Categoría: Música

  • Villanueva: «Zoo Para Dos fue como una pastilla para el dolor»

    Villanueva: «Zoo Para Dos fue como una pastilla para el dolor»

    Cuando no hay fuerza para seguir adelante, llega «Zoo Para Dos». Este fue el mejor antídoto para Villanueva. Y para todos los que, hemos caído en sus garras. Positivismo, garra, fuerza y sexualidad. Una liberación constante que permanecerá muchos meses más, sobre los escenarios. En Madrid estará, de nuevo, el próximo 17 de mayo.

    ¿Cómo nace «Zoo Para Dos»?

    En los dos últimos años, cuando estaba con la gira de «Viajes de ida», me pasaron cosas que antes no me habían sucedido. Es la primera vez que pierdo familiares directos y uno de mis amigos sufrió cáncer, del que terminó recuperándose. Han pasado mogollón de cosas y uno también va observando. Y va haciendo canciones, como respuesta a sensaciones que le podrían destrozar.

    El disco es muy positivo, para todo lo que pasé. Y la verdad, es que fue como una pastilla para el dolor. Aunque después se me empezó a ir de las manos, y el álbum derivó al placer y el hedonismo. Hay bastante referencia al sexo y al vino. El disco tiene ese toque sexy, a la vez que déspota. Pero también ese punto de: fuera dolor.

    ¿Qué expectativas tenías con el disco y las ha cumplido?

    Yo realmente no estoy en la música, para expectativas. Con todo lo que acabo de contar, necesito canalizar o escupir cosas que me retuercen por dentro. Entonces mi expectativa era conocerme a mí mismo aún más.

    ¿Y te ha servido para conocerte a ti mismo?

    Sí, indudablemente.

    ¿Cómo ha sido la respuesta del público?

    Pues en honor a la verdad: la respuesta fue muy lenta. Que no pasa nada. Creo que Villanueva no es un proyecto de pelotazo, ni nunca lo va a ser. Pero es cierto que a final de año, miro hacia atrás y digo: «Ostras, parece que son más». Hay que plantar mucha semilla.

    ¿Cómo definirías «Zoo Para Dos» en dos o tres palabras?

    Hedonista, disfrutón, sexy y cabrón.

    ¿Hay alguna canción que sintetice la esencia del disco?

    «Hoy es la última». Quizás me equivoque, pero es la que me sale a bote pronto.

    Hace poco, se publicaba el videoclip de «El día de el equilibrista». ¿Por qué este tema?

    Para eso me tengo que remontar a «Ella» como primer single. No hay que dar explicación, me flipaban las guitarras [risas]. Pero este tema era diferente. No hay que ruborizarse por pensar o querer pensar, que todo puede ir a mejor. Y yo quería hacer un homenaje con esta canción. Un homenaje a la gente de a pie, que se levanta con sus pequeños dramas y tiene que pasar su día.

    Has participado en el disco homenaje a Nada Surf. ¿Cómo llega este proyecto a ti?

    Me emociono un poco con este tema. En el año 98, descubrí una canción que se llamaba «Popular», escuchando Los 40 Principales. Y me flipó la voz y la manera de frasear que tenían. Pero no solo a mí: también al resto de mi clase. Y es que, todas las pandillas de amigos, tienen como dos o tres bandas comunes, que los unen. En nuestro caso, era Nada Surf. Así que, cuando me dijeron que si quería participar, por supuesto, dije que sí.

    Me comentaron en diciembre, que tenía que ser la canción «Hi Speed Soul». Y al día siguiente, estuve pensando en que podría hacerla en castellano. Pedí permiso y me lo dieron. No traduje la canción, porque no encajaría. Así que hice la mía propia. Y fue la hostia.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Villanueva?

    Tocar, tocar y tocar. Y continuar con la gira. A Madrid volveré el 17 de mayo, por ejemplo. Y entre toda la movida de conciertos, estoy ya maquetando cosas nuevas. Este material lo estoy ya presentando en formato acústico.

    Esta es la playlist de Villanueva

  • Alberto Torres: la combinación perfecta entre talento y trabajo

    Alberto Torres: la combinación perfecta entre talento y trabajo

    Piano, guitarra, violín, voz. Alberto Torres es el artista 10. Pegó el salto en «La Llamada». Desde ese momento, se ha rodeado de grandes artistas como Bely Basarte, Sofía Ellar, Leiva, El Chojin o Angy. Pero pronto, promete sorprendernos con su proyecto en solitario. Los primeros coletazos los viviremos este jueves 15 de marzo en la Búho Real, junto a Tania García y Yerai Cortés.

    ¿En qué momento empieza Alberto Torres su proyecto en solitario?

    Yo vengo del clásico y de tocar el violín en el Conservatorio. Aunque siempre he tenido curiosidad por las optativas de composición. Sin embargo, nunca he hecho nada que considerara que estuviera a la altura de publicarse. Pero tras compararme mi primera guitarra acústica, se aceleró todo y he acabado viciándome como un animal. Así que estoy empezando a componer con letra a partir de ahí. Fue una especie de diario, de sacar mis emociones fuera.

    ¿Y cuándo tendremos disco tangible de Alberto Torres?

    Tangible es la palabra clave en todo esto. Hace casi un año, me plantee sacar disco como tal. Pero he cambiado de estrategia, ya que ahora estoy valorando el publicar single por single, a modo de sesiones acústicas con invitados de lujo. Creo que no tiene sentido sacar un disco completo, cuando nadie me conoce y no he publicado nada antes.

    De momento, tengo unas 70 canciones, de las que seleccionaré 9 o 10, y las iré publicando poco a poco. Mi idea es publicar material con una calidad increíble. Quiero hacer una especie de pseudo – EP en acústico y en el que la gente, pueda conocerme y consumirme a través de las plataformas digitales.

    ¿Más tarde, lo publicarías todo como EP?

    Claro. La idea es empezar a publicar single a single, de manera progresiva. Y cuando esté todo, concentrarlo en un mismo EP y dejar claro que todos esos singles forman parte de un mismo proyecto. Ahora para arrancar, ésta me parece buena estrategia, para testar y recibir feedback del público.

    De los 70 temas que tienes, ¿cómo vas a hacer para seleccionar solo 9?

    Pues va a ser complicado. Pero, como compositor, divido en dos mi material. Por un lado, están los temas que te sirven para sacar todo aquello que te oprime el pecho. Y por otro lado, están las canciones que surgen para calmar la mente inquieta y que pueden estar guays también. Pero realmente, los temas que han salido vomitados de dentro, a la gente le llegan como muy reales. Y esos son los más valiosos.

    ¿Cuándo empezaremos a escuchar nuevo material?

    Pues mi idea es dejar todo grabado para verano. Y ya a finales o principio de otoño, empezar a publicarlo. Pienso a medio plazo. Verano va a ser el ultimátum: este año, pasaré mis vacaciones encerrado en el estudio.

    Te hemos visto colaborar con muchos artistas, como Bely Basarte, Sofía Ellar o Angy, entre muchos otros. ¿Cómo surgen estas colaboraciones?, ¿hay alguien que se te haya quedado en el tintero?

    He tenido muchísima suerte hasta ahora. Y todo el mundo al que le he dicho de colaborar, me ha dicho que sí. También es verdad, que el tema colaboración, lo quiero tratar con mucho mimo. En mi proyecto personal, me encantaría colaborar con invitados guays, pero que se adapten a las canciones. Quiero mantener la identidad de los temas.

    De momento, las canciones que he ido enseñando, han tenido muy buen feedback. Falta cuadrar bien con ellos, para que salgan adelante. Aunque igual puede caerse alguna colaboración.

    ¿Y cómo llegan a ti proyectos como «La Llamada»?

    «La Llamada» fue el germen, el fénix. Me sirvió para despertar y madurar. Los Javis fueron los que me dieron la oportunidad de abrirme al mundo. Yo llego con 18 años, justo después de acabar 2º de bachillerato. De hecho, hice las pruebas al Conservatorio, mientras estaba ya en el musical de «La Llamada».

    Llegué al proyecto gracias a Mario Marzo, que era compañero mío de clase. Se lo dijeron a él en principio, pero por fechas no podía. Y me lo comentó a mí, porque pensaba que yo podía encajar. Así que fui, hice el casting y les gusté.

    ¿Cómo vas a hacer para que la gente distinga entre tus propios temas y las colaboraciones?

    En realidad, no es una etiqueta que me pese. De hecho, creo que acompañar a otros artistas no es algo que me vaya a restar a mi a nivel profesional. Por poner un ejemplo: César Pop. Acompaña a Leiva a sus conciertos, pero también hace música en solitario y tiene sus propios conciertos. Y la gente va a verlo. Por lo que, ir con Leiva le suma.

    En mi caso, lo veo como algo bueno. La gente me va a ver y se va a sorprender. En plan: ¿y este, que canta con estos artistas, de dónde ha salido?

    Recapitulando: el 15 de marzo estás en la Búho Real con Tania García y Yerai Cortés. ¿Cómo afrontas este concierto y cómo se dan las colaboraciones?

    Tengo muchas ganas de este concierto y por diversas razones. Tania y yo nos conocemos desde hace tiempo, porque vino de corista con Angy. Luego volvimos a coincidir y tuve la oportunidad de conocer a Yerai, que es su pareja. Los dos son increíbles.

    Tania tiene algo especial. Ella canta y la gente se calla. Así que, compartir su primer concierto con ella y con Yerai, me parece increíble. Será especial, porque podré testar mis temas, pero también acompañarla.

    Esta es la playlist de Alberto Torres, para Verdadera Locura

  • En fotos: Carlos Sadness en Sala La Riviera

    En fotos: Carlos Sadness en Sala La Riviera

    [vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbRB_OiCEdtcBUGY4WpdfKJ4″][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Él es pura magia y buenrollismo. Su apellido no le hace justicia, aunque como su música – y su pelazo -, es pegadizo y llamativo. Con su electricidad y su facilidad para conectar, llegó el pasado 2 de marzo a La Riviera, dispuesto a hacernos bailar.

    Lo mejor es que no estuvo solo. En el momento de invocar a aquellas «Chicas pasándolo bien», aparecieron Varry Brava, los otros grandes representantes del buenrollismo en la música.

    Y en la complicada tarea de abrir el concierto de Carlos Sadness: El Caloncho, que también logró enamorarnos de principio a fin.

    Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»image_grid» images=»7087,7089,7091,7092,7093,7094,7095,7096,7085,7099,7097,7088,7090″ img_size=»medium»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

  • En fotos: The Royal Flash en Maravillas Club

    En fotos: The Royal Flash en Maravillas Club

    [vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbSVm8Bkt5HCivhCvx3M3uHL»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Ellos son pura electricidad. Da igual que toquen en acústico o eléctrico. Fuerza, energía y, sobre todo, ganas de pasarlo bien. Al final, todos esos sentimientos los logran transmitir sobre el escenario. Y pasa lo que pasa. Que cuelgan el cartel de «sold out» de la Sala Maravillas.

    Ellos son los madrileños The Royal Flash. Y desde que los descubrimos, estamos contagiadas por su energía.

    El pasado sábado 3 de marzo, reventaron la Maravillas, en la que no estuvieron solos. Y es que Ice Crime estuvieron allí con ellos, compartiendo mano a mano el escenario.

    Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»image_grid» images=»7041,7046,7045,7043,7042,7044,7040,7047,7048″ img_size=»medium»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

  • Anaut: «Con Hello There tratamos de marcar nuestro camino»

    Anaut: «Con Hello There tratamos de marcar nuestro camino»

    Anaut regresa. Con sus particulares influencias de soul, R&B, folk y rock. Pero también con toques distintos. Con ese afán de experimentar y de sentir la libertad en sus pieles, nace «Hello There», su reciente puesta de largo. El disco lleva apenas unos días en la calle, pero su nombre ya resuena. Y más que lo hará, porque ahora toca girar, girar y girar.

    ¿Cómo surge «Hello There»?

    Nace tras acabar la gira de «Time Gones On». Decidimos hacerlo los cuatro músicos del grupo, de manera muy libre, trayendo ideas muy variadas. Buscando nuevos caminos, saliendo de lo clásico y explorando nuevas vías. Y aquí estamos.

    ¿Cómo afrontáis el despegue de este nuevo disco?

    Con muchas ganas y cariño. Aunque también un poco expectantes: estamos deseando ver qué pasa y cómo lo acepta la gente. Pensamos que es un cambio. Y como todos los cambios, te deja el «gusanillo» ahí en el estómago.

    ¿Qué expectativas tenéis?

    Las mejores posibles. Es un cambio, una evolución. En ningún caso es una ruptura. Estamos muy ilusionados y los conciertos van a ser muy divertidos.

    ¿Cómo se produce esa evolución en el sonido?

    Probando, arriesgando, dejándonos llevar bastante. Este disco, lo hemos hecho como «soltando los perros». Arriesgándonos y no censurándonos para nada. También nos hemos dejado llevar mucho por la experiencia y por las cosas que pasan en los conciertos. En esta última gira, nos hemos sentido más libres para experimentar e improvisar sobre el escenario. Al final, cosas que probábamos en directo y que veíamos que funcionaban, las trasladábamos al estudio.

    Toda esta evolución, os ha permitido desarrollar un sonido propio. ¿Cómo definiríais el sonido Anaut?

    0% intelecto y 100% intuición [risas]. En realidad, en este disco se empieza a ver, pero el sonido Anaut todavía se está desarrollando. Las influencias están claras, pero estamos en ello, seguimos buscándolo. Es todo un poco ensayo-error. Pero de cualquier manera, la libertad y el pasarlo bien, siempre deben ir por delante.

    Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en dos o tres palabras? 

    Rock and Roll [risas]. «Hello There» viene un poco por eso, por decir «hola, aquí estamos». No rompiendo con lo anterior, pero tratando de marcar nuestro camino.

    Al final, entre unas cosas y otras, te acaban encasillando, pero tú quieres seguir teniendo la libertad para hacer lo que quieras. Y este disco va un poco por ese camino.

    Entendemos entonces que, en cierto modo, huis de las etiquetas. 

    Para lo malo sí, para lo bueno no [risas]. Eso tiene un punto positivo, que es darte a conocer en una escena concreta o en ciertos festivales. Pero, en realidad, nosotros no hemos dejado de hacer la música que queremos. Y eso que somos músicos que tenemos influencias diversas. Al final, nuestra música no es música de género, tiene muchos matices.

    ¿Por qué apostar por la auto-producción?

    Nosotros apostamos por el trabajo en equipo. Nos gusta tener el control sobre la música que hacemos y tenemos a personas que nos ayudan en determinados ámbitos (comunicación, booking, etc). En este disco, nosotros hemos grabado antes en nuestro estudio, para saber a lo que nos enfrentábamos. Después de eso, nos hemos dedicado a completarlo en varios estudios.

    «I will see you again» fue el primer adelanto. ¿Por qué?

    Nos encantaba. Además, fue la primera canción que mezclamos. Era la que más clara teníamos y también era la más diferente, en comparación al segundo single, que es «The Difference». Nos apetecía que el primer adelanto fuera un reflejo de lo que estamos haciendo ahora.

    ¿Cómo afrontáis la gira y qué esperáis?

    Ahora mismo estamos ensayando el disco nuevo en el local. Tenemos muchas ganas de empezar con la gira y lanzarnos a la carretera. También tenemos la esperanza de ver público nuevo, además de los clásicos, que nunca fallan.

  • James Maad: «Future 3 nace como un canto a la frustración»

    James Maad: «Future 3 nace como un canto a la frustración»

    Personalidad, vanguardia y una gran puesta en escena. Así es James Maad. Un James que regresa a escena con su revolucionario y rompedor single, «Future 3». Esta es su gran apuesta para revolucionar la música electrónica desde dentro. ¿Para su próximo EP? Todavía hay que esperar un poco. Pero paciencia, amigos.

    ¿Cómo surge «Future 3»?

    Cuando empecé a enfrentarme a mi siguiente proyecto musical, tras haber acabado «Nobody Will Remember Us», en 2016, hice una presentación en el Café La Palma. Ahí tuve como una dosis de realidad. Porque cuando estás de promo y tienes un impacto en los medios, a veces, crees que eso generará el mismo impacto en el público. Entonces, en el concierto, creía que llegaría al «sold out» y me quedé muy lejos de eso.

    En mi caso, siempre he sido muy exigente conmigo mismo. Y «Future 3» nace como un canto a la frustración que yo sufrí en ese momento y que también sufren muchos otros artistas. En realidad, me sirvió como terapia. De ahí, que la canción sea más agresiva que las anteriores.

    ¿Va a ser todo así a partir de ahora o «Future 3» será el punto de inflexión de algo completamente nuevo?

    Soy yo quien compone las melodías y las letras. Así que, en mi caso, sí que tiene mucha influencia el momento emocional en el que me encuentro. «Future 3» coincidió con un momento personal delicado, porque no sabía muy bien hacia dónde estaba yendo. Estaba atravesando una crisis existencial bastante fuerte y, ahora mismo, no me encuentro en el mismo punto. Esta canción, más bien, ha servido como inicio del disco conceptual que está por llegar.

    Las canciones del nuevo disco, son menos agresivas que «Future 3», pero son oscuras. Hay un poco de todo. Pero las letras suelen hablar del amor y de cosas que me han pasado a mi. Excepto una que, quizás, es más hardcore incluso.

    Con este nuevo tema, cambias el estilo musical y, de hecho, el título parece premonitorio, alegando directamente al futuro. ¿Esto es así?

    Totalmente. Es un punto y aparte hacia un nuevo estilo. Hasta «Nobody Will Remember Us», estaba muy influenciado por la música de los 80. A mi último EP, traté de darle un rollo de glamour y sofisticación, que en estos momentos, dejo completamente de lado. Ahora habrá sonidos más electrónicos y menos mainstream. Es todo más extraño.

    ¿Y cómo afectará el cambio a la puesta en escena?

    El cambio ya se ha empezado a experimentar. Antes siempre iba acompañado de otra persona. Entonces yo estaba más libre para moverme sobre el escenario. Pero tomé la decisión de hacerlo yo todo: porque me sentía capaz y porque así me liberaba de la presión de ensayar, cada dos por tres, con otra persona. Esto me da menos libertad para moverme, pero me da más seguridad, porque soy yo quien controla absolutamente todo.

    Lo que cambiará a partir de ahora, serán las proyecciones. Éstas seguirán una lógica respecto a la nueva estética que quiero llevar.

    ¿Cuándo podremos escuchar algo nuevo?

    Mi problema es que no sé todavía cuándo saldrá el nuevo disco, ni cuál será el siguiente single. Sí que sabemos que grabaremos con Guille Mostaza. Pero las canciones pueden mutar y evolucionar mucho desde la demo inicial, hasta la versión final.

    ¿Cómo es el trabajo de la autoproducción?

    Para mi es muy liberador, la verdad. Te permite controlar al 100% tu obra. Aunque sí que es cierto que, cuando voy al estudio de grabación, siempre hay un productor que aporta su toque. Me pasó con «Future 3», que cambió como un 70 o 75% respecto a la demo original.

    Autoproducirme me ha hecho más libre y más seguro, a la hora de defender mi producto en el estudio. Estoy ilusionado con este proyecto, porque creo que va a ser muy coherente.

    ¿No ves arriesgado dedicarse a la música electrónica en este país?

    Totalmente. En una situación como la mía, me encuentro en el limbo. Porque en España se entiende la electrónica de manera muy purista. Si te sales del house, ya te metes directamente al pop. Y yo quiero hacer melodías mucho más arriesgadas.

    A pesar de ello, yo quiero apostar por lo vanguardista. Y creo que esto me va a dar una mayor credibilidad.

    ¿Cómo recibiste la noticia de tu aparición en el programa «Siglo XXI», de Radio 3?

    Fue muy guay. Porque en un proyecto como el mío, no tengo muchos lugares en los que sonar. Así que, el ir escalando esas colinas que te hacen ilusión, mola mucho. Y más, cuando hemos hecho una promoción muy artesanal, porque no hay detrás una maquinaria de una multinacional. Lo hemos hecho todo con la mayor humildad posible. Y que «Future 3» llegara a «Siglo XXI», fue toda una ilusión.

    En el punto en el que estamos, ¿cuáles son los siguientes pasos de James Maad?

    Ahora mismo, mis siguientes pasos son: grabar mi próximo EP. Y me gustaría crear un proyecto audiovisual. El disco va a ser conceptual, «Future 3» entra dentro de esa estética nueva que quiero adoptar, y quiero que todas las canciones tengan su respectivo vídeo. Quiero que cada una de ellas, tenga su propio sello audiovisual, pero que todas ellas reflejen un conjunto.

     

  • Elías Serra y su «Inevitable» apuesta por la música

    Elías Serra y su «Inevitable» apuesta por la música

    Colgó el cartel de «sold out» en Costello, el mismo día que presentaba «Inevitable», su último trabajo. Un trabajo del que ya no quedan copias y que pronto se re-editará. Elías Serra es el claro ejemplo de que con esfuerzo y tesón, se puede conseguir cualquier cosa. Así que, toca seguirle la pista muy de cerca.

    Si en Costello te lo perdiste, el 25 de mayo tendrás una segunda oportunidad para verlo en Madrid: toca la Sala Boité, con banda.

    ¿Cómo surge el concepto de «Inevitable»?

    «Inevitable» viene de lo que cuenta la letra de la propia canción. El «es inevitable no acordarme de ti» habla de un sentimiento de desesperanza, de intentar olvidar a una persona y no poder dejar de recordarla.

    Aun así, el concepto que después le di al disco, fue otro: para mi es inevitable seguir con la música. Y hay que seguir apostando, a pesar de todas las trabas que tiene este mundo. Siempre con la ilusión por delante.

    Precisamente, la siguiente pregunta era: ¿qué es para ti inevitable?

    La música.

    ¿Cómo fue trabajar con Candy Caramelo, como productor?

    Fue genial y toda una sorpresa. Lo llamé, por un amigo que tenía su contacto. Sabía que Candy Caramelo iba a ser muy buen candidato para grabar el disco. Tras llamarlo y pasarle las canciones, comenzamos a trabajar. La verdad, es que esa fue la primera sorpresa de todo este proceso.

    Tras él, estaba todo su equipo humano, al que también admiro. Luego, la guinda del pastel, fueron las colaboraciones (Rulo y El Twanguero).

    Ahora que el disco lleva unos meses rodado, ¿ha cumplido tus expectativas?

    La verdad es que sí. A ver, no es que espere algo concreto, pero tampoco me planteo dónde puede llegar. Fue genial pasar de no tener nada, a completar el crowdfunding. Luego, una vez publicado el disco, tampoco tenía expectativas. Sé que esto es una carrera de fondo y lo tengo marcado a fuego. Aún así, ha cumplido mis expectativas. De hecho, cada día me llegan mensajes de personas que lo han escuchado y que les gusta. No esperaba tanto.

    De hecho, en la presentación en Costello colgaste el cartel de «sold out». ¿Cómo recuerdas ese momento?

    ¡Genial! Porque tampoco esperaba que en el concierto debut en la capital, hubiera tanta gente. Fue muy emotivo, porque también era el primer concierto con banda. Totalmente inesperado. Además, esa noche también fue maravillosa.

    ¿Con qué dos o tres palabras sintetizarías el disco?

    De puta madre [risas].

    Copias del disco agotadas y próxima re-edición de «Inevitable». ¿Cómo afrontas este hecho?

    También fue algo totalmente inesperado. En un principio, sacamos 1.000 copias. Y yo pensaba que eran demasiadas. Es cierto que tenía muchos discos vendidos por el crowdfunding, pero pensaba que no iban a volar tan rápido. Pero la realidad, es que la gente hasta me pide el disco por redes sociales.

    Ahora con la re-edición, quiero incluir algo nuevo, distinto. Igual una canción nueva o en acústico. Hay que darle una vuelta a ese asunto.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Elías Serra?

    Tocar, tocar y componer. Y pensando ya en el siguiente disco, pero esto desde hace unos meses. Hay que trabajar y seguir para adelante.

  • En fotos: Isma Romero en Sala El Sol

    En fotos: Isma Romero en Sala El Sol

    [vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbTLoZuGx-e9JdmWtnrlk37_»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Hay artistas con luz. Una luz capaz de llegar a cualquier rincón y a cualquier alma. Una luz que refleja toda una filosofía de vida: la de dejar fluir. Y precisamente eso es lo que pasó el pasado sábado 17 de febrero, en la Sala El Sol.

    Parecía hecho a propósito. Isma Romero presentando «Luminiscencia» en El Sol de Madrid. Cantándonos muy cerca, eso de «Fogonazos de luz». Pero no solo eso. También hubo tiempo de que apareciera «Carlota», la misma que es «La última del baile», esa que es «Una entre un millón».

    El concierto fue mágico. Y a más de uno nos sirvió para dar «La vuelta al mundo», con himnos como «Grita» (Jarabe de Palo) o «La quiero a morir».

    ¿Podemos repetir el concierto en loop?

    Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»image_grid» images=»7010,7018,7011,7016,7019,7012,7013,7021,7014,7015,7017″ img_size=»medium»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

  • Muntz: «The Autocrat surge a raíz de una crítica a nuestro primer trabajo»

    Muntz: «The Autocrat surge a raíz de una crítica a nuestro primer trabajo»

    Talento a raudales y un rock alternativo muy particular. Así son Muntz. Prometen regresar muy pronto con trabajo nuevo, aunque mientras tanto, tenemos mucho «The Autocrat» del que disfrutar.

    Como curiosidad, ¿por qué Muntz?, ¿hasta dónde la influencia de los Simpsons en vuestro nombre?

    Cuando comenzamos, teníamos una carpeta con todos nuestros archivos, que se llamaba «The trip of the father of Nelson Muntz». Ese fue el punto de inicio. Al final, como el nombre era tan largo, decidimos quedarnos simplemente con «Muntz».

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo trabajo, «The Autocrat»?

    El concepto de este tema surge a raíz de una crítica a nuestro primer trabajo, «Hypna». La crítica decía que se nos notaba una cierta rabia contenida y que no la estábamos dejando salir. Eso sirvió para darnos cuenta de que teníamos que demostrar de lo que éramos capaces. Así surgió «The Autocrat», nuestra forma de demostrar que también podíamos dejar salir un lado más macarra de nosotros, sin dejar de lado nuestra esencia.

    La canción, además, consiste en una conversación interior, que representa la lucha interna de cómo juzgar el arte sin ser hipócrita. Es un tema complicado de abordar y da para múltiples interpretaciones.

    ¿Qué expectativas teníais con él cuando lo publicasteis?, ¿las está cumpliendo?

    La única expectativa que teníamos era demostrar que podíamos hacer algo más crudo, más macarra, dejando de lado la armonía de la música y centrándonos más en la sensación que producía la escucha. Hemos jugado más con rítmicas difíciles, con subidas y bajadas, cortes secos. De esta forma, las canciones se puedan disfrutar sin pensar tanto.

    Para sintetizar: ¿cómo definiríais este trabajo en dos o tres palabras?

    Potencia, matiz, ritmo.

    ¿Cómo ha cambiado musicalmente Muntz, desde «Hypna»?

    A lo largo de nuestra historia, hemos sufrido cosas buenas y cosas malas, pero todas ellas nos han llevado a aprender y crecer como banda.

    Una de las grandes diferencias, es que ya nos conocemos entre los miembros. Cosa que no era así cuando empezamos con Muntz. Ahora hay más compenetración, somos más maduros musicalmente, más profesionales en un escenario y en el día a día. En definitiva, tenemos más ganas que nunca de seguir haciendo música.

    Con «Hypna» trabajasteis con Juan Blas, en Westline de Valdemorillo. ¿Cómo fue esa experiencia?

    Enriquecedora a la par de dolorosa. Entrar a un estudio es algo muy cruel: se nota hasta el más mínimo de tus fallos, vas contrarreloj, son días de no parar. Tienes que estar alerta todo el tiempo para grabar, escuchar, pensar en soluciones a problemas que puedan surgir o hacer arreglos de última hora, en partes que quedan vacías.

    Además, al trabajar con un profesional como Juan, se nota todo mucho más. No obstante, cuanto más duro es el estudio, más satisfactorio será el resultado. Así que como dice el dicho: «Sarna a gusto no pica».

    ¿Qué supuso para vosotros ganar con «Hypna», el Certamen de Jóvenes Creadores?

    Primero lo más evidente: un orgullo y una satisfacción al recibir un premio gracias a nuestro trabajo. Sin embargo, lejos de las cosas más obvias, para nosotros era algo casi necesario. Nos encontrábamos preparando nuestro nuevo trabajo y nuestro guitarrista había dejado la banda. Así que no sabíamos cómo hacer frente a la vida de grupo con uno menos.

    Para nosotros ha sido un salvavidas, una sensación de respirar tranquilos de nuevo, de perder todo aquel agobio y de recordar lo bonito que es tener un grupo. Nuestro «hijo» había recibido un premio, lo habíamos defendido en el escenario y habíamos logrado que se reconociera nuestro trabajo. Fue el abrazo que el grupo necesitaba.

    ¿Huir o no de las etiquetas?, ¿por qué?

    Nosotros siempre hemos tenido una curiosa vista de las etiquetas. Pese a que no las consideramos malas como tal, sí que creemos que para cierta gente una etiqueta, cierra puertas. Si tú ves un cartel que pone «Concierto de Muntz», si te gusta la música irás, a ver que tal. Sin embargo, si el cartel reza «Concierto de Muntz: Metal en directo», un posible consumidor de otro género, puede pensar que no le merece la pena ir.

    Podemos concluir que no hay que huir de las etiquetas, pero sí hay que utilizarlas de forma inteligente.

    Sois un grupo de rock alternativo. ¿No creéis que es arriesgado hacer ese tipo de música, con todo el auge de la música mainstream / comercial?

    Hacemos la música que nos gusta, realmente. Vivimos cada una de las notas que tocamos en un escenario. Si forzamos nuestra creatividad para hacer música más mainstream, probablemente conseguiríamos público más fácil, pero en el escenario se vería que no disfrutaríamos. Cuando alguien viene a uno de nuestros conciertos, queremos que se vaya a casa convencido de que lo que hacemos en el escenario es 100% real.

    ¿Cuándo podremos escuchar nuevo material de Muntz?

    Pronto habrá noticias acerca de este tema, pero de momento podemos decir que cuando nuestro nuevo trabajo llegue, aún no se habrá marchado del todo el frío del invierno, pero ya se atisbará el calor del verano.

    Para cerrar la entrevista: si pudierais hacer una playlist para todos los fans de Verdadera Locura, ¿qué canciones recomendariais?

    Nos ha costado ponernos de acuerdo pero hemos acabado con esta selección de 3 temas cada uno (adivinad de quién son cada uno).

    Grace de Jeff Buckley, 15 Steps de Radiohead, 5/4 de Gorillaz, We carry on de Portishead, Nous sommes d’ici de Daitro, El scorcho de Weezer, The grand conjuration de Opeth, Earthborn evolution de Beyond Creation y The Harrowing Years de Insomnium.

     

  • Denea en corto: o cómo evolucionar a un ritmo vertiginoso

    Denea en corto: o cómo evolucionar a un ritmo vertiginoso

    Denea es la típica banda que gana. Que gana cuando los ves en directo. Pero que ganan, sobre todo, cuando los tienes cara a cara hablando. Cuando los tienes en corto. Con su «8 Rojo», comenzaron a despuntar. Pero es que con su «Denea en corto» están empezando a brillar.

    «8 Rojo» lleva rodando casi un año. ¿Cómo ha sido la acogida?, ¿ha cumplido vuestras expectativas?

    La acogida fue genial. De hecho, el primer concierto en Madrid fue increíble, porque fue la primera vez que vimos a alguien cantar los temas. Las expectativas se han ido cumpliendo y no solo eso, también estamos continuamente aprendiendo. Todo eso hace que sigamos evolucionando y creyendo en el proyecto.

    ¿Y de qué manera habéis evolucionado, desde aquel primer concierto en La Palma?

    Como de la noche al día. Ha sido un triple crecimiento: personal, profesional y como grupo. Hemos aprendido a organizarnos, a cómo sacar las cosas de la manera más eficiente y también hemos descubierto todas las cosas que se tienen que hacer en una banda. Además, tenemos mucha más confianza en nosotros mismos, no nos asusta dar un concierto mañana mismo. Hemos madurado y tenemos las prioridades muy claras.

    Tras publicar «8 Rojo» y haber girado en eléctrico, os lanzasteis al acústico con «Denea en corto». ¿Cómo surge este proyecto?

    La idea inicial del «Denea en corto», era ir súper en acústico, como en las Basik Sessions. Después lo consultamos con nuestro productor, Alberto Martín, y le encantó la idea, pero nos dio otra perspectiva. Empezamos a sumar cosas y nos preparamos el «stage» como si fuera un eléctrico.

    El cambio de formato tiene muy buena acogida y nos está permitiendo llegar a gente que no nos conocería de otra forma. Vamos a sitios más reducidos, con entrada gratuita. Por el lugar, no tenemos problemas: tú danos un espacio y tocamos [risas].

    Ahora que habéis probado ambos formatos, ¿qué preferís: acústico o eléctrico?

    Eze: Eléctrico.

    Borja: Yo, depende. Ahora tengo muchas ganas de eléctrico, porque hace mucho tiempo que no hacemos uno. Además, con el eléctrico, descargas mucha más energía y adrenalina. Y en un «Denea en corto», no descargas tanto, porque sabes que como te pases de frenada, se nota. Pero los dos tienen su magia. Al final, todo se basa en saber diferenciarse del resto de bandas, haciendo algo distinto. Pero sin perder la calidad.

    Irene: Yo, después de la chapa de Borja, me quedo con el «Denea en corto» [risas].

    Habláis de diferenciaros del resto de bandas. Así que, ¿qué diferencia a Denea de otros grupos?

    Somos mucho más feos que el resto de los grupos y la gente podría venir a comprobarlo a todos los directos [risas]. No, a ver, en lo musical no es que nos diferencie algo en concreto. Nosotros intentamos ser auténticos y sinceros en todo lo que hacemos. Habrá gente a la que le guste, y gente a la que no.

    Hay cierto simbolismo en todo lo que hacéis. Desde el propio nombre de Denea, hasta el mismísimo «8 Rojo». ¿Qué será lo próximo?

    Borja: A ver qué idiotez me sale [risas]. Lo próximo van a ser dos EPs. Uno grabado en directo, desde Lavalab; y otro desde una azotea. Se van a llamar igual, «8 Rojo».

    Eze: En cuanto al por qué de grabar en directo, tres canciones en acústico y tres en eléctrico, es porque queremos que haya una representación física de lo que hacemos en directo. Esto es lo que somos y así sonamos.

    Borja: Después de eso sí que queremos sacar algún single. Aunque no sabemos qué simbolismo tendrá [risas].

    La última vez que hablamos, comentabais que en lo que respecta a las letras, tenéis una vertiente muy Edgar Allan Poe y Bécquer. ¿Por qué ese romanticismo en ellas?

    Borja: A mi siempre me ha apasionado el romanticismo. «Rimas y leyendas» de Bécquer, me parece brutal. Igual que los relatos misteriosos de Edgar Allan Poe. Y la influencia en las letras, era porque veníamos de un Denea más así, más oscuro. No sabemos si en el Denea que viene ahora, ese mundo tendrá tanta representación. Quizás sí que tenga algo, porque lo llevamos un poco dentro.

    Pero bueno, las letras no dejan de ser literatura. Y en nuestro caso, no nos gusta ser explícitos con ellas.

    ¿Habrá más luz en las próximas canciones?

    ¿Más luz como «La Luz»? [risas]. Es posible. Tenemos cositas nuevas que, inevitablemente, comparamos con los anteriores temas. Y hay uno que podría cuadrar. Que después llegará a Lalavalab y Alberto lo cambiará entero [risas].

    Ahora mismo estamos componiendo y, aunque no sabemos lo que pasará en el futuro, tenemos ganas de que pase, sea lo que sea. Sí que nos gustaría salirnos un poco del «8 Rojo». Nos gusta jugar y experimentar, para volver siempre hay tiempo.

    Para acabar: ¿qué música de otros artistas suena en el «8 Rojo»?

    Borja: Yo estoy escuchando mucho a Rosalía.

    Irene: A mí me encanta Vetusta Morla. Aunque últimamente, me estoy aficionando también a Taiacore.

    Eze: Penny Necklace, ya que la descubrí hace poco gracias a Borja.

  • Ecoband y su reivindicación a la sencillez, con «Un Buen Sencillo»

    Ecoband y su reivindicación a la sencillez, con «Un Buen Sencillo»

    El sábado, por fin, debutaron con «Un Buen Sencillo». Era la puesta de largo de este nuevo trabajo de Ecoband, que veía la luz unos días antes. Ya con su nuevo EP en la calle, los valencianos llegan dispuestos a darlo todo por todo territorio nacional. Carretera y manta. Y a rodar.

    ¿Cómo nace «Un Buen Sencillo»?

    De un cabreo [risas]. No, qué va. «Un Buen Sencillo» es una reivindicación a la sencillez en la música, ya que se ha vuelto todo un poco loco. Parece que ahora todo vale. Entonces «Un Buen Sencillo», aparte de jugar con el hecho de que es un buen tema, habla de la sencillez. Por eso dice, «¿qué coño son los peces procesados?» o «¿qué leches son las niñas imantadas?». Es un poco de broma, aunque parezca mala leche. Es buen humor.

    Tras la salida del single, ¿cómo afrontáis la publicación del EP?

    Pues nos saldremos, porque después de buenos trabajos previos, este no iba a ser menos [risas]. Lo que muchas veces nos falta es la difusión de medios como los vuestros. Porque temas buenos hay muchos, pero se necesita llegar a la gente, con la ayuda de los medios.

    ¿Cómo ha sido la acogida de este primer single?

    Pues la verdad es que ha sido genial. Lo bueno de este single es que gusta a muchos palos y a gente muy diversa. Eso es lo que nos mola de la canción: que es sencilla y gusta. Es de los singles más sencillos y directos que hemos grabado nunca. Además, no ha sido premeditado: ni siquiera nosotros nos imaginábamos que fuéramos a encajar en tantas ramas.

    Letras divertidas y desenfadadas. ¿Hasta qué punto tienen importancia?

    Enrique: Yo siempre digo que no tienen importancia. Pero Fran siempre me dice que sí.

    Fran: Totalmente. Él siempre trata de quitarse mérito con el tema de las letras. Siempre dice: «yo escribo las letras y ya está». Pero no es consciente de lo que su subconsciente está haciendo y creando.

    Al final es lo que a la gente le llega, es lo que cantan.

    Por eso dejamos de cantar en inglés. Porque al principio cantábamos en ese idioma, pero mucha gente nos decía que no nos entendían. Y en realidad, es cierto que la letra es más importante para la gente de lo que, a priori, parece.

    ¿Por qué apostar por el formato EP?

    Hay varias razones. La primera, es el tiempo. Se tarda mucho menos en hacer un EP que un álbum. Otra es el dinero. Aunque la más importante es el impacto, porque tienes que ser una banda con muchos fans y recorrido, para que te escuchen las 12 canciones enteras. Es que ni Beyoncé lo consigue. Con el EP, al menos tenemos los impactos del primer single y el segundo, y de los vídeos. Entonces el 50% del EP sabes que lo escucharán.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Ecoband?

    Todo lo que vaya saliendo. A ver si este verano, «Un Buen Sencillo» se puede escuchar, como mínimo, en 20 sitios. Tenemos fe en ello.

    Para cerrar la entrevista: ¿qué suena cuando estáis de gira?

    Enrique: Si es mi coche, suena de todo. Desde Frank Sinatra hasta The Cure, pasando por Los Chichos o incluso Las Grecas. También me gustan mucho Niños Mutantes o Lori Meyers. Escucho todo tipo de música, menos el reggaeton.

  • El 8 de marzo, llega She Is Music Pill, el evento homenaje a los iconos femeninos de la música

    El 8 de marzo, llega She Is Music Pill, el evento homenaje a los iconos femeninos de la música

    El próximo 8 de marzo, la Sala Siroco de Madrid, será testigo del ciclo «She Is Music Pill». Un evento especial, que además coincide con el Día Internacional de la Mujer.

    Esta primera edición está dedicada a la figura de la mujer, dentro de la música pop y rock contemporánea. Por eso, se homenajeará a artistas y bandas formadas por mujeres que, con sus canciones, han influido en varias generaciones.

    Actividades del ciclo

    Bajo el lema, «la mujer en la música», no solo habrá música en directo, también habrá arte. Un total de 16 ilustradores de toda España, ceden sus originales para esta exposición. Los trabajos tendrán protagonistas como Etta James, Patti Smith, Florence + The Machine, The Bangles, Amy Winehouse, e incluso Los Punsetes o Grace Jones.

    Durante la exposición, los asistentes podrán adquirir las piezas expuestas. Piezas de artistas, como Peeandell, Juan Pablo Chipe, Diana Montero, Eva Mez, Isósceles Díaz, Sara Gummy, Miriam Prieto, Bianca Yéspica, Plasticheartss, Grisáceos, Sanz i Vila – Diebujitos, Carmen García, Ana Campuzano, Laura Fernández, Lucía Gómez y Miriam Jordán.

    Concierto homenaje

    Cinco bandas se unen al evento para realizar su especial homenaje a mujeres, que han marcado historia, como Madonna, Janis Joplin, Dolores O’Riordan y Björk, entre muchas otras.

    Cada banda invitada, podrá elegir dos personajes femeninos de la música, a los que homenajear. Los grupos podrán versionar, en eléctrico, dos canciones de estas emblemáticas artistas. Los dos temas que consideren que mejor las representen.

    Los grupos invitados son Penny Necklace, Marta Oliva, Hickeys, Lara Morello y Repion.

    Además, tras el concierto homenaje, habrá un DJ Set muy especial: a cargo de Girls Girls Girls DJs. Tres agitadoras sociales salidas de los suburbios de Malasaña, que seleccionan las mejores canciones de la historia del Rock & Roll, New Wave, Glam, Post – Punk, Brit – Pop y muchos más éxitos de los 90.

    Para la ocasión, recorrerán las mejores canciones, de todas las bandas o voces femeninas, que han marcado sus vidas.

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