y cantándola posteriormente con ellos acá en España. Es una fantasía que parece guionada. No parece real, para nosotros es un sueño. Nos llena de felicidad, pero también de fantasía. Cierto que Ale los conocía más de antes, yo justo los conocí en este viaje, pero me caen súper bien. Me encanta su estilo y su estética, y también los estuve siguiendo en el Benidorm Fest.
Y el asunto de hacer amigos en España es re-lindo para nosotros. Si bien no venimos tan seguido como a otros lugares que por practicidad nos quedan mejor y donde planeamos más giras, nuestro corazón está mucho acá por las influencias pop de las bandas que escuchábamos cuando Ale y yo nos conocimos. Como Dorian, La Casa Azul o Le Mans, entre muchísimas otras. Sentimos que hay una afinidad a la que hay que hacer justicia.
También quería preguntaros por «El arte de recuperarte», el último single que nos habéis regalado. Saber un poco cómo surge esta canción y qué significa para vosotros.
A. De alguna manera, esta canción es la muestra de una nueva etapa. Porque desde nuestro tercer álbun hasta «Souvenir» trabajamos con Cachorro López. Y en esta ocasión, tras cinco álbumes, trabajamos con Mauro de Tommaso a la producción. Sentimos que tiene una sonoridad diferente, aunque la esencia del grupo sigue estando. También es cierto que la idea de cambiar de productor no era por sonar diferente, si no por probar algo nuevo, por cambiar un poco la dinámica y la rutina nuestra. Esa es la primera novedad que nosotros encontramos en el tema.
Luego es una especie de reggae pop, que ya es un ritmo que habíamos probado alguna que otra vez, pero que en esta ocasión lo encuentro más 80’s que nunca. Como podría ser «Perfecta» o «Caía la noche», pero tiene toques pop ochenteros. Y eso es por la producción de Mauro. Es una canción muy tierna y dulce, pero el personaje es bastante obsesivo y se pone un poquito denso. Entonces está ahí esa especie de contradicción. La música suaviza lo que podría ser una situación complicada con un obsesivo enamorado. Que él se da cuenta, ¿eh? Es un poco como el personaje eterno de Miranda!, que se obsesiona hasta el límite, pero a la vez se lo toma con humor y se ríe de sí mismo. Ese punto tan tragicómico que ya forma parte de nuestra esencia y de nuestro imaginario sonoro.
Aprovechando que tenéis tres fechas en España, entre Barcelona y Madrid, ¿qué supone para vosotros celebrar vuestro 20 aniversario aquí y cómo lo afrontáis?
J. Bueno, los cumpleaños en realidad, para los dos, son como una especie de excusa para hacer fiesta. De hecho, este 2022 estamos cumpliendo 21, pero queda más lindo decir 20 [risas].
A. Ya empezamos a mentir [risas].
J. Pero dentro de la mentira, voy a plantearte la verdad [risas]. Cumplimos 21, pero festejamos 20. Hay uno que no estamos celebrados. El punto es que son marcos que nos sirven para plantear y sacar adelante el show. Así como te dice Ale que compone las canciones como a medio conciencia o a propósito del directo, el resto de excusas también nos sirven para seguir en esta línea y mantenernos activos. Especialmente teniendo en cuenta que de la mitad del directo hacia el final son todo hits que sabemos que funcionan y que sabemos que la gente ama desde hace 15 años. Pero al final todo nos sirver para moldear la introducción, para ir cambiando el marco del show, el vestuario. La celebración del 20 aniversario no es más que eso, pues. La excusa para decir que llevamos mucho.
Y que queda mucho, esperamos.
A. Bueno, eso nunca se puede saber. Lo que sí que sabemos es que después de 20 años, más que con la energía intacta, estamos con la energía renovada para seguir. También nos sentimos fuertes y consolidados. Además, que la gente nos siga animando, nos siga escuchando y nos siga reconociendo, nos da mucha alegría. Nunca hemos dejado de tocar, tan solo durante el momento complicado de pandemia. Y ahora que podemos volver, lo hacemos con el doble de ganas que antes. Eso nos ha hecho coger más pilas. De hecho, nunca nos habíamos venido un mes entero a España de conciertos, de promoción, de relación con otros artistas. Siempre veníamos una o dos semanas y nos volvíamos. Pero esta ocasión, planeamos este viaje como una aventura. Porque para nosotros ha sido como salir de nuestra zona de confort y de los lugares que, de alguna manera, ya tenemos conquistados. Estamos contentos.
Descubrirla ha sido mágico. Y es que con su dulce y suave voz consigue rozar el alma de todo aquel que tiene el placer de escucharla. Hablamos de Daada, el alter ego de la artista germano-colombiana criada en Tanzania, Maike Kusserow. Solo le han bastado cuatro canciones para cautivarnos con esa particular forma de concebir la vida a través de la música. Todo un tejido creativo que, siendo bien variado, ha tenido la última prueba de talento en su single «What are my hands for?».
Un tema nacido en lo más complicado de la pandemia que explira el concepto de soledad y la necesidad de contacto físico. Todo ello, acompañado de una íntima producción LoFi, que no hace más que reafirmar esta sensación. Un tema muy especial del que la propia compositora llegó a explicar lo siguiente: «Ni siquiera me di cuenta de que este era mi estado de ánimo y mi alma durante meses hasta que la letra y el sentimiento salieron de mí en el estudio una tarde de julio».
Con una sensibilidad fuera de serie, Daada lleva desde muy pequeña vinculada con la música, creciendo en un ámbito muy propicio para desarrollar sus dotes artísticas. Cuenta que con apenas 7 años escribió su primera canción, acompañada de su violín. Años más tarde, se atrevió con la guitarra de su abuela, que permanecía colgada en la pared de su casa como si se tratara de un elemento decorativo más. Ese fue el inicio de todo lo que se fue sucediendo después. Amor por las letras, amor por la composición, amor por la música de artistas tan diversos y eclécticos como Juanes, Shakira, Nelly Furtado o James Blunt.
Sin duda alguna, todo ello marcó el inicio de lo que a día de hoy es su alter ego, Daada. Una palabra que tiene un significado muy especial en swahili, pues quiere decir «hermana». El apodo con el que la llama su hermano y que, a su vez, personifica muy bien lo que quiere expresar con su música. Pero todo eso, mejor si dejamos que nos lo explique ella misma. Por suerte, hace algunos días, tuvimos la oportunidad de hablar con Maike. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?
Arkets ha sido uno de los grandes descubrimientos de este periodo corto pero intenso de 2022. Si bien es cierto que se salen de lo que habitualmente escuchamos, pero nos han llamado especialmente la atención por su eclecticismo y por cómo han sido capaces de crear arte de manera tan magistral. Quien todavía tenga sus dudas, tan solo tiene que escucharse de principio a fin su álbum más reciente, «Dark light». En bucle estamos con él. Aunque para bucle, la entrevista que hicimos hace algunos días a Romain Frati, compositor y vocalista de la formación francesa. Esto es lo que nos contó.
Para la gente que no conoce vuestro proyecto musical, ¿quiénes son Arkets?
Arkets es un proyecto de pop-rock alternativo de Metz creado en 2011 con Mathieu Marie (guitarras), Loïc Turpin (bajo), Jean-Marc Robin (batería) y yo mismo (composición, voces y coros, piano, sintetizadores, arreglos de cuerda). En Arkets pueden aparecer muchos estilos musicales porque no me gusta poner barreras. Mis orígenes musicales son múltiples y Arkets es la ilustración de ello: art rock, progresivo, jazz, electro, world music, música clásica. Todo puede pasar y me gusta esta idea de libertad. No tenemos fronteras musicales, el bagaje de cada músico es muy ecléctico. Pero si tuviéramos que dar algunas influencias, diría que podemos percibir de vez en cuando a Radiohead, Toto, Tears for fears o incluso Sting, pero lo que sale posteriormente en las crónicas es diferente: Ben Folds, Steven Wilson, Joe Jackson, Young gods, Supertramp, Nick Cave. Me hace pensar que lo que hacemos tiene su propia impronta.
«Dark light» es vuestro nuevo lanzamiento. ¿Cómo surgió el concepto de este álbum?
En cuanto al nombre del álbum, diría que el concepto surgió después del proceso de composición. Compuse diez temas sin planificar nada. Luego busqué el título del álbum y me di cuenta de que en estos diez temas había dos caras, una de ellas más oscura, lo cual es bastante inusual para mí.
El lado positivo y luminoso trata de temas como la paternidad, el amor y los sueños. El otro lado trata de la obsesión, la muerte o el tema de los emigrantes. «Compression Suite» es sexualmente sensual. «The Maze» trata de una persona perseguida en el laberinto del minotauro. «The Very Last Moment» trata de los últimos momentos de alguien (mi padre estaba muy enfermo en ese momento y estaba preocupado). Necesitaba un título que combinara estos dos aspectos y apareció «Dark light». La música sigue lógicamente el mismo concepto. A pesar de esta dicotomía hay una homogeneidad, porque la mayoría de las canciones fueron escritas en muy poco tiempo (verano de 2020) y corresponden a un estado de ánimo específico de esta época.
Hay arreglos cincelados, cuerdas y también músicos invitados. Así, podemos escuchar una contribución muy hermosa al saxofón soprano de Dominique Gatto en «What the tide leaves» o un solo de guitarra muy personal en «Beautiful child», que da al álbum un sabor particular. No olvidemos la fuerte presencia del piano, algo lógico ya que suelo utilizar este instrumento en el proceso de composición.
¿Cómo recordáis el proceso creativo, de composición y de producción de este álbum?
En el primer año de Covid-19, estaba en plena composición de las canciones de «Dark Light» y, en cierto modo, el primer cierre me permitió centrarme en ese proceso creativo. El verano de 2020 fue especialmente prolífico. Recuerdo una semana muy creativa en la que se compusieron tres canciones. Había una luz natural preciosa en mi estudio y las condiciones eran perfectas para componer sin pensar en nada más. Fue un momento lleno de cierta espiritualidad. Pero sacar un disco en medio de una pandemia también tiene sus inconvenientes, como no tener los locales preparados para el lanzamiento del disco y no poder presentar el proyecto inmediatamente en el escenario.
Yo grabo las voces, los coros, el piano, los teclados y hago la programación eléctrica en mi estudio. Mathieu suele grabar sus guitarras también en casa y a veces en un estudio más grande. Aporta al conjunto una creatividad que se complementa muy bien con mi universo en términos de arreglos y aspecto melódico. El equilibrio entre el piano y las guitarras sigue siendo uno de los principales aspectos de este proyecto. El bajo y la batería se grabaron en un estudio externo para la homogeneidad del sonido. Jean-Marc aporta una gran energía y el trabajo de colaboración durante la grabación es genial. Constantemente intercambiamos y encontramos cosas juntos durante las tomas hasta que en algún momento llegamos a una versión que nos conviene a los dos. En algún momento decimos «¡Esto es lo que necesitamos!». Me gustan las intervenciones melódicas, los rellenos expresivos en las partes de bajo. Me gusta Tony Levin, el bajista de Simply Red o Mike Porcaro. Loïc cumple este aspecto magníficamente y el groove está ahí. Hubo un verdadero trabajo de detalle entre nosotros dos antes de la sesión de grabación y es un aspecto del trabajo que me gusta.
La grabación y la validación de las canciones se hicieron con bastante rapidez, excepto «Beautiful Child» y «Heroes». No estaba del todo satisfecho y fue necesario cuestionar la estructura de estos 2 títulos para que la energía esté ahí. Los músicos que trabajaron en «Dark light» son realmente talentosos y se involucraron hasta que no hay que lamentar cuando se vuelve a escuchar el álbum.
Grabamos y mezclamos en Studio Amper con Jean-Pascal Boffo que hizo un gran trabajo como ingeniero de sonido y músico invitado en «Beautiful child» y «What the tide leaves». La masterización se llevó a cabo en el estudio The wall con Sam Berdah, que terminó el álbum de una manera muy agradable. Recomiendo sin reservas sus habilidades, son personas generosas y apasionadas.
La foto de la portada del álbum fue tomada por Fabrice Bisignano. Fabrice hace unas fotos preciosas y domina la postproducción y eso es lo que buscaba para este álbum. La foto del interior la hizo Olivier Toussaint, un fotógrafo de talento que me conoce bien, y para hacer retratos es increíble. Todo el trabajo gráfico fue realizado a distancia por Loïc Lelandais, que se encargó del concepto de humo de la portada. Hizo un magnífico trabajo tanto en el vinilo como en el digipack del CD.
¿Cómo construye Arkets su imaginario sonoro y en qué se inspira?
Creo que hay una conexión cinemática y cinematográfica con esta música. Refleja un sentimiento, un estado de ánimo y cuenta una historia, aunque la música suele componerse primero. Al haber hecho música de cine, creo que hay una coherencia.
La música también puede construirse a partir de una idea general del texto. Si tomo por ejemplo «What the tide leaves», la idea era recrear la atmósfera de una llegada a una playa. Así que tienes largos tramos de sonido y un sonido de guitarra claro y soñador, hay agua. Las letras expresan todas las historias que se encuentran tras la música, delatando mi pensamiento en ese momento. Podría hacer referencua a una película que vi, como el título «Runaway train» o a algo que me toque emocionalmente o me divierta.
¿Cómo han sido las primeras reacciones del público?
Las reacciones han sido, en general, positivas y teñidas de sorpresa. La gente lo encuentra bastante original y trata de encontrar puntos de anclaje, referencias con las que compararnos. Estas referencias son bastante múltiples y cambian cada vez. Lo que hacemos va a veces a contracorriente de lo que se hace actualmente. El público de algunos países reacciona muy bien al escuchar nuestra música, como Brasil o España. Es increíble ver que estamos en las listas de reproducción de una decena de nacionalidades, aunque todavía tenemos que encontrar nuestro público.
Segundo disco después de debutar con «Projectile», que se publicó en 2016, ¿cómo ha evolucionado el proyecto desde entonces y cuál es el mayor aprendizaje que os habéis llevado de este periodo?
En primer lugar hay que hablar del contexto del primer disco para responder a esta pregunta. El proyecto entró rápidamente en una compañía discográfica con la grabación de tres títulos y dos videoclips. Las cosas no me salieron bien en cuanto a requisitos y decidí en su momento dejar de colaborar con esta discográfica. Esto me enfrió considerablemente y coincidió con mi partida a Montreal por un período de dos años. Así que el proyecto quedó en suspenso durante ese tiempo. Me di cuenta, poco antes de volver a Francia, de que los temas que habíamos grabado y la maqueta que habíamos hecho seguían siendo escuchados con estadísticas sorprendentes, y esto sin haber hecho ninguna promoción. También era consciente de que todo el equipo había invertido mucho tiempo y esfuerzo en este proyecto y pensé que era injusto no publicar el primer álbum. Así que cuando volví a Francia en 2015, comencé la producción de «Projectile», lanzado en 2016. En el momento de la publicación de este álbum me encontraba, por tanto, en pleno proceso de reinstalación en Francia y ya estaba empezando a componer para el siguiente. Así que, si resumo, el trabajo no se detuvo entre los dos lanzamientos. Primero fue el lanzamiento de «Elsewhere» como single con videoclip en 2019.
Me parece que hubo una evolución en estos dos títulos que fueron compuestos justo después de mi regreso: más racionalizado, más orientado al directo en los arreglos. Mi voz también entró en un rango más profundo en algunas pistas.
A continuación, se produjo la grabación del nuevo álbum y volví a tomar mis notas. Esto fue justo antes del primer cierre. Lo que pude aprender en ese tiempo es que el equipo que tengo conmigo es excelente y fiable. Aportan mucho a la estética de este proyecto por la libertad que tienen, y eso es una marca registrada.
¿Cuáles son vuestros próximos planes?
El siguiente paso es realmente tocar y defender este proyecto en el escenario. El feedback de este disco es hasta ahora muy bueno y espero que ayude a aportar esa dimensión extra. Estamos dispuestos a tocar por todo el mundo y a viajar siempre que las condiciones sean decentes. A mí personalmente me encanta viajar.
Recientemente hemos firmado con el sello M&O, esperemos que eso también dé sus frutos porque tienen una buena reputación en cuanto a promoción. También me gustaría que saliera un nuevo videoclip.
Solo quedan dos preguntas, con las que siempre me gusta terminar. La primera es ¿cuál de tus canciones identifica mejor el momento en el que os encontráis y por qué?
Vaya. No estoy seguro de haber entendido bien esa pregunta. En un artículo reciente se hablaba de un triángulo musical en el que evolucionamos: el rock progresivo, el jazz y el electro. Creo que «Runaway Train» es una buena síntesis de ello. Añade el estribillo, la métrica del ritmo, los arreglos y la energía.
Y por último, ¿cuál es la mayor locura que hebéis cometido por la música?
Tendría varias que mencionar, pero diría que la más profunda en mi compromiso con la música fue un cambio de vida y de continente durante dos años para aprender música de cine y volver a ser estudiante. Tenía una vida cómoda a todos los niveles, pero este deseo de ir más allá en este campo fue el más fuerte. Deshacerme de mis posesiones, irme con 100 kilos de equipaje, el gato, un bebé en la barriga de mi mujer. Todo para volver a ser estudiante…fue un verdadero compromiso y una sorpresa para mucha gente.
Lo de Mariana També ha sido amor prácticamente instantáneo. Con una voz preciosa y un sonido intimista, ha conseguido cautivarnos con completo con sus canciones, especialmente con su último «Nadie como tú». Una canción frágil, de ritmos modernos e insaciables cuya producción ha estado en manos de la artista y productora argentina Luca Bocci. Una canción en la que se muestra su lado más vulnerable y sincero. Una canción intimista y mágica que supone la quinta en la breve pero intensa carrera de la artista que, poco a poco, se va abriendo paso tímidamente en la escena musical barcelonesa.
Por supuesto, «Nadie como tú» ha llegado acompañada de un videoclip muy minimalista y cuidado, rodado en su propia bajo la dirección de arte de Ana Andújar. Una pequeña gran representación de lo que ya supone y significa la canción, pero llevado a un nivel superior. Ella, que ha empezado a dejar ir el apego, se distrae preparando unas copas para sus visitas. Pero es inevitable mantener la concentración, es inetivable no cantarle a la cámara, mientras esa representación más pura de lo que es el amor recae en sus dos peces, con los que se siente más segura y fuerte. De esta manera, la narrativa gira entorno a poder desprender ese amor y poder crear otros nuevos.
Llevando la música por bandera desde bien pequeña, Mariana També se ha ido adentrando poco a poco en esta emergente escena musical. Abriéndose hueco con su particular estilo, con sus letras profundas con sonidos experimentales. Y es que lo tiene todo para terminar reventándolo: voz, aura, inquietudes. Una especie de don y un talento sobrenatural, que hemos tenido la oportunidad de descubrir más y mejor, gracias a la entrevista que le hicimos hace algunos días. ¿Quieres saber todo lo que nos contó la artista?
Desde el corazón de Puerto Rico, TUNNEL19 han pegado el gran salto, más que dispuestos a arrasar con todo. Y es que con un talento fuera de serie y unas ganas de comerse el mundo, la banda de indie rock está comenzando a arrasar, siendo «Intoxícate» la última gran prueba de ello. Una canción que se adentra si miedo en el tema de las adicciones – amorosas en este caso – , que pueden llegar también a convertiese en tóxicas. Una canción muy especial que, sin embargo, no ha sido la primera incursión de la banda dentro de la escena musical, pues debutaron hace ya cerca de un año con «Voces», siguiéndola muy de cerca con «Encerrado (Contigo)».
Un proyecto musical muy incipiente, encabezado por los dos músicos y artistas Eguie Fernández y Ángel Yoel Soto. Un proyecto musical emergente que, a pesar de todo, cuenta con un enorme bagaje detrás, pues sus dos creadores llevan más de una década trabajando juntos en multitud de bandas de versiones. Una experiencia y unas tablas sobre los escenarios que, bien seguro, les ha ayudado y les ha dado alas a la hora de dar vida y crear TUNNL19 y todas y cada una de sus canciones (las tres que hemos escuchado hasta el momento y todas las que aún están por llegar).
En medio de todo este mar creativo, quisimos hablar largo y tendido con la banda, para que nos contaran cómo nace TUNNL19, para que nos explicaran qué han supuesto estos tres primeros adelantos para ellos o para que nos den alguna pequeña pista de todo lo que está por llegar, entre muchas otras cosas. ¡Y ojo, cómo disfrutamos de la charla! ¿Quieres saber todas y cada una de las cosas que nos contestaron al respecto? Pues solo le tenéis que dar al play y disfrutar de esta distendida entrevista.
Fusionar dos mundos tan diferentes como son el rock y la electrónica. A Permanent Shadow saben de lo que hablan, saben lo que cantan. Con unas ganas de revolucionar todo el panorama y de despuntar con un carácter y estilo propios, la banda encabezada por CP Fletcher acaba de publicar su nuevo álbum, llamado «Humdrum». Toda una declaración de intenciones, que no hace más que reafirmar a la formación como una de las más potentes y prometedoras de nuestra escena musical actual. Y es que, tras haber debutado en 2019 con su primer «Songs Of Loss», regresan con nuevas canciones que, musicalmente, se muestran continuistas respecto a sus predecesoras; aunque tienen también cierto punto relajado con respecto a ellas.
Sí, a Permanent Shadow deja atrás la conceptualización de «Songs Of Loss», para abrise paso con otras temáticas en «Humdrum». Temáticas que van desde la aversión de CP Fletcher por el mundo empresarial hasta la discriminación por edad, los gurús de la autoayuda y las teorías de conspiración que rodean a la tsunamis de 2011 en Japón. Otro asunto recurrente es el de anhelar una vida mejor y tomar giros equivocados al tratar de lograrlo. Sentimientos como la envidia, la decepción y el resentimiento se abordan ampliamente en las letras.
Un segundo álbum del que disfrutar de principio a fin. Un segundo álbum en el que CP Fletcher no ha estado solo, pues ha vuelto a estar escudado fielmente por Albert Català a los teclados y Valentí Nieto a las guitarras, el bajo y la producción. Un segundo álbum que comenzó a gestarse a finales de 2019, pero fue creciendo y madurando durante la propia pandemia, hasta ver la luz en este preciso momento. Un segundo álbum que hemos podido concoer más y mejor, gracias al propio lídey y vocalista de A Permanent Shadow. ¿Queréis saber lo que nos contó?
Cuando la escuchamos por primera vez, definitivamente pensamos que para nada era nuestro estilo. Pero si algo tiene la música es esa innata capacidad para sorprendernos y rozarnos el alma. Eso es lo que ha hecho Skyelar con nosotras. Entro tímidamente a nuestra vida con «Moon Dogs» y ha terminado de romper con todo con su nuevo single de adelanto, «I Shed My Skin». Momento perfecto entonces para sentarnos a hablar con ella y que nos cuente todos los detalles sobre este interesante, único y personal proyecto musical, que dentro de nada adquirirá una nueva dimensión con la llegada de su nuevo álbum, «Lucid Dreaming»
Para la gente que no conoce tu proyecto musical, ¿quién es Skyelar?
Soy Jaklien, cantante, compositora y productora con sede en Utrecht, Países Bajos. Y Skyelar es el nombre de mi proyecto musical independiente. Me acuerdo como si fuera ayer, tenía siete años y no tenía el suficiente sueño para irme a la cama tan temprano, así que empecé a inventar canciones en mi cabeza y a cantarlas tranquilamente. Eso era lo que hacía y nunca dejé de hacerlo. Podía levantarme cada mañana y empezar a escribir.
Se podría decir que Skyelar fue la culminación de mi carrera musical. Siguiendo mi verdadero camino, estudié Teoría e Historia de la Música en la Academia Schumann de Utrecht, complementando este curso con estudios de Producción Musical. Durante este tiempo también empecé a desarrollar mi propia marca de música. Trabajando con músicos de sesión de Europa y Estados Unidos, mis canciones están escritas, arregladas y producidas desde mi estudio en casa. Ahora estoy muy orgullosa de decir que voy a lanzar mi primer álbum «Lucid Dreaming» el 22 de abril.
Además de la música, trabajo en el sector de la salud mental. Me encanta pasar tiempo con mi perro, un Beagle llamado Lucy y hago danza moderna todas las semanas. Además de esto, viajar, salir con mi pareja, tener una buena cena con amigos o simplemente una tarde en la playa pueden poner una sonrisa en mi cara. Estas son las cosas que aseguran que habrá suficiente inspiración para escribir.
«I Shed My Skin» es tu último lanzamiento. ¿Cómo surgió esta canción y cómo fue todo el proceso creativo y de composición?
Las ideas se me ocurren cuando hay mucho silencio, sobre todo por la noche. De repente oigo una melodía, quizá sea una voz o un piano, pero también puedo oír arreglos completos. Eso puede ser muy molesto cuando estás muy cansada y quieres dormir. A veces, incluso tengo que levantarme para grabarlo o me quedo despierta toda la noche. Esta canción se basa en el tema del piano que se oye repetidamente en las estrofas y creo que después, la frase «I Shed My Skin» se me ocurrió con la melodía. Cuando mi pareja me dijo que un amigo suyo había dado un giro a su vida, supe inmediatamente de qué trataba la canción y empecé a elaborar los detalles.
¿Qué significa esta canción para ti y cómo han sido las primeras reacciones?
Bueno, esta significa mucho para mí, estoy muy orgullosa de ella y es mi favorita del álbum. Me gustaría escribir más de este tipo, pero no puedes forzar la inspiración. Te llevará a donde quiera ir. También he recibido muchas respuestas positivas de músicos y otras personas de la industria, así que no puedo quejarme. Alguien me ha dicho que no suele escuchar este tipo de música, pero que le encanta esta, que de alguna manera es como un mantra tranquilizador. Por otro lado, me doy cuenta de que es una canción bastante extravagante. Si todo el ambiente no es de tu agrado, nunca lo será.
El videoclip nos ha llamado especialmente la atención. Tiene un estilo muy atmosférico. ¿Cómo se te ocurrió darle este toque?, ¿forma parte de la esencia del proyecto musical de Skyelar?
Creo que esta canción recoge la esencia del estilo que he desarrollado a lo largo de los últimos años. Analizándola, se podría decir que las composiciones son melancólicas y atmosféricas, que te llevan a un mundo cinematográfico y rico en texturas. Todo esto se combina con las voces elevadas.
Para el vídeo encontré estas imágenes de archivo de una mujer corriendo por el bosque con este perro gigante que casi parece un lobo (que es una especie de figura de marca para Skyelar) y no podía creer lo que veían mis ojos, estaba como hecho para este vídeo. En la canción estoy cantando sobre un bosque: «Quiero ser el cazador en mi bosque». Lo cual significa que quieres recuperar el control sobre tu propia vida. Así que esta mujer vagando en medio de un bosque es muy adecuada. Además, como la canción es un intento de enfrentarte a ti mismo, las dos mujeres enfrentadas con arco y flecha también me parecieron muy adecuadas. Tuve mucha suerte al encontrar todas estas fantásticas imágenes.
¿Cómo construye Skyelar su imaginario sonoro y en qué se inspira?
Bueno, como he dicho antes, dejo que las ideas vengan a mí. Para ello, tengo que asegurarme de que hay silencio y no hay estrés. Entonces puedo escuchar arreglos enteros en mi cabeza. Cuando empecé a construir los primeros arreglos para Skyelar, como punto de partida utilicé los instrumentos que más me gustan, como el piano, la batería, las guitarras, las cuerdas y, definitivamente, los sintetizadores – con los que me encanta crear misteriosos campos sonoros-. Eso es lo que hace que mi trabajo sea atmosférico y cinematográfico, creo. Además, otro punto clave es que me gusta mantener las cosas pequeñas y acústicas, pero por otro lado, también me encantan las partes de guitarra rockeras y por eso decidí en algún momento que debía intentar combinar esas cosas.
Tras el lanzamiento de esta canción, ¿cuáles son tus próximos planes o pasos?
Bueno, eso no es difícil porque mi calendario ya está bastante lleno para los próximos meses. En primer lugar, el lanzamiento de mi primer álbum «Lucid Dreaming» tendrá lugar el viernes 22 de abril y después, a finales de mayo, para celebrar este lanzamiento, grabaré algunas secuencias en vídeo en directo con una banda fantástica. Es un proceso increíble dar vida a Skyelar en forma de espectáculo en vivo. Vamos a grabar 5 canciones del disco y podréis ver los vídeos en mi canal de YouTube de cara al mes de junio. ¡Estad atentos para más información sobre esto!
Solo quedan dos preguntas, con las que siempre me gusta terminar. La primera es ¿cuál de tus canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras profesionalmente y por qué?
Quizá no sea la respuesta más original, pero creo que en realidad es «I Shed My Skin». Sacar mi primer disco después de tantos años de soñar con algo así, me hace sentir que estoy meneando cosas en mi vida y por eso me hace preguntarme si podría dar un giro a mi propia vida y vivir de hacer música. Pero tendría que ser «el cazador de mi bosque» y atreverme a ir «donde está el núcleo final». Cavar tan profundo puede ser un reto.
Y por último, ¿qué es lo más loco que has hecho por la música?
Oh, vaya, me encanta esa pregunta, pero supongo que la respuesta es: muchas cosas. Como dormir en pequeñas tiendas de campaña, correr por campos embarrados, hacer cola para conseguir entradas y cuando casi estás allí se han agotado, escabullirme de la oficina para ver a mi grupo favorito cuando trabajaba en el famoso festival Pinkpop, estar despierta toda la noche porque el concierto estaba de nuevo en la otra punta del país, ver un concierto durante horas bajo la lluvia (llevando una camiseta), bailar toda la noche, conducir hasta un concierto en medio de una fuerte tormenta de nieve, hacer una audición para un espectáculo con cena mientras sufría una horrible laringitis, volver locos a mis padres junto con mi hermana, al cantar «Paradise by the Dashboardlight» terriblemente fuerte en la parte trasera del coche, hacer un karaoke con amigos, cantar «Dancing in the dark» en el escenario mientras no me sabía la letra (¡oh, creía que me la sabía pero definitivamente no!), cantar penis en lugar de Venus sin que la gente se diera cuenta (¡funcionó siempre!), reír hasta llorar en medio de un concierto, interpretar «Engel» de Rammstein en un 50 aniversario de boda…No sé, ¿es todo esto lo suficientemente loco?
Lo de María Fontana fue amor a primera escucha…no sabríamos explicar muy bien por qué. Quizás sea por el duende que desprende, por la magia y el sello que impregna en todas y cada una de sus composiciones, por su talento, por su voz. El caso es que descubrirla ha sido una de las mejores cosas que nos han sucedido en lo poco que llevamos de este 2022. Y es que es alguien a quien hay que empezar a escuchar a la de ya. A quien hay que empezar a seguir la pista, porque estamos convencidas que dará mucho de lo que hablar. Solo le han bastado dos canciones para demostrarlo. Sí, dos canciones. Precisamente fue a finales del pasado 2021 cuando debutó con su primer tema «Cap.1: Sin Freno»; y hace algunas semanas hizo lo propio con el segundo, «Cap.2: Déjame».
Las dos primeras cartas de presentación a las que ha conseguido dar forma y vida de manera concisa. Los dos primeros capítulos de un proyecto mucho más grande y conceptual. Partiendo de la base de que sabe muy bien lo que quiere, María está construyendo todo un universo sonoro y visual increíbles. En este sentido, ha sabido rodearse muy bien de un gran equipo de profesionales. Y es que ha trabajado mano a mano en la composición con Eric Oloz, con Mario Patiño de Atlántida Estudio en la producción y con Miki Florensa a la guitarra. Sin olvidarnos, por supuesto, de la labor que han realizado Vampire Films, especialmente con el segundo corte audiovisual (¡menuda obra de arte «Cap.2: Déjame»!).
Honestidad y sensibilidad es lo que desprende Martía Fontana con su arte, encontrando en él el mejor aliado para reflejar lo que se mueve en sus entrañas. Honestidad y sensibilidad creando música. Honestidad y sensibilidad actuando. Lo suyo no es de este planeta y, precisamente por eso, no hemos querido perder la oportunidad de saber más sobre la actriz, compositoria y vocalista. Una artista 360º. ¿Queréis saber qué nos ha contado?
