Categoría: Música

Fuego en la presentación de Montgorock en Madrid

[vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/watch?v=cCsAQCfF5M8&list=PLtb2gVB53JbRyg16MemkGSP2xN5gTwh-f»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]En pleno apogeo de festivales, de tanto en tanto, nos encontramos con la presentación de los mismos, en distintos lugares de España. Y en pleno auge del Montgorock Festival (celebrado en Xàbia, el 11 y 12 de mayo), no podíamos no asistir al gran evento en Madrid. Y así fue como el pasado 6 de abril, llegamos a la Joy Eslava, preparadas para ver los shows de Badlands, Kuqui Alegre y Playa Cuberris. Y es que, ¿qué mejor manera de presentar un festival que con las bandas de su cartel?

Esta gran fiesta, que comenzaba en torno a las 19.30 horas, abrió con el grupo valenciano Badlands. Con su particular estilo, entre blue grass y country, conquistaron al público desde el primer momento. Aunque echamos en falta a uno de los miembros de la banda, Raúl Pruñosa (banjo), Badlands hizo un intenso recorrido de sus grandes temas. No faltaron «Middle Of The Road», «The GoldRush», «Wooden Countries» y «Howl», entre muchas otros.

Kuqui Alegre fue el siguiente en pasar por el escenario de la Joy Eslava. Con su indie – rock y sus particulares gafas de sol, consiguió que no decayera el ánimo en la sala, que poco a poco, se iba llenando de gente. De esta manera, interpretó alguno de los temas de su discografía. Cantamos y bailamos con «Enfermos compulsivos», «Desangrándonos» o «Te Vendrás Conmigo». Con el ánimo cada vez más arriba, el público no dudó en corear la última canción que el cuarteto tocó: «Vamos A Matarnos».

Y, por fin, el plato más fuerte de la noche: Playa Cuberris. La auténtica revolución llegó con ellos y no era para menos. La Joy Eslava estaba ya abarrotada. Se notaba que había ganas de cantar con ellos, algunos de los himnos más significativos de la banda. Así fue como fueron llegando «Viernes Verdes», «Locos de Atar», «Furia Nuclear» o «Entrar a Matar».

Por supuesto, no faltó tampoco su último single: «María Isabel». Quizás éste fuera el momento más divertido de la noche, ya que apareció sobre el escenario Joaquín Castellanos, vestido como la mismísima María Isabel. Fue él quien sorteó, entre el público, la guitarra que aparece en la portada del disco de Playa Cuberris.

Tras esta breve pausa, el concierto continuó con otros temas de la banda, como «Turín», «Hijo del Pecado», «Marte» y «El Rey de la Ciudad». Pero aún quedaba una sorpresa más. Una sorpresa que acabó con Isma Romero y Lucas Colman en el escenario. Junto a Playa Cuberris, homenajearon al gran Manolo Tena con su particular versión de «Frío». Una canción de Alarma, banda a la que perteneció el desaparecido Tena.

El público, completamente entregado, lo dio todo durante todo el concierto. Pero centró su esfuerzo final en la última canción que interpretaron Playa Cuberris: «Luces de Neón».

Sin duda, fue un acierto acudir a esta especial presentación del Montgorock Festival.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»flexslider_slide» interval=»3″ images=»7417,7416,7415,7414″ img_size=»large» onclick=»»][vc_text_separator title=»Andreína Bongiorno (andrybong)» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

24 abril 2018
Yogures de Coco y «Puertofé» llegan este jueves a Moby Dick

Desde aquel primer «Azul», Yogures de Coco ha podido girar por multitud de lugares de España. Lugares que no incluyen solo salas. También festivales, como el Festival de los Sentidos o el Fun Music Festival. Aunque, sin duda, el álbum que empieza a encumbrarlos es «Puertofé».

Con esos sonidos y ritmos coloristas y bailables, los madrileños están creando un estilo muy propio y personal. Un estilo que, quizás dentro del pop-rock, es imposible descifrar o encasillar. Además, en este álbum debut han apostado por la reflexión, analizando a su manera, la realidad en la que vivimos. «Puertofé» nació tras una intensa campaña de crowdfunding. Y, por supuesto, gracias al trabajo de la banda junto a Raúl de Lara y Antonio Navarro, encargados de la producción y masterización, respectivamente.

Este jueves 26 de abril, llegan a la Moby Dick Club dispuestos a hacer bailar, de nuevo, con este disco. Un disco reúne grandes hits como «Le Loop», «Ellos» o «El himno del amanecer», entre otros. Precisamente, de esta última canción, publicaron recientemente su respectivo videoclip, dirigido por Ilan Serruya.

Acompañados por EMMETT

Por fortuna, este jueves 26 de abril no estarán solos en Moby Dick Club. Los sevillanos EMMETT los acompañarán, haciéndonos partícipes también de su música y sus directos. EMMETT es otra de las bandas que, dentro de un género específico como el pop-rock, también es difícil de encasillar. Y es que, desde que su frontman Ángel S. Guill debutara con su álbum «Emmett», su ascenso en Andalucía concretamente, ha sido meteórico.

Desde 2017, la banda de Sevilla, está recorriendo toda España con un fin u objetivo claro: presentar su reciente álbum, «Era Inevitable». En este disco, EMMETT se ha atrevido a experimentar con nuevos sonidos. Así queda patente en su nuevo videoclip, «Dos mil zumbidos». En este tema, juegan con unos sonidos más electrónicos y dream pop. Sonidos que tampoco defraudan.

Sin duda, el concierto de este jueves va a ser un «conciertazo». Nosotras estamos ya calentando motores. ¿Y vosotros?

23 abril 2018
Éxito total en la primera jornada del Elche Live Music Festival

[vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbTgurmBwxKGXHht1_OCZHAC»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Quien no crea en el poder curativo de la música, es que no ha experimentado ningún momento mágico con ella. Cuando consigues conectar con ella, ya no hay vuelta atrás. Automáticamente, te atrapa y ya no hay nada que hacer. Eso nos pasó en la primera jornada de Elche Live Music Festival. Lo dimos todo, lo pasamos demasiado bien y hoy desgranamos todos los detalles del día

Tras haber tenido que mover el festival de día y tras haber incorporado en el cartel a Varry Brava, las ganas de bailar en la Rotonda del Parque Municipal de Elche, los deseos de que llegara el día 10 eran aún mayores. No era para menos. Y recibimos justo lo que esperábamos.

Kuve fueron los primeros. Abrir el festival, a las 19.30 horas, con ese «calorcito» primaveral de «la terreta». No fue fácil «La conquista», porque a la gente le costó llegar a primera hora. Pero poco a poco, la gente fue llegando y acabaron firmando «El pacto». Con «Cometas, Playas Desiertas» y «La Hermandad de las Diosas Griegas» fuimos recorriendo este nuevo trabajo de Kuve. Para, finalmente, acabar con «3.0».

Los siguientes en saltar al escenario fueron Varry Brava, para generar un verdadero «Furor». Aunque esa noche debían tocar en La Llotja, cambiaron el escenario por el del Parque Municipal, que ya estaba lleno de gente. Era el momento de ahuyentar a los «Fantasmas», empoderar a las «Chicas», como «Sonia y Selena» y terminar bailando en la «Playa». No era «Nada Personal» el subirnos tanto el ánimo, pero es que, simplemente, Varry Brava tienen ese poder. Tras pegarnos «400 bailes» bajo «Noches Fugaces», Elche se convertía en el «Sitio Perfecto». Ningún alma estaba «Callada», ni se quejaba del «Calor». Bastante tenían ya con recorrer «La Ruta del amor».[/vc_column_text][vc_cta h2=»Lee todo sobre la segunda parte del Elche Live Music Festival» style=»outline» color=»black» add_button=»right» btn_title=»Leer» btn_link=»url:https%3A%2F%2Fworking.byemebe.com%2Fverdaderalocura%2F2018%2F05%2F21%2Felche-live-music-segunda-jornada%2F|title:Elche%20Live%20Music%20Festival%20Pt.1||»][/vc_cta][vc_column_text]Eran las 22.45 horas, cuando salían La Casa Azul con su gran puesta en escena. Con sus tintes electrónicos y psicodélicos, la banda de Guille Milkyway demostró desde el principio, que la noche estaba siendo «Superguay». En su extenso recorrido a su discografía, no faltaron algunos de sus grandes himnos. Como «Podría Ser Peor», «El Momento» o «La Revolución Sexual».

Por último, fue el gran turno de Sidonie. Con ellos, se desató la locura completamente. Las «Carreteras Infinitas» desaparecieron y el «Día de Mierda» se convirtió en un día genial. Marc Ros no dudó en bajarse del escenario e incluso recorrer el recinto. Todo por el público y los fans. Todo muy del «Siglo XX». Fue un verdadero acierto cerrar con ellos, porque todos nos fuimos con buen sabor de boca de allí y no era para menos. «El Peor Grupo del Mundo» dejó de serlo. Nos hicieron disfrutar e incluso nos enseñó a cantar «No Sé Dibujar Un Perro».

Tras una primera jornada de 10, ¿estáis preparados para la segunda, el próximo 12 de mayo?[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery interval=»3″ images=»7460,7461,7462,7463,7464,7465,7466,7467,7468,7469,7470,7471,7472,7474,7475,7476,7482″ img_size=»large»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Lourdes Martínez» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

22 abril 2018
Colectivo Panamera: «La vida es una fuente de inspiración preciosa»

Eliminar cualquier tipo de pretensión y trabajo duro. Ese es el mantra de Colectivo Panamera que, dos semanas después de haber llenado la Copérnico, alza el vuelo hacia Europa. Y es que, por donde van, triunfan. Hacen bailar, cantar. Hacen que por unos instantes, te olvides de todo lo que sucede alrededor.

Pero antes de iniciarse por Bratislava y Viena, Nacho Taboada se sometió a nuestra entrevista.

¿Cómo comienza Colectivo Panamera?

Nos conocimos tocando en Madrid. Pepe tocaba conmigo en un proyecto personal. Pero un día nos dimos cuenta de que teníamos unas influencias comunes y estábamos mirando los dos hacia Latinoamérica. Así que fue una gran idea juntarnos.

¿Y por qué Colectivo Panamera?

Son todo dobles sentidos y juegos de palabras que nos gustaban. Colectivo significa muchas cosas. Por un lado, es autobús. También implica la colectividad de la banda. Y Panamera, aunque no existe como tal, tiene muchos significados. Aunque es una marca comercial, también engloba las letras de «panamericana», de «palmera». Todo evoca ese «tropicalismo» que tanto nos gusta.

¿Qué os inspira a la hora de componer?

La vida misma en realidad. Hay muchos momentos de la vida. Inspira mucho el amor, los viajes. Inspiran también las relaciones con los amigos. La vida es una fuente de inspiración enorme, preciosa y constante. Continuamente hay que estar abierto a interpretar las cosas que suceden en la vida, para poder transformarlas en canciones. Y una vez son canciones, dejan de ser tuyas para ser propiedad de los demás. Los temas adquieren vida propia y cada persona es libre de interpretar como quiera.

¿Por qué apostar por los ritmos latinos?

Ese es uno de los pilares fundamentales que Vanja, Pepe y yo compartimos. Pepe, por ejemplo, se crió en un lugar en el que en las cocinas de las casas, se bailaba mucho folclore latinoamericano. Y yo desde pequeño siempre he tenido mucha influencia familiar. No lo hicimos aposta, surgió de manera natural, en realidad. Tanto Pepe como yo ya habíamos experimentado con esta música y, en cierto modo, lo teníamos interiorizado. Fue muy fácil entendernos.

¿Y no es arriesgado hacer este tipo de música, estando en España?

Yo diría que, más que arriesgado, fue un acierto. Intuíamos que iba a funcionar y que la gente estaba predispuesta a escuchar cumbia y este tipo de estilos. Creíamos que estábamos en el momento adecuado, porque se estaban revitalizando los sonidos latinoamericanos. Además, nos sentimos muy cercanos e identificados con este tipo de música.

¿Cómo estáis viviendo todo el crecimiento de la banda?

Aún estamos flipando un poco por el concierto de Copérnico. Estamos muy contentos, pero a la vez, muy comprometidos. Estamos felices por lo que nos está pasando. Aunque éste es solo un primer paso, la primera toma de contacto. Parece que a la gente que gusta. De hecho, hay un movimiento de gente que nos ha felicitado por el disco. Esto no deja de ser un balón de oxígeno, pero el trabajo está todavía por hacer.

¿Cómo vivisteis ese concierto en Copérnico?

Fue la leche. No nos esperábamos tanta gente. En realidad, fue un flipe. Y fue muy emocionante oír cantar al público. Además, también fue muy emotiva la sensación que se formó encima del escenario y el cómo lo vivimos nosotros. Creo que lo pasamos muy bien.

¿Qué expectativas tenéis con este disco?

No creo que tengamos expectativas. Fernando Neira lo explicó muy bien y me sentí identificado con lo que dijo. Comentaba que éste era «un disco sin pretensiones». Y la realidad es que somos una banda de amigos sin pretensiones, que lo único que quiere es seguir tocando juntos muchos años. Al final, donde reforzamos nuestra amistad es el tocar juntos. Además, estamos todo el día trabajando con la música en el estudio. Ese es un poco el camino.

¿Cómo definiríais el disco en dos o tres palabras?

Sinceridad, buena vibra e ilusión. Y baile.

¿Por qué tardar tanto en materializar el disco?

Digamos que esta banda se ha cocinado a fuego lento. Hemos ido pasito a pasito, según se nos han planteado las oportunidades y la inspiración. Pero, en un momento dado, vimos que «Quiero mucho más» y «Un Río Que Se Va» tuvieron muy buena acogida. La gente quería más de la banda y ahí, tuvimos la necesidad y las ganas de hacer algo más. De materializar lo que somos en un disco físico. Dentro de la hoja de ruta de las bandas, éste era el primer paso. Además, nosotros tuvimos la suerte de poder probar las canciones en los directos, antes que en el disco.

¿Cómo afrontáis ahora la gira en el extranjero?

Pues con muchas ganas. Porque una de las cosas que más ilusión nos hace es poder viajar y conocer mundo, tocando. Para nosotros, esto es un regalo. Además, sabemos que allí hay un mercado importante y que hay gente a la que le gusta lo que hacemos.

Tras Bratislava y Viena, ¿cuáles son los siguientes pasos de Colectivo Panamera?

Vamos a seguir tocando por España y en mayo nos vamos a México.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

Creo que entregar nuestras vidas a la música. Porque es un sector complicado y con mucha competencia. Yo, por ejemplo, he dejado mis carreras de lado. Pero la llamada de la música fue más fuerte. Pero estoy muy orgulloso por ello.

19 abril 2018
Bittersweet y su ansiada búsqueda de la dualidad musical

Directos desde Sevilla, llegaron el fin de semana pasado Bittersweet, para incendiar la Sala Maravillas de Madrid. Con esa mezcla agridulce, pero con su potencia y fuerza, presentaron en la capital su trabajo más reciente, «Bittersweet».

¿Cómo acaba Bittersweet en la música?

En un primer momento, nació de la mano de Fran y yo [Álex]. Siempre habíamos estado muy activos en otros proyectos, pero nunca habían sido nuestras al 100%. Así que comenzamos a juntar las canciones que ambos teníamos, por ver qué pasaba. Pero al final todo fue guay y decidimos grabar nuestro primer EP. Ahí ya entraron José Ángel y Nico, y creamos la banda.

¿Por qué Bittersweet?

Pues al principio, íbamos casi sin nombre. Pero la movida es que surgió Bittersweet y, aunque al principio no tenía mucha lógica, tiene sentido. La traducción del inglés es agridulce. Así que con este nombre, queremos reflejar un poco esas dos partes que éramos inicialmente, a la hora de componer. Había dos caras contrarias, que se complementaban. Y ahora con este disco tiene más sentido, porque hay partes más oscuras, pero siempre en contraposición de la luz. Igual que hay letras oscuras, con atmósferas muy luminosas; también hay letras más claras, con ambientes más tétricos. Nos gusta jugar con esa dualidad, con ese contraste.

¿Y cómo nace el concepto de este disco?

Con el anterior EP, la verdad es que rodamos y tocamos mucho. Así que siempre andábamos con las ganas de componer y seguir creciendo. Estábamos ansiosos por hacer tema. El proceso de composición también fue muy natural: siempre empezamos por separado y acabamos juntándonos y dándole una vuelta a las canciones. Sí que estuvimos unos meses sin una idea clara de disco. Hasta que no nos juntamos y vimos de manera clara el concepto, no nos lanzamos.

¿Qué dos o tres palabras sintetizan el disco?

Es oscuro y luminoso. También es arriesgado.

¿Y cuál es la canción que resuma el concepto?

«Golpe final». Porque tiene su estribillo, también tiene mucha psicodelia, mucho instrumental. Tiene luz y oscuridad. Además, fue la primera que compusimos. Es la declaración de intenciones.

¿Cómo fue grabar con Rams y Martí en los Estudios Reno?

Fue increíble, porque son dos personas a las que admiramos mucho. Es como estar en una «masterclass» musical todo el rato. Fueron capaces de sacar el máximo de nosotros mismos, han podido exprimirnos. Además de aportar su conocimiento, obviamente. Han sido nuestros elementos catalizadores, porque nos han ayudado a llegar a nosotros mismos a las conclusiones. Y, al final, meten su magia.

¿Por qué «Demasiada Gente» como segundo avance de este disco?

Casualmente, cayeron las tres primeras canciones como las primeras que queríamos publicar como avances: «Golpe Final», «Demasiada Gente» y «No Soy Yo».

«Demasiada Gente», dentro de la oscuridad del disco, es la canción más fácil. Pero el mensaje, que es muy importante, llega antes. Cuando salio como single, funcionó muy bien. Y a nivel audiovisual, entra bien y da mucho juego. De hecho, ha funcionado bastante bien entre el público.

Tras la presentación en Madrid, ¿cuáles son los siguientes pasos de Bittersweet?

Están todavía por determinar. Ahora mismo, la idea era hacer dos puestas de largo únicas (Sevilla y Madrid), por ponernos a prueba nosotros y subirnos de nuevo al escenario. Y la idea después, es darle un respiro en verano y darle el apretón en el otoño. Mientras tanto, publicaremos el tercer single.

¿Qué es lo más loco que Bittersweet ha hecho por la música?

La manera que tuvimos de pagar el segundo EP, pero no lo podemos contar [risas]. Luego, también hay bastante locura en que nos fuimos a tocar a Vigo, a Ribadeo y a Pontevedra. En plan, a ver qué pasaba. Otra vez, nos quedamos en Jaén tirados, sin dinero y sin gasolina.

Esta es la playlist de Bittersweet

18 abril 2018
Jack Bisonte: «Con The Playground queríamos probar y experimentar»

Dos amigos de la infancia. Ellos son Carlos Amelivia y Miguel Llaguno. O lo que es lo mismo, Jack Bisonte. Tras la salida de de «Wood Crown», que los encasilló en un género más folkie, el dúo madrileño regresa con «The Playground», dispuesto a romper moldes. La gran presentación es este miércoles 18 de abril, en la Sala Siroco de Madrid. Hace unos días, hablamos con Carlos (voz y guitarra), que nos dio todos los detalles sobre este nuevo trabajo.

¿Cómo surge el concepto de «The Playground»?

Tras el primer EP, que lo publicamos un poco por ver qué pasaba y fue bastante bien, nos encasillaron muy rápido en la escena folk. Y, para nosotros, la música abarca infinitos espectros y nos apetecía hacer cosas nuevas, tonterías, cosas que nos divirtieran. Por eso, con «The Playground» queríamos probar y experimentar. Y hemos hecho un poco lo que nos sale de la vaina, para bien o para mal. Pero, al menos, nos divertimos mucho en el proceso.

Durante el proceso de creación, os recluisteis en una cabaña. ¿Sois de llevaros a ese límite para componer?

Eso llamó mucho la atención y no era nuestra intención. Nosotros tenemos un proceso creativo, que va por fases. Y en la fase final, los dos tenemos que estar en perfecta sintonía y pensar como uno solo. En ese momento, teníamos un poco el concepto en el aire y decidimos irnos a una pequeña cabaña. La mala suerte es que nevó mogollón y nos quedamos atrapados y decidimos que de eso tenía que salir algo guay.

Siendo amigos de toda la vida e iniciando este proyecto juntos, ¿en qué momento decidís profesionalizarlo?

Todavía no lo hemos decidido [risas]. Prácticamente, obligué a Miky. Estaba viviendo en Italia y tenía una banda de pop español con él, con la que no estaba convencido. Pero tras volver a España, tenía un puñado de canciones y lo tuve que obligar. Miky siempre había sido el crack de la batería, así que tuve que decirle: «vas a hacer equipo conmigo, quieras o no». Y nos metimos y nos dimos cuenta de que llenamos bastante con una guitarra y una batería. Lo de profesionalizarlo, creo que sale solo.

¿Por qué Jack Bisonte?

Pues esto es como cuando te haces un tatuaje gilipollas e intentas buscarle significado a posteriori. Hemos intentado construir anagramas, reconstruir las letras. Así que, Jack Bisonte simplemente es la personificación de la música que queríamos hacer. Es un nombre potente y tenía la fuerza animal que siempre ansiábamos.

Volviendo un poco al tema del EP, ¿cómo lo definirías en dos o tres palabras?

No puedo hablar por Miky, pero para mí, es la búsqueda de la originalidad. El algoritmo del éxito no existe, así que tienes que basarte en un reto personal y tratar de hacer las canciones de la manera más original posible.

¿Qué hay de diferente respecto al EP anterior y cómo habéis evolucionado vosotros?

En el EP anterior, éramos unos chiquillos aporreando una guitarra. Tampoco teníamos idea de cómo funcionaba este mundo. Lo hacíamos sin ningún tipo de ambición, ni conocimiento de causa. Con este, sí que tenemos más ambición. Al principio, no teníamos ni idea ni de control. Con este EP, estábamos más rodados y teníamos mucha más idea.

¿Cómo definirías el estilo de Jack Bisonte en un titular?

Diviértete, realízate y búscate a ti mismo. Pero sobre todo, diviértete siempre.

¿Cómo ha sido trabajar con Brian Hunt?

Muy guay, es un crack. Brian es la hostia. Se merece todo el reconocimiento del mundo y trabajar con él es una fiesta. Todo lo que ha hecho en tan poco tiempo, es increíble. Desde el minuto 0, hubo una conexión brutal con él. Y eso que es compleja la relación con un productor, porque está trabajando y modificando algo muy personal, como son tus canciones.

Tras el concierto del 18 de abril, ¿cuáles son los siguientes pasos de Jack Bisonte?

Tenemos algunos bolos y conciertos cerrados. Poco a poco iremos desvelando en redes sociales.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

Yo, dejar todos los trabajos que he tenido [risas].

17 abril 2018
En fotos: Dinero en Sala But

[vc_row][vc_column][vc_video link=»https://youtu.be/jOIQTecggJE»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Los aniversarios están para celebrarlos, especialmente cuando llega la década sobre el escenario. Eso es lo que le está pasando a Dinero este 2018.

Recientemente, publicaron su disco «A diez años luz», en el que han rescatado sus grandes éxitos de esta década, reeditándolos y cantándolos con colaboraciones muy especiales. De esta manera, en este álbum han trabajado con artistas como Nina de Juan (Morgan), Iván Ferreiro, Gonçal Planas (Mi Capitán), El Drogas, Dani Martín, Superlaser, Charlie Bautista, Martí Perarnau IV (Mucho), Alejandro Ovejero y Mikel Izal. Del mismo modo, han vuelto a cantar algunos de sus temas más reconocidos, como «Mentiras», «Duelo de Titanes» y «Mata Hari», entre muchos otros.

Evidentemente, la gran sorpresa del disco de celebración, había que llevarla al directo. Por ese motivo, el pasado jueves 5 de abril, la banda liderada por Sean Manhorlm se subía al escenario de la Sala BUT. Eso sí, dispuesta a hacer bailar y sudar al público. Y dispuesta, por supuesto, a sorprender.

Los fans, completamente entregados, cantaron, bailaron y se dejaron sorprender por la banda, que llevó grandes colaboraciones, siendo Mikel Izal uno de los más aplaudidos. Diez años no se cumplen todos los días. Y es que, sin duda alguna, este concierto fue la demostración más tangible. Fue «Enérgico, Mágico, Eléctrico».

Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»image_grid» images=»7341,7342,7343,7344,7345,7346,7347,7348,7349,7357,7351,7352,7353,7354,7355,7356,7358,7359,7360,7361,7362″ img_size=»medium»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

16 abril 2018
La noche en la que bailamos hasta el fin con Colectivo Panamera

Mentiríamos si dijéramos que no llevábamos tiempo esperando este concierto. Desde que Colectivo Panamera anunciaran la gran presentación de su álbum debut en Copérnico, nosotras ya andábamos preparando las canciones. Y la gran cita fue el pasado jueves 5 de abril.

Aunque no era fácil llenar la sala, por su capacidad, ellos fueron capaces de conseguirlo. Centenares de personas se agolparon en el escenario, bailando, cantando, sudando. No era para menos. Era la gran fiesta de Colectivo Panamera. Era su gran presentación. Como lobos aparecieron sobre el escenario, para regalarnos su primera canción, «La Cumbia del Lobo».

Durante el concierto, nos hicieron atravesar todo «El Arenal» hasta conseguir llegar de «Palermo a Lavapiés». Todo eso, gracias a su particular mezcla de sonidos. «El Jardín» en el que folk, cumbia, calypso y todo tipo de ritmos latinos tienen cabida. Sin duda, «El Huracán» que estábamos atravesando, tan solo se podía mitigar con un buen baile. Y si en algún momento de la noche, nos asaltaban las dudas y nos daba por preguntarnos «¿Qué pasará?», Mr. Kilombo aparecería para incitarnos a seguir con la fiesta.

Toda la noche, estuvimos dejándonos llevar por el Colectivo, que cuando parecía que nos llevaban a «Ninguna parte», escogieron la mejor dirección posible. Aquella dirección que nos guiaba «Hacia el sur», a través de «desiertos de arena». Al final, los espejismos se tornaron ciertos. Y como «Un río que se va», apareció la dulce Georgina sobre el escenario, para acompañar al trío formado por Nacho, Pepe y Vanja. Uno de los momentos álgidos, en el que la gente coreó el single de la banda, hasta quedarse sin voz.

Tras cantar «Duerme Negrito» y mostrar de nuevo esas raíces tan latinas que tienen, atravesamos todos juntos «La calle de la luna». Y para quien se quedara con ganas de baile y cumbia, «El pescador» apareció mágicamente. Hubiera deseado que el concierto no acabara, porque siempre «Quiero mucho más». Pero el espectáculo tenía que llegar a su fin. Desaparecieron del escenario durante unos segundos, pero aún quedaban dos canciones más. «La décima» tenía que llegar. Y, por supuesto, había que despedirse de la manera más colorida y optimista posible, con «Colors of the rain».

La noche fue de 10 y no pudimos pasarlo mejor. El buen rollo era latente en toda la sala. Cerca de 400 personas vibraron, cantaron y bailaron al son del Colectivo Panamera. ¿Cuándo es el siguiente concierto en Madrid del trío?

Foto: A.Makeda

Foto: A.Makeda

Foto: A.Makeda

12 abril 2018
El antes y después de Hey! Bastian: la nueva revolución del indie-pop

Hey! Bastian es su gran salto, su gran cambio, su punto de inflexión. El proyecto vira hacia otros lugares y como resultado, tenemos un nuevo trabajo: «Millenials». Y, precisamente, sobre «millenials» y música, mucha música, estuvimos hablando con ellos hace unos días.

¿Cómo surge Hey! Bastian y por qué ese salto de Dreaming For A Day?

Hey! Bastian surge de una manera muy natural. Veníamos de otra banda, que era Dreaming For A Day. Veníamos del metal y del punk-rock, pero nos apetecía hacer algo mucho más tranquilo. Con Hey! Bastian cambiamos. Por ejemplo, pasamos del inglés al español. Y comenzamos a hacer música para pasarlo bien y que la gente disfrutara con nosotros. Además, se unió el tercer pilar a la banda, que es Eneko. Digamos que nos unió el indie.

Un cambio de estilo muy drástico, ¿no?

Aunque vengamos de géneros muy dispares, nos gustan otros artistas que son muy pop. Por ejemplo, Ed Sheeran o Harry Styles. La música comercial también nos flipa. El punto en común de los tres, era ese estilo más Twenty One Pilots o Two Cinema Club. Algo más movido y festivalero.

¿Es Hey! Bastian un antes y un después?

Sí, creemos que sí. Por eso cambiamos el nombre del grupo. Hubo tantos cambios naturales, que eso se tenía que reflejar de alguna manera. Aunque en un principio, no sabíamos si continuar con Dreaming For A Day o cambiar a Hey! Bastian.

Nos dio pena, porque con Dreaming For A Day llevábamos ya tres años. Pero la gente había acabado etiquetándonos. Nos habían encasillado en el grupo de «los moñas». Y queríamos romper la barrera de hacer música sin etiquetas. De ahí este disco.

¿Cómo definiríais este nuevo proyecto con un titular?

Nostalgia a flor de piel, disfrazado de diversión.

¿Cómo afrontáis esta nueva etapa?

Con unas ganas que alucinas. Llevábamos cerca de tres años componiendo el disco y queríamos que saliera ya, para que la gente lo escuchara. Necesitábamos «vomitar» todas nuestras inquietudes y este disco tiene mucho de eso.

¿Cómo sintetizarías «Millenials» en dos o tres palabras?

De «Millenials» diríamos tres palabras: nostalgia, diversión y sorpresa.

¿Y cómo surge todo el concepto del disco?

Una vez compuestas las canciones, a la hora de elegir título, nos dimos cuenta de que los tres del grupo estamos dentro del rango de «millenials». Además, las letras de las canciones hablan de esa sensación que pueden sentir ahora los «millenials». El título también tiene un tono irónico.

Precisamente, os íbamos a preguntar por el título. Si éste tenía un sentido o no.

Todo tiene sentido. Desde las letras hasta los títulos de las canciones, pasando por el mismo título del disco. Todo hace referencia a este momento que estamos atravesando, a esa incertidumbre que hace que no sepamos si «salirnos del rebaño» es bueno o malo. Es una cuestión que está en boca de todos, pero que de la que nadie se atreve a hablar abiertamente.

Luego, además, nos hemos dado cuenta de que hay gente a la que parece darle vergüenza ser «millenial». Y no es nada grave, a cada uno le ha tocado nacer en una época y vivir unas experiencias.

«Trastorno emocional» llegó como primer adelanto, con su respectivo videoclip. ¿Por qué esta canción?

Porque engloba la totalidad del disco. Tiene partes electrónicas, tiene su estribillo pegadizo y el resto de características que está en todo el disco, pero que no todas las canciones tienen. Así que decidimos que era la mejor. Además, todos tenemos un trastorno emocional y más en la época en la que vivimos. Y mogollón de personas nos han reconocido que se sienten identificadas con el tema.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Hey! Bastian?

Lo primero es presentar el disco al público y que lo escuchen. Y lo siguiente ya va a ser tocar y llevarlo al directo. Tenemos ya algunas fechas cerradas por España, además de la presentación en Madrid, que será el 26 de mayo en el Perro de la Parte de Atrás del Coche.

¿Cuál es la cosa más loca que habéis hecho por la música?

Una vez que tocamos en Alicante y olvidamos el merchandising en Valencia, que fue donde actuamos la noche de antes. Fueron unos días intensos y, tras tocar en el Levante, decidimos volvernos a Pamplona. Del tirón y por la noche. Encima, nos equivocamos encima de carretera y tardamos mogollón.

11 abril 2018
Éclaire: «Las canciones de Meow son buenas, sentidas y optimistas»

Con su particular estilo entre el pop, el rock y el folk, Éclaire se encuentra en plena gira de despedida de su álbum debut, «Meow». Una despedida que culminará el próximo 29 de abril en la Sala Siroco de Madrid. ¿Estáis preparados para la revolución Éclaire?

¿Cómo nace el concepto de «Meow»?

Nacho y yo [Clara] llevamos tocando juntos 5 años, desde el día que nos conocimos. Siempre hemos tocado en acústico, nos hemos recorrido todas las salas los dos. Hasta que entró en la formación nuestro bajista, Sergio Fernández. Con él, descubrimos que nuestros temas también podían funcionar en formato banda, no solo acústico. Así que empezamos a trabajar en los temas que ya teníamos hechos, llamamos además a amigos y artistas «que te cagas», como Vicente Hervás (batería), Javi Rubio (guitarra eléctrica) y a Rubén García Motos (teclista). Nos pusimos manos a la obra y estuvimos dos meses grabando.

¿Cómo fue ese salto del acústico al eléctrico?

Por un lado, fue muy emocionante. Llevábamos como cinco años tocando en acústico y, de repente, escucharlos en eléctrico…la verdad, es que nos motivó bastante.

En el proyecto de Éclaire, ¿qué pesan más: las melodías o las letras?

Las dos, siempre. Las letras son esenciales. Hay melodías preciosas, pero si estás contando algo, tienes que contarlo bien, con todo lo que conlleva. ¿La melodía? Por supuesto también es importante, estamos hablando de música. Aunque a título personal, si nos quedáramos con algo, sería con la letra porque conllevan un trabajo añadido.

¿Cómo definiríais este disco tan dispar, en dos o tres palabras?

Ostras, qué tarea [risas]. Qué pregunta más complicada. Los temas suelen ser muy viscerales, porque cuentan historias corrientes con las que nos podemos sentir identificados todos. Así que, utilizaríamos estos tres adjetivos para describir nuestras canciones: buenas, sentidas y optimistas.

¿«Meow» está cumpliendo con vuestras expectativas?

La verdad es que sí. Nuestra principal expectativa cuando publicamos el disco, era hacer que sonara y llevarlo al máximo número de salas posibles. Y creemos que lo hemos conseguido. Desde que lo lanzamos en 2016, hemos defendido todos los temas en todos los formatos y muchos lugares de España. Y el 29 de abril, nos despedimos de él en la Sala Siroco.

¿Cómo afrontáis este fin de gira?

La verdad es que bien. Estamos motivados y con ganas de conocer el nuevo disco. Este álbum nos ha aportado mucho y, bueno siempre hay algo de tristeza. Pero bueno, siempre hemos sido de ir poco a poco con nuestros objetivos. Y con «Meow» hemos llegado a los Conciertos de Radio 3 y, ¡jamás nos lo hubiéramos imaginado!

¿Y cuáles son los siguientes pasos de Éclaire, tras el concierto del 29 de abril?

El 29 de abril, nos despedimos de «Meow», pero no nos despedimos de los escenarios. El 31 de mayo, tocamos en El Perro de la Parte de Atrás del Coche, con Burt Byler. Aparte, en acústico, recorreremos cinco tiendas FNAC de Madrid y Asturias. Y, a partir de ahí, nuestro plan es ponernos a trabajar en el segundo disco.

Precisamente, la siguiente pregunta era ¿cuándo podremos escuchar nuevo material de Éclaire?

Temas nuevos ya están sonando. En prácticamente en todos los conciertos tocamos una canción o dos, que seguramente terminen en el segundo disco. Aunque el 29 de abril, seguramente toquemos algún tema nuevo más. Será una mezcla de ambos trabajos.

A modo de curiosidad y para cerrar, ¿cuál ha sido la cosa más loca que habéis hecho por la música?

¿Qué hemos hecho nosotros? Me da que no somos divertidos [risas]. Una de las cosas más locas que hicimos, fue tocar en el Paseo de la Castellana para la Cadena SER, sin haber ensayado juntos antes. Y con tres músicos con los que no habíamos tocado nunca.

¿Y cómo salió aquello?

Pues salió bien. Pero no hay registros de eso [risas]. Nos llamaron como una semana antes y, probablemente, porque se les caería una banda. Eso fue lo más loco que hemos hecho. Y tocar en una boda, en un patio al aire libre y sin amplificar, durante tres horas.

10 abril 2018
Cuando Nathy Faría y su «future soul» llegaron a España

Directa desde Brasil, llega Nathy Faría para invadirnos con su soul futurista y sus ritmos latinos. «Raise Your Vibration» es su último single. Un sencillo que sirve de avanzadilla al nuevo trabajo que está por llegar. Un trabajo en el que la compositora no descarta cantar en español.

¿Cómo empieza Nathy Faría en la música?

Desde muy niña quería ser cantante, con 10 años componía temas y tocaba el teclado en casa de mis abuelos. También pedía a mis padres que se sentasen para asistir mis conciertos en su salón.

Profesionalmente, empecé cantando en un programa de TV con 14 años y desde entonces, no he parado. Tuve grupos de pop, de rock, de hip hop. La música es la historia de toda mi vida, todo lo que tengo se lo debo a ella.

¿En qué momento decides dedicarte profesionalmente a ello?

En el momento en que subí a un escenario por primera vez. Ahí tuve la certeza de que era lo que quería hacer el resto de mi vida.

Ahora que vives en España, ¿cómo fue la transición o el cambio de un país a otro?

No fue fácil. En Brasil ya era un nombre reconocido. En mi ciudad, conocía a los mejores músicos y a los medios de comunicación. Ya tenía mi público allí. Cuando vine a Madrid no conocía a nadie y dejé todo para atrás para empezar una nueva historia musical.

¿Qué diferencias ves en la música entre Brasil y España?

La cultura hace que todo sea muy diferente. Brasil tiene una diversidad muy grande de estilos musicales y allí hay un gran mercado musical, cantado en portugués, que se auto-consume. Tenemos, como todo el mundo, una gran influencia de la música de Estados Unidos. Pero hay estilos nacionales como el funk carioca, samba, chorinho, baião, forró o sertanejo, que son muy fuertes y dominan la escena.

Para mi la diferencia está principalmente en los estilos. El idioma también hace que las melodías y los sonidos sean muy distintos.

¿Cómo ha sido la acogida de tu música en España?

Muy bien. En poco tiempo, mi público ha crecido y los medios empiezan a reconocerme. Estoy participando en los mejores eventos y eso me da ganas de continuar con más fuerza.

¿Te has planteado componer algún tema en español?

¡Por supuesto! La verdad es que, en mis conciertos, hago dos versiones de mis temas en español. Y para mi próximo EP, hay dos temas más. Eso me acerca más a mi público de aquí. Siento que cantar en portugués y en inglés, no es lo mismo, porque la gente no termina de entender y engancharse.

¿Dónde acudir cuando falla la inspiración?

Mi inspiración viene en los momentos que menos espero. No creo demasiado en «buscar la inspiración», pero siempre viene bien dar una pausa en la locura diaria y escapar al campo o a la playa, para encontrar nuevos pensamientos. Los momentos de soledad también me vienen bien para componer.

¿Cómo definirías tu estilo en dos o tres palabras?

Tengo una mezcla de estilos, de músicas y de experiencias vividas. Pero sí que podría definirlo en dos palabra: «Future Soul».

¿Cómo surge el concepto de «Raise your vibration»?

Empecé a componer «Raise Your Vibration» cuando estaba leyendo sobre física cuántica. Pensé en la manera en la que somos responsables de la energía que transmitimos y recibimos. Siempre he creído en la fuerza espiritual que tenemos y que es la que nos hace progresar. Intento transmitir eso con mi música y con mis actos. Cada uno encuentra una manera de elevar su energía. Es un paso que se da día a día, en la búsqueda de la vida perfecta.

Fue una canción hecha con la ayuda de grandes amigos. Bob Adamson y Grace Puluczek me ayudaron con la letra en inglés. Después, Sergio Salvi hizo la producción y consiguió plasmar todas mis ideas con el ritmo.

¿Cómo está siendo la acogida de este sencillo?

¡La acogida está siendo muy buena! Es un tema que transmite buena vibra y todos sienten esta energía. Al estar en inglés también ha atraído a más gente. Mi publico ha crecido mucho, especialmente en España, muchos programadores me están buscando. Así que todo es un «Raise Your vibration».

¿Cuándo podremos escuchar más temas de Nathy Faría?

¡Muy pronto! Tengo muchas sorpresas para este año. Quien me siga en Instagram, ya puede ver las producciones. Lo que puedo decir es que va a molar mucho todo lo que estamos preparando.

Además, en mis conciertos, hay nuevos temas, temas antiguos en nuevas versiones, covers molonas. Merece la pena asistir al concierto, para entender más el universo Nathy Faría.

Dentro de nada, actuarás en el Mercado de Diseño de Madrid. ¿Cómo afrontas esta actuación?

¡¡Qué ganas tengo!! La verdad que es una gran oportunidad para mi estar en el escenario Aperol Spritz Live, pues por allí pasan los mejores artistas. Estoy preparando un concierto totalmente diferente a todo que ya hice. Mostraré muchas otras facetas mías.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Nathy Faría?

En los próximos meses, tengo conciertos importantes aquí en Madrid, hay fechas por confirmar en Barcelona, en Valencia. Y también en Portugal. En agosto, estaré de gira por Brasil. Y a la vuelta, habrá más lanzamientos por aquí.

4 abril 2018
Playa Cuberris: «Entrar A Matar refleja el salto profesional de la banda»

Llevan tiempo peleando por hacerse un hueco dentro del panorama rock en español. Pero con este «Entrar a matar» han pegado un gran salto. La gran apuesta de Playa Cuberris se está tornando tan real como tangible. Y este viernes 6 de abril, los podremos ver en directo, en la Joy Eslava de Madrid.

Hace unos días entrevistamos a Pedro, vocalista de la banda. El nuevo disco, los siguientes pasos de Playa Cuberris o la figura de la mujer fueron algunos de los temas de los que nos habló.

¿Cómo surge el concepto de «Entrar A Matar»?

«Entrar a matar» es una declaración de intenciones, en toda regla. De alguna forma, traduce un poco el salto profesional que ha habido desde el primer disco hasta ahora. Digamos que, al principio, publicamos un disco autoeditado y sin ningún tipo de apoyo. Y en este segundo disco ha habido otra proyección. Por un lado, ha habido una industrialización y, por otro lado, una profesionalización. Teníamos que ir a por todas. Ese era nuestro lema.

Ahora que el disco lleva un tiempo rodado, ¿cómo está siendo la acogida por parte del público?, ¿está cumpliendo vuestras expectativas?

Pues la verdad es que sí. Ha sido muy agradecido todo este proceso. Y ha conectado mucho más con el público, porque el primer disco era mucho más críptico, en cuanto a lenguaje y estilo. Y con «Entrar a matar» hemos sido más terrenales y hemos hablado de cosas que atañen más a todo el mundo. Por eso la acogida ha sido diferente y el recorrido, nos está llevando a sitios cada vez más grandes.

Este disco es mucho más terrenal. ¿En qué os inspiráis para componer las canciones?

Yo soy el que compone las canciones y no me he inspirado en nada abstracto. Sencillamente, he extrapolado las vivencias que yo tenía a otras personas. Es decir, hablamos de amor, de desamor, de salir de fiesta. En definitiva, hablamos de cosas que cualquier persona ha vivido en un momento dado. También nos hemos reservado un poco de lucha social, como siempre hacemos, porque llevamos eso en las venas. Y por supuesto, hemos rescatado el icono de la mujer, que siempre lo llevamos por bandera.

¿Por qué realzar la figura de la mujer en canciones como, por ejemplo, «María Isabel»?

Tiene una lógica, porque el 80% del disco habla de una mujer en concreto. De modo que, en el sentido idiomático sí que hacemos muchas alusiones a la mujer. Así que trasladar eso al plano audiovisual y reforzarlo, también tenía un sentido claro.

También hemos podido observar un tono más picante, en canciones como «Viernes verdes», «Furia nuclear» o «Locos de atar». Y teníamos que preguntaros el por qué de estos temas.

Bueno, la sexualidad es algo que tiene que estar presente, siempre y cuando, no se ofenda a ninguna de las partes. Al final, la sexualidad es algo que forma parte de la vida de cualquier persona. Igual que la música. Así que fusionarlas no nos parecía demasiado descabellado.

¿De qué manera os ha permitido evolucionar este trabajo?

En lo personal, nos hemos esforzado cada vez más en nuestros directos. Somos muy agradecidos con lo que nos está pasando.

Todos los singles que habéis publicado de este álbum, los habéis presentado en formato videoclip. ¿Por qué apostar por ello?

Vivimos en una sociedad digital, en la que cada vez tenemos menos tiempo para pararnos y disfrutar las cosas. De alguna forma, mezclar la música con un impacto audiovisual, hace que capte un poco más la atención del público.

¿Cómo definiríais este «Entrar A Matar» en dos o tres palabras?

Somos furia nuclear.

¿Qué pesa más en Playa Cuberris: las melodías o las letras?

Suelo componer a la vez. Las canciones surgen un poco así. O a veces haces un poco, lo que se llama «Efecto Frankenstein»: coges una melodía de una canción anterior y lo mezclas con una letra que se te acaba de ocurrir. Y sale una especie de híbrido. Lo cierto, es que cada canción tiene su propio proceso de creación. Lo cierto es que ambas partes, tienen que crear una sinergia.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

Yo me he ido a trabajar a Ucrania, para poder pagar el primer disco de Playa Cuberris.

¿Cómo afrontáis el concierto de este viernes en Joy Eslava?, ¿creéis que será un antes y un después para Playa Cuberris?

En cierto de modo, la Joy Eslava es una materialización de lo que ha venido ocurriendo estos meses atrás. Y a la vez, es un punto de inflexión, porque es un salto importante. Es una plaza muy grande y una forma de reivindicar que estamos presentes. En el mundo del rock de Madrid, al menos.

Después de la Joy Eslava, ¿cuáles son los siguientes pasos de la banda?

Pues de momento, tocamos el 20 de abril en La Riviera, junto a Sidecars. Y también tocaremos en varios festivales este verano. Ya los iremos desvelando.

Esta es la playlist de Playa Cuberris

2 abril 2018