Después de cualquier tormenta, llega la anhelada calma. Una calma y una luz que, en nuestro caso, ha venido determinada por «Little Bighorn», el tercer álbum del quintento vigués Isius. La mejor manera, sin duda, de firmar su regreso y hacerlo por todo lo alto. Un trabajo discográfico repleto de luz, poderío y madurez. Un trabajo discográfico que supone el tercero en su carrera, y que a nosotras nos ha vuelto completamente locas. Sencillamente, es una auténtica maravilla. Un diamante en bruto que hay que escuchar a la de ya. Sin duda alguna, se han lucido por completo. Han conseguido combinar a la perfección diferentes sonoridades y demostrar cuán importante es pasárselo bien y disfrutar, sin muchas más pretensiones o expectativas. Es ahí donde radica la magia. Es eso, precisamente, lo que nos ha hecho vibrar tanto.
«Little Bighorn» es la prueba sonora del amor que Isius destila por el power-pop donde tienen cabida influencias de The Beatles, The Beach Boys, The Kinks, Sonic Youth, Dinosaur Jr., The Posies, Nada Surf, Teenage Fanclub o Wilco. La prueba de que la pasión mueve montañas y que la música siempre, siempre se convierte en nuestra mejor medicina. Una medicina que en directo adquirirá una nueva dimesión. Y es que mucha atención, porque con la reciente llegada de este tercer álbum, los vigueses se disponen a presentarlo en directo. Ojala sumen fechas pronto, pero por el momento, sabemos que disfrutaremos de ellos en la Sala Karma de Pontevedra (mañana 1 de abril), en la Fábrica de Chocolate de Vigo (el sábado día 2) y en la Sala Cadavra de Madrid (el 21 de mayo). ¿Os los vais a perder?
Pero mientras estos anhelados momentos llegan, nosotras preferimos recordar la charla que tuvimos hace algunos días a Edu, uno de los miembros de Isius. Para nosotras fue un verdadero placer descubrir más sobre la banda y conocer todos los detalles que envuelven este tercer lanzamiento.
La reconocida banda de punk, rap y electrónica Moscow Death Brigade inaugura mañana, jueves 31 de marzo, su nueva gira por Europa, siendo Marsella y Miramont-de-Guyenne las primeras ciudades que visitarán. El inicio de un extenso tour que, por supuesto, también les hará recorrer multitud de escenarios nacionales. En este sentido, arrancan el sábado 2 de abril en la Sala Estraperlo de Badalona, para seguir por otras localidades como Zaragoza, Oviedo, Vigo, Bilbao, Valladolid o Pamplona. Y, por supuesto, Madrid. La Sala Copérnico temblará el próximo 7 de abril, al ritmo de sus afiladas letras y de su mensaje combativo.
«Los macarras moscovitas abandonaron su hábitat y ya están por Europa para traernos el combo mortal de Hardcore, Techno, Rap y Punk. Preocupados por la actualidad, la banda está volcada en ayudar con lo que está en su mano. Siguen vendiendo camisetas, que traerán en esta gira, para recaudar fondos. La semana pasada MDB donó los primeros 1000 euros a una ONG que ayuda a los refugiados de Ucrania a llegar a sus ciudades de acogida (Taxi For Solidarity)».
Moscow Death Brigade han creado un sonido propio conocido como «Circle Pit Hip-Hop»: una mezcla única y agresiva de música electrónica, punk hardcore y rap, impregnada de graffiti y cultura callejera y con un mensaje social progresivo contra la guerra, el racismo y otros tipos de discriminación.
Un reconocimiento que viene de lejos y que, de hecho, se ha hecho más firme con el paso del tiempo. De hecho, su último álbum titulado «Boltcutter» estuvo entre los cinco más vendidos de CoreTex Store en 2018 (una de las principales tiendas web para HC y Punk en la UE), junto a bandas como Sick of It All, Terror, Madball y Slapshot. Así lo demostrarán en la extensa gira por Europa que se les presenta por delante. ¿Preparados para cazarlos en alguna de las citas en España? ¡Hazte ya con tus entradas!
Deseando que llegue el anhelado momento en el que «Pausa dramática», el nuevo álbum de Vënkman sea nuestro. Un disco que sabemos que llegará para revolucionarlo todo y que se alza como el gran trabajo de la banda mallorquina y su primer larga duración, tras haber debutado en 2020 con su EP, «¿Hay alguien ahí?». Un instante anhelado que, sin embargo, se hace mucho más llevadero si pensamos que la formación liderada por Teo Marín ya nos ha dado las primeras pistas de lo que encontraremos en su disco. Así es como se han ido abriendo paso «Imperfecto», «A quien le hagan daño» y la última «Autómatas».
Ha sido con esta última canción con la que los descubrimos. Ha sido esta canción la que tenemos completamente en bucle. Bajo el manifiesto de «jamás te rindas, jamás claudiques», la banda nos presenta la que puede ser su canción protesta o visionaria. Hablamos de «Autómatas», un tema que el propio Teo Marín escribió antes de que la pandemia nos arrancara los días de luz y de color. Sin más pretensión que expulsar lo que llevaba dentro, resultó ser un himno perfecto para los días de encierro.
Una canción especial. Una canción que se sumará a «Imperfecto» y a «A quien le hagan daño», ya no solo en este nuevo disco que llegará como agua de mayo a nuestras vidas. También en los conciertos. Y es que el próximo 8 de abril, Vënkman actuarán en el Club Mutante de Palma de Mallorca. Nueva cita en directo que estamos deseando que llegue ya. aunque mientras todos estos grandes acontecimientos se suceden, nosotras preferimos quedarnos con la entrevista que le hicimos hace algunos días a Teo Marín. Él nos da todas las pistas sobre este increíble proyecto musical que acabamos de descubrir. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?
Nos ha llamado especialmente la atención desde la primera escucha. No ha necesitado nada más que su talento, su arte y su particular timbre de voz para enamorarnos y engancharnos. Hoy nos adentramos en el particular universo sonoro que ha conseguido recrear el joven artista ARNAU, que el pasado viernes 24 de marzo volvió a remover todos nuestros cimientos, volvió a tocarnos el alma con su nueva canción llamada «Percent». Una canción atrevida, con la que el barcelonés reflexiona sobre la excesiva normalización social que existe sobre el consumo del alcohol. Un acto tan aparentemente habitual, al que muchas veces recurrimos como desahogo, cura o vía de escape. Sin embargo, puede llegar a convertirse en un verdadero problema si no lo sabemos atajar a tiempo.
«ARNAU, en esta canción, dice que no puede ni sonreír. Ni siquiera hacer frente a los obstáculos de la vida. Así que sigue el ejemplo social de evadirse con una copa entre amigos. La resaca le impide avanzar, magnificando cada vez más los problemas. Encontrándose en medio de la juventud, lo que muchos adjudicarían como la mejor etapa vital, emerge una lucha interna colectiva entre la justificación del todo va bien, así como el encubrimiento del consumo de alcohol para huir de la realidad».
Musicalmente, el artista barcelonés ha dado un pequeño salto. Y es que se ha atrevido a experimentar con diferentes sonidos, mostrando así su faceta más funk y más bailable. Pero todo ello sin escapar de su esencia, aquella que lo arraiga al pop más refinado. Pero hay momento para todo y ahora es el turno de los tempos más acelerados y las vueltas trepidantes, envueltas en letras ácidas y crudas. Un cambio más que necesario, que ha sido posible gracias a Carlos Dueñas deArcticWave Studio, encargado de la producción del tema. Un cambio más que necesario que Affaire ha sabido llevar al terreno más audiovisual, quienes han ayudado a ARNAU en lo que respecta a la realización del videoclip y todo su arte gráfico. Un trabajo de diez, que ha tenido un resultado increíble.
Es una de las bandas de Latinoamérica más representativas de la escena del pop. Ellos son Miranda!, la mítica formación argentina liderada por Ale Sergi y Juliana Gattas. No sabríamos decir cuánto tiempo ha pasado desde que los descubriéramos, pero ese momento se nos quedó grabado a fuego. Su talento e influencia han permanecido intactos a lo largo del tiempo. Han sido ejemplo a seguir. Han sido grandes referentes para toda una generación de jóvenes que ha crecido con su música. Y ahora, en medio de la celebración de su 20º aniversario y poco después de haber presentado su octavo álbum «Souvenir», tenemos la enorme suerte de disfrutar de ellos en España (esta noche y el jueves en la Sala Apolo de Barcelona, y el viernes en la Shoko de Madrid). Así que imaginad la emoción de hablar con ellos antes de estas tres citas ineludibles.
Aprovechando que vio la luz el pasado año, me gustaría preguntaros por vuestro último álbum «Souvenir». ¿Cómo nace y qué suposo para vosotros? Y en este aspecto también, ¿cómo fue la acogida?
Ale. La verdad es que las canciones se readaptaron al concierto. Nosotros, siempre que hacemos un disco, pensamos en la grabación, pero sobre todo pensamos en cómo esas canciones se van a incluir en el show, porque somos un grupo de vivo. Nos encanta grabar, pero entendemos que es el en el directo cuando más fuerza y sentido adquiere nuestra propuesta. Y eso ha pasado desde que el álbum vio la luz, que lo hemos ido mezclando con los clásicos. Hay temas como «Me gustas tanto» que ya se fue para el fondo de la lista , lo que quiere decir que ya está entre los top. Lo mismo nos pasó con la aperturda del álbum («Por amar al amor»), que también la tenemos como apertura de los conciertos y de los festivales, y siempre funciona bárbaro.
Completando tu pregunta, para nosotros este disco supone celebrarnos, regodearnos en nuestra esencia. Es un álbum en el cual no pretendimos explorar caminos muy, muy diferentes. Siempre tratamos de que haya algo distinto, sin variar la esencia de lo que es Miranda! Pero en este no quisimos incorporar nada nuevo, simplemente quisimos recuperar los momentos más importantes de nuestra carrera y refrescarlos. Eso lo hicimos a propósito porque el disco salía el año de nuestro 20 aniversario. Entonces nos parecía lindo hacer un disco de celebración. Pero no recogiendo los grandes éxitos, que es lo que se suele hacer en estos casos. Nosotros quisimos celebrarlo de esta manera, haciendo nuevas canciones inspiradas en lo que es nuestra propia esencia. De ahí el nombre también, es como un pequeño recuerdo de nuestro cumpleaños número 20.
¿Cómo recordáis todo el proceso creativo y compositivo de este álbum? Y en este aspecto, ¿cómo fue trabajar con Cachorro López y con Gabriel Lucena?
A. Fue igual que siempre, canción a canción. No es que un día decidamos crear un disco y nos pongamos del tirón. Nosotros estamos permanentemente haciendo música. Muchas veces vamos al estudio y me encuentro allá con Juli, vamos teniendo ideas que vamos desarrollando juntos o que incluso ya llegan bastante avanzadas. Lo mismo con Cachorro, que es productor nuestro desde nuestro tercer álbum y tenemos esa dinámica de trabajo. Quizás ya sí que cuando nos jutamos con él, pensamos puntualmente en el álbum. Pero te diría que estamos todo el tiempo componiendo, a ver qué sale. Aprovechando la visita en Barcelona, voy a visitar el estudio de un amigo argentino y grabaré una canción. Hace algunos días me junté con los Varry Brava y también estuvimos componiendo. Estamos pernanentemente haciendo música nueva, sin pensar demasiado en cómo y en cuándo verán la luz.
Ya en el momento en el que necesitamos dar vida a un nuevo álbum para renovar tour y girar de nuevo, es cuando regresamos a todas estas canciones. Juntamos lo que más nos gusta y completamos con ideas nuevas. Pero no es que nos sentemos a idear un concepto y en base a eso creamos. Va surgiendo poco a poco. De hecho, «Entre las dos», la canción que tenemos con Javiera Mena nació un poco así. Sin forzar nada y un día que nos juntamos con ella en Buenos Aires. Grabó ella y en el momento de hacerlo nosotros le preguntamos si le parecía que la incluyéramos en nuestro disco. Y enseguida nos dijo que sí.
Mencionabas la colaboración con Javiera Mena y también quería preguntaros por la que tenéis junto a Sidonie. ¿Nació también de esta manera tan genuina y tan fortuita?
Juliana. Sí que fue fortuita porque tuvimos la suerte de que nos conocieran y de que les gustara nuestra música, porque justo estábamos en España y Ale comenzó a consultar con quién podíamos hacer una colaboración nueva con este tema que teníamos, que se llama «Me gustas tanto». La compañía discográfica nos comentó que podía ser con Sidonie, a los que todavía no conocimos en persona, pero con los que creemos que tenemos una conexión muy fuerte. Los conoceremos estos días. Así y todo, creemos que la canción quedó muy chula y que recoge muy bien la conexión entre ambos. Lo cual es curioso porque normalmente las colaboraciones siempre las hacemos con amigos, con personas con las que tenemos relación estrecha. Como con Javiera, a la que conocemos desde hace ya 15 años. Pero muy bien, porque este tema quedó muy cálido y muy en sintonía con lo que es Miranda! Le pusieron unos arreglos muy concretos y tiene como una esencia muy irónica que nos encanta. A mí me gusta mucho, deberíamos tocarla más en directo.
A. Ahora con ellos [risas]. Sí que es cierto que lo que hicieron al final de la canción fue una locura. Grabaron 80.000 voces en múltiples canales.
Siguiendo con este tema de las colaboraciones, tuvimos la oportunidad de veros hace algunas noches en el concierto de Varry Brava, con quienes cantasteis «Hortera». ¿Cómo vivisteis vosotros el momento y cómo sentisteis la energía desde el escenario?
J. Bueno, se siente como una ilusión realizada, porque de todas las cosas que hicimos en medio de este paréntesis, en medio de esta pandemia, la colaboración con Varry Brava la grabamos en mi casa. Y eran cosas que íbamos haciendo nosotros porque nos gustaban y nos entusiasmaban. Un poco por mantener el personaje artista que llevamos dentro. Y lo cierto es que jamás nos imaginamos grabando esta canción y cantándola posteriormente con ellos acá en España. Es una fantasía que parece guionada. No parece real, para nosotros es un sueño. Nos llena de felicidad, pero también de fantasía. Cierto que Ale los conocía más de antes, yo justo los conocí en este viaje, pero me caen súper bien. Me encanta su estilo y su estética, y también los estuve siguiendo en el Benidorm Fest.
Y el asunto de hacer amigos en España es re-lindo para nosotros. Si bien no venimos tan seguido como a otros lugares que por practicidad nos quedan mejor y donde planeamos más giras, nuestro corazón está mucho acá por las influencias pop de las bandas que escuchábamos cuando Ale y yo nos conocimos. Como Dorian, La Casa Azul o Le Mans, entre muchísimas otras. Sentimos que hay una afinidad a la que hay que hacer justicia.
También quería preguntaros por «El arte de recuperarte», el último single que nos habéis regalado. Saber un poco cómo surge esta canción y qué significa para vosotros.
A. De alguna manera, esta canción es la muestra de una nueva etapa. Porque desde nuestro tercer álbun hasta «Souvenir» trabajamos con Cachorro López. Y en esta ocasión, tras cinco álbumes, trabajamos con Mauro de Tommaso a la producción. Sentimos que tiene una sonoridad diferente, aunque la esencia del grupo sigue estando. También es cierto que la idea de cambiar de productor no era por sonar diferente, si no por probar algo nuevo, por cambiar un poco la dinámica y la rutina nuestra. Esa es la primera novedad que nosotros encontramos en el tema.
Luego es una especie de reggae pop, que ya es un ritmo que habíamos probado alguna que otra vez, pero que en esta ocasión lo encuentro más 80’s que nunca. Como podría ser «Perfecta» o «Caía la noche», pero tiene toques pop ochenteros. Y eso es por la producción de Mauro. Es una canción muy tierna y dulce, pero el personaje es bastante obsesivo y se pone un poquito denso. Entonces está ahí esa especie de contradicción. La música suaviza lo que podría ser una situación complicada con un obsesivo enamorado. Que él se da cuenta, ¿eh? Es un poco como el personaje eterno de Miranda!, que se obsesiona hasta el límite, pero a la vez se lo toma con humor y se ríe de sí mismo. Ese punto tan tragicómico que ya forma parte de nuestra esencia y de nuestro imaginario sonoro.
Aprovechando que tenéis tres fechas en España, entre Barcelona y Madrid, ¿qué supone para vosotros celebrar vuestro 20 aniversario aquí y cómo lo afrontáis?
J. Bueno, los cumpleaños en realidad, para los dos, son como una especie de excusa para hacer fiesta. De hecho, este 2022 estamos cumpliendo 21, pero queda más lindo decir 20 [risas].
A. Ya empezamos a mentir [risas].
J. Pero dentro de la mentira, voy a plantearte la verdad [risas]. Cumplimos 21, pero festejamos 20. Hay uno que no estamos celebrados. El punto es que son marcos que nos sirven para plantear y sacar adelante el show. Así como te dice Ale que compone las canciones como a medio conciencia o a propósito del directo, el resto de excusas también nos sirven para seguir en esta línea y mantenernos activos. Especialmente teniendo en cuenta que de la mitad del directo hacia el final son todo hits que sabemos que funcionan y que sabemos que la gente ama desde hace 15 años. Pero al final todo nos sirver para moldear la introducción, para ir cambiando el marco del show, el vestuario. La celebración del 20 aniversario no es más que eso, pues. La excusa para decir que llevamos mucho.
Y que queda mucho, esperamos.
A. Bueno, eso nunca se puede saber. Lo que sí que sabemos es que después de 20 años, más que con la energía intacta, estamos con la energía renovada para seguir. También nos sentimos fuertes y consolidados. Además, que la gente nos siga animando, nos siga escuchando y nos siga reconociendo, nos da mucha alegría. Nunca hemos dejado de tocar, tan solo durante el momento complicado de pandemia. Y ahora que podemos volver, lo hacemos con el doble de ganas que antes. Eso nos ha hecho coger más pilas. De hecho, nunca nos habíamos venido un mes entero a España de conciertos, de promoción, de relación con otros artistas. Siempre veníamos una o dos semanas y nos volvíamos. Pero esta ocasión, planeamos este viaje como una aventura. Porque para nosotros ha sido como salir de nuestra zona de confort y de los lugares que, de alguna manera, ya tenemos conquistados. Estamos contentos.
Desde la primera vez que la escuchamos, su voz nos cautivó. Y es que tiene un don sobrenatural, capaz de enamorar a todo aquel que la escuche. Efectivamente, hablamos de María de la Flor, quien el pasado viernes 25 de marzo publicó el primer adelanto del que será su nuevo disco. El pasado viernes 25 de marzo publicó «Corazón despierto». Una canción realmenente mágica, con la que la artista ha conseguido hacernos volar. Además de insuflarnos una buena dosis de valor, fuerza y alegría.
«Corazón despierto viene como una ráfaga de viento al borde del camino, y le canta con alegría al mundo que se abre paso entre la fantasía y lo tangible, llevando por bandera el compartir intrínseco a una mirada sensible y clara».
Esta es la particular manera que tiene María de la Flor de firmar su vuelta tras haberse hecho con un buen cacho de nuestro corazón, tras debutar con su primer EP «TEMPLE». Pero es que ella es incansable e imparable. Imposible pedirle que se quedara ahí. Imposible no esperar más de ella, porque ella es sinónimo de tesón, de talento y de buen hacer. Ella es única y así lo volverá a demostrar con «Hilanderas», el que será su primer larga duración. Un álbum que verá la luz en breves y del que «Corazón despierto» formará parte. Un álbum que María ha grabado en directo en Estudio UNO junto a un cuarteto de cuerda, formado por un grupo de artistas amigas que la llevan acompañando desde el principio de su carrera. Un proyecto que, además, no habría tenido sentido tampoco sin los arreglos de Lorenzo Moya, así como de la dirección y producción musical del violinista Carlos Montfort.
Aunque nos morimos de ganas por escucharlo, no necesitamos hacerlo para saber que será uno de nuestros discos favoritos del año. Un disco que servirá para que María se asiente y se afiance en nuestra escena musical, siendo una de las grandes referentes de la música tradicional moderna. Esa que sabe cómo aunar a la perfección lo mejor del pasado y del presente a nivel sonoro. Y es que, sin duda alguna, es una de las compositoras más prometedoras de nuestra escena. Es por eso por lo que nos alegramos infinitamente de ver desde tan cerca cómo crece, cómo evoluciona y cómo vuela. Sí, es cierto. Todo en ella es magia en estado puro. ¿Os atrevéis a comprobarlo?
Descubrirla ha sido mágico. Y es que con su dulce y suave voz consigue rozar el alma de todo aquel que tiene el placer de escucharla. Hablamos de Daada, el alter ego de la artista germano-colombiana criada en Tanzania, Maike Kusserow. Solo le han bastado cuatro canciones para cautivarnos con esa particular forma de concebir la vida a través de la música. Todo un tejido creativo que, siendo bien variado, ha tenido la última prueba de talento en su single «What are my hands for?».
Un tema nacido en lo más complicado de la pandemia que explira el concepto de soledad y la necesidad de contacto físico. Todo ello, acompañado de una íntima producción LoFi, que no hace más que reafirmar esta sensación. Un tema muy especial del que la propia compositora llegó a explicar lo siguiente: «Ni siquiera me di cuenta de que este era mi estado de ánimo y mi alma durante meses hasta que la letra y el sentimiento salieron de mí en el estudio una tarde de julio».
Con una sensibilidad fuera de serie, Daada lleva desde muy pequeña vinculada con la música, creciendo en un ámbito muy propicio para desarrollar sus dotes artísticas. Cuenta que con apenas 7 años escribió su primera canción, acompañada de su violín. Años más tarde, se atrevió con la guitarra de su abuela, que permanecía colgada en la pared de su casa como si se tratara de un elemento decorativo más. Ese fue el inicio de todo lo que se fue sucediendo después. Amor por las letras, amor por la composición, amor por la música de artistas tan diversos y eclécticos como Juanes, Shakira, Nelly Furtado o James Blunt.
Sin duda alguna, todo ello marcó el inicio de lo que a día de hoy es su alter ego, Daada. Una palabra que tiene un significado muy especial en swahili, pues quiere decir «hermana». El apodo con el que la llama su hermano y que, a su vez, personifica muy bien lo que quiere expresar con su música. Pero todo eso, mejor si dejamos que nos lo explique ella misma. Por suerte, hace algunos días, tuvimos la oportunidad de hablar con Maike. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?
Lo bien que sienta pasar un domingo en casa, tranquilas y rodeadas de buena música. Venga, va, que ya sabéis que esto es cita obligatoria. Y hoy les toca el turno a Chet Bucke, Mixcy, Ava Toton y Chanan Herman. ¿Quién se atreve a descubrirlos con nosotras? ¡Ojito que tienen proyectazos de los buenos!
El primero por pasar por nuestro radar de hoy es Chet Bucke. Desde el País Vasco, pero afincado en Londres desde hace unos cuantos años, el joven artista y compositor acaba de debutar con su primer sencillo, llamado «Leaving (Marie)». Un himno folk pop con reminiscencias flamencas, que sirve como cántico a las raíces, a la tierra, a la familia. Un himno que se inspiró inicialmente en un vídeo de la abuela del artista, cantando una melodía española atemporal. Un pequeño homenaje que luego se convirtió en la introducción de la canción. El paso siguiente era terminar de darle vida a la canción, con la inestimable colaboración de Colin Lanz a la producción de la misma. Trabajo conjunto que ha dado como resultado un tema increíble cargado de percusión y dinámicamente cautivador. Líneas llamativas como la del estribillo inicial permanecen suspendidas en una atmósfera impenetrable de coreografías de subgraves, sintetizadores de tipo zumbido y suculentos ganchos de guitarra que se funden con el anhelante timbre de la suave voz de Bucke.
Mixcy es la siguiente gran artista que se pasa por nuestra sección de hoy, también para presentarnos su temazo más reciente, en el que ha contado con la colaboración de la talentosa artista Kange. Esto es «M.I.X.C.Y» y nos tiene completamente locas. Un tema cautivador a la par que potente y acertado. Un tema que continúa con la increíble estela que ha empezado a marcar la joven francesa, desde que debutara con su primera canción «Paris Turquie» en el año 2020. Y es que solo ella es capaz de recrear un universo en el que las fronteras ya no existen y en el que la música es el único lenguaje, la única manera posible de viajar. Con un sonido muy actual, Mixcy reúne grandes influencias como Indila, Vitaa, Meghan Trainor o Ariana Grande, a las que añade un misterioso toque oriental. La mejor manera de construir un imaginario propio y completamente diferente a lo que estamos acostumbradas a escuchar. Un imaginario que merece la pena descubrir. Siempre de su mano.
De repente, llega el momento de volverse eléctrica gracias al increíble talento de Ava Toton. Con apenas doce años, la joven artista ha demostrado ser todo un prodigio en la música, mostrando su esencia más rockera en su segundo EP. Y es que «Charm School Dropout» es toda una joya musical. Un trabajo discográfico que pretende dar voz a todos aquellos que sienten que no encajan, a todos aquellos que a pesar de todo, tratan de buscar su lugar. Toda una declaración de intenciones que se suma a la potente personalidad que ha mostrado la joven compositora, tratando de demostrar que su amor por la música todo lo puede. El mejor ejemplo, además, para toda aquella generación de jóvenes artistas que, como ella, quieren dedicar su vida a esta pasión tan bonita. Sentir orgullo por ella es poco. Así que desde aquí, solo os podemos animar a escucharla.
Por último pero no menos importante, también queremos hablar del talento y de la magia que desprende Chanan Herman. Su pasión por la música comenzó siendo muy, muy pequeño. Cuenta que con apenas 5 años cantaba sus propias melodías y a los 6 comenzó a tocar el piano clásico (unos estudios con los que continuó hasta el instituto). Y justo ahora acaba de debutar con su primera y mágica canción, titulada «Fading». Una canción de lo más especial, de la que el propio compositor nos cuenta lo siguiente: «la escribí a altas horas de la noche en una pequeña habitación con un pequeño ukelele. Desde el principio supe que quería que fuera una canción de rock-indie eléctrico, a pesar de haberla escrito con un instrumento tan pequeño». Lo siguiente fue aunar fuerzas con Shahar Elisof. Dana Petri y Shaked Mazza, con quien el artista produjo y arregló el single. La mejor manera de darle vida, de darle forma, de cautivar a todo el mundo con su talento. Y de vaciarse por dentro. «Es una de esas canciones que realmente me ayudaron a superar la ruptura del corazón», asegura Herman.
Las ganas de que llegue el verano son más que reales. Las ganas de que, con él, comience la temporada estival de festivales son más reales todavía. Especialmente, tras pasar estos dos años tan complicados en los que el mundo ha parecido paralizado. Pero ya parece que todo vuelve a la normalidad – más o menos como la conocíamos -, y con ella regresan los festivales como el Colours Of Ostrava. Qué alegría y qué felicidad pensar que del 13 al 16 de julio podremos regresar a Ostrava, a la República Checa. Qué alegría y qué felicidad poder disfrutar de nuevo de la música en directo, tras el buen sabor de boca que nos dejó la edición del año 2019.
Ahora que la organización ha desvelado su programa al completo, sabemos que The Killers, Twenty One Pilots, Martin Garrix, LP, Franz Ferdinand, Kings of Convenience, Meduza, Youssou N’Dour, Hiromi, Inhaler, Larkin Poe, Modest Mouse, Phoebe Bridgers, Princess Nokia, Sleaford Mods, Tindersticks y Wardrun, entre muchos otros, se alzan como los grandes cabezas de cartel de esta ansiada edición. Pero no serán los únicos que actúen este mismo verano en el antiguo emplazamiento minero de Dolní Vítkovice en Ostrava. Atención, porque también disfrutaremos de los espectáculos de Bazzookas, Darkstar, Surealistas, CC White, nuestro querido Rodrigo Cuevas, The Tune, Anna Wolf, Kalandra, Mirabai Ceiba, Chef’s Special, The Hatters o Marina Satti, entre infinidad de artistas más.
Pero más allá de la potente y variada programación del Colours Of Ostrava – que como ya hemos visto cuenta con propuestas que bailan libres entre la música electrónica, el jazz, el indie rock y el reggae -, la organización plantea centenares de actividades más, como sesiones DJs, películas, debates abiertos, talleres, teatro, poesía, instalaciones artísticas y programas para niños.
Tal es así que las entradas para los cuatro días de festival, ya se encuentran disponibles en la página web del festival Colours Of Ostrava. ¿Tienes ya la tuya?, ¿preparados para vivir esta experiencia única después de estos dos años de parón causado por la situación sanitaria?
Una cita que se plantea muy especial y que se ha convertido en ineludible desde que el festival se fundara en el año 2002. Veinte años de trayectoria y grandes reconocimientos a lo largo y anncho de este amplio camino: clasificado como uno de los 10 mejores festivales de música de Europa en 2016 por The Guardian; y en 2017 y 2018, fue preseleccionado para el Premio Europeo de Festivales en la categoría de Mejor Festival Mayor. Reconocimientos ganados a pulso. Reconocimientos más que merecidos.
Poco más que decir sobre uno de los festivales que más ilusión nos hacen: por su programación, por su visión 360º, por aunar cultura y turismo en apenas cuatro días, por ser uno de los mayores puntos de encuentro a nivel europeo, por ser el rayo de esperanza que necesitamos después de estos dos años de silencio obligatorio. ¿Tenéis tantas ganas como nosotras de reencontrarnos de nuevo este verano en el Colours Of Ostrava 2022?
Hemos de reconocer que últimamente estamos más sensibles de lo normal. Y folclóricas también, para qué vamos a engañarnos. Así que, de repente, hoy viernes 25 de marzo llega a nuestras vidas «Jota del que bien aguarda», nueva canción de Dear Leo y Javier Brenan y nosotras nos derretimos. Una joya preciosa que nos ha ganado por completo y que se ha colado, casi sin darnos cuenta, en nuestro corazón. Cortita, sencilla, pero directa. ¿Para qué darle más vueltas? Y es que ambos artistas han conseguido encontrar el punto justo en el que voces y melodías encajan a la perfección. Han conseguido transmitirlo todo con muy poco. Precisamente, con esta sensación tan bonita nos quedamos nosotras. Con la delicadeza y el amor que se respiran en poco más de dos minutos y medio de canción.
Pasada muy por el filtro 2022, Dear Leo y Javier Brenan se han atrevido con una jota que, en clave feminista, da una vuelta a nuestro imaginario sonoro. A nuestra concepción sobre el folclore español. Rompen con todo tipo de mitos que pudiéramos tener y alardean de esa incesante necesidad de reinventarse y caminar hacia el futuro, pero con la mirada siempre puesta en el pasado. En nuestro pasado, en nuestras raíces. Un himno que habla de lo importante que es romper con las dinámicas heredadas del amor romántico. Todo ello, llevando el sonido tradicional a otro nivel de producción. ¿El resultado? Un tema redondo que nos vuelve completamente locas.
La guitarra española, los arreglos de castañuelas, las letras directas y la armonía de voces evocan el ADN estilístico de la jota aragonesa y del cancionero tradicional castellano. La ruptura con las raíces la aportan los arreglos electrónicos y una letra generacional que se hace eco de la búsqueda de nuevos referentes. Un cambio y un proceso de experimentación que ha sido posible gracias al amor que ha puesto Luis Sierra con la producción y mezcla de la misma. Sin olvidarnos también del increíble trabajo que han realizado David Belando y Paula Rosell con el artwork e imagen de portada del single, respectivamente.
Hemos intentado aguantarnos las ganas, pero nos hemos podido. Y es que la fuerza y la carga emocional de «Tu Supermán» es tan alta que es resulta muy difícil no echar una lagrimilla cuando la escuchas. Es increíble la capacidad que tiene la música para transportarnos, para hacernos viajar y para explicarnos situaciones con las que sentirnos identificadas. Eso Montana lo sabe bien y lo ha sabido jugar a su favor. Es normal cuando una canción tiene tanta verdad escondida tras de sí y nace desde el corazón. Es mucho más fácil verte reflejado en ella y emocionarte. Es por eso por lo que, con apenas dos canciones, ellos ya nos tienen completamente ganadas.
Pero hemos de decir que con «Tu Supermán» han superado con creces cualquier tipo de expectativa que pudiéramos tener. Nos han logrado emocionar desde el minuto 1 con esta hermosa letra, que habla de la incondicionalidad de las personas que te quieren bien y te quieren de verdad (pareja, madre, padre, hijo, hija, amigos) y del paso inexorable del tiempo, que solo vemos cuando lo reflejamos en todos estas personas mágicas que forman parte de nuestro día a día. Si a todo este sentimentalismo, le añadimos el hecho de que el videoclip está protagonizado por Itziar Ituño – Lisboa en La Casa de Papel -, tenemos el combo perfecto. Es bestial su capacidad interpretativa y todo lo que consigue transmitir. Impresionante e imprescindible en esta joya audiovisual.
Sin duda alguna, el talento que desprende Montana no es de este planeta. Curioso cuando la banda nació de manera fortuita y con la mera intención de intercambiar ideas. Pero poco a poco, Rober Une, Guillermo Shelly, Ekain Alzola, Dani Thomas y Jon Fresco lo irán logrando. Y estamos más que convencidas de que 2022 será su año. Será el año en el que se asienten. Será el año en el que den mucho de lo que hablar. Si no, tiempo al tiempo.
No hay nada mejor que tratar de sobrellevar una semana de lluvia y frío con música. Con mucha música. ¿Y qué mejor manera de hacerlo que escuchando las interesantes propuestas musicales de Las Bambas, Emmrose, Southerlies y Unwed Fathers? No conocíamos a ninguno de ellos hasta el momento y, lo cierto, es que ha sido una maravilla poder sentarnos a escucharlos. ¿Queréis saber más sobre cada uno de ellos?
Dos almas que conectan desde dos partes del mundo tan diferentes como son Perú y Francia. Hablamos, efectivamente de Las Bambas, cuya sensibilidad ha roto con todos nuestros esquemas. Un dúo muy especial el que forman Irazema Vera y Silvio Lafont. Un dúo cuya música refleja las experiencias e influencias de dos individuos que pasan su tiempo creando y compartiendo una vida fuera del ámbito musical. Con letras en inglés, español y francés, sus armonías vocales se deslizan sobre una mezcla de pop-funk psicodélico y neo-soul con ocasionales incursiones con incursiones ocasionales en el post-rock. Una confluencia de géneros que ha tenido como última pequeña gran píldora «Setting Sun». Una canción ideal con la que debutar, que nos evoca el sonido de las guitarras de alt-rock de los 90 respaldadas por una sección rítmica que respira funk. Enamoradas estamos de ellos.
Emmrose da el contrapunto ideal en este artículo. Por su potencia, por su eclecticismo y por su marcado estilo. Se ha marcado un temazo en toda regla, sí lo decimos. Y es que desde que escuchamos por primera vez «Run», no nos lo quitamos de la cabeza. Motivo más que suficiente para darle la oportunidad que se merece y meterla a la de ya en todas nuestras listas de reproducción de cabecera. Tiene un poderío capaz de traspasar fronteras y esta canción es el mejor reflejo de ello. Y vaya si es poderosa. Poderosa y empoderada. La propia artista explica lo siguiente sobre este tema tan sumamente especial: «Fue una canción muy poderosa de escribir. Quería crear un himno sobre la ruptura, dirigido a cualquiera que haya pasado o esté en una relación abusiva. Quería que fuera inspiradora, que concienciara a mis oyentes de que el comportamiento tóxico en las relaciones nunca es normal o bueno». Nada más que decir.
Con unas potentes raíces del country americano, pero con toques pop y de vanguardia, llegan Southerlies desde Reino Unido para ponernos en órbita con su recién estrenada canción, llamada «Standing in Line». Un tema que escribieron ya hace algunos años a causa de una ruptura sentimental y que ha cobrado vida ahora, con todo el soporte de la banda y rodeada de múltiples elementos que le han dado una dimensión increíble. ¿La habéis escuchado ya?
Unwed Fathers han dado la mejor noticia que podían dar: que este 2022 llega cargado de nueva música y de novedades para la banda de folk estadounidense. Y es que acaban de sorprender con la llegada de su nuevo EP temático titulado «The Split». Un pequeño trabajo conformado por las canciones «The Afterthought» y «U Somehow Forgot», que llega justo después de que en 2021 nos regalara su anterior trabajo «Always Looks For The Helpers». Compuestos y grabados ahora en el sur de Texas, en la región conocida como el Valle del Río Grande, estos dos nuevos temas documentan el viaje de dos amantes distanciados que luchan contra el mal momento y la distancia, mientras viven en un mundo dominado por el miedo, las plagas, la guerra, la destrucción y la codicia. En propias palabras del artista: «Este es el segundo capítulo de una trilogía de tres partes de lanzamientos temáticos inspirados en el estado del mundo en el que vivimos actualmente. Es el punto medio del viaje del protagonista. La calma antes de la tormenta, podríamos decir».
