Etiqueta: Madrid

  • Bravo Fisher!: «Amor habla de dolor, pero también de aceptación»

    Bravo Fisher!: «Amor habla de dolor, pero también de aceptación»

    Podría pasar perfectamente por uno de nuestros grandes descubrimientos de las últimas semanas. Y es que Bravo Fisher! tiene algo que engancha, que atrapa, que magnetiza. Y su última obra, «Amor», es la mejor demostración de ello. Precisamente, con motivo de este disco especial que ha visto recientemente la luz, hemos podido hablar con él. ¿Queréis saber qué nos cuenta? Mucha atención.

    Además, los más ansiosos por verlo en directo, tendréis oportunidad mañana viernes 6 de marzo en la Sala Rockville de Madrid. ¡Conseguid ya vuestras entradas!

    ¿Cómo surge el concepto de «Amor», del disco?

    Surge una de experiencia personal, de una ruptura, que tuvo lugar hace un año. Eso me llevó a componer canciones, pero me di cuenta de que quería hablar de ese sentimiento, pero no solo desde la perspectiva romántica, también desde ángulos como el amor a la familia, el amor a la música, el amor a uno mismo. Desde luego, la ruptura fue el detonante, pero también me apetecía hablar de otras cosas.

    De hecho, aunque surgiera de una ruptura y el concepto se extrapolara a otros ámbitos, el disco tiene bastantes toques positivos.

    Sí, sí. Es cierto que las rupturas siempre generan dolor y tristeza, hasta que se supera todo ese proceso de aceptación. Aunque desde hace un tiempo, he aprendido a aceptar las cosas tal y como vienen, y a sacar siempre la parte positiva de todas ellas. En cuanto a las letras, creo que se han impregnado un poco de todo ello y han conseguido que la moraleja final que desprendan, no sea tan negativa. Creo que se aprecia en ellas que puede haber dolor, pero también aceptación. De ahí el punto de vista positivo.

    ¿Cómo ha sido la acogida del disco?

    Pues ha ido muy bien, la verdad. Además, hemos ido sacando singles con bastante separación. Primero llegó «Huracán Carla», creo que fue en octubre o noviembre; después salió «YAYITO» con La Bien Querida, que también ha funcionado muy bien; y ya unas semanas antes de que viera la luz el disco, fue el turno de «Proyectil», con Rocío Saiz. La verdad es que la acogida de los singles ha sido muy buena y ha preparado perfectamente para la llegada de «Amor». Estamos encantados, lo estamos viendo todo de manera muy positiva.

    Este disco cuenta con colaboraciones especiales como la de La Bien Querida, Rocío Saiz, Fatal Tiger, Modelo de Respuesta Polar y Ganges: ¿Cómo surgen todas ellas?

    Pues la verdad es que yo tenía muchas ganas de colaborar con ciertas artistas a las que sigo y de las que soy fan. Así que ya venía un poco con el come-come. Así que cuando fui teniendo las maquetas, las fui enviando a las personas con las que quería colaborar. A algunas de ellas las conocía en persona y a otras no, pero bueno, había cierto contacto a través de redes sociales. Así que contacté con ellas, les di a elegir entre varias y se fueron sumando al proyecto. Al final ha quedado este resultado, cinco colaboraciones de lujo.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Amor»?

    El disco lo compuse, la verdad, en una tirada. Fue durante el mes de julio, en un periodo en el que estaba en Valladolid,  en la casa familiar. Allí tranquilamente, pude encerrarme en la habitación para trabajar, saliendo prácticamente para comer y ver alguna película. Ya a partir de julio, comencé a grabar maquetas y a desechar algunas canciones, hasta quedarme con estas 10. Una vez ya tuve las demos, hice lo que te comentaba, de enviarlas a las personas con las que quería colaborar.

    ¿Y cómo recrea Bravo Fisher! todo su universo sonoro?

    Lo cierto es que con cada disco he tenido un proceso diferente, pero en el caso de «Amor», tenía claro que quería sacar un disco más inmediato, más natural, dejando quizás de lado un poco la experimentación. Así que he tendido un poco a componer únicamente con la guitarra, en este caso con la eléctrica. He jugado un poco con la distorsión, todos los temas la tienen; o con el shoegaze. Además, he introducido otro elemento que me gustaba mucho y que he querido introducir, que es el autotune. Y así he ido componiendo, con la guitarra y un poco de autotune, y adornándolas con ciertas melodías más ochenteras.

    Y en cuanto al mensaje, ¿qué importancia tiene para Bravo Fisher!?

    Pues es importante, porque antes de nada, lo utilizo para canalizar todos los sentimientos que yo llevo dentro. Además, siempre me ha gustado hablar de cosas que no banales, que cuenten algo, que sean personales y que, al final, se puedan extrapolar. Creo que todo eso también te diferencia, hace que tengas tu propio sello.

    ¿Cómo ha evolucionado en este tiempo Bravo Fisher!?

    Musicalmente, ha evolucionado mucho. Aunque siempre me he movido por los parámetros del pop, el indie y la electrónica, me he permitido experimentar y moverme entre ese triángulo. Algunas veces he sonado más indie, otras más pop y otras más electrónico. Básicamente, siempre me he movido entre esos tres puntos. Aunque en determinados casos, me he permitido experimentar un poco, pero siempre ha habido un punto en común. Y es que, al final, solo hay una persona componiendo y creo que eso al final se nota: suena de una manera muy característica, muy particular. Y, por supuesto, la evolución queda mucho más reflejada. De hecho, al principio componía en inglés, ahora en español. El sonido suena mucho más maduro, porque cuando empecé era muy joven y ahora ya llevo ocho años con Bravo Fisher!. Además, conforme voy pasando por diferentes etapas de mi vida, queda el reflejo en mis canciones.

    Ahora ha llegado el momento de presentar el disco en directo. De hecho, este 6 de marzo lo presentas en la Sala Rockville de Madrid junto a Fatal Tiger. ¿Cómo te sientes?

    Pues tengo muchísimas ganas. Ninguna de las canciones de «Amor» han sido tocadas en directo, así que esta será la primera vez. Y, bueno, como son muy guitarreras, me lo paso muy bien tocándolas en los ensayos, y creo que eso en directo también se va a notar. Además, también contamos con Fatal Tiger, con Paula, que tiene un proyecto que me encanta, la verdad. Estaré abajo viéndola tocar, tonto perdido, porque me gusta mucho lo que hace. Así que es un placer. En definitiva, afrontamos el concierto con muchas ganas. Y es que habrá también novedades: de hecho, aumentaremos sobre el escenario un músico más, lo que le dará frescura y un toque aún más personal al directo.

    Tras este concierto en Madrid, ¿cuáles serán los próximos pasos de Bravo Fisher!?

    Pues seguimos cerrando fechas, aunque todavía no se pueden decir. Pero las anunciaremos próximamente.

    ¿Qué canción de Bravo Fisher! identifica mejor el momento en el que estás y por qué?

    No sabría decirte. Quizás «Laberinto», es una de las canciones más sosegadas de este último disco. Parece un tema de desamor entre dos personas, pero más bien soy yo diciéndole adiós a una etapa de mi vida. Así que me quedaría con esa por el aprendizaje, por el ímpetu de querer seguir adelante, afrontando los cambios tal cual vienen.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Pues no te sabría decir, la verdad. A lo mejor es que no he cometido yo demasiadas locuras por la música. No se me ocurre ninguna, igual es que no soy una persona muy loca en ese sentido.

  • Hola Chica: «La decadencia es un poco el late motiv de este Marbella»

    Hola Chica: «La decadencia es un poco el late motiv de este Marbella»

    El 14 de febrero fue el día escogido para que viera la luz este especial «Marbella», segundo y esperado álbum de los barceloneses Hola Chica. Un disco con el que dan un ansiado paso más y con el que demuestran, una vez más, su evolución. Más ochenteros que nunca, pero siempre con ese sello sonoro que los caracteriza, Álex Guerra, Lucas Codes, David G. Forés y Xavier Castell están de vuelta. ¡Y menuda vuelta! De hecho, hace unos días, nos reunimos con David, quien se atrevió a responder algunas de nuestras preguntas. ¡No os perdáis la entrevista!

    ¿Cómo surge el concepto de «Marbella»?

    La verdad es que estuvimos con el primer disco bastante tiempo, exprimiéndolo a tope y sí que es verdad que nos encontrábamos en ese momento vital de publicar nuevo trabajo. En nuestro caso, tenemos la suerte de que Álex siempre está componiendo, con lo cual siempre está enviando ideas, siempre está enviando demos. Así que fue cuestión de ir a por el segundo, de recopilar algunas de las ideas que había enviado Álex y ponernos a trabajar sobre ellas. Dimos los últimos conciertos en verano de 2019 y ya nos pusimos manos a la obra, durante lo que quedaba de año. Hasta ahora, que es cuando ha visto la luz «Marbella».

    ¿Por qué Marbella, qué tiene de especial? Me ha llamado bastante la atención.

    Es algo que nos preguntan ahora bastante. Con nuestro primer disco era por qué Hola Chica y ahora, por qué Marbella [risas]. Cuando llevemos más discos, se notará, pero es que los empezamos todos por la letra M: el primero fue «Magnetism» y este es «Marbella». Aunque también escogimos este nombre, porque Marbella nos parece una ciudad maravillosa, pero quizás los años gloriosos dejaron de serlo y llegó la decadencia a la ciudad, con todos los casos de corrupción, con la burbuja inmobiliaria. Y como las letras hablan un poco de la decadencia, no solo a nivel personal, también a nivel de sociedad: cambio climático, el haber abusado de ciertas cosas. La decadencia es un poco el late motiv de este disco. Marbella era algo que creíamos que definía todo eso, espero que sus habitantes no se sientan ofendidos.

    En cuanto a la portada del disco, va un poco en la misma onda, ¿no? Ya no sabía si iba más en relación de lo que comentábamos de Marbella, años 80, decadencia; o en relación al sonido tan particular de Hola Chica.

    Sí, a ver, es muy ochentera y psicodélica por los colores. También es el tipo de música que respiramos por los poros: hemos crecido con la música de los 80. En cuanto a lo de Marbella, escogimos la ciudad como representación global del concepto de la decadencia y porque a lo mejor, es en lo que puede escuchar un poco la gente. Pero creo que esa decadencia se puede extrapolar a todo el globo terráqueo y más en el mundo en el que vivimos. Es cierto que este disco ha abarcado temáticas nuevas: el anterior eran solo relaciones personales, pero en este hemos arriesgado más, hablando del cambio climático o de la crisis global.

    ¿Importante entonces el mensaje para Hola Chica?

    Sí, totalmente sí. Y más después de haber vivido experiencias previas como banda. Con el primer disco apenas las teníamos. Pero para este, nos hemos ido nutriendo de multitud de experiencias personales y de todo lo que hemos estado viendo.

    ¿Y la imagen? Porque ya pudimos observar una imagen muy cuidada en el videoclip ochentero de «Falling Apart». 

    Pues para nosotros es muy relevante el tema de la imagen, porque la imagen y la música van muy ligadas y porque creemos que es importante, no solo el comunicarte a nivel musical, también a nivel visual. Como, además, sabíamos que a la gente le gusta escuchar y ver, quisimos cuidar mucho el tema videoclip. De ahí que contactáramos con unos chicos de Valencia, con una productora que se llama Anice Studio y decidimos hacer un par de vídeos con ellos. Primero, fue «Asleep» y luego ya llegó, «Falling Apart». Nunca habíamos hecho una cosa así: sí que es verdad que les propusimos un poco mantener la dinámica de los 80, pero enseguida ellos lo montaron y nos propusieron la idea, que nos encantó.

    ¿Cómo ha evolucionado Hola Chica desde sus inicios y qué queda de ellos?

    Yo diría que hemos perdido un poco la inocencia del primer disco, la que nos hacía decir: «vamos a petarlo». Además, aprendes a gestionar aún más el proyecto, porque al final nos lo gestionamos nosotros cinco; a ver cómo está el sector; a valorar lo que tienes y ver el nivel en el que estamos. Estamos muy orgullosos de lo que tenemos, de lo que hemos conseguido y de lo que hemos evolucionado.

    La evolución ha sido increíble: con «Magnetism» hubo varios sold outs y ahora, «Marbella» también estará teniendo buena acogida, ¿verdad?

    Pues de momento sí. De hecho, parece que está gustando más que el primero. La verdad es que estamos muy contentos y creo que queda reflejado todo el trabajo que hemos hecho y todo el esfuerzo que hemos invertido. Y, sobre todo, para mi el éxito es que sigamos con las mismas ganas de seguir, a pesar de las dificultades. Esa es la verdadera evolución, creo yo.

    ¿Cómo construye Hola Chica todo su universo sonoro?

    Álex tiene un estudio en casa y es un culo inquieto la verdad. No deja de crear y de componer: sin exagerar, creo que puede tener cerca de 300 ideas, de las cuales la mitad son malas. Pero se gesta todo ahí, a partir de un riff de guitarra, a partir de un sinte o de una línea de voz. Luego Lucas añade lo suyo y en el local de ensayo, entre todos, vamos dándole forma. Aunque he de decir que este disco, no se ha ensayado como banda hasta ahora que ha visto ya la luz. El disco se ha maquetado y producido en casa de Álex, y luego lo hemos llevado a un estudio para grabar en mejores condiciones técnicas. Pero en conjunto, no se ha tocado hasta ahora.

    Eso tiene su plus de dificultad, ¿no?

    Pues sí, porque te toca aprenderte unos temas que no has tocado antes, solo en el estudio y por separado. Es como iniciar el proceso de aprendernos nuestros propios temas, porque no los hemos tocado nunca juntos. Y ahora, a falta de un mes para los conciertos, estamos todos juntos ya tocando y ensayando.

    ¿Cómo está siendo?

    Muy guay, la verdad. Nos está sorprendiendo mucho, porque este disco se está adaptando mucho al directo.

    Arrancáis la gira el 21 de marzo en Madrid, ¿cómo la afrontáis?

    Sí, empezamos en Madrid y continuaremos por Barcelona, Zaragoza, Alcalá, luego regresamos de nuevo a Barcelona en mayo. Haremos varias ciudades catalanas, iremos al Gigante y regresaremos a Madrid, donde nos están saliendo nuevas fechas para después de verano. Coger la carretera, hacer promo, tocar…es algo que nos gusta mucho a todos, así que tenemos muchísimas ganas de empezar con la gira.

    ¿Qué canción de Hola Chica define mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Pues creo que te diría un par. «Your Time» me gusta mucho. Y es que está especialmente dedicada a la hija de Álex, que tiene un añito y me parece muy especial, porque recoge a la perfección uno de los acontecimientos más bonitos que nos han sucedido en este tiempo. La verdad es que define muy bien el momento en el que estamos, por ese cambio en la vida de Álex, que no le ha impedido seguir creando, lo cual admiro mucho. Además, también te diría otra canción, te diría «Falling Apart», porque es la más ochentera de todas y creo que eso nos define muy bien ahora. De hecho, creo que todo el mundo se ha quedado un poco con esa sensación y así nos lo han transmitido.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Teniendo en cuenta los tiempos que corren, el hecho de querer seguir sacando discos creo que es una gran locura. Pero es una locura bonita. Y es que hace unos años no existía, y ahora acabamos de publicar nuestro segundo disco, con todo lo que eso implica: seguir batallando, hacer promo, coger la furgoneta, viajar, tocar. Pero bendita locura, ojalá podamos seguir haciéndolo. Evidentemente, a nivel personal cada uno tendrá sus propias locuras. Pero a nivel de banda, te diría esa.

    PRÓXIMAS FECHAS

    21 de marzo | Madrid | Sala Siroco

    17 de abril | Barcelona | Sala Vol

    18 de abril | Zaragoza | Sala Bóveda

    25 de abril | Alcalá | Festival Cuatro Plazas

  • Naranja: «Todas tus letras es un álbum de fotos de todo lo que nos ha pasado»

    Naranja: «Todas tus letras es un álbum de fotos de todo lo que nos ha pasado»

    Naranja están de enhorabuena y es que hace apenas semana y media, publicaron su nuevo trabajo. «Todas tus letras» ya es nuestro y lo es, tras todo un breve pero intenso recorrido de infarto de la banda. Y es que cuando el talento existe, es imposible que no fluya. Y, precisamente, aprovechando que esta perla ya está en la calle, pudimos hablar con Pablo López (voz y guitarra). ¡Mucha atención a todo lo que nos contó!

    ¿Cómo surge el concepto de «Todas tus letras»?

    Pues es un disco que, respecto a la música, está centrada en estilos muy concretos, sobre todo, en movidas sesenteras que nos han influido mucho, como Los Pekenikes o Micky y los Tonis; y movidas setenteras un poco más duras, como Led Zeppelin. Aunque, probablemente, una de las referencias más claras de los últimos años para nosotros ha sido Lori Meyers. A todas estas influencias, también se ha sumado el hecho de que queríamos que este disco abriera con un tema y cerrara con otro relacionado, como cerrando el círculo. Ya, a nivel de letras, «Todas tus letras» es una especie de álbum de fotos de todo lo que nos ha pasado durante este tiempo.

    Hablando un poco de lo que es el sonido de este disco, nos hemos dado cuenta de que «Todas tus letras» tiene, especialmente, un inicio muy envolvente que nos mete de lleno en el universo Naranja

    Sí, precisamente, el tener una canción que abre y otra que cierra más tranquilas, en comparación al resto de canciones del álbum, hace que te vayas metiendo poco a poco en el disco. Escuchas el primer tema, te relajas, empiezas a adentrarte, para seguir después con la parte más rockera y movida del disco, aunque a mitad te encuentras «Hilo de seda» que es más la típica balada que hay en todo disco [risas]. Y luego ya el final cierra de una manera más cíclica. Creo que, en ese sentido, el disco fluye bastante bien.

    ¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo del álbum?

    Pues, más o menos como todas las canciones que hacemos, empiezo yo con una melodía o unos acordes. Luego lo llevo yo al local y allí empezamos a desarrollar y definir entre todos. Si vemos que tiene sentido y recorrido, continuamos con la canción hacia delante y si no, enseguida la banda me corta y me dice: «esto no tiene ningún sentido» [risas]. Pero sí, al final, es un proceso compositivo en el que estamos todos envueltos.

    Una vez ya en estudio, ¿cómo fue el trabajo de producción con Víctor L. Pescador?

    Fue muy fácil, la verdad es que Víctor es un tío majísimo que pilota un montón. Y, además, mola mucho porque es muy todoterreno. Cuando grabamos nuestro primer EP también estaba él o cuando hicimos el tema de «Bajo la Red», para TVE, nos echó un cable. Se adapta a todos los estilos y escenarios, y eso mola mucho, porque es alguien con el que puedes contar y del que puedes tirar para absolutamente todo.

    «Te Extraño» fue el single de este nuevo trabajo, ¿por qué escogerla como avance?

    Pues yo creo que del disco, es la que más destaca y la que más puede recordar a nuestro anterior trabajo, a «Extraños Equilibrios». De hecho, cuando surgió esta canción, estábamos aún con nuestra gira anterior y no teníamos nada planeado de «Todas Tus Letras». Pero nos gustó, porque nos parecía un tema directo, que era fácil de escuchar y que tiene lo que todo single tiene que tener: un vídeo potente y una melodía clara. Por eso lo escogimos.

    Me ha llamado especialmente la atención la portada y todo lo que es el arte del disco, como que cada canción tenga su propia imagen y que se vea todo tan reflejado. Asumo que este tema es importante para Naranja.

    Sí, bueno, de todo lo que es el arte del disco, se han encargado Antonio Copete y Ezequiel Barranco. La verdad es que les explicamos un poco de cada uno de los temas, porque cada uno de ellos habla de una cosa o experiencia muy concreta. Al final, han ido recogiendo todas esas referencias y las han sabido plasmar muy bien, tanto en la portada del disco, como en el propio libreto. La propuesta nos encantó, porque sigue con la idea que te comentaba del álbum de fotos que recoge todas nuestras vivencias, de las cosas que nos han pasado.

    ¿Cómo ha evolucionado Naranja desde «Toronto» y qué queda de ellos?

    Yo creo que desde que sacamos «Toronto», hemos ido depurando mucho el sonido. También es que éramos muy jóvenes, teníamos unos 15 años. Entonces ha sido una evolución enorme, lo que supone crecer desde los 15 hasta los 22 que tengo ahora [risas]. ¡Imagínate ya como banda! A todo eso, sumándole experiencias como ganar el Vodafone Yu y el haber estado un año de gira con Lori Meyers. Nos ha servido para ver cómo funcionamos nosotros, cómo trabajamos con otra gente y cómo funcionan proyectos más grandes.

    El 19 de marzo arrancáis con la gira en Madrid, ¿cómo lo afrontáis?, ¿no os impone la Sala El Sol?

    ¿Tocar en una de las salas más míticas de Madrid? [risas]. La verdad es que lo afrontamos con muchas ganas y con mucha ilusión. Vamos con la intención de reventarla.

    Tras este concierto, ¿cuáles serán los próximos pasos de Naranja?

    Pues la verdad es que iremos a donde nos quiera llevar el disco. Sí que es cierto que quisiéramos visitar algunas ciudades más, en las que sabemos que tenemos algo de público interesado en vernos. Y luego de ahí, lo que vaya surgiendo. No nos queremos cerrar puertas en ningún momento.

    ¿Qué canción de Naranja identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Es difícil, ¿eh? No sabría qué responderte en esta. Ahora estamos en un momento de últimos preparativos, una época convulsa y de muchos nervios. Así que creo que la de «¿Cómo te va?» podría ser una opción, porque tiene una parte melódica como muy loca, que cambia de compás. Y creo que estamos justo en ese momento de cambio de compás.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido vosotros por la música?

    [Risas]. ¡Buah, no sé! Bueno, durante la gira con Lori Meyers pasaron bastantes locuras, aunque no hay muchas que se puedan contar [risas]. Una que sí que puedo contar, aunque si se entera mi padre me mata, es que en un fin de semana hicimos Galicia, País Vasco, Valencia y ya de ahí, Madrid. Que no es una locura, porque muchas bandas se hacen tantos kilómetros. Pero sí que fue una matada bestial de carretera en muy pocos días. Para nosotros fue duro, pero muy divertido. Y es que vimos el mar el Galicia, nos tomamos un pintxo en País Vasco, vimos nevar en Teruel porque nos pillaba de camino, y en Valencia nos bañamos en la playa.

    PRESENTACIÓN

    «TODAS TUS LETRAS» (NARANJA)

    19 de marzo

    Sala El Sol (Madrid)

    · Entradas disponibles en Wegow ·

  • Nadye cerrará la gira por salas de «Intrapolar» en Madrid

    Nadye cerrará la gira por salas de «Intrapolar» en Madrid

    Los conocimos hace un año cuando vio la luz su nuevo trabajo «Intrapolar». Se trata de Nadye, quienes de manera imparable, no han dejado de recorrer escenarios de multitud de ciudades. De hecho, se estrenaron el pasado mes de marzo de 2019 en una Sala Caracol a rebosar de gente. Ese fue el verdadero pistoletazo de salida. Sin embargo, todo llega a su fin y esta gira de salas de «Intrapolar» ya tiene su fecha de despedidas: el próximo 18 de abril, los madrileños se despiden de su ciudad, en una de las salas más míticas: la Sala But. Una manera muy especial de despedirse y de, por supuesto, subir el nivel en esta carrera que va in crescendo.

    Una noche que promete ser de lo más mágica: no solo quedará registrada en audio y vídeo, también contará con multitud de sorpresas y colaboraciones de lujo, que poco a poco irán descubriendo. Sin olvidarnos de que en esta gran velada estarán los incendiarios e incombustibles NoProcede. Una banda muy hermanada, que se encargará de abrir este gran show.

    «Intrapolar», marcando un antes y un después en la carrera de Nadye

    Hace precisamente un año, el pasado 1 de marzo de 2019, llegaba a nuestras vidas este nuevo disco de Nadye. «Intrapolar» llegaba para quedarse, después de varios singles muy directos, capaces de dejarnos sin respiración a más de uno. Primero fue «Boca a Boca», después «Contra las Cuerdas» junto a Julio Maloa (Nativa, La Raíz) y, por último, fue el turno de «La 103» con Pedro Fernández Razkin.

    Sin embargo, llegado el gran día marcado en el calendario, los madrileños lo volvieron a hacer. Volvieron a sorprender con este trabajo, en el que sacaron todo lo que llevaban dentro, en el que extrapolaron todos sus sentimientos y más, después de tanto tiempo. Y es que su anterior trabajo, «El Último Minuto», había visto la luz en 2014. Ya tocaba un nuevo disco como este «Intrapolar». Tal y como ellos mismos nos contaron en la entrevista que les hicimos hace casi un año: «Este disco ha supuesto el afianzamiento, la consolidación del sonido de la banda, de lo que somos […]. Hemos conseguido ese equilibrio perfecto».

    Ahora, llega el momento de verlos de nuevo, en una fecha muy especial. Seguro que vuelven a hacer gran demostración de su talento y energía, pero en este caso, sobre el escenario de la Sala But. Sin duda, la mejor manera de despedirse de los escenarios de las salas. ¡Consigue ya tu entrada antes de que vuelen todas!

    PRÓXIMA FECHA CONFIRMADAS

    Sábado 18 / 4 MADRID (Sala But)

    + fechas por confirmar

    Entradas aquí

  • Los Premios MIN regresan el 11 de marzo al Teatro Circo Price de Madrid

    Los Premios MIN regresan el 11 de marzo al Teatro Circo Price de Madrid

    Si hay una gala de premios de la que estemos completamente enamoradas es la de los Premios MIN, pero porque hemos podido seguirla desde que casi tenemos uso de razón. Bueno, tanto no, pero sí desde la que fuera nuestra primera edición en el año 2016. Desde ese momento, hemos sido fieles hasta la saciedad. Y, por supuesto, lo seguiremos siendo. Así es como nos plantamos en una nueva edición: y es que está será la duodécima edición. Edición que, nuevamente, tendrá lugar en el Teatro Circo Price de Madrid. Apuntad bien la fecha porque será el próximo miércoles 11 de marzo.

    ¿Quiénes tocarán en esta nueva edición de los Premios MIN?

    Como un maravilloso altavoz de la música independiente, los Premios MIN regresan un año más a Madrid, dispuestos a celebrar la gran fiesta de la música y dispuestos a dar voz a artistas y bandas que, de una manera u otra, se están convirtiendo (o ya son) en grandes figuras de la escena musical más alternativa. Así es como, un año más, podremos disfrutar de increíbles actuaciones entre premio y premio. Pero, ¿sabéis quiénes pasarán por el escenario del Circo Price? Mucha atención, porque se vienen súper actuaciones.

    Kiko Veneno es una de las figuras más emblemáticas de las que podremos disfrutar esa noche. Y es que con su nuevo disco, «Sombrero Roto» (que vio la luz el pasado mes de abril) opta a tres nominaciones en los Premios MIN: Mejor Directo, Álbum del año y Álbum Pop. De ahí que su actuación fuera más que imprescindible. Pero no estará solo: directamente desde Murcia, una de las bandas revelación de los últimos años. Se trata de Viva Suecia, quienes han revolucionado todo nuestro panorama, con la publicación de su álbum más reciente, «El Milagro». Aunque para sorpresas musicales, la que lleva dando desde hace meses, Guitarricadelafuente. Cantautor revelación y una de las voces más especiales y desgarradoras que hemos escuchado en los últimos tiempos.

    Así y todo, como buena gala de premios se precie, siempre necesitamos una nota de color, de humor. Y Ladilla Rusa son expertos en ello. Expertos e imprescindibles siempre, porque son únicos y porque son los mejores creando himnos, de los de verdad. Y de la excentricidad, pasaremos a la experiencia con el artista malagueño Zenet, quien ya se ha convertido en todo un icono de la música jazz a nivel nacional. Un contrapunto que chocará directamente con los sonidos más urbanos y modernos de otro gran talento de la música emergente: Juancho Marqués. Finalmente, poniendo punto y final a esta espectacular ronda de actuaciones, tendremos a otro de nuestros grandes descubrimientos del año: el trío de pop Cariño. Solo podemos decir que no les perdáis la pista, porque en los próximos meses darán su gran salto a Coachella.

    ¿Qué?, ¿después de estas confirmaciones de lujo, aún estás pensando en perderte esta increíble gala de premios? Bienvenidos, amigos, a la gran fiesta de la música. ¡Consigue ya tu entrada!

  • Adentrándonos en el particular universo de Ciudad Jara

    Adentrándonos en el particular universo de Ciudad Jara

    El pasado 7 de febrero nos sorprendía con el lanzamiento de su primer álbum ‘Donde Nace el Infarto’. Se trata de Ciudad Jara, proyecto personal de Pablo Sánchez, quien acaba de emprender un nuevo viaje. Viaje en el que, nuestros compañeros María Ibáñez y Makeda, han acompañado al autor durante unos instantes. No os perdáis la entrevista que le hicieron hace apenas unos días.

    «Hoy nace, dura como la piedra, una ciudad nueva. Un nuevo lugar.
    En ella se levanta el vaso y el puño.
    En ella cabe la locura de remate.
    Todo tenía un porqué.

    Un viaje a un lugar nuevo.
    Un destino del que tú también formas parte.
    Bienvenidos a Ciudad Jara».

    Así presentaste en octubre el nuevo proyecto, como una especie de nuevo mundo, al que además la intro del disco invita a que nos adentremos de una forma, para mi gusto, muy romántica: la luna, la noche, la locura. ¿Tenías claro desde el primer momento que querías que este halo de misterio envolviese el disco?

    Sí. A mí me gustaba pensar que toda la idea de ese algo nuevo que íbamos a generar, no solo musicalmente sino también como concepto, como Ciudad Jara, tuviera una llamada, una introducción que sí que tuviera este misterio. Y fíjate que era arriesgado porque al soltar una intro así tan épica podía parecer que todo el disco iba a ser así, en plan Juego de Tronos. Pero sí, me gustaba que la primera toma de contacto fuese así.  No sé, es como cuando ves el trailer de una peli y te genera ese: “Hostia, ¿qué es esto? ¿qué va a pasar aquí?”. Porque realmente en cuatro frases se está diciendo que se viene un mundo muy grande, y eso es lo que yo quería expresar.

    Me había ido de “viaje”, entre comillas; había estado un año y medio fuera de todo, componiendo, y ahora estaba volviendo a tocar tierra y me imaginaba a mí mismo así, rodeado de una fragata de gente que abandera la locura, que hace las cosas de corazón y como salen del alma, y me sugirió esta escena de los barcos llegando a tierra.

    ¿En un principio pensaste en el disco como concepto global o querías que cada canción tuviera su propio universo? 

    Yo creo que más como varios universos diferentes porque es muy, muy complicado pensar en un disco como si estuvieses pensando en un libro, por ejemplo. Yo no sé si hay algún artista que lo haga… Bueno, sí, creo que el disco que tiene Rosalía tiene como una línea narrativa en todos los temas, pero para mí, aunque me gusta la literatura, eso es algo complejísimo. Además creo que en la música tienes que expresar cosas que te salen muy fugazmente o esporádicamente y no puedes ceñirte a un guion de todo un disco. Me gustaba más plasmar la idea de plasmar doce historias diferentes.

    Entonces en el disco no hay, por así decirlo, un mensaje principal.

    Ninguno, no hay ningún mensaje. Sí que es verdad que cada disco lo compones en una época de tu vida y son los  momentos y la vida los que te van marcando el estilo. Yo por ejemplo he vivido una época muy bonita, que es la de ser padre, simultánea a una época muy difícil a nivel emocional porque he dejado un proyecto que estaba muy consolidado, con mucha gente que formaba parte de él. He decidido irme y hacer un viaje en solitario y todo eso pues te supone un montón de conflictos a nivel personal y emocional, y por eso no creo que haya ninguna idea clave. 

    Prácticamente una semana después del lanzamiento, ¿cómo  valoras el recibimiento por parte del público? ¿Ha cumplido con tus expectativas y con las suyas? Porque recordemos que antes de que saliese el disco ya habías hecho dos sold out para los conciertos de presentación.

    Joder, el recibimiento ha sido muy guay. Hay una cosa que valoro mucho y es que noto en el feedback que la gente más que centrarse y pensar o expresar que les gusta más una canción o que les gustaba más el Pablo de La Raíz, ha entendido un cambio. Más allá de si les gusta o no han entendido que esto es una deriva artística, que yo quiero expresar otras cosas, que quiero expresarme y vestir mi música de otra manera. Y esto es lo que más me gusta fuera de números, que también son importantes, ¿no? Porque como decías hemos hecho sold-outs con dos canciones apenas, cosa que por un lado da mucho miedo porque realmente vuelves a estar en la escena o en el mismo lugar del que huiste. Pero bueno, también pienso que aunque todo ha sido muy vertiginoso hemos currado mucho este año con el equipo de Ciudad Jara que somos muchos, no solamente Pablo Sánchez y los músicos. Hay un montón de gente alrededor de las redes sociales, la logística y todo eso. Y hemos currado al detalle cada cosita para que todo saliera bien, y creo que también es recoger el fruto de lo que hemos sembrado.

    Dentro de las doce canciones que completan tu trabajo hay un poco de todo: hay poesía, hay crítica, sensibilidad del cantautor.  ¿Sigues alguna fórmula para desarrollar la temática de las canciones?

    Fórmula como tal no. Yo saco muchos estribillos. A lo mejor saco veinte o veinticinco estribillos de canciones con la guitarra, muy épicos, me los imagino muy cantables y cada uno con una temática. Luego cojo los que más me gustan, me los quedo y desde ahí empiezo a hacer las once o doce canciones que quiero. Por eso al final es tan dispar el disco en temáticas y en estilos, porque un día me salió un estribillo un poco murguero, otro día las nanas. Pero no, pienso que no hay ninguna fórmula. 

    Y dentro de esta variedad de estilos, ¿piensas que hay alguna innovación importante?

    Como a nivel estilístico es muy variado, yo creo que a lo mejor la innovación está más en que la gente que conocía cómo componía yo, ha descubierto una parte más íntima o más personal, una manera de expresarme un poco más profunda alejada del bullicio de lo explícito, más cercana a la poesía y la metáfora. A lo mejor están encontrando un poco más de, como has dicho tú, sensibilidad de autor. Quizá eso sea lo más novedoso.

    En la primera escucha me llamó la atención especialmente los versos de Alfonsina Storni al comienzo de “Ultramar”. También has hablado del protagonismo de la estatua del pensador de Rodin. ¿Qué otras influencias artísticas has querido dejar plasmadas?

    ¡Buah, un montón! En casi todas las canciones las hay. Musicalmente hay muchísimas: canción de autor, que van desde Sabina, Violeta Parra, o Jorge Drexler, que me encanta; grupos extranjeros que me han gustado mucho y que parece que no tienen nada que ver a priori pero que están de alguna manera como Biffy Clyro o Coldplay. Y luego aparte otras fuentes artísticas como las que has dicho: he leído mucho a Alfonsina Storni, a Ángel González, y a Miguel Hernández sigo leyéndolo. “El último pasillo” lo inspiró un poema italiano que se llama “Ali d’ella” y habla del poder igualitario de la muerte. También escucho mucha música latinoamericana, de Uruguay, Argentina… No sé, muchas.

    Lo que hablábamos antes de la sensibilidad de autor es algo que donde más queda reflejado es en las letras, que en el disco tienen especial protagonismo. ¿Cómo piensas adaptar esto al directo? ¿Habrá una puesta en escena más bien íntima?

    No lo sé. Estamos empezando a ensayar las canciones, pero no el directo. Tenemos pensado empezar a ensayar el directo ahora cuando acabemos con esta promoción. Yo todo lo que hago en la música lo intento cuidar al máximo y el directo también. Obviamente será un concierto muy diferente a los que hacía con La Raíz. Ahí éramos once personas dando botes, muchísima energía, había mucho desenfado, un lenguaje muy explícito. La comunión con el público era enorme, cantaban ellos más que nosotros. No había a priori tanta exigencia a nivel técnico como puede tener esto. Intentaré que sea un concierto en el que pueda demostrar estas cosas íntimas que he plasmado en las letras de manera más cercana, pero que también sea intenso.

    Ahora que comentas esto de la cercanía, llama la atención que las confirmaciones que de momento tenéis, salvo los tres conciertos de presentación, son en varios festivales. ¿Valoráis o tenéis previsto hacer una gira de salas ya de cara al otoño, quizá?

    La gira de salas depende un poco de los conciertos que vayamos cerrando. El hecho de que empecemos en festivales tiene que ver un poco con el calendario porque si tú sacas un disco en marzo, no te da tiempo a hacer una gira de salas porque están todos los festivales ya en funcionamiento. Y nosotros nos vamos directos a los festivales por eso, porque hemos sacado el disco un poco “tarde” y también porque nos abre la puerta a que nos vea un abanico de público un poco más amplio.

    PRIMERAS FECHAS CIUDAD JARA

    06/02. 18:30H. FNAC Triangle (Barcelona)
    10/02. 19:00H. FNAC Sant Agustí (València)
    13/02. 19:00H. FNAC Callao (Madrid)
    19/03. Joy Eslava (Madrid). SOLD OUT.
    20/03. Joy Eslava (Madrid). SOLD OUT.
    21/03. IruñaRock 2020 (Iruña)
    27/03. Auditorio Murcia Parque (Murcia)
    28/03. Telecogresca 2020 (Barcelona)
    11/04. Ítaca (L’Escala)
    05/06 – 06/06. Festival de les Arts 2020 (València)
    19/06 – 20/06. Festival VinToro 2020 (Toro)
    02/07 – 04/07. Festival Río Babel (Madrid)
    04/07. Canet Rock 2020 (Canet de Mar)
    10/07 – 12/07. Festiuet 2020 (Coma-ruga)
    12/08 – 16/08. Sonorama Ribera (Aranda de Duero)
    13/08 – 15/08. Rabolagartija Festival (Villena)
    20/08 – 23/08. Cooltural Fest (Almería)

  • Victoria Ford nos preparan para su nuevo «Grandes éxitos, mejores remixes»

    Victoria Ford nos preparan para su nuevo «Grandes éxitos, mejores remixes»

    Ya conocemos la fecha en la que Victoria Ford presentará su nuevo trabajo. «Grandes éxitos, mejores remixes» llegará a nuestras vidas el próximo 20 de marzo. Un trabajo de lo más especial que es producto de poner en mano de diferentes DJs y productores los temas de su primer disco «Grandes éxitos, mejores descartes». Un nuevo trabajo del que ya nos mostraron una pequeña píldora, llamada «Bien es Poco». Canción que en palabras de Eme DJ y David Van Bylen: «Tiene potencial de himno. Tal vez tocado con formato estricto de banda de rock no sea fácil verlo, pero al combinarlo con una base electrónica que realce sus fortalezas y le otorgue la pegada y la grandilocuencia necesarias, entonces ya no hay duda. Éste ha sido el objetivo de este remix».

    ¿Qué encontraremos en este nuevo disco?

    Un gran disco de remezclas en el que han participado artistas de la talla de Eme DJ, David Van Bylen, We Are Not DJ’s, Andrés López (Niños Mutantes), Los Pilotos, David Kano, Guille Mostaza, MudaPiel, Tobogán y Nacho Canut. Así se avecina este «Grandes éxitos, mejores remixes», del que ya hemos podido probar el primer adelanto: «Bien es Poco».

    Canción potente esta de «Bien es Poco», que ha llegado acompañada de un increíble videoclip en el que un grupo de tres simpáticos fantasmas andaban pasándoselo de miedo en su encantador chalet embrujado con piscina, cuando: «Bam!». Un operario del servicio de limpiezas espectrales irrumpe dispuesto a cazarlos. Sin embargo, ellos no están dispuestos a ponérselo fácil y es que lo impedirán haciendo todo tipo de travesuras. ¿Conseguirá el intruso fumigarlos? Un vídeo magistral dirigido por Joaquín Rueda y producido por Mudapiel que, sin duda alguna, es de vista obligatoria. Una canción que se convertirá en himno, en oda a las historias de terror pop. Un homenaje en forma de videoclip a las falsas apariencias, la amistad y la sensación de estar cómodamente perdido.

    No os perdáis las primeras fechas de conciertos, porque no van a parar de rodar.

    PRIMERAS FECHAS DE PRESENTACIÓN

    Viernes, 20 de marzo . SEVILLA . FUN CLUB

    Sábado, 21 de marzo . ALMERÍA . LA CUEVA

    Viernes, 27 de marzo . GRANADA . LEMON ROCK

    Sábado, 28 de marzo . MONTILLA . POP LA CARA

    Viernes, 03 de abril . MADRID . COSTELLO CLUB



  • La infinita noche en la que bailamos al ritmo de Messura

    La infinita noche en la que bailamos al ritmo de Messura

    El talento y el saber hacer siempre, siempre se deben sacar a relucir. De ahí que sintamos la imperiosa necesidad de hablar de Messura, a quienes entrevistamos hace algunos días y a quienes pudimos ver en directo el pasado viernes 7 de febrero. Fue en la Cadillac Solitario de Madrid, donde colgaron el cartel de entradas agotadas, consiguiendo que la sala se quedara demasiado pequeña para ellos. Además, no estuvieron solos, pues la banda Múltiplex estuvieron con ellos. Una cita de lo más especial y es que los de Logroño venían dispuestos a echar los restos, venían dispuestos a presentar las canciones de su último trabajo, llamado «Animal». Y vaya si lo hicieron. Y vaya si subieron la temperatura en la pequeña y recogida sala madrileña. La noche se tornó día con cada nota que sonaba. Porque el talento no se puede silenciar, hay que dejarlo fluir.

    Los jóvenes y enérgicos Multiplex fueron los primeros en saltar al escenario y caldear el ambiente, en medio de una noche que auguraba especial. Era la gran presentación en la capital de lo nuevo de Messura. «Animal» está aquí para marcar territorio, muy especialmente en los directos, su medio natural. Y es que con una potencia increíblemente contagiosa, los riojanos no perdieron la oportunidad de ponernos a todos a cantar y a bailar al ritmo de sus canciones, que han supuesto un auténtico descubrimiento para nosotros. Descubrimientos que llegan acompañados de enorme éxito. Y es que sí, amigos, tras el «sold out» en la Cadillac Solitario, Messura volverán el próximo 18 de abril, pero en esta ocasión, será la Sala Costello el lugar que visiten.Ya lo han hecho una vez, así que estamos seguros de que lo volverán a hacer otra vez: conseguid vuestras entradas antes de que vuelvan a volar todas (ya podéis conseguirlas pinchando aquí).

  • Carletti Porta: «En Especies de Sombras quería recoger el imaginario en el que convivo»

    Carletti Porta: «En Especies de Sombras quería recoger el imaginario en el que convivo»

    «Especies de Sombra» tiene ya nueve días de vida. Se trata del nuevo trabajo del artista albaceteño Carletti Porta, a quien conocimos hace cerca de un año con el final de gira de su «Caballero». Mucha atención a esta auténtica joya que acaba de ver la luz y que está recorriendo ya escenarios de cabo a rabo. Mientras, podéis disfrutar de la entrevista que le hicimos a Carletti Porta y de todo lo que nos estuvo contando.

    ¿Cómo surge este «Especies de Sombra», el último adelanto que presentaste junto a Ricardo Lezón?, ¿cómo nace el tema y la colaboración con él?

    Pues esta canción es una de las más antiguas que tenía en los cajones que, además, da título a mi nuevo álbum. Y nada, hace unos meses tocaba en el Coppola de Bilbao, una sala a la que suelo ir con frecuencia, y una de las noches fue Ricardo Lezón, a quien conocí gracias al dueño del local. Desde el principio, congeniamos genial y enseguida le pregunté si quería colaborar. A mí lo que más me gustaba de Ricardo eran sus letras, más que las mías. Así que entendí que si metía unos versos en «Especies de Sombra», iba a mejorar un montón. Al final, este tema habla precisamente de nosotros, de los que hacemos canciones y estamos en las sombras.

    ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con él?

    Creo que la frase que mejor podría definir esta colaboración es la de «Dios los cría y ellos se juntan». Estaríamos solo como una hora o tres cuartos hablando en Bilbao, pero nos caímos bien al instante. Fue ahí cuando le tiré el tejo. A partir de ahí, el contacto ha sido a través de correo electrónico: yo grabé la canción en mi estudio, se la pasé y él grabó en Bilbao. Aún así, se ha creado ya un vínculo entre nosotros, como si nos conociéramos de toda la vida ya. Ha sido algo increíble, la verdad. Además, la canción ya nos une para toda la vida: nuestras voces están ya unidas en un mismo tema. ¿Es algo muy potente, no?

    Continuando con el tema de colaboraciones, también podemos escuchar a Marlango en este nuevo álbum. ¿Cómo surge y cómo fue trabajar juntos?

    A Marlango los conocí en Albacete, donde me invitaron a tocar en un concierto con ellos y la verdad, es que genial. Luego, para devolverles la pelota, los invité al final de gira de «Caballero», en el Café La Palma. Justo después de esta primera toma de contacto, me invitaron a telonearlos durante su gira «Technicolor». Lo cierto es que son gente súper sencilla con la que da gusto trabajar. Y todo ello nos sirvió para mantener el contacto, de ahí que hayan participado en «Cómo no voy a morir por ti»: Alejandro puso su sello al piano y Leonor hizo lo propio con la voz. Así surge la colaboración, a base de cotidaneidad. Trabajar con ellos, para mí ha sido una escuela de calor: Alejandro Pelayo es un mago de las teclas y Leonor Watling es una de las damas de la música.

    Respecto al álbum, ¿cómo surge todo el concepto de «Especies de Sombra»?

    Pues «Especies de Sombra», en realidad, es un término botánico y hace referencia a todas aquellas especies que necesitan de las sombras para poder crecer y salir hacia la luz. Era un concepto en sí que me atraía, porque en la vida real, los músicos somos unas especies de sombra que necesitamos salir a la luz o no. Igual que nuestras canciones. O que los niños. Entonces quería recoger en este álbum todo ese imaginario en el que convivo, de música, familia, casa, vida. Además, precisamente estas canciones eran canciones que estaban a la sombra desde hace bastantes años. Así que viene de ahí.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de este trabajo?

    Yo suelo componer canciones siempre desde la cotidianidad: soy un tipo tranquilo con una vida normal, pero lo que aflora dentro de mí lo saco y suele encontrar su hueco en las canciones. Las necesito para convivir conmigo mismo y, la verdad, es que no suelo buscar nada en concreto, sin trucos y sin ataduras.

    ¿Y qué importancia han tenido las letras, el mensaje de cada una de las canciones de este trabajo?

    Creo que según voy haciéndome más mayor, voy encontrando más refugio en las canciones. No sé qué poeta decía que escribía poesía por estar un rato solo; y a mí me pasa un poco lo mismo. La música, las canciones me hacen sentir más sano, más fuerte en mi día a día. Además, saber que algunas de mis canciones han ayudado o han conmovido a algunas personas, también me sirve a mí como motor. Que tengan sentido para otros, me reconforta, me hace sentir bien. Al fin y al cabo, lo único que quiero es seguir caminando.

    ¿Cómo te sentiste ante el lanzamiento de este «Especies de Sombra»?

    Hay una cosa que me pasa siempre que publico single o disco: y es que las canciones, la noche de antes del lanzamiento, no me suenan igual. Es una necesidad de expulsarlas y de que vean la luz, para que empiezan a ser parte del público y no solo mías. Todo ello, termina haciéndome sentir más ligero.

    ¿Y de qué manera ha evolucionado Carletti Porta desde «Babyhannah’s Album»?

    Hace poco me preguntaron que por dónde recomendaría empezar a escuchar mi música. Yo recomendaría, a quien fuera, empezar por este último trabajo. Y es que en este «Especies de Sombra» hay mucha más madurez, mucha más conciencia del trabajo y, sobre todo, como más ímpetu o conciencia de estar en el mundo. «Babyhannah’s Album» y «Caballero» fueron dos trabajos inevitables, casi que no fueron intencionados. Eran trabajos que, de cualquier manera, tenían que salir. Así que resumiría la evolución en dos palabras: madurez e intención.

    ¿Cuáles serán los siguientes pasos de Carletti Porta?

    Pues seguir con la gira, tras el concierto del pasado 1 de febrero en Madrid. El 15 de febrero tocaré también con banda, en la Black Note de Valencia. A partir de ahí, seguiré solo el día 28 en Alicante, Zaragoza, La Roda, Barcelona. y en mayo regresaré a Madrid. Al final, la idea es no parar de tocar. Es lo que conlleva, es lo que lleva implícito el hacer canciones.

    ¿Cómo te preparas los directos y más actuando en dos formatos diferentes, con banda y tú solo?

    Pues cuando voy solo, me he dado cuenta de que la manera en la que más cómodo me siento es ir sin setlist, sin guión. Unos veinte minutos antes sé con qué canción voy a empezar, pero ya está. Voy tocando los temas que voy sintiendo, que me van surgiendo. Y de esta manera, el concierto también es mucho más fluido y más natural. No me voy interrumpiendo mirando el papel. Para mí esto ha sido muy importante, porque ha hecho que vaya mucho más relajado al concierto. Ha sido como un salvavidas.

    Cuando voy con banda es diferente. Lo preparamos todo de tal manera para que todos los músicos tengamos bastante margen de maniobra, ya que tenemos muy pocos ensayos. En estos casos, cada uno de nosotros aportamos lo que consideramos que es mejor, siempre con un criterio, y salimos al escenario a darlo todo.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Pues llamé a mi jefe y le dije que no seguiría trabajando con él, incluso ofreciéndome una mejor en mi puesto. En ese momento, me dije a mí mismo: «voy a dedicarme a la música». Y cuando colgué el teléfono, me llamaron de Marlango para colaborar en una canción y trabajar mano a mano con ellos. Al final, ha sido la locura más cuerda que he cometido en mi vida.

    PRIMERAS FECHAS DE CARLETTI PORTA

    15 DE FEBRERO – BLACK NOTE CLUB – VALENCIA

    28 DE FEBRERO – VILLAVIEJA 6 – ALICANTE

    7 DE MARZO – SALA SARAMAGO – ALBACETE

    13 DE MARZO – SALA CREDEENCE – ZARAGOZA

    21 DE MARZO – SALA SIGÜENZ(A)RTE – SIGÜENZA

    4 DE ABRIL – REVOLTA – BARCELONA

  • Messura: «Musicalmente, Animal es un disco continuista»

    Messura: «Musicalmente, Animal es un disco continuista»

    Han sido uno de los grandes descubrimientos de estos últimos meses. Con el rock por bandera y con un profundo amor hacia la música, el cuarteto ha vuelto a sorprendernos. Sí, se trata de Messura, quienes acaban de publicar su reciente trabajo «Animal». Un álbum con una fuerza arrolladora y desgarradora, que presentarán este mismo viernes 7 de febrero en Madrid: que tiemble la Sala Cadillac Solitario, porque Messura ya están aquí. Y al hilo de este esperado lanzamiento y de este enérgico concierto, hemos podidos hablar con la banda. Mucha atención a lo que nos han contado.

    ¿Cómo surge el concepto de este último trabajo, de «Animal»?

    Realmente es continuista, en «OtoñoXVII» sólo grabamos cuatro temas que ya enseñaban las maneras de Messura. Nuestra idea era la de no ponernos trabas en lo que a la composición o el estilo se refiere. Dentro de un género tan amplio como el rock no queríamos cerrarnos a nada y seguimos con esa actitud. 

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?

    Como te comentamos, nos gusta que el proceso creativo no sea restrictivo. Las ideas las trae Diego al local y entre todos les damos forma. Él trae algo con muchos cambios pero sin estructura y ya en el local todos aportamos y hacemos de su caos un tema [risas]. 

    ¿Cómo fue trabajar en los Estudios Reno?

    Algo nuevo para nosotros. Nunca habíamos podido dedicar tiempo a la producción y en «Animal» ha sido así. Trabajar con Karim y Rams fue enriquecedor a nivel personal, para la banda y para el disco. Suponemos que ese es el fin, y en este caso creemos, que lo hemos conseguido.

    ¿Por qué ahora el salto al LP?

    Somos unos románticos. Sabemos que la industria no va por ahí, ahora se llevan los video-singles y colgar contenido en redes cada mes, pero también somos conscientes de dónde venimos y en lo que creemos. Un LP da credibilidad a nuestro trabajo y una base más sólida que los EPs. A finales de este mes sacamos el vinilo y es algo de lo que tenemos muchas ganas, ya que como decíamos antes, somos unos románticos [risas].

    ¿Cómo está siendo la acogida?

    Estamos sorprendidos, pero sobre todo agradecidos. Es muy bonito ver como crecen los oyentes día a día, más aún cuando es algo que hemos hecho de una manera visceral y por necesidad. Como músicos llevamos toda la vida en bandas y por tanto esto ha crecido con nosotros y cuando algo que nace sin pretensiones, llega a la gente de la manera en que está llegando, es increíble y sorprendente.

    Pop, stoner, rock. Toda una variedad de estilos que conviven a la perfección en vuestras canciones. ¿Podríamos decir que es este el sello Messura?

    Esto lo deberían decir los oyentes [risas], no sabemos cuál es nuestro sello. Lo que tenemos claro es que no vamos a renunciar a ninguno de esos estilos que nombras, ni a ningún otro. Si los temas tienen alma van para adentro sí o sí. 

    ¿Se debe huir de las etiquetas?

    Nosotros huímos, pero entendemos que son necesarias para la comunicación entre melómanos. Tanto estas, como las comparaciones ayudan a la gente a la hora de hablar de música. Pero luego a las bandas nos resulta muy difícil apropiarnos de ellas.

    ¿Cómo ha evolucionado Messura desde aquel primer «OtoñoXVII»?

    En lo musical, como comentábamos, es continuista. Pero en lo profesional, es un equipo humano que va creciendo en todos los aspectos. En número y en calidad, pero sobre todo en aprendizaje. Aunque llevemos toda la vida en la música, nunca nos había exigido tanto a nivel bolos, raiders, técnicos, medios. 

    «Dicotomía» ha sido el último adelanto. ¿Cómo surge toda la idea del videoclip?

    Pues no queríamos salir en pantalla y dar importancia a la poesía del tema, tanto en la lírica como en lo musical. En este videoclip queríamos dar importancia a la estética, a la fotografía. Contactamos con Patricia para la dirección y con Álvaro para la grabación de este. Ambos entendieron a la perfección la idea y una vez así no quisimos interferir en su trabajo y estamos encantados de haber actuado así. El resultado nos ha gustado a nosotros y está teniendo una acogida sorprendente. 

    Sois la banda emergente de la Promoción’20 de «Hoy empieza todo» (Radio 3), habéis participado en «Un país para escucharlo» y pronto actuareis en «Los conciertos de Radio 3». ¿Cómo os sentís ante todo ello y cómo lo afrontáis?

    Agradecidos y con fuerzas para afrontar lo que venga. Si es cierto que todo esto que nombras ha sido sorpresivo pero nos da confianza en nuestro trabajo. Aun así, la juventud de la banda como tal hace que sintamos un poco de vértigo. Aunque como dice una amiga «al vértigo, alas». 

    ¿Cómo vivisteis las primeras presentaciones en Logroño y Madrid?

    Jugar en casa, a priori, es más sencillo pero es la plaza que más nos mueve el pecho. Sabíamos que había espectación pero no imaginábamos lo que sucedió. Meter 650 personas con tan poca trayectoria como banda es un hito en la escena riojana. Fue apoteósico ver a la gente cantando todas nuestras canciones y con una actitud como público que nos emocionó. Lo mismo sucedió en la Sala Juglar en Lavapiés. Salir de nuestro entorno y encontrarnos con la acogida que nos encontramos aquí fue algo más sorprendente si cabe. Ver a gente que no conoces de nada corear tus estribillos es algo que llena mucho. 

    ¿Cómo afrontáis esta gira 2020?

    Con ganas y con la idea de aprender y disfrutar de este aprendizaje. De momento se están cerrando cosas muy interesantes y la perspectiva es de crecimiento, así que ilusionados con ello. 

    Dos años como banda y carrera in crescendo. ¿Qué está pasando con el fenómeno Messura?

    Eso nos gustaría saber a nosotros [risas].

    ¿Cuál creéis que es la clave del éxito?

    Creemos que eso no lo sabe nadie, si no este mundillo sería muy frío y matemático. Somo de la idea de que el arte no son matemáticas. 

    ¿Qué importancia tiene para vosotros el mensaje?

    Lógicamente mucha. Diego no concibe escribir sin mensaje. Este puede adoptar muchas formas. De hecho en «Animal» hay mensaje directo y mensaje entre líneas. Da importancia a la poética pero si esta no tiene contenido, no vale. 

    ¿Creéis que la música peca de falta de mensaje que conmueva o que conciencie?

    Según los estilos, hay música que tiene mucho mensaje. Otra cosa es en los estilos que imperan en los medios, ahí si que no hay mensaje válido para nosotros. Es rara la banda que suena en las emisoras convencionales con mensaje subversivo. Pero creemos que es más un problema de las multinacionales musicales o grandes empresas de comunicación que de las bandas en sí. No interesa que la gente sea crítica, y la música siempre ha sido un canal que calaba profundamente en la filosofía de la juventud. 

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Seguir en ella con la misma emoción que el primer día. Seguir aquí nos está dejando claro que va a ser muy difícil que lo dejemos. Además de la banda, somos profesores de música los cuatro así que la locura la cometimos al inicio de este camino o tal vez nacimos dementes. El caso es que aquí seguimos.

  • El ansiado momento en que nos reencontremos con The Cat Empire

    El ansiado momento en que nos reencontremos con The Cat Empire

    El haber podido disfrutar de ellos hace cerca de un año en La Riviera de Madrid fue un auténtico regalo. No los conocíamos y no los habíamos visto ganas, pero sin duda alguna, The Cat Empire fue uno de nuestros grandes descubrimientos de 2018. Así que imaginad la sorpresa y la alegría al saber que la banda australiana regresaría. Por delante, diferentes ciudades: València (23 de marzo), Santiago de Compostela (25 de marzo), Madrid (26 y 27 de marzo), Barcelona (28 de marzo) y Girona (29 de marzo). Una auténtica revolución que ya ha arrasado con una de las fechas en la capital y que, estamos completamente seguros, que lo seguirá haciendo por todas las ciudades por las que pase. Además, no estarán solos en esta infatigable gira en la que Lucy Lu abrirá todos y cada uno de los conciertos de la banda.

    ¿Quiénes son The Cat Empire?

    El mejor combo venido directamente desde Australia, su música es la mezcla perfecta de multiculturalismo y fusión. Y es que ya son dos décadas de acercar el funk, el reggae, el jazz, el rock latino y el ska a todos los lugares del mundo. The Cat Empire se han alzado, sin duda alguna, como máximos representantes de la atmósfera de carnaval más particular y especial que jamás hayamos conocido, especialmente en los directos, espacio en el que más y mejor se han desarrollado y crecido: y es que dieron su primer concierto en mayo de 2001 y el 21 de marzo de 2014 llegaron a las mil actuaciones repartidas en 23 países, en los que habían vendido más de un millón y medio de copias.

    En España, se consolidaron con el paso de los años, gracias en gran medida a todas esas giras que los trajeron al país tras el lanzamiento de su sexto álbum de estudio. Ese «Steal The Light» (2013), marcó un antes y un después, y además, consiguió elevar a un estado superior el siguiente trabajo de la banda. «Rising With The Sun» sí que nos regaló verdaderos momentos y verdaderos temazos como «Wolves» y «Bulls». Así y todo, siempre hay un momento de parón en el que coger aire se vuelve un acto más que necesario: después de un 2017 sin The Cat Empire en los escenarios, recibimos con los brazos abiertos un auténtico discazo como lo fue «Stolen Diamonds» (febrero de 2019). Producido por Jan Skubiszewski, el álbum captura todos los prismas que la banda ha ido combinando a lo largo de estos años hasta crear su personal sonido.



  • Lo nuevo de Cabana ya está aquí: «Kamikazes» ya es nuestra

    Lo nuevo de Cabana ya está aquí: «Kamikazes» ya es nuestra

    «Kamikazes» ya está aquí como un verdadero modo de vida. Esta es la nueva canción del dúo Cabana, que ha llegado acompañada de su respectivo videoclip, que retrata a la perfección esa vida nocturna repleta de de vicios y perversiones, de la que no puedes huir aunque quieras: y es que siempre, siempre terminará envolviéndote. La canción perfecta para sacar ese pequeño diablo que todos llevamos dentro. Una canción perfecta para hacernos entrar en calor y adentrarnos en el particular mundo del dúo afincado en Madrid, que tomará forma a finales de febrero con el lanzamiento de su primer trabajo de corta duración. Un EP en el que han estado trabajando durante todo el pasado 2019, junto a Alberto Martín como productor; y en el que además, han colaborado artistas de la talla de Frank T, Carlos Sosa (Fuel Fandango y Zahara), Arturo Sosa (Efecto Pasillo) y Toni Gil, músico habitual en las giras de Pedro Guerra.

    Por supuesto, este trabajo tendrá su particular puesta en escena el próximo jueves 28 de mayo en la Sala Siroco de Madrid. Una noche de lo más especial, perfecta para darle la bienvenida a la primavera y hacerlo por todo lo alto.

    Los grandes inicios de Cabana

    Corría el año 2017 cuando Cabana comenzaba a armar ruido en el mismo corazón de Madrid. Alejandro Herrera (voz y programaciones) y Néstor Peñate (batería) arrancaban con el proyecto, en el que los riffs agresivos, los ritmos electrónicos y el sonido independiente se convirtieron en los verdaderos protagonistas. Todo ello, destacando en unos directos de pura energía, explosividad y fiesta, en los que el público lo es todo.

    Fue en octubre de ese mismo año, de 2017, en el que vio la luz el primer sencillo de la banda, «Nervio». Fue ahí cuando comenzaron a trabajar con Albertó Martín en la producción, en las mismas entrañas de los estudios Lalavalab. Poco después, en 2018, comienzan a girar por todo el país, compartiendo cartel con artistas de renombre como O’funk’illo, La Pegatina o Rosendo, entre otros.

NEWS-
LETTER

Sin rollos. Sin spam. Solo lo que suena.

NEWS-
LETTER

Sin rollos. Sin spam. Solo lo que suena.

NEWS-
LETTER

Sin rollos. Sin spam. Solo lo que suena.