Tiene una sensibilidad fuera de serie, que ha sabido cómo plasmar en todas y cada una de sus canciones, siendo «Lava y Miel» la última que nos ha regalado. Lo de Pauli Camou no es de este planeta y adentrarse de lleno en su particular universo sonoro está siendo una verdadera maravilla. Tanto, que ojala hubiera llegado a nuestras vidas mucho antes.
Siempre alerta, siempre buscando esa conexión con la naturaleza, nos acaba de regalar un tema único y diferente. Un tema que supone una exploración de las historias que vivimos, las texturas que tienen, de dónde salen y a donde van. Un viaje entre todas aquellas emociones que nos queman el alma y nos dejan marcadas para siempre, y las que nos protegen y endulzan la vida. Tal y como la propia artista explica, «hay historias que viven en papeles escritos que un día necesitan regresar como ceniza a la tierra, y otras son líquidas y vuelven al mar».
Cierto es que «Lava y Miel» nos ha encendido una pequeña chispa en nuestro corazón, pero no es la primera canción de Pauli Camou. De hecho, la historia musical de la compositora sonorense viene de atrás, del pasado. Recién graduada Berklee College of Music, ha formado parte de otras formaciones musicales antes de dar el salto y decidir emprender su proyecto en solitario. De hecho, ha compartido escenario con otros artistas latinos de la talla de Aída Cuevas y Daymé Arocena. Además de participar en un vídeo de su escuela junto a la reconocida Natalia Lafourcade.
Unos hechos que, sin duda alguna, le han marcado y le han impulsado a ser quien es a día de hoy. Pero mejor si es la propia Pauli Camou quien nos lo explica todo. Hace algunos días, tuvimos la oportunidad de charlar con ella. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?
La acabamos de descubrir gracias al BIME 2022, por ser una de las talentosas artistas que viajaron de la mano de Chile Música para actuar en el festival. Ella es la polifacética Yael Meyer, quien vino más que dispuesta a presentar en Bilbao – pero también en Barcelona unos días después – su nuevo y primer trabajo discográfico en español «Huracán». Un EP formado por cinco canciones que nacen de uno de los momentos más complicados de la vida de la artista. Un EP que, a pesar del dolor, llega a nuestras vidas para inundarlas de luz y de color. Digamos que es el efecto Yael.
Cinco canciones crudas, autobiográficas, desgarradoras y esperanzadoras, que han sido grabadas entre Estados Unidos y Chile. Cinco canciones que han supuesto un verdadero cambio interno para la artista, por el momento en el que fueron compuestas. Un momento que también se refleja en la épica y la intensidad de los propios sonidos de los temas. No esperábamos menos de una persona como Yael Meyer, que siempre ha dado tanta importancia al trasfondo de las composiciones y a la emocionalidad. Especialmente tras esperar seis años, seis años de arduo trabajo, creación y composición. Seis años de vivencias, buenas y malas. Seis años en los que también nos hemos visto abordados por una pandemia, que no nos ha puesto las cosas fáciles. Pero ya está aquí y es una realidad.
En medio de este mar repleto de emociones y sensibilidades, tuvimos el enorme placer y la gran oportunidad de charlar largo y tendido con la mismísima Yael Meyer. Fue ella quien nos permitió conocer a la persona que se esconde tras el proyecto, saber cómo nació verdaderamente «Huracán» y qué ha supuesto para ella. Y, por supuesto, qué ha significado en su carrera viajar desde Chile hasta España para presentarse en ciudades como Bilbao o Barcelona. Aunque no fue lo único de lo que charlamos. Si quieres saber más, solo tienes que darle al play.
Reciclaje es una de esas bandas mágicas, capaz de tocarte con su música para siempre, permitiendo que no seas la misma nunca más. A ritmo de rock, con tres discos bajo el brazo y con esas incesantes ganas de mostrar al mundo quiénes son, llevan desde 2013 haciendo felices a todas aquellas personas que han tenido el placer de cruzarse en su vida. Ahora, tras hacer un alto en el camino – pues se encontraban inmersos en su «Mágico Tour» -, se disponen a afrontar un nuevo reto: grabar su primer disco en directo. Que tiemble la sala Copérnico de Madrid, porque el próximo 25 de noviembre aterrizan los canarios en ella y no lo harán solos.
No estarán solos porque para esta estupenda ocasión, se rodearán en el escenario de grandes artistas y bandas de nuestro panorama musical. Ahora sí que sí, podemos desvelar los nombres de todas las colaboraciones que habrá la noche del 25 de noviembre. Desde los valencianos Santero y los Muchachos, hasta la camaleónica artista madrileña Nat Simons, pasando por la prometedora y talentosa Rebeca Jiménez. Sin olvidarnos, por supuesto, de la banda que supondrá el presente y futuro del rock and roll, Desvariados. Ojo ahí con el pedazo de concierto que se avecina, todo cortesía de los canarios, que llegan a la Copérnico para echar los restos. ¿Tienes ya tu entrada para esta cita inolvidable? Pues rápido, hazte con la tuya en ticketfever.es antes de que vuelen todas.
Aprovechando que todavía quedan unas semanas para la gran fecha, hemos querido aprovechar para hablar con la banda. Y ha sido Ángel Quintana, vocalista de la formación, el encargado de resolvernos todas y cada una de nuestras dudas. ¿Cómo se prepararán este concierto?, ¿cómo surgen las colaboraciones?, ¿volverá el «Mágico Tour» tras este directo? Todas estas cosas y muchas más, en la entrevista que os presentamos a continuación.
A dos meses de que acabe 2022 y echando la vista atrás, podemos asegurar que estos dos años atrás no han sido fáciles para nadie. Pero si podemos sacar algún aprendizaje positivo es que nos ha servido para hacer introspección, para echar una ligera mirada a nuestro interior, para parar, pillar aire y volver a resurgir de nuestras cenizas cual Ave Fénix. En este aspecto, Jon Oyster sabe de lo que hablamos. De hecho, lo descubrimos en este complicado año pandémico con su proyecto musical Basilea y mucho parece haber llovido desde entonces. Tanto que tras debutar con su EP «Respiración», se vio en la imperiosa necesidad de para para deconstruirse y reconstruirse. Así hasta ahora, que ha presentado su nuevo sencillo, «Luz». El inicio de una nueva etapa para el artista catalán, sin duda alguna.
Y es que sí, esta nueva canción pretende alzarse como un sentido homenaje a todas esas personas que, encima o fuera del escenario, compartieron su arte y a la vez, sin darse cuenta, se convirtieron en nuestros referentes. Todo ello, mientras supone el nuevo paso adelante del proyecto musical de Basilea, que se encuentra en pleno crecimiento y expansión. Ahora sí que sí, se vienen curvas. En un horizonte repleto de posibilidades, comienzan a avistarse nueva música y algún que otro concierto. El primero de ellos, el próximo 12 de noviembre en la sala Slow de Barcelona dentro del Skyline Music Fest (¡las entradas están disponibles en la página web de culpass.com!).
En medio de tanta nueva novedad para el artista y compositor, nos hemos sentado con él y hemos charlado largo y tendido. ¿Quieres ser la primera persona en saber todo lo que se viene con Basilea? Pues venga, rápido, que solo tienes que darle al play y disfrutar. Como siempre, para nosotras, fue un verdadero placer.
Tras una complicada salida de Elefantes, la que fuera su banda durante 25 años, Hugo Toscano hace reinicio y sorprende al mundo con «El Elefante Olvidado», el primer sencillo del que será su álbum debut en solitario. Una canción que supone la punta del iceberg, la muestra más evidente de lo que supuso para el artista este complejo proceso de recuperación. Un complejo proceso en el que, tras leer sobre historia, religiones y filosofía, trata de transformar un momento difícil en algo positivo bello y hermoso. Resurgimiento en todos los planos de su vida, personal y artístico, que suena maravillosamente bien y que nos ha rozado el alma.
Un sueño supuso el principio de este viaje iniciático. Un sueño en el que la propia voz de Hugo Toscano le decía «Vuela, sueña». Un sueño que, poco a poco, se fue convirtiendo en realidad, hasta llegar al momento en el que nos encontramos. El inicio de una nueva era para el compositor, que poco a poco se va recomponiendo y volviendo a su esencia más pura. Y es que más allá de ser su primer adelanto, «El Elefante Olvidado» también será el título de su álbum debut en solitario. Un trabajo discográfico producido por él mismo, pero grabado y mezclado por César J. de Cisneros y masterizado por Francesc Ticó. Un álbum que supone un paso de gigante para Toscano, ya que en él se transforma en compositor, letrista e intérprete de sus propias canciones, además de seguir siendo el guitarrista que siempre fue.
De esta manera, «El Elefante Olvidado» es la metáfora del renacer y la transformación. La crítica a nuestra sociedad occidental a través de la voz y la memoria del elefante. Un sentimiento profundamente humano. Un cúmulo de sensaciones que el propio Hugo Toscano ha querido explicarnos en primera persona. Ya podéis disfrutar de la entrevista que le hicimos hace algunos días.
Imparables, incansables y con una capacidad innata para emocionar a todo aquel que se precie a escucharlos. Así son Djakarta, el dúo musical formado por los cantautores y hermanos Raphaël y Tristan Stuart. Y es que juntos han conseguido lo impensable. Tan solo tres meses después de sorprendera propios y extraños con su EP «Overseas», se disponían a hacer magia de nuevo con su particular revisión en acústico de algunos de sus temas. Así implantaron el germen de «Acoustic EP». Por supuesto, con un resultado magnífico. Aunque preferimos no hacer más spoilers y que sean ellos mismos quienes nos cuenten todos los detalles de la banda y del proyecto.
Para empezar, para todos aquellos que aún no conocen vuestro proyecto musical, ¿quiénes son Djakarta?
Djakarta es el proyecto musical de los cantautores Raphaël y Tristan Stuart. Somos dos hermanos australianos de origen francés y creamos la banda en 2016.
Este año 2022 habéis lanzado «Overseas» y «Acoustic EP», con algunas versiones acústicas de los mismos. Cómo surgió la idea de lanzar ambos discos?
Después de lanzar el «Overseas EP», pensamos que sería una gran idea lanzar versiones acústicas y demos de este EP, centrándonos en lo esencial: los acordes y la melodía
¿Cómo ha sido recibido por el público?
Estamos recibiendo muy buenos comentarios y críticas de nuestros fans y de los medios de comunicación, y las canciones están en la lista de reproducción en muchos países gracias a nuestro socio y distribuidor Groover Obsessions, y con muchas visitas a nuestros videoclips realizados por Baptiste Perrin y Morgan Eloy.
Con los dos álbumes editados, ¿mejor acústico o eléctrico? En este sentido, ¿cómo fue el proceso de adaptación de las canciones al acústico?
Es difícil elegir porque nos encantan ambos. El proceso fue bastante fácil y agradable, ya que básicamente eliminamos muchos instrumentos y arreglos de la producción original (como la batería, las guitarras eléctricas, etc) para hacer una versión despojada basada en una guitarra acústica, un piano y la voz.
¿Cómo es el proceso creativo y de composición de Djakarta?, ¿cuáles han sido vuestras principales influencias o referencias?
Los dos componemos y escribimos canciones juntos o por separado, dependiendo de la canción, a veces tenemos la letra escrita y componemos la música sobre ella, y a veces es al revés. Podemos componer con una guitarra, un piano, un bajo, un ukelele o incluso una batería si empezamos con un ritmo, la única regla es que no hay reglas. Nuestras principales influencias son nuestro padre, que nos introdujo en la música y el arte – él es pintor y usamos sus cuadros como portadas para nuestros EPs y singles -, y también bandas como The Beatles, Radiohead, Tame Impala, Junip, Air, Agnes Obel o Balthazar, entre muchos otros.
Vuestro primer EP llegó en 2017, ¿cómo ha evolucionado Djakarta desde entonces y cuál es el mayor aprendizaje que os lleváis de este proceso?
Nuestra producción, composición e interpretación ha mejorado mucho desde 2017, podemos decir que nos hemos profesionalizado bastante también con la creación de nuestro propio sello y editorial «LyreBirds Records» en 2021. Hemos aprendido que en la industria de la música se necesitan buenos socios como Groover para hacer equipo con el fin de promover su música y llegar a un público más amplio.
¿Cuáles son los próximos pasos de Djakarta?
Nuestro próximo paso es grabar nuestro primer álbum y lanzarlo a finales de 2023, y mientras tanto daremos conciertos y lanzaremos 2 o 3 singles antes de que salga el álbum.
Quedan dos preguntas, que son con las que me gusta terminar. La primera es, ¿qué canción propia identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
En este momento, diríamos que nuestra canción «Alive» porque estamos encantados y emocionados de empezar a trabajar en nuestro primer álbum.
Y por último, haciendo honor al nombre de la web, ¿cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?
Bueno, dejar nuestros trabajos para hacer solo música suena como una verdadera locura [risas].
Más de 10 años de carrera y una forma de hacer y de ser que ha permanecido infranqueable al paso del tiempo. Aunque sin temor a la experimentación, Familia Caamagno ha ido construyendo una identidad – su identidad – alrededor de la ironía, de la nostalgia y de lo político. Todo a ritmo de garage más eléctrico, pero con claros toques del power pop más delicado. Una premisa con la que han ido dando vida a su nuevo y recién estrenado álbum, que lleva por título «O mundo está derrotado». Un disco que nace de una situación excepcional, y que mira con una risa nerviosa todas esas noticias de inflaciones, guerras y cambios climáticos. Un disco directo y sincero con el que consiguen construir unas melodías que interpelan a diferentes generaciones y que convierten a los gallegos en una banda muy singular en el panorama nacional.
Producido y grabado por Carlos Hernández en los Estudios Alemán de Madrid en diferentes momentos de este 2022, el álbum arranca con una particular e inaudita versión de «Xuntos» de Juan Pardo (1987). Un inicio curioso que culmina con «O día que Fraga finou», claramente inspirada en la canción «The day that Tatcher dies» de Hefner (2000). Por medio, se puede apreciar la evolución de los ocho temas, en los que se entremezclan influencias de la década de los 90 y las visiones de un futuro distópico que ya pasó y que se repite una y otra vez. Diremos que es el efecto Familia Caamagno.
Sin duda alguna, la mejor manera de dar continuidad a su increíble carrera musical, que arrancó allá en 2012 con la llegada de su primer EP homónimo y a la que muy pronto se sumaron «Hai que andar cos tempos» (2014), «Para una vez que saímos» (2016) y «Había que intentalo» (2019). Pasado, presente y futuro que hemos querido repasar con la propia banda. ¿Quieres saber todo lo que nos contaron?
Tras rozarnos el alma y arrasar con sus dos primeros adelantos «Vulnerable» y «Más allá de la piel», el artista venezolano Dani García se dispone a presentar su nuevo y primer trabajo discográfico «Amor Líquido». Un EP formado por cinco canciones, que reflejan las vivencias amorosas de una generación que liga por redes sociales y en donde las relaciones entre jóvenes no traspasan, en muchas ocasiones, la pantalla. «Una búsqueda del amor que yo mismo he tenido que vivir en repetidas ocasiones, especialmente en el año 2021, donde puedo decir que este ciclo se repetía de manera muy constantey llegó a afectar mucho a mi salud mental», asegura.
Sin duda alguna, este trabajo discográfico es un EP de lo más íntimo y personal, en el que el compositor cuenta su propia historia, aunque bien podría ser la de muchas otras personas. Un EP que está bien cargado de intensidad, pasión y fuerza, y que puede llegar a ser hasta reivindicativo. Talento, sonoridad y una voz increíbles redondean y dan vida a estas cinco canciones que, a su vez, han estado producidas por el reconocido productor y cantante chileno, Kevin Vasquez (quien ha trabajado con artistas como Vesta Lugg, Dani Ride o Reinder).
De esta manera, Dani García da continuidad a su carrera musical, que comenzó hace más de ocho años en Venezuela y que siguió cuando se mudó a Madrid. Y es que se viralizó en plataformas como YouTube, donde colgaba mutitud de versiones en español, acumulando más de 4 millones de visualizaciones en su canal. Un hecho que le dio alas y le impulsó a empezar a componer. Aprovechando estos pequeños grandes hitos, quisimos aprovechar para charlar largo y tendido con el artista y compositor venezolano, que nos explicó todos los detalles sobre su proyecto. ¿Quieres conocerlo más y mejor? Pues solo tienes que darle al play y disfrutar.
La artista y compositora de alma indie y sonido pop Rumia se estrenó hace algunas semanas y se decidió a publicar su primer álbum debut «Forget Me Not». Un magistral trabajo discográfico donde habla íntimamente de la inocencia, la añoranza y el desamor. Un magistral trabajo discográfico que explora los temas de los sueños de la infancia y el impacto del primer amor. Un magistral trabajo discográfico que ha sido producto de un intenso periodo de autoconocimiento, sensibilidad y autenticidad, ya que se ha decidido a compartir una enorme cantidad de experiencias personales. Un delicado equilibrio entre los tambores a ritmo de latidos de corazón y un enfoque lírico más melancólico.
Influenciada por una amplia gama de géneros como el trip hop de los años 90 y los últimos álbumes de Taylor Swift, Rumia se alza como una figura imprescindible en la escena indie pop. Siempre acompañada bajo la dirección de Manuel Colmenero, quien se ha encargado de la producción del álbum, al igual que ya lo hizo con el anterior EP de la artista asentada en Berlín, «Reborn». Un primer EP con el que arrasó por completo y que vio la luz en el año más oscuro para todos, en 2020.
Ahora, tras haber presentado las canciones de este «Forget Me Not» en la Sala El Perro de Madrid el pasado 30 de septiembre y en La Galleta Music Shop de A Coruña el 7 de octubre, Rumia se dispone a seguir recorriendo escenarios. A expensas de saber cuáles serán las siguientes ciudades que la artista recorra, aprovechamos para charlar largo y tendido con ella. De tal manera que aprovechó para darnos todos los detalles sobre el proyecto y sobre este nuevo álbum. ¿Queréis saber más al respecto?, ¿nos acompañáis en este intenso viaje? Pues solo tenéis que darle al play y disfrutar.
Bailar al ritmo de «La Pasión», ser buenos testigos de cómo han evolucionado Royal Flash hasta convertirse en quienes son a día de hoy, disfrutar de esa esencia que tanto les caracteriza y permitirse el lujo de electrizarse en un concierto de los alcalaínos. Un cúmulo de sensaciones que venían de lejos, pero que han terminado por estallar con el nuevo trabajo discográfico de la banda. Un trabajo con el que han roto los moldes del rock, pero manteniendo esas guitarras y esos sintentizadores, esa energía a la que han sumado mágicamente ritmos latinos, surferos, disco y funk.
Una confluencia de sonidos que ha sido posible gracias también al trabajo de Edu Molina de Garlic Records, quien se ha encargado de la producción del primer disco en español de los Royal Flash. Una coctelera de sensaciones, que ha terminado por estallar, logrando que la banda madrileña bata las alas igual que lo ha hecho el majestuoso pavo real de la mismísima portada. No esperábamos menos de ellos, más sabiendo que habían dejado el listón muy altos con anteriores trabajos como «Hysteria» (2016), precisamente con el que los descubrimos. ¿Ha llovido mucho, verdad?
El resultado de «La Pasión» ha sido increíble. Con la pegada habitual y tras mucho tiempo cocinándolo a fuego lento (y con mucho amor), llegó hace algunas semanas este disco a nuestras vidas. Y lo ha hecho, además, con colaboraciones de escándalo. Como la de Maïa Vidal de Side Chick en «Dura y Salvaje» y y Marina Blanot de The Claims en «La culpa es del verano».
Sin duda alguna, es completamente cierto eso de que «la pasión que las personas ponen en lo que hacen dice mucho de ellas, al igual que este álbum dice mucho de Royal Flash». Pero si se trata de hablar y comentar, mejor que sean ellos mismos quienes nos den todos los detalles que rodean a este álbum y a la propia banda.
Han firmado su gran regreso con una canción tan única como especial. Y es que tras de sí, «Madrid» es todo un mundo de posibilidades, el inicio de una nueva etapa para Klermoon, que culminará cuando vea la luz su anhelado y nuevo EP, «Pop Metafísico». Aprovechando la llegada de tantos hitos en la vida del dúo formado por Kler y Jhonny Moon, hemos querido hablar con ellos para que nos develen todos los secretos de la formación y que nos den nuevas pistas sobre todo lo que está por venir. Así que si quieres saber más, te invitamos a que continúes leyendo.
Aprovechando que hace unas semanas vio la luz vuestro single «Madrid», me gustaría empezar preguntando por él. ¿Cómo nace y qué ha supuesto para vosotros la llegada de esta canción?
Kler. «Madrid» es una nueva etapa para nosotros, porque ha sido un cambio radical. Nosotros empezamos a componer en inglés y este es el primer adelanto de nuestro nuevo EP, que ya será todo en castellano. Esta canción nace después de una noche muy inesperada por la capital.
Jhonny Moon. Surgió una noche en la que salimos de fiesta y acabamos en un bar con mucha gente que había estado como en boca de todos. Era un local que se llamaba El Amante. Entonces fue como una visión de toda esta escena, de todo este famoseo.
K. Sí, una escena donde las apariencias engañan.
J.M. Fue básicamente en ese momento en el que nació la canción de «Madrid», que básicamente habla de ese submundo que hay.
Un tema que habla de esta dualidad que existe dentro del mundo del arte. Estando dentro o perteneciendo a él, ¿cómo se gestiona todo ello y cómo afecta?
K. Yo creo que se aprende a vivir con ello. Nosotros seguimos siendo las mismas personas. Y supongo que, igual que en cualquier trabajo o ámbito de la vida, vas aprendiendo el funcionamiento de todo ello. Al final, te quedas con lo que te gusta y desechas lo que no. Es un aprendizaje constante.
J.M. Sí, no es que sea nada malo, ¿no? Porque al final tú interpretas la realidad desde tu punto de vista. En este mundo en concreto, se ve todo desde un prisma. Un prisma que, en general, pasa mucho por las redes sociales. Entonces la imagen que se ve de este sector es la misma que se puede llegar a ver de cualquier otro. Así que, bueno, cuando estás dentro, lo asumes y lo ves de una forma más realista, quizás.
También quería aprovechar para preguntaros sobre el videoclip que acompaña a «Madrid». ¿Cómo ha sido este proceso?
K. El proceso fue bonito, aunque al principio no sabíamos muy bien cómo enfocarlo, porque queríamos mostrar los contrastes en todo. Porque creo que Madrid es una ciudad de contrastes en todo. Pero después de un brainstorming y de rompernos mucho la cabeza, se nos ocurrió esta manera de mostrar el postureo de las redes sociales y de la vida, que al final siempre pasa por enseñar solo lo bonito. Y eso lo quisimos combinar con imágenes de la ciudad y de lugares que frecuentábamos. Y, por supuesto, hacer un guiño a El Amante, en esos planos en los que se nos ve cantando y tocando el piano.
Ya hemos comentado que «Madrid» es el primer adelanto de vuestro próximo trabajo discográfico, «Pop Metafísico» y me gustaría saber cómo nace este EP y cómo recordáis todo el proceso creativo.
J.M. Como todo lo que hemos estado haciendo hasta ahora, y ojalá sigamos haciendo, ha nacido de manera muy orgánica y espontánea. O sea, no ha sido nada premeditado, del rollo «¿qué le tenemos que decir al mundo?», no, para nada. Ha sido completamente lo contrario. Las ideas nos han surgido a raíz de las vivencias que nos han sucedido. Y a medida que hemos ido creando, todo ha adquirido un sentido. Entonces, el sentido que adquirió el crear estos cuatro primeros temas en castellano fue el de que, quizás…a ver cómo lo explico.
K. A ver, ¿qué quieres decir?, ¿cómo surge el concepto? Sí, que la metafísica es, al final, es todo lo que se escapa de la razón. Y en estos momentos, está a la orden del día, porque verdaderamente hay muchas cosas que se nos escapan. Así que fue un poco una excusa para darle nombre a este trabajo, ¿no?
J.M. Sí, sí, a medida que íbamos componiendo, nos dimos cuenta de que las canciones hablaban de cómo este mundo en el que vivimos es muy difícil de entender racionalmente y, simplemente, hay que aceptarlo y ya está. Entonces cuando pusimos todo en común, la idea que se nos venia a la cabeza para poder ponerle un título fue este, porque era un poco el hilo conductor de todas las canciones.
Ya habéis explicado un poco cómo nace «Pop Metafísico» a nivel conceptual, pero a nivel musical, ¿cuáles han sido las principales referencias sonoras?
K. La verdad es que no nos hemos centrado en ninguna influencia concreta, simplemente han ido surgiendo las canciones. Hemos fusionado el folk del que veníamos con un estilo un poco más pop o indie, aunque es cierto que las cuatro canciones son muy diferentes entre sí. Entonces no tiene unas influencias premeditadas. Quizá inconscientemente sí que haya algo de lo que sonaba en nuestra cabeza en ese momento, pero no podríamos concretarte.
J.M. No es que haya una intención de crear un sonido o de imitar un estilo. De hecho, al contrario. Llega la idea, que surge así sin más y la vas desarrollando. Como decía Cortázar, «se va escribiendo a sí misma». Pues con las canciones nos ha pasado exactamente lo mismo. Hemos ido haciendo lo que los temas nos iban pidiendo en ese momento. Si tú ya has llegado al punto de que te encuentras cómodo con lo que estás haciendo, todo lo demás va surgiendo de una manera muy orgánica.
Ya habéis comentado antes que pasar del inglés al español ha sido un cambio significativo respecto a vuestro trabajo anterior, pero más allá de eso, ¿de qué más maneras ha evolucionado Klermoon desde «Pale Blue»? Y también, ¿cuál es el mayor aprendizaje que os lleváis de todo este proceso?
J.M. Ah, bueno, sin duda todos los errores que hemos cometido durante todos estos años.
K. Creo que este nuevo trabajo es una versión más potente, más madura y más personal de Klermoon, ¿no?
J.M. Sí, nos quedamos la gente que ha ido entrando en el proyecto, con todos los pasos que hemos dado y con lo que hemos avanzado. A veces de manera más acertada y otras veces no tanta. Al final todo eso aporta y se refleja a nivel conceptual, musical y de puesta en escena. Todo eso es lo que hemos ido aprendiendo durante todos estos años.
A partir de este punto, ¿cuáles serán los próximos pasos de Klermoon?
K. Tenemos intención de ir sacando un tema cada mes o mes y medio. Ahora en octubre saldrá «Faldas», que quizás de las cuatro sea la que más se parezca a «Madrid», pero más oscura quizás.
J.M. Sí, puede que más a nivel temático.
K. Y. Bueno, sí que tenemos intención de, a finales de enero, hacer la presentación del EP. No tenemos la fecha, pero estamos intentando crear un concepto alrededor del disco y del propio concierto. No será un bolo al uso y esperemos que no deje indiferente a nadie.
Quedan las dos últimas preguntas, que son con las que me gusta cerrar siempre. La primera de ellas es, ¿qué canción de Klermoon identifica mejor el momento en el que estáis profesionalmente y por qué?
K. Yo diría que, de calle, «Madrid». Creo que estamos viviendo Madrid a tope, la ciudad, las jam sessions, los amigos, el ajetreo.
J.M. El estrés, las noches raras.
K. De hecho, la frase que más nos puede definir en este momento es «Madrid me confunde» [risas].
Y por último, por tratar de hacer honor al nombre de la web, ¿cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?
K. ¿La verdadera locura que hemos cometido nosotros por la música? Wow. Yo creo que la mayor locura que comete un músico o un artista es poner en jaque su estabilidad y equilibrio, porque es un mundo muy bonito, pero a la vez muy crudo.
Conocerse para ser capaz de conectar. O reconectar. Con tu esencia, con tu ser y con tus raíces. Con tu pasado, pero también con tu presente y futuro. Un viaje vital, complejo y eterno, pero también necesario. Si no, que se lo expliquen a la talentosa artista Femme Fatene que ha batido sus alas y ha alzado el vuelo con su nuevo sencillo, llamado precisamente, «Volar». Una canción en la que se ha atrevido sin miedo a experimentar con diferentes sonidos como el afrobeat, el R&B o el pop. Todo ello, mientras descubría esos orígenes africanos y familiares. Un recorrido hacia el pasado en el que ha estado acompañada en todo momento por el productor musical zimbabuense Pblo.
El inicio de una nueva era para la artista y compositora española afincada en Manchester. Una etapa en la que se ha comprometido a crear un sonido propio y diferente, al tiempo que ofrece historias curiosas y muy significativas a través de sus letras. Si bien es cierto que en esta canción en concreto, asistimos a un encuentro casi ritual y apasionado entre dos amantes. Pero es que, ¿no es el amor todo un misterio repleto de magia? El punto de partida con el que comenzar a explorar aquellos sentimientos con los que Femme Fatene se siente verdadera cómoda, verdaderamente ella. En cierto modo, eso es lo que nos transmite «Volar». Eso es lo que nos transmite ella: pura verdad, pura magia, pura verdad.
En medio de tantísimas novedades para ella – recientemente hemos visto cómo ha vuesto música y voz al cortometraje «Perpetua Felicidad» de Isa Luego y Sofía Esteve con la canción «Solo Bailar», en la que colabora junto a Nico Miseria -, hemos tenido el enorme placer de charlar con la mismísima Femme Fatene. Y la verdad es que nos abrió todo un mundo de posibilidades. Así que pasen, vean y disfruten del talento musical en primera persona.
