Etiqueta: Music Hunters

  • Denea nos regala una noche de cine, despidiendo su «8 Rojo»

    Denea nos regala una noche de cine, despidiendo su «8 Rojo»

    Es una de las bandas que más veces hemos visto en directo. Igual que también es una de las bandas cuya evolución ha sido más patente, en este último año y medio. Los conocimos cuando apenas estaban comenzando a presentar su «8 Rojo» y ahora, están ofreciendo los últimos directos de un disco que tanto nos ha regalado. Se trata de Denea, que el pasado sábado 2 de febrero, comenzaron a despedirse de su debut en la sala Juglar de Madrid. Aunque antes, pudimos descubrir a otra gran banda, llegada directamente desde Barcelona. Ellos eran Fulcanelli.

    Con bastante puntualidad y sin nada de tiempo que perder, los catalanes salieron al escenario de la Juglar, para comenzar a presentarnos los temas de «Tercer Intento». Todavía no eran las 10 de la noche. Una a una fueron apareciendo canciones como «Planes de futuro», «Turistas», «Inventario», «La dinámica de los cuerpos» o el tema inédito, que no aparece en ninguno de sus trabajos, «Dudar de todo».

    Lo cierto es que íbamos sin ningún tipo de pretensión con Fulcanelli, porque nunca antes los habíamos escuchado. Y, sin duda, fue una grata sorpresa. Con su potente concierto y sus letras directas, la banda catalana nos enganchó desde el primer segundo. Sin duda, será uno de nuestros grandes descubrimientos de este 2019.

    Y llegó el gran momento de Denea. Eran apenas las 22.30 horas y, para entonces, la sala ya estaba llena. Como siempre, el público parece llegar a cuenta gotas a las salas. Pero aquella noche era especial. No solo por el cartel de «sold out», colgado apenas el día de antes. También porque la banda madrileña nos había preparado alguna que otra sorpresa en forma de canción nueva o algún que otro cambio en las que ya conocíamos.

    Empezaron con «100», como el número de personas que esa noche nos encontrábamos en la sala. Y poco a poco fueron apareciendo las demás. Los cambios se notaban y las canciones comenzaron a adquirir una dimensión mucho más potente, mucho más eléctrica. «Su Templo», «2 de noviembre», «Detrás de una vela», «Despertad» o «No me ves», nos trasladaron de repente, a otros lugares que para nosotros eran desconocidos. Y ellos estaban transformados, diferentes, como si fueran una especie de «Superser», capaces de todo. Probablemente esa sea la grandeza de un artista, hacerte sentir diferente emociones con una misma canción.

    Tal fue la evolución, el cambio o el paso agigantado que Denea dieron con este concierto que, nos sorprendió de manera muy positiva que fuera Irene, y no Borja, quien comenzara a cantar gran parte de «Frágil». A partir de ese momento es cuando empezó la acción, el material inflamable, las emociones fuertes. Una recta final en la que mezclaron muy bien temas conocidos por todos, como «Tu Voz» o «Nervios», con alguno que otro nuevo, como «Claustrophobia» o el increíble «Incendio».

    Eso sí, como no podía ser de otra forma, «La Luz» cerrando. Y es que, precisamente, eso es lo que son ellos: Luz. Y lo volvieron a demostrar una vez más el pasado fin de semana.

  • Denea se prepara para despedir «8 Rojo» en Madrid

    Denea se prepara para despedir «8 Rojo» en Madrid

    El camino por el «8 Rojo» ha sido mágico, porque nos ha dejado multitud de momentos y de música. Sin embargo, como todo en la vida, el final se acerca y quizás, sea ya el momento de decir adiós a un disco que nos ha marcado tanto. Pero todavía nos quedan unos cuantos cartuchos por quemar. Y es que este sábado 2 de febrero, Denea mostrará de nuevo sus cartas en la Sala Juglar de Madrid. Con ellos, y directamente desde Barcelona, estarán Fulcanelli.

    El concierto de Madrid, se postula como uno de los últimos antes de que la banda madrileña regrese al estudio, para trabajar en el que será su segundo trabajo. Además, también supondrá un punto de inflexión, un antes y un después, aunque la esencia Denea siempre permanezca.

    Cartel: Luis del Amo
    Denea y Fulcanelli, la combinación perfecta

    Era marzo de 2017, cuando en un Café La Palma a rebosar, descubrimos a Denea. Por aquel entonces, «8 Rojo» tenía muy poca vida y era el momento perfecto para presentar las canciones. Han pasado casi dos años desde ese momento, y hemos visto girar a Denea por multitud de escenarios y ciudades. Cada pequeño detalle lo han cuidado y han exprimido su disco debut al máximo. Y nosotros lo hemos exprimido con ellos. De hecho, mentiríamos si dijéramos que no nos hemos aprendido las canciones en cada concierto en el que los hemos ido a ver.

    Pero todo tiene su fin. La presentación del videoclip de «La Luz» hace unos meses, ya sirvió de aviso. Esa fue la antesala de que este proceso estaba llegando a su fin. Pero la vida crea más vida y es momento de crear un nuevo trabajo, que nos haga disfrutar al mismo nivel que «8 Rojo».

    Así y todo, las despedidas siempre son especiales y cuentan con distintas sorpresas. Para esta gran puesta de largo en la capital, Denea no van a estar solos. Directamente desde Barcelona, vendrán Fulcanelli, para inundar la Juglar con su música. Y es que los catalanes llegan dispuestos a presentar las canciones de su primer LP, «Tercer Intento». Además de recordar y dar el puesto que se merecen, a los temas de sus tres anteriores EP’s.

    Si todavía no tienes tu entrada, hazte con ella en Entradium, porque quedan pocas. Y si no puedes verlos en Madrid, tendrás dos nuevas oportunidades en Zaragoza (8 de marzo en la Sala La Bóveda) y Barcelona (9 de marzo en la Sala Nota 79).

  • Perdiendo los Papeles: «Este nuevo disco será fresco, potente y actual»

    Perdiendo los Papeles: «Este nuevo disco será fresco, potente y actual»

    Vienen directamente desde Calatayud, Zaragoza. Ellos son los jovencísimos Perdiendo los Papeles. Una de las grandes apuestas de este 2019, que en apenas un mes, sorprenderá con nuevo disco. Por el momento, hemos podido escuchar el primer avance de este «No Apagues La Luz». Se trata del tema «Ahora es Tarde», que ha sido ya una auténtica revolución.

    ¿Cómo surge el concepto de «No Apagues La Luz»? 

    Después de deliberar varias opciones al final decidimos optar por lo sencillo, que siempre suele ser lo que mejor funciona [risas]. Así que elegimos el nombre de la primera canción del álbum.

    ¿Cuándo podremos escuchar el disco al completo? 

    Todavía no podemos asegurar una fecha exacta, ¡pero para febrero estará ya!

    ¿Cómo lo definiríais en dos o tres palabras? 

    Fresco, potente y actual.

    ¿Cómo ha sido trabajar con José Caballero en los Estudios Neo? 

    Un verdadero placer, fue una grabación muy cómoda. Creamos con José Caballero un ambiente amigable, y todo fue muy rodado. ¡Desde aquí le mandamos un abrazo fuerte!

    ¿Por qué «Ahora es tarde» como primer adelanto? 

    Creemos que es una canción que representa en su totalidad todas las características musicales que puedes encontrar dentro del álbum.

    ¿Cómo surge la idea del videoclip? 

    Queríamos hacer algo diferente a lo que llevábamos haciendo, típico videoclip con su historia. Y nos planteamos plasmar en un vídeo toda la potencia de nuestro directo, pero desde la cara de lo visual.

    ¿Cómo afrontáis el concierto en Costello? 

    Para nosotros es el comienzo de una gira/etapa que afrontamos con muchísimas ganas e ilusión, y que dentro de unos meses podamos decir que nos ha traído muchas alegrías, y que mejor manera que comenzar por Madrid, la capital.

    Siguientes pasos de Perdiendo los Papeles. 

    Ahora intentaremos ofrecer lo mejor de nuestro directo a la gente durante la gira, y su vez preparar nuevas formas de presentar nuestra música (videoclips, formatos acústicos). Sin duda, habrá muchas sorpresas.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    La verdad es que la mayor locura que hemos cometido, ha sido dejarnos llevar por la misma. La propia música y todo lo que conlleva es una verdadera locura de la que estamos completamente enganchados.

  • Llorente: «Es la gente corriente la que realmente cambia la historia»

    Llorente: «Es la gente corriente la que realmente cambia la historia»

    Lo descubrimos hace unas semanas en Galileo Galilei, y sabemos con certeza que Llorente tiene estela y magia. Esta misma semana, regresa a Madrid para seguir presentando su trabajo, «Gente Corriente». La cita será en Libertad 8. Por fortuna, esta no será la única ocasión que veamos al artista en la capital, pues el próximo 10 de noviembre, actuará en Jazzville.

    A propósito de este nuevo trabajo, pudimos entrevistarlo y esto es lo que nos contó.

    ¿Cómo surge el concepto de «Gente Corriente»?

    Siempre he pensado que hay grandes historias que contar detrás del común de los mortales pese a no estar en las portadas la prensa.

    Adoro los personajes secundarios, lo que ocurre detrás del foco, y detesto los histrionismos y divismos, algo bastante asociado al mundo de la música, por cierto.

    ¿Por qué esa oda, por qué esa relevancia a la gente corriente?

    La gente corriente es muy relevante. Estoy convencido de que más allá de los líderes, es la gente corriente la que realmente cambia la historia.

    Melancolía, nostalgia, ¿por qué rescatar todos esos sentimientos en este trabajo?

    Son sentimientos que siempre me han acompañado, por lo que más que un rescate es un ejercicio de coherencia. Personalmente, tanto la melancolía como la nostalgia me resultan muy útiles para revisar cosas pasadas, aprender y afrontar el futuro desde un punto de vista renovado y mucho más amplio. Además son ingredientes que mezclan muy bien con la música.

    Un titular que defina este álbum.

    «Gente corriente» pretende emocionar rebuscando debajo de lo que no se ve.

    Una canción de «Gente Corriente».

    Si tuviera que elegir una me quedaría con «Arrugas». El mensaje del estribillo resume muy bien la esencia del disco: «Para partir no me llevaré nada, salvo las arrugas de mi cara». Creo que lo realmente importante es el mapa que cada uno vamos construyendo poco a poco en la piel con todo aquello que vivimos, reímos, lloramos.

    ¿Cómo fue grabar en los Estudios Tripolares?

    Una experiencia genial. Compartir dos semanas de grabación con gente a la que admiro tanto como Fabián y Juan Marigorta para mí fueron unas vacaciones soñadas en León. Ver cómo crecían las canciones día a día en el estudio fue de lo más emocionante. Lo pasamos muy bien jugando y probando diferentes posibilidades. Estoy deseando volver a grabar con ellos.

    ¿Cómo se dieron las colaboraciones con Fabián y Jesús Cifuentes?

    Son colaboraciones más que necesarias y justificadas.

    Fabián colabora en «Aquí». Esta canción está inspirada en su tema «Mis calles de arena». Jesús Cifuentes participa en «Desde el 20 de abril», canción que hace referencia al mítico «20 de abril», de Celtas Cortos. Es un orgullo que hayan querido participar y les estoy muy agradecido por su generosidad y talento.

    Te mueves mucho entre el pop rock, el rock, el folk. ¿Una manera de buscar tu propio sonido o de huir de etiquetas?

    No es un huida sino un reflejo de lo que me ha acompañado siempre. Me encantan muchos estilos distintos de música, por lo que no es raro que en el disco suenen cosas diferentes. Nunca pienso “voy a hacer una canción de un estilo determinado”. La premisa fundamental es que la canción tenga algo que me emocione. Sea del estilo que sea.

    Tres palabras que definan lo que es Llorente, a día de hoy.

    Honestidad, búsqueda y calma.

    Te descubrimos en directo junto a Nadia Álvarez. Fue un concierto muy emotivo y bonito. ¿Cómo lo viviste?

    Tú lo has dicho. Fue una noche emotiva y muy bonita. No era la primera vez que Nadia y yo compartíamos escenario y seguro que vendrán muchas más, pero la noche de Galileo Galilei fue muy especial porque se presentaba el discazo «Mundos sutiles». Nos hizo una ilusión tremenda a toda la banda estar allí, y volvimos a Zaragoza con una sonrisa de oreja a oreja por cómo salió todo y lo mucho que disfrutamos.

    Próximamente, pasarás por Madrid. ¿Cómo afrontas el regreso a la capital?

    Con mucha ilusión. Estamos preparando dos conciertos muy diferentes para lo que viene.

    Este miércoles 24 de octubre, en Libertad 8 haremos algo muy íntimo y acústico, en formato trío, que me apetece muchísimo. Va a ser interesante escuchar las canciones despojadas de casi todos los arreglos. Habrá bastantes sorpresas.

    El sábado 10 de noviembre en Jazzville vendremos con toda la banda y queremos que sea una gran fiesta.

    ¿Siguientes pasos de Llorente?

    Tocar, grabar cosas nuevas y seguir disfrutando de todo esto. De momento, no puedo concretarte más cosas.

    ¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

    Cualquiera que actualmente se lance a autoproducir sus canciones sabe que está cometiendo un acto inevitable y necesario de locura.

    Si lo que quieres es una anécdota, aquí va la última: No hace mucho, un lunes por la tarde, después de salir de trabajar, conduje más de seis horas para probar una guitarra de segunda mano que había visto en Internet. La guitarra volvió esa misma noche en el maletero.

    La playlist de Llorente

  • Nadia Álvarez nos introduce en sus «Mundos Sutiles»

    Nadia Álvarez nos introduce en sus «Mundos Sutiles»

    Hace apenas unas semanas, veía la luz «Mundos Sutiles», nuevo álbum de Nadia Álvarez. Un disco especial que muestra a la Nadia más personal, a la vez que homenajea al gran Antonio Machado. Y, por supuesto, tenía que tener su respectiva presentación. Madrid, tuvo la primera toma de contacto con la artista leonesa, el pasado miércoles 3 de octubre. La Sala Galileo Galilei fue testigo de una noche muy emotiva, en la que Llorente fue el encargado de abrir el concierto.

    Llorente llegaba desde Zaragoza, preparado para presentar los temas de su nuevo álbum, «Gente Corriente». No faltaron temas como «Para no volverte a ver», «Corazón coraza» y, por supuesto, «La Camiseta del 92». Nos habría gustado disfrutar mucho más de su voz, porque tiene algo mágico en ella. Pero esa noche fue distinta, era el momento de Nadia Álvarez que, puntual, comenzaba en torno a las 22.00 horas.

    Nos encontrábamos en pleno «Estado de sitio». Y, ella, como si de un gran «Salto al vacío» se tratara, salía al escenario. Ya estaba preparada para presentar las nuevas canciones de «Mundos Sutiles», además de recordar las de su anterior trabajo. Desde el primer instante,nos atrapó, con esa combinación perfecta de voz dulce, timidez y seguridad constante. Hay personas con ángel y ella es un claro ejemplo de ello. Arropada por su banda, Daniel Campillo (batería), Ángel Herranz (bajo), Jesús Sangui (guitarra), Álex Larraga (teclados y acordeón). supo guiarnos con sutileza por todo su mundo. Aunque también dio pie a momentos más intimistas, en los que su voz y su guitarra eran los únicos protagonistas sobre el escenario.

    Con esa eterna sensibilidad que se intuye tras Nadia, justo en el momento en el que llegaba «Pequeños Infantes», no tembló al recordar esa ingenuidad y modo de ver la vida que tienen los niños. De ahí que invitara al escenario a los más pequeños de la sala. Probablemente, fuera uno de los momentos más emotivos del concierto, junto al nuevo tema que interpretó poco después con Llorente: «Una canción de despedida», que ni mucho menos lo fue, porque todavía quedaba tiempo de concierto.

    Ni «Cuatro Caminos», ni ningún camino bifurcado, pudo impedirnos el cantar con ella, canciones como «Mis Tormentas, Tus Dudas» o «Vuelve». Ahora sí que quedaba poco para que llegara el final. Y Nadia volvió para interpretar los dos últimos temas de la noche: «A veces» y «Todo Marcha Bien».

    Es curioso. Nadia consiguió que el concierto fuera realmente corto. Pero es que cuando a algo, le pones tanta emoción, todo es más fácil. Para ella y para la gente que, como yo, nos dejamos sorprender y terminamos embelesados entre el público.

  • Nadia Álvarez: «Mundos Sutiles es un espejo de lo que no se ve de mí»

    Nadia Álvarez: «Mundos Sutiles es un espejo de lo que no se ve de mí»

    Apenas han pasado unas semanas desde que «Mundos Sutiles» viera la luz. Este, es el nuevo trabajo de Nadia Álvarez. Un trabajo que tendrá su puesta de largo mañana mismo, mañana 3 de octubre en la madrileña sala Galileo Galilei. Un concierto en el que no estará sola, ya que colabora con el artista Llorente. Y por casualidades de la vida, hace unos días estuvimos hablando con la cantautora sobre su reciente disco y, cómo no, sobre esta inminente fecha.

    ¿Cómo surge el concepto de «Mundos Sutiles»?

    Todo viene porque un buen amigo me recomendó que siempre que me atascara en algún verso de alguna canción, llevara un libro de poesía. De hecho, estábamos grabando un tema y había una estrofa que no me convencía. Fue ahí cuando me dio este consejo, añadiendo que, ante un posible bloqueo, abriera el libro por cualquier página y me fijara en una palabra concreta. El objetivo era dejarme llevar. Al final, le hice caso y empecé a inspirarme en «Campos de Castilla», obra de Antonio Machado.

    Además, todo surgió de manera muy natural. El disco nació en la época en la que estaba leyendo a Machado y quise rendirle homenaje de alguna forma. De ahí el nombre también.

    ¿De ahí la importancia por rescatar su figura?

    Claro. De hecho, siempre explico que Antonio Machado daba mucha importancia a las pequeñas cosas, a lo temporal, a lo efímero. Al menos así lo hacía durante el periodo de «Campos de Castilla». A mí me gusta detenerme en esas cosas. Entonces, la forma en la que puedes encontrarte a Machado en el disco es, precisamente esa. Esa que hace que te detengas y que disfrutes de los pequeños detalles.

    Un titular que defina este disco.

    «Mundos Sutiles» es como una carta de presentación. Es un espejo de lo que no se ve de mí a simple vista.

    «Mundos sutiles» ha visto la luz gracias a una campaña de crowdfunding, ¿cómo has vivido todo el proceso?

    Era un poco como lanzarte al vacío. Yo nunca había hecho algo así, aunque sí que tenía amigos que lo habían llevado a cabo. Muchos de ellos habían cumplido el objetivo, así que eso me sirvió un poco de impulso. Pero antes de lanzarme, hice un poco mis cuentas, por si acaso. Aún así, me arriesgué, a pesar de que las cosas en la música no siempre son fáciles.

    Al final, me lo tomé casi más como un apoyo emocional. Ya que la gente que se implicó en la campaña, es gente que sí que sabes con certeza que va a estar en tus conciertos. Así que eso me ayudó mucho a seguir.

    ¿Qué tienen «Todo marcha bien» y «A veces», para haberlos elegido como adelantos?

    Sinceros son todos, pero estos son los más literales y directos. El resto de temas, quizás, tienen un lenguaje más abstracto que te hace entenderlos de mil formas.

    «A veces» es como una confesión de lo bueno y malo que he hecho. Hechos de los que no me arrepiento de nada. Y «Todo marcha bien» es una confesión hacia una persona a la que quieres y a la que le aseguras que todo está bien, y que mientras todo esté así, vamos juntos hacia delante.

    Hablando de los adelantos, «A veces» tiene ya su respectivo videoclip. ¿Cómo surge la idea?

    Surge a carreras. Era cuestión de hacerlo hoy, montarlo mañana y que se lanzara pasado mañana. Tenía una idea inicial bastante compleja y, además, quería grabarlo en León. Pero al final, se truncó por diversos problemas técnicos y tuvimos que buscar una alternativa rápidamente.

    Al fina, todo llegó un día de cañas con mi amiga Clara Paradinas. Siempre se había dedicado al mundo de la fotografía y diseño, pero sabía muy poco de vídeo. Pero, probando, probando, fue sacando el videoclip. Comenzamos grabando en casa, tanto por el día como por la noche. Y así lo hicimos. Fue prácticamente sin querer.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Nadia Álvarez?

    Pues quiero tocar lo máximo posible e intentar que el disco llegue a todos los lugares. El objetivo principal es que llegue a la gente. Y, sobre todo, poder disfrutarlo yo.

    ¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

    La verdad es que no lo sé, suelo ser un poco precavida. ¡Qué pregunta tan difícil! [risas]. Sí que es verdad que, alguna vez, he tenido que tocar fuera y currar pronto al día siguiente. De hecho, en una ocasión, tenía bolo en Vitoria. Era martes. Pues fui, toqué y a la 1 y pico de la madrugada, me cogí el primer bus que salía, para llegar a Madrid a las 6 de la mañana e ir a trabajar al día siguiente. Evidentemente, tratando de dormir al máximo en el bus. Y estaría dispuesta a hacerlo de nuevo.

    La playlist de Nadia Álvarez

  • La explosión de SeñorNadye en «Cuando todo explote»

    La explosión de SeñorNadye en «Cuando todo explote»

    SeñorNadye no es una banda normal. Ya desde el primer acorde apuntan maneras, suenan diferente. Y eso se aprecia. El tener tu propia personalidad y el trabajo continuo, siempre, siempre, tienen su recompensa. Su nuevo trabajo, «Cuando todo explote» apenas lleva dos meses en la calle y, lo cierto, es que no ha dejado de recibir buenas críticas.

    Hace algunos días, tuvimos la oportunidad de hablar con dos miembros de la banda, Dani y Edu. Y esto fue lo que nos contaron sobre el disco y sobre la música en general.

    ¿Cómo surge el concepto de «Cuando todo explote»?

    Dani. Siempre explicamos que «Cuando todo explote» es como estar en un crucero y que, de repente, llegamos a un acantilado, mientras toda la gente está borracha en cubierta. Entonces, tú avisas de que lo que está sucediendo, pero nadie te hace caso.

    Muy extrapolable a la sociedad actual.

    D. Totalmente, es hacia donde nos dirigimos. Ves las noticias y cada día, ves que va a peor. Es un poco exasperante.

    Lleváis tocando las canciones bastante tiempo en los directos. Pero el disco en sí, vio la luz en julio. ¿Cómo ha sido la acogida?

    D. La verdad es que la gente lo está acogiendo muy bien y está gustando mucho. Así que nosotros estamos encantados de la vida. No esperábamos esta acogida

    Edu. Sí que es verdad, que también estamos un poco mosqueados porque hemos recibido demasiados comentarios positivos. Así que si todo es bueno, lo cogemos con pinzas [risas]. Nos creemos la mitad y seguimos currando, que es lo que hay que hacer.

    Creo que, precisamente, lo positivo de este trabajo es que suena diferente. Así que es complicado sacarle «peros».

    D. Sí, esa era la idea. Aunque tampoco es tan distinto, porque es seguir un poco la línea del rock castellano que venía haciéndose aquí. Pero es cierto que lo que se hace ahora mismo es diferente. Es más orgánico. Todo lo que se hace con sintes, tratamos de hacerlo con instrumentos de verdad.

    E. Tiene una esencia rock, común a todas las canciones, pero es verdad que varían un montón en el fondo. Pero haya una balada, una samba o un medio tiempo, siempre tenemos algo común. Y se nos identifica.

    D. También tratamos de jugar con el tema de los contrastes. No necesariamente lo que cuentas, tiene que estar acompañado por la melodía. De hecho, la canción más política o comprometida que tenemos, es la más bailable. Por ejemplo, «Morfina en la boca» es la canción más bonita, pero es la que habla de un tema más bestia. Nos gusta jugar bastante con eso.

    Precisamente, mencionando el tema de las letras. En este sentido, ¿creéis que se está perdiendo un poco el carácter social de la música?

    D. Nosotros somos de los que concebimos la música como un canal para contar algo. Si no vas a trasmitir nada, mejor no cojas una guitarra. Porque entonces saldrá algo completamente aséptico, algo que no es para nada real. La música debe partir de algún sentimiento real.

    E. En este sentido, tener un buen fondo musical es fundamental. Pero no dar un mensaje es perder una oportunidad de contar algo. Nosotros hemos crecido escuchando a grupos que transmiten, que cuentan algo real. De hecho, cuando Dani trae una canción, si el tema es cojonudo pero la letra no nos dice nada, se lo decimos.

    En este disco, es curioso, porque las canciones también van de menos a más. ¿Está pensado o surgió de manera fortuita?

    D. «Cuando todo explote» está estructurado como si fuera un cabreo. Yo, al menos, cuando me enfado, no paso de 0 a 100. Yo me voy «engorilando» poco a poco. Con el disco, hemos intentado lo mismo, queríamos que fuera «in crescendo». Que empezara de menos a más y que terminara con una explosión y, de repente, un golpe seco. Que es como suelen terminar todos los enfados si te sigues «engorilando»: con alguien parándote los pies.

    E. Luego, las canciones en cuanto a lo musical, casi todas son una suma. Pero porque la letra también es así. Escuchas el mensaje de cada una de ellas y, poco a poco, se va haciendo más crudo y más duro. Entonces, la música tiene que ir a la par.

    Recientemente, publicasteis videoclip de «El día de Navidad». ¿Por qué esta canción y cómo surge la idea del vídeo?

    E. El vídeo lo ha dirigido Sergio Véliz, que ha hecho trabajos para «La casa de papel». Es un guionista amigo nuestro que curra como los ángeles. Y tenía que ser él quien lo hiciera. Nos dio la idea y estuvimos cómo y dónde hacerlo. Nos llevó mucho curro, pero al final, terminamos rompiendo juguetes. La verdad es que la experiencia fue muy divertida. Le tenemos que dar las gracias porque son unos genios, tanto a Sergio Véliz, como a Sara Hernando y a Víctor Alvarado. Son unos jefazos.

    ¿Y a partir de ahora, cuáles son los siguientes pasos de SeñorNadye?

    D. Actuaremos el viernes 28 en la Puerta del Sol. Además, presentaremos el disco en Copérnico Cavern, el próximo 12 de octubre. Luego, el 13 tenemos un festival organizado por J-Musind. El 20, pasaremos por Galaparock. Y el 23 de noviembre, actuamos en el primer festival de España, adaptado a personas con discapacidad auditiva. Esta última fecha nos hace especial ilusión, la verdad.

    ¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

    E. ¿Contamos la del barranco? Esa experiencia fue muy bizarra [risas].

    D. Venga, va, la contamos.

    E. Estábamos tocando en las fiestas de un pueblo de Guadalajara. Al terminar de tocar, nos metimos en una especie de fiesta en la que había una olla gigante con bebida. Nos empezaron a dar de beber y había mucha gente en estado de embriaguez. Justo a la derecha del escenario, había una especie de acantilado. Entonces, estábamos hablando con una persona, que iba un poco mal, con tan mala suerte de que empezó a marearse, se cayó hacia atrás y terminó barranco abajo. Ya lo siguiente que vimos fue al chaval caminando y quejándose por el dolor de la caída.

    D. Luego, en Extremadura, nos subieron una vez al escenario en una carretilla. Otra vez, en otro concierto, uno de los asistentes consideró que yo estaba muy flaco y, en medio de la actuación, empezó a meterme sándwiches en la boca. Así que, mastiqué, tragué y continué cantando-

    Esta es la playlist de SeñorNadye

  • Mañana, Gotelé arrasará Madrid con su nuevo trabajo «Vertical»

    Mañana, Gotelé arrasará Madrid con su nuevo trabajo «Vertical»

    «Vertical» es el trabajo más reciente de los abulenses Gotelé. Y mañana por noche tendrá su gran debut en la capital. La sala Siroco será testigo de esta gran presentación en Madrid. Un concierto que será único, ya que el grupo de Ávila no estará solo. Entre las sorpresas más destacadas, estarán las colaboraciones con Canard y Siloé.

    «Vertical» vio la luz el pasado mes de marzo. Y desde entonces, no ha hecho más que crecer. Tal y como nos contaba la banda en una entrevista previa, este trabajo ha sido una de las grandes apuestas de Gotelé. Con el concepto del álbum, «tuvimos muchas dudas. El disco tiene varias canciones que hablan de nubes, de salto o de arriesgar. Habían algunos conceptos identificativos». Y al final se quedaron con «Vertical».

    Muy al hilo del disco, surgió «Alas de cera», que se alzó como primer single. «Es como una oda más al concepto del disco, al salto. No contada desde la vista del perdedor, sino del que te pone los pies en la tierra», nos comentaban. A lo que añadían, «esta canción es un cántico al: inténtalo, hazlo y luego ya veremos».

    La gran gira de Gotelé

    Este nuevo trabajo, ha supuesto la maduración de una banda que, en cada directo, se ha ido creciendo. Así lo demuestran las buenas críticas que ha dejado tras de sí «Vertical». Y es que, Gotelé ha arrasado por allá por donde ha pasado con este nuevo trabajo. Burgos, Soria, Arévalo, Valencia, Salamanca y ahora, Madrid.

    La cita en la Sala Siroco será mágica. Con un potente directo, Gotelé seguro que sorprenderá. Un directo que, seguramente, virará hacia sonidos más rockeros, igual que lo ha hecho el disco. «Este trabajo es más cañero», nos aseguraban. «Queríamos ofrecer un disco de 10 temas, desde distintas perspectivas, pero con energía y «epicidad». Que es un concepto que hemos empezado a trabajar y que no sabemos si existe, pero que creemos que viene de épico», añadían.

  • Éclaire se despide de su álbum, ‘Meow’, en la Sala Siroco

    Éclaire se despide de su álbum, ‘Meow’, en la Sala Siroco

    Éclaire se despide, tras dos años, de ‘Meow’. Pero no va a ser una despedida al uso. este domingo 29 de abril, la Siroco acogerá, por todo lo alto esta marcha.

    Este proyecto ha sido especial para los madrileños. No solo ha sido su álbum debut. Con él han alcanzado la madurez y la calidad musical. Como resultado, hemos disfrutado de un ‘Meow’ sentido y optimista, ante todo.

    Un final de gira muy especial

    Con la pena que supone decir adiós a un proyecto, pero con la satisfacción del trabajo bien hecho. Así deberían despedir ‘Meow’ y seguro que así lo harán. Esto, convierte la cita en un acto aún más especial, si cabe. Por eso, el concierto será diferente. Con muchos músicos y con una potente sección de vientos.

    Pero no solo eso. Y es que, como ‘avanzadilla’, la banda no solo tocará las canciones de este nuevo trabajo. Seguramente, también nos canten alguno de los temas nuevos.

    ‘Meow’, expectativas cumplidas

     Resumir los dos años de vida y rodaje de este trabajo, no es tarea fácil. Pero como resumen, los chicos de Éclaire reconocen que sí, que ‘Meow’ ha cumplido totalmente sus expectativas. Y más, cuando en sus orígenes, tan solo tenían pretensiones de hacerlo sonar.

    Con ‘Meow’, los chicos de Éclaire se han descubierto o re-descubierto. Han tocado en todos los formatos posibles y han actuado por toda España. Ya no solo en salas y en festivales, también en programas de televisión y radio, como ‘Los Conciertos de Radio 3’.

    Los siguientes pasos, los tienen claros. Y es que, de ninguna manera, la despedida de ‘Meow’ es una despedida de los escenarios. A la banda le quedan unas cuantas fechas más, principalmente, en formato acústico.

    Después de ‘Meow’, toca nuevo disco. Esta vez, con tintes más americanos y blues. El resultado final es un misterio. Solo sabemos que los motivos gatunos, seguirán presentes en la banda.

  • Éclaire: «Las canciones de Meow son buenas, sentidas y optimistas»

    Éclaire: «Las canciones de Meow son buenas, sentidas y optimistas»

    Con su particular estilo entre el pop, el rock y el folk, Éclaire se encuentra en plena gira de despedida de su álbum debut, «Meow». Una despedida que culminará el próximo 29 de abril en la Sala Siroco de Madrid. ¿Estáis preparados para la revolución Éclaire?

    ¿Cómo nace el concepto de «Meow»?

    Nacho y yo [Clara] llevamos tocando juntos 5 años, desde el día que nos conocimos. Siempre hemos tocado en acústico, nos hemos recorrido todas las salas los dos. Hasta que entró en la formación nuestro bajista, Sergio Fernández. Con él, descubrimos que nuestros temas también podían funcionar en formato banda, no solo acústico. Así que empezamos a trabajar en los temas que ya teníamos hechos, llamamos además a amigos y artistas «que te cagas», como Vicente Hervás (batería), Javi Rubio (guitarra eléctrica) y a Rubén García Motos (teclista). Nos pusimos manos a la obra y estuvimos dos meses grabando.

    ¿Cómo fue ese salto del acústico al eléctrico?

    Por un lado, fue muy emocionante. Llevábamos como cinco años tocando en acústico y, de repente, escucharlos en eléctrico…la verdad, es que nos motivó bastante.

    En el proyecto de Éclaire, ¿qué pesan más: las melodías o las letras?

    Las dos, siempre. Las letras son esenciales. Hay melodías preciosas, pero si estás contando algo, tienes que contarlo bien, con todo lo que conlleva. ¿La melodía? Por supuesto también es importante, estamos hablando de música. Aunque a título personal, si nos quedáramos con algo, sería con la letra porque conllevan un trabajo añadido.

    ¿Cómo definiríais este disco tan dispar, en dos o tres palabras?

    Ostras, qué tarea [risas]. Qué pregunta más complicada. Los temas suelen ser muy viscerales, porque cuentan historias corrientes con las que nos podemos sentir identificados todos. Así que, utilizaríamos estos tres adjetivos para describir nuestras canciones: buenas, sentidas y optimistas.

    ¿«Meow» está cumpliendo con vuestras expectativas?

    La verdad es que sí. Nuestra principal expectativa cuando publicamos el disco, era hacer que sonara y llevarlo al máximo número de salas posibles. Y creemos que lo hemos conseguido. Desde que lo lanzamos en 2016, hemos defendido todos los temas en todos los formatos y muchos lugares de España. Y el 29 de abril, nos despedimos de él en la Sala Siroco.

    ¿Cómo afrontáis este fin de gira?

    La verdad es que bien. Estamos motivados y con ganas de conocer el nuevo disco. Este álbum nos ha aportado mucho y, bueno siempre hay algo de tristeza. Pero bueno, siempre hemos sido de ir poco a poco con nuestros objetivos. Y con «Meow» hemos llegado a los Conciertos de Radio 3 y, ¡jamás nos lo hubiéramos imaginado!

    ¿Y cuáles son los siguientes pasos de Éclaire, tras el concierto del 29 de abril?

    El 29 de abril, nos despedimos de «Meow», pero no nos despedimos de los escenarios. El 31 de mayo, tocamos en El Perro de la Parte de Atrás del Coche, con Burt Byler. Aparte, en acústico, recorreremos cinco tiendas FNAC de Madrid y Asturias. Y, a partir de ahí, nuestro plan es ponernos a trabajar en el segundo disco.

    Precisamente, la siguiente pregunta era ¿cuándo podremos escuchar nuevo material de Éclaire?

    Temas nuevos ya están sonando. En prácticamente en todos los conciertos tocamos una canción o dos, que seguramente terminen en el segundo disco. Aunque el 29 de abril, seguramente toquemos algún tema nuevo más. Será una mezcla de ambos trabajos.

    A modo de curiosidad y para cerrar, ¿cuál ha sido la cosa más loca que habéis hecho por la música?

    ¿Qué hemos hecho nosotros? Me da que no somos divertidos [risas]. Una de las cosas más locas que hicimos, fue tocar en el Paseo de la Castellana para la Cadena SER, sin haber ensayado juntos antes. Y con tres músicos con los que no habíamos tocado nunca.

    ¿Y cómo salió aquello?

    Pues salió bien. Pero no hay registros de eso [risas]. Nos llamaron como una semana antes y, probablemente, porque se les caería una banda. Eso fue lo más loco que hemos hecho. Y tocar en una boda, en un patio al aire libre y sin amplificar, durante tres horas.

  • Muntz: «The Autocrat surge a raíz de una crítica a nuestro primer trabajo»

    Muntz: «The Autocrat surge a raíz de una crítica a nuestro primer trabajo»

    Talento a raudales y un rock alternativo muy particular. Así son Muntz. Prometen regresar muy pronto con trabajo nuevo, aunque mientras tanto, tenemos mucho «The Autocrat» del que disfrutar.

    Como curiosidad, ¿por qué Muntz?, ¿hasta dónde la influencia de los Simpsons en vuestro nombre?

    Cuando comenzamos, teníamos una carpeta con todos nuestros archivos, que se llamaba «The trip of the father of Nelson Muntz». Ese fue el punto de inicio. Al final, como el nombre era tan largo, decidimos quedarnos simplemente con «Muntz».

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo trabajo, «The Autocrat»?

    El concepto de este tema surge a raíz de una crítica a nuestro primer trabajo, «Hypna». La crítica decía que se nos notaba una cierta rabia contenida y que no la estábamos dejando salir. Eso sirvió para darnos cuenta de que teníamos que demostrar de lo que éramos capaces. Así surgió «The Autocrat», nuestra forma de demostrar que también podíamos dejar salir un lado más macarra de nosotros, sin dejar de lado nuestra esencia.

    La canción, además, consiste en una conversación interior, que representa la lucha interna de cómo juzgar el arte sin ser hipócrita. Es un tema complicado de abordar y da para múltiples interpretaciones.

    ¿Qué expectativas teníais con él cuando lo publicasteis?, ¿las está cumpliendo?

    La única expectativa que teníamos era demostrar que podíamos hacer algo más crudo, más macarra, dejando de lado la armonía de la música y centrándonos más en la sensación que producía la escucha. Hemos jugado más con rítmicas difíciles, con subidas y bajadas, cortes secos. De esta forma, las canciones se puedan disfrutar sin pensar tanto.

    Para sintetizar: ¿cómo definiríais este trabajo en dos o tres palabras?

    Potencia, matiz, ritmo.

    ¿Cómo ha cambiado musicalmente Muntz, desde «Hypna»?

    A lo largo de nuestra historia, hemos sufrido cosas buenas y cosas malas, pero todas ellas nos han llevado a aprender y crecer como banda.

    Una de las grandes diferencias, es que ya nos conocemos entre los miembros. Cosa que no era así cuando empezamos con Muntz. Ahora hay más compenetración, somos más maduros musicalmente, más profesionales en un escenario y en el día a día. En definitiva, tenemos más ganas que nunca de seguir haciendo música.

    Con «Hypna» trabajasteis con Juan Blas, en Westline de Valdemorillo. ¿Cómo fue esa experiencia?

    Enriquecedora a la par de dolorosa. Entrar a un estudio es algo muy cruel: se nota hasta el más mínimo de tus fallos, vas contrarreloj, son días de no parar. Tienes que estar alerta todo el tiempo para grabar, escuchar, pensar en soluciones a problemas que puedan surgir o hacer arreglos de última hora, en partes que quedan vacías.

    Además, al trabajar con un profesional como Juan, se nota todo mucho más. No obstante, cuanto más duro es el estudio, más satisfactorio será el resultado. Así que como dice el dicho: «Sarna a gusto no pica».

    ¿Qué supuso para vosotros ganar con «Hypna», el Certamen de Jóvenes Creadores?

    Primero lo más evidente: un orgullo y una satisfacción al recibir un premio gracias a nuestro trabajo. Sin embargo, lejos de las cosas más obvias, para nosotros era algo casi necesario. Nos encontrábamos preparando nuestro nuevo trabajo y nuestro guitarrista había dejado la banda. Así que no sabíamos cómo hacer frente a la vida de grupo con uno menos.

    Para nosotros ha sido un salvavidas, una sensación de respirar tranquilos de nuevo, de perder todo aquel agobio y de recordar lo bonito que es tener un grupo. Nuestro «hijo» había recibido un premio, lo habíamos defendido en el escenario y habíamos logrado que se reconociera nuestro trabajo. Fue el abrazo que el grupo necesitaba.

    ¿Huir o no de las etiquetas?, ¿por qué?

    Nosotros siempre hemos tenido una curiosa vista de las etiquetas. Pese a que no las consideramos malas como tal, sí que creemos que para cierta gente una etiqueta, cierra puertas. Si tú ves un cartel que pone «Concierto de Muntz», si te gusta la música irás, a ver que tal. Sin embargo, si el cartel reza «Concierto de Muntz: Metal en directo», un posible consumidor de otro género, puede pensar que no le merece la pena ir.

    Podemos concluir que no hay que huir de las etiquetas, pero sí hay que utilizarlas de forma inteligente.

    Sois un grupo de rock alternativo. ¿No creéis que es arriesgado hacer ese tipo de música, con todo el auge de la música mainstream / comercial?

    Hacemos la música que nos gusta, realmente. Vivimos cada una de las notas que tocamos en un escenario. Si forzamos nuestra creatividad para hacer música más mainstream, probablemente conseguiríamos público más fácil, pero en el escenario se vería que no disfrutaríamos. Cuando alguien viene a uno de nuestros conciertos, queremos que se vaya a casa convencido de que lo que hacemos en el escenario es 100% real.

    ¿Cuándo podremos escuchar nuevo material de Muntz?

    Pronto habrá noticias acerca de este tema, pero de momento podemos decir que cuando nuestro nuevo trabajo llegue, aún no se habrá marchado del todo el frío del invierno, pero ya se atisbará el calor del verano.

    Para cerrar la entrevista: si pudierais hacer una playlist para todos los fans de Verdadera Locura, ¿qué canciones recomendariais?

    Nos ha costado ponernos de acuerdo pero hemos acabado con esta selección de 3 temas cada uno (adivinad de quién son cada uno).

    Grace de Jeff Buckley, 15 Steps de Radiohead, 5/4 de Gorillaz, We carry on de Portishead, Nous sommes d’ici de Daitro, El scorcho de Weezer, The grand conjuration de Opeth, Earthborn evolution de Beyond Creation y The Harrowing Years de Insomnium.

     

  • Paciente Cero: «John Doe somos todos o ninguno. John Doe podemos ser cualquiera»

    Paciente Cero: «John Doe somos todos o ninguno. John Doe podemos ser cualquiera»

    Paciente Cero es una de esas bandas, cuyo trabajo es sinónimo de esfuerzo, constancia y dedicación. Arrancaron un «Día uno» cualquiera, pero lo que «Viene» era aun mejor, si cabe. Ahora con «La constante de John Doe», vienen dispuestos a darlo todo o nada. A ser todos o ninguno. Llegan para darlo todo este sábado 24, en la Sala BarCo de Madrid.

    ¿Cómo surge el concepto de «La constante de John Doe»?

    «John Doe» es un término jurídico que se utiliza para referirse de manera anónima a alguien. Entonces, el título en sí, nace como una especie de metáfora. Queríamos englobar a todo el mundo, sin nombrar a nadie en concreto. Era nuestra particular manera de generalizar. Además, con el disco en sí, queríamos hablar de temas que pudieran afectar a todos, sin distinción. Al final, John Doe somos todos o ninguno. John Doe podemos ser cualquiera.

    ¿Qué simbolismo tienen para vosotros los títulos? Porque en vuestros trabajos, observamos «La constante de John Doe», previamente «Viene» y la primera maqueta, «Día uno».

    Son simplemente cosas que vienen en el momento en el que hacemos los temas. «Día uno» fue porque ser la primera maqueta, Quizás las canciones, en ese trabajo, eran más oscuras o truculentas. Entonces fue como el inicio de algo. «Viene» tiene una historia graciosa, porque era una mezcla entre seguir la corriente de algo que viene, y por otro lado, fue una palabra que adoptamos como muletilla.

    Al final, los títulos vienen de un intento de resumir todo lo que ha sucedido en el estudio.

    ¿Cómo habéis cambiado vosotros, desde aquel «Día uno» de Paciente Cero?

    Hemos cambiado bastante. Hemos aprendido a base de tocar, dar conciertos y ensayar. Cada vez vas aprendiendo más de todo el proceso, de tus errores, de tus compañeros y de cómo comunicarte con ellos. Ahora perdemos menos tiempo en dar vueltas. Experimentamos, pero lo tenemos todo mucho más claro. Al final es como todo: vas evolucionando. Y al ser banda y no solista, tienes la aportación de cada miembro del grupo.

    A nivel de banda, también nos vamos consolidando, en lo que al sonido se refiere. Y es que a lo largo del tiempo, se van puliendo detalles.

    Este trabajo nace tras un periodo de silencio, ¿cómo creéis que éste se percibe en «La constante de John Doe»?

    Durante este periodo dimos algunos conciertos, pero queríamos centrarnos en el disco y en darle forma a las canciones. Componer temas tampoco es sencillo y muchas veces te lo pide el cuerpo. Nosotros había veces que teníamos que dejar de hacer temas, para ensayar los siguientes bolos y repasar los temas previas. Es un proceso del que disfrutamos. De hecho, con cada tema nuevo, tenemos la sensación de que es el mejor que hemos creado. Eso nos ha pasado bastante con «La constante de John Doe».

    La verdad es que es una sensación genial, que te saca también de la rutina habitual.

    Justo la siguiente pregunta era, ¿cuándo podremos escuchar material nuevo de Paciente Cero?

    Pues no tenemos fecha todavía. Sí que es cierto que estamos componiendo algún tema nuevo, pero no sabemos cuándo entraremos a estudio. Imaginamos que cuando las canciones estén preparadas y maduras. Y cuando ahorremos para grabarlas [risas].

    Recapitulando y haciendo síntesis: ¿cómo definiríais «La Constante de John Doe» en dos o tres palabras?

    Es un disco personal y de matices. Y aunque sean muchas palabras, este disco también es música para las personas que no quieren las cosas fáciles y «mascaditas».

    Entendemos entonces que si el disco es para hacer reflexionar a la gente, las letras tendrán gran peso e importancia. 

    Claro. Tienen varios significados y una carga social necesaria. Es muy loable hacer lo que hacen otras bandas, de hablar de sus movidas. Pero nosotros, en este disco en concreto, hemos preferido ir por esta dirección. El mensaje es el que es, aunque es cierto, que no acostumbramos a contarlo de una manera muy explícita.

    De ahí, por ejemplo, «Banderas», ¿no?

    En ese caso fue más explícito, porque fue el primer adelanto.

    A pesar de que «Banderas» fuera el primer single. ¿Qué canción creéis que es la que más sintetiza el disco?

    Quizás nos quedaríamos con «La Espiral» y «Antares Olvidados». Se salen un poco de la temática social, pero no dejan de ser un sub-núcleo del disco. Pero elegir una sola canción que sea representativa, es imposible. Además, nos gusta pensar que hemos hecho un todo del álbum.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Paciente Cero?

    Presentar el disco y tocarlo en directo, en todos los sitios que nos dejen. Estamos en la época de John Doe. La próxima fecha, eso sí, es el 24 de febrero en la Sala BarCo de Madrid.

     

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