El año 2014 fue el germen de lo que es a día de hoy Emergencia Emocional, todo gracias a la mente inquieta de su vocalista Gonza. Un largo camino de nueve años que les ha llevado a tocar y formar parte de otras bandas hasta aterrizar en este iniciático y prometedor 2023. Un trabajo intenso que culminó el pasado mes de mayo con la llegada de su segundo EP de estudio «Evolución». Un disco que gira alrededor de la pureza de los sentimientos y de las emociones, y que no hace más que continuar con la maravillosa estela que dejó «1 + 0 son 4» (2019). Mensaje y potencia a partes iguales, la mejor manera de conectar lo que somos y sentimos como seres humanos, pero a ritmo de indie pop y rock alternativo. Todo un universo sonoro y letrístico, en el que no dudamos en adentrarnos.
Y es que si hay alguna cosa importante en esta vida es el poder explorar el mundo de las emociones, el permitirnos sentirlas y expresarlas, en aprender a gestionarlas y darnos cuenta el enorme potencial que tenemos los seres humanos a través del autoconocimiento. Invitamos a reflexionar y mirar hacia dentro para saber quiénes somos y vivir en coherencia con ello. Todo ello sin olvidar que hemos venido a esta vida a disfrutar y brillar sacando lo mejor de nosotros mismos. Toda una declaración de intenciones, que los chicos de Emergencia Emocional llevan hasta la saciedad. Eso es lo que nos ha enamorado tanto de ellos y eso es lo que ha hecho que se conviertan en imprescindibles para nosotras a partir de ahora.
En medio de tanta novedad, hemos tenido la oportunidad de charlar con ellos largo y tendido. Gonza y Pablo nos explicaron todos los detalles sobre este nuevo trabajo discográfico que acaban de publicar y sobre todo lo que está por llegar. ¿Queréis saber todo lo que nos contaron? ¡Te damos todos los detalles!
Aunque sólo han pasado tres años desde que la pandemia nos azotara a todos por igual, hemos de reconocer que es un hecho que nos cambió por dentro. Que se lo digan si no a la artista y compositora italiana Sara Ardizzoni, que es quien se esconde tras el proyecto musical de Dagger Moth. Sensible, emotiva y con un talento brutal, compuso un álbum de 10 durante este periodo, con el que nos ha enamorado por completo. Producto de todas estas vivencias, vio la luz «The Sun is a Violent Place». Un disco que, a pesar de todo, le ha dado muchas alegrías y que hace muy poco, pudo presentar en directo en el Primavera Pro de Barcelona. Pero mejor si es ella misma quien nos da todos los detalles.
Para todo el público español que no te tiene en su radar musical, ¿quién es Dagger Moth y cómo empieza en la música?
Dagger Moth soy yo, es mi trabajo en solitario. Un proyecto en el que mezclo guitarras eléctricas, electrónica y voz. Al mismo tiempo, bebe de una dimensión muy solitaria y de una pluralidad de influencias diferentes. Me inicié en la música de niña, primero como ávida oyente y melómana. Me empapé del sonido en mi casa y luego, al final de la adolescencia, empecé a tocar la guitarra.
Entendemos que la pandemia fue un momento clave para el proyecto, ya que fue cuando concebiste «The Sun is a Violent Place», ¿cómo recuerdas este proceso creativo y compositivo?
Muy polifacético y muy solitario. Para mía fue como una mezcla de impulso creativo y alienación, moldeado por una extraña sensación de tiempo que se sentía suspendido e interminable. Aunque también fue amenazador y enigmático. El proceso de grabación de este álbum se convirtió en una especie de capullo salvífico en el que refugiar y almacenar emociones, a menudo contradictorias.
Teniendo todo esto en cuenta, ¿qué ha significado este álbum para ti?
Evidentemente, me ayudó a atravesar un periodo muy complicado. Pero al mismo tiempo, estar encerrada en casa con una agenda vaciada de obligaciones como nunca antes, me dio la oportunidad de explorar y cincelar realmente mis ideas con una minuciosa atención al detalle, tanto durante el proceso de composición como durante las semanas de grabación y premezcla (ya que lo grabé yo misma en casa). Sigo pensando que este trabajo enmarca con mucha precisión un momento concreto de mi vida que, sin duda, representa un punto de inflexión a muchos niveles.
¿De qué manera has construido todo tu imaginario sonoro?
Realmente surgió de forma natural, no tenía un camino predeterminado que seguir, simplemente intenté traducir en música una mezcla muy concreta de estados de ánimo (incredulidad, alienación, angustia sigilosa, suspensión, calma aparente).
¿Y las letras?, ¿qué importancia tienen para ti?
La música siempre es lo primero para mí, pero las letras tienen su importancia. Cuentan historias que tengo en la cabeza, secuencias, visiones. Me gustaría que de las palabras sugirieran imágenes sin explicar demasiado, siguiendo el mismo flujo cinematográfico que tiene el sonido.
También has colaborado con tres grandes profesionales como Victor Van Vugt, Fabrizio Baioni y Alessandro Gengy de Guglielmo. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos?
Fabrizio es un querido amigo mío, batería y compositor electrónico de gran talento, y contribuyó con algunos ritmos adicionales en tres canciones. Alessandro es un ingeniero de masterización muy competente de Milán. Victor, probablemente el más conocido de los tres – antiguo colaborador de Nick Cave, PJ Harvey o Beth Orton -, me ayudó a finalizar el proceso de mezcla. Con él trabajé a distancia y fue muy respetuoso con mis arreglos y orientación artística.
¿Qué significó para ti actuar en Primavera Pro?
¡En realidad, me siento muy afortunada, ya que es mi segunda vez en este festival! La primera fue en 2018, en uno de los grandes escenarios con una banda italiana: Cesare Basile & Caminanti. Pero este año, el estar allí con mi proyecto en solitario, significó aún más. Es una experiencia increíble, a nivel profesional y emocional.
Más allá de este festival, ¿cuáles son los próximos pasos de la banda?
Bueno, como la «banda» soy sólo yo, tengo bastante libertad para decidir los pasos y el ritmo. Probablemente me tome un poco de tiempo libre – he estado de gira desde el otoño pasado para promocionar el nuevo álbum -, mientras planto las semillas de un par de proyectos paralelos.
¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde que empezaste a grabar y cuál es el mayor aprendizaje que te has llevado de ese momento?
Empecé con Dagger Moth, mi proyecto en solitario, en 2012 y la trayectoria siempre ha sido consistente, tanto a nivel artístico como de ética de trabajo: una atrevida curiosidad por experimentar con sonidos de guitarra, electrónica y loops, además de haberle dado siempre un enfoque profundamente arraigado en el DIY. Estar sola en el escenario es a la vez liberador y muy exigente, así que, a medida que pasa el tiempo, esta dimensión sigue definiendo nuevas percepciones de autoconciencia.
Quedan dos preguntas con las que nos gusta terminar siempre. La primera es, ¿qué canción tuya identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?
Ahora mismo, la canción que probablemente mejor se adapte es «Slow Motion Collapse», ya que es bastante reflexiva, enigmática pero también potente. Para mí, desvela una energía propulsora, que te lleva de aquí para allá.
Y por último, ¿cuál es la verdadera locura que ha hecho por la música?
El mero hecho de intentar hacer carrera en la música hoy en día, sin atenerse a ciertas normas, ¡es pura locura!
Justo cuando Soyla presentaba su primer trabajo discográfico homónimo, la pandemia azotó a todo el mundo, paralizándolo y encerrándonos a todos en casa. Han pasado ya tres años desde aquel 2020 complicado para todo el mundo y la normalidad ha vuelto para nuestras vidas. Que se lo digan si no a la banda catalana que en 2022 presentó su nuevo álbum «STOY» y, ahora, se dispone a reeditar algunas de las canciones que el COVID no nos dejó disfrutar en vivo y en directo. De esta manera, y acompañados de amigos y artistas, han publicado las nuevas versiones de «Ola Imperfecta» junto a Jere, «Robots» con A Cámara Lenta, «Gritos» en colaboración con Rafa Pons y la más reciente, «Neones Rojos», con Alison Darwin. El inicio de una nueva etapa profesional y musical para la formación catalana que, muy pronto, presentará este nuevo EP al completo. ¿Alguien está como nosotras?, ¿alguien más con unas ganas tremendas de escucharlo de principio a fin?
Un año 2023 repleto de música y de canciones, pero también de conciertos veraniegos. Y es que los barceloneses Soyla están más que dispuestos a comenzar con su gira de presentación. Tal es así, que los podremos ver este mismo viernes en la Sala Continental de Barcelona junto a Gigante (9 de junio), en la Casa de la Mar de Castellón (16 de junio) y en la de Valencia (17 de junio), y en El Perro de la Parte de Atrás del Coche de Madrid (29 de septiembre), a falta de muchas más fechas por confirmar.
Pero mientras todo llega, hemos querido aprovechar para charlar largo y tendido con Micky Laborde, vocalista y front-man de Soyla. ¿Queréis saber todo lo que nos explicó sobre este ecléctico y diverso proyecto que tanto nos ha cautivado? Pues dale al play y disfruta, ¡no te pierdas ni un sólo detalle!
Es una de las voces de nuestra generación, es uno de los talentos musicales más emocionantes de nuestra escena y un «volcán que te toca con una guante de seda». Carolina Alabau lleva el arte en las venas. Nacida en el seno de una familia de músicos clásicos, creció con la copla española sonando en el coche cada verano e influenciada por la música latinoamericana, es creadora de dos álbumes preciosos como son «Primera mirada» y «Meraki», en colaboración con la violinista Èlia Bastida. Sin embargo, ahora, la autora catalana se encuentra en el mágico proceso de dar vida a su tercer trabajo discogrráfico «Una frase imaginada», con Javier Limón a la producción y composición.
Un proyecto que surge desde el amor al propio folclore, pero con ese sabor tan latinoamericano. Un proyecto que la propia Carolina Alabau asegura que no existiría sin Javier Limón (una figura importantísima dentro del sector de la producción musical, al haberse alzado con 10 Premios Grammy). Juntos, han conseguido montar una dupla de escándalo. El tándem musical perfecto para que todas las canciones suenen bonitas, para que todas las canciones salgan desde el corazón. Un proceso que nace de dentro a fuera y que ha permitido que ambos exploren detalles tan sutiles como la creación de un sentimiento o de una emoción, el olor antes de la tormenta y el más minúsculo de los inicios. Un trabajo de investigación, que ha tenido un único objetivo: poder expresar de la mejor manera las historias que yacen en las letras de las canciones.
Un proceso emocionante que, por lo pronto, nos ha dejado el primer sencillo de adelanto, que también lleva por título «Una frase imaginada». Para todo lo demás que está por llegar, habrá que esperar. Eso sí, la charla que hemos tenido con la propia Carolina Alabau no nos la quita nadie. Fue preciosa y mágica, así que os la dejamos a continuación. ¿Quieres saber todo lo que nos contó sobre su proyecto musical?
Huyen de las etiquetas musicales, abogando por un estilo único y un sello identitario único. Quizás, por eso, la banda italiana Guatemala haya supuesto un verdadero descubrimiento para nosotras. Tras haber estrenado recientemente su nueva canción «Messaggio», que supone y un antes y un después en su carrera, y tras haber actuado la pasada semana en el Primavera Pro de Barcelona, hemos tenido la oportunidad de charlar con ellos. Un auténtico placer si se trata de conocerlos más y mejor.
Para todo el público español que no os tenga en su radar musical, ¿quiénes son Guatemala y cómo empezásteis en la música?
Guatemala es una banda rara surgida en Italia, que ni siquiera puedde ubicarse dentro del ecosistema actual musical italiano. Nos conocimos en la universidad, en fiestas, pubs y jam sessions. En todos estos espacios construimos nuestras identidades, necesitábamos una música que pudiera describir la incierta condición de los jóvenes estudiantes que buscan algo de despreocupación y aún así quieren que sus problemas sean representados.
«Messaggio» es vuestro último single, ¿cómo surgió esta canción y qué significa para vosotros?
«Messaggio» expresa una violenta necesidad de honestidad en oposición a la moderna forma superficial de vivir el romance. Hay una falta de conexión humana en las historias de amor de hoy en día, ya que escondemos nuestras inseguridades detrás de mensajes de chat. Nuestra generación creció dentro de este sistema. Sin embargo, sentimos la necesidad de vivir las emociones más allá de los dispositivos.
¿Es esta canción el comienzo de un nuevo camino?, ¿es uno de los primeros adelantos de un futuro álbum o EP?
Por supuesto que lo es. De hecho, después de cuatro singles que forman parte de una narración circular, «Messaggio» es la primera producción de un nuevo capítulo. Pronto publicaremos un EP, en el que participará un nuevo miembro de la banda, que ha actuado en España con nosotros, y algunos nuevos experimentos sonoros que estamos impacientes por publicar.
¿Cómo es y cómo vivís desde dentro todo el proceso creativo y compositivo en Guatemala?
Vivimos una vida caótica, entre horarios musicales, universidad, problemas de alquiler e inestabilidades de la vida privada. Todo ello, hace que renovemos constantemente nuestros sentimientos, que después traducimos en canciones. Sobrevivimos juntos haciéndonos un regalo cada vez que a alguien se le ocurre una nueva idea. Todos somos multiinstrumentistas y todos escribimos las letras juntos, sin embargo somos personas totalmente diferentes. Por lo tanto, cada canción no es la idea de una sola mente, sino la mejor muestra del grupo social al que pertenecemos.
¿De qué manera habéis construido todo vuestro imaginario sonoro?
Gracias a nuestros diversos orígenes, cada uno de nosotros aporta una influencia única al sonido del grupo, sin intentar nunca ajustarnos a un género de referencia. Más bien explotamos este contraste interno para garantizar una combinación original de opciones musicales. Por eso, nunca encontramos artistas más grandes que sirvan de referencia para describir nuestra música. Y también por eso nuestro público recuerda y reconoce a Guatemala.
¿Y las letras?, ¿qué importancia tienen para vosotros?
No contamos historias personales, sino la gran historia que vive hoy nuestro grupo social. Intentamos representar todas esas emociones que los jóvenes vivimos en secreto: las dudas sobre nuestro futuro, la soledad y la sensación de estar perdidos en un mundo sin espacio para nosotros. La autoaceptación es lo que necesitamos para sentirnos juntos más ligeros y eso es lo que buscamos sobre nuestra forma de vivir el sexo, la culpa, la esperanza y las responsabilidades. Cuando el público canta con nosotros en nuestros conciertos, sentimos que unidos nos sentimos libres.
¿Qué ha significado para vosotros actuar en Primavera Pro?
España es ahora nuestra segunda casa, después de tocar en Valencia y ahora en Barcelona, encontramos en el festival Primavera el mejor público de la historia: gente que se paraba de verdad delante del escenario y se quedaba allí para escuchar de verdad y preocuparse por lo que intentábamos comunicar. Inmediatamente el público para el que tocábamos empezó a crecer y, después de las dos primeras canciones, nos encontramos actuando delante de muchísima gente que realmente bailaba nuestra música.
Más allá de este festival, ¿cuáles son los próximos pasos de la banda?
El festival Primavera ha sido un paso fundamental que nos asegura que ahora nos podemos sentir lo suficientemente seguros como para ir a tocar al extranjero en cualquier lugar y saber que la gente vibrará con nuestra música, incluso sin entender las letras. Así que estamos planeando algunos nuevos conciertos en el extranjero para el futuro y estamos deseando hacerlo presentando el nuevo EP, que estará disponible pronto.
¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde que empezasteis a rodar y cuál es el mayor aprendizaje que os habéis llevado desde ese momento?
Guatemala siempre ha cambiado en su esencia, ya que hemos vivido tantas experiencias desafiantes tan rápido. De ser sólo una joven banda de estudiantes, nos encontramos tocando por toda Italia y en el extranjero, aprendiendo a ocuparnos de todos los aspectos que hay detrás de la música, desde las redes sociales hasta el merchandising y construyendo un material de amigos y artistas en los que apoyarnos y que, además, no dejan de crecer. Sabemos que nada se puede conseguir realmente solo y que lo que puedes hacer con gente en la que confías es siempre mejor de lo que esperas.
Quedan dos preguntas con las que nos gusta terminar. La primera es, ¿qué canción vuestra identifica mejor el momento en el que os encontráis y por qué?
«San Cataldo» es, probablemente, el single que mejor representa ahora nuestra identidad. Con él, queríamos regalar a nuestro público una especie de himno o alegatp en defensa de nuestras imperfecciones. Esta conciencia de uno mismo es un paso necesario antes de llegar a la aceptación de uno mismo y, luego, sentirse bien con los demás.
Y por último, ¿cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?
Sinceramente, es probable que hayamos desordenado nuestras influencias musicales en este proyecto, dando vueltas para encontrar algo que no pudiéramos encontrar en otra parte. Simplemente no nos importaba en qué categoría musical encajaría nuestra música. Más bien queríamos hacer coincidir nuestros lenguajes musicales personales, adaptando sus diferencias para encontrar una forma común de comunicarnos. Siempre es como apostar y, quizás, sea esta imprevisibilidad lo que hace que nuestros oyentes siempre sientan curiosidad por lo nuevo.
El poder de la música es magnético e inevitable, un hecho completamente místico que nos recarga de energía y que es capaz de cambiarnos y mejorarnos el estado de ánimo. Especialmente si cuando esta música, viene de la mano de una artista tan talentosa como es Andrea Mir. Hasta hace bien poco, no la teníamos en nuestro radar, pero descubrirla ha significado todo un mundo de posibilidades. Más cuando acaba de pegar un gran salto al vacío como este, más cuando ha experimentado un cambio de lo más significativo, regalándonos así su nueva canción, «The Kids». Un tema que supone el tercer adelanto de su nuevo e inminente trabajo discográfico, tras la irrupción de «alas y garras meet» y «hágase tu voluntad». Magia en estado puro y un bucle infinito del que no queremos salir nunca más.
¿Focalizamos nuestra energía en lo que realmente nos gusta, en encontrar nuestro sitio en este mundo tan mezquino y cruel? Bajo esta clara premisa, la artista y compositora catalana nos ha regalado una nueva canción preciosa, con la que nos invita a centrarnos en lo que verdaderamente nos importa. Un aprendizaje vital que la propia Andrea ha llevado al límite y ha explotado sin medida. Más con estos nuevos temas que nos está presentando y que, quizás, se alejan un poco de lo que nos avanzó con su álbum de debut «Arribes tard» en 2018. Cinco años han pasado desde entonces y nuevas influencias han llegado a su vida, de la mano de Kanye West, Travis Scott, Billie Eilish e incluso Beyoncé. Aunque hemos de reconocer que el verdadero germen partió de unas declaraciones de John Frusciante, guitarrista de Red Hot Chili Peppers. De hecho, su voz aparece en la introducción de «The Kids».
Aunque mejor si dejamos que sea la misma Andrea Mir quien nos dé todos los detalles sobre su proyecto musical. ¿Qué os parece la idea?, ¿nos acompañáis en este viaje musical de emociones?
Han sido uno de nuestros grandes descubrimientos, no es para menos si tenemos en cuenta el enorme talento y proyección que tienen. Lo de Merino es difícil de explicar si no los has escuchado con anterioridad, pero una vez entras en su particular universo sonoro, ya no hay marcha atrás. En este arduo camino de redescubrimiento y conocimiento, nos están preparando para la gran llegada del que será su segundo trabajo discográfico «Himnos de guerra», que al fin será nuestro en otoño y apenas tres años después del que fuera su álbum de debut, «Piel, equilibrio y humo». Tiempos complicados se han sucedido por medio y muchas ganas de seguir regalando el mayor de sus bienes: su música.
En este sentido, el pasado jueves 1 de junio estrenaron su nuevo y más reciente sencillo de adelanto «Bailando con lobos». Un grito de motivación, una inyección de fuerza para hacer a uno sentirse invencible, la necesidad de resaltar la importancia de tener al lado a las personas adecuadas para poder enfrentarnos a las dificultades. Un nuevo himno como todos los que formarán parte de este trabajo discográfico, grabado a medio camino entre Blind Records (Barcelona) y La Casa Murada (Tarragona) y bajo las directrices de los siempre imprescindibles Santos & Fluren. Un trabajo discográfico que se avecina épico y que artísticamente será una joya, no solo por los temas que lo conformarán, también por ese peso y carga visual de las portadas, inspiradas en el «Guernica» de Picasso. Resaltar el trabajo gráfico de María Vaquero (EMEVDE), que ha sido de 10.
Ahora, tras una gira de escándalo que los ha llevado ya por multitud de escenarios y ciudades – la última de ellas Toledo -, la banda madrileña se prepara para seguir regalándonos estas joyas musicales en directo. El Cooltural Fest de Almería (17 a 19 de agosto), el MUWI La Rioja Music Festde Logroño (del 31 de agosto al 2 de septiembre) y el DCODE Festival de Madrid (9 de septiembre) serán las siguientes citas, aunque la más grande será el próximo 28 de octubre en La Sala del WiZink Center de Madrid. Aunque antes de que ese momento llegue, os dejamos la entrevista que les hicimos hace algunos días.
Fue ayer cuando se estrenaron en los escenarios del Primavera Pro, aunque esta noche todavía les queda un último asalto en el Night Pro en el Parc del Fòrum. Es el gran aterrizaje de la delegación italiana en el Primavera Sound, impulsada por Puglia Sounds, Italia Music Export y Emilia Romagna Music Commission. Es el gran aterrizaje de una gran banda como es European Vampire, quienes nos han cautivado por completo con su estilo, con su personalidad y con esa capacidad de ver y analizar el mundo, canalizándolo y convirtiéndolo en música. A ritmo de electrónica, han sido capaces de crear un pack completo con el que sorprender a todo el mundo. Y es que con canciones como «International Girls Club» o álbumes como «Forever Speeding Through Darkness», han marcado un nuevo rumbo. Camino del que hemos podido hablar con ellos largo y tendido.
Para todo el público español que no os tenga en su radar musical todavía, ¿quiénes son European Vampire y cómo empiezan en la música?
Mark Ceiling (MC). European Vampire es más un colectivo suelto que una banda. Lorenzo y yo somos el núcleo del grupo, pero tenemos muchos colaboradores – en primer lugar, Michele, nuestro director artístico – que nos ayudan a dar forma y sabor conceptual y visual a nuestra música. Y no nos olvidemos de nuestro vampiro honorario, Angus. Empezamos en diferentes bandas en el instituto, luego yo estudié música electrónica en la facultad de música. Fue después cuando nos pusimos de acuerdo y empezamos a trastear como dúo.
Lorenzo Sutto (LS). Somos una respuesta hit and dance a nuestra sociedad Tik Tok y nos gustan los trajes, las corbatas y las cosas francesas.
Habéis empezado este 2023 lanzando vuestro nuevo single «International Girls Club». ¿Qué significa esta canción para vosotros y cómo surgió?
MC. Musicalmente, quería experimentar un poco más con sonidos de piano acústico en un contexto house, intentando aportar algo de contraste con sonidos dance de finales de los 90’s principios de los 00’s.
LS. No sé, supongo que quería exponer a un cierto tipo de gente que parece vivir sólo para ir de discotecas en Berlín, pero es más que eso, explica lo poco en contacto con la realidad que tenemos últimamente. Persiguiendo constantemente el síndrome FOMO («temor a dejar pasar») nos lleve donde nos lleve, limitados por una gran cadena de privilegios que de otro modo no harían posible nada de esto. También es nuestra primera canción con una parte en español, que es un poco más romántica que la francesa y la italiana, pero sigue siendo muy conmovedora.
Asimismo, el pasado año 2022, publicasteis vuestro álbum «Forever Speeding Through Darkness», ¿cómo recordáis todo el proceso creativo y de composición?
MC. «Forever Speeding Through Darkness» tardó más de dos años en terminarse y recuerdo ese tiempo con cariño. Nuestra manera de hacer las cosas suele ser dispersa, un poco caótica, dejamos que las ideas fluyan libremente aunque crucen géneros. Es una experiencia gratificante cuando, al final, das forma y sentido unificado a todo ese caos. Y supongo que para mí este álbum es la encarnación de eso.
LS. Simplemente evoca toda la época covídica y postcovídica, esa sensación de estar completamente perdido, de no saber qué hacer ni quién ser. Incluso la forma en que está dividido el disco, con la parte «Forever Speeding» más bailable y la parte «Through Darkness» más lúgubre y oscura. Ambas reflejan ese ambiente esquizofrénico de aquella época. Una gran época para escribir, pero no la mejor para vivir.
¿De qué manera habéis construido todo vuestro imaginario sonoro?
MC. Recogemos muchas influencias y géneros que hemos escuchado a lo largo de los años. Mientras que Lorenzo tiene un montón de influencias brit pop e indie, mi paleta bebe mucho de la música electrónica de baile, pero también del prog de los 70. Creo que hemos encontrado un terreno común en la música electrónica, ya que es lo suficientemente dúctil como para que experimentemos y seamos libres a la hora de explorar diferentes estados de ánimo y vibraciones.
LS. Yo vengo del rock and roll como músico, aunque siempre he sido un gran fan de la música electrónica y de baile, sobre todo de los 80 y especialmente de Inglaterra, así que sólo tenía que encontrar el equivalente a la fuerza motriz de un acorde de potencia. Una vez lo conseguí, para mí fue como volver a la normalidad, por supuesto con muchas más posibilidades en cuanto a sonidos y efectos
¿Y las letras?, ¿qué importancia tienen para vosotros?
MC. Creo que las letras son la voz, la manifestación del personaje que construimos. Son una parte integral en la creación de la narrativa y el estado de ánimo de nuestras canciones, aportando lujo y decadencia.
LS. Nuestro proyecto se llama European Vampire y no Vampires, y eso es porque canto y escribo las letras de estas canciones pensando en un personaje en particular. Él nunca llega tarde, nunca llega pronto, uber-socialite, felliniesque criatura nocturna de la que trata todo esto. El camuflaje puede caer a veces, pero la imagen permanece intacta, como una especie de estatua que una vez estuvo viva. Cantamos sobre la muerte, la moda, el sexo, las drogas, la violencia, pero también sobre el amor, la pasión, las relaciones, los remordimientos y la pérdida. Y lo hacemos utilizando las tres lenguas europeas que mejor dominamos: el italiano, el francés y el inglés. A veces jugamos con los sonidos y con las imágenes de una lengua frente a otra, lo cual hace que cometas errores gramaticales que harán que la frase sea más conmovedora que antes.
Otro aspecto que nos ha llamado la atención es la imagen que rodea a las canciones, y la atmósfera cinematográfica que habéis recreado. ¿Cómo nació este concepto artístico más allá de la música?
MC. Yo diría que la parte visual de este proyecto es tan importante como la propia música. De hecho, cuando empezamos a esbozar el álbum, ya estábamos pensando en cómo crear, visualmente hablando, un ambiente, imágenes vívidas que ayudaran a reforzar el significado que hay detrás de nuestra música.
LS. Nuestra música y nuestra mezcla estética son fundamentales la una para la otra. European Vampire es una criatura robada de los sueños más oscuros de Bowie, de los últimos días de Chet Baker en Amsterdam y de las revoluciones perdidas de franceses e italianos. Todo el concepto del hombre siempre trajeado, vestido igual, terriblemente elegante, pero nunca fuera de lugar tiene para nosotros la misma importancia que un traje de superhéroe, que en nuestro caso se convierte en un antihéroe, vagando por las fiestas más glamurosas de las noches en busca de otro crepúsculo interminable que nunca llegará.
¿Qué supone para vosotros actuar en el Primavera Pro?
MC. ¡Es un gran logro y una buena oportunidad para expandir nuestra europeidad!
LS. Estuve en el Primavera Festival el año pasado y fue una de las mejores experiencias de mi vida, y actuar en el Primavera Pro justo un año después me hace sentir tan bendecido como siempre.
Más allá de este festival, ¿cuáles son vuestros próximos pasos para la banda?
MC. Todavía tenemos que terminar la gira, después de eso, ¡volvemos a la mesa de dibujo, ya que tenemos que seguir trabajando en el nuevo material que estamos escribiendo!
LS. Una nueva grabación que ya tenemos en mente, esta vez con instrumentos y con un sonido más orgánico. La verdad es que estoy deseando volver al estudio.
¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde que empezasteis a grabar y cuál es el mayor aprendizaje que os habéis llevado de ese momento?
MC. El proyecto empezó conmigo y con Lorenzo haciendo el tonto en mi habitación, y ver cómo ha crecido, tanto en complejidad como en alcance, ha sido increíble. Nos llevó bastante tiempo y un poco de testarudez, así que diría que la principal lección que aprendimos es a tener paciencia.
LS. Ha habido algunas ocasiones en las que Riccardo (Mark Ceiling) y yo estamos a punto de tocar en estos increíbles locales, en las que lo aparto un momento y le pregunto si entiende lo lejos que hemos llegado desde que empezamos en la habitación de su abuelita y nos emocionamos, pero al mismo tiempo sabemos que aún nos queda un largo camino por recorrer.
Nos quedan dos preguntas, con las que nos gusta terminar. La primera es, ¿qué canción vuestra identifica mejor el momento en el que os encontráis y por qué?
MC. Sigue siendo «Forever speeding through darkness», que la que cierra nuestro álbum. Ess la pieza más meditativa y melancólica, la mejor representación de la incertidumbre. Creo que refleja bien mi propio estado de ánimo ahora mismo.
LS. Esa o «Postcard», nuestra canción más infravalorada. Es realmente yo ahora.
Y por último, ¿cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?
MC. Hacer cosas burocráticas y organizativas, ¡seguro!
LS. Hay muchas estupideces que he hecho por la música, pero todo ha merecido la pena.
En cualquier carrera artística, como en la vida, hay un punto de inflexión claro, un punto que marca un antes y un después, un acontecimiento que hace que saltes, que cambies y que evoluciones. Pierdes el miedo y te atreves a experimentar, a probar con nuevos sonidos, poniéndote a prueba y sacando lo mejor de ti mismo. Que se lo digan si no, al talentoso y afamado artista Guillermo Salas quien, tras dos álbumes en solitario y alguna que otra incursión previa en la escena musical, se ha decidido a regalarnos su tercer trabajo discográfico, «Los más bonitos de España». Un disco concebido en Lasting Noise Recording Studio, bajo los mandos del productor Adrián Hidalgo. Un disco cuidado al detalle, que tiene una preciosa historia tras de sí, narrada a ritmo de indie pop, hip hop y rock.
«Los más bonitos de España» es mucho más que una declaración de intenciones, es un álbum que no hará más que asentar a Guillermo Salas, convirtiéndolo en una de las grandes voces de nuestro panorama musical actual. Tiempo al tiempo. Eso sí, lo que no puede faltar ahora que ha llegado a nuestras vidas, es su respectiva gira de presentación. De esta mañana, podremos verlo en Madrid (2 de junio), Valladolid (17 de junio), León (18 de junio), Granada (8 de julio) y Santander (15 de septiembre). Todo ello, entre muchas otras más fechas por anunciar (como una segunda cita en la capital y otros lugares como Viveiro y Segovia).
Aunque todo eso llegará y lo podréis ver a través de las redes sociales del artista y compositor. Mientras tanto, os dejamos la entrevista que le hicimos hace algunos días a Guillermo Salas. ¿Quieres conocerlo mejor?, ¿quieres saber todos los detalles que envuelven este proyecto musical? Pues dale al play y disfruta. Nosotros pasamos un ratito de lo más agradable.
No sabemos exactamente qué está pasando en Galicia, pero musicalmente es un hervidero cultural que no deja de sorprendernos. Y ojala siga así durante muchos, muchos años, porque la cantidad de nombres que están saliendo de allí es impresionante, haciendo de nuestra escena musical una de las más diversas y ricas del planeta. Es así como hemos conocido al dúo de electrónica Galician Army, formado por los productores, DJs y compositores Alberto Prado y Sergio Vallejo. Una de esas formaciones que no dejan indiferente y que han aterrizado con un nuevo trabajo discográfico potente, a la par que rompedor. Tras arrasar con «Nós», el álbum en el que han remezclazo y remixeado grandes éxitos de otros artistas gallegos como Eladio y los Seres Queridos, Xoel López, Iván Ferreiro, Luar Na Lubre o mariagrep, entre muchos otros.
Toda una declaración de intenciones y la mejor carta de presentación, que sirve como especial homenaje a la cultura gallega, al haber visto la luz el mismo Día das Letras Galegas. Identidad en estado puro que, a su vez, rememora a Nós, un grupo de escritores gallegos que, a través de una revista con el mismo nombre, reivindicaron con orgullo aquello que los unía: el arte y su tierra. Raíces que se mueven al compás de la electrónica del dúo y de la particular visión que tienen de algunas de las canciones más representativas de los artistas del territorio. La verdad es que no imaginamos una manera mejor de presentarse al mundo. Y nosotras no podemos estar más felices de haberlos descubiertocon este trabajo discográfico que, muy pronto, presentarán en directo en lugares como O Son Do Camiño de Santiago de Compostela (16 de junio), Festival Portaméricade Portas (del 13 al 15 de julio), Nachiños Fest de Ferrol (8 de septiembre) y Caudal Fest de Lugo (16 de septiembre). Todo ello, a falta de muchas más fechas por confirmar.
Eso sí, en medio de tanta novedad, hemos tenido la oportunudad de charlar largo y tendido con ellos. Esto es lo que nos han explicado sobre el proyecto musical. ¿Quieres conocerlos más y mejor?
De no tenerlo ubicado en nuestro radar musical a convertirse en un imprescindible para nosotras, más ahora que ha puesto patas arriba uno de los festivales más importantes de nuestro país, al convertirse en uno de los ganadores del Mad Cool Talent by Vibra Mahou. Para los despistados, hablamos del músico y productor valenciano Pau Corea, quien se atreve a explorar nuevas sonoridades, ampliando sus referencias y mostrándonos todo su universo repleto de matices. Un proyecto en solitario que, tras «La Cumbre», «GirⓄ», «Contra» y «Pienso entrar», acaba de de presentar su quinto sencillo «FT8». Todas ellas son magníficas piezas que estarán incluidas en su inminente álbum de debut. Casualidades del destino que han hecho que estemos en bucle con uno de los artistas más prometedores de nuestra escena pop y electrónica. Y si no, tiempo al tiempo.
Siempre ligado a la música, especialmente como productor – faceta que lleva explotando durante más de 15 años -, Pau Corea decidió lanzarse de lleno también a la composición. Con la calma, paciencia y amor que todo ello requería, el valenciano ha ido cociendo poco a poco un proyecto musical de lo más ecléctico y diverso, que pone el pop y la electrónica en el centro. Con un estilo de lo más lynchiano en todas sus facetas, ha ido presentando las primeras canciones del que será su primer trabajo. Todo hasta culminar con este último «FT8». Una composición cuidada con tintes atemporales en una época de celeridad constante. La última píldora antes del gran lanzamiento. La última píldora hasta el momento de una propuesta que ha encadilado a todos los presentes. Y en el festival Mad Cool de Madrid tendremos la mejor demostración de todo lo que es capaz de conseguir.
Sin embargo, ¿quién mejor que él para explicarnos todos los detalles que envuelven el proyecto musical de Pau Corea? ¡Esto es lo que nos contó, no te lo pierdas!
Desde el corazón de Bergen (Noruega), el artista y compositor Eide Olsen ha logrado cautivarnos con esa profunda voz y con su prisma único. Una manera especial de contemplar el mundo que le rodea, de saber darle la vuelta y hacer arte con él. Y es que no hay nada como sus canciones para apreciar el talento y la emoción que respira. Producto de todo este trabajo y sensibilidad, acaba de publicar su nuevo trabajo discográfico «My Dear», que ve la luz dos años después de su anhelado regreso musical. Unas novedades que mejor que nos explique en primera persona.
¿Quién es Eide Olsen y cómo empezó en la música?
Eide Olsen es un músico noruego que, tras 20 años de pausa, reinició su carrera en 2021 con el aclamado álbum de regreso «Cross My Heart»
«My Dear» es tu último álbum, que vio el 12 de mayo. ¿Cómo surge el concepto del disco?
Nace como continuación del álbum de regreso, sigue la misma receta. Un poco de jazz, algo de pop, una pizca de blues y algunas pinceladas de música clásica. Es como un guiso: un poco de esto y un poco de aquello. Diría que mis letras contribuyen a la diversidad. Algunas letras son dramáticas y emotivas, pero también hay algunas canciones divertidas y francamente locas. Como «The Cello and the Cat», que podría parecerse a algo que Ray Davies podría haber escrito para los Kinks.
¿Cómo recuerdas el proceso creativo y compositivo?
Era como hacer rafting, como estar en una pequeña embarcación en la corriente de un río. A merced de fuerzas que no puedes dominar, pero en las que aún tienes una pequeña posibilidad de evitar los desenlaces más catastróficos. Con la buena ayuda de un gran equipo y unos músicos fantásticos, puedo decir, sinceramente, ¡que se convirtió en un viaje de placer!
¿Qué peso tienen las letras y el mensaje de las canciones en este proyecto musical?
Las letras son importantes para mí. Por eso, el mensaje que intento transmitir en este álbum es que aunque la vida sea una paradoja, el amor es siempre la respuesta. Ingenuo y romántico por un lado, pero espero que con la sabiduría que hace que merezca la pena contemplarlo.
¿Cuáles han sido las principales influencias sonoras?
Mientras que «Cross My Heart» era un álbum estrictamente analógico y producido a la vieja usanza, esta vez he aplicado un enfoque sónico más moderno. En las grabaciones se han introducido capas y patrones de ritmo y sonido creados digitalmente. Aun así, he utilizado las herramientas modernas, sobre todo, como condimento y creo que la sensación del álbum es definitivamente humana y suena muy en directo.
«Anchored» es el focustrack. ¿Qué tiene de especial esta canción?
Fue la canción más difícil de escribir para el álbum, sin duda alguna. La letra gira en torno a pensamientos de derrota extrema y acaba llevando al oyente a la horrible pregunta de «¿merece la pena?». Pero, por otro lado, el contraste de la voz de Helene Morks que tiene 14 años, con mi voz áspera, hace que sea un dúo muy agradable de escuchar (si se me permite decirlo).
¿Cómo fue masterizar este álbum con Ryan Smith?
La verdad es que no lo sé. Está en otro país y el único contacto que tenemos durante el proceso es por correo electrónico. Pero puedo decir lo siguiente: algunos temas de masterización requieren decisiones interesantes y entonces se convierte en una batalla encontrar las palabras adecuadas para describir la realidad sónica y las consecuencias emocionales al alterarla. Para mí, como artista, significa mucho, pero para Ryan Smith es sólo un día más en su negocio y en su vida profesional. Si el diablo está en los detalles, entonces Ryan es el…(¡usted mismo puede completar la frase!) Pero para que quede claro, Ryan Smith es probablemente el hombre más destacado del mundo para masterizar cualquier álbum. ¡Estoy realmente contento con el resultado!
¿Cómo ha sido la acogida y las primeras reacciones del público?
Han sido tremenda. En la primera semana, el álbum dio más vueltas en los servicios de streaming que en los dos años anteriores. ¡Guau! Varias emisoras de radio europeas han puesto en rotación los dos primeros singles, «Don’t Even Try» y «Anchored». Especialmente Francia, Bélgica y ahora Canadá parecen apreciar la música. (¿Quizás haya una conexión francesa escondida en alguna parte?). ¡Ha sido genial!
Ahora que «My Dear» está en la calle, ¿cuáles son los próximos pasos de Eide Olsen?
En pocas palabras: ¡conciertos y componer nueva música!
Quedan dos preguntas, que son las que siempre nos gusta cerrar con todas las entrevistas. La primera es, ¿cuál de tus canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?
Elegiré la canción «Praise the Summer» de «My Dear». Es una loca canción ballrom-punk, que mezcla influencias del rock’n’roll de distintas épocas, desde los años 50 hasta los 90. La letra te dice que aproveches el momento y dejes de lado los pensamientos sentimentales. La vida es demasiado corta para pensar en las oportunidades perdidas.
Y ya para terminar y haciendo honor al nombre de nuestra revista, ¿cuál es la verdadera locura que has cometido por la música?
Hice un concierto en Barcelona hace un mes y, aunque no parezca una locura, la logística que se necesita para que músicos de Noruega y Polonia se reúnan en el lugar adecuado en Barcelona y se aseguren de que tienen los instrumentos y el equipo adecuados…¡guau! Yo soy más cantante y compositor que organizador. Pero, a pesar de un ingeniero de sonido que sólo hablaba español, me enorgullece decir que resultó ser un buen concierto.
