«Sociedad Digital» ya está en la calle. «Sociedad Digital» ya es nuestro. El pasado 23 de abril, Bisagra se estrenaron con este potente y necesario EP, que clama por la abolición definitiva de las necesidades creadas y reclama el derecho a una vida plena, consciente y feliz. Vigorosas secuencias rítmicas combaten la desorientación, la perplejidad y la decepción que retratan las letras. Melodías y armonías generan entornos apacibles para el despertar de la conciencia, principal reivindicación de un disco que señala a la ansiedad, los comportamientos compulsivos irracionales, el miedo y el desconcierto, y brinda una solución única, sencilla e infalible a todos estos y otros muchos males: vivir la vida.
Una gran premisa que trasladar a nuestro día a día. Pero si lo hacemos a ritmo de pop electrónico rico en matices, pues mucho mejor. Onírico, etéreo, directo y contundente, «Sociedad Digital» ha sido producido por Carlos Díaz (ingeniero de sonido de Los Planetas) y Noni de Lori Meyers. Por su parte, Javier Doria se ha puesto al frente de las mezclas, y Alan Douches del mastering. Además de contar con las colaboraciones del propio Noni y de Anni B Sweet en «Anoche soñé contigo» y «Cosas de niños», respectivamente.
Un disco redondo y completo, del que podríamos estar horas hablando. Aunque mucho mejor si os atrevéis a escucharlo y descubrirlo con vuestros propios oídos. Un disco que tendrá sus primeras tomas de contacto en directo, en ciudades como Málaga (14 de mayo), Granada (21 de mayo), Jaén (2 de junio) y Madrid (11 de junio), entre muchos otros lugares aún por confirmar. ¿En qué ciudad nos encontraremos con ellos?
Eso sí, mientras las primeras fechas de presentación llegan, nosotras queremos aprovechar para rescatar la entrevista que le hicimos hace algunos días a Gonzalo Jiménez y Jordan Montero. ¿Queréis saber lo que nos contaron?
Descubrimos su proyecto musical hace algunos meses y, desde entonces, no logramos salir de la burbuja musical que ha creado Carlos Gris alrededor nuestro. Más ahora, después de que haya publicado su EP debut, llamado «Flotante». Un trabajo que apenas lleva tres días en la calle y que ya se ha alzado como un verdadero cántico por el individualismo: «causa y a la vez solución a todos nuestros problemas». Un trabajo en el que el propio artista se ha atrevido a explorar con nuevas sensaciones y estilos. En solitario y en castellano, el madrileño nos ha llevado a su propio terreno y solo le han bastado cinco canciones para ello.
Cinco canciones que se adentran en el universo de la persecución de los sueños, del amor contemporáneo o de la distancia. Todo ello, a través de sinceras melodías pop que beben de influencias eclécticas que van desde el indie de The National al pop-rock nacional de Viva SuecIa, Vetusta Morla, Xoel López o Leiva,pasando por el dreampop de Alvvays o el pop electrónico de Lorde. Un arduo e intenso trabajo que, más allá de la propia composición y creación de las canciones a manos de Carlos Gris, ha sido posible gracias a Ramiro Nieto, con quien el artista madrileño ha trabajado en la producción de las mismas.
Un trabajo único y especial, que es producto de la inquietud de Carlos Gris. Después de largos años trabajando en bandas del Reino Unido como Neon Islands o Simple Fiction, se ha lanzado de lleno a esta aventura en solitario. Y el resultado está siendo verdaderamente increíble. Es por eso que, desde aquí, no solo os invitamos a que escuchéis su recién estrenado EP. También aprovechamos para presentaros la entrevista que hicimos con el compositor hace algunas semanas. Hemos de reconocer que ha sido muy complicado guardarla hasta este momento. Comienza la época «Flotante» y, con ella, la época Carlos Gris. Pasen, vean y disfruten.
Procedente de Ciudad de México, Fermín Fortiz ha construido su extensa carrera como compositor, productor y músico. De hecho, durante más de una década ha trabajado y girado como bajista, para artistas y formaciones musicales de la talla de Leonel García, Mon Laferte, Juanes, David Aguilar, Daniel Me Estás Matando, Iraida Noriega, Diego Maroto, Jeremy Bosch, Regulo Caro, Fiusha o Asker Big Band, entre muchísimos otros. Sin embargo, ahora comienza su viaje más complejo e intenso. Ahora emprende su viaje en solitario con su proyecto musical más íntimo y personal, FF. Un proyecto único que, por el momento, nos ha regalado una primera canción, «A Mi Ritmo». A ritmo de rap musical, esta canción nos ha encantado, a pesar de ser de un género al que no estamos nada acostumbradas. Pero es que el trasfondo y el mensaje son más que necesarios. Una canción que te invita a no bajar los brazos, a no desistir, a seguir caminando, poco a poco. Sin prisa, sin pausa y con unas incesantes ganas de seguir trabajando. Ahí queda dicho.
De hecho, fue su traslado a Oslo lo que le dio la fuerza y el ímpetu para comenzar a adentrarse en el mundo del rap y del hip hop. La llama comenzaba a arder. La llama comenzaba a coger forma, siendo «A Mi Ritmo» la gran primera prueba de ello. Una canción que pretende darnos a todos la garra y la fuerza para seguir adelante con aquello que amamos. Sin duda alguna, el mejor adelanto del que será también su primer álbum en solitario. Y es que sí, «Resiliencia» está en camino y será nuestro dentro de muy poco tiempo. Un trabajo discográfico muy anhelado, que estará cargado de rimas, de añoranza y de grandes experiencias vitales.
Demasiada información en muy pocas líneas. Así que mucho mejor si dejamos que sea el propio Fermín quien nos explique todos los secretos que se esconden tras su increíble y particular proyecto musical. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?
Desde el mismo corazón de Alicante, llegan Bicho Raro para sorprender al mundo con la llegada de su gran álbum debut. Un primer disco que vio la luz hace nada y que lleva por título «Caminos Cruzados». Un primer disco que, a ritmo de rock, no deja de asentar a la formación musical como una de las más prometedoras de nuestro panorama musical emergente actual. Baterías y bajos contundentes, guitarras enérgicas y una voz directa que funde a la perfección con unas letras muy trabajadas, basadas principalmente en los problemas diarios. Una máxima en la que se han apoyado Óscar Ballester (voz y guitarra), Pepe M. de los Santos (bajo) y Larry (guitarra) para dar vida y forma a este disco.
Un disco en el que Bicho Raro se han lucido por completo, echando los restos y demostrando todo lo que eran capaces de conseguir con esta, su primera carta de presentación. Un disco formado por ocho canciones potentes, que han sido grabada y producidas por el reconocido Raúl de Lara. Además, el apoyo en producción de voces corre a cargo de Marián Frutos (Kuve) y las baterías son de Sergio Bernal (M Clan o Funambulista).
De esta manera, la banda marca el inicio de la partida en su extensa y prometedora carrera. Una carrera que estará acompañada de un arrollador directo que, a falta de muchas más fechas por confirmar, les hará recorrer ciudades y escenarios como la Sala Fun Club de Sevilla (28 de mayo), la Sala Confetti Playa de Alicante junto a Locos de Atar (4 de junio), la Sala Planta Baja de Granada (10 de septiembre) o la Sala Maravillas de Madrid (1 de octubre).
Sin duda alguna, se avecina un buen cúmulo de sensaciones y de buenas noticias, que preferimos que nos expliquen ellos mismos. ¿Queréis saber que es lo que nos contaron cuando los entrevistamos hace algunos días? Pues solo le tenéis que dar al play y disfrutar de la charla.
Descubrir a Séraphin y escuchar de principio a fin su álbum «7665» ha supuesto para nosotras una auténtica revolución interna. Por su sensibilidad, por su manera de concebir el arte y la música, por la forma de transmitir todo lo que siente. Múltiples motivos se amontonan en esté cúmulo de emociones y sensaciones. Una manera única de tocarnos el alma y de enamorarnos. Todo con este conjunto de canciones, que vieron la luz el pasado 15 de abril. Por supuesto, no hemos querido perder la oportunidad de charlar con él. Y esto es todo lo que nos contó al respecto.
Para la gente que no conoce tu proyecto musical, ¿quién es Séraphin?
Soy un compositor francés que hace música rock desde 2012
«7665» ha sido tu último disco, ¿cómo nace este trabajo discográfico?
He estado trabajando en este álbum desde el 4 de octubre de 2014. Quería capturar todo lo que viene de mi inspiración y después de «7665» días de mi existencia. Cuanto más tiempo pasaba, más podía definir este proyecto. Lo vi como una resonancia magnética que fotografiara todas las regiones activas del cerebro en cada momento de la vida, orquestada por músicos que se cruzaron en mi camino y que me permitieron sublimar un diario de viaje, iniciado hace ahora ocho años.
¿Cómo recuerdas el proceso creativo y de composición de este disco?
Por lo general, tengo un sentimiento, un tema, un momento de mi vida que quiero relatar, que viene acompañado de una melodía. Generalmente la silbo o la canto en la aplicación Dictaphone de mi teléfono y luego la toco en el piano o en la guitarra. La grabo para hacer una maqueta.
¿Cuál es el mayor aprendizaje que ha sacado de todo este proceso creativo?
Que no hay que ponerle límites y compartirla con otros oídos, porque una canción nunca está realmente terminada.
¿Cómo han sido los primeros comentarios por parte del público, en referencia al álbum?
Muy alentadores, sentí que fui muy honesto en mi música.
¿Cómo construye Séraphin su universo sonoro y cuáles son sus principales referencias musicales?
A través de encuentros musicales, descubrimientos y la apertura de nuevos horizontes. Mis referencias musicales provienen de mis padres, que me educaron con David Bowie, los Beatles o Nick Cave. Durante mi adolescencia, descubrí a los Arctic Monkeys, que siguen siendo mi mayor influencia hoy en día.
¿Cuáles son tus próximos planes o pasos?
Hacer este álbum en directo en el escenario y tal vez darle una continuación.
Quedan dos preguntas con las que siempre me gusta terminar. La primera es, ¿cuál de tus propias canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras profesionalmente y por qué?
Creo que es la canción «Gold Strike», porque desde que la escribí se ha creado un vacío en mí y trato de llenarlo con arte, con mi música, con mis videoclips. Siento que no tengo más límites.
Y por último, ¿cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Tengo una enfermedad, la esclerosis múltiple, que me ha afectado físicamente. Tuve que cambiar por completo mi estilo de vida, dejando de fumar, beber y demás. Renuncié al espíritu del rock para seguir rockeando.
Descubrimos a Son Savage hace apenas unos meses, a raíz de la publicación de su állbum «Folie à Deux». Un trabajo tan necesario como esperado que surgió a raíz de uno de los momentos más complicados y trágicos para el artista: la explosión producida en el puerto de Beirut hace ya más de un año. Este hecho marcó un nuevo rumbo en la carrera del compositor, que dejó su trabajo de oficina atrás y comenzó a dedicarse en cuerpo y alma a la música. El punto de inflexión necesario para cambiar sus prioridades y dedicar más tiempo a lo que verdaderamente le apasiona. Una filosofía de vida que nos encanta y que, entre otras cosas, nos ha permitido descubrirlo. Aunque lo que de verdad nos ha permitido conocerlo mejor, es hablar con él.
Para la gente que no conoce tu proyecto musical, ¿quién es Son Savage?
En realidad, me llamo Charbel Ghanime y soy cantante, compositor, productor musical y, en ocasiones, director libanés. Son Savage es mi alter ego musical y un proyecto que lancé en agosto de 2021, cuando vio la luz «The River», mi primer sencillo, que llegó al número 1 en las listas de Anghami. Son Savage es un proyecto apasionante y nace como respuesta existencial a una experiencia cercana a la muerte que tuve durante la explosión del 4 de agosto de 2020 en Beirut.
«Superglue» ha sido tu último single, ¿cómo nació?, ¿qué significa para ti?
«Superglue» ha sido un tema muy divertido, probablemente el más divertido de los 12 que componen mi álbum de debut «Folie à Deux» (ya a la venta). La canción nació durante el proceso creativo del álbum y, de hecho, es la pista número 4 del disco. La canción significa mucho para mí a nivel creativo, ya que pude explorar muchas ideas nuevas con ella y siento que realmente amplió mis habilidades como productor musical y compositor.
¿Cómo recuerdas el proceso creativo y de composición?
Todo empezó una noche mientras experimentaba con unas líneas de bajo geniales. De repente, me llegó la línea de bajo principal que se oye en el estribillo de «Superglue». Al final, contraté al productor musical Javier Zacharias, que añadió algunas ideas a mi producción inicial, y luego me puse en contacto con el súper talentoso Vince «Crush» Nuñez, que añadió las partes de talkbox que se oyen en la canción. El resultado final fue esta desordenada, pero interesante canción pop que te engancha desde la primera escucha.
¿Cómo ha sido la respuesta del público a esta canción?
Pues ha recibido un feedback increíble tanto de medios como Verdadera Locura como del público online, especialmente con el lanzamiento del videojuego «SUPERGLUE!», que podéis descargar en vuestros móviles en App Store y Google Play. El juego utiliza una versión chiptune de 8 bits de la canción como banda sonora y está basado en el mismo juego que se ve en el videoclip. Esto añadió una experiencia de inmersión a la canción y permitió al público descubrir y conectar con mi música de una manera diferente.
¿Cómo construye Son Savage su universo sonoro y cuáles son tus principales referencias musicales?
Son Savage aúna mi afición por escribir música pegadiza y con gancho, que adquirí trabajando con compositores de Suecia, Dinamarca, Reino Unido y Estados Unidos; junto con mis diversas influencias enraizadas en el Rockabilly, el Blues, el funk, la Motown, el gospel, la disco y el rock & roll.
Debutaste con «Folie à Deux». ¿Qué significa este álbum para ti?
Para mí, «Folie à Deux» fue la culminación de 6 años de exploración musical y autodescubrimiento. El álbum sacó a relucir mucho de mí como artista y pude desarrollar lo que creo que es un cuerpo de trabajo muy cohesivo pero ecléctico. Estoy muy orgulloso del álbum.
¿Cuál es el mayor aprendizaje que te has llevado desde que publicaste este álbum en 2021?
Mi mayor aprendizaje es que el trabajo duro tiene su recompensa, especialmente cuando te lanzas a hacer algo sin ninguna expectativa de éxito. Me metí de lleno en este proyecto por puro amor a la música, y en el momento en que vi mi canción en el número 1, sentí que todos los oyentes me daban una palmadita en la espalda y me decían «¡Buen trabajo!».
¿Cuáles son tus próximos planes o pasos?
Después de que saliera el álbum, mi atención se desplazó hacia la música experimental. Lo que quiero decir es que la tecnología actual nos proporciona muchas formas nuevas y emocionantes de experimentar la música. Empecé a aplicar esto con la canción «Superglue» y su respectivo videojuego. La idea es que el juego crezca y que, además, se añadan nuevos niveles con bandas sonoras inspiradas en otros temas de «Folie à Deux». También estoy trabajando en un nuevo y emocionante proyecto que también ofrece una nueva forma de experimentar una de las canciones de este recién estrenado álbum. Pero por el momento, no daré más detalles.
Solo quedan dos preguntas, con las que siempre me gusta terminar. La primera es: ¿cuál de tus propias canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras profesionalmente y por qué?
Esa es una gran pregunta. Creo que «Sunflower Anthem», la última canción de «Folie à Deux», describe el estado en el que me encuentro desde que salió «The River». Es un estado constante de euforia mezclado con la mayor gratitud. Me encanta poder hacer lo que hago.
Y por último, ¿cuál es la mayor locura que ha cometido por la música?
Rechazar trabajos corporativos muy bien pagados. Para mí, hay cosas a las que no se les puede poner precio, y la felicidad y la alegría que me produce hacer música valen mucho más que lo que cualquier empresa podría pagarme, por muy loco que parezca.
El inicio de una nueva era, un cambio de rumbo, un nuevo comienzo. Una premisa en la que se ha apoyado To Brave My Soul para presentarnos el que es su segundo EP, llamado «Reflected». Con ese espíritu camaleónico que tanto lo caracteriza y con ese ímpetu por mezclar diferentes géneros y estilos, el artista madrileño Rafa Pastor firma su regreso con un trabajo discográfico de 10. Un trabajo en el que ha perdido el miedo a experimentar y a pegar un gran salto, pasando de sonoridades más típicas de los 90, a otras más clásicas de los años 80. Un trabajo blindado y reforzado por unas letras que nos invitan a ahondar en lo más profundo de nuestro ser, haciéndonos viajar entre diferentes estados y emociones, como son el optimismo, la épica, el recogimiento, la sensibilidad o las ganas de desinhibirse y ponerse a bailar. Y todo ello, en el tiempo que duran cinco canciones. Sencillamente, maravilloso.
Surgido en medio de la pandemia y grabado posteriormente en California Studios, «Reflected» ha contado con la colaboración de los músicos Alberto Muñoz (bajo), Pablo Díaz (batería) y David Sánchez (guitarra y bajo). Un EP redondo, conformado por cinco canciones con las que poder sentirnos identificados, pues pone el prisma en situaciones que todos nosotros podríamos llegar a vivir. Sin duda alguna, este segundo EP es una pequeña gran joya que descubrir, es una pequeña gran joya en la que adentrarnos y perdernos.
Nosotras ya hemos tenido la oportunidad de hacerlo, gracias a la intensa e interesante charla que tuvimos hace algunos días con el propio Rafa Pastor. Con él, pudimos repasar el pasado, el presente y un poco del futuro del proyecto musical. Además de saber de primera mano cómo se gestó este EP, «Reflected». ¿Te sumerges con nosotras en este particular viaje?
Es una de las bandas que más fuerte ha pegado estos últimos años, especialmente desde que los descubriéramos con «Stolen Dance». Desde ese momento han pasado ya nueve años y Milky Chance han permanecido incansables al paso del tiempo, regalándonos año tras año nuevos éxitos. En esta onda, «Synchronize» ha sido el último de ellos. Una canción pegadiza y necesaria, que llega dispuesta a arrasar con todo y con el sello innegable de la banda alemana formada por el vocalista y guitarrista Clemens Rehbein, el DJ Philipp Dausch y el bajista Antonio Greger. Acompañada de un videoclip increíble, rodado en Barcelona y dirigido por Marie Shuller, la banda ha puesto toda nuestra escena del revés. Y es que solo ellos saben cómo hacerlo. Solo ellos saben cómo hacer de sus canciones auténticos himnos.
Esta nueva canción es, sin duda alguna, la mejor manera de continuar con la estela que marcaron el pasado 2021 con su álbum «Trip Tape», del que destaca el gran temazo «Colorado». A su vez, también sirve como avanzadilla de todo lo que está por llegar. Y es que no os lo perdáis, porque viene cuarto álbum en camino y, de manera mucho más inminente, gira mundial. Sí, sí, como lo leéis. Importante este último aspecto, especialmente porque España se encuentra entre los múltiples destinos de los alemanes. Id apuntando ya fechas, porque los próximos 11 y 12 de octubre tiemblan las ciudades de Barcelona y Madrid, respectivamente. Los más ansiosos ya podéis comprar vuestras entradas y consultar todas las fechas del tour, aquí.
Ahora bien, mientras permanecemos más que ansiosas por la llegada de ambas fechas en directo (¡que menuda espinita clavada llevamos dentro!), nos quedamos con la entrevista que le hicimos hace algunos días a Clemens Rehbein, con quien analizamos un poco el pasado, el presente y el futuro de la banda. ¡Os contamos esto y mucho más!
Lo descubrimos hace muy, muy poco. Y aunque apenas cuenta con una sola canción, Chet Bucke ha conseguido ya lo impensable. Increíble, pero cierto. Con «Leaving (Marie)» nos ha conseguido tocar la fibra. Con este pequeño gran himno folk con toques flamencos, el joven artista vasco afincado en Londres ha conseguido aunar las mejores influencias de un lado y del otro. Ha reunido sus referencias culturales y familiares gracias a su abuela, y sus influencias musicales más actuales, dadas por todo lo que está viviendo en la capital británica. Dos caras de una misma moneda, dos mundos que confluyen en uno solo y que no dejan de representar su identidad a partes iguales.
Una canción única y especial, que no deja de servir como cántico a las raíces, a la tierra, a la familia. Un himno que nació de manera natural, inspirado en un vídeo de la abuela de Chet, cantando una melodía española atemporal. Una inspiración que ha cobrado vida en forma de sentido homenaje, al convertirse en la introducción de la canción. Ya con los primeros esbozos del tema hechos, quedaba otro asunto importante. Por fortuna, ahí estaba Colin Lanz, dispuesto a ayudar en todo lo referente a la producción de «Leaving (Marie)».
A pesar de todo, este no es más que el inicio de todo lo que está por llegar. Y es que a Chet Bucke le queda una prometedora carrera musical por delante. Carrera de la que esperamos ser testigos, porque llega pisando muy fuerte. Por el momento, nos quedaremos con el rato de charla que tuvimos con él hace apenas unos días. Una charla en la que no solo hablamos sobre este single de debut. ¿Quién se esconde tras el proyecto?, ¿qué significa para él la música?, ¿podremos escuchar nueva música pronto?, ¿cuáles son sus pasos más inminentes? Si queréis saber todo lo que nos contó, solo tenéis que darle al play.
Al talento no hay que darle vueltas ni tratar de entenderlo. El talento existe o no, sin más. En el caso de Alejo existe. ¡Vaya si existe! Con apenas tres canciones publicadas («Patologías del Bienestar», «Paso Firme» y la recién estrenada «Reina Republicana») y un disco en camino, que verá la luz el 22 de abril, el artista y compositor ha conseguido hacerse un merecido hueco en nuestro corazón. Un proyecto musical íntimo y personal que se ha ido cocinando a fuego lento y que está dando sus primeros pasos. Aunque no serán los únicos. Y es que con alma de pop-rock, pero con una lírica impresionante, capaz de rescatar nuestros problemas más reales y más mundanos, el compositor está dispuesto a dar mucho de lo que hablar a lo largo y ancho de este año 2022.
Más allá de las poquitas canciones que hemos podido escuchar hasta el momento. Más allá de saber que en unos días se avecina nuevo álbum. Existe un detalle que cada vez adquiere más fuerza y peso. Como bien pasa tras el lanzamiento de cada nuevo álbum, siempre llega el momento de su respectiva presentación en directo. En este caso, el gran álbum debut de Alejo tendrá su primera puesta de largo el próximo 14 de mayo en el Cadavra Club de Madrid. Una cita ineludible que hay que marcar en el calendario a la de ya.
Eso sí, mientras ese anhelado momento llega a nuestras vidas, nosotras como que preferimos recordar la entrevista que hicimos al artista hace apenas unos días. En ella, hemos podido conocer más y mejor este proyecto musical que, hasta el momento, era desconocido para nosotras. Y lo cierto es que ha terminado enamorándonos indudablemente. ¿Quieres saber quién se esconde tras la figura del Alejo artista? Pues él mismo nos lo cuenta. Además, nos da alguna pequeña pincelada de todas y cada una de las cosas que están por llegar.
Asentados en Nueva York, pero con el corazón ubicado en Perú. Tipa Tipo se presentan como una banda de pop, capaz de fusionar de manera increíble el espíritu del soft rock y la música disco de los 70 con ritmos latinos y un estilo de producción analógico moderno. Ya demostraron lo que eran capaces de hacer con su EP debut «El Chari» (2021). Un primer trabajo que se alza como un claro homenaje a los pianos eléctricos y a los exuberantes arreglos del yacht rock californiano, pero reimaginado con letras en español y desde una perspectiva femenina.
Y sin salirse de esta onda, están dispuestos a demostrar lo que son capaces de seguir haciendo con su próximo EP «2 Al Azar», que verá la luz durante el mes de mayo de 2022. Un trabajo en el que los temas presentarán una instrumentación de lujo, junto a las voces suaves y entrelazadas de los compositores principales, Adele Fournet y Felipe Wurst. Cerrando la formación, se encuentra Jordan Auber a la batería, quien se suma en todos y cada uno de los directos de la banda. En este sentido, hablando de conciertos, no podemos olvidar que el sábado 16 de abril actuarán en el escenario del Mercury Lounge de Nueva York, junto a la increíble banda Toebow.
Inspiradores y luminosos, Tipa Tipo han supuesto un verdadero descubrimiento para nosotras. Tal es así que llevamos varios días flipando con el single que acaban de publicar, «2 Al Azar» – justo la canción que dará título a su inminente y anhelado trabajo -, y es que han conseguido hacer algo verdaderamente único. Es por eso por lo que, en medio de tanta novedad, hemos querido aprovechar para charlar largo y tendido con ellos. Eso sí, desde la distancia. Pero todo lo que no puedan ya las nuevas tecnologías…Mucha atención a todo lo que nos contaron, porque no tiene desperdicio. ¿Te adentras con nosotras en este increíble y particular universo sonoro?
Nacida en Nueva Zelanda pero afincada en Estados Unidos, Estella Dawn nos ha enamorado por completo con su fortaleza, su personalidad, su talento y su voz. Increíble lo que canta y cómo lo canta. Con una visión creativa fuera de serie, solo ella sabe cómo canalizar todo este torrente de energía hasta conseguir una canción cohesionada y completamente formada. La conocimos con «Salt» y nos enamoró por completo con «Buzzcut». Pero es que este es solo el inicio de todo lo que está por llegar. Nuevo single («Easy To Fall»), disco a la vista y puede que gira. Pero mejor que nos lo cuente ella misma.
Para la gente que todavía no conoce tu proyecto musical, ¿quién es Estella Dawn?
Bueno, veamos. Soy una neozelandesa, kiwi para abreviar, que se mudó a América hace más de cinco años para seguir mi carrera como compositora, cantante, música, productora y todo lo que conlleva la música. He estado escribiendo canciones desde que era una niña y eventualmente aprendí a tocar el piano y la guitarra para ayudar en el proceso creativo de la composición. He lanzado un montón de singles a lo largo de los años y estoy constantemente perfeccionando mi oficio. Tengo más de 20 años, sé lo que quiero hacer con mi vida y estoy trabajando en ello a tiempo completo. Mi espíritu creativo es sólido y estoy disfrutando realmente de donde estoy, física, mental y emocionalmente.
«Buzzcut» ha sido el último single que nos has regalado. ¿Cómo nace esta canción y qué significa?
«Buzzcut» es una canción que habla de abrazar mi propia confianza interior. Y es que he pasado gran parte de mi vida moldeándome ante la gente en un intento de ser más simpática y tratar de encajar. Siempre he sido una persona muy complaciente con los demás. Quería darle la vuelta a eso con esta canción. Es mi himno personal para mantener mi columna vertebral y ser fiel a mi propia autenticidad. Para ser inquebrantable en lo que quiero y lo que necesito. Y también para sentirme sexy haciéndolo.
El próximo tema que presentarás es «Easy To Fall», que verá la luz el 15 de abril. ¿Qué nos puedes contar al respecto?
Un día me desperté, me di la vuelta, miré a la persona con la que salía en ese momento y me di cuenta de que ya no estaba enamorada de ella…Lo cual suena muy mal, pero es la verdad. Recuerdo que pensé en lo loco que era que alguien con quien antes estaba obsesionada, alguien con quien pasaba todo mi tiempo y con quien compartía cada pequeño secreto, fuera ahora alguien con quien simplemente no quería estar más. No es que nada saliera mal, nunca discutíamos, compartíamos tantos objetivos e intereses comunes. Pero aparentemente, de la noche a la mañana, todo el deseo que tenía se evaporóc. Y reo que mucha gente experimenta un sentimiento similar.
Siempre hablamos de lo duras que son las rupturas. Y la verdad es que te deje alguien a quien amas es extremadamente doloroso, es un asco. Pero en el lado opuesto, a veces ser el que se va puede ser lo mejor para ti, la felicidad de darte cuenta de que estás mejor solo es un lado que también quería compartir.
Si no nos equivocamos, esta canción es el segundo single de tu nuevo disco. ¿Qué puedes avanzarnos sobre él?
Este álbum es una colección de canciones que he escrito a lo largo de los años y que me pareció que se beneficiarían de los arreglos de una banda completa. No puedo decir que haya un tema central o un hilo conductor a lo largo del álbum. Es, más bien, una mezcla de canciones de amor, de ruptura, de empoderamiento y de diversión. Pero también es un reflejo de los últimos cuatro años de mi vida y de cómo he crecido, cambiado y adaptado al mundo que me rodea. Y de cómo he encontrado mi lugar en él durante ese tiempo.
¿Cómo construye Estella Dawn su universo sonoro y cuáles son sus principales referencias musicales?
Varía de una canción a otra. A veces mis canciones están influenciadas por las canciones que estoy escuchando en ese momento, cuyo ambiente me gustaría recrear de manera similar. Pero a menudo, me siento al piano y surge algo sin ningún tipo de guía.
Además, cuando utilizo una canción como referencia, el producto final siempre parece ser muy diferente de lo que quería. Por ejemplo, cuando escribí «Buzzcut», me inspiré en «Montero» de Lil Nas X. Y la única similitud que creo que tienen ahora es una parte de guitarra de cuerdas de nylon. No creo que al escucharla ahora sepas que está inspirada en ese tema.
¿Qué importancia tiene el mensaje en tus canciones?, ¿crees en el poder de la música como elemento transformador?
Creo que los mensajes son importantes, pero en última instancia depende mucho de lo que el oyente se lleve de una canción. Puede que escuche una canción y se lleve un sentimiento, emoción o mensaje completamente diferente al que el autor intentaba transmitir. Pero en mi opinión, ese mensaje es igual de importante, independientemente de que sea intencionado o no. La música es muy subjetiva. Todos tenemos nuestras propias experiencias vitales y sentimientos que cambian la experiencia de escucha. Diferentes palabras resuenan con diferentes personas por diferentes razones.
Creo absolutamente en el poder transformador de la música. Si te tomas un segundo y piensas en todas las formas en que la música influye en nuestras vidas y estados de ánimo de alguna manera, y en lo diferente que te sientes cuando escuchas ciertas canciones, es una locura. Por ejemplo, «Come and Get Your Love» de Redbone nunca deja de ponerme de buen humor, no sé por qué pero para mí son tres minutos de pura alegría.
Recuerdo estar en un autobús de fiesta y el sistema de sonido estaba roto cuando subimos por primera vez, tardaron en arreglarlo pero en cuanto lo hicieron todo el mundo pasó de estar sentado tranquilamente charlando en el silencio, a bailar en los postes, hacer chupitos y en general pasar un rato alborotado al ritmo de Beyonce. Cuando un bop suena, es difícil no moverse con él.
También creo sinceramente que las canciones pueden hacerte sentir más comprendido y menos solo, que es lo que más me gusta de la música, es un medio realmente hermoso para trabajar, puedes ejercer tanto poder con tu vulnerabilidad como artista.
Debutaste en 2018 con tu canción «Feet». Han pasado cuatro años desde ese momento y me gustaría saber, ¿cuál es el mayor aprendizaje que te llevas de este viaje?
Dios, hay tantas cosas. Supongo que principalmente que la persistencia es realmente la clave, si sigues con algo sólo puedes mejorar en ello. No te preocupes si no lo tienes todo claro al principio, hay muchas capas tanto profesionales como personales que vas a tener que trabajar y las cosas se resolverán solas cuando deban hacerlo. El éxito es una mezcla de trabajo duro y suerte, así que tu principal objetivo debe ser siempre poner tu música delante de tanta gente nueva como puedas.
¿Cuáles son tus próximos planes o pasos?
Lanzar algunos singles más del álbum antes de lanzar el disco completo y luego hacer algún tipo de fiesta de lanzamiento y, con suerte, hacer una gira también.
Solo quedan dos preguntas, con las que siempre me gusta terminar. La primera es, ¿cuál de tus canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?
Esa es una pregunta difícil, creo que el material más nuevo es siempre el que mejor pinta el momento creativo en el que te encuentras y para cuando esas canciones se publican generalmente has pasado a trabajar en algo nuevo. Pero si tuviera que elegir una de las canciones que ya he sacado, probablemente «Buzzcut». Siento que he crecido personalmente en este último año y esta canción lo refleja muy bien.
Y por último, ¿qué es lo más loco que has hecho por la música?
Me he puesto intencionadamente en situaciones emocionalmente inciertas solo para escribir. Enviar un mensaje de texto a mi ex, tener un par de malas citas en Tinder, empezar una discusión por algo ridículo, nunca se sabe si una buena canción puede salir de ello.
