En ocasiones, la música se convierte en una necesidad imperiosa, en un pálpito sin el que no podrías vivir, en un latido. Eso es lo que ha sucedido a la barcelonesa Lasha quien se ha adentrado en la bulliciosa escena emergente, desde una perspectiva multidisciplinar. Cantautora, compositora y productora musical, cerró el pasado año 2022 con la llegada de su trabajo más ambicioso y experimental, «Nase Voll». Un EP formado por dos potentes e íntimas canciones («Harta» y «Ex_Plotar»), que supone el inicio de una nueva etapa profesional para ella, en la que la música se ha convertido en su principal motor de vida, pero sin presiones y sin pretensiones. Lo que tenga que ser, será. Un EP en el que las dos piezas funcionan como una sola, dándonos así la explicación de una relación desde el enamoramiento a la ruptura. La mejor manera de conocer desde dentro, esa particular manera de ver el mundo en el que vive.
A su vez, da continuidad a este proyecto musical que arrancó con la llegada de su primer sencillo «Me da igual», una canción con la que irrumpió con fuerza, aunque bien es cierto que la propia Lasha ha evolucionado desde entonces. En todos los sentidos. Musicalmente, ya no se casa con ningún estilo, arriesga, experimenta y gana. Bajo ese nuevo punto de vista, se han ido sucediendo canciones y más canciones, como «No tenía porqué ser» y «Juego de dos». Así hasta este, prácticamente, recién estrenado EP «Nase Voll». Ya veis, lo que comenzó siendo solo un piano, o una guitarra y una voz, ha adquirido unas dimensiones increíbles, y ahora ni hay quien lo pare. Lo que no ha cambiado a lo largo del tiempo son las ganas de dar lo mejor de sí misma, llegar a las personas y ayudarlas en todos los momentos de sus vidas a través de sus letras y melodías reconfortantes.
Pero a todo esto, ¿quién mejor que ella misma para darnos los detalles sobre su proyecto musical? No os perdáis la entrevista que le hicimos hace algunas semanas a Lasha.
Los comienzos no siempre son fáciles, pero hay artistas capaces de removernos por dentro de tal manera, que lo único que deseas es que lleguen al mayor número de personas posibles. Es la sensación que tuvimos con Jorge Gardo cuando lo descubrimos con su primer tema «2END2». Una primera canción con la que echó a andar como artista. El inicio de una nueva era en la que comenzaremos a descubrir toda aquella música que el joven y talentoso compositor ha ido creando en su móvil. Todo un mundo por descubrir que ha continuado muy poco tiempo después, con la llegada de su segundo sencillo «Puntos Suspensivos». Pero, ¿qué significa para él?
«Los puntos suspensivos sirven para interrumpir o dejar un sentido incompleto de lo que se dice. Con esta idea comencé a escribir esta canción, que describe la negociación entre el tiempo y el amor, una negociación que incluye nuestros momentos de vacío, donde nos hablamos a nosotros mismos y nos animamos en la soledad. Porque este sentimiento lo tenemos tan guardado en lo oculto, que evitamos decírselo a nadie», quiso explicar el propio artista y compositor.
Un género al que no estamos acostumbradas, pero al que Jorge Gardo ha sabido darle estilo, pero sobre todo personalidad. Y es que juega con las dosis perfectas de musicalidad y mensaje profundo, capaz de traspasarte el alma, y eso nos encanta. Tanto, que le auguramos un futuro repleto de oportunidades dentro de nuestra emergente escena musical. De ahí, que sintiéramos la necesidad imperiosa de charlar con él cara a cara. Conocemos el proyecto desde dentro, a la par que estrenamos nuestra sección de entrevistas de cara a este año 2023 recién estrenado. ¿Queréis saber todos los detalles que nos avanzó? Pues tan solo tenéis que darle al play y disfrutar de esta pequeña gran conversación.
Los descubrimos en 2020, recién estallada la pandemia, justo en el momento en el que ellos acababan de estrenar su álbum «9 Historias y 1 Mentira». Han pasado ya dos años desde ese instante y aunque el mundo ha cambiado demasiado, nosotras también. Ocata aparecen de nuevo para regalarnos su increíble y nuevo trabajo discográfico «Todas las suertes de lo imprevisible». Un disco que nace producto de las vivencias del último verano del confinamiento en un pequeño pueblo al norte de Francia. Un disco que reúne multitud de relatos de observación. Historias de pasado, presente y futuro. Un disco en el que la esencia de la banda permanece a lo largo del tiempo, aunque dando paso a un atisbo de evolución y experimentación. Porque al final, ¿qué es la vida sin cambio?
Con cierto carácter melancólico y mucho más cercano a los sonidos de los 90’s, los catalanes han dado vida y forma a estas canciones, acompañados en todo momento por Carlos Dueñas de Arctic Wave yStefano MaccarronedeAbuelita Records. Con ambos han tenido el placer de grabar y producir un disco de estudio, verdaderamente de 10. Una especie de viaje astral, en el que se pierde el miedo a hablar sobre las relaciones efímeras, la adolescencia y las cosas que nos hacen darnos cuenta que el tiempo va pasando. Un viaje astral, que adquirirá una nueva dimensión en 2023, cuando Vice Pedret, Pepe Montero, Roger Moreno y Dani Soriano puedan presentar en directo este larga duración. Apuntad bien estas dos fechas, porque son las primeras de todas las que están por llegar: el 26 de enero en La Nau de Barcelona y el 29 de enero en el Café La Palma de Madrid.
Eso sí, antes de que cambiemos de dígito en nuestros calendarios y antes de inaugurar una nueva fase vital en nuestras vidas, no hemos perdido la oportunidad de charlar largo y tendido con Pepe, guitarra de Ocata. ¿Quieres saber todo lo que nos contó y explicó sobre «Todas las suertes de lo imprevisible»?
Los descubrimos hace algunas semanas gracias a su potente y nueva canción «Tsunami» y, desde ese mismo momento, Doctor Wattson se han convertido en uno de nuestros grandes descubrimientos musicales de este 2022. Aunque si nos remontamos y echamos la vista atrás, llevan años y años trabajando y regalándonos su música. De hecho, fue en 2008 cuando en el sur de Madrid, Alberto Almeda «Alme», Antonio Barrena, Jorge Jiménez, Rubén Muñoz y José Luis Ramos comenzaron a caminar como banda; aunque no fue hasta 2011 que publicaron su primer EP, «Suerte». Mucho ha llovido desde entonces y mucho han evolucionado, en todos los sentidos.
Así hasta llegar al día de hoy, momento en el que nos han regalado su nuevo sencillo «Tsunami». Toda una revolución musical y emocional, que no hace más que marcar el inicio de una nueva era para los de Getafe. Grabada en mayo de 2022 en Headroom Estudios en Madrid, esta canción ha contado con la magia de Lorenzo Matellán en la producción y la masterización de Félix Davis. «Como todas las canciones del grupo trata sobre aspectos de la vida misma. Nos gusta ver Tsunami como esa furia contenida que cualquiera puede sentir ante una ruptura o abandono y el deseo de querer alejarte de eso para que no te haga daño», explicaban ellos mismos.
Más allá de este nuevo sencillo, la banda madrileña ha aprovechado este 2022 para reeditar una de las canciones que más ha marcado su carrera profesional. Y es que ya han pasado 10 años desde la llegada de su increíble y maravillosa «Cartas desde Siberia», sencillo incluido en su momento en la lista de temas más melancólicos del Indie español en Dod Magazine.
Pero, sin duda alguna, todo ello no es más que el principio de todo lo que nos está a punto de regalar 2023. Aunque antes de que este momento llegue, hemos tenido la enorme oportunidad de charlar con los miembros de Doctor Wattson. ¿Quieres saber todo lo que nos contaron y explicaron?
Desde el mismo corazón de Jerez y con un estilo que viaja libre entre las sonoridades del power pop y el indie rock, llega Flecha Valona con unas incesantes ganas de arrasar con todo con su recién estrenado trabajo discográfico, «Los días pasarán». Un disco que recoge algunas de las canciones presentadas anteriormente en su último EP «El límite», mezcladas con muchas otras nuevas, producto de los últimos años de trabajo, de constancia vital y de emergencia social a nivel mundial. Un disco que ha nacido durante una época muy concreta y que ha determinado quienes son en este momento. Un disco que marcará un antes y un después en las vidas de la formación liderada por Ezequiel Márquez, pero también en las nuestras. Si no, tiempo al tiempo.
Grabado entre abril de 2021 y febrero de 2022 en el estudio Casadiós; y acompañados en todo momento por Juan de Dios, reconocido productor nominado en diversas ocasiones a los Grammy Latinos, la banda ha dado vida y forma a un trabajo discográfico, con el que además han logrado experimentar, recrear y salir de su zona de confort. Y es que ha supuesto su primer álbum compuesto íntegramente en español (más sabiendo que en 2016 publicaron «Running in a circle»). Y es que, como todo en la vida, el cambio es lógico, natural y constante. Tal y como ellos mismos han llegado a reconocer, es «una apuesta por mirar hacia adelante, ser positivos a pesar de que las circunstancias no sean las óptimas o quizás no estemos acostumbrados a ellas». Toda una declaración de intenciones y un paso al frente en lo que respecta a su carrera musical.
Pero en medio de todo este complejo y largo proceso, quizás lo mejor sea que sean ellos mismos quienes nos expliquen todos los detalles que se esconden tras «Los días pasarán». Precisamente hace algunos días, el propio Ezequiel Márquez nos explicó largo y tendido. ¿Queréis saber lo que nos contó?
Hay ocasiones en las que el amor por la música todo lo puede, en las que el ímpetu por crear y componer todo lo supera. Si no que se lo digan a Adrián Gil, Álvaro Martínez y Álvaro Uña que allá en 2018 coincidieron en Salamanca, cuna universitaria y cultural. La ciudad perfecta para encontrarse estos tres amantes del rock y decidirse a dar uno de los pasos más importantes: crear su propia banda, crear UnderWallace.
Quizás, en ese momento, lo que no se imaginaban – igual que no nos lo imaginábamos nosotras -, es que apenas dos años después, nos azotaría una pandemia que nos mantendría a todos en casa. Sin embargo, hay quien hace de los momentos complicades, grandes oportunidades. Fruto de ese periodo, vio la luz su primer trabajo discográfico y su gran ópera prima, «Sin Salida» (2021). Un EP que describía a la perfección esa frustración que sintieron al ver cómo todo el mundo se paralizaba, en el mismo momento en el que su proyecto musical alzaba el vuelo. Pero no hay mal que por bien no venga y, poco más de un año después de ese momento, el trío ha vuelto al ataque. Y lo ha hecho con una canción que nos ha enamorado desde el primer momento. Lo ha hecho con su nueva canción «Nadie dice nada». Un tema de lo más necesario que, a ritmo indie rock, nos invita a expresar todo lo que sentimos y llevamos dentro, pero nunca llegamos a exteriorizar, dejándonos atrapar por la rabia que el silencio nos genera. Un tema para cantar a viva voz y para desahogarse, asunto pendiente para muchos de nosotros.
«Nadie dice nada» se caracteriza por la contundencia de la batería y el bajo, acompañados por la amplitud de las guitarras y sintetizadores. Además de marcar el inicio de una nueva etapa vital de la banda, de la que nos hablaron hace algunos días. ¡Esto es lo que nos contaron!
Con un estilo de lo más particular, AstroMike Gordon no parece sacado de esta época. Tan solo escuchando su voz, seríamos capaces de pegar un enorme salto en el tiempo, pero sin movernos del siglo en el que vivimos. Eso es, precisamente, lo que hace que su proyecto sea tan sumamente especial. Así es como la nostalgia que desprende con cada nota, se refleja en su recién estrenado trabajo discográfico «Re-Reviresco».
Para empezar con la entrevista, para todos aquellos que aún no te conozcan, ¿quién es AstroMike Gordon y cómo empieza en el mundo de la música?
AstroMike Gordon surgió por necesidad, allá en 2011. Después de graduarme en la academia de música de Malmö, donde estudié música jazz tocando el contrabajo, me apetecía hacer algo completamente diferente. Así que monté AstroMike Gordon y me puse al frente cantando mis propias canciones. Ese primer concierto que di, sigue siendo una de mis mejores experiencias.
Acabas de publicar tu álbum «Re-Reviresco» y nos gustaría saber cómo nació el concepto artístico.
«Reviresco» es el lema del clan de mi abuela, Mcewen. En muchos sentidos, me parece un nombre adecuado para este EP, ya que la canción que abre el disco, «Margret The Widow», lleva su nombre. Pero el significado del lema también alude a nuestra forma de grabar y producir música. Queremos traer de vuelta el enfoque de la vieja escuela a la era moderna y hacer que vuelva a florecer. Con «Re-Reviresco», la versión extendida, incluso añadimos dos tomas en directo, y ese sonido tiene una vida que rara vez se capta en una cinta. Aunque no suene tan perfecto, prefiero estas versiones a las originales. La habilidad de cada músico y de nuestro ingeniero de sonido, Tomas Borgström, brilla con luz propia.
En este sentido, ¿cómo recuerdas el proceso creativo y compositivo del álbum?
Pasé menos tiempo solo en este álbum. Confío en los miembros de mi banda y en Tomas, el productor, y quería que formaran parte del proceso mucho antes. Puedes discutir un arreglo durante horas, pero tocar una canción juntos, con la mente abierta, te da un resultado más vivo. Para mí, lo mejor fue cuando contratamos a músicos de la Ópera de Malmö para que tocaran los arreglos de viento en «Margret The Widow», «The Mess» y «We are everything». Parecía sacado de un documental de The Beatles.
Grabaste y mezclaste el álbum con Tomas Borgström en Tambourine Studios. ¿Cómo llegó a tu vida y cómo ha sido trabajar juntos?
Tomas se me acercó después de nuestro primer concierto en 2011 y me preguntó si podía grabarnos. Me dijo: «me encanta vuestra música y sé exactamente cómo mezclarla». Ha sido un elemento clave en nuestras grabaciones desde entonces, y la persona en la que más confío cuando se trata de música. Es como un ingeniero de sonido de la vieja escuela con conocimientos hasta el nivel de un átomo de grabación.
Por vuestra parte, ¿cómo ha sido la acogida de «Re-Reviresco» y el feedback recibido por parte del público?
Con este lanzamiento siento que finalmente hemos conseguido un poco de reconocimiento. Nada enorme, pero suficientes críticas y palabras amables de desconocidos como para sentir que quiero seguir adelante. Y eso es realmente todo lo que puedo pedir.
Hay otro aspecto que nos gustaría conocer, y es, ¿cuál es la inspiración musical de AstroMike Gordon a la hora de componer?
Yo llamo a nuestro estilo crooner pop. Me encanta la música de los años 60 y 70 y supongo que es bastante obvio que mis mayores influencias proceden de esa época. David Bowie, The Beatles, Scott Walker y Nick Drake, por nombrar algunos. Siempre que la música tenga grandes melodías, un grado perfecto de complejidad, esté bien arreglada y se toque a la perfección, me encantará.
Y líricamente, ¿cuáles son sus principales influencias y qué importancia tiene el mensaje en sus canciones?
Me encanta contar historias y profundizar en la condición humana cuando escribo letras. Pero siempre estás limitado a la melodía que tienes en mente. El sonido de las palabras es más importante que su significado, así que hay que encontrar un equilibrio. Para mí, cuando lo consigues, estás ante algo grande.
«Re-Reviresco» es tu tercer álbum de estudio, ¿cómo ha evolucionado el proyecto desde que publicaste tu debut AstroMike Gordon en 2014?, ¿cuál es el mayor aprendizaje que te llevas?
Ese primer álbum que hicimos significa mucho para mí. Sin embargo, cuando lo escucho ahora, me oigo a mí mismo tratando de expresar algo que no está ahí. Ahora, cuando escribo música, intento dejar que la canción me guíe. Es como un nuevo amigo al que intentas descubrir. Espero ser más honesto a la hora de escribir. Pero creo que lo que más he aprendido es a confiar más en mis compañeros músicos. Si eliges a los adecuados, harán que tus canciones se enriquezcan.
¿Cuáles son los planes más inminentes de AstroMike Gordon? Especialmente de cara al año 2023.
Estamos grabando un nuevo EP como continuación de «Reviresco». Espero que lo tengamos listo para publicarlo en mayo de 2023. Entonces, querré hacer una gira de presentación, por supuesto. Me encantaría tocar en España esta vez.
Solo quedan dos preguntas, que me encanta dejar para el final. La primera es, ¿qué canción tuya identifica mejor el momento en el que te encuentras profesionalmente y por qué?
Bueno, ahora es invierno. Aquí en Suecia eso significa oscuridad sin fin y un tiempo horrible hasta mayo. En otras palabras, este es el periodo para escribir música, leer libros y contemplar las buenas y malas decisiones que has tomado en la vida. Diría que la canción «We are Everything» es la que mejor describe el estado de ánimo en el que me encuentro ahora.
Para fin y aprovechando que me gusta conectar de alguna manera con el nombre de la web, ¿cuál es la verdadera locura que has cometido con la música?
Yo diría que es una locura ser músico en general. Practicar durante horas todos los días, sentarse en un autobús de gira durante doce horas, despertarse en mitad de la noche para grabar una idea para una canción que acabas de soñar. Es una obsesión y una religión. Una completa locura.
Clara Hurtado es una de esas artistas capaces de arrasar con una fuerza arrolladora, capaz de cautivar a cualquiera. Basta escuchar su voz para darse cuenta todo el potencial y arte que tiene; y «Ay, Ay» ha sido una de las primeras pruebas de ello. Acompañada en todo momento por Raf Riley y DJ RLo a la producción, la compositora española afincada en Reino Unido ha logrado aunar lo mejor del funk brasileño, el latin, el grime y el drill, aportando una energía refrescante a la creciente escena latina del país británico. Una canción de lo más juguetona, que muestra a la perfección quién es en esencia y las influencias de las que bebe en su día a día.
Nacida en Madrid pero residente en Londres, Clara Hurtado nunca ha permanecido mucho tiempo en el mismo lugar. Empezó a hacer sus primeros pinitos en la música desde muy pequeña, forjando esa personalidad única que tiene y dando cabida en todo momento a sus raíces españolas y británicas. De hecho, creció cantando al ritmo de los solos de guitarra de Carlos Santana y escuchando atentamente y repetidamente las carreras vocales de artistas que definen el género, como Beyoncé y Jill Scott. Y es que, ante todo, su visión igue estando cerca de su corazón.
Un talento arrollador y el mimo por el detalle, que le valió el reconocimiento de Tom Jones, Gavin Rossdale, Jennifer Hudson y Will.i.am en The Voice UK. O que le abrió las puertas a la gira «Calambre» deNathy Peluso, a quien teloneó en el O2 Empire de Shepherd’s Bush. La mejor manera de despuntar en una carrera musical que no ha hecho más que comenzar y que seguirá creciendo a lo largo del tiempo.
En medio de tantas novedades, hemos tenido la oportunidad de charlar largo y tendido con ella. ¿Quién mejor que Clara Hurtado para explicarnos quién es Clara Hurtado? ¡Pues eso, que le deis al play y disfrutéis de la entrevista que le hicimos!
Lo descubrimos hace ya un año con la llegada del que fuera su aclamado sencillo «La teoría del Big Bang», pero es que ahora Valenlao se dispone a inaugurar una nueva etapa vital, un nuevo ciclo musical. ¿Y qué mejor manera de hacerlo que con sus nuevos adelantos «Ave Fénix» y «Crepúsculo»? Dos canciones con las que dan el pistoletazo de salida a 2023 y que estarán incluidas en el nuevo trabajo discográfico de la banda almeriense. Dos canciones con las que han experimentado un ligero cambio de sonido, a la par que nos invitan a vivir el presente y a aprovechar el aquí y ahora.
Si «Ave Fénix» fue sinónimo de resurgimiento, «Crepúsculo» ha llegado también para seguir con esta estela de positivismo y alegría. Un nuevo tema de rock suave ambiental, que se aleja de las guitarras distorsionadas y los sonidos saturados, para ofrecernos un sonido místico que habla sobre vivir el día a día. Una canción de lo más especial, para la cual han regresado nuevamente a Grabaciones La Mina de Sevilla para grabar, mientras que la masterización ha corrido a cargo del ganador de un Grammy Latino, Mario G. Alberini.
Por no hablar del arte y diseño de este segundo sencillo, que ha sido obra y arte de la gran artista y diseñadora María Torres, quien llegó a asegurar que «ha sido todo un reto…cuando escuché la letra por primera vez pensé en libertad y no pude evitar soñar despierta hasta que la canción dejó de sonar». Como resultado, tenemos dos portadas en diferentes tonalidades opuestas (blanco y negro), para mostrar esa dualidad crepuscular. El de antes y después de la salida del sol.
En medio de tanta novedad, hace algunos días tuvimos la oportunidad de charlar largo y tendido con Antonio Valentín Lao, vocalista de la formación. Todo con la idea de que nos explicara todos los detalles que están por venir y sobre las novedades que girar alrededor de Valenlao. ¿Queréis saber todo lo que nos contó?
Juntas, Ichi Segovia y Clara Alvarado han logrado crear un tándem indestructible, capaz de sobrevivir al paso del tiempo y de las circunstancias. Y es que la complicidad que existe entre ellas es capaz de traspasar cualquier tipo de límite, cualquier tipo de barrera. Una premisa imprescindible sin la que Biuti Bambú no se sostendría. Desde nuestra perspectiva, no podemos estar más felices de comprobar cómo esa sintonía es capaz de crear melodías y canciones como las que forman parte de su primer álbum homónimo, de su gran debut. Juntas, han construido todo el biutiverso. Sin etiquetas, sin límites y rompiendo las fronteras entre los géneros musicales.
Cuatro años intensos de introspección y una pandemia mediante han ido forjando las melodías y las historias que ambas artistas han querido recoger a lo largo y ancho de estas diez canciones, llamadas a convertirse en himnos. Un proceso complejo, repleto de altibajos, pero también de momentos mágicos. Un proceso en el que ha tenido un papel muy importante Roy Santana, quien se ha encargado de la producción de los temas; y de Guille Mostaza de Álamo Shock, que ha sido el encargado del master del disco. Por supuesto, no nos olvidamos de la banda que acompaña siempre a Ichi y a Clara. Y es que Peto Fesser, Mamen Martínez, César Berzosay el propio Roy cierran filas en Biuti Bambú. Equipazo de escándalo, para un proyecto de escándalo. Proyecto que tuvo su primera puesta de largo el pasado sábado 26 de noviembre en la Sala Galileo Galilei de Madrid, regalando una noche mágica a todas aquellas personas que tuvieron el honor de asistir.
Sin duda alguna, la mejor manera de demostrar que han llegado para quedarse y de que esto solo acaba de comenzar. Precisamente sobre esto y mucho más, hablamos con Iciar y Clara hace apenas unos días. ¿Qué?, ¿eres lo suficientemente intrépida como para adentrarte sin miedo en el biutiverso? Te damos la bienvenida entonces.
Hay cambios naturales, épocas de experimentación y crecimientos reales que se vislumbran a través del arte y de las canciones. Verona saben muy bien de lo que hablamos y más si hablamos de su recién estrenado trabajo discográfico, «Giro Argumental». Tercer álbum en su carrera en el que han dado un salto de gigante a nivel musical: y es que dan de lado el sonido de arreglos sintetizados para poner en primera línea la fuerza de las guitarras y de una potente base rítmica. Eso sin hablar de la potencia y la buena dosis de realidad que destilan las letras, que también adquieren un gran peso a lo largo y ancho de estas diez canciones. No es para menos si tenemos en cuenta que su nivel compositivo se encuentra en pleno estado de gracia. Nosotras, sin duda alguna, estamos completamente enamoradas.
Otro de los grandes cambios es el que ha experimentado la banda granadina con respecto a la producción musical de este álbum y es que, en esta ocasión, ha sido Carlos Hernández Nombela quien se ha puesto a los mandos de estos diez temas, consiguiendo un resultado más que increíble.
Un proceso fulminante, en la que Verona ha conseguido su madurez plena, todo gracias al equipo que los ha acompañado y guiado. La mejor manera de encumbrar una carrera que dio el pistoletazo de salida en 2017 y que ya se ha saldado con dos EPs y dos álbumes de larga duración: desde «Dinámica» (2017) hasta «Capital Silencio» (2020), pasando por «Equilibrio» (2018) y «Fuerzas Resultantes» (2019). Una carrera de lo más prolífica, de la que tuvimos la oportunidad de hablar hace algunos días con Beni, miembro de la formación musical. Cómo nace «Giro Argumental», cuáles han sido sus principales influencias, cómo han ido las primeras citas en directo o cómo se plantea su 2023, entre infinidad de cosas más. ¿Queréis saber todo lo que nos contó? ¡Pues solo tenéis que darle al play!
No vamos a negar que eran unas de nuestras favoritas en pleno Benidorm Fest, pero aunque no terminaran por llevarse el Micrófono de Bronce, nos alegramos infinitamente de todas y cada una de las cosas que han ido consiguiendo Tanxugueiras durante este 2022. Multitud de conciertos, festivales, un nuevo álbum en la calle «Diluvio» – que vio la luz en el mes de julio -, un Disco de Oro por «Terra» y multitud de colaboraciones. Incansables e imparables, han cantado recientemente con Rozalén en «A Virxe do Portovello», incluida en el nuevo trabajo de la artista manchega, y han colaborado en el disco de «La Marató de TV3» cantando en catalán. Ahora, se viene un 2023 de descanso, pero antes de que se vayan de vacaciones, hemos hablado largo y tendido con Olaia Maneiro, Aida Tarrío y Sabela Maneiro.
¿Cómo nace «Diluvio» y cómo recordáis todo el proceso creativo del álbum?
Olaia. Llevamos como dos años o dos años y medio trabajando en él, desde que empezamos a componer las canciones. Y la verdad que el primer tema que hicimos fue «Midas», que comenzó a fraguarse durante la cuarentena, en esos momentos en los que nadie sabía qué pasaría y en los que era muy difícil ver la luz. Y ahí empezamos a darle forma a «Diluvio». Ya en contrapunto, empezamos a hacer canciones con sintes, entonces queríamos ir por ahí. Fue un proceso muy natural, de ir poquito a poquito. Fue ahí cuando empezamos a hablar de los pecados capitales, de hablar de lo que era pecado o no. Típicas conversaciones con un gintonic en la mano [risas].
Sabela. A ver, lo que teníamos claro es que queríamos que tuviera un concepto. Seguramente saquemos temas por sacar, pero cuando publicamos un disco, nos gusta que tenga como un hilo conductor, un por qué y mensajes que puedan ayudar a día de hoy.
Aunque ya habéis comentado que surge de manera muy natural, ¿cómo es este punto de puesta en común y de encontrar el concepto?
O. Creo que es una mezcla de suerte, porque muchas veces aunque lo intentas y rebuscas, no llegas a encontrar eso que tú quieres. A mí me pasa con la pintura, en mi cabeza está el dibujo, pero la mano no llega, el cerebro no envía la información [risas]. Pero la verdad es que entre las tres hacemos un tándem bueno, porque donde no llega una, llega la otra. Entonces fue una suma: yo creaba algo, se lo pasaba a ella, ella a Aida y cada una aportaba su esencia. Y luego, todo esto se lo mandábamos a Iago Pico y hacía su magia.
Recoger la tradición de vuestra tierra y cantar en gallego, probablemente sean vuestras dos grandes señas de identidad. Pero más allá de eso, ¿cómo construyen Tanxugueiras todo su imaginario sonoro?
S. Pues la verdad es que lo primero que hacemos es pensar el tema que queremos tratar.
O. Sí, la verdad es que componemos al revés de todos los artistas, porque estamos en contacto con muchos de ellos y quedan alucinados. Generalmente, los demás empiezan a componer a partir de una guitarra. Nosotras sacamos las melodías a partir de nuestras voces. Para ver la oscuridad que le queremos dar a la canción, tenemos que saber de qué tema queremos que trate. Pero la letra es la última en formarse. O sea, primero tenemos la idea, de ahí salen las melodías – intentamos que sean tradicionales, otras las componemos nosotras pero le damos ese toque -, y lo último de todo es la letra. Nada que ver [risas].
S. Entonces después le decimos a Iago la sonoridad que queremos más o menos. Y entonces él nos va pasando cositas de hacía dónde va, pero siempre acierta. Es muy fácil trabajar los cuatro, porque tenemos muy claras las ideas y solo tenemos que decir lo que para nosotras representa esa canción, porque al final cada uno tiene su propio punto de vista, pero llegamos a acuerdos muy fácil.
Este verano, además de publicar «Diluvio», os han dado el Disco de Oro por «Terra» y me gustaría saber qué ha supuesto para vosotras.
O. ¿Tú sabes lo que es poner un Disco de Oro en tu casa?
S. Yo es que lo tengo en el pasillo de casa y cada vez que limpio y lo veo, digo: «Uy, eso es mío».
O. Tenemos que conseguir otro para dárselos a mis padres, porque querían ese y les dije: «No, que es el primero» [risas]. Pero es que nos están pasando tantas cosas, que creo que todavía no somos conscientes. Sí que tenemos momentos de bajar de la nube y de ser consciente de que estas cosas las hemos conseguido con Tanxugueiras, pero aún no estamos en ese momento de asimilación.
Justo claro, os iba a preguntar. Que precisamente os presentáis al Benidorm Fest con «Terra» y a partir de ahí, revienta todo. ¿Cómo estáus viviendo este proceso?
S. Yo creo que la clave de Tanxugueiras es la inconsciencia, de ahí salió la banda y así seguirá [risas]. Nunca somos conscientes realmente de dónde nos metemos. Sabemos que habrá mucho trabajo, pero no nos cerramos las puertas. De hecho, el Benidorm Fest fue algo que no teníamos en mente hacer, vino así de rebote y aquí estamos.
¿Ha sido una experiencia positiva entonces? Ya no solo por lo que os haya podido traer profesionalmente, creo que también ha supuesto un punto de acercamiento para el público, de escuchar música tradicional, de cantar en gallego. No sé si vosotras lo habéis visto un poco igual.
O. El Benidorm Fest fue un punto de inflexión, porque lo veía mucha gente.
S. También he de decir que estas arrugas de aquí [señalándose la cara], antes no estaban [risas]. Perdón, sigue.
O. No, que al final vas al Benidorm y no dejas de ir a una plataforma como es la televisión. De repente, tu música empieza a llegar a casa de gente que no llegaría en la vida. Y empieza a cantar en gallego gente que jamás te imaginaste que lo haría. Es flipante, porque nos asalta la pregunta de «y ahora, ¿qué hago?». Pues sigues con la ola, pero se lió mucho. Cuando llegamos a Galicia fue alucinante: gente esperándonos en el aeropuerto, gente parándonos en el supermercado…A mí me va a petar la patata [risas].
2022 ha sido un año súper intenso para vosotras, con la presentación de «Diluvio», firmas de discos, conciertos, festivales. Pero, ¿cómo se plantea 2023?
S. Pues bien, porque de momento, viene con vacaciones. Para mí, 2023 no existe, son los padres [risas]. No, en realidad vienen muchas cosas chulas, pero es cierto que necesitamos recargar pilas. Esperamos que sea magnífico igual que ha sido 2022 o ni que sea la mitad que este. Pero sí que necesitamos descansar, me cuesta ver más allá [risas].
Quedan las dos últimas preguntas, que son con las que me gusta cerrar siempre y la primera de ellas es, ¿qué canción de Tanxugueiras identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
Aida. Yo creo que ahora mismo, «Pano Corado» porque es la canción más veraniega y como ahora nos vamos de vacaciones. Pues yo me la pongo y ya me vengo arriba [risas]. Me sirve para entrar en un estado de ánimo más tranquilo. Además, es una canción muy feliz y alegre, y es como nos sentimos nosotras ahora.
S. Porque, ¿te dijimos que nos vamos de vacaciones, verdad? [risas].
Ahora sí que sí, para cerrar y conectar con el nombre de la web, ¿cuál es la verdadera locura que habéis cometido vosotras por la música?
Tanxugueiras. Dejarlo todo, lo cual es una locura bastante grande.
A. Yo, de hecho, no fui a mi graduación de la universidad, por ir a tocar a un concierto. Que vinieron a vernos 15 personas, pero fue el concierto de mi vida.
S. Sí, la verdad es que dejarlo todo y apostar por el grupo, sin saber qué nos iba a traer. Pero teníamos claro que queríamos apostar todo por Tanxugueiras y que si salía mal, pues salió mal; y si salía bien, como hasta ahora, pues poder dedicarnos al 100% al proyecto, con todas tus energías.
O. Ha habido momentos que no han sido fáciles…ver cómo tus ahorros van menguando poco a poco. Y más después de la pandemia. Pero mira, la vida está hecha para los valientes.
S. También presentarse al Benidorm Fest fue una gran locura, ¿eh?
A. Sí, eso también. Pero yo creo que el momento de dejar vosotras los trabajos y yo la universidad de lado por el proyecto, no éramos muy conscientes de la locura que estábamos haciendo.
O. Al final es lo que decíamos, si hay una palabra que pueda definir a Tanxugueiras es inconsciencia.
