La temporada de festivales está a la vuelta de la esquina. Bueno, en realidad, ya ha dado el pistoletazo de salida en muchos lugares. Pero nosotras lo que queremos es que llegue ya mayo, para que dé comiezo uno de los circuitos musicales más importantes de la ciudad de Madrid. Los más rápidos, ya habréis deducido que nos referimos al Sound Isidro. ¡Cómo no! Un año más, y en esta ocasión especialmente, la capital se convertirá en eje vertebrador de la escena musical, acogiendo más de 83 conciertos en 15 salas diferentes. Y todo ello, en apenas dos meses. Obvio, siempre, con el amparo y el inestimable apoyo de Vibra Mahou.
Si bien es cierto que serán Fantastic Explosion quienes arranquen el circuito el sábado 30 de abril. Sin embargo, uno de los directos que más ganas tenemos de ver es el de Chill Mafia, Shine Gang y YOUCANTHIDE. Ojo al dato, porque esta explosión de sonido tendrá lugar el próximo viernes 6 de mayo en la sala Shôko. ¿Preparados para este gran asalto?
Chill Mafia es mucho más que una banda. Es una cuadrilla de amigos de Pamplona que reúne a productores, cantantes, DJs, Mc’s, diseñadores y graffiteros y que ha puesto patas arriba el panorama euskaldun desde que viralizaran su single «Gazte Arruntaren Koplak». Un primer adelanto al que siguó su exitoso álbum, «Ezorregatik X Berpizkundea» (2021). Un colectivo de barrio que mezcla lo urbano con lo rural, ¿haciendo rural trap? Quizás. Lo que sí que está claro es que tienen miles de referentes, que viajan libres por sonidos como el punk de los 80, el reggae, el dub, el reggaetón, el hip hop e incluso, la canción tradicional vasca. Un grupo de jóvenes visionarios que darán mucho de lo que hablar durante este 2022. Si no, tiempo al tiempo.
En esta anhelada e increíble cita, que tendrá lugar a principios de mayo, no estarán solos. Acompañándolos estarán el colectivo Shine Gang, presentando su EP «De olhos no futuro» (2021); y YOUCANTHIDE, formación gallega creada por dos de los grupos más aventajados de la actualidad, Kaixo y Kings of the Beach. Ellos llevarán al directo el que fuera su primer trabajo homónimo.
Un espectáculo en toda regla que os recomendamos no perderos si estáis por Madrid estos días. ¿Tenéis ya vuestras entradas?, ¿o pertenecéis al grupo de los rezagados?
Como cualquier fase de la vida que iniciamos, absolutamente todo está llamado a cerrarse. Pero absolutamente todo ello es para dar comienzo a una nueva etapa cargada de nuevos momentos que vivir. En esta frecuencia se encuentra en estos momentos el artista pacense afincado en Madrid, Kuqui Alegre quien, hoy mismo, acaba de publicar en todas las plataformas su nuevo single «Quinquis». Una canción de lo más especial en la que ha contado con la inestimable colaboración de la banda madrileña Playa Cuberris.
Esta canción es una balada al más puro estilo pop-rock, capaz de llegar directa al corazón. Una canción que ha sabido unir lo mejor de ambas formaciones musicales, consiguiendo recrear un universo sonoro de lo más particular e inesperado. Además, el tema cuenta con ambientaciones electrónicas pop para acabar en un estribillo atronador al estilo balada de rock clásica de los 80. Por supuesto, ha llegado acomopañada de un increíble videoclip con toques retro y electrónicos, muy fiel a la esencia del propio Kuqui Alegre. Un videoclip que hoy tenemos el honor de publica en exclusiva.
«Se cierra un ciclo de canciones acompañado de la mejor manera, con la familia. Estamos muy contentos del resultado tan bonito y hermoso que quedó. Lo que mejor sentíamos es que hemos colaborado tantas veces en canciones de bailar, gritar y saltar, que lo más honesto para nosotros era hacer una balada, ¡y qué balada!», explicaba el propio artista en sus redes sociales.
Más allá de este recién estrenado single y videoclip, Kuqui Alegre se dispone a seguir presentando su música, a seguir llevándola por todos los rincones y escenarios nacionales. Tras haber pasado por Cáceres y Villanueva de La Serena, llega el turno del Chat Noir Club de Badajoz (viernes 22 de abril), del Café Teatro de Valladolid (6 de mayo) y de la Moby Dick Club de Madrid (14 de mayo), entre muchas otras fechas aún por confirmar.
«Hay números que se cosen en nuestra sombra a lo largo del camino. Hay piezas del puzzle que vienen a encajar en el momento en que necesitamos ver el sol. Hay personas que te hacen firmar como Sof, dejando a Ellar fuera del escenario». Así presentaba hace algunos días Sofía Ellar su nuevo single y videoclip «Y 23», el cual ha visto la luz hace apenas unas horas. Una canción muy luminosa con un estribillo pop lleno de positivismo y sensibilidad, con una cuidada producción y unas guitarras noventeras que te atrapan desde el primer acorde. Una canción que a nosotras nos ha encantado, desde el minuto 1. No lo vamos a negar. Ha llegado a nuestras vidas en el momento más esperado y anhelado.
Por supuesto, el tema ha llegado acompañado de un videoclip de lo más fresco y veraniego. Una pieza audiovisual que ha estado protagonizada por David Castelló y se ha rodado en Tenerife. Una pieza audiovisual que te invita a soñar con el amor de verano y sumerge al espectador de lleno en el universo Ellar.
De esta manera tan única y particular, Sofía Ellar nos ha dado la primera pista del que será su nuevo y tercer álbum «Libre». Un trabajo discográfico que supondrá el tercero en su carrera artística y que verá la luz el día 2 de semptiembre de 2022. Autoeditado y autoproducido, este disco supondrá un punto de inflexión para Sofía. Un paso firme hacia delante. Una evolución natural a nivel compositivo y con una producción compacta, homogénea, a veces incluso grandilocuente que lleva la esencia del sonido Ellar a otra dimensión. Pero sin perder un ápice de naturalidad y frescura, dos rasgos que siempre han caracterizado el sonido, el trabjo y el buen hacer de la artista.
Así que sí, después de saber todo esto, confirmamos que las ganas de escuchar música nueva van en aumento. Suerte que tenemos «Y 23» para prepararnos.
Lo que nos gusta a nosotras un buen miércoles, rodeadas de música y descubrimientos por doquier. Es por eso que hoy nos hace tan felices adentrarnos en los particulares universos sonoros de estos artistazos y bandas increíbles. Hoy, descubrimos a Drew Schueler, Robespierre, Jaws Of Brooklyn y Róisín O. ¿Te vienes con nosotras?
Tiene una voz increíblemente profunda, capaz de traspasar cualquier tipo de frontera. Lo de Drew Schueler es de otro planeta. A nosotras nos ha enamorado por completo con la versión en acústico de su tema, «To Know I Hurt You». Una mirada cruda y dolorosa a los pensamientos de una persona que ha perdido todo lo que amaba, a causa de sus propios errores. La desolación de no saber que hacer llegados a este punto y de verse completamente perdido. Un intento de disculpa, en un punto en el que incluso eso es demasiado pedir. «Escribo música para los momentos que lo merecen. Cada palabra, cada sonido, cada sentimiento me importa», explica el propio artista sobre este mismo proceso de creación y composición. Una versión increíble, que llega muy poco después de la de estudio, que vio la luz en el mes de enero.
Pegamos un salto al vacío y viajamos hasta el corazón de París, para meternos de lleno en el increíble universo sonoro recreado por Robespierre. Una banda nacida de la sinergia creada por Robin Gentien y Pierre Karson. Dos músicos increíbles e imparables que llevan ya más de una década compartiendo escenarios, aunque solo llevan tres años con este proyecto. Precisamente fue en 2019 cuando comenzaron a desarrollar sus originales canciones y sonidos. Su trabajo combina la calidez de un dormitorio, la dulzura y la generosidad de las canciones pop, así como la energía ardiente y contagiosa de una gran banda en directo apoyada por una emocionante complicidad. Una esencia y unos valores que han sabido cómo volcar a la perfección en su recién estrenado EP, llamado «Fruity Tuesday».
Estábamos a principios de año cuando la banda estadounidense afincada en Seattle, Jaws Of Brooklyn sorprendía con sus primeras composiciones. Sin prisa pero sin pausa. Así han llegado a nuestras vidas «Fever», «Forever and a Day» y «Don’t give up on my love». Tres canciones que se han alzado en muy poco tiempo como auténticos diamantes en bruto. Tres canciones que, en clave de rock and roll y soul de los 60’s, nos han ganado por completo. Y es que ellos son una bana muy particular y especial, gran merecedora del título de gran descubrimiento. Lo que hacen es inexplicable, lo que hacen solo ha podido ser producto del trabajo conjunto de Zia Uddin, Paul Christofferson, Bryan Cohen, antiguos de miembros de Radio Raheem, y de la vocalista Lindsay Love. Combo de escándalo, sin duda alguna.
Por último, pero no menos importante, no queremos olvidarnos de Róisín O, quien acaba de regalarnos una de sus joyas más preciadas: su cuarto single de adelanto, llamado «Stolen». Una canción única y especial, co-escrita con la estrella de la canción Gavin James. Una canción con la que la artista irlandesa no deja de asentarse como una de las grandes sensaciones del momento, dentro de nuestra particular escena musical. «Escribí la letra tras encontrarme con un ex en la calle. De repente, todas las emociones que había enterrado volvieron a surgir. Hablando con él ese día, sentí que ya no lo conocía, a pesar de todo el tiempo compartido juntos. Ese encuentro hizo que las razones por las que terminamos, se volvieron más difíciles de recordar», explica la propia artista.
Descubrimos a Son Savage hace apenas unos meses, a raíz de la publicación de su állbum «Folie à Deux». Un trabajo tan necesario como esperado que surgió a raíz de uno de los momentos más complicados y trágicos para el artista: la explosión producida en el puerto de Beirut hace ya más de un año. Este hecho marcó un nuevo rumbo en la carrera del compositor, que dejó su trabajo de oficina atrás y comenzó a dedicarse en cuerpo y alma a la música. El punto de inflexión necesario para cambiar sus prioridades y dedicar más tiempo a lo que verdaderamente le apasiona. Una filosofía de vida que nos encanta y que, entre otras cosas, nos ha permitido descubrirlo. Aunque lo que de verdad nos ha permitido conocerlo mejor, es hablar con él.
Para la gente que no conoce tu proyecto musical, ¿quién es Son Savage?
En realidad, me llamo Charbel Ghanime y soy cantante, compositor, productor musical y, en ocasiones, director libanés. Son Savage es mi alter ego musical y un proyecto que lancé en agosto de 2021, cuando vio la luz «The River», mi primer sencillo, que llegó al número 1 en las listas de Anghami. Son Savage es un proyecto apasionante y nace como respuesta existencial a una experiencia cercana a la muerte que tuve durante la explosión del 4 de agosto de 2020 en Beirut.
«Superglue» ha sido tu último single, ¿cómo nació?, ¿qué significa para ti?
«Superglue» ha sido un tema muy divertido, probablemente el más divertido de los 12 que componen mi álbum de debut «Folie à Deux» (ya a la venta). La canción nació durante el proceso creativo del álbum y, de hecho, es la pista número 4 del disco. La canción significa mucho para mí a nivel creativo, ya que pude explorar muchas ideas nuevas con ella y siento que realmente amplió mis habilidades como productor musical y compositor.
¿Cómo recuerdas el proceso creativo y de composición?
Todo empezó una noche mientras experimentaba con unas líneas de bajo geniales. De repente, me llegó la línea de bajo principal que se oye en el estribillo de «Superglue». Al final, contraté al productor musical Javier Zacharias, que añadió algunas ideas a mi producción inicial, y luego me puse en contacto con el súper talentoso Vince «Crush» Nuñez, que añadió las partes de talkbox que se oyen en la canción. El resultado final fue esta desordenada, pero interesante canción pop que te engancha desde la primera escucha.
¿Cómo ha sido la respuesta del público a esta canción?
Pues ha recibido un feedback increíble tanto de medios como Verdadera Locura como del público online, especialmente con el lanzamiento del videojuego «SUPERGLUE!», que podéis descargar en vuestros móviles en App Store y Google Play. El juego utiliza una versión chiptune de 8 bits de la canción como banda sonora y está basado en el mismo juego que se ve en el videoclip. Esto añadió una experiencia de inmersión a la canción y permitió al público descubrir y conectar con mi música de una manera diferente.
¿Cómo construye Son Savage su universo sonoro y cuáles son tus principales referencias musicales?
Son Savage aúna mi afición por escribir música pegadiza y con gancho, que adquirí trabajando con compositores de Suecia, Dinamarca, Reino Unido y Estados Unidos; junto con mis diversas influencias enraizadas en el Rockabilly, el Blues, el funk, la Motown, el gospel, la disco y el rock & roll.
Debutaste con «Folie à Deux». ¿Qué significa este álbum para ti?
Para mí, «Folie à Deux» fue la culminación de 6 años de exploración musical y autodescubrimiento. El álbum sacó a relucir mucho de mí como artista y pude desarrollar lo que creo que es un cuerpo de trabajo muy cohesivo pero ecléctico. Estoy muy orgulloso del álbum.
¿Cuál es el mayor aprendizaje que te has llevado desde que publicaste este álbum en 2021?
Mi mayor aprendizaje es que el trabajo duro tiene su recompensa, especialmente cuando te lanzas a hacer algo sin ninguna expectativa de éxito. Me metí de lleno en este proyecto por puro amor a la música, y en el momento en que vi mi canción en el número 1, sentí que todos los oyentes me daban una palmadita en la espalda y me decían «¡Buen trabajo!».
¿Cuáles son tus próximos planes o pasos?
Después de que saliera el álbum, mi atención se desplazó hacia la música experimental. Lo que quiero decir es que la tecnología actual nos proporciona muchas formas nuevas y emocionantes de experimentar la música. Empecé a aplicar esto con la canción «Superglue» y su respectivo videojuego. La idea es que el juego crezca y que, además, se añadan nuevos niveles con bandas sonoras inspiradas en otros temas de «Folie à Deux». También estoy trabajando en un nuevo y emocionante proyecto que también ofrece una nueva forma de experimentar una de las canciones de este recién estrenado álbum. Pero por el momento, no daré más detalles.
Solo quedan dos preguntas, con las que siempre me gusta terminar. La primera es: ¿cuál de tus propias canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras profesionalmente y por qué?
Esa es una gran pregunta. Creo que «Sunflower Anthem», la última canción de «Folie à Deux», describe el estado en el que me encuentro desde que salió «The River». Es un estado constante de euforia mezclado con la mayor gratitud. Me encanta poder hacer lo que hago.
Y por último, ¿cuál es la mayor locura que ha cometido por la música?
Rechazar trabajos corporativos muy bien pagados. Para mí, hay cosas a las que no se les puede poner precio, y la felicidad y la alegría que me produce hacer música valen mucho más que lo que cualquier empresa podría pagarme, por muy loco que parezca.
Empezamos el mes de abril con la llegada de su nuevo EP. Un EP que nos enamoró desde el minuto uno y que no dudamos en incluir en nuestro spotlight de la semana. Solo quien haya invertido un poquito de su tiempo en escuchar «Quiero meterme en tu cama» de K!NGDOM sabe a lo que nos referimos. Cinco son las canciones que conforman este trabajo, que en muy poco tiempo se ha alzado como un auténtico viaje a través de diferentes emociones y sentimientos, como el amor, el desamor, la desazón, la tristeza, la euforia, la ilusión o la desilusión. Todas las fases que podemos llegar a vivir a lo largo de una relación que, por H o por B, termina rompiéndose.
Un nuevo trabajo en el que, sin duda alguna, el trío madrileño nos ha permitido conocer su faceta más íntima y personal. Pero todo explicado y pasado por el filtro de la electrónica. Ese sonido que tanto los ha caracterizado, desde que comenzaran sus andadas allá en el año 2019. Y es que el uso elegante de sintetizadores que combinan con un sonido potente y energético, sus buenas vibraciones y la viralidad de sus canciones, han convertido a este grupo en una de las revelaciones del pop electrónico.
Ahora, llega el ansiado momento de salir a la carretera. «Quiero meterme en tu cama» recorrerá múltiples escenarios nacionales a lo largo y ancho de este 2022, empezando por la Sala Shoko de Madrid (este 22 de abril), la Sala Rock City de València (el 30 de abril), la Sala Almo2bar de Barcelona junto a Morning Drivers (el próximo 7 de mayo) y el festival Planeta Sound de Ponferrada (que se celebrará del 15 al 17 de julio). Todo ello, a falta de muchas más fechas por confirmar. Y vosotros, ¿tenéis las mismas ganas que nosotras de disfrutar de un buen directo de K!NGDOM?
El inicio de una nueva era, un cambio de rumbo, un nuevo comienzo. Una premisa en la que se ha apoyado To Brave My Soul para presentarnos el que es su segundo EP, llamado «Reflected». Con ese espíritu camaleónico que tanto lo caracteriza y con ese ímpetu por mezclar diferentes géneros y estilos, el artista madrileño Rafa Pastor firma su regreso con un trabajo discográfico de 10. Un trabajo en el que ha perdido el miedo a experimentar y a pegar un gran salto, pasando de sonoridades más típicas de los 90, a otras más clásicas de los años 80. Un trabajo blindado y reforzado por unas letras que nos invitan a ahondar en lo más profundo de nuestro ser, haciéndonos viajar entre diferentes estados y emociones, como son el optimismo, la épica, el recogimiento, la sensibilidad o las ganas de desinhibirse y ponerse a bailar. Y todo ello, en el tiempo que duran cinco canciones. Sencillamente, maravilloso.
Surgido en medio de la pandemia y grabado posteriormente en California Studios, «Reflected» ha contado con la colaboración de los músicos Alberto Muñoz (bajo), Pablo Díaz (batería) y David Sánchez (guitarra y bajo). Un EP redondo, conformado por cinco canciones con las que poder sentirnos identificados, pues pone el prisma en situaciones que todos nosotros podríamos llegar a vivir. Sin duda alguna, este segundo EP es una pequeña gran joya que descubrir, es una pequeña gran joya en la que adentrarnos y perdernos.
Nosotras ya hemos tenido la oportunidad de hacerlo, gracias a la intensa e interesante charla que tuvimos hace algunos días con el propio Rafa Pastor. Con él, pudimos repasar el pasado, el presente y un poco del futuro del proyecto musical. Además de saber de primera mano cómo se gestó este EP, «Reflected». ¿Te sumerges con nosotras en este particular viaje?
Es una de las bandas que más fuerte ha pegado estos últimos años, especialmente desde que los descubriéramos con «Stolen Dance». Desde ese momento han pasado ya nueve años y Milky Chance han permanecido incansables al paso del tiempo, regalándonos año tras año nuevos éxitos. En esta onda, «Synchronize» ha sido el último de ellos. Una canción pegadiza y necesaria, que llega dispuesta a arrasar con todo y con el sello innegable de la banda alemana formada por el vocalista y guitarrista Clemens Rehbein, el DJ Philipp Dausch y el bajista Antonio Greger. Acompañada de un videoclip increíble, rodado en Barcelona y dirigido por Marie Shuller, la banda ha puesto toda nuestra escena del revés. Y es que solo ellos saben cómo hacerlo. Solo ellos saben cómo hacer de sus canciones auténticos himnos.
Esta nueva canción es, sin duda alguna, la mejor manera de continuar con la estela que marcaron el pasado 2021 con su álbum «Trip Tape», del que destaca el gran temazo «Colorado». A su vez, también sirve como avanzadilla de todo lo que está por llegar. Y es que no os lo perdáis, porque viene cuarto álbum en camino y, de manera mucho más inminente, gira mundial. Sí, sí, como lo leéis. Importante este último aspecto, especialmente porque España se encuentra entre los múltiples destinos de los alemanes. Id apuntando ya fechas, porque los próximos 11 y 12 de octubre tiemblan las ciudades de Barcelona y Madrid, respectivamente. Los más ansiosos ya podéis comprar vuestras entradas y consultar todas las fechas del tour, aquí.
Ahora bien, mientras permanecemos más que ansiosas por la llegada de ambas fechas en directo (¡que menuda espinita clavada llevamos dentro!), nos quedamos con la entrevista que le hicimos hace algunos días a Clemens Rehbein, con quien analizamos un poco el pasado, el presente y el futuro de la banda. ¡Os contamos esto y mucho más!
En medio de tanta semana de estrés y trabajo, encontramos una pequeña tregua para descubrir nueva música y nuevos talentos, con los que estamos completamente en bucle de nuevo. Hoy, jueves festivo en muchos lugares, nos queremos adentrar en los universos sonoros de estos cuatro nuevo artistazos, que no logramos sacarnos de la cabeza. Hoy conocemos a Lucy Kruger & The Lost Boys, Ian McFarland, Mathieu Saïkaly y Beauty School.
Hay pocas bandas que tengan un concepto tan bien marcado y definido, y que sean capaces de llevarlo al límite, de llevarlo al extremo. Lucy Kruger & The Lost Boys es una de ellas. Y es que apenas unos días volvieron a la carga, tras estrenar su nuevo álbum, «Teen Tapes (for performing your own stunts)». Un disco formado por diez canciones preciosas, poéticas, hermosas, íntimas y descarnadas. Una fiel continuación, una pieza clave en la trilogía que ha conformado junto a sus anteriores trabajos, «Transit Tapes (for women who move furniture around)» y «Sleeping Tapes for Some Girls». Una intrahistoria que documenta un movimiento literal y metafórico de alejamiento y acercamiento, y que alcanza el cúlmen de la liberación con esta última gran joya. Así que desde aquí, solo os podemos invitar a que la descubráis.
Fue el pasado 18 de marzo uando Ian McFarland estrenó su nuevo álbum «Almost There», la fiel continuación de su anterior trabajo «Publicity Stunt Double». Con este nuevo trabajo discográfico, el artista y compositor ofrece un conjunto de temas que muestran lo que mejor sabe hacer: rock enérgico, mezclado brillantemente con líneas melódicas claras y sin adornos. A esto hay que añadir unas letras que van de lo introspectivo a lo edificante y a lo melancólico a lo largo de todo el disco. Un disco del que hay que disfrutar hasta límites insospechados, pero sin dejar de prestar atención al músico estadounidense, que nos explica lo siguiente: «Aunque este puede ser mi segundo lanzamiento ya estoy deseando intentar tener otro largo que encaje en el ambiente otoñal para septiembre u octubre de 2022 con un single ya escrito que estoy llamando Your Heart is My Home». Ahí queda dicho.
Mathieu Saïkaly es un explorador. Lo que caracteriza su búsqueda son sus melodías y sus elecciones de arreglos, atípicos en el panorama del pop francés. Se ha dedicado a la música desde muy joven, cosechando éxitos y éxitos desde que apenas tiene 20 años, momento en el que ganó el talent show francés La Nouvelle Star. Entonces era el año 2014. Ocho años han pasado desde ese momento y no se han dejado de suceder acontecimientos e hitos musicales en su vida. Hasta llegar a este mismo punto. Varios discos, infinidad de singles y miles y miles de escuchas en plataformas digitales. Todo hasta que ha conseguo darle forma y vida a su último single, llamado «Pourquoi tu me dis je t’aime». Una pegadiza balada folk con fascinantes capas de voces entrelazadas, que nos ha encantado desde la primera escucha. Una suave reflexión, que nos hace recorrer estos diferentes pensamientos. ¿Por qué amamos a las personas que amamos?. ¿Se puede encontrar la respuesta a esto? Pues bien, esta canción cuenta la historia de dos amantes que no consiguieron crecer juntos, siendo ambos egoístas a su manera, ambos sufriendo. ¿Qué pueden hacer? Se aman, pero no saben cómo amar profundamente. ¿Qué es entonces este amor? ¿Cómo se llama?
Cuando los escuchamos por primera vez, sentimos que viajábamos a nuestra adolescencia, momento en el que descubrimos a bandas como Sum 41 o Green Day. Y es que Beauty School han sabido cómo recoger esa esencia tan particular y tan punk, adaptándola a este siglo, a este año. «Drysocket» es una maravillosa prueba de ello. Una canción única y especial con la que los de Leeds se han superado. Una canción en la que la banda narra una historia de colapso, con uno mismo, pero también con todas las relaciones que tiene en su vida y que pueden ser tildadas de poco sanas. Joe Caberea explica con más detalle que con este tema, «tratamos de hacer comprender que la relación en la que estás es tóxica. Sin embargo, lo planteamos como viaje para llegar a ese conocimiento. Darse cuenta de las grietas, de las banderas rojas y de que te estás perdiendo a ti mismo». Aprendizaje más que necesario, sin duda. Y primer paso hacia el que será el nuevo trabajdo disvográfico de la formación inglesa. Y es que este tema formará parte del inminente y nuevo disco, «Happiness», que llegará a nuestras vidas en otoño. Revelador todo, ¿verdad?
Lo descubrimos hace muy, muy poco. Y aunque apenas cuenta con una sola canción, Chet Bucke ha conseguido ya lo impensable. Increíble, pero cierto. Con «Leaving (Marie)» nos ha conseguido tocar la fibra. Con este pequeño gran himno folk con toques flamencos, el joven artista vasco afincado en Londres ha conseguido aunar las mejores influencias de un lado y del otro. Ha reunido sus referencias culturales y familiares gracias a su abuela, y sus influencias musicales más actuales, dadas por todo lo que está viviendo en la capital británica. Dos caras de una misma moneda, dos mundos que confluyen en uno solo y que no dejan de representar su identidad a partes iguales.
Una canción única y especial, que no deja de servir como cántico a las raíces, a la tierra, a la familia. Un himno que nació de manera natural, inspirado en un vídeo de la abuela de Chet, cantando una melodía española atemporal. Una inspiración que ha cobrado vida en forma de sentido homenaje, al convertirse en la introducción de la canción. Ya con los primeros esbozos del tema hechos, quedaba otro asunto importante. Por fortuna, ahí estaba Colin Lanz, dispuesto a ayudar en todo lo referente a la producción de «Leaving (Marie)».
A pesar de todo, este no es más que el inicio de todo lo que está por llegar. Y es que a Chet Bucke le queda una prometedora carrera musical por delante. Carrera de la que esperamos ser testigos, porque llega pisando muy fuerte. Por el momento, nos quedaremos con el rato de charla que tuvimos con él hace apenas unos días. Una charla en la que no solo hablamos sobre este single de debut. ¿Quién se esconde tras el proyecto?, ¿qué significa para él la música?, ¿podremos escuchar nueva música pronto?, ¿cuáles son sus pasos más inminentes? Si queréis saber todo lo que nos contó, solo tenéis que darle al play.
Es cierto que he tardado más tiempo del que pensaba leyéndolo, pero prometo que no ha sido por falta de ganas o porque no me enganchara. Sin embargo, ya puedo decir alto y claro que anoche cerré la última página de «Canción de amor definitva», la gran joya literaria de Jorge Martí. Tratar de digerirlo y de ordenar mis pensamientos es lo que verdaderamente me está costando. Conocer a la persona que se esconde tras el artista, tras el ídolo musical al que llevas siguiendo desde que descubriste a La Habitación Roja, darte cuenta de que es humano y que sufre exactamente las mismas cosas que tú. Desmitificarlo, dejar que te roce el alma con su historia, escucharlo, leerlo, quedarte sin palabras, llorar con él, empatizar. Querer suplir todo lo malo con un sincero abrazo. El mismo que me ha dado él, desnudándose y sincerándose con cada palabra de este libro.
Verdaderamente, ha sido hermoso vivir el proceso de Jorge tan en primera persona. Sentir esa emoción por la música, descubrirla a la par que él. Quedarme maravillada por ese ímpetu de dar vida y sacar adelante La Habitación Roja. Sudando con cada problema. Luchando mano a mano contra el gran gigante de la industria de la música. Sentir la euforia de los grandes conciertos, pero también de los pequeños. Crecer a la par que Érika y Frida. Enamorarme de Ingrid una y otra vez, y sufrir con ella cada complicación en su enfermedad. Y también en la del propio autor. No poder evitar llorar con cada fragmento del final del libro, que puede que concentre las partes más duras y complicadas del relato. Pero es que está tan cargado de sinceridad, que es imposible salir ileso de esta montaña rusa de emociones constantes. ¿De qué extrañarnos, pues? En eso consiste la vida.
Poco más que añadir, más que dar las gracias a Jorge por este enorme acto de sinceridad. Consigo mismo y con nosotros. Gracias por visibilizar las partes más duras de la vida y de la música, pero también las más bonitas. Por demostrar que vivir y enfrentar dos mundos tan diferentes no es fácil, y que exige un acto de valentía enorme. Por enseñarnos que a pesar de la autoexigencia y dureza con la que nos tratamos a nosotros mismos, siempre hay esperanza. Por arrojar luz sobre lo necesaria que es tu familia y todas esas personas que te quieren bien, pero sin dar de lado esa imperante necesidad de abrazar tu pasión, la música.
Lo cierto es que tras engullir estas (poco más de) 400 páginas, quiero quedarme con el pensamiento de que la vida está hecha para los valientes y para los idealistas. Sí, hablamos de esa misma vida que, «como un disco, tiene dos caras». Sí, hablamos de esas mismas personas, encarnadas hoy y siempre en la figura de Jorge Martí Aguas.
Al talento no hay que darle vueltas ni tratar de entenderlo. El talento existe o no, sin más. En el caso de Alejo existe. ¡Vaya si existe! Con apenas tres canciones publicadas («Patologías del Bienestar», «Paso Firme» y la recién estrenada «Reina Republicana») y un disco en camino, que verá la luz el 22 de abril, el artista y compositor ha conseguido hacerse un merecido hueco en nuestro corazón. Un proyecto musical íntimo y personal que se ha ido cocinando a fuego lento y que está dando sus primeros pasos. Aunque no serán los únicos. Y es que con alma de pop-rock, pero con una lírica impresionante, capaz de rescatar nuestros problemas más reales y más mundanos, el compositor está dispuesto a dar mucho de lo que hablar a lo largo y ancho de este año 2022.
Más allá de las poquitas canciones que hemos podido escuchar hasta el momento. Más allá de saber que en unos días se avecina nuevo álbum. Existe un detalle que cada vez adquiere más fuerza y peso. Como bien pasa tras el lanzamiento de cada nuevo álbum, siempre llega el momento de su respectiva presentación en directo. En este caso, el gran álbum debut de Alejo tendrá su primera puesta de largo el próximo 14 de mayo en el Cadavra Club de Madrid. Una cita ineludible que hay que marcar en el calendario a la de ya.
Eso sí, mientras ese anhelado momento llega a nuestras vidas, nosotras como que preferimos recordar la entrevista que hicimos al artista hace apenas unos días. En ella, hemos podido conocer más y mejor este proyecto musical que, hasta el momento, era desconocido para nosotras. Y lo cierto es que ha terminado enamorándonos indudablemente. ¿Quieres saber quién se esconde tras la figura del Alejo artista? Pues él mismo nos lo cuenta. Además, nos da alguna pequeña pincelada de todas y cada una de las cosas que están por llegar.
