Colectivo Panamera están de enhorabuena. El Colectivo formado por Nacho Taboada, Pepe Curioni y Vanja Polaceki han publicado su primer álbum, su álbum debut. Este trabajo, «Colectivo Panamera» está concebido para disfrutar de la música. En él, subliman las influencias de uno y otro lado del Atlántico. Y es que, con sus particulares melodías, a ritmo de cumbia, folk, calypso y carnavalito, es imposible no bailar.
El disco lo componen 10 temas en total, de los que ya tuvimos un pequeño avance. Ejemplo de ello, son los tres adelantos, «Quiero mucho más», «Un río que se va» y «Hacia el sur». El resto de temas, quienes los habíamos visto en directo, los habíamos escuchado. Ese es el caso de «La Décima», «El Huracán» o «La Calle de la Luna», entre muchas otras. Sin embargo, este disco es la prueba tangible de que este sueño se ha hecho realidad.
Sus directos también son espectaculares, ya que siempre invitan a la fiesta y al baile. Y este nuevo disco no va a dejar a nadie indiferente. Sin duda, será la banda sonora de este verano.
Presentación de «Colectivo Panamera» en casa
El reciente lanzamiento de este nuevo disco, ha agilizado la que, sin duda, será la gira del año. El Colectivo Panamera está ahora mismo con la presentación de este primer trabajo, que les llevará por toda España y también por varios países europeos y americano.
Tras haber pasado ya por ciudades como Sevilla, Barcelona o Valencia, toca jugar en casa. Y es que el próximo 5 de abril, el Colectivo actúa en Madrid, frente a su público. Ésta será la gran fiesta. Una fiesta que quién sabe si tendrá sorpresas. De momento, nos quedamos con que el 5 de abril, a las 21.30 horas, estaremos todos bailando en la Sala Copérnico. ¡No te quedes sin tu entrada!
«Colectivo Panamera» nos trae hasta España, lo mejor de la música latinoamericana. Pero lo hace con un toque especial y distinto. Con su propio sello. Colectivo Panamera son el mejor ejemplo de cómo reinventar los ritmos latinos y adaptarlos a la actualidad.
Los venezolanos Caramelos de Cianuro regresan este 2018 a España. No ha pasado un año desde su última visita, ya que el pasado mes de julio cruzaron el océano. Por fortuna, la banda caraqueña está inmersa en su gira «Tour Retrovisor 2018», que los llevará por todo el mundo.
Con la llegada de la primavera, Caramelos de Cianuro visitará de nuevo España. El próximo 25 de mayo vuelven a la capital, en esta ocasión, a la Sala MON Live (Madrid). Aunque esta no será la única fecha en España. Dos días después, el 27 de mayo visitan la Sala Bikini de Barcelona.
Una gira en la que deleitarán al público, con sus temas favoritos como «Verónica», «Sanitarios» o «El último polvo». Pero sin olvidar los más recientes, esas canciones que conforman su disco más reciente, «8».
«8», el trabajo más reciente de Caramelos de Cianuro
Llevan ya 25 años en activo. Más de dos décadas, en las que Caramelos de Cianuro han publicado ocho discos de estudio. De esta manera, han conseguido su hueco dentro del panorama rock venezolano.
En 2015, publicaron su álbum más reciente, «8». Y llegó cinco años habían pasado desde el anterior («Lados B»). El disco fue grabado entre Madrid y Nueva York, y está formado por 10 temas. Sorprendieron a sus fans con los adelantos de este trabajo. «Secretos» fue el primer sencillo. Al que siguieron muy de cerca, «Abismos» y «El instante pasó».
Este disco es el trabajo más maduro y personal de la banda hasta el momento. Aunque continúan nutriéndonos con sus temas de amor, sexo y relaciones casuales.
En entrevistas previas, Asier Cazalis, el vocalista reconoció que «es un disco menos guitarrero que el anterior, tiene más sonidos distintos». A lo que añadía: «tratamos de buscar otras texturas, otros lenguajes. Cada disco es un retrato de lo que tú estás viviendo en ese momento que lo estás escribiendo».
En definitiva, «8» se encuentra en esa delgada línea entre reinventarse y arriesgar, y no perder esa esencia tan identificativa de Caramelos de Cianuro. ¿Preparados entonces para verlos en directo? Pronto podréis conseguir las entradas para los conciertos en España.
Lara Morello es sinónimo de trabajo. Con mucho esfuerzo y sacrificio, ha publicado su primer EP, «Saltemos». Este trabajo debut es su gran apuesta y puesta en escena. Hace unos días hablamos con ella, sobre su música, la mujer en la industria, sobre compromiso social y muchas otras cosas más.
¿Cómo empieza Lara Morello en la música?
Si nos remontamos, nos remontamos a la primera canción que compuse con 11 años. Era muy melancólica, una mezcla entre Laura Pausini y Amaral. Siempre me ha gustado la música, aunque empecé a tomarlo más en serio en el instituto. Estaba apuntada al coro y yo siempre estaba atrás sentada, pasando de todo. Pero un día, propuse el tema de «No One» de Alicia Keys y la profesora, me dijo que la cantara yo, mientras el coro me acompañaba. Esa fue la primera vez que canté en público. Todo lo demás, llegó después.
¿Y en qué punto te diste cuenta que querías profesionalizarte en este sector?
Yo creo que eso no hay que pensarlo. Porque si lo piensas, nunca llegas a lanzarte. Es complicado. En mi caso, empecé a escribir, porque me servía para desahogarme. Y a partir de ahí, he seguido. La música es mi terapia. Poco a poco, vas llamando puertas, te van saliendo conciertos y, te das cuenta, de que todo esto es una cadena. Pero si tú quieres. Si te paras, no recoges los frutos de tu esfuerzo.
En medio de todo este proceso, llega «Saltemos». ¿Cómo nace el concepto de este EP?
En principio, no tenía la idea de que se llamara así. Ni siquiera sabía que iba a ser un EP. Aunque sí que llevaba tiempo pensando en publicar un disco, pero es un riesgo muy grande. Así que, junto a Iker Arranz, decidí publicar una mini-carta de presentación, con los tres temas más potentes.
¿Por qué «Saltemos»?
Principalmente, porque es una de las canciones del EP. «Saltemos» es un tema que hice con Rocío Medina, de Versilia. Pero al final, cuando tuve la portada del disco delante, me di cuenta de que todo te lleva a algo. Y es que el título de este EP refleja mi estado actual: es mi salto hacia una carrera o proyecto en solitario.
Todo cobra sentido con «Saltemos»: desde el título del EP, hasta la chaqueta de plumas de la portada, que reflejan las alas. Eso es lo realmente bonito.
¿Cómo sintetizarías el EP en dos o tres palabras?
Sacrificio, ilusión y ganas.
En tu proyecto, ¿qué pesa más: la melodía o la letra?
La letra. ¿Hay que decir por qué, no? [risas]. A ver, en parte está bien tener una melodía bastante pegadiza, pero el mensaje pesa más, es lo que contiene todo el significado. Creo que una letra positiva, con una melodía que la complementa, engancha mucho más al público.
¿Dónde acudir cuando falla la inspiración?
A temas que me gustan o nuevos artistas. Porque es una manera de salir de la zona de confort y de las cosas que habitualmente escuchas. Ahora escucha mucha electrónica.
¿Qué respuesta está recibiendo el EP y está cumpliendo tus expectativas?
Pues la verdad es que cada día me sorprendo con las respuestas del público. Lleva un mes en la calle y las principales respuestas, las veo en los medios que me entrevistan o que se hacen eco del lanzamiento del disco. El feedback, fue mucho mayor en el momento inicial. Y en el previo, evidentemente. De momento creo va bien, porque es la primera carta de presentación, pero hay que seguir generando ruido.
A nivel de producción, estoy contenta, porque es lo que imaginaba y quería.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Lara?
Pues en estos momentos, estoy un poco inestable. Que es algo negativo. En charlas sobre industria en las que he estado, siempre dicen que hay que vivir a 8 meses vista. Pero eso estando sola, es súper complicado. Yo vivo semana a semana. Pero bueno, el siguiente paso es llevar el EP al directo y rodarlo. Además, de hacer ruido con otras acciones, como covers o colaboraciones con otros artistas.
A nivel particular, ¿qué importancia tiene para los artistas estar vinculados a distintas causas sociales?
A mí, particularmente, me encantaría tener más repercusión, para vincularme a más causas. Está siendo más satisfactorio a nivel vital, acudir a la Asociación Inclusive o a la Fundación Down Madrid. También me encantaría que contaran conmigo en el proyecto, «Música en vena».
Me llama mucho la atención todo este ámbito. Todo sirve. Y creo que está todo vinculado con mi formación como profesora. Yo recomendaría a todo el mundo ser voluntario en algún momento, porque ganas mucho.
Siguiendo esta misma línea y aprovechando tu participación en «She Is Music Pill», ¿qué opinas de la figura de la mujer dentro de la industria de la música?
Creo que no se visibiliza lo suficiente y eso que hay mucho talento femenino. Lo estoy viendo en muchas bandas, como Taiacore, que me encantan. En mi caso, no puedo decir que no he tenido suerte, porque siempre he encontrado mi hueco en micros abiertos o festivales. Aun estando rodeada de hombres.
También pienso que todo este mundo está en constante evolución y revolución. Igual que ahora mismo, hay un auge en el mundo de la poesía y la canción de autor, la mujer está cogiendo cierta relevancia e importancia. Pero hay que seguir luchando y peleando. Tenemos que hacernos valer.
Lana del Rey es la creadora de grandes himnos, como «Born To Die», «Video Games», «Ride» o «Young And Beautiful», entre muchos otros. Generadora de masas y artista mundialmente reconocida. Desde que saltara a la fama, su popularidad, igual que su música, no han dejado de crecer.
La gira de presentación de «Lust For Life», llevará a la neoyorquina por todo el mundo. «LA To The Moon Tour» es el nombre de la gira que traerá, de nuevo, a Lana del Rey a España. País que no visita desde 2013, desde «Paradise Tour». De esta manera, el 19 de abril estará en el Palau Sant Jordi de Barcelona; mientas que al día siguiente, 20 de abril, visitará el Palacio Vistalegre de Madrid. Acompañándola y abriendo su particular concierto: la también cantautora Cat Power.
La gira por Europa de Lana del Rey comienza el 11 de abril en Milán. Y antes de llegar a España, pasará por otras ciudades como Roma, Berlín y Amberes.
El regreso de Lana del Rey
Lana del Rey regresa con su nuevo trabajo, «Lust for life», con un tono más romántico y sentimental. Atrás quedan las canciones de amor como sinónimo de peligrosidad. Así fue como Lana del Rey, pasó de la oscuridad a la luz también.
Un total de 16 cortes que tardó 15 meses en componer. Según las propias declaraciones de la artista, comenzó a concebir el disco «como un álbum con un feeling a los ’50 o ’60, con influencias de Shangri-La o el primer material de Joan Baez».
En este «Lust for life», la artista ha colaborado con artistas de la talla de The Weeknd, A$AP Rocky, Stevie Nicks y Sean Lennon. Además, este trabajo reciente, publicado en julio de 2017, le ha valido una nominación a los Premios Grammy.
[vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbTghT4aVGcdyYcAyvO1MwyA»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Rebosa talento por todos sus poros. De él, ya hemos dicho que toca el piano, la guitarra y el violín. Y además, canta realmente bien. De Alberto Torres, ya escribimos que lo conocimos gracias a sus colaboraciones y a su participación en el musical y película de La Llamada. Pero ya llegó su momento. Su gran momento. Ese momento en el que le toca debutar en solitario y con sus propios temas.
De hecho, el pasado 15 de marzo debutó en la Sala Búho Real. Pero estuvo acompañado. Antes incluso antes de subirse él al escenario, lo hicieron sus inseparables amigos Tania García y Yerai Cortés, quienes a voz y guitarra, respectivamente, interpretaron sus propios temas.
Y, de repente, llegó Alberto Torres e hizo magia. Los nervios se notaban, pero todos los que allí estábamos y conocemos mínimamente a Alberto, sabíamos que se iba a salir. Demostrando que es un fuera de serie, pero de esos que llevan la sencillez por bandera. Lo vimos emocionarse y nos emocionó a nosotros que, llorando, aplaudimos lo más fuerte que pudimos. También hubo tiempo para las risas, el humor y el optimismo. Porque él es así, así nos lo trasladó y así lo vivimos nosotros. Lo mejor de todo ello es que más pronto que tarde, podremos tener trabajo tangible de Alberto. Aunque nos falta verlo aún más rodado, con todos esos temas que salen de su mente.
Por el momento, ese primer concierto lo disfrutamos como si no hubiera un mañana. Y lo cantamos. Y supo cómo dejarnos en silencio, embobadas. Lo cierto, es que no podemos evitar disfrutar y alegrarnos de cada pequeño paso que da Alberto Torres. Es grande y llegará lejos.
Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»image_grid» images=»7305,7308,7307,7306,7309″ img_size=»medium»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]
El verano está hecho para los festivales. Festivales que se extienden durante más de tres meses, de junio a septiembre. Sin dar tregua. Sin dar descanso. Para el EMDIV Festival quedan tan solo, 99 días. La fecha marcada a fuego: el 30 de junio. Y el Pepico Amat, será un año más, en el emplazamiento perfecto.
Hace unos meses conocíamos las primeras confirmaciones. Lori Meyers encabezando el cartel, en un concierto que promete se especial, por ser el último de 2018 en la provincia de Alicante. El pasado año publicaron su álbum más reciente, «En la espiral». Álbum del que han salido temas míticos, como «Siempre brilla el sol» o «Evolución». Aunque para misticismo, el de «Emborracharme» o «Mi Realidad».
Poco a poco, se fueron sumando «grupazos» como Shinova, a quien descubrimos no hace mucho y nos enamoró desde el minuto 1. Con su reciente disco «Volver» se han coronado, después de empezar a hacer ruido en 2016, cuando comenzaron a tocar en Sonorama, como banda emergente.
A la fiesta también se unieron otras bandas, como los murcianos Amatria, la guerrera Maryan, al frente de Kuve, nuestro gran descubrimiento del año, Villanueva y la banda eldense, Olivia. Además de los DJs, Cristian Set Roc & Fran Second y We Are England.
Desvelado el cartel completo
A mitad de esta semana se desvelaba el cartel completo. Y es que Viva Suecia se sumaban al cartel. La carrera de los murcianos ha sido una carrera de fondo. 2017 ha sido el año de la banda: un año que los llevó por grandes festivales de España, como el Sonorama. Y 2018 promete ser igual de bueno. Pasarán por escenarios como el del WAM, el Sansan Festival y el mismo EMDIV. Sin duda, es el momento de «Otros Principios Fundamentales». Y de «Hoy empieza todo».
Pero no solo ellos: también lo hicieron Carlos Areces & Aníbal Gómez DJs (Ojete Calor y Muchachada Nui). Son los creadores de himnos como «Viejoven» o «Qué Bien Tan Mal». Además de dos de las caras reconocibles de Muchachada Nui. Pero es que también son DJs y pinchan.
Un EMDIV que se corona en su séptima edición y que, con total seguridad, dará mucho que hablar. Las ganas de verano, sol y música, empiezan a notarse. ¡Nosotras estamos ya ensayando!
Tiene un talento que desborda. Dan Millson, solo con su guitarra y su voz, es capaz de llenar una sala sin apenas esfuerzo. Y esa garra es la que hace que no puedas dejar de mirarlo y escucharlo. Con «Little Box of Treasure» ha sacado a relucir sus pequeños tesoros en forma de canciones. Y nos ha encandilado.
¿Cómo surge el concepto de «Little Box of Treasure»?
Yo trabajaba en una editorial en la que me ficharon y me dijeron de grabar un EP. Tenía canciones o ideas maquetadas desde hacía un tiempo y para mí eran «tesoritos» escondidos que no había escuchado nadie. Así que decidí llamarlo así, más que nada porque en «I miss you my friend», se habla de una caja, en la que guardaba frases o pequeñas cosas.
¿Fue por el simbolismo de «I miss you my friend», por lo que fue el primer single?
No sabíamos que iba a ser el primer single, hasta que no se acabó la grabación del EP. Pero al final, vi que «I miss you my friend» era la mejor canción para ello.
Ahora que el EP lleva un tiempo rodado, ¿ha cumplido tus expectativas?
Mis expectativas era sacarlo y dar a conocer una faceta mía que nadie conocía. Y por supuesto, darme a conocer, porque nadie sabía nada de Dan Millson.
La verdad, es que «I miss you my friend» ha llegado y ha cumplido mucho más que mis expectativas. La gente conoce la canción, es la que más reproducciones tiene y el público la canturrea muchi. No compongo las canciones pensando en si son pegadizas, pero con ese tema, parece que di con la clave.
El disco anda a medio camino entre el folk y el rock. Pero, ¿cómo define su estilo Dan Millson?
El EP, creo que es una mezcla de diferentes estilos. Al final, todo se une y se conecta con la voz. Hay canciones más folk, otras son más tranquilas y, luego, de repente, pasamos al pop-funk. Todo se mezcla, pero de manera muy natural.
En este aspecto, no me gustan las etiquetas en realidad. Creo que son necesarias, pero no primordiales.
Un titular para definir el EP.
Mi vida en los dos últimos años.
Las letras de tus canciones son muy personales e intimistas. Pero si pusieras en una balanza letras y melodías, ¿qué ganaría?
Yo siempre digo que melodías. Tarareo cosas. Aunque es verdad que, dentro de ese tarareo, suele haber palabras sueltas. Con «Palm Tree» o «I miss you my friend», me pasó al contrario. Yo sabía qué estaba escribiendo y a quién se lo estaba dedicando internamente. Pero generalmente, mis canciones suelen empezar con la melodía.
Ya has empezado la gira de este EP por España, pero además, tienes previstas algunas fechas internacionales. ¿Cómo han empezado estos conciertos y cómo afrontas los siguientes?
Pues con muchas ganas, la verdad. Espero pegar un brinco. Me gustaría pegar el salto al otro lado del charco también. Por la Península me ha ido muy bien, no me puedo quejar. Sé que soy artista emergente y soy consciente de que hay sitios donde la gente me conoce más y sitios donde me conoce menos. Pero yo trato de ir a lugares, donde sé que las personas que me siguen, lo tendrán fácil para llegar.
Pegar el salto pequeñito a Inglaterra, aunque sea de donde procede mi familia, es un avance. Tengo muchas ganas de tocar allí y de ver cómo va a ir. Para 2019 quizás, me encantaría visitar otros lugares como Francia, Italia o Alemania. La idea es no dejar de tocar, porque desde pequeño sé que mi vida está encima de un escenario.
¿Y en qué punto te diste cuenta de que querías hacer de la música tu profesión?
Empecé en el Conservatorio, donde estudié tres años. Recuerdo que la teoría musical se me daba muy mal y que odiaba los dictados. Justo ahí fue donde hice mi primer concierto, al que salí temblando. Pero ahí era demasiado pequeño. La primera vez que me di cuenta, fue con 14 o 15 años. Mi padre tenía una banda de versiones en Benidorm y nos invitó a tocar a mi hermano y a mi. Entonces me di cuenta de que ese mundo me encantaba y que quería dedicarme a ello. Fue horrendo, aunque a la gente le gustó. De hecho, hace poco, en Instagram colgué un vídeo de ese primer concierto.
¿Cuándo podremos escuchar cosas nuevas de Dan Millson?
Dentro de muy poquito. De hecho, puede que cuando leáis la entrevista, ya haya visto la luz «Shine a light». Este tema, lo hice específicamente para la campaña de la DGT. Tengo muchas ganas de que lo escuchéis, porque la producción está mucho más currada y madurada.
Dos hermanos, dos instrumentos y mucho folk. «Agustín» es el preludio de algo grande. Es el síntoma más evidente de que se puede ayudar, haciendo música. Gentleman Clef encabezan esta campaña benéfica, cuyos beneficios irán destinados íntegramente, a la ONG Entreculturas.
¿Cómo surge la idea de «Ayudar a los demás, escuchando una canción»?
Cuando comenzamos el proceso de composición de la canción, pensamos en hacerla para otra persona. No surgió como single que anticipa un nuevo disco o como una canción «para nosotros». El tema, en su origen, lo compusimos para un amigo, y con esta base, pensamos: ¿y si hacemos que todo lo que envuelva a este tema, sea para los demás? Y ahí se encendió la bombilla de ligar los beneficios de esta canción a una buena causa.
¿De qué manera funciona esta campaña?
Actualmente, varias de las plataformas digitales a través de las cuales escuchamos música, establecen unos ratios de beneficios por cada reproducción de una canción, que van dirigidos al artista y, en parte, a la empresa que distribuye su música. Lo que ocurre es que esos ratios son muy pequeños. Dependiendo del canal, pueden ser incluso centésimas de céntimo. Por eso, todo depende mucho de cuánto se escuche o viralice el tema.
Nuestro compromiso es el de donar el 100% de los beneficios recaudados por cada reproducción de la canción, en cualquier plataforma digital, y de manera continuada en el tiempo. De ahí, que el objetivo de la campaña sea que la canción se comparta lo máximo posible. Cuanto más se viralice, más significativa podrá ser la donación al proyecto.
¿Llevabais mucho tiempo queriendo lanzar un proyecto de este tipo?
Siempre hemos tenido disposición total para participar en conciertos benéficos y aportar nuestro granito de arena con la música. Pero hasta ahora, no lo habíamos enfocado de este modo: usando una canción nuestra como bandera. Al final, son distintos modos de colaborar. Pero resulta paradójico que el simple hecho de escuchar una canción, pueda ayudar a los demás. Ese es el punto que nos hizo adoptar una perspectiva diferente para este proyecto
¿Por qué elegisteis «Agustín» como tema para esta campaña?
Precisamente porque es una canción que, desde su creación, concebíamos para dar a otra persona. Ese fue el punto de inflexión que nos llevó a dedicarla a una buena causa.
Canción dedicada a vuestro amigo Agustín, muy comprometido con las causas sociales. ¿Qué significa él para vosotros?
Él es uno de nuestros mejores amigos y un fan acérrimo. Por lo que hacer una canción para él, no necesitaba de muchas excusas. Sin embargo, todas las piezas encajaban cuando la canción adquiría esa forma de proyecto para una ONG, en el que todos y cada uno de nosotros, independientemente de lo que hagamos o a lo que nos dediquemos, podemos contribuir.
¿Por qué elegisteis a la ONG Entreculturas?
Principalmente porque en la labor de investigación que hicimos, fue de la que mejores referencias obtuvimos. Un punto importante para nosotros era la dedicación total de los fondos, a la consecución del proyecto en el terreno. En ese sentido, pudimos dar fe de que Entreculturas opera con total transparencia y con impacto real allá donde se lleva a cabo el proyecto.
¿Por qué apostar por la educación?
Era uno de los proyectos que actualmente llevan a cabo y nos pareció más que acertado. La educación infantil y más, para niños en condiciones de pobreza, es un área básica. Este proyecto en concreto, está enfocado a mejorar el acceso a la educación a niños desplazados de Sudán del Sur. Cuando descubres la situación que se vive allí, te das cuenta de que es realmente preocupante.
Los niños no habrían de pagar por las injusticias de este mundo, y sí que deberían tener las condiciones mínimas para poder mejorarlo.
¿Cómo fue la grabación del videoclip?, ¿cómo fue grabar en la Biblioteca de Escuelas Pías de la UNED?
Principalmente fue un privilegio, al que no podríamos haber optado de no ser por la colaboración y apoyo del Centro Asociado a la UNED de Madrid. Tras presentarles el proyecto, decidieron hacer una excepción y cedernos el espacio, que siendo una biblioteca, ofrecía el contexto ideal para el vídeo de la canción.
Fue todo un reto porque tuvimos que montar, probar, grabar y recoger en una hora, literalmente. A las 9:00 de la mañana ya empezaban a entrar los estudiantes más aplicados y no podíamos seguir ahí amenizando [risas].
¿Cómo surge la colaboración con Maxime Tania?
Conocemos a Maxime desde hace tiempo y sabíamos que cantaba bien, pero hasta hace pocos meses nunca habíamos planteado que cantara con nosotros. Cuando lo hizo, supimos de inmediato, que teníamos que colaborar juntos en una canción. ¡El resultado ha sido increíble! Quién sabe si repetiremos.
¿Qué expectativas tenéis en el proyecto?
Para hacer grandes cosas tienes que pensar en grande y luego, trabajar para conseguirlo. Nosotros esperamos que el mensaje lleve a la gente a colaborar y a compartir la canción, pues realmente, resulta muy fácil. No hay que gastar dinero, sólo disfrutar de una canción y compartirla si te gusta. Tenemos fe en que la gente que lea esto y otros mensajes, se anime.
Es cierto que la sobrecarga de información y la velocidad a la que vamos hoy en día, dificulta mucho el que nos paremos a atender cada input que recibimos. Pero al final, cada uno decide dónde quiere invertir su tiempo. Y para aquellos que quieran ayudar a cambiar las cosas con pequeños gestos, aquí siempre habrá una oportunidad.
¿Cómo está siendo la acogida?
¡Por ahora, está siendo realmente buena! Es una canción sencilla, pero con sentimiento. A la gente le está gustando mucho. De hecho, incluso algún personaje público relevante se ha animado a escribirnos y felicitarnos por el tema y la iniciativa. Así que muy contentos.
Para cerrar la entrevista, ¿cuáles son los siguientes pasos de Gentleman Clef?
Nuestros siguientes pasos van muy encaminados a la grabación del nuevo disco. En breve empezaremos con la pre-producción. El plan ya está hecho para dejarlo grabado y mezclado antes de verano. Así que ahora muy concentrados en eso. Paralelamente, tenemos la puerta abierta para seguir actuando en Madrid y resto de España. Próximamente, anunciaremos nueva fecha con banda, para la que pondremos toda la carne en el asador.
La mejor defensa no es un buen ataque, es la buena música. Carlos Cros lo sabe bien. La lucha y el optimismo siempre deben ir por delante. Y así lo refleja el último disco del artista: «La mejor defensa». Para quien se quedara con las ganas en anteriores ocasiones, que se apunte a fuego la próxima fecha en Madrid: 25 de abril en la Fun House.
¿Cómo nace «La Mejor Defensa»?
El disco surge por las ganas locas de componer y sacar material nuevo. Así que, me encerré a componer, ya que tenía mogollón de canciones. Al final, me di cuenta de que el hilo conductor era el mismo. Son temas de superación personal, de encontrar las armas que están en tu interior. Armas que son la mejor defensa para enfrentarte al mundo exterior. Así que ese es la línea general. Alguna canción se me ha colado y habla más del amor, que aun así, es un concepto al que enfrentarse y para el cual también se necesita defensa.
¿Cuál es tu mejor defensa?
La mejor defensa no es un buen ataque, es el dejarse llevar. Es simplemente ver que la vida tiene sus cosas buenas y sus cosas malas. Así que hay que enfrentarse a ellas de la mejor manera: con lucha, con optimismo y con ganas de seguir adelante.
¿Qué hay de nuevo en este disco?
Estilísticamente, tiene puntos en común con «Nadie se resiste al amor». Pero sí que me ha abierto las puertas a otros formatos, a otros tipos de composición. Y alguna letras sí que tocan temas más sociales. Además, es más largo.
El disco tiene 15 canciones, ¿no es demasiado arriesgado?
A ver sí, son bastantes canciones. Pero si empiezas a escucharlas y te metes en la historia, no se hace tan largo.
¿Cómo definirías el disco, en dos o tres palabras?
Defensa, baile y «beautiful».
Ahora que lleva unos meses rodado, ¿qué balance haces del disco?, ¿ha cumplido tus expectativas?
Cuando salió, tuvimos la oportunidad de publicarlo en la Sala Bikini, al completo y con toda la banda. Desde ese momento, hemos aparecido también en distintos medios y blogs. De todos modos, creo que este es un camino largo y que todavía queda por recorrer.
«Cuando tú bailas» y «Pretendes» fueron los dos primeros adelantos. ¿Por qué elegisteis estas canciones?
«Cuando tú bailas» fue por ser una canción muy fresca y desenfadada. Y la letra, creo que encierra todo lo que quiero decir en el disco. Habla de superar un conflicto, ya sea bailando o haciendo cualquier otra cosa.
Luego elegí «Pretendes», porque para mí es una canción muy especial. También habla de otro conflicto, amoroso en este caso. Además, me acercaba a un estilo que nunca había tocado, que era el rock de los 70, tipo Triana. Y, en definitiva, me encanta cómo quedó.
En estos momentos, ¿cuáles son los siguientes pasos de Carlos Cros?
Para empezar, presentaremos el disco en Madrid, el 25 de abril en la Sala Fun House. Y luego lo que queda hacer, es tocar donde sea posible, ya sea en formato acústico o formato banda. E intentar que estas canciones lleguen al máximo público posible.
También tenemos planes de sacar un videoclip nuevo y, quizás, grabar nuevas canciones que saldrán más adelante.
Saltar. Saltar tan alto como las nubes. Volar con «Alas de cera». Luchar y pelear. Todos, conceptos que aluden a la verticalidad. Y con la verticalidad, llegan Gotelé y su nuevo trabajo, «Vertical». No hace ni una semana que el álbum ha visto la luz y los abulenses van a empezar a girar con él por toda España.
¿Cómo nace el concepto de «Vertical»?
Tuvimos muchas dudas. El disco tiene varias canciones que hablan de nubes, de salto o de arriesgar. Habían algunos conceptos identificativos, pero al final nos quedamos con «Vertical».
¿Qué titular definiría «Vertical»?
El salto. De hecho, este nombre nos parecía un poco ñoño como título del disco, pero fue uno de los que barajamos.
¿Cómo afrontáis la salida y presentación del disco?
Pues con mucho entusiasmo y mucho cariño. La idea es empezar con el bautizo o presentación, y después comenzar a rodar con él. Y, por supuesto, enseñárselo a todo aquel que esté dispuesto a escuchar.
¿Qué expectativas tenéis?
Hay bastantes, como todas las veces. Hay que sacar el mayor provecho al disco, que además tiene material para hacerlo. Tiene cosas que llaman la atención y están guays.
¿Qué tipo de cosas?
Es un concepto pop rock, que no es muy típico o que ha dejado de ser típico. Y las letras tienen un enfoque curioso, de cara a otros letristas o de cara a los oyentes.
¿No es arriesgado hacer música distinta?
Creemos que no. Que precisamente, por cómo está la música ahora, no. A todo el arte, le viene bien una época de crisis. Porque eso, hace que te reinventes y que exista todo un abanico de nuevas posibilidades. Así que, sí, es arriesgado. Pero en la vida y el arte hay que arriesgar. Si no arriesgas, no ganas.
Hablando de las letras. ¿Qué importancia tienen éstas frente a las melodías?
Para mí, las letras tienen más peso, porque al final es con lo que trabajo. Y creo que en Gotelé se respeta bastante este aspecto. Hemos avanzado porque en este disco, hemos fusilado los versos. Lo que nos ha permitido avanzar. Lo musical también tiene peso, obviamente, pero las letras más.
¿Qué hay de nuevo en este disco?
Este trabajo es más cañero. Antes coqueteábamos con cosas más acústicas, más folk, más tranquilotas. En este trabajo, hemos experimentado más con el pop rock. Queríamos ofrecer un disco de 10 temas, desde distintas perspectivas, pero con energía y «epicidad». Que es un concepto que hemos empezado a trabajar y que no sabemos si existe, viene de épico.
¿Por qué «Alas de cera» como primer adelanto?
Es como una oda más al concepto del disco, al salto. No contada desde la vista del perdedor, sino del que te pone los pies en la tierra. Tú muchas veces tienes expectativas o unos horizontes, que no son reales. Y luego cuando te enfrentas a ello, chocas con la realidad. Así que esta canción es un cántico al: inténtalo, hazlo y luego ya veremos.
Ya tenéis muchas fechas cerradas, ¿cómo afrontáis la gira?
Tenemos muchísimas ganas de empezar a girar. Es increíble. Y ya estamos preparando una segunda etapa, con unas 20 fechas. La idea es seguir hasta verano del año siguiente. Estamos intentando avanzar y llegar al máximo número de personas posibles.
Directo desde México, llega Caloncho. Con la misma vibra y buena energía que Sadness, a quien abrió sus conciertos en esta gira, el artista mexicano nos está descubriendo «Bálsamo». Este trabajo es su particular píldora contra el dolor.
¿Cómo surge el concepto de «Bálsamo»?
«Bálsamo». Es simple. La música alivia. Y de ahí surge el nombre. De hecho, muchas veces me hacen la pregunta de ¿para qué existe la música? Pues precisamente para eso: para hacernos sentir bien.
Fotografía: Abel Acevedo
¿Cómo te ha sanado a ti la música?
No es nada rebuscado. Cuando escuchas una canción en el momento adecuado, hay dos opciones: escogerla o que aparezca de la nada. Y es que, la música te hace sentir bien, te hace reflexionar, te hace pensar en cómo manejar tus emociones. Si ese impacto positivo, lo ves en tu bienestar, brillas y se lo transmites a los demás.
¿Cómo definirías «Bálsamo» en dos o tres palabras?
Ese ejercicio fue el que hice para escoger el título: «Bálsamo».
¿Cómo nace «Brillo mío» y por qué escogerla como primer sencillo?
«Brillo mío» es de las primeras canciones que hice y sabía que iba a estar dentro del disco, porque es muy personal. Me gusta mucho por lo simple que es y por lo sencillo que fue crearla. Cuando una canción tiene esa cualidad, va a generar empatía. También fue el primer tema que le hice a mi esposa: es el relato de un enamorado en la fase de amor pleno.
Se escogió como sencillo, por lo que genera entre el público.
Siguiendo esa línea, también está «El Optimista». ¿Esta canción surge también bajo esa misma línea de la música como sanación?
Sí, totalmente. Es de las canciones que me hizo llegar a esa conclusión. Es en la vibración en la que me encontraba, que todo lo asocio a ello. Estás leyendo, te da un «eureka!» y todo lo vas viendo bajo esa perspectiva, bajo esa luz. Y «El Optimista» está relacionada con la manera en la que ves las cosas. Quería lograr que cualquier persona que amaneció, se pueda identificar con el discurso.
¿Cómo surge la colaboración con Carlos Sadness?
Conocer a Carlos surge a través de redes sociales. Mucha gente escuchó ambos proyectos y nos empezaron a relacionar. Quizás musicalmente no estemos tan relacionados, pero gráficamente debe haber algún elemento asociado. Así que, hace dos años lo busqué, nos conocimos en Barcelona y comenzamos a hacer «Amor Papaya» por WhatsApp. La canción se fue haciendo de manera muy orgánica y quedó muy balanceada. Al final, la gente no sabía si era suya o era mía.
Fotografía: Abel Acevedo
¿Cómo ha sido la acogida en España?
He tocado dos veces con él, una de ellas fue en el Cruïlla y luego, en la Riviera. La verdad que muy bien. Abrí el concierto de Carlos Sadness en Madrid, con un acústico. Y creo que muy poca gente me conocía. Pero al cantar «Amor Papaya», fue algo sorprendentemente drástico, porque la corearon fuerte.
En lo personal, es la tercera vez que toco en España. Y muy bien, siempre me llevo muy buena impresión de acá. Es un país muy enérgico y cálido.
En abril, tienes gira por Estados Unidos junto a Juanes y Mon Laferte. ¿Cómo la afrontas?
Pues lo veo como una súper oportunidad de llegar a gente que desde hace mucho que quiero llegar. Y es que recibo mucho apoyo de la comunidad hispana en Estados Unidos. E ir junto a Juanes y Mon Laferte es maravilloso. El formato será tocar unos 20 en acústico, antes de que comiencen ellos con sus shows.
Para cerrar: ¿qué canciones recomendarías a los lectores de Verdadera Locura?
Más que canciones, recomendaría artistas, como Devendra Banhart, The Frightnrs y, por supuesto, Carlos Sadness. También escucho mucho a Hinds. Y Dorian también me gusta. Igualmente, también toqué en un festival con Triángulo de Amor Bizarro.
«Nunatak y el tiempo de los valientes» no es un disco apto para cualquier persona. Para poder escucharlo e interiorizarlo, hay que dejar la cobardía de lado. Los de Cartagena han arriesgado mucho, pero sabiendo que iban a ganar. Y así ha sido. Ahora, Nunatak se lanza de lleno a la carretera. Es hora de que los valientes demuestren, en directo, lo que son.
¿Cómo surge «Nunatak y el tiempo de los valientes»?
Nosotros, a la hora de componer hacemos primero la música. Y cuando empieza a coger forma, nos centramos en la temática o concepto. Nos gustan mucho los discos conceptuales. Y en este caso, la idea era reunir distintas historias de valentía, en la vida cotidiana. Valentía para acabar con los complejos, valentía a la hora de tirar para adelante con tu vida y con la de tu familia. También hay historias frikis de valentía, como «Tocar el cielo», que es una historia de ficción. En definitiva, es valentía de andar por casa.
¿Y por qué precisamente la valentía?
Porque estamos en un momento complicado, en el que no es típico ser valiente y enfrentarse a las adversidades. Está la cosa cruda. Y porque ya que escribes canciones, haces música y la gente te escuche, aprovechas para hablar de cosas que consideras importantes.
¿Quiénes son vuestros valientes?
Pues esa gente, precisamente. Gente de a pie, que lucha constantemente. Al escribir las canciones, siempre hay una vertiente personal, pero también hay mucha observación del entorno. En cualquier caso, la idea es transmitir que nadie te va a salvar de que te pase algo malo. Pero siempre, siempre hay que luchar.
Comentáis que os gustan los discos conceptuales. ¿De ahí que los títulos de vuestros discos también guarden cierto simbolismo?
Esto viene un poco más por el rollo cinéfilo. Nos gustaba la idea de que Nunatak, aparte del nombre del grupo, fuera un personaje común en todos los discos. Al principio, surgió porque nos apetecía, pero luego acabamos siendo esclavos de nuestro propio frikismo.
Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en dos o tres palabras?
Directo. Enérgico. Sincero. Libre.
«Romper el cielo» fue el primer adelanto. ¿Por qué?
Tenemos que decir que este disco lo hemos grabado de otra manera, por falta de medios, por falta de recursos y por el punto en el que estábamos. Con este disco, elegimos un productor que nos gustaba y dedicamos el tiempo que teníamos que dedicar. Hicimos la producción, como si tuviéramos diez discos. Ha sido todo muy espaciado en el tiempo y dedicamos a cada tema, el cariño y la atención que se merecía.
«Romper el cielo» salió mucho antes de que saliera el disco. Y de las canciones que teníamos, era la más avanzada y la más directa. Además, nuestro productor Raúl, cuando la escuchó, dijo que era un temazo. La primera maqueta, de hecho, la grabamos en casa y nos la íbamos pasando por e-mail.
¿Y cómo llega «Aún Respira»?
Gracias a Carlos Madrid, que fue quien la escribió. Es muy buen amigo nuestro y un letrista genial. Siempre acabamos teniendo alguna letra suya.
En cuanto a la melodía, en ella, jugamos mucho. La canción mantiene las raíces folk, pero también tiene mucho de experimentación, de guitarras eléctricas, de teclados. Este tema es un poco el resumen de los Nunatak de la actualidad, que mezclan lo antiguo y lo nuevo.
¿Cómo definiríais el sonido Nunatak?
La verdad es que ha ido evolucionando, porque en el primer disco se trabajó mucho la parte acústica; en el segundo, se le intentó dar una vuelta, metiendo mucha más caña; y en este tercero, hemos mezclado todos estos elementos, pero de manera más madura.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Nunatak?
De momento, estamos centrados en la promo y los showcases. Luego, empezaremos con los festivales en primavera y verano. Y la gira de salas, ya comenzará en otoño.
