Basilea está de estreno: y es que el pasado 21 de julio, la banda irrumpió con el segundo de sus singles, «La Chica del Tren», que ya se ha convertido en un gran himno. El himno de los raros. De todas aquellas personas que, de una manera u otra, hemos crecido rodeados de personas estandarizadas, de personas cortadas por un mismo patrón. Un himno para todos los que queremos diferenciarnos y no ceder a la presión social, a lo que debemos hacer, a lo que se espera de nosotros. Porque si algo queda claro es que no nos tiene que importar nada de lo que piensen de nosotros. Un discurso de lo más necesario, contado en clave de indie pop, mezclado con toques electrónicos.
«En mi mente todo es genial y tú eres la chica del tren».
Junto al single que vio la luz hace unos días, también ha llegado el videoclip. Y Jon Oyster lo ha vuelto a hacer: se ha rodeado de todo un equipo de profesionales que han dado forma a este especial clip. Al frente de la dirección, se ha puesto Roser Gamonal en Medusa Studio; mientras que de la edición se ha encargado Adrià Giralt. Por su parte, han participado y aparecido en el vídeo, músicos de la talla de Martí Sánchez, Omar González, Víctor García y Àlex Carretero. Además de, por supuesto, el propio Jon.
Precisamente, este tema llega justo después de conocer su primer «Voz Interior», en el que conocimos la parte más personal e intimista del artista y compositor, que se esconde tras el nombre de Basilea. Unas increíbles cartas de presentación, que nos han enganchado por completo a este proyecto, que dará mucho que hablar. Pero atención, porque esto solo acaba de empezar: se avecina más música, al más puro estilo indie rock, pero pasada por el particular filtro de la formación.
Un jueves cualquier en medio de la desescalada y el camino hacia la nueva normalidad. Tenemos una misteriosa cita de manera online con nuestros amigos de Music Hunters y con un artista al que desconocemos, pero que nos va a presentar su proyecto. Solo hemos podido escuchar una de sus canciones: «Voz Interior». Y la verdad es que nos encanta ese estilo tan personal, ese sonido que viaja entre el indie y el rock y esas letras que te hacen reflexionar. Se trata de Basilea, tras el que se esconde el artista barcelonés Jon Oyster.
Conociendo a Basilea
Ya con el telón alzado, Jon Oyster se presentaba ante la prensa como Basilea. Una banda nacida en el año 2018 y asentado en Barcelona, el joven artista nos habló con una sinceridad abrumadora sobre su proyecto personal. Un proyecto con el que ha irrumpido rápidamente con su primer tema, «Voz Interior», que ya ha visto la luz en exclusiva, aunque seá el 12 de junio cuando esté disponible en todas las plataformas digitales. Una canción de lo más especial que se alza como un verdadero himno dentro del género indie-rock. Una gran promesa que, estamos seguro, será uno de los mayores descubriemientos del año.
Influenciado por bandas como Love of Lesbian, Miss Caffeína, Dorian, Sidonie o Lori Meyers; Basilea ha conseguido encontrar su propio hueco y un sonido muy particular, notable tanto en el tema original, como en acústico, a pesar de que ambas versiones sean muy diferentes. Tiene algo que engancha, que hace que lo escuches una y otra vez, algo que enamora.
Una pequeña semilla que ha comenzado a germinar sin descanso, tras un extenso periodo de reflexión, tras haber lanzado su primer trabajo, grabado entre Dept 17 Studio y Groove Factory Studio. Proyecto al que se han sumado profesionales como Victor García en la producción y Álex Carretero en la co-producción y mezcla. Además, fue clave la colaboración de Tony Mateos (Groove Factory Studio) y Juanjo Muñoz (Catmastering).
Que la música no deje de sonar y aún menos, en los momentos más complicados de la vida. Así es como, píldora a píldora, el indie es capaz de llegar a las Antípodas y volver directo a nuestras casas. Sí, Viaje a Sidney han llegado para quedarse: «Ley de Sombras», «Piezas de Montar» y «Huesos Secos» son las primeras pruebas de ello. Aprovechando todas estas novedades, pudimos charlar un rato con Koldo, una de las voces de la banda y esto es lo que nos adelantó sobre el proyecto.
¿Cómo comienzan Viaje a Sidney su andadura?
Koldo. Hace ya unos cuantos años que Carlos y yo estuvimos tocando juntos en otro proyecto anterior. Después, Carlos continuó en Nada Personal y con otros discos en solitario y yo he estado con Alborotador Gomasio a lo largo de casi diez años. Hubo reencuentro posterior a este paréntesis tan grande en el tiempo y, aprovechando el parón en que están inmersos nuestras otras bandas, decidimos volver a componer juntos y a meternos en el local de ensayo. ¡Más vale lo malo conocido que lo bueno por conocer! A partir de ahí, contamos con Fran a la batería y Juanpe al bajo, ambos conocidos a través de Capitán Sunrise, otro grupo amigo de Madrid. Fran es el batería de dicha banda y Juanpe ha tocado con ellos en etapas anteriores.
¿De qué manera ha influenciado el trabajo previos en otras bandas en el desarrollo de Viaje a Sidney?
K. Bueno, supongo que, en nuestra modesta experiencia con la música, ya sí que tenemos más claros algunos aspectos de, por ejemplo, el directo o la manera de trabajar en el estudio. De hecho, las canciones que hemos grabado hasta la fecha han sido producidas y mezcladas por Carlos Hernández, al que conocí por haber trabajado con él en el último disco de Alborotador Gomasio, «Luz y resistencia».
¿Cómo construye Viaje a Sidney su sonido?
K. Carlos y yo componemos a medias. Hacemos la mitad de una canción y, ante el impulso que uno tiene de acabar su propia creación, la estrofa, puente o estribillo que nos haya salido, se la cedemos al otro para que complete el puzzle. A partir de ahí, ya se la enseñamos al resto del grupo y vemos por qué camino llevar la canción entre todos.
¿Qué importancia tiene el mensaje, las letras para las bandas?
K. Para nosotros, como creo que para casi todos los que hacemos pop en su concepción más amplia, importa lo que digamos y, sobre todo, cómo lo digamos. Supongo que a veces acertaremos más, otras menos…pero sí que le damos vueltas hasta estar contentos, al menos eso.
«Ley de Sombras», «Piezas de Montar» y «Huesos Secos» han sido los tres primeros singles. ¿Por qué estos tres temas como adelanto?
K. Son los primeros que han ido saliendo. Hemos elegido el formato de ir poco a poco con la publicación de las canciones. Aunque tenemos un repertorio más extenso que la gente que ha venido a conciertos ya ha podido escuchar, vamos dejando registradas los temas poco a poco para ir aprovechando los tiempos de publicación como mejor nos convenga en cada momento.
De hecho, de este último ha habido videoclip. ¿Cómo surge la idea del vídeo de «Huesos Secos»?
K. Para este, nuestro primer videoclip, hemos contado con Jonathan Notario, artista plástico de León que también hace animación. Nos gustó su trabajo y pensamos que poder enseñar al grupo tocando era la mejor idea para daros a conocer a los que estamos haciendo música en Viaje a Sidney.
¿Cómo ha sido trabajar bajo la producción de Carlos Hernández?
K. Muy cómodo y con un resultado con el que estamos muy satisfechos. Carlos lleva mucho tiempo entregado a consagrar una manera de producir y trabajar, y funciona a las mil maravillas. Como dije antes, yo ya le conocía de la grabación de mi último disco con Alborotador Gomasio y sabía que era un valor seguro trabajar con él.
¿Cuándo podremos seguir escuchando temas de Viaje a Sidney?, ¿veremos pronto un álbum o iréis publicando single a single?
K. Iremos single a single. Problemas de confinamiento y aislamiento social aparte, tenemos idea de poder enseñaros otra canción para mayo.
En estos tiempos complicados que estamos viviendo, ¿creéis en el poder de la música como elemento curativo?
K. Desde luego que hay que aferrarse en estos momentos a todos los activos culturales que tengamos a mano para poder mantener una actitud mental de buena disposición frente a esta situación. Literatura, cine y música creo que podrán ser, justamente, en momentos como ahora claves para poder volver a tener períodos de reflexión y calma, después de haber estado tantos años inmersos en una actividad de redes sociales y conectividad frenética. No sé qué conclusiones sacaremos de esto, ni cuando saldremos. Creo que estamos todos muy perdidos, aunque haya muchas personas que parezcan tener ahora a mano la llave de todos los misterios. Calma, paciencia y cuidemos de los nuestros, de lo que esté por venir y de cualquier forma de poder.
A pesar de la incertidumbre actual, ¿cuáles serán los próximos pasos de Viaje a Sidney?
K. Lo dicho, un single en mayo y luego se verá. Desde luego, la idea es volver a grabar…pero habrá que ver los tiempos.
¿Qué canción de Viaje a Sidney [aunque solo hemos escuchado tres] define mejor el momento en el que estáis?
K. Ninguna de las que habéis escuchado hasta ahora [risas]. Creo que hay una parte de Sidney, con el mismo punto de actualidad, pero quizá con unas melodías más sesenteras que aún no se han podido ver reflejadas en grabaciones. Aunque eso ya está en muchos de los coros que hay en las canciones que ya habéis escuchado, aún está lo mejor por venir.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
K. Perder dinero desde que tenía 20 años. Ya es bastante locura.
En muchas ocasiones, la juventud no está reñida con la profesionalidad. Precisamente, en muchas ocasiones, el atrevimiento y el trabajo constante mueven montañas. Ejemplo de todo ello son Quinto Elemento, una de las nuevas promesas musicales, que acaban de irrumpir en esta bestial escena. Y es que aunque ya dieron que hablar allá en 2017 con su trabajo «Algunas Locuras», ahora lo han vuelto a hacer con «Tengo». Una canción en la que han demostrado, nuevamente, que lo suyo es puro arte.
Porque sí, porque «Tengo» es especial. Toda una declaración de intenciones que, sin miedo, habla de todas las equivocaciones y errores que cometemos, y de la necesidad de ser conscientes de ellos. Es un grito a esas segundas oportunidades que cualquier persona se merece. A pesar de todo. A pesar de todos. Una madurez que no solo se refleja en las letras o el mensaje, también se aprecia en el sonido de la banda. No es para menos: en dos años han tenido oportunidad de evolucionar, de crecer.
En sintonía con la canción, llega el videoclip. Partiendo de la base de que cualquier acción, siempre tiene consecuencias, el clip también nos invita a reflexionar, a ser medidos, a ser maduros, pero sobre todo, a ser consecuentes con nuestras propias decisiones. Y es que tal y como reconocen los propios miembros de Quinto Elemento: «Somos jóvenes, nos queda mucho por vivir y esta historia se puede extrapolar a cualquier circunstancia de la vida».
Sin duda, 2019 se ha planteado cambiante, aunque 2020 lo será más. La primera piedra está puesta. Pero no os perdáis todo lo que está por llegar. Un nuevo álbum se acerca, en el que, además, ha trabajado José Caballero de Neo Music Box. Profesional de los pies a la cabeza que se ha encargado de la producción. Quinto Elemento, Caballero y Aranda de Duero: la fórmula mágica del éxito. Éxito que muy pronto llevarán por los escenarios. Aunque de momento, lo único seguro es que podremos disfrutar de ellos el próximo 8 de febrero en el Café La Palma de Madrid. ¡En breve, encontraréis las entradas disponibles en Wegow!
Soñar y luchar por lo que se quiere, con la entereza, convicción e inocencia con la que la haría un niño. Sin reprimirlos, sin obviarlos y queriendo dejarlos salir. Todo eso es lo que nos evoca Amaia Valle y su dulce voz, cada vez que canta. Ese poder de los sueños que jamás debe pasar desapercibido. Con la fuerza con la que ella misma está cumpliendo su ilusión de dedicarse a la música. Una artista cargada de ilusión y calidad. Una artista que enamora desde el minuto 1. Y es que tiene una gran particularidad: una sensibilidad innata que hace que se gane al público desde el primer instante y que consigue que cada uno de nosotros hagamos nuestras sus canciones, desde los primeros versos.
Unos rasgos que segundo que vislumbraremos en el segundo trabajo de Amaia Valle en el que, actualmente, se encuentra trabajando. Un trabajo con el que seguro escala peldaños y con el que sorprenderá nuevamente a más de uno. Mientras tanto, podemos seguir disfrutando de su debut, «Tu dos por ciento». Un primer álbum formado por diez canciones auténticas con las cuales la artista, mitad vasca mitad asturiana, se muestra tal cual es. Canciones directas y personales, letras cuidadas y trabajadas. Todas ellas, creadas para ser escuchadas de principio a fin, en cualquier momento del día. Canciones sanadoras y repletas de luz.
Este «Tu dos por ciento» ha servido para que la artista pueda la brecha, ha sido el primer paso para que Amaia entre y comience a darse a conocer. Un trabajo en el que, además, ha estado arropada por un equipo de trabajo insuperable, formado por grandes artistas como Alex Ubago, Amaia Montero, David Bustamante o el propio Nek. Y es que, a pesar de ser el primer trabajo, le ha valido a la artista diversas nominaciones y premios, como el Premio Armas 2018 en la categoría «Mejor canción. Otras escenas». Un galardón obtenido con su primer single, «Abrázame».
Un disco que merece la pena ser escuchado. Un disco que deberíamos ir aprendiendo, para poder cantarlo luego en directo. Sí, amigos, y es que próximamente llegarán las primera fechas de conciertos, en los que podremos ver y sentir a la espectacular Amaia Valle, acompañada por Rubén Abel Pazos. ¡Mucha atención!
Driive han vuelto a hacerlo, han vuelto a sorprendernos. Después de lanzar su primer EP («Strange is Good») y su álbum debut en noviembre, «Hideaway», en el mes de noviembre, lo han conseguido de nuevo. Tras lanzar «The Show» como primer single, llega el turno de «Icarus», segundo adelanto y primer videoclip de este reciente trabajo.
Un acierto total el haber escogido esta canción, «Icarus». Y es que es una de las más especiales y más arriesgadas del disco. Sus casi 7 minutos de duración lo demuestran. 7 minutos que se salen de la típica canción de radio-fórmula y en la que la banda madrileña se explaya, explora, experimenta con diferentes sonidos, que van del rock y post rock, a la música dance. Una escucha pausada, que merece calma y que muestra los pequeños detalles de una producción de este tipo. Una canción perfecta para abrir este primer álbum y que choca directamente con el que fuera el primer single de «Hideaway». Y es que «The Show» sí que era un tema más al uso, mientras que en «Icarus» sí que se muestra más la madurez de la banda.
Una apuesta que ha salido bien y que Driive han sabido ejecutar de manera maravillosa. Y es que gracias a «Icarus», podemos atravesar por diferentes estados y emociones. Una apuesta que se escapa de cualquier estándar establecido por la industria y que, por ello, nos encanta.
El videoclip, que vio la luz el pasado lunes día 10 de junio, ha sido dirigido y grabado por Alejandro de Vega y Álvaro Moriano. Una idea sencilla, pero bien ejecutada, es la clave para este clip. Y es que al final, está rodado como si se tratara de un ensayo: tras la llegada de la banda al local, la calidez de las imágenes se entremezcla con la propia música, con la propia canción.
Si no habéis visto todavía el videoclip, aprovechad y dadle al «play». Estamos ante una de las grandes promesas del panorama indie-rock nacional.
El huracán Driive llega a Madrid el próximo 29 de marzo, preparados para presentar en directo su nuevo trabajo. Es el momento de que «Hideaway» resuene en todos los escenarios posibles. Porque sí. Es un señor «discazo» y los conciertos son el punto fuerte de la banda.
Si todavía tienes dudas, no te pierdas la entrevista que les hicimos hace apenas unos días a los chicos de Driive.
¿Cómo surge el concepto de «Hideaway»?
Nosotros somos un grupo formado por cinco tíos con gustos relativamente compartidos. Tenemos influencias bastantes dispares, pero con algún otro nexo en común. Después del lanzamiento del anterior EP y después de haber girado con él, empezaron a salir temas. Y empezaron a surgir ya de manera conjunta. Habían dejado de surgir canciones tras la suma de las partes. Fue ahí cuando nos dimos cuenta de que estaba surgiendo algo con un sonido Driive.
También influyó el hecho de que hubo cambios en la formación. Se incorporaron dos personas nuevas que llegaron justo ates de la grabación del anterior EP, grabaron y ya. Fue todo más acelerado. Con «Hideaway» fue todo más fluido y el sonido es mucho más representativo.
Un titular que define este disco.
Qué buena pregunta, es difícil [risas]. Nos vienen palabras para definir «Hideaway». Creo que es un disco muy ecléctico, porque hay muchísima mezcla de estilos. Los temas son muy diferentes entre sí, es como un menú de ocho platos. Y es que lo importante es que hemos hecho algo que nos gusta a todos, a los cinco. Y el disco es como un recorrido, como una experiencia, que tienes que empezar desde el principio y acabar por el final.
Siguiendo un poco el hilo del disco como experiencia o recorrido. ¿Creéis que se está perdiendo el poder del disco como discurso?, ¿veis arriesgado el lanzaros al formato disco en estos momentos?
A ver arriesgado, no. Al final, en el arte tiene cabida todo. Sí que es cierto que ha cambiado mucho el modo de consumir música, de entenderla e incluso de que nos afecte, que es casi lo peor. En ese sentido, nosotros sí que nos hemos ocupado de hacer las canciones lo más directas posibles. Pero no nos preocupa nada los estándares mainstream. Sobre todo, queremos hacer algo que nos guste a nosotros.
Volviendo un poco al disco, ¿cómo ha sido todo ese proceso creativo de «Hideaway»?
Ha sido una auténtica pasada. De hecho, esto es lo más divertido: todo el viaje que supone empezar a componer y grabar. Recordamos las primeras sesiones todos juntos, el cómo iban surgiendo las canciones, evolucionando y creciendo, a partir de una idea o de un riff que llevábamos. Ibas componiendo, apenas sin darte cuenta. Cuando pusimos la primera grabación a un amigo, que nos dijo: «qué pegón». Ahí es cuando empiezas un poco a ser consciente, de que estás poniendo como el germen y que, poco a poco, va ganando entidad.
¿Cómo han sido las primeras reacciones?
Pues nosotros tenemos un poco la sensación de que a la crítica le encanta, pero el público no sabe muy bien todavía por dónde vamos [risas]. Es también complicado, porque la gente se tiene que dar cuenta de que existimos. Pero de momento, de la prensa estamos recibiendo muy buen feedback, lo cual es positivo. Al final son ellos los que filtran y publican el contenido. Ahora es cuestión de llegar a más gente y de que les guste lo que hacemos.
Ahora llega el momento del directo. De hecho, el 29 de marzo estaréis en la Costello de Madrid. ¿Cómo lo afrontáis?
Pues tenemos muchas ganas de tocar en Madrid, la verdad. El disco ya ha salido y parece que está gustando, pero en el directo es diferente. En directo creemos que enganchamos, es nuestro fuerte. También porque nuestra música te invita a moverte. De hecho, ha habido gente que nos ha visto en vivo y ha salido sorprendida. Es como: «esto está bien». Así que, bueno, si el público se anima, seguro que se lo va a pasar muy bien.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Hay unas cuantas, apaga la grabadora [risas]. Bueno, así como contexto. Las giras que hemos hecho nos han servido un poco como excusa para salir, visitar lugares nuevos y disfrutar un poco de la música. En realidad, la música es como una locura constante, por todo lo que supone. El llevarlo con el trabajo, el salir de gira, las horas de ensayo.
¡Recordad! El próximo 29 de marzo, Driive actúa en la Sala Costello de Madrid. Si todavía no tienes tu entrada, consíguela ya.
Tienen un estilo muy suyo, muy particular. Eso es lo que los hace diferentes. Eso es lo que hace que sobresalgan. Aquí están Martínez y aquí llegan con su álbum debut, «Grandes Éxitos». Un total descubrimiento esta banda catalana a la que conocimos hace apenas unas semanas. Y en mayo, podremos disfrutar de ellos en vivo en Madrid.
Hace unos días, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Xavi Casanueva, vocalista de la banda. Y esto es lo que nos contó sobre su proyecto, Martínez.
¿Cómo surge todo el concepto de este «Grandes Éxitos»?
Con una foto de la familia Pujol [risas]. En realidad, los de la foto de la portada del disco somos nosotros, vestidos como una familia «bien» típica de los años 70. Esa es la idea primaria de este «Grandes Éxitos». Y todo esto viene porque un día vimos una foto de la familia Pujol y queríamos hacer un retrato tipo, pero dándole un toque más cañi. Quisimos darle la vuelta, hacer sátira de esos grupos emergentes o nuevos que creen que lo están «petando» ya desde el primer disco. Precisamente por eso el llamar a nuestro primer disco «Grandes Éxitos». Es nuestra manera de reírnos de esa situación.
A nivel visual, el disco está muy pensado. ¿Qué importancia tiene la imagen para Martínez?
El diseñador con el que trabajamos es un crack. Se llama Álex Gordo y es un amigo de toda la vida. Él cuida al detalle todo. Se escuchó todo el disco, le pasé todas las letras y empezó a trabajar sobre ideas que quería transmitir con el disco. Por dentro, de hecho, el disco es muy minimalista. Al final, la idea era reflejar el disco pero desde el punto de vista del diseño.
Un titular para «Grandes Éxitos».
Voy a decir dos. Uno de ellos, el que me dice un amigo: rock personal para viejos. Pero yo lo veo más como rock alternativo libre.
Una canción del disco y por qué.
Diría la de «Barcelona 017», el segundo single. Porque sirve un poco de referente. Referente a la hora de hablar de cosas que la gente obvia o que, directamente, no quiere escuchar. En este tema, hablamos un poco de lo que vivimos en Barcelona en el año 2017, desde el atentado hasta las «hostias» del 1 de octubre. Todo desde un punto de vista personal y subjetivo.
¿Esa debería ser un poco la visión de la música, no?
Bueno, es uno de los conceptos. Yo respeto mucho a la gente que opta por otras vías y que prefiere hablar de lo guay que es o de cosas más banales. Ojala aprenda yo en algún momento a hacer música así, pero de momento no he sabido hacerlo. Lo que he sabido hacer es contar historias que hacen pensar y que me remueven la conciencia. De todos modos, respeto todo y creo que hay sitio para todos.
¿Por qué «Barcelona 017» y «No nos conoce ni Dios» como adelantos?
Bueno, «No nos conoce ni Dios» es un poco una declaración de intenciones. Habla un poco de la banda que empieza y a la que nadie hace caso. Así como nosotros [risas]. Luego, a nivel de estructura, evoca a las dos intenciones que había a la hora de hacer el disco: una más moderna e indie; y otra más rock. Y es que a partir del minuto 2, cambia por completo.
En cuanto a «Barcelona 017» es el único tema que hemos hecho, consiguiendo que no tenga más de cuatro acordes. Y en cuanto lo tocamos en el local, nos sonaba a single. Además, tiene un ritmo muy funky. Además, la temática también nos parecía muy guay.
Ya habéis tocado en Barcelona y en mayo actuáis en Madrid. ¿Cómo lo afrontáis?
Pues con muchas ganas. Al acabar el concierto de Barcelona, nos miramos satisfechos diciendo: «cómo molamos, ¿no?» [risas]. Y la gente también nos dio muy buen feedback del directo, porque se notaban mucho las ganas y el trabajo que hay detrás. En Madrid esperamos que sea igual, por nuestra parte que no quede.
Después de Madrid, ¿cuáles serán los siguientes pasos de Martínez?
¿Los siguientes pasos de Martínez? No sé. Reventar todas las salas y escenarios posibles [risas]. Ahora estamos haciendo todo el trabajo de management, picando piedra a tope. Creo que este verano ya no entraremos en ningún festival, hasta que no esté al menos, la cosa un poco más rodada.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Dejar mi trabajo y ser feliz con el cambio. Y, por supuesto, disfrutar de la música que haces.
La música cuenta lo que muchas veces las palabras no pueden. Creo que no hay una mejor definición posible. Y es que como amante de la música, suelo recurrir a ella en más ocasiones de las que me gustaría. Lo dice alguien a quien la intensidad y la emoción le aborda en el 99’9% de su vida. Por eso, tratar de revivir un concierto como el que se marcaron Gotelé el pasado jueves en la Sala Jazzville de Madrid es, cuanto menos, complicado. Ellos solos sobre el escenario, en acústico, sin trampa ni cartón.
Prometía ser intenso, de esos conciertos que se quedan marcados a fuego en la piel, como cuando te haces herida y queda marca. Pero marca de las buenas, de las que no duelen. También auguraban bastantes sorpresas, que fueron desvelando una a una a lo largo de la noche.
La Sala Jazzville estaba llena, nadie quería perderse el gran momento. Y como quien se sube a «El Ring» dispuesto a pelear y, en realidad, comienza a contar una gran historia transformada en canciones, llegaron «Centeno», «Vuelven» o «No soy yo». Temas que se hilaban uno detrás de otro, haciendo magia. Una magia que ni siquiera se pausaba cuando ellos se paraban a hablar. Y es que entre risas y bromas, aparecieron las primeras sorpresas en forma de colaboraciones. Primero llegó Dani, vocalista de Señor Nadye, quien se atrevió con «Humanos». No fue el único. Justo en el momento en el que tocaba cantar «Se buscan», apareció Sergio, cantante de Canard. Y cuando creíamos que lo habíamos visto todo, nos sorprendió la maravillosa voz de Eme de la Flor, a quien descubrimos muy poco tiempo atrás.
«Qué te voy a decir», fue algo indescriptible. Probablemente fuera la primera vez que veíamos a Gotelé en acústico y fue un acierto total. Totalmente diferente a cómo nos tenían acostumbrados, pero triplicando la dosis de emoción. Aún «Te recuerdo» ahí, en la sala, tratando de seguir cantando «Dale Duro» o «Cruz Vieja». De una manera u otra, todo estaba llegando al final. Podríamos haber cerrado los ojos y haber sido capaces de viajar, de trasladarnos a cualquier «Paramera». Nadie, nadie habría conseguido movernos, ni siquiera al grito de «Hacedles despertar». Lo único capaz de sacarnos de ese viaje sonoro fue «Alas de Cera». Y solo porque queríamos disfrutar del momento de cantarla con los mismísimos Gotelé.
Todo había llegado a su fin. Un concierto que, para nuestra desgracia, fue demasiado corto. Pero pronto volveremos a «El Ring» para un segundo asalto. El próximo 23 de mayo, la mítica Moby Dick se convertirá en el cuadrilátero perfecto, en un concierto que promete ser el último. Sí, amigos, la gira de Gotelé llega a su fin en salas. Nosotros estaremos allí. ¿Y vosotros?
Hablamos con ellos hace unas semanas, pero es que hace unos días pudimos ponerles cara, al fin. Perdiendo los Papeles se sometieron de nuevo a las preguntas que les hicimos desde Verdadera Locura, en concreto, fue Alberto Alejandre (voz y guitarra) quien las respondió.
Estuvimos charlando sobre la banda y sus próximos pasos, y sobre su nuevo disco que está por llegar. Es la hora de «No Apagues La Luz».
Y si estás por Madrid y los quieres ver, aprovecha, porque el próximo 31 de marzo estarán en el «Domingo Acústico», organizado por la agencia de comunicación Music Hunters.
¿Cómo surge el concepto de «No Apagues La Luz»?
En esta ocasión fue bastante más fácil que en otras. Anteriormente, sí que tratábamos buscarle un sentido al disco, tras tener las canciones, lo cual era bastante complicado porque encima somos cinco. Así que en esta ocasión, optamos por lo simple, por lo que pensábamos que iba a funcionar. Así que decidimos escoger el nombre de una de las canciones, como título del disco. Ya no por dejadez, porque hubo bastante lluvia de ideas, si no porque queríamos hacer las cosas mucho más sencillas.
De hecho, en el inicio le dimos tantas vueltas, que uno de los nombres que llegamos a barajar fue «Serendipia», porque también veíamos el disco como una utopía, al ser nuestro primer disco de larga duración, en el que además trabajamos con un gran productor como es José Caballero. Pero al final, lo descartamos porque creímos que sería complicado de recordar para la gente.
Un titular que lo defina.
Este disco es un disco fresco, actual y potente. Cuando la gente lo escuche, creo que es lo que la gente va a percibir, porque es lo que nosotros intentamos transmitir.
Una canción que sintetice el disco.
Es complicado. Ahora mismo, la canción que está circulando ya por nuestras plataformas digitales, es «Ahora es tarde». Creo que representa y no representa el disco. El motivo es que hemos tenido una libertad brutal a la hora de crear el álbum y no nos hemos querido ceñir a ningún estilo concreto. Así que sí que es cierto que este tema es muy fresco y va muy en la línea de lo que queremos transmitir, pero no es lo único que encontrará la gente.
¿Cómo fue trabajar con José Caballero?
La verdad que fue una experiencia genial. Creó un clima maravilloso. Ir a su estudio, fue como ir a casa de tu mejor amigo. El primer día sí que estábamos más asustados, por lo que representa, pero ese sentimiento desapareció enseguida cuando fue él quien rápidamente comenzó con las bromas. Al final, el buen clima que se creó, se ha plasmado totalmente en el disco.
En este disco, habéis contado con colaboraciones como la de Dani de Despistaos o la de Pedro y Nando de La Fuga. ¿Cómo surgen?
Para nosotros, colaborar con ellos ha sido como cumplir un sueño, porque admiramos mucho a ambas bandas. Fue algo súper increíble para nosotros. Creemos que son cosas que nos regala la música.
¿Cómo ha evolucionado Perdiendo los Papeles?
Pues la verdad es que miramos atrás y nos parece muy bonito el camino que hemos recorrido. Y haber dado este pequeño salto ha sido brutal para nosotros: el ver cómo nos llamaba José Caballero para trabajar con él, el ver cómo actuábamos en lugares en los que teníamos muchas ganas de actuar o el comprobar cómo vamos mejorando. Y eso que yo me he perdido esa fase inicial que quizás fuera la más dura, porque yo llegué hace cinco años y la banda lleva ya una década de recorrido.
¿Qué importancia tienen los mensajes en las canciones de Perdiendo los Papeles?
A nivel compositivo, las letras solemos hacerlas entre Jesús Sáncehz (guitarra) y yo. Luego en el local, con el resto de banda vestimos las canciones. Pero sí que es verdad que está guay que haya como dos puntos de vista a la hora de crear las letras, porque así hay mucha más variedad. ¿Sobre qué escribimos? Pues la verdad es que al final eso ha ido cambiando, en función del momento vital en el que estamos o en función de lo que nos conmueve. Sin ir más lejos, tenemos una canción en contra del bullying. Salió de manera natural y porque al final es un tema del que creíamos que teníamos que hablar.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por Perdiendo los Papeles?
Creo que meternos en el jaleo de intentar dedicarnos en cuerpo y alma, por todo lo que conlleva tratar de vivir de ella. Pero oye, ojalá esta locura dure muchos años.
Los conocimos hace algo más de un año, cuando estaban presentando «Vertical» en la Sala Siroco. Desde ese momento, el recorrido de Gotelé ha sido imparable. Como un cohete que ce manera inexorable viaja hacia el espacio. Así, de manera ascendente. De hecho, 2018 ha sido una auténtica revolución para los de Ávila, que no olo han actuado en salas míticas de toda la geografía, también en festivales. Como Sonorama Ribera o el Festival Gigante.
Pero es que 2019 ha comenzado igualmente meteórico. En su necesidad (y la nuestra) de no parar y seguir redescubriendo bandas de manera incesante, este jueves 14 de febrero podremos escuchar en vivo a Gotelé. Sí, en el día más romántico del año. Precisamente, porque en más de un caso, celebrar la música y celebrar el amor, van demasiado de la mano. Esta será la gran vuelta de Gotelé a Madrid, concretamente a la Sala Jazzville. La romántica y rockera cita, dará comienzo a las 21.30 horas. Y, aunque no han querido entrar en detalles, los abulenses prometen desvelar más de una sorpresa sobre el futuro de la banda. Así que mejor no perdérselo y sacar las entradas ya (aquí).
La meteórica carrera de Gotelé con «Vertical»
Saltar. Saltar tan alto como las nubes. Volar con «Alas de cera». Luchar y pelear. Todos, conceptos que aluden a la verticalidad. Así es como se concibió y nació hace cerca de un año «Vertical», trabajo más reciente de Gotelé. Justo así nos lo contaban el día que los entrevistamos: «Tuvimos muchas dudas. El disco tiene varias canciones que hablan de nubes, de salto o de arriesgar. Habían algunos conceptos identificativos, pero al final nos quedamos con Vertical». No podía ser de otra forma.
Desde entonces no han dejado de crecer. Lo cierto, es que pueden estar muy orgullosos de todo lo que han conseguido. Por haber peleado tanto y por haberlo conseguido. Y eso que arriesgaban mucho, ya que tal y como nos contaban: «Este trabajo es más cañero. Antes coqueteábamos con cosas más acústicas, más folk, más tranquilotas. En este trabajo, hemos experimentado más con el pop rock. Queríamos ofrecer un disco de 10 temas, desde distintas perspectivas, pero con energía y epicidad, […] palabra que viene de épico».
Y tan épicos han sido. No sabemos vosotros, pero nosotros sabemos que será un concierto que habrá merecido la pena vivir. Así que no faltaremos este jueves a esta cita tan romántica y rockera.
Ha pasado cerca de un año desde que Flavio Bánterla publicara su trabajo debut, «Mystic Pop». Un trabajo lleno de matices, color e introspección. Un trabajo que no deja de sorprendernos, ya que cada vez vamos descubriendo nuevos detalles. El último de ellos: «Minimal», tema del que recientemente ha publicado videoclip.
Hace algunos días, nos reunimos con el propio Flavio en pleno centro de Madrid. Con él, desgranamos poco a poco este trabajo debut. Y esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Mystic Pop»?
Pues «Mystic Pop» es el resultado de una búsqueda personal inevitable. Desde siempre tengo la inquietud de descubrirme a mí mismo, para liberarme de cosas. Desde hace cuatro años, me he enfocado en hacer canciones en este sentido.
Lo de «Mystic» tiene muchos significados. Uno de ellos es el contacto con la divinidad. Y tengo esa sensación curiosa, no tiene nada que ver con ninguna religión. Va más en la dirección de conectar con uno mismo.
Aprovechando un poco este hilo, me gustaría saber cómo entiendes tú la música.
Para mí la música es una pasión innata y es una forma de expresión, que me acerca a mi mayor deseo. Y lo voy a dejar ahí [risas]. Es una manera de sentirme cómodo y de adentrarme a donde yo quiero entrar.
Volviendo un poco a «Mystic Pop». ¿Cómo ha sido la acogida del disco?
Pues lo he publicado con un sello grande, entonces ha habido ocasión de generar ruido inicial. De hecho, el primer single tiene ya muchísimas escuchas. Así que para mí ha sido una gran ilusión. Creo ha habido bastante gente que ha conectado con las canciones. Lo que nos falta es trasladarlo a los directos, ya que todavía no hemos tenido mucha oportunidad de tocar. Pero estamos trabajando para cerrar más fechas.
Un titular que lo defina.
Música para alcanzar la paz.
Una canción que sintetice el concepto del disco.
Quizás diría el primer single que sacamos, «L.I.G.O». Es la primera que sacamos y se ha convertido en la más popular. Habla del momento, del instante en el que vivimos. Y creo que da esa sensación de que el mañana no importa, de que solo tenemos el ahora.
¿Qué importancia tiene el mensaje en las canciones?
Para mí tiene muchísima importancia. Sí que es cierto que no necesariamente tiene que ser un mensaje verbal, pero siempre tiene que haber una voluntad detrás. Si no a mí no me enganchan las canciones.
¿Crees que en la música se ha perdido ese trasfondo?
Sí que creo que hay muchos artistas que han perdido el norte, en cuanto a que no buscan transmitir un mensaje, si no que buscan otras cosas. Y para mí la música no es eso. Que tampoco soy quien para juzgar el trabajo de los demás, pero esa es la música que me gusta a mí. Creo que en algunos géneros musicales, se tiende aún más a la frivolidad.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Flavio Bánterla?
Voy a entrar a grabar las baterías del segundo disco, que lo tenía terminado antes de que viera la luz «Mystic Pop». Y lo veo con buenos ojos, me gusta lo que hay.
¿Habrá mucho cambio respecto a este «Mystic Pop»?
¡Ah! Eso todavía es pronto para decirlo [risas]. De alguna forma, es como el empoderamiento de lo que hay ahora y creo que eso se va a notar.
Bueno y volviendo un poco, estamos también preparando un «Yoga Tour 2019», que fue totalmente una idea de Andoni, el batería de la banda. La idea es tocar en diversos centros de meditación. Y de manera paralela, también estamos buscando fechas en salas. Además, este mes lanzaremos nuevo videoclip.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Locura no sé si es, pero hace cuatro años era una persona normal. Pero decidí dejarlo todo para tratar de vivir de la música. He abandonado la creencia de que hay que tener un trabajo para tener dinero y he empezado a hacer lo que creo que tengo que hacer. Independientemente de que eso me lleve a ser rico o ser pobre. Es algo que no me está limitando.
