Cuando el corazón, el sentimiento y el pensamiento se alían formando un combo perfecto, tenemos como resultado una canción tan pura y redonda como «Dulce Corazón». Un alegato en defensa del amor en todas sus facetas, desde el romántico al universal, pasando por el propio. Un tema motivante y cargado de energía donde Nala Rami plasma diálogos internos cocinados en la soledad de la pandemia. «Nunca tuvimos tanto tiempo y espacio para escuchar a nuestra voz interna, y de repente, esta voz dice muchas cosas y exige ser escuchada».
A diferencia de los anteriores singles de Alan Imar (alter ego de Nala Rami), «Dulce Corazón» se aleja de los sonidos más electrónicos, para acercarse a un beat disco-soul mezclado con un toque latino. Un trabajo que ha salido adelante gracias a la increíble participación y colaboración de Rodrigo Hernandez (batería de Alizz o Vic Mirallas) y Kevin DíazGraverán (Sra Tomasa o Meritxell Neddermann). Sin duda alguna, la mejor manera de que el artista y compositor canario regrese, y de que lo haga por todo lo alto. Por supuesto, el single ha llegado acompañado de un increíble videoclip, grabado con una estético al más puro estilo documental y con una atmósfera nostálgica congelada en el tiempo fue rodado en la zona más fiestera de Lanzarote. Ideado por el propio artista y dirigido por el talentoso director Ricardo Cavero.
En medio de tanta novedad y tantas buenas noticias, hemos querido aprovechar para charlar largo y tendido con Nala Rami para que nos cuente todos los detalles de su proyecto musical tan íntimo y personal. Quién hay detrás, cómo surge, qué significa para el artista «Dulce Corazón» o cuáles son sus próximos pasos, entre infinidad de cosas más. ¿Quieres saber más sobre él? Pues solo tienes que darle al play y disfrutar de la charla.
Lo conocimos hace poco y fue flechazo absoluto desde el primer momento. Y es que lo que no consiga LIAS con su música, no lo consigue nadie. Esa capacidad innata para conectar con el público y para trasladarnos todo lo que siente. Así lo ha demostrado con los cuatro primeros singles que nos ha regalado a lo largo de 2021 y 2022 («Run Boy Run», «Lost», «Hide and Seek» y «Need Me Now»), todos ellos avances del que será su nuevo e inminente EP.
Con la melancolía como hilo conductor de estos recientes adelantos, el artista y compositor alemán con raíces holandesas se abre en canal para mostrar su faceta más íntima y personal. Las primeras píldoras de un futuro trabajo discográfico que irá desvelando canción a canción. Sin duda alguna, la mejor manera de mostrar su evolución y personalidad, tras haber debutado en 2019 con su primer sencillo «Home». Aunque su relación con la música viene de mucho más atrás. Y es que siendo bien pequeño comenzó a adentrarse en el mundo de la música clásica, hasta que descubrió la composición gracias a su gran referente y fuente de inspiración, el mítico músico y creador, Billy Joel.
Abanderado de temas tan claves como la importancia de la salud mental, del amor y del desamor, de la necesidad de expresarse y vaciarse por dentro o de la incesante búsqueda del yo. Hace algunas semanas, pudimos hablar directamente con LIAS. ¿Qué mejor manera de que sea él quien nos descubra todos y cada uno de los detalles de su proyecto personal? Cómo empezó en la música, qué significan estas nuevas canciones para él, cuál ha sido el mayor aprendizaje de su carrera o cuáles serán sus próximos pasos, entre muchas otras cosas. ¿Quieres saber más al respecto? Pues solo tienes que dar al play y disfrutar de la entrevista al completo.
Después de toda una vida vinculada a la música, Ariadna Cross pega el gran salto y se atreve a iniciar su proyecto en solitario. Un proyecto del que ya hemos podido escuchar la primera canción «Me quedo a dormir». Un single de adelanto muy especial para la artista, ya que «trata sobre esos inicios, cuando idealizamos a alguien y se nos queda cara de tontos. Cuando queremos quedarnos a dormir porque todo es felicidad». Sincera, intimista y reflexiva. Así se presenta la madrileña. Y así nos regala este tema, una invitación a recordar aquellos momentos de felicidad que todos guardamos en nuestra memoria. Todo a ritmo de funky, pop y sonidos urbanos. Una pieza que, además, ha llegado acompañada de un increíble videoclip, protagonizado por el hijo de una buena amiga de Cross, con quien creó su primera banda con apenas 12 o 13 años, llamada Las Plumas Amarillas.
Sin duda alguna, esta canción es la mejor manera de arrancar con esta carrera en solitario y de dar el pistoletazo de salida al que será su anhelado EP debut, «Laminiña». Un título emblemático para la propia Ariadna, porque «es como me llamaba mi abuela». Cinco canciones conformarán este trabajo. Cinco canciones que serán muy diferentes entre sí, pero que prometen mostrarnos diferentes facetas personales y musicales de la artista madrileña. Un eclecticismo que ha estado presente en su vida desde que nació, por los múltiples géneros musicales que la han influenciado durante tantísimo tiempo.
Aprovechando que acaba de ver la luz este primer «Me quedo a dormir» y que «Laminiña» está en camino, hemos querido hablar con la artista para que nos cuente todos los detalles sobre este proyecto musical que acaba de nacer, pero que viene muy de lejos. Y es que la madrileña lleva la música en las venas, y no solo por ser la hija de Fortu Sánchez, líder de Obús. Ariadna Cross es mucho más que eso. Ariadna Cross es única.
Más de una década de experiencia en otras formaciones musicales y un potente mensaje al que le ha estado dando vueltas durante todos estos años. Amelia Izquierdo o Bloodymel, artísticamente hablando, acaba de estrenar su primer EP, su trabajo discográfico debut. Bajo el nombre de «The Triade» ha sabido cómo expresarse y cómo mostrar quién es verdaderamente. Tres canciones en las que hay mucho trabajo de introspección y composición consciente. Todo ello, a ritmo de dream pop, pop rock progresivo y pinceladas de psicodelia. Sonoridades que se rinden a la perfección ante la pulsión primaria de la vida y del ser humano: el amor, en sus múltiples formas. Eso sí, siempre acompañada por su inseparable Alejandro Sotomayor en la producción y los arreglos.
«Where Are You?», «Missteps» y «I Wanna Reach You But I Only Have Words» forman un conjunto perfecto. Tres canciones tan diferentes, pero a la vez tan complementarias y necesarias. Un viaje astral a otra dimensión, repleta de consciencia. Un viaje del que volvemos a la vida con la iluminación irremediable de quien ha encontrado y se ha dado cuenta de qué es uno o una con el amor. Los tres pilares sobre los que apoyarte para no perder el foco ni el sentido de tu vida, de tu ser y de tu esencia. Tres canciones únicas e increíbles, que nos tienen completamente maravilladas, desde el mismo momento en el que las descubrimos.
Precisamente por todo esto (y mucho más), nos dio muchísima alegría poder hablar hace algunos días con la propia Amelia. Fue un placer increíble descubrir todo lo que se esconde tras el proyecto de Bloodymel y, por supuesto, tras este primer trabajo discográfico. «The Triade» es un auténtido diamante en bruto. Solo quien lo haya escuchado (y quien haya visto esta maravillosa entrevista), lo sabe.
Con una amplia trayectoria musical a sus espaldas, Mauro Conforti ha ido labrándose una increíble carrera como músico, productor, tecladista y compositor. Durante años, acompañó a artistas de la talla de Daniela Herrero, Rosal o Ariel Rot. Así hasta que en el año 2008 creó su proyecto más personal, el de Mauro Conforti & La Vida Marciana. Una increíble formación musical que ya ha dejado tras de sí múltiples trabajos discográficos («La Vida Marciana», «Los Anteojos», «La Bestia de la Energía», «Torino», «Esplendor Vol.1», «Esplendor Vol.2») y grandes colaboraciones con Fito Páez, Juliana Gattas (Miranda!) y María Barracuda (JotDog), entre muchos otros.
Sin embargo ahora, bien sumergidos en este esperanzador 2022, no podemos evitar hablar del nuevo trabajo discográfico que el artista y compositor argentino nos ha preparado. «Esplendor Vol.2» llegó a finales del mes de mayo y nos tiene completamente locas. Esta segunda entrega esplendorosa, las canciones nos sumergen en un clima de calma y reconstrucción. Unos sentimientos más bien asociados con el verano, que se entremezclan con una instrumentación más orgánica y fuertes influencias del indie-pop, del rock clásico, del motown y del rock progresivo. A su vez, este recién estrenado EP formará parte de una obra conceptual más grande que girará alrededor de las cuatro estaciones del año. Un álbum que está viendo la luz por piezas y que, sin duda alguna, es resultado de un proceso creativo intenso que comenzó durante el aislamiento en 2020 (a causa del coronavirus), pero que no ha dejado de evolucionar y de crecer hasta nuestros días.
En medio de todo este increíble ambiente creativo, hemos querido hablar directamente con el propio Mauro Conforti, de quien podríamos explicar infinitos detalles más. Pero preferimos que sea él quien se presente a sí mismo y quien nos dé todos los detalles sobre este increíble proyecto musical que se trae entre manos. ¡Esto es todo lo que nos explicó al respecto!
Debutó siendo pequeño gracias a La Voz Kids. Seis años han pasado desde aquel momento y Marc Cuevas no ha dejado de aprender, de crecer y de seguir componiendo. Y es que su talento y su amor por la música no conocen los límites. De hecho, tras un primer EP publicado en 2018 («No pasa nada»), el joven artista ibicenco se dispone a lanzar el que será su segundo trabajo discográfico. Eso sí, siempre rodeado de un buen equipo de profesionales, como los increíbles productores musicales Omar Gisbert desde Ibiza y Micky Forteza desde Barcelona.
Dos años intensos en los que nos ha dado tiempo a acumular miles de experiencias. Vividas, leídas y escuchadas. Historias que al propio Marc Cuevas le han servido para crear y dar vida a sus próximas canciones. Y es así, con su nuevo EP a la vuelta de la esquina, que ha empezado a mostrarnos sus primeras cartas. Así es como han llegado «Mil historias que contar», «Corazón» y «Dispara». Tres nuevos temas que se alzan como toda una declaración de intenciones. Un conjunto de canciones que, a ritmo de pop rock, tratarán diversos asuntos como la amistad, el amor hacia otras personas y también el amor hacia uno mismo.
Un nuevo camino se abre paso. Miles de novedades se plantean en el futuro más inmediato del joven artista y compositor ibicenco. Y, por supuesto, nosotras no hemos querido perdernos nada. En este aspecto, ¿quién mejor que el propio Marc Cuevas para que nos explique todos los detalles sobre su potente y prometedor proyecto musical? Hace algunos días, pudimos hablar con él cara a cara y, lo cierto, es que fue un verdadero placer. Tanto, que la entrevista se nos pasó muy, muy rápido. ¿Queréis saber lo que nos contó? ¡Pues solo tenéis que darle al play!
Matias Castillo (Matiah Chinaski) y Daniel Pérez (DJ Pérez) son parte de Mente Sabia Crú, una destacada banda chilena de hiphop formada en el año 1999. Como dúo conforman Matiah y DJ Pérez, proyecto que ya cuenta con tres discos: «Baladí», «Hoy no me bañé» y «Delivery Tour». Desde su debut hace 12 años han realizado conciertos activamente a lo largo de todo Chile y en diversos países de Latinoamérica. Y hace algunos días, tuvieron la oportunidad de actuar en el Primavera Sound de Barcelona. Esto es lo que nos contaron justo después de sus actuaciones.
Por empezar, ¿cómo se conocen DJ Pere y Matiah Chinaski, y cómo comienzan a hacer música juntos?
Nos conocemos desde el año 2006 cuando DJ Pérez entra al grupo Mente Sabia Crú.
¿Qué os llevó a adentraros en el mundo del hip-hop?
Las ganas de compartir y vomitar lo que teníamos dentro.
Juntos habéis dado vida a tres álbumes, «Baladí» (2019), «Hoy no me bañé» (2020) y «Delivery Tour» (2021). ¿Qué han significado estos tres trabajos discográficos para vosotros?
Son importantes y nos ha llevado a tocar a varios lugares en el mundo.
¿De qué manera ha evolucionado este proyecto conjunto desde sus inicios y cuál es el mayor aprendizaje que os lleváis de este recorrido?
La evolución ha sido la natural supongo, no hemos hecho mucho más que seguir y seguir.
Del mismo modo, habéis empezado a trabajar con Martín Benavides y Sebastián Orellana, con quienes comenzaréis a girar. ¿Cómo surge esta particular colaboración?
Matiah Chinaski tiene un álbum junto a Martín Benavídes llamado «Salvaje Nostalgia». Allí han invitado a colaborar a Dj Pérez desde el inicio y ese es el principal proyecto que estaremos presentando. Por otro lado, Martin Benavides fue coproductor del disco «Dios Perro» de Sebastián Orellana, proyecto con el cual giramos con Sebastián.
¿Podéis avanzar alguna pista de lo que encontraremos en estos shows conjuntos?
Serán un caos.
¿Qué supone para vosotros llegar a Barcelona y actuar en el Primavera Pro?, ¿cómo ha ido el primer show y cómo os preparáis el segundo?
Ha sido muy bueno y motivador. Los escenarios son grandes y con todos los equipos a disposición. Los técnicos son muy profesionales y es desafiante tocar en lugares así.
Quedan dos preguntas con las que me gusta cerrar siempre. La primera de ellas es, ¿qué canción propia identifica mejor el momento en el que os encontráis profesionalmente y por qué?
«Falta Confor» porque siempre falta algo.
Por cerrar ya la entrevista, ¿cuál es la mayor o verdadera locura que habéis cometido por la música?
Tanto Patt MM como Animalismo Poético son poetas. Viven y sienten todo de una manera tan especial, que es imposible no plasmarlo después sobre el papel. De hecho, juntos tienen un espectáculo con el que, bajo el nombre de «El vértigo perpendicular», recorren escenarios de todo el territorio nacional. Tal es así, que en estos momentos, están presentando «El juego de Lilith». Sin embargo, por separado también tienen una fructífera carrera en solitario. Tal es así, que Animalismo Poético acaba de publicar su nueva obra «Los paraísos fingidos» (ya disponible en plataformas como Amazon) y Pat MM está a punto de hacer lo propio con «Llámame bruja y arde conmigo en mi hoguera» (el cual ya está en pre-venta).
Proyectos que conviven en paralelo y que se desarrollan con la firme intención de seguir rozándonos el alma y enamorarnos. Mientras que Pat MM con «Llámame bruja», nos regala todo un cántico «de versos y conjuros, para que tú, mujer y bruja, los recites y alimentes con tu infinita y libre energía»; Animalismo Poético nos cuenta toda una historia de amor en «Los paraísos fingidos». Tal y como él mismo explica, «de amor de verdad, del que empieza y se acaba sin víctimas ni dramas interminables que solo consiguen alargar la agonía. De amor propio, de la superación y el autoconocimiento que nos permite sortear los obstáculos que nos plantea la vida». Pero no pensemos que todo se queda aquí, pues los espectáculos conjuntos con «El juego de Lilith» siguen en pie, y es que tras pasar el pasado 18 de junio por Mallorca, ambos poetas se disponen a seguir de ruta.
Eso sí, casi mejor si son ellos mismos quienes nos cuenten todo sobre sus respectivas obras y sobre su espectáculo conjunto. ¿Quieres conocer un poco mejor a Pat MM y Animalismo Poético?
El chico que jugaba con los agudos, los graves y los giros en falsete. Polo Nández regresa a escena con más fuerza que nunca y al ritmo de su nuevo single de adelanto, «Latidos». Una canción esperanzadora y luminosa, que nace como una auténtica «oda a los sentimientos…cuando la persona a la que tanto querías deja de estar a tu lado, para pasar a echarla de menos». Dejarte sentir, dejarte fluir. Permitirte ser tú, con todas las consecuencias. Una canción que ha visto la luz con la inestimable ayuda de Fernando Boix, quien se ha encargado de la producción de la misma.
Polo comenzó siendo muy pequeño en el mundo de la música. Un juego de niños cantando ante su familia que, muy pronto, se convirtió en un sueño por el que pelear intesamente. Producto de esa pasión vio la luz «Animal», la que sería su primera canción profesional. Mucho camino recorrido y miles de experiencias vitales que el artista leonés continuó transformando en música. Así es como llegó más tarde «Apagar la luz», su composición más íntima y sensible hasta el momento. Sin embargo ahora, Polo se dispone a inaugurar una nueva etapa. Y es que tras haber girado en 2019 con Los 40 Principales y Cadena Dial, su carrera se prepara para dar un enorme giro de 18º. Nuevos temas, con ritmos frescos, bailables, y unas letras que no te dejarán indiferentes.
En medio de este nuevo y maravilloso panorama para Polo Nández, no hemos perdido la oportunidad de charlar con él durante un ratito. Y lo cierto es que ha sido un placer descubrir su proyecto desde dentro, conocer todos los detalles de este nuevo «Latidos» y avanzarnos a todo lo que está por llegar. ¿Queréis saber todo lo que nos contó? Pues solo tienes que darle al play y disfrutar.
Completamente revolucionaria, disruptiva y talentosa, la artista taiwanesa veeeky aterrizará en apenas unos días en el Sónar de Barcelona. Lo hará con un potente proyecto, que aúna lo mejor de la música electrónica y del arte visual. Una cita que tendrá lugar este mismo 16 de junio a las 14.00 horas, en el escenario SonarComplex ubicado en la Fira Montjuic.
Una cita imperdible en la que quedará más que demostrado por qué es una de las grandes figuras de la escena musical de su país. Empezó su talentosa carrera en formaciones musicales como Bounce Girlz, pero poco a poco, ha ido emprendiendo camino en solitario hasta este mismo momento. Y es que más allá de la música, la artista utiliza el videoarte para explorar el pensamiento de la sociedad contemporánea a través de internet. Tal ha sido la curiosidad que nos ha generado, que no hemos perdido la oportunidad de charlar con ella.
Por empezar y para quien todavía no conozca este proyecto musical y visual, ¿quién es veeeky y cómo comienza?
Al principio tenía un colectivo de DJ´s en Taipéi, también organizaba algunos eventos de intercambio y fiestas para músicos internacionales y locales, a partir de allí me rodeé de muchos creadores interesantes, que poco a poco me impulsaron a crear multimedia, abarcando dinámicas y estáticas, visión en gama 3D, también esculturas, instalaciones y sonidos, además de mí, también tengo colaboraciones a largo plazo con algunos músicos. Me gusta estudiar la elasticidad entre estas señales.
¿Cómo construyes todo tu imaginario sonoro y visual?
Principalmente oscilo entre la música y las imágenes, a veces con algunas imágenes primero, a veces con algunos sonidos. Hay algo maravillosamente interesante en unirlos, especialmente cuando se emparejan. Para la parte del sonido, he estado trabajando recientemente en un software de generación de música, por lo que hay mucho material para clasificar, pero estos sonidos digitales a veces tienen muchas cualidades sorprendentes. Dado que estoy mencionando algunos estados atmosféricos, ya sea sonoro o visual, probaré algunas de las cosas que nos rodean, y también me gusta probar y usar el ready-made digital que nos rodea para presentar la narrativa.
¿Por qué para ti son tan importantes ambos mundos: el musical y el visual?
La aparición simultánea de lo visual y sonoro tendrá un proceso de mezcla a través del cerebro del creador o del público (receptor), y creo que esta es la parte que más interesa a todos. Las hormonas y las estructuras biológicas de todos son en realidad diferentes, pero están enmarcadas por el lenguaje de los tiempos y la tecnología, y lo que me interesa son las brechas en ellas.
¿Qué supone para ti llegar a Barcelona y actuar en el Sónar?, ¿cómo afrontas esta particular cita musical?
En 2018 me quedé un tiempo en Homesession y luego fui a Madrid a participar en Hybrid Art Fair, he estado interactuando con creadores y organizaciones locales. Sin embargo, en esta ocasión tuve la oportunidad de intentar presentar una experiencia escénica más completa.
De hecho, será en este festival donde presentarás tu último proyecto «Bei Ming Jiao Li». ¿Cómo surge?, ¿y qué significa para ti este trabajo?
Esta narración se llama «Bei Ming Jiao Li», porque he estado estudiando historias folklóricas durante un tiempo, que contienen no solo dioses tradicionales y creencias religiosas tradicionales, sino también algunos pequeños monstruos y turbas poco conocidas. Además de presentar la cosmovisión de la comprensión original del cielo y la tierra, también me permitió vislumbrar una forma de interpretar el pasaje entre el mundo material y el mundo consciente. Ahora estamos en un punto de inflexión en el Antropoceno. El equilibrio de nuestra confianza en la naturaleza y la tecnología está cambiando. Bajo la premisa de que la tecnología y la tecnología no pueden dejar de desarrollarse y operar hoy, nuestra conciencia está creando un nuevo tipo de creencia, rompiendo muchas. El proceso que se formalizó en el pasado (¿como el dedo de Buda?). Al presentar tal atmósfera, la historia será un proceso de constante cambio dinámico.
Tu obra, en cierto modo, es el reflejo de esta sociedad contemporánea, que camina casi más por lo digital. ¿Por qué tomar este punto como base o como referencia a la hora de crear?
Siempre me ha preocupado el desarrollo de la ciencia y la tecnología debido a mi trabajo, especialmente el software y las plataformas que utilizan los usuarios, la ecología del contenido y la cadena de capital que hay detrás. Además del tema del pensamiento, la forma creativa digital ha brindado a todos herramientas y conocimientos de producción más abiertos hasta cierto punto, por lo que es inevitable elegir herramientas de producción digital.
En este sentido, ¿crees entonces en el poder de la música como elemento transformador a nivel social?
Además de transmitir memoria y experiencia, como un antiguo cuasi-lenguaje, no solo es un medio, sino también un canal. Creo que la música mostrará más de su originalidad bajo la tecnología contemporánea.
Quedan dos preguntas con las que me gusta cerrar siempre. La primera de ellas es, ¿qué canción propia identifica mejor el momento en el que te encuentras profesionalmente y por qué?
Debería ser «engineer of content», que es una declaración de cómo una estructura de poder produce una forma biológica que secreta satisfacción. Hay muestras muy ruidosas y estructuras lineales, y también hay fuerzas directas generadas por algunas emociones más personales.
Por cerrar ya la entrevista haciendo honor al nombre de esta página web, ¿cuál es la mayor o verdadera locura que has cometido por la música?
¿Parece que cada momento de hacer un sonido (o música) es más probable que inspire emociones locas? Siento que la música siempre me empuja a encontrar alguna esencia interior.
Nos pasamos la mitad de la vida definiendo el concepto de casa u hogar, nos alejamos de él y nos tiramos el resto de nuestra vida intentando volver. Una paradoja sin fin que se refleja a la perfección en «Camino a Casa», la canción que da título al recién estrenado álbum de Fresquet. Una paradoja que no solo se queda en este tema, pues también define muy bien la esencia genérica de este nuevo trabajo discográfico. El primero del artista argentino afincado en Madrid, después de la publicación de un séquito de singles que nos han enamorado por completo.
Siempre bien rodeado, siempre bien acompañado de músicos de primer nivel como José «El Niño» Bruno a las baterías, Sergio Valdehita a las teclas y los acordeones, Mara G. Rubio a la guitarra, Wood Wind & Brass a la sección de vientos y Kuqui Alegre a los coros. Sin olvidarnos de la producción de Álex Vallejo de Playa Cuberris, la mezcla de Iván «Chapo» González y el mastering de Enrique Soriano.
Sin duda alguna, «Camino a Casa» es la mejor manera de debutar con su proyecto en solitario, después de haber recorrido y formado parte de diferentes formaciones musicales. Una experiencia que ha sabido cómo volcar en este propósito de vida. Una experiencia que adquirirá una nueva dimensión este mismo sábado 18 de junio. Y es que Fresquet aterrizará en la mítica Sala El Sol para presentar todas y cada una de estas nuevas composiciones. Abriendo esa noche tan mágica estará el gran artista y compositor Raúl Sánchez. La noche promete y todos agradeceremos haber estado allí. ¿Todavía no tienes tu entrada? ¡Pues corre, antes de que vuelen todas!
Eso sí, mientras llega el anhelado día de la presentación en Madrid, os pedimos encarezidamente que no os perdáis la entrevista que le hicimos hace algunos días. Fue todo un descubrimiento para nosotras.
Pertenece a esta nueva ola de pop-rock, de música sin filtros y sin etiquetas. Freddie Flowers llega para quedarse, con una canción tan único y especial como es «Ya no». Un cántico a la desesperada, una declaración de intenciones, una manera muy clara de decirte sin rodeos que no está dispuesto a aguantar más en una relación tan destructiva. Un himno que, de ahora en adelanto, todos deberíamos tatuarnos, no solo en la piel, también en la mente.
Un pequeño gran viaje que el artista asturiano comienza con esta canción, el inicio de una nueva era en la que ha estado acompañado por Sebastián Borromeo a la producción, Fernando Montesinos con los arreglos y Felipe Guevara a las mezcklas; y que culminará dentro de muy poco tiempo, con la llegada de su primer EP, que llevará por título «El fin del mundo». Un trabajo en el que nos contará, a través de diversos capítulos, todo lo que puede suceder en 24 horas de locura desenfrenada y de amores con fecha de caducidad.
Si bien es cierto que hemos descubierto a Freddie Flowers hace muy poco tiempo, a raíz de este último single y de todos los que fue publicando a lo largo y ancho de 2021. Sin embargo, su carrera musical viene de atrás. Y es que desde bien joven ha formado parte de bandas como Mandala o Gethere, además de haber inaugurado un proyecto en solitario previo, bajo el nombre de F. Ahora, totalmente reconvertido, se dispone a seguir enamorando con su música a todo aquel que se digne a escucharlo. Una auténtica locura lo de este joven y talentoso artista. Una auténtica locura que nosotras hemos podido captar mínimamente, gracias a una pequeá charla que tuvimos hace algunos días. ¿Quieres saber todo lo que nos contó? Pues solo tienes que darle al play y disfrutar.
