Categoría: Música

  • Las luces y sombras de «Hacia una muerte segura», álbum debut de El Increíble Paso

    Las luces y sombras de «Hacia una muerte segura», álbum debut de El Increíble Paso

    Hoy es el día. El día en el que «El Increíble Paso» presenta álbum en Madrid. Seguramente traten de llevarnos «Hacia una muerte segura». Pero tranquilos, porque no solo hay oscuridad en este disco: también hay luz. ¿La cita. Hoy día 20, a las 21.30 horas en la Sala Maravillas. ¿El mejor acompañante posible? Rubén Artabe.

    Hace unos días, entrevistamos a Vincent Adsuara, vocalista de «El Increíble Paso».

    ¿Cómo nace «Hacia una muerte segura»?

    Llevábamos mucho tiempo queriendo hacer un disco y, en cierto modo, era obligatorio para cerrar las canciones que teníamos. Las tocábamos y las grabábamos, pero era necesario hacerlo bien y hacerlo con alguien que supiera y que fuera profesional.

    ¿Cómo ha sido trabajar con Manuel Cabezalí y Dani Richter?

    Ha sido una gran experiencia. Nos han ayudado mucho, la verdad, a nivel vocal y en temas de inseguridades. Contar con esas opiniones profesionales, siempre es positivo.

    El título del disco conserva un halo de simbolismo. ¿Hasta qué punto es así?

    Para nosotros, «El Increíble Paso Hacia Una Muerte Segura» es la vida. Es lo que tenemos y hacia donde vamos. Habrá personas que queden para la posteridad por lo que hayan hecho en vida y otras, quizás no tanto. De cualquier manera, hay que saber afrontar y disfrutar mientras podamos.

    Este simbolismo, también parece trasladarse a algunos títulos de canciones, como por ejemplo, «Vuelan Cuervos».

    A nosotros nos gusta cuidar mucho todos los detalles. Y siguiendo un poco con la línea de la que hablábamos, el cuervo en sí, es un animal muy simbólico, muy de luto y bastante relacionado con la muerte y la oscuridad.

    De todos modos, a pesar de este simbolismo aparentemente negativo, nosotros también buscamos la parte buena y positiva de todo.

    ¿Puede decirse entonces que, este disco es una búsqueda constante entre el bien y el mal, entre la muerte y la vida?

    Sí, claro, tiene esa doble vertiente. Y las canciones así está reflejadas: por un lado, hay un sentimiento constante de lucha, pero por el otro, está el de asumir la realidad tal cual es. Siempre hay un final feliz y positivo para todo. O al menos así tratamos de transmitirlo en las canciones.

    Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en dos o tres palabras?

    Ilusión, ganas y esperanza. Son todo cosas positivas, porque es con lo que nos gustaría quedarnos. Que el disco también ha tenido mucho de trabajo y constancia.

    En el disco se observa mucha mezcla de géneros musicales. ¿Una manera de huir de las etiquetas y hacer lo que verdaderamente os gusta?

    En realidad sí. Aunque llegados a un punto, el tema de las etiquetas ya no nos importa. En mi caso, de hecho, si me hago llamar el «Hombre Esponja» es porque siento que lo absorbo todo. Ya todo está hecho, no hay nada nuevo por inventar, pero las maneras de transmitirlas, sí son nuevas. Entonces, sí que es cierto que en nuestros discos hay mucho folk, rock e indie. Pero nuestros conciertos son puramente rock, porque es lo que nos nace y es para lo que creamos las canciones.

    ¿Cómo afrontáis la presentación del disco en Madrid?

    Con emoción y con nervios también. Con nervios porque sabemos la gente que vendrá, pero es complicado empujar a la gente que no te conoce de nada. En complicado llegar y calar en personas a las que eres totalmente desconocido. Entonces esa incertidumbre y ese miedo siempre están.

    A pesar de estos temores por el directo, ¿cómo ha sido la acogida del disco?

    Ha sido muy buena, la verdad. Pero son tan distintas las canciones del disco al directo…Somos un grupo bastante cañero sobre el escenario. Además, en los directos siempre hay unas energías y sentimientos, que en los discos es complicado transmitir. Creemos que la gente en el concierto se lo va a pasar muy bien.

    Artabe será quien os abra el concierto. ¿Por qué colaborar con él?

    Rubén Artabe es un artista completamente diferente a lo que habitualmente se puede escuchar. Tiene unas melodías distintas y, quizás para mucha gente, extrañas. Tiene un estilo muy personal, bonito y con mucha fuerza.

    Después de este concierto en Madrid, ¿cuáles son los siguientes pasos de «El Increíble Paso»?

    Conciertos y más conciertos. Tenemos en febrero, Barcelona y Valencia. Luego, en marzo y abril, estaremos en Sitges y en Zaragoza. Más adelante, en mayo, tenemos otro concierto en Asturias.

    Para finalizar la entrevista, ¿qué escucha «El Increíble Paso» cuando está de gira?

    Recientemente, no hemos escuchamos nada. Estuvimos viajando un par de meses y tan solo hablábamos, la verdad. Pero habitualmente, escuchamos mucho a Soda Stereo, Pink Floyd, Radiohead…

  • Energía y sentimiento: la mejor carta de presentación de Tregua

    Energía y sentimiento: la mejor carta de presentación de Tregua

    Hace apenas un año, Tregua publicaba su tercer álbum de estudio. Un trabajo que ha tardado unos cuantos años en ver la luz, pero que llega con toda la energía y sentimiento del mundo. Los coruñeses van a por el centenar de conciertos con este disco homónimo, que pretende dar mucho que hablar.

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, «Tregua»?

    Cada disco comienza en el momento en el que terminas el anterior. A partir de ahí, tu cabeza empieza a funcionar y a darle vueltas a la forma de mejorar o superarte como compositor en un futuro nuevo trabajo. Esto es un proceso largo, porque uno no escribe cuando quiere.

    ¿Cómo fue trabajar con Fernando Montesinos a la producción?

    Fernando Montesinos ha sido uno de los grandes aciertos del disco, sin duda. Hemos conectado a la perfección y esto implica que todo el proceso de preproducción, grabación y producción sea muy fácil.

    Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en tan solo dos o tres palabras?

    Energía y sentimiento.

    Importancia de las letras para Tregua.

    Las letras siempre son importantes. Diría que lo más importante, son letra y melodía. Pero sobre todo transmitir, hacer sentir a quien te escucha.

    ¿Huir o no huir de las etiquetas?

    Yo diría que huir. Creo que son un arma de doble filo: por un lado necesarias para «orientar» al público en cuanto a estilo, pero peligrosas porque pueden hacer que la gente no te de la oportunidad de ser escuchado, simplemente por el hecho de que te comparen con una banda que no les guste. De las bandas, hay que escuchar sus trabajos, sus trayectorias y, a partir de ahí, sacar tus propias conclusiones.

    Frente al auge de la música comercial, indie y mainstream, ¿no veis arriesgado dedicarse al rock?

    Hoy en día, ¿qué no es arriesgado? Uno no se hace músico, uno es músico y tienes que componer aquello que te haga sentir, que te transmita. No intentar escribir en función de una moda o de algo que creas que vaya a funcionar.

    ¿Qué balance hacéis de vuestra carrera?

    Llevamos 9 años muy intensos, creo que hemos mejorado en muchísimos aspectos como banda, y es el tiempo mínimo para que un proyecto se asiente y empiece a funcionar.

    ¿Qué expectativas teníais con «Tregua» y cómo ha sido la acogida?

    Estamos encantados con el resultado del disco, era lo que buscábamos. Tenemos la sensación de haber superado nuestros anteriores trabajos, sin desmerecer por supuesto, pero con esa satisfacción de haber hecho las cosas bien.

    Lleváis ya un año girando con este nuevo disco, ¿cómo ha sido la acogida del álbum en los directos?

    Pues llevamos 42 conciertos desde que salió el disco y las sensaciones y las críticas son muy buenas. Contentos por todo ello y preparados para seguir.

    ¿Qué le pedís a 2018?

    Muchos conciertos y muchas oportunidades de ser escuchados por parte de nuevo público. Esto nos permitiría seguir creciendo como banda y como proyecto.

    Siempre nos gusta terminar con la misma pregunta: ¿qué música escucha Tregua cuando está de gira?

    Escuchamos muchísima música y diferentes estilos. Podemos pasar de Iron Maiden a B.B. King. Quien se suele encargar de pinchar es Adri y siempre nos sorprende con algún artista nuevo.

  • El Inverfest regresa y llena de música en Circo Price de Madrid

    El Inverfest regresa y llena de música en Circo Price de Madrid

    Cuarta edición y primer festival del año en Madrid. El Inverfest se está convirtiendo, con el paso del tiempo, en uno de los festivales de referencia de la ciudad. Y no es para menos, teniendo en cuenta el cartel de cada edición. En esta ocasión, pasarán por el escenario del Teatro Circo Price, talentos y personalidades de la talla de Iván Ferreiro, M-Clan, Zenit, Rosalía, Andrés Suárez, Depedro y muchísimos más.

    Y ya lo hicieron este pasado fin de semana, Carlos Núñez, que despedía su gira navideña. Continuó Bebe el día 13, presentando su nuevo disco «Cambio de piel». El punto y final del primer fin de semana del Inverfest, corrió a cargo de Arkano y Dtoke, con su particular Batalla de Gallos.

    La segunda semana también promete ser intensa, con la Stereoparty de Subterfuge Records. Sobre el escenario, Neuman, Viva Suecia y Cintia Lund, el jueves 18 de enero. Estas tres bandas son las «cabezas» de cartel de este mini-festival de Subterfuge. Y es que esta particular fiesta y el disco anual del sello, cumplen ya 25 años. Acompañando a estas tres grandes bandas, estarán Vega, Cycle y Verona.

    El show de Subterfuge, dará paso al del día siguiente, 19 de enero: momento en el que Los Chichos se despedirán de los escenarios, tras 45 años de carrera. Cerrarán el fin de semana, los murcianos M-Clan con «Delta Tour».

    Inverfest para todos

    En esta cuarta edición, el festival sigue apostando por la música dirigida a público de todas las edades. Con Inverfest New Rockers, el Inverfest abre sus puertas a las nuevas generaciones de apasionados por la música en directo.

    Si la semana pasada fue Petit Pop, ésta toca Alex O’Dogherty y La Bizarrería con su nuevo espectáculo, ¡Muévete! (12.00h). Y ese mismo día por la tarde, a las 19.30h, será el turno de Gemeliers con un concierto dentro de su gira Gracias Tour.

    El domingo 28 será Toom Pak quien, a las 12.00 h. nos presente su comedia visual con percusión en estado puro. Y a las 19.30 h. será el turno del coro infantil más famoso del mundo, Los Chicos del Coro, que cantarán las canciones de Disney de todos los tiempos.  El domingo 4 de febrero, el final de Inverfest New Rockers dejará el listón muy alto para la próxima edición con el concierto familiar con banda completa del consolidado y querido, Depedro.

    Crecimiento exponencial del Inverfest

    Inverfest nació en 2015 y en apenas cuatro años, ha experimentado un increíble crecimiento. Poco queda de aquella primera edición, en la que tan solo había tres conciertos programados: José Mercé, la Film Symphony Orchestra, y Alex O’Dogherty y La Bizarrería.

    Eso sí, permanece la esencia: ser uno de los ciclos de conciertos de invierno, con propuestas musicales diferentes. ¿El objetivo? Llegar a absolutamente todos los públicos.

     

  • El Tatkraft Festival inaugura edición, con unos invitados de lujo

    El Tatkraft Festival inaugura edición, con unos invitados de lujo

    Siguiendo la estela del Welcome Autumm, nace el Tatkraft Festival, que tendrá lugar el próximo 24 de febrero en la madrileña sala, El Perro de la Parte de Atrás del Coche. En su primera edición, este festival contará con la presencia de Cuevas, Whywhyka y AnteS, como cabeza de cartel.

    Whywhyka

    Primera edición de un nuevo festival que surge como altavoz para todo tipo de proyecto musical emergente. Desde la sombra, operan Musincronizados y Ballesterock, dos de los blogs de referencia dentro del panorama musical. Los organizadores, Raúl Ballesteros y Beatriz Sánchez aseguran que, aunque el Tatkraftt nace como festival, aspira a convertirse en uno de los circuitos musicales de la ciudad.

    El 24 de febrero, abrirán esta edición Cuevas, Whywhyka y Antes. Tres jóvenes bandas madrileñas que prometen darlo todo y poner toda la carne sobre el asador. ¿Quieres saber más sobre ellas?

    Cuevas

    La primera banda es Cuevas, que junta rock progresivo con un toque de psicodelia, para terminar de aderezar con un toque alternativo. Y es que, esta joven formación madrileña es sinónimo potencia y contundencia.

    La siguiente banda es Whywhyka. Ellos son juventud, actitud, frescura, cercanía. Madrid, Malasaña y sus estudios de producción fueron los culpables de que estos cuatro artistas se conociesen. La música les ha hecho inseparables. Andrés, Ángel, Javier y Martín, con apenas 21 de edad, están empezando a hacer mucho ruido en la nueva escena madrileña.

    Y por último, los cabezas de cartel. AnteS ha sido una de las bandas que han revolucionado la música emergente. El pasado 2017, el power trío madrileño, publicó su álbum debut: «Triángulos». Un trabajo que los llevó hasta el mismísimo Sonorama Ribera. AnteS seducen por sus melodías contundentes y por su virtuoso directo. Nunca dejan indiferente.

    ¿Quién se va a perder este festival con semejante cartelazo? ¡Corred antes de que las entradas vuelen!

    Las entradas ya están a la venta en Entradium, por solo 10€ (12€ en taquilla).

  • Marwan llega a Madrid con «Mis paisajes interiores»

    Marwan llega a Madrid con «Mis paisajes interiores»

    Marwan regresa. Y lo hace por todo lo alto. El pasado mes de septiembre, publicaba su nuevo trabajo «Mis paisajes interiores», un audio – libro que consta de 11 canciones, con sus respectivas reflexiones personales. Unas reflexiones, como no, transformadas en poemas.

    Un nuevo álbum que emociona y llega hasta lo más profundo de uno mismo. Ya lo demostró con el primer single, «Cómo hacer que vuelvas». Una canción que habla sobre la ruptura y sobre la desilusión en la pareja. Es un tema que, como el propio Marwan reconoció en una entrevista, «trata sobre cuando en una relación, hay uno que promete mucho y luego no acaba dando».

    A «Cómo hacer que vuelvas», le siguió el videoclip de «La vida cuesta». Según el propio artista, este es fue uno de los vídeos más emotivos. Un tema, cuyo hilo conductor es el abandono de un perro, transmite todo un relato sobre la soledad.

    Este es el primer trabajo que el cantautor publica junto a Sony Music. Y es que ha pasado mucho tiempo desde que publicó su primer trabajo, allá en 2008. Aquel «Trapecista» fue el inicio de todo. Una década después, Marwan se ha hecho a sí mismo, consechando el éxito que tiene hoy en día. Un reconocimiento que ha traspasado fronteras, llegando a Latinoamérica, y no solo con su música: también con sus poemarios.

    Fronteras que traspasará de nuevo con este disco. El próximo 9 de febrero, cruza el charco, para actuar en Ciudad de México. Sin embargo, antes tiene una cita con su público madrileño. Y es que el 12 de enero, Marwan estará en el Wizink Center (antiguo Palacio de los Deportes de Madrid), presentando «Mis paisajes interiores».

    Un concierto que recomendamos que no os perdáis. El próximo viernes, a partir de las 21.30 horas.

  • Noche mágica con Kuve y Villanueva

    Noche mágica con Kuve y Villanueva

    [vc_row][vc_column][vc_video link=»https://youtu.be/R1UG8R3q0S8″][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]14 de diciembre en la fría, y un tanto lluviosa, Madrid. El de Kuve y Villanueva era uno de los últimos conciertos a los que acudiríamos en la capital – antes de las frenéticas Navidades y antes de que finalizara el año -.

    A contrarreloj y con el deseo de que no se nos hiciera tarde, llegamos a la Sala Copérnico puntuales, a las 20.30h. Este ciclo musical, organizado por Budweiser prometía caldear la noche, transformándola en mágica. Tras las fotos y las cervezas de rigor, llegaba el momento de que los artistas salieran al escenario. Villanueva tenía la responsabilidad de romper el hielo. Pero no apareció solo, porque Maryan Frutos (voz de Kuve), lo acompañó en su primera canción.

    El gallego llegaba a la capital, para presentar su nuevo álbum «ZOO para DOS». Y lo hizo por todo lo alto, al conseguir poner en pie a todo el público. Hubo tiempo para prácticamente todo. Y es que, tras acabar «Un picnic sobre suelo mojado», sacamos la artillería pesada con «Bombas Nucleares». Por fortuna, «Ella» llegó justo a tiempo para salvaros. Sí, justo en el preciso momento, en el que la situación estaba «Ahogándonos».

    Momento de calma cuando Josete Villanueva bajó del escenario, solo, desenchufado. La única compañía de su guitarra y su voz. Los primeros acordes de «Camaleón» sonaron. Y es que, de la misma manera que este animal se camufla y se adapta al paisaje, el vigués readapta y ajusta su música a las circunstancias, haciendo que el público disfrute de todos y cada uno de sus temas.

    «El día del equilibrista» llegó y los de Villanueva se marcharon. Era momento de dejar paso a Kuve. La banda liderada por Maryan Frutos entraron con la intención de hacer de aquello «La Conquista». Y vaya si conquistaron. Pero no sin antes llevar a cabo «El Pacto».

    Aunque no todo sería un camino de rosas. Justo cuando estábamos «En la cumbre», varios «Escuadrones ludópatas» aparecieron. Aquello parecía una verdadera «Comedia Satírica». Afortunadamente, todo llegó a la calma, con la aparición estelar de la «Soberana». Momento perfecto para practicar una «Regresión» al pasado.

    Pero sin duda, el momento más especial y emotivo, llegó con «Cometas, playa desiertas», tema que Kuve ha publicado recientemente con Gabriel de la Rosa (vocalista de Shinova). En esta ocasión, fue Sean Frutos (cantante de Second), quien acompañó a la banda sobre el escenario. Las miradas cómplices entre ambos hermanos, traspasaron cualquier tipo de fronteras, llegándonos a todos aquellos que estábamos entre el público. Y así, da gusto.

    Entre tanta emoción, no éramos conscientes de que el concierto estaba llegando a su fin.

    «La hermandad de las diosas griegas» apareció, con su particular «Choque» de trenes. Aunque la canción que puso punto y final a esta gran fiesta de la música fue «3.0», la mejor versión hasta el momento de Kuve.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»flexslider_slide» interval=»3″ images=»6702,6703,6704,6705″ img_size=»large» onclick=»»][vc_text_separator title=»Andreína Bongiorno (andrybong)» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

  • Calor y pogos en el final de gira de Sexy Zebras

    Calor y pogos en el final de gira de Sexy Zebras

    [vc_row][vc_column][vc_video link=»https://youtu.be/gp6r5CaOLNQ»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Era miércoles festivo en Madrid. El Teatro Barceló prometía ponerse a los pies de la banda madrileña, Sexy Zebras. Un frío en las calles, que pronto chocaría con el calor que harían sentir ese 6 de diciembre. Una fecha con la que, los de Madrid, cerraban la gira de este año en la capital.

    No era nada fácil, teniendo en cuenta esas complicadas fechas. Pero con tanto derroche de energía, era complicado resistirse. Y es que para una noche eléctrica, lo mejor eran ellos, Sexy Zebras. Eso sí, acompañados por otra banda que, dentro de la escena emergente, también apunta maneras: Yoghourt Daze. Ellos sí que tenían una tarea complicada: la de hacer entrar en calor al público. Un público que pareció responder de manera bastante positiva.

    Superada la prueba, era el momento de las «zebras». Apenas pasaban unos 10 minutos de la hora establecida. Y al grito de «Yeah», el power – trío saltó al escenario cantándole a «Mami». Todos los «Visitantes» de la sala, pusieron de nuevo en marcha la «Máquina». Un hecho que nos convirtió a todos en auténticos «Salvajes», entre tanto baile y tanto pogo.

    De repente, apareció «La flaca», para dar un poco de «Rock da party». Aunque no fue por rock y por fiesta. De hecho, los «Caníbales» no dudaron ni un momento en revolucionar a la sala, saltando del escenario, esperando a que el público los aupara.

    El concierto fue una verdadera locura («Crazy»). Ningún «Machote», ni «El semental» de turno pudieron romper con la energía que allí se estaba creando. Ni siquiera pudo con nosotros aquel que, como un «Búfalo», quisiera hacer mierda («Bereshit») ese momento. Más bien todo lo contrario: el buen rollo era tal, que todos cantamos al unísono, aquello de «Quiero follar contigo». Y es que, tanta música, tantos pogos y tanto «Sexo y marihuana», evidenciaban solo una cosa: que ese concierto era «La polla».

    Con esa canción parecía que el concierto terminada. No podía haber un final más apoteósico para el final de gira de 2017. O sí. Parecía que se habían marchado, pero la gente no dejaba de pedir más. Ni siquiera «Canción de mierda» calmó al público cuando Sexy Zebras reaparecieron en el escenario de la sala madrileña. Para ello, tuvo que aparecer «El fugitivo», quien nos despidió a la llamada de «Hijos de puta».

    Dos horas de rock en estado puro que contentó hasta a los más nostálgicos, con «Backstreet Boys». Ése fue el verdadero final del concierto y no cuando el power – trío se marchó del escenario. Finales apoteósicos para conciertos apoteósicos.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»flexslider_slide» interval=»3″ images=»6645,6646,6650,6647,6648,6649″ img_size=»large» onclick=»»][vc_text_separator title=»Andreína Bongiorno (andrybong)» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

  • Kuve: «3.0 es como una especie de viaje»

    La Plaza de los Cubos, Madrid. Año 2009. Ese fue el inicio de lo que hoy es Kuve. Ocho años después, con Maryan Frutos al frente, Kuve regresa con la versión de sí misma más actualizada, «3.0». Puede presumir de haberse recorrido todo el territorio nacional, entre festivales y conciertos en salas. Esta noche cierra en Madrid, en la Sala Copérnico, junto a Villanueva. Eso sí. Promete que 2018 también será un año cargado de sorpresas.

    ¿Por qué «3.0»?, ¿por qué esa versión de Kuve?

    Desde que empezó Kuve, esta etapa es nueva: hay nuevo equipo, nueva producción, nuevos elementos. Es un Kuve en el que estoy yo sola al frente. De ahí, ese 3.0.

    ¿Cómo fue ese proceso de creación del nuevo álbum?

    Empecé en 2014, cuando se fue Carlos [Otero]. Empezó de cero todo, con nuevas incorporaciones como la de Pepe Curioni, que es el bajista. Él hizo equipo conmigo, hicimos tándem y entre los dos, comenzamos con la composición y maquetación de los temas. Después ya contamos con Ramiro Nieto y Martí Perarnau, que fueron los que le dieron el toque de la producción.

    ¿Y por qué ese giro musical?, ¿por romper con la etapa anterior?

    Sí, claro. Al ser todo nuevo, había que refrescar e introducir nuevos elementos. Este disco es más guitarrero, tiene canciones más potentes, más rock, guitarras más poderosas. Yo digo que es como una especie de viaje: el disco empieza con mucho power, con «La conquista», pero después también hay también baladas como «Cometas, playas desiertas» o «Soberana». Es otra cara de Kuve.

    ¿Cómo ha evolucionado Kuve y Maryan, a la par?

    Desde que empezó todo, desde que sacamos «3.0» el año pasado mediante crowdfunding, la respuesta de la gente fue increíble. Y a partir de ahí, hemos ido pasito a pasito con los festivales y con la gira.

    Los directos al final son una parte importante del directo, porque es cuando expones tu música ante el público. ¿Cómo prepara Kuve los directos?

    En el caso de esta gira, hicimos una pre-producción antes del lanzamiento del disco. Tras salir del estudio, empezamos a preparar el directo. Al final, es ensayar, ensayar y ensayar. Y aprender de errores también.

    Definición de «3.0» en dos o tres palabras.

    Etapas, proyectos y superación.

    ¿Y a quién quieres más, a mamá o a papá?, ¿con qué canción te quedarías de este álbum?

    No podría quedarme solo con una [risas]. Aunque, si tuviera que elegir una, «3.0», más que nada por la respuesta de la gente. Pero no puedo elegir entre mis hijos [risas].

    ¿Dónde o a quién recurrir cuando la inspiración falla?

    En realidad, siempre me gusta ir alerta. Todo el que compone, necesita inspiración. Ésta se puede encontrar en anécdotas personales o en anécdotas que les sucedan a las personas que están a tu alrededor. A nivel personal, acabo recurriendo a personas de mi entorno y a cosas que me llaman la atención. A veces, incluso yendo en el metro se te pueden ocurrir cosas y las tienes que ir anotando donde pilles: móvil o una libretita.

    ¿Etiquetar o no etiquetar la música?

    No. No me gusta etiquetar, porque en realidad, creo que todo es más general. Al final es música. Te gusta o no te gusta.

    A día de hoy, con lo fácil que puede ser hacer música – y consumirla -, y con lo poco profesionalizada que puede estar, ¿no es arriesgado dedicarse a ello?

    Más que arriesgado, yo creo que es de valientes. Igual que el emprendedor que decide montar una empresa. Mucha gente puede decir: «¡qué haces, estás loco!». Pero al final, cuando algo te gusta, lo ves claro. Yo desde bien chiquitita, lo sabía. Me saqué la carrera de Magisterio de Educación Primaria, pero tras terminarla, quise empezar con mi proyecto. Y quizás sí, mucha gente no se lo tome en serio, pero no hay que hacer mucho caso, porque la gente que piensa así, no entiende esta pasión por el trabajo.

    Volviendo un poco a Kuve, ¿Cómo afrontais el concierto de esta noche?

    Con muchas ganas de tocar ya. Porque desde la presentación del disco en la Sala El Sol, no hemos vuelto a pisar la ciudad con banda. Y después de este verano, que hemos tenido mucha tralla, nos apetece volver a presentarlo aquí, para cerrar un poco la gira. Además, lo vamos a compartir con Villanueva, que es banda hermana, y nos apetece mucho.

    ¿Y después, qué planes tiene Kuve?

    El sábado tenemos el último concierto en Valencia y ya terminamos el año. Ya estamos tratando de cerrar las primeras fechas de la gira del año que viene. También tenemos idea de meternos a estudio para grabar. En definitiva, seguir, seguir y seguir.

    Para cerrar un poco la entrevista, ¿qué canciones suenan en la «furgo» cuando Kuve está de gira?

    Suena mucho «Bombas nucleares» de Villanueva, «Río Wolf» o «Nebulosa Jade» de Rufus T Firefly, «Bien por ti» de Viva Suecia…Todo muy nacional, nos gusta mucho escuchar a compañeros [risas].


  • Le Voyeur: "Episodio aparentemente letal surge desde un proceso de cambio creativo"

    Justo en el ecuadro de la gira, Le Voyeur regresa mañana a la Sala El Sol, con su álbum «Episodio Aparentemente Letal». Un tour que, lejos de parar, llevará a la banda fuera de España. Londres y Bristol se alzan como las dos principales ciudades extranjeras. ¡Así que, muy atentos por si pasan por vuestra zona!

    He leído que “Le Voyeur es la transformación de un proyecto previo en una piel contemporánea”. ¿Creéis que lo ha sido?, ¿de qué manera?

    Le Voyeur viene de Le Voyeur Méndez, un proyecto que nace en 2009 cuando llamo a Nacho Mastretta para ir a grabar unas canciones mías a Liverpool. Más concretamente, en LIPA, la escuela-estudio de grabación de Paul McCartney. Desde ese momento hasta hoy hemos mudado de piel unas cuantas veces. Desde un punto de vista estilístico, que ahora se encuadra en un forma de Art Rock, hasta el concepto que venía del cabaret se ha ido transformando hacia un tipo de vanguardia más experimental, pero siempre desde el rock.

    ¿Cómo surge “Episodio Aparentemente Letal”?

    Surge desde un proceso de cambio creativo, cuando estaba componiendo canciones nuevas, apareció el elemento trágico. Fin de año de 2015, punto de inflexión. El mayor susto de mi vida. «Episodio Aparentemente Letal» tiene que ver con el efecto reflejo de una luz que desaparece y vuelve a encenderse a lo lejos.

    Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el álbum en 2-3 palabras?

    Viaje-Oscuridad-Luz

    He leído lo siguiente: «Episodio Aparentemente Letal también es el diagnóstico clínico pediátrico de una muerte súbita no consumada”. ¿Por qué?

    Porque como te decía es un lugar donde volver empezar. Para mí, «Episodio Aparentemente Letal» ha sido una resurreción tanto vital como creativa.

    Este disco lleva en la calle varios meses, ¿cómo ha sido la acogida?, ¿qué valoraciones sobre él os han llegado?

    La verdad es que estamos muy contentos con el feedback que está teniendo «Episodio Aparentemente Letal». Es nuestro primer LP como Le Voyeur y está funcionando mucho mejor de lo que podríamos imaginarnos. Es un disco que tiene 6 meses de vida y no para de darnos alegrías. Por un lado, en este corto tiempo que llevamos en la carretera habremos hecho unos 30 o 40 conciertos, entre los que se encuentran festivales como Monkey Week, Festimad, Festival Somos Estrellas, etc..Y ahora tenemos por delante de momento, otros de 30 conciertos, entre ellos una gira por UK y otra por Portugal. Además de varios festivales confirmados, que anunciaremos en breve.

    Por otro lado, la crítica especializada nos ha puesto por las nubes, desde Rockdelux a Radio 3 pasando por Mondosonoro. Es la recompensa a un disco hecho con una inmensa dedicación.

    ¿Cómo ha cambiado el escenario musical desde que empezasteis hasta ahora?

    Pues mucho. Ahora mismo estamos en la época del consumo urgente. En la velocidad de los jardines. En la democratización de la información, que a través de las redes sociales sirven de confesionario y, a la vez, de altavoz distorsionado de la moral del día a día. Hoy hay más censura que nunca, aunque sea invisible. Y todo esto afecta directamente al arte y, más concretamente, a la música.

    ¿Qué valoración hacéis de vuestra carrera?

    Hoy en día la mayoría de las carreras artísticas profesionales se van cocinando a fuego lento. Viendo resultados a medio-largo plazo. Siempre me hacen sospechar más que bastante los artistas que con un disco o dos tocan el Olimpo de los Dioses.

    ¿No creéis que es arriesgado hacer punk / rock en España?

    No lo creo, desde mi punto de vista creo que hacer punk, rock, swing o electrónica es lo mismo, al final son géneros artísticos. Lo importante son las canciones  que hay detrás de los estilos y su transcendencia. Claro que hay modas, pero las modas son pasajeras. Como ir a rezarle a la Virgen del Trap todos los domingos.

    Siguientes pasos de Le Voyeur. ¿Cómo afrontáis las fechas fuera de España?

    Con muchas ganas y la ilusión que te permite viajar por el mundo enseñando tus canciones. Ahora tenemos dos festivales en Inglaterra: Festival Garageland en Londres (8.Dic) y Old England Fest (9.Dic) en Bristol. Después en febrero tenemos gira por Portugal y, más adelante, volveremos a Alemania y Holanda.

    ¿Qué supone para vosotros actuar en la Sala El Sol, el próximo 5 de diciembre?, ¿cómo es volver y tocar allí?

    La Sala el Sol es nuestro templo sagrado. Allí presentamos el disco en Mayo, y se convirtió en una liturgia de rock que nadie debería de perderse. Una catarsis mística y distópica desde el Rock&Rolll. El próximo Martes 5 de Diciembre volvemos a nuestro templo sagrado con muchas sorpresas. No podéis faltar.

    Para cerrar la entrevista: ¿qué música suena, cuando Le Voyeur está de gira?

    Nick Cave & The Bad Seeds, Fat White Family, Serge Gainsbourg, Tom Waits, Django Reindhart, Swans, Leonard Cohen, Scott Walker, Tindersticks, Pulp, Richard Hawley, etc…Depende del día y del lugar a donde vayamos a tocar. Incluso la lluvia influye.


  • Edu Quindós: «Even nace de mi incontinencia creativa»

    Edu Quindós regresa con nuevo trabajo, «Even». Con una energía e inspiración desbordantes, el barcelonés vuelve por todo lo alto, siguiendo la misma línea de sus discos anteriores. La vida cotidiana, las relaciones interpersonales, el amor y el desamor vuelven a convertirse en el hilo conductor de este cuarto trabajo. Solo queda volverlo a ver girar con «Even» por territorio nacional, igual que hizo con «Still Believe».

    ¿Cómo nace este cuarto álbum?

    De mi incontinencia creativa. Lo cierto es que de los 15 temas, 13 de ellos creo recordar nacieron entre marzo y abril de este 2017. Así que, a diferencia de los primeros discos, en «Even» las canciones han llegado mucho más rápido, lo cual me hace muy feliz, y más escuchando el resultado.

    ¿Por qué «Even»?

    Es uno de los temas del disco. No diré mi preferido, porque si no el resto de canciones se ponen celosonas, pero sí que es verdad que cuando me llegó la idea, ya tenía claro que iba a ser una canción muy grande e intensa. Even es la primera palabra de la canción y surgió ya directamente cuando empecé a cantar la melodía, aún sin letra, como de costumbre. Me gusta que mis discos tengan un título que evoque algo y, sí, ese incluso tiene varios significados. Aquí lo dejo para la imaginación de los que lo oigan.

    ¿Cómo definirías el disco en dos o tres palabras?

    Sencillo, bello e intenso.

    ¿De qué manera has evolucionado desde los trabajos anteriores hasta el actual?

    Creo que «Even» es una prolongación de los temas más tranquilos de «Still Believe». Desde que, por temas económicos, decidí hacer discos con menos producción (o menos instrumentos principales), mis temas respiran sosiego y a la vez, me permiten jugar cada vez más con mi voz. Son temas sencillos, algunos solo tienen dos acordes, pero con los músicos les sacamos mil matices que creo que los hacen realmente enormes. Yo los disfruto mucho, tanto cuando los creé y grabé como ahora cuando los escucho.

    Hace apenas un año publicaste «Still Believe» y ahora, «Even». ¿Cómo gestionar y encauzar tanta creatividad?

    Bueno, «Still Believe» vio la luz a mediados de 2016, pero yo lo había acabado de grabar, mezclar y masterizar sobre octubre de 2015, así que para mí, hace mucho más tiempo que no componía. De todos modos, las canciones me vienen, o al menos las ideas que luego pueden convertirse en ellas. La clave está en no «gestionar», si no en dejar fluir, que vengan y cuantas más mejor. En octubre de este año grabé las primeras ideas de aproximadamente 20 nuevas posibles canciones. Son todo ideas, acordes rascados con una melodía sin letra. Si tuviera pasta o si supiera que mis discos se pudieran autofinanciar con las ventas, posiblemente estaría grabando un disco cada seis meses. No digo que todas las canciones fueran buenas para los oyentes, pero sin duda lo serían para mí, si no, no las grabo.

    ¿Y qué hacer si en algún momento esta creatividad o inspiración te fallan?

    Espero no tener que decírtelo nunca, de momento, no fallan [risas].

    ¿Por qué hablar en las canciones de lo cotidiano, del amor y el desamor, de la amistad o del pasado?

    Porque así siento mi vida, cotidiana, con amor y desamor, con amistad y pasado. Es cierto que «Your Side» de «Even» tiene otra temática, que es la de vivir sin meternos en las vidas de los demás. O por ejemplo, «Fairy of Dreams» habla de un hada de los sueños y de su mágico baile. O «Still Believe» que sí era un poco más reivindicativa. Al final, son temas que me son cercanos, no soy un revolucionario ni un filósofo, soy simplemente, un músico al que le gusta hacer música.

    Sobre «Even» dices lo siguiente: «Es un disco para escuchar con atención, en soledad, para disfrutarlo durante los casi 60 minutos que dura». ¿Por qué?

    En el estudio, La Bucbonera Studio, Tomàs Robisco (ingeniero de sonido y responsable del sonido de mis discos), Luis Robisco (guitarrista y co-arreglista) y yo, dedicamos muchas horas a buscar los sonidos más adecuados, cambiando 3 o 4 veces de guitarra y de ampli para conseguir el sonido, mimando los coros o los arreglos de la flauta, el violín, el cello, la percusión. Es por eso que hay que escuchar mis canciones con calma, sin prisa, sin ruido, disfrutando de los matices. Ya habrá tiempo de escucharlo mal, en los altavoces del ordenador o en lugares con ruido, pero al menos una vez intenta disfrutarlo.

    ¿Cómo fue repetir experiencia en Bucbonera Studios?

    Estupenda, como siempre y con ganas de más. Disfruto como un enano pasando mis vacaciones allí (grabo mis discos en mis periodos vacacionales). Me encantaría pasar más tiempo, dar más vueltas a todo, pero no puede ser. Lo que conseguimos allí, bueno, escuchad cómo suenan mis discos y que cada uno juzgue si vale la pena o no. Yo estoy convencido de que sí. Por eso repito y seguiré repitiendo.

    ¿Cómo fue la presentación del disco en tu tierra, Barcelona?

    Hice una mini-presentación en un teatro, en el Centre Moral i Instructiu de Gràcia, que me vio nacer como músico. Allí empecé a ensayar con 17 o 18 años, junto a mi amigo José Antonio Torralba. El concierto lo hice acompañado por Luis Robisco y subieron Laura Soler a cantar «New Bright World» (ella también la canta en mi disco «Still Believe»), y Torri (JA Torralba) subió también a tocar «Gave Me a Reason». Disfruté, como siempre, durante las casi dos horas. Es muy complicado, ahora mismo, hacer un repertorio corto con 59 temas editados más alguna versión que me gusta hacer. Siempre que pueda y me lo permitan, cantaré un buen rato.

    ¿Cómo surge la idea de proyectar la grabación en una pantalla de cine?

    Tiene que ver con lo que comentaba de poder disfrutar, al menos una vez, del disco en condiciones. Voy mucho al cine, una o dos veces a la semana mínimo, y había grabado con un par de cámaras casi todo el proceso de grabación de todos los músicos (unas 44 horas). Así que se me ocurrió que una buena manera de ver y escuchar el disco sería un cine. Monté un vídeo entero donde se podía ver a cada músico tocar en las canciones correspondientes y con el sonido del propio álbum pudimos vivir una experiencia única. Una idea que repetiré y que creo que más músicos deberían probar. La sensación de estar a oscuras, sin móvil, sin ruido, solo pendiente de la pantalla y el audio es una pasada. El pase fue en los Cinemas Texas de Barcelona.

    Siguientes pasos de Edu Quindós.

    Pues ya estoy componiendo para los próximos discos, pero debería intentar ir haciendo pequeños conciertos para seguir dándome a conocer más. Me gustaría pasarme por Madrid a presentar «Even», pero tengo que ver si es viable.

    Para finalizar la entrevista: ¿qué suena en el coche de Edu cuando está de gira?

    Si es la radio, escucho Rock FM y M80. Llevo un tiempo con el CD del coche estropeado (es un coche viejete), pero si la música la elijo yo están siempre QUEEN y AC/DC, aparte de muchos otros, principalmente de los 70 y 80. Y, por supuesto, mis discos, me gusta escucharlo a menudo. Sí, sé que suena un pelín egocéntrico, pero vaya, si no me gustara escuchar mis canciones, qué sentido tendría hacerlas.


    https://www.youtube.com/watch?v=MXU5uQVzqNg

  • Mezcalina Jones: «The Mential nace en el hospital Sound&Track. Queríamos un segundo hijo del que estar orgullosos»

    Mezcalina Jones: «The Mential nace en el hospital Sound&Track. Queríamos un segundo hijo del que estar orgullosos»

    Es uno de los grupos más prometedores del panorama emergente. Son puramente eléctricos, pero no le tienen ningún miedo al acústico. Y es que siempre hay lugar para el rock, ese rock que rompe cuerdas de guitarra y que llega, independientemente del formato. Son Mezcalina Jones. Y si el pasado 20 de octubre, los disfrutábamos en las Basik Sessions de Rock Alive, el próximo 15 de noviembre estarán en la Moby Dick. Siempre dispuestos, para presentar su álbum, «The Mential».

    ¿Cómo se conocen Matuja y Mind Control, y cómo crean Mezcalina Jones?

    Mezcalina Jones es una historia de amor.  Nos conocimos a raíz de compartir local de ensayo, el mismo local donde hoy ensayamos a día de hoy. A Mind Control le gustaba la música de Matuja y a Matuja le gustaba la música de Mind Control. Así que decidimos empezar a quedar para tocar de un modo informal para poner en común lo mejor de cada proyecto. Un poco de unos, un poco de otros y el cariño que teníamos todos hacia Mars Volta dieron lugar a un proyecto ambicioso y consolidado: Mezcalina Jones

    Lleváis un año como grupo, pero venís de otras formaciones. Ventajas e inconvenientes que encontrasteis cuando empezasteis de cero con Mezcalina.

    La principal ventaja es saber de antemano cuáles son los pasos a seguir para hacer que todo funcione lo mejor posible. Saber qué hiciste bien para seguir en esa línea y saber qué hiciste mal para corregir los fallos. Lo más complicado es, creemos, una vez tienes el proyecto encaminado y tu música tiene una identidad propia (algo que creemos que hemos definido con este segundo trabajo) es «asomar la cabeza», no quedar atascado en la etiqueta de grupo local del underground madrileño. Estamos trabajando en ello.

    ¿Qué balance hacéis de vuestra trayectoria como Mezcalina Jones?

    Empezamos con mucha fuerza y muchas ganas y tuvimos unos primeros meses buenísimos, todo estaba funcionando como lo habíamos pensado. Por desgracia, en ese punto nos dejó Bob, nuestro primer bajista, y nos vimos obligados a bajar el ritmo hasta que conseguimos dar con la persona adecuada. Mezcalina fue un trío durante cuatro largos meses hasta que conocimos a Andrés, que trabajó como nadie para ponerse al día con los temas y ser uno más en un tiempo récord. Hemos vuelto a retomar la dirección del proyecto.

    ¿No es una apuesta arriesgada hacer rock duro / progresivo en España, teniendo en cuenta la cantidad de música comercial que se consume?

    Sí, lo es. Hacemos una música muy loca, aparentemente sin estructura a veces y con unos cambios de dinámica que descolocan al oyente medio, es cierto. Somos conscientes de lo arriesgado que es apostar por un proyecto así. Pero cada vez que vemos que un grupo que nos gusta ha cambiado su forma de componer para adaptarse al mercado pensamos: «qué pena, con lo que molaba este grupo antes»; nos reafirmamos. El verdadero reto es conseguir triunfar con lo que de verdad amas. Y nos encantan los retos.

    ¿Qué pensáis de la música indie, que tanto éxito está teniendo en la actualidad?

    Nos encanta. Nosotros hacemos Hard – Indie – Progresivo Experimental.

    Si falla la inspiración, ¿dónde acudir?

    Si tuviera que escoger una de las cosas que me devuelven la inspiración diría, viajar. ¿A dónde? A algún sitio que no conozcan a ser posible. Algunas de las canciones de «The Mential» se compusieron en Taiwan.

    ¿Qué música suena en vuestro coche cuando viajáis?

    Hinds, Julio Iglesias, Taburete. Nos gusta estar al día de las novedades del indie español.

    Aprovechando su visita reciente a Madrid, ¿qué canción de Royal Blood definiría mejor a Mezcalina Jones?

    «Out of the black». De siempre.

    ¿Cómo nace este último trabajo, «The Mential»?

    Por cesárea, en el hospital Sound & Track de Madrid, traído al mundo por Guillermo Montañez. Queríamos un segundo hijo del que estar verdaderamente orgullosos, que fuera más directo, más representativo de lo que es un concierto de Mezcalina Jones y que tuviera un sonido acojonante. Creemos haberlo educado adecuadamente.

    Definición del EP en 2 o 3 palabras.

    HOLY SHIT BOOOOOOM

    ¿Con qué canción del disco os quedaríais?

    «Tlalcoyote» es nuestro single y es la más directa de todas. Pero si tuviéramos que elegir una de la que no desprendernos nunca creo que sería «Tectonic Tongue».

    He leído por vuestras redes, que «The Mential» ha supuesto un exilio espiritual. ¿Por qué y hasta qué punto lo ha sido?

    Estamos muy contentos con cómo se ha desarrollado el proceso de grabación y el resultado que hemos conseguido. Lo que comentábamos anteriormente. Es algo de lo que estamos verdaderamente orgullosos y que nos parece realmente representativo.

    ¿Cómo fue participar en las Basik Sessions de Rock Alive?

    Estuvo de puta madre, hay que reconocerlo. Nos trataron genial y el público respondió como nunca. Fue una experiencia brutal tocar en un entorno tan inusual para más de 100 personas en formato acústico por primera vez.

    ¿De qué manera prepara un show acústico, una banda eléctrica como Mezcalina?

    Con paciencia y saliva… Procuramos suavizar los temas sin que perdieran su esencia… pero luego fue inevitable perder las formas… Le dimos mucha caña, sabemos que no fue un concierto acústico al uso pero como decíamos, la gente respondió genial, nos sentimos verdaderamente arropados.

    En las Basik, momento tensión tras romper la cuerda de la guitarra. ¿Recordáis algún momento similar o alguna situación en la que pensarais: tierra trágame?

    Romper cuerdas forma parte de nuestra rutina el problema es que esta vez no había guitarra de repuesto…  Baquetas que vuelan, pedales que dejan de sonar, pies de micro que vuelan hacia el público… En nuestros conciertos pasan cosas pero las afrontamos con naturalidad [risas].

    ¿Cómo afrontáis el concierto de Moby Dick?

    Tenemos unas ganas tremendas de enseñar a la gente cómo suena “The Mential” en directo… estamos deseando que llegue el día, trabajando en cosas nuevas para el show y dar un «twist» a algunas cosas.

    ¿Qué supone para vosotros compartir escenario con The Whammy Paradox?

    Son compañeros y amigos desde hace muchos años, es un gusto compartir escenario en una fecha tan especial con alguien de confianza.

    Siguientes pasos de Mezcalina Jones.

    Para saberlos tendréis que seguirnos en nuestras redes sociales o no quitar ojo, ¡pronto los revelaremos!


  • Sienna: «Trágico y Fugaz es crítica, sexo y relaciones»

    Es joven, aunque a sus espaldas lleva ya un trabajo publicado. Con apenas 25 años, Sienna llega a Madrid, con la clara intención de hacernos sentir muy adentro su «Trágico y fugaz». Esta noche a las 21.00 horas, en Costello Club, el valenciano presentará este nuevo disco.

    ¿Cómo nace «Trágico y fugaz»?

    «Trágico y fugaz» nace de un EP anterior, que se llama «Épico y Mortal». Este EP surgió durante la etapa en la que vivía en Madrid. Pero en este trabajo no había ninguna canción que se llamara «Épico y Mortal», pues para mí no había llegado todavía el tema más épico. Sin embargo, cuando lo compuse, estaba tan alejado de ese EP anterior, que para mí ya formaba parte de una nueva aventura, llamada «Trágico y Fugaz». Fue entonces cuando empecé a sacar más canciones del cajón y empecé a vivir ese proceso de introspección que supone la creación de un nuevo trabajo.

    ¿Cómo vivir ese proceso de introspección del que hablas y dónde acudir cuando la inspiración falla, a la hora de componer?

    Creo que lo más importante a la hora de componer, es encontrarte a ti mismo. A mí me costó mucho. A ver, tengo 25 años y todavía no sé quién soy, ni hacia dónde voy. Pero sí que es verdad que tiempo atrás, todavía sabía menos lo que quería y cómo lo quería. Así que en ese proceso de introspección, hay que buscarse mucho dentro, conocerse y aprovechar el error, sobre todo. A partir de este momento, todo fue más fluido.

    Una vez viviendo en Madrid, llamé a mi familia porque me sentía perdido. Pero al final, me di cuenta de que si entre dos opciones, eliges la más fácil, nunca vas a hacer lo que quieres. Por eso volví con más fuerza que nunca y con las cosas más claras: quería seguir con el proyecto y quería crear una imagen fuerte como Sienna.

    ¿Dónde está, entonces, la frontera entre Sienna y Álex?

    Yo creo que no la hay. Sin música, yo no sería como soy, ni tendría el carácter que tengo. Pero sí que es cierto que para este proyecto, quise eliminar el Álex y ser Sienna. Quería que el público viera que la obra tiene un principio y un fin, sin que visualizaran al cantautor que está detrás. En definitiva, que no vieran si detrás hay banda o no. Que simplemente entendieran la música como una obra en sí misma.

    Definición de «Trágico y Fugaz» en dos o tres palabras.

    Crítica, sexo y relaciones.

    ¿Etiquetar o no la música?

    No, no soy partidario de hacerlo. Es el típico tópico. Pero es lo que hemos hecho con este disco, quitar el Álex para que la gente no etiquete, sino para que vea la obra en sí misma. Evidentemente, a veces las etiquetas son necesarias y el ser humano tiende a clasificar absolutamente todo.

    Aun así, han «clasificado» tu música como indie-pop. ¿Qué piensas de la escena indie actual?

    Creo que se ha extrapolado mucho. ¿Qué es indie y qué no lo es? Al final, o te mola o no te mola: ya sea pop, heavy, rock o lo que sea. Y la música que está hecha con calidad, mola.

    También han dicho que este disco desprende «sensibilidad, poesía y talento». ¿Qué piensas de esta afirmación?

    Hablar de uno mismo cuesta mucho. Sensibilidad sí que hay, porque ese es el resultado de hacer las cosas sintiéndolas. En cuanto a la poesía, no sé qué entenderán por eso, pero este disco se ha hecho sin pretensiones.

    ¿Cómo fue la experiencia de compartir uno de los temas con Gabriel de la Rosa, de Shinova?

    Fue genial, aunque no llegamos a coincidir en la grabación. El tema se grabó inicialmente con mi voz, sin colaboración. Pero después, a través de la discográfica, se dio la oportunidad de hacerlo con Gabriel de Shinova. Él ya conocía mis temas, los seguía por Spotify. Por supuesto, dije que sí sin pensármelo, porque creo que tiene una voz muy particular y con mucha personalidad.

    Tras los primeros contactos con él, le pasamos la armonía y los detalles de cómo queríamos la canción, y lo pilló enseguida. Y cuando nos pasó su parte, la grabamos.

    Ahora estamos deseando juntarnos los dos encima del escenario.

    A nivel de escuchas, el disco ha sido una auténtica revolución en Spotify. ¿Qué supone para ti esta noticia?

    Fue brutal, porque hace nada llevábamos 10.000 oyentes mensuales. Y ahora tenemos unos 17.000. Recibo menciones de gente que no conozco, con mensajes muy positivos. Es un impulso, realmente. Por eso es importante seguir trabajando y que las escuchas crezcan. Ahora somos unos desconocidos y estamos en proceso de crecimiento.

    ¿Cómo afrontas la presentación de esta noche?

    Con nervio, con responsabilidad y con ganas de hacer las cosas bien. Al final estás muy expuesto a la crítica y a la opinión, no solo de los medios. Y obviamente, quieres que el disco esté bien llevado al directo: que sea dinámico, que tenga fluctuaciones. Hay que llevar esa magia de la composición al directo.

    Siguientes pasos de Sienna, tras la presentación de hoy.

    Estamos cerrando fechas en Barcelona, Bilbao, Mallorca. Seguramente también hagamos el ciclo de FNAC. Pero todo ello está todavía por confirmar.

    Por cerrar la entrevista: ¿qué artistas suenan en tu coche cuando estás de gira?

    Principalmente, los siguientes: James Vincent McMorrow, Matt Corby, Vetusta Morla, Carmen Boza, Miss Caffeína, Supersubmarina, Siloé o Shinova, entre otros.


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