Arkets ha sido uno de los grandes descubrimientos de este periodo corto pero intenso de 2022. Si bien es cierto que se salen de lo que habitualmente escuchamos, pero nos han llamado especialmente la atención por su eclecticismo y por cómo han sido capaces de crear arte de manera tan magistral. Quien todavía tenga sus dudas, tan solo tiene que escucharse de principio a fin su álbum más reciente, «Dark light». En bucle estamos con él. Aunque para bucle, la entrevista que hicimos hace algunos días a Romain Frati, compositor y vocalista de la formación francesa. Esto es lo que nos contó.
Para la gente que no conoce vuestro proyecto musical, ¿quiénes son Arkets?
Arkets es un proyecto de pop-rock alternativo de Metz creado en 2011 con Mathieu Marie (guitarras), Loïc Turpin (bajo), Jean-Marc Robin (batería) y yo mismo (composición, voces y coros, piano, sintetizadores, arreglos de cuerda). En Arkets pueden aparecer muchos estilos musicales porque no me gusta poner barreras. Mis orígenes musicales son múltiples y Arkets es la ilustración de ello: art rock, progresivo, jazz, electro, world music, música clásica. Todo puede pasar y me gusta esta idea de libertad. No tenemos fronteras musicales, el bagaje de cada músico es muy ecléctico. Pero si tuviéramos que dar algunas influencias, diría que podemos percibir de vez en cuando a Radiohead, Toto, Tears for fears o incluso Sting, pero lo que sale posteriormente en las crónicas es diferente: Ben Folds, Steven Wilson, Joe Jackson, Young gods, Supertramp, Nick Cave. Me hace pensar que lo que hacemos tiene su propia impronta.
«Dark light» es vuestro nuevo lanzamiento. ¿Cómo surgió el concepto de este álbum?
En cuanto al nombre del álbum, diría que el concepto surgió después del proceso de composición. Compuse diez temas sin planificar nada. Luego busqué el título del álbum y me di cuenta de que en estos diez temas había dos caras, una de ellas más oscura, lo cual es bastante inusual para mí.
El lado positivo y luminoso trata de temas como la paternidad, el amor y los sueños. El otro lado trata de la obsesión, la muerte o el tema de los emigrantes. «Compression Suite» es sexualmente sensual. «The Maze» trata de una persona perseguida en el laberinto del minotauro. «The Very Last Moment» trata de los últimos momentos de alguien (mi padre estaba muy enfermo en ese momento y estaba preocupado). Necesitaba un título que combinara estos dos aspectos y apareció «Dark light». La música sigue lógicamente el mismo concepto. A pesar de esta dicotomía hay una homogeneidad, porque la mayoría de las canciones fueron escritas en muy poco tiempo (verano de 2020) y corresponden a un estado de ánimo específico de esta época.
Hay arreglos cincelados, cuerdas y también músicos invitados. Así, podemos escuchar una contribución muy hermosa al saxofón soprano de Dominique Gatto en «What the tide leaves» o un solo de guitarra muy personal en «Beautiful child», que da al álbum un sabor particular. No olvidemos la fuerte presencia del piano, algo lógico ya que suelo utilizar este instrumento en el proceso de composición.
¿Cómo recordáis el proceso creativo, de composición y de producción de este álbum?
En el primer año de Covid-19, estaba en plena composición de las canciones de «Dark Light» y, en cierto modo, el primer cierre me permitió centrarme en ese proceso creativo. El verano de 2020 fue especialmente prolífico. Recuerdo una semana muy creativa en la que se compusieron tres canciones. Había una luz natural preciosa en mi estudio y las condiciones eran perfectas para componer sin pensar en nada más. Fue un momento lleno de cierta espiritualidad. Pero sacar un disco en medio de una pandemia también tiene sus inconvenientes, como no tener los locales preparados para el lanzamiento del disco y no poder presentar el proyecto inmediatamente en el escenario.
Yo grabo las voces, los coros, el piano, los teclados y hago la programación eléctrica en mi estudio. Mathieu suele grabar sus guitarras también en casa y a veces en un estudio más grande. Aporta al conjunto una creatividad que se complementa muy bien con mi universo en términos de arreglos y aspecto melódico. El equilibrio entre el piano y las guitarras sigue siendo uno de los principales aspectos de este proyecto. El bajo y la batería se grabaron en un estudio externo para la homogeneidad del sonido. Jean-Marc aporta una gran energía y el trabajo de colaboración durante la grabación es genial. Constantemente intercambiamos y encontramos cosas juntos durante las tomas hasta que en algún momento llegamos a una versión que nos conviene a los dos. En algún momento decimos «¡Esto es lo que necesitamos!». Me gustan las intervenciones melódicas, los rellenos expresivos en las partes de bajo. Me gusta Tony Levin, el bajista de Simply Red o Mike Porcaro. Loïc cumple este aspecto magníficamente y el groove está ahí. Hubo un verdadero trabajo de detalle entre nosotros dos antes de la sesión de grabación y es un aspecto del trabajo que me gusta.
La grabación y la validación de las canciones se hicieron con bastante rapidez, excepto «Beautiful Child» y «Heroes». No estaba del todo satisfecho y fue necesario cuestionar la estructura de estos 2 títulos para que la energía esté ahí. Los músicos que trabajaron en «Dark light» son realmente talentosos y se involucraron hasta que no hay que lamentar cuando se vuelve a escuchar el álbum.
Grabamos y mezclamos en Studio Amper con Jean-Pascal Boffo que hizo un gran trabajo como ingeniero de sonido y músico invitado en «Beautiful child» y «What the tide leaves». La masterización se llevó a cabo en el estudio The wall con Sam Berdah, que terminó el álbum de una manera muy agradable. Recomiendo sin reservas sus habilidades, son personas generosas y apasionadas.
La foto de la portada del álbum fue tomada por Fabrice Bisignano. Fabrice hace unas fotos preciosas y domina la postproducción y eso es lo que buscaba para este álbum. La foto del interior la hizo Olivier Toussaint, un fotógrafo de talento que me conoce bien, y para hacer retratos es increíble. Todo el trabajo gráfico fue realizado a distancia por Loïc Lelandais, que se encargó del concepto de humo de la portada. Hizo un magnífico trabajo tanto en el vinilo como en el digipack del CD.
¿Cómo construye Arkets su imaginario sonoro y en qué se inspira?
Creo que hay una conexión cinemática y cinematográfica con esta música. Refleja un sentimiento, un estado de ánimo y cuenta una historia, aunque la música suele componerse primero. Al haber hecho música de cine, creo que hay una coherencia.
La música también puede construirse a partir de una idea general del texto. Si tomo por ejemplo «What the tide leaves», la idea era recrear la atmósfera de una llegada a una playa. Así que tienes largos tramos de sonido y un sonido de guitarra claro y soñador, hay agua. Las letras expresan todas las historias que se encuentran tras la música, delatando mi pensamiento en ese momento. Podría hacer referencua a una película que vi, como el título «Runaway train» o a algo que me toque emocionalmente o me divierta.
¿Cómo han sido las primeras reacciones del público?
Las reacciones han sido, en general, positivas y teñidas de sorpresa. La gente lo encuentra bastante original y trata de encontrar puntos de anclaje, referencias con las que compararnos. Estas referencias son bastante múltiples y cambian cada vez. Lo que hacemos va a veces a contracorriente de lo que se hace actualmente. El público de algunos países reacciona muy bien al escuchar nuestra música, como Brasil o España. Es increíble ver que estamos en las listas de reproducción de una decena de nacionalidades, aunque todavía tenemos que encontrar nuestro público.
Segundo disco después de debutar con «Projectile», que se publicó en 2016, ¿cómo ha evolucionado el proyecto desde entonces y cuál es el mayor aprendizaje que os habéis llevado de este periodo?
En primer lugar hay que hablar del contexto del primer disco para responder a esta pregunta. El proyecto entró rápidamente en una compañía discográfica con la grabación de tres títulos y dos videoclips. Las cosas no me salieron bien en cuanto a requisitos y decidí en su momento dejar de colaborar con esta discográfica. Esto me enfrió considerablemente y coincidió con mi partida a Montreal por un período de dos años. Así que el proyecto quedó en suspenso durante ese tiempo. Me di cuenta, poco antes de volver a Francia, de que los temas que habíamos grabado y la maqueta que habíamos hecho seguían siendo escuchados con estadísticas sorprendentes, y esto sin haber hecho ninguna promoción. También era consciente de que todo el equipo había invertido mucho tiempo y esfuerzo en este proyecto y pensé que era injusto no publicar el primer álbum. Así que cuando volví a Francia en 2015, comencé la producción de «Projectile», lanzado en 2016. En el momento de la publicación de este álbum me encontraba, por tanto, en pleno proceso de reinstalación en Francia y ya estaba empezando a componer para el siguiente. Así que, si resumo, el trabajo no se detuvo entre los dos lanzamientos. Primero fue el lanzamiento de «Elsewhere» como single con videoclip en 2019.
Me parece que hubo una evolución en estos dos títulos que fueron compuestos justo después de mi regreso: más racionalizado, más orientado al directo en los arreglos. Mi voz también entró en un rango más profundo en algunas pistas.
A continuación, se produjo la grabación del nuevo álbum y volví a tomar mis notas. Esto fue justo antes del primer cierre. Lo que pude aprender en ese tiempo es que el equipo que tengo conmigo es excelente y fiable. Aportan mucho a la estética de este proyecto por la libertad que tienen, y eso es una marca registrada.
¿Cuáles son vuestros próximos planes?
El siguiente paso es realmente tocar y defender este proyecto en el escenario. El feedback de este disco es hasta ahora muy bueno y espero que ayude a aportar esa dimensión extra. Estamos dispuestos a tocar por todo el mundo y a viajar siempre que las condiciones sean decentes. A mí personalmente me encanta viajar.
Recientemente hemos firmado con el sello M&O, esperemos que eso también dé sus frutos porque tienen una buena reputación en cuanto a promoción. También me gustaría que saliera un nuevo videoclip.
Solo quedan dos preguntas, con las que siempre me gusta terminar. La primera es ¿cuál de tus canciones identifica mejor el momento en el que os encontráis y por qué?
Vaya. No estoy seguro de haber entendido bien esa pregunta. En un artículo reciente se hablaba de un triángulo musical en el que evolucionamos: el rock progresivo, el jazz y el electro. Creo que «Runaway Train» es una buena síntesis de ello. Añade el estribillo, la métrica del ritmo, los arreglos y la energía.
Y por último, ¿cuál es la mayor locura que hebéis cometido por la música?
Tendría varias que mencionar, pero diría que la más profunda en mi compromiso con la música fue un cambio de vida y de continente durante dos años para aprender música de cine y volver a ser estudiante. Tenía una vida cómoda a todos los niveles, pero este deseo de ir más allá en este campo fue el más fuerte. Deshacerme de mis posesiones, irme con 100 kilos de equipaje, el gato, un bebé en la barriga de mi mujer. Todo para volver a ser estudiante…fue un verdadero compromiso y una sorpresa para mucha gente.
