Es una de las bandas que ha hecho historia y que, probablemente, más merecido se lo tenga. Y es que, gusten más o gusten menos, son la demostración perfecta de que con trabajo y con tesón se puede llegar a la cima. Se trata de Vetusta Morla, quienes el pasado año demostraron ante 38.000 personas en La Caja Mágica de Madrid, la misma noche en la que San Juan nos quemó en su hoguera. Todo lo que tocan lo convierten en magia: lo hicieron aquella noche y lo han hecho durante dos fin de años seguidos en su ciudad, pero es que su aventura no ha terminado aquí: ahora, están preparados para asaltar Barcelona. Y es que el próximo mes de marzo, la Ciudad Condal será testigo de uno de los conciertos más especiales que jamás haya tenido. Los días 6 y 7, el Auditori del Fòrum arderá y sucumbirá a las profundidades de «Mismo Sitio, Distinto Lugar». Sucumbirá a los trucos de la banda, que actuará en el marco de Guitar BCN 2020. Conciertos de lo más especiales que nos presentarán a unos nuevos Vetusta Morla, que nos han preparado un show completamente nuevo y renovado.
«MSDL – Canciones dentro de canciones» es el nuevo proyecto de Vetusta Morla
«Mismo Sitio, Distinto Lugar» fue el último trabajo de Vetusta Morla, que vio la luz en noviembre de 2017. Un trabajo tan esperado y ansiado, que ha supuesto una auténtica revolución. Con él han crecido y con él se han afianzado. Pero tras una extensa gira, los madrileños se encuentran trabajando en su próximo proyecto: «MSDL – Canciones dentro de canciones» está a la vuelta de la esquina: de hecho, el primer adelanto de este nuevo trabajo ya ha visto la luz. «Palmeras en la Mancha» se estrena con un vídeo que adelanta el proyecto audiovisual con el que Vetusta Morla acompaña su próximo álbum. Un proyecto que nace con la idea de registrar en vídeo las sesiones de grabación para que el público pueda ver, no solo las interpretaciones, sino también las diferencias entre los temas de «Mismo Sitio, Distinto Lugar» y las versiones del nuevo disco. ¿Cómo hacerlo? Simplemente, colocando una cámara apuntando a cada uno de los músicos mientras grababan las canciones. Sin iluminación ni puesta en escena. Y, por supuesto, sin artificios y de la manera más íntima posible.
¿Tienes ya tu entrada para ver a Vetusta Morla en Barcelona? Las entradas se encuentran disponibles en la página web de Guitar BCN 2020 (consíguelas pinchando aquí).
Todavía recuperándonos de un 2019 de lo más intenso, no podemos evitar echar la vista atrás y ver todo lo que hemos conseguido durante el año. Entrevistas, multitud de discos, de nuevos artistas y, por supuesto, conciertos. No podíamos iniciar el año sin recordar nuestro top 10 de conciertos del año. Conciertos en los que hemos visto a bandas que nos encantan y a muchas otras que hemos podido descubrir. ¿Coincidís con nosotras?, ¿cuál ha sido vuestro top de directos del año?
Tu Otra Bonita | 13.01.2019 (Teatro Circo Price)
La mejor manera que tuvimos de arrancar el año fue ir al concierto de Tu Otra Bonita, enmarcado dentro del Inverfest. El Teatro Circo Price fue testigo de este directo de lo más especial en el que cantamos, bailamos, temblamos, reímos. Un momento apoteósico en el que «¿Verdad o Atrevimiento?» ahondó aún más en nuestras vidas, tocándonos el alma. Era la primera vez que los veíamos en un escenario tan grande y tan bien acompañados. Y fue verdaderamente épico.
Feli & The LemonShakers | 23.01.2019 (Sala Costello)
Uno de los grandes descubrimientos en directo fue el de Feli & The LemonShakers, quienes estaban inmersos en la presentación de su EP «HighLife». ¿Cómo hacer del invierno, verano? Con el tropical indie y los estivales ritmos de la banda de Feli, rápidamente la Costello se vino arriba y se incendió. Fue como una especie de viaje a través del tiempo, en el cual la magia no dejó de fluir. Un viaje que repetiríamos una y otra vez.
Naponia | 25.01.2019 (Sala Maravillas)
Aunque para estima la que le tenemos a los chicos de Naponia: volver a verlos el pasado mes de febrero en la Sala Maravillas de Madrid, fue un verdadero regalo. Y más después de que viera la luz su último trabajo «De Miedo y Fantasmas». Un concierto en el que lo pasamos como niños pequeños y en el que no faltó un buen derroche de energía y de actitud.
Canard | 01.02.2019 (Sala Nazca)
Los descubrimos en el Sonorama de 2017 y ya desde el primer momento, nos enamoraron. Y es que son la mezcla perfecta entre actitud y talento. Pero por cosas de la vida, no habíamos podido verlos de nuevo: hacerlo una vez más, el pasado febrero en la Sala Nazca fue una bendición y una fiesta. Una fiesta llamada «Mañana es Tarde».
Denea | 02.02.2019 (Sala Juglar)
Las despedidas siempre son amargas y más cuando despides un disco que te ha dado tanto. Es el caso del «8 Rojo» de Denea, que el pasado mes de febrero llegaba a su fin en la Sala Juglar. Denea. Siempre serán especiales. Ellos, que llegaron a nuestras vidas precisamente gracias al «8 Rojo» y que ya se han convertido en familia. Así que verlos en directo siempre es un acierto seguro.
Carlos Sadness | 23.02.2019 (WizInk Center)
Aunque para viaje mágico el que hicimos con Carlos Sadness desde el WizInk Center hasta la mismísima «Isla Morenita». Una sala de lo más repleta en la que todo el mundo vibró al son de las canciones del artista barcelonés. Y es que ese «flow» y ese buen rollo que solo tiene Sadness, llegó a todos y cada uno de los rincones del Palacio de los Deportes.
Una Vez Medianoche | 07.03.2019 (Café La Palma)
Hay bandas con`una sensibilidad y un talento infinitos. Bandas desconocidas que se merecen que las conozcan, que les abran puertas. No solo por su música, también por las personas que se esconden detrás. Las mismas que, una vez subidas al escenario, se transforman. Una Vez Medianoche es una de esas bandas y así lo demostraron el pasado mes de marzo en la pequeña pero acogedora La Palma. Y llegaron allí para presentar su debut, «Amanecer».
Exceso | 23.05.2019 (Sala Apolo)
Tras siete años sin nuevo trabajo, Exceso estaban de vuelta con su ambicioso nuevo trabajo, «Rimas y Rock». Corría el mes de mayo y con él, uno de los directos más potentes que hemos podido ver. Una Sala Apolo a rebosar de gente, tembló, ardió. Y no pudimos ser más felices. Cantamos hasta quedarnos sin voz y saltamos hasta terminar exhaustos. No fue para menos: Exceso dejó el listón demasiado alto. Y es que, sin duda alguna, hay conciertos por los que merece la pena esperar.
ZOO | 01.11.2019 (Sant Jordi Club)
Tras cinco años intensos y sin parar de rodar, ZOO se han estado preparando durante todo este año para despedirse temporalmente de los escenarios. Un fin de ciclo que comenzará de nuevo en 2021, con un nuevo disco debajo del brazo. Un Sant Jordi Club con más de mil almas cantando, el círculo se estrechaba aún más con todas las canciones que nos han marcado desde hace años y con centenares de amigos con los que colaborar.
Auxili | 13.12.2019 (Sala Apolo)
Es una de las bandas más potentes dentro del panorama musical valenciano. Y es que son una auténtica bandaza. Auxili han sido otros que se han despedido de los escenarios hasta 2021. Con un espectáculo de 10 y una Sala Apolo repletísima, los de Ontinyent lo dieron todo. Música y magia fluyeron en una misma sintonía. Además, fue la primera vez que pudimos verlos en directo y, lo cierto, es que fueron un descubrimiento total.
Los Acordes Rotos están de vuelta con nuevo trabajo:«Un Nuevo Destino» es nuestro desde el pasado viernes 13 de diciembre. Un EP de lo más especial que, a modo de mini-serie, está estructurado en cuatro capítulos más su respectivo tráiler. Un tráiler que cuenta con su correspondiente videoclip que, de manera visual y directa, nos introduce de lleno en este particular viaje sonoro. Un viaje, una historia en la cual el sentido de la vida y todo lo que esta nos ofrece, adquieren una nueva dimensión.
En lo que respecta a la grabación de este nuevo trabajo, Los Acordes Rotos han grabado en los BlackBetty Studios de Madrid, bajo la producción de José Nortes. Por su parte, en cuanto a la masterización, el EP ha viajado hasta Escocia, donde Denis Blackham ha hecho lo propio en Skye Mastering.
El viaje ha dado ya su pistoletazo de salida, ahora llega el momento de los directos. Unos directos en los que Los Acordes Rotos mostrarán todo su potencial, toda su esencia. 2020 comenzará fuerte y es que, a falta de más fechas por confirmar, la banda conquense recorrerá tres ciudades: el 1 de febrero estarán en el Auditorio de Tarancón; el 15 de febrero en la Sala Nazca de Madrid; y el 7 de marzo en el Pub Los Clásicos de Cuenca.
¿Quiénes son Los Acordes Rotos?
Corría el año 2016 cuando esta banda conquense iniciaba su recorrido musical como Samu y Los Acordes Rotos. Un recorrido que comenzó a tomar forma un año después: en 2017, y gracias al apoyo de Rock Estatal Records, los jóvenes lanzaban su primer trabajo «Historia no Escrita». Un debut que, sin duda alguna, marcó un antes y un después en su trayectoria. Tres años de gira y cerca de 50 conciertos. Grandes hitos para una banda que, sin apenas ayuda, siempre trabajó de manera autogestionada.
Ya fuer a principios de 2019 cuando decidieron cambiar su nombre a Los Acordes Rotos. Un primer cambio que comenzó a determinar el nuevo rumbo que quería tomar la banda: con la intención de no quedarse anclados, decidieron dar otro paso más en su carrera musical. Y es que, al cambio de nombre, vino ligado este nuevo trabajo. Era el momento justo en el que «Un Nuevo Destino» comenzaba a tomar forma. Y así hasta el día de hoy. Así y todo, no los perdáis de vista, porque seguramente den mucho más que hablar.
Directamente desde Galicia y cantando en portugués, llegan Bifannah para sorprendernos con su garage pop tropical, que también mezcla lo mejor de la psicodelia. Así, sin florituras, sin miramientos y mostrando su esencia más pura, llegarán el próximo 11 de enero a la mítica Sala Moby Dick de Madrid. Y lo harán para presentar su último trabajo, que vio la luz el pasado mes de octubre y que lleva por título «Danças Líquidas».
Conociendo a Bifannah
Gallegos, cantan en portugués, pero se encuentran a medio camino entre Londres y Madrid. Bifannah se alzan, indudablemente, como la mejor y la particular respuesta a la nueva oleada musical, que lleva por bandera la psicodelia anglosajona. Un estilo al que le han sabido dar la vuelta de manera maravillosa, al que han introducido tintes pop de la costa oeste y diferentes ritmos, tanto tropicales como los latinos, clásicos de finales de los setenta. Guillermo V. Zapata, Antía Figueiras, Antón Martinez y Pablo Valladares son quienes se esconden tras el nombre de Bifannah, defendiendo a capa y espada la influencia e importancia del pop caleidoscópico.
Irrumpieron, sorprendieron y revolucionaron todo el panorama musical con su debut, «Maresia» (The John Colby Sect, 2017). Una primera carta de presentación increíble, que los hizo situarse en un primer plano de la escena retro a nivel europeo. De ahí, que abrieran para grandes bandas como Allah-Las y Mystic Braves. O que participaran en festivales como Atlantic Fest, Mad Cool, SXSW (Austin), Barcelona Psych Fest, Festival MARVIN en Ciudad de México o FIB Benicassim.
Su segundo trabajo, «Danças Líquidas» (The John Colby Sect, 2019), llegó hace apenas un par de meses. Y es con el que se encuentran girando a día de hoy. Grabado en Estudio Brazil, bajo la producción de Frank Maston y el master de Jasper Geluk (en Tone Boutique de Holanda). Un disco revolucionario y 100% analógico. Es la fórmula perfecta, la «mistura» ideal entre el tropicalismo y los ritmos latinos, que toman el relevo a las influencias más clásicas y evocadoras del garaje psicodélico a-la-West-Coast de su primer largo. Lambada, sol y picante para un nueva comunión llena de baile y movimiento.
¿Todavía sigues sin entrada para el concierto del próximo 11 de enero en Madrid? ¡Tenemos cita en Moby Dick Club! (Pincha aquí).
Tras habernos enganchado con el lanzamiento de su álbum «In The Real World», Álex Serra vuelve a sorprendernos con el lanzamiento de su single «Human», incluido en este último trabajo. Una inspiración de Kampai Dance Co junto con Alex Serra y Anitta Moon, y filmado y editado magistralmente por Marc Costa.
Muy en la línea de este «In The Real World», «Human» nos muestra un profundo mensaje: el de cambiar el foco de atención de la cabeza al corazón. Una manera de silenciar el ruido mental, a la par que se conecta con la danza, un campo primordial que nos une a todos los seres humanos del planeta. De esta manera, Álex Serra continúa con su imparable camino, dando pasos firmes y sólidos gracias a este álbum debut. Y es que este nuevo videoclip vuelve a demostrar que el artista catalán es un artista comprometido y honesto, tanto lírica como musicalmente. Un viaje sensorial a través de la imagen, la danza y el sonido.
El videoclip de «Human» se filmó en la Reserva Natural de Dunas de Maspalomas, en Gran Canaria. Un paisaje que complementa el mensaje y que ha ayudado a plasmar perfectamente la intención de Álex Serra en el momento de hacer la canción. Además, para la creación del mismo clip, ha contado con la participación de todo un equipo de profesionales y de artistas. Dirigido por Alex Serra y Anitta Moon, con la cinematografía de Marc Costa, el arte visual de Na Lua, la producción de Gaby Francisco, la fantasía de los bailarines de Kampai Dance Co:Pau Arnal, Kenya Sauer, Manel Cabeza, Irene Baeza, Guillem Ripoll y Antonio León, y la aparición estelar de Keyo y Oshe los guías de las plantas.
En paralelo a esta lanzamiento, Álex Serra continúa presentando «In The Real World» en multitud de lugares. Y es que el próximo 23 de enero, el catalán visitará el increíble Bardot Madrid, donde una vez más, nos hipnotizará con sus sonidos envolventes y galácticos.
Artista de los pies a la cabeza, de esos que emanan letras a cada paso que dan, que no pueden vivir sin la música, pero tampoco sin las letras. Hablamos de Dani Flaco, quien recientemente ha publicado su último trabajo, «Al Alimón». Un álbum en el que repasa sus mejores canciones, pero en esta ocasión, acompañado de artistas de lujo. Una vuelta de tuerca, un paso más del que pudimos hablar con él hace tan solo unos días. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?
¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, «Al Alimón»?
Pues nunca había hecho un disco de estas características y me hacía mucha ilusión lanzarme de lleno y hacerlo. Me encantaba la idea de contar con personas a las que siempre había admirado y que cantasen mis canciones. Me apetecía darle una vuelta a los temas y cantarlos de manera diferente. Además quería buscar un lugar diferente en el que yo continuara siendo Dani Flaco, pero estuviera acompañado de artistas de lujo. Y todo ello, manteniendo una homogeneidad en el disco. Y lo hemos conseguido: las canciones suenan a mí, pero también suenan al artista invitado que las interpreta conmigo.
¿Cómo fue la experiencia de cantar junto a artistas como Andrés Suárez, M-Clan, Santi Balmes, Javier Ruibal, Manolo García, Ismael Serrano, Rebeca Jimenez, Las Migas, Álvaro Urquijo, Pedro Guerra o Marc Ros?
La verdad es que fue una sensación increíble y una experiencia impagable. Imagínate, por ejemplo en el caso de Manolo García: el primer concierto al que yo fui fue de El Último de la Fila en el año 1990 en el Estadio Olímpico de Montjuic. O incluso el primer disco que me compré, también fue de ellos. Así que ver a esa persona que llevo escuchando 30 años, cantar una canción mía…es inexplicable e impagable. Lo mismo pasó, exactamente, con Álvaro Urquijo de Los Secretos. Con Andrés Suárez fue un poco diferente porque es amigo mío desde hace mucho tiempo.
Lo cierto es que colaborar con todos y cada uno de ellos fue un regalo y fue algo emocionante, porque al final, la canción permanece. No es como un concierto que lo vives y se queda ahí. El tema lo puedes volver a escuchar una y otra vez. Sin duda, una experiencia muy grata.
Precisamente con Andrés Suárez actuaste en la presentación del disco en Madrid, ¿cómo viviste ese día en la Galileo Galilei?
Bueno, Andrés y yo somos amigos desde tiempo y la verdad, es que es un placer coincidir con él siempre, además de divertido. Es increíble compartir con él, ya sea la letra de una canción o actuación sobre el escenario. Siempre me lo paso bien con él y es una alegría verle. Así que actuar junto a él en la Galileo Galilei fue un verdadero placer.
Este trabajo vio la luz a finales del mes de octubre, ¿cómo ha sido la acogida del disco por parte del público?
Pues la verdad es que el feedback ha sido muy bueno, han acogido el disco con mucha alegría y simpatía. A mucha gente le ha sorprendido que haya grabado con este elenco de artistas tan grandes. También he recibido algún comentario de personas que quizás prefieran la canción original, pero eso es completamente normal. En general, a todo el mundo le ha gustado mucho y eso me hace muy feliz.
¿Cómo ha evolucionado Dani Flaco desde sus inicios en el mundo de la música?
Bueno, yo creo que la evolución principal es que cada vez intento hacer mejores canciones, intento superarme a mí mismo: desde grabarlas mejor hasta ser más cuidadoso con todo el proceso de edición del disco. Intento hacerlos siempre lo mejor posible, para luego arrepentirme lo menor posible [risas].
¿Y qué queda de ese primer Dani Flaco?
Pues la ilusión, que creo que ahora es más grande que la de antes. Porque justo en este momento, creo que tengo una mayor capacidad para disfrutar las cosas que estoy viviendo. Creo que es un elemento primordial, el mantener la ilusión. El día que la pierda, probablemente deje de hacer discos.
De manera paralela a la música, tienes también «Uni-versos Silvestres», tu primer poemario. ¿Cómo surge?
El poemario es un proyecto que tenía en mente desde hace bastante tiempo, pero nunca me había atrevido a sacarlo adelante hasta hace un año. Y es una experiencia nueva, aunque la poesía y las canciones son primas hermanas, siguen metodologías de trabajo distintas. Con las canciones, al final, tienes melodía de fondo que te ayuda y te facilita desarrollar el mensaje. Con la poesía solo tienes las palabras. Pero fue todo un reto y una experiencia muy positiva.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Dani Flaco?
Pues estamos ya pensando en la próxima gira, para seguir presentando las canciones de este trabajo. Al final, el libro sigue un camino y un ciclo diferentes al del disco. Así que la idea es seguir rodando con el álbum, de los que tengo muchas ganas ya. Afronto los directos con mucha ilusión.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Dejar un trabajo fijo para dedicarme a ella [risas]. Que al final me salió bien la jugada, pero el reto era muy complicado.
Irrumpió en el mundo de la música con la que fuera su banda, Calocando. Momento en el que tendríamos que echar la vista unos diez años atrás. Una etapa que llegó a su fin, pero que impulsó a Samuel Castela a iniciar su nuevo proyecto, el más personal, el más especial. De esta manera, es como ha llegado a nuestras vidas Castela. Y, en consecuencia, su primer EP, llamado «Siempre». De hecho, hace apenas unos días pudimos hablar con él y esto es lo que nos contó sobre este nuevo camino que ha emprendido.
¿Cómo se lanza Castela en solitario en el mundo de la música y por qué?
Surge un poco por una necesidad y por las circunstancias que se dieron. Hace ya unos cuantos años formamos una banda, Calocando, banda en la que estuvimos trabajando cerca de ocho años. Sin embargo, por circunstancias de la vida, llego un momento en el que decidimos separarnos porque, al final, cada uno tenía también otros proyectos personales. Así que no decidí seguir como Castela, ya que hace bastante tiempo que tomé la decisión de que la música sería mi camino. Empecé a componer y cuando ya hubo un buen grupo de canciones que me identificaban, me metí de lleno en la grabación. Ese fue un poco el por qué. Y el cómo, ha sido a base de eso, de trabajo y de esfuerzo. Metidos de lleno en un proyecto que, poco a poco, va creciendo y que comenzó hace un año y medio cuando, después de componer todas las canciones, hablé con Ángel Luján para que me ayudara con la grabación y producción de este EP de cinco canciones.
¿Cómo ha sido trabajar con él, con Ángel Luján?
En la etapa anterior, como éramos tantos, trabajábamos de manera diferente, por lo que no estaba acostumbrado a trabajar de otro modo, a hacerlo con un productor externo. Sin embargo, esta experiencia con Ángel Luján ha sido enriquecedora, he aprendido un montón, con una nueva metodología. De hecho, hemos dedicado mucho tiempo a la fase de pre-producción, en la cual llevábamos 14 canciones y escogimos 4, porque hay una del EP que se ha ido componiendo durante el proceso. Ha sido un trabajo diferente, con tiempos más apretados a los que estaba acostumbrado, pero mucho más focalizado en los objetivos que queríamos conseguir y más intenso.
¿Cómo surge el concepto de este EP, de este «Siempre» y qué titular crees que lo definiría?
Me imagino que es algo que decimos todos, que el tema de las etiquetas no es demasiado lo nuestro. Puede que en otros casos esté más claro. Sin embargo, en este se mezclan muchos más géneros, aunque un poco el germen está en el flamenco, porque durante una etapa muy larga de mi vida he estado dedicado a ello profesionalmente. Pero, al final, este «Siempre» también bebe un poco de otros estilos. Creo que es un EP bastante ecléctico. Si tuviera que poner un titular diría que son cinco temas aflamencados, con influencias del rap y de la música electrónica. Aunque, ante todo, creo que es un trabajo muy personal.
«Siempre» vio la luz el pasado mes de octubre, ¿cómo ha sido la acogida del mismo?
En general, el feedback ha sido bastante bueno. Sí que es verdad que en mayo, antes de que saliera en plataformas digitales, hice un preestreno en el Café La Palma y la sala estuvo a reventar. Por las opiniones que fueron llegando en ese momento y por las posteriores, la acogida ha sido buena, aunque este no sea un género muy de masas. Desde que salió el pasado 25 de octubre, por lo que he visto en plataformas digitales, también ha ido muy bien.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Siempre» y cómo ha volcado Castela en él toda su experiencia previa en Calocando?
La experiencia ha sido total, porque como aquel que dice, yo aprendí a ser músico en Calocando. Mi historia es que creo que diferente, porque antes de la banda, casi que no tuve contacto con la música: no tuve ningún otro grupo antes, no había tocado una guitarra en mi vida y nunca he tenido un ambiente muy musical en casa. Sí que es verdad que desde pequeño, hemos escuchado mucho flamenco pero poco más. Al final, todo comenzó con 18 años, cuando dije que quería aprender a tocar la guitarra. Ese fue un poco el germen. Y ya con 26, montamos Calocando. Aquí es donde aprendí sobre este mundo, donde lo aprendí todo. Así que todo eso, ha tenido su reflejo inevitable en Castela.
El proceso creativo ha sido a base de tiempo, tiempo, tiempo, hasta dar con las canciones que verdaderamente sentía y quería que vieran la luz. Lo demás vino un poco más rodado: por ejemplo, ya conocía a Luján y sabía que quería trabajar con él. Y la verdad es que fue un acierto: me dio una visión muy profesional de los temas, y fue quien estuvo apoyando en cada uno de ellos con sus guitarras. Ha sido un proceso largo, de darle muchas vueltas, trabajar mucho y ponerle mucho cariño a lo que estábamos haciendo.
¿Qué importancia tiene la imagen para Castela, más allá de las propias canciones?
Pues es algo muy importante, cuidar al mínimo detalle no solo la música, sino todo lo que la rodea, porque es algo en lo que la gente también se va a fijar mucho. Además, te ayuda a desmarcarte de lo que hacen otros y permite darle aún más personalidad al proyecto. Que, en este caso, ya es personal porque es mi propia apuesta y porque lleva mi apellido. Lo cual ha hecho que me rodee de profesionales de primer nivel, de los profesionales que yo he considerado mejores. He estado con Luján trabajando mano a mano en la producción. Y en cuanto a la imagen, he optado por hacer una portada de todos los singles, de todas las canciones para personalizarlo aún más. Justo para este tema, decidí contar con mi amiga Sonia Franco, que es bailaora en la compañía de Sara Baras, pero que también hace un trabajo impresionante a nivel visual. Desde el principio, sabía que el grafismo lo hiciera ella. Y fue un total acierto.
¿Cuáles son los próximos pasos de Castela?
Creo que tengo un producto en el que tengo plena confianza y con el que me siento muy cómodo. Así que el principal objetivo será hacerlo ver. Y, por supuesto, tocar, tocar y tocar. De hecho, ya estamos trabajando en el tema de la búsqueda de bolos. Además, el próximo mes de marzo tengo presentación de este EP en la Sala Galileo Galilei de Madrid. Así que estoy preparando esa fecha: como lo más próximo y especial.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
El punto de inflexión fue decidir dedicarme a la música. Una aventura que empezó con Calocando, con la que viví uno de los momentos más especiales. Yo llevaba tiempo dedicándome a la arquitectura, pero cuando tuvimos el primer concierto con la banda en la Sala Juglar de Lavapiés y me subí por primera vez a un escenario, supe que era lo que quería hacer yo en esta vida y para lo que había nacido. O esa sensación tuve. Así que, a partir de ese momento, decidí dejarlo todo para dedicarme a la música. Y han pasado más de diez años y lo he conseguido: vivo completamente de la música. Aunque mi próximo objetivo es conseguir vivir solo de mi música.
En el mes de marzo, irrumpieron como una flecha dentro del panorama musical. Se trata de los madrileños Atraco que, en ese momento, presentaban su álbum debut, llamado como ellos. Una primera carta de presentación redonda, enérgica. Un trabajo formado por once canciones, que fueron grabadas en los Estudios Chiloe. Un primer LP cargado de rock & roll, que cuenta con grandes colaboraciones de lujo. Y es que por este primer «Atraco», han pasado músicos de nivel como Ariel Rot, Alejo Stivel, Julian Kanevsky o Juanse (Ratones Paranoicos). Un disco tan real que supuso un éxito su presentación y es que el pasado 22 de marzo, la sala Cool Stage de Madrid consiguió arder totalmente.
Precisamente en este trabajo, los madrileños han demostrado que juventud y profesionalidad no están reñidos: su intenso trabajo ha hecho que viajaran a Argentina, país en el que realizaron varios conciertos. De hecho, han querido preservar todos estos recuerdos en un videoclip, que ha visto la luz recientemente. Se trata de la canción «Amigos de poca monta», tema incluido en este álbum debut. Una canción que recoge la más pura esencia de Atraco: y es que Jay, Menkes, Javi y Diego tienen la capacidad de ponernos a bailar sin descanso.
Además, las noticias frescas sobre ellos no terminan aquí. Y es que no han dejado de girar durante todo este año, presentando de este modo su «Atraco». Desde el mes de octubre, que arrancara su gira de otoño, han pasado por Madrid, Almazán, Badajoz, Orihuela, Murcia y Barcelona. Sin embargo, todavía les queda unas cuantas fechas, nuevas oportunidades para verlos disfrutar en directo. Así que, apuntadlas para que no se os escapen. Así y todo, estamos seguras de que el tour de Atraco seguirá quemando escenarios mucho tiempo más. Esto solo acaba de empezar.
Con un estilo tan personal como original, Pablo Lesuit llega directamente desde Galicia para revolucionar toda la escena musical. Y es que, a principios de 2020, verá la luz su nuevo álbum. Un trabajo que se alza como el tercero de su carrera y que desprende el aroma de un viaje. Un viaje que lo llevó hasta Sudamérica, lugar en el que lo grabó y en el que nació, a la par que se movía de un lugar a otro. Un viaje que habla de lo efímero que tiene la noche. Un viaje que nos invita al baile. Un viaje que mezcla a la perfección música electrónica, con guitarras eléctricas e instrumentos acústicos, todos ellos con raíz latinoamericana.
Sin embargo, para ir preparándonos, Pablo Lesuit nos ha presentado el que será el primer single de este inminente trabajo, «Cuerpos». Una canción muy especial, que ha llegado acompañada de su increíble videoclip, que se realizó empleando la técnica del collage digital. De esta manera, ha aumentado esta incesante sensación hipnótica y nocturna en la que ya nos sumerge la canción. Para ello, ha contado con la colaboración de la artista mexicana Yazmín Huerta y de todo su equipo en Pachuca (México). El escenario y videoclip perfectos para esta cumbia de madrugada con influencias de la psicodelia.
Pero, ¿quién es Pablo Lesuit y de dónde viene?
Corría el año 2013 cuando el músico, cantante y compositor publicaba su primer EP, «Ocho Horas». Un primer paso que fue encadenando con multitud de conciertos y, por supuesto, nuevas canciones. Así es como llegó dos años después «Tiempo», trabajo en el que colaboró con Jorge Drexler y con el que ha recorrido centenares de escenarios de España y de Latinoamérica.
Sin embargo, el año 2017 fue el que marcó un antes y un después. Y es que, entusiasmado por el movimiento de la canción latinoamericana, Pablo Lesuit comenzó su viaje iniciático por toda Sudamérica. Con muy poco equipaje y la guitarra bajo el brazo, se marchó decidido a encontrarse con las músicas de raíz, con el folclore. Allí es donde, de manera itinerante, se fraguó y se grabó este nuevo trabajo, que verá a principios de 2020. El disco del cual, «Cuerpos» es el primer adelanto. Una canción con olor a cumbia de madrugada, pero repleta de influencias psicodélicas.
El próximo 25 de noviembre, se conmemora el Día Internacional de la Violencia de Género. Y con motivo de este día, desde la Asociación Generando Igualdad, se celebrará un concierto de lo más especial en el Teatro Lara de Madrid. La misión y el objetivo son claros: contribuir, a través de la música, a la consecución de la recuperación integral de las mujeres víctimas de violencia de género. Es por eso por lo que el próximo lunes, en la mítico teatro madrileño, se reunirán artistas de la talla de Olga Román, Ricardo Marín, Sandra Carrasco y Rafa Sánchez, propulsor de este proyecto tan especial, Rozalén, El Kanka, Lamari de Chambao y María Pelaé, entre otros por confirmar.
Un proyecto especial, propulsado por Generando Igualdad
Generando Igualdad es la asociación sin ánimo de lucro que ha impulsado este proyecto, con la finalidad de ayudar a todas y cada una de las mujeres víctimas de la violencia de género, tanto psicológica como jurídicamente. De esta manera, y con la idea de apoyarse en la música como motor para la recuperación, se ha llevado a cabo un proyecto muy especial y que tendrá su mágica puesta de escena el próximo lunes 25 de noviembre.
Un proyecto que comenzó a tomar forma con un taller musical. Unas sesiones dirigidas por el cantautor Rafa Sánchez y en las cuales, las mujeres podían crear, componer y cantar sus propias canciones. Unas canciones que sirven como altavoz, como denuncia contra el maltrato y como mensaje positivo, demostrando que se puede salir de esas situaciones y animando a que otras mujeres en situaciones similares, pidan ayuda.
Un primer paso en este proyecto que continúo adelante con la selección de once de estos temas y su posterior grabación. Y es que la idea es realizar un disco con todos estos temas de superación, de lucha, de sufrimiento, pero sobre todo, de esperanza. Temas interpretados en el estudio por artistas como Rozalén, El Kanka, LaMari de Chambao, Luis Eduardo Aute, Clara Montes, Olga Román, Ricardo Marín, Amparo Sánchez, Sandra Carrasco y Rafa Sánchez.
Un primer paso que culminará el lunes día 25 de noviembre. Este es el día señalado para que se celebre uno de los conciertos más especiales de los últimos meses, ya que reunirá sobre el escenario a las creadoras de todas y cada una de estas canciones de superación, y a todos los artistas que las han interpretado en el disco recopilatorio. De esta manera, se visibilizará la realidad de la violencia de género, se concienciará a la sociedad de la necesidad de que se involucre y busque soluciones, y se trasladará a otras mujeres que atraviesan situaciones similares, que no están solas.
Un concierto que no nos podemos perder, porque esta causa nos afecta a todos, requiere de nuestro apoyo y de nuestra ayuda. Desde Verdadera Locura, os animamos a que participéis en dicho concierto. Todavía quedan entradas disponibles, que podéis conseguir a través de la página de Teatro Lara (o pinchando aquí).
Al más puro estilo rock y directamente desde Colombia, hemos conocido a Tr3sdecorazón. Con cerca de dos décadas de recorrido y siete trabajos de estudio, hace apenas unas semanas, la mítica banda visitó nuestro país, recorriendo de este modo diferentes escenarios y ciudades. Barcelona, Madrid y Valencia fueron testigos de la descarga de energía, watios y potencia que los colombianos gastan en todos y cada uno de sus directos.
Precisamente, tras tres de sus fechas realizadas con éxito y antes de la cuarta en Valencia, pudimos hablar por teléfono con Sebastián Mejía, voz y guitarra de la banda. Y nos contó todo esto, no pierdas detalle.
Esta es la primera vez que estáis en España, ¿cómo os sentís?
Primero de todo, queríamos enviar un saludo a todos los lectores: nosotros somos Tr3sdecorazón.
Sí, esta es nuestra primera vez en Europa, nuestra primera vez en España. En 17 años que llevamos de carrera, apenas tuvimos la oportunidad de «cruzar el charco», como decimos nosotros. Y la verdad es que estamos muy contentos de habernos encontrado todo lo que nos hemos encontrado. Tuvimos unas fechas en Barcelona, Madrid y Valencia y estamos muy felices de haber venido, porque este es un país con mucha tradición rockera, con mucha historia. Ha sido un placer tocar en estos pequeños sitios en los que hay, obviamente, muchos colombianos, pero también muchos españoles dispuestos a escuchar tu música. Es algo que nos alegra mucho.
Ya habéis realizado los conciertos que teníais previstos en España, ¿cómo los habéis vivido y cómo veis al público español?
Estos conciertos han tenido una característica importante y es que, principalmente, ha sido público colombiano el que ha venido a vernos. Y ha sido muy emotivo, la verdad. Porque es gente que, en cierta manera, extraña lo que hay allá en Colombia, en la cotidianidad. Así que fueron conciertos emotivos y la gente estaba muy entusiasmada con el repertorio que hicimos, que básicamente estuvo basado en los clásicos de la banda. Aunque también se nos ha arrimado público español, en Barcelona especialmente. Y en Madrid, pudimos conocer a diferentes artistas y bandas locales, con quienes pudimos compartir experiencias e historias, especialmente sobre el punk radical vasco o la Movida Madrileña, movimientos de los que el rock vasco y nosotros mismos, hemos bebido mucho.
A pesar de estas influencias, vuestra música es un rock con mucho sabor a Medellín. ¿Cómo influye la propia cultura colombiana en ella?
El ser de allá, tener nuestra vida. Todo eso influye, desde el primer momento en el que decidimos dar el salto y hacer música. Pero todo ello, se reinterpreta y se adapta al propio lenguaje y sonido de cada uno. Y Tr3sdecorazón, durante estos 17 años, ha logrado consolidar un sonido propio, que es muy sencillo, pero que tiene también mucho contenido cotidiano y nos gusta darle valor a esas pequeñas cosas de la vida que, muchas veces, tendemos a minusvaloraras. Así y todo, para nosotros estos detalles son muy importantes. Al final, no podemos olvidar que nosotros venimos de una ciudad compleja, con mucha historia y muy marcada por episodios violentos por culpa del narcotráfico, especialmente en los años 80 y 90. Por eso, queremos dar relevancia a las historias cotidianas y bellas de la gente. La manera en la que lo cantas, en la que lo cuentas, le da mucho color a todas ellas.
7 discos de estudio y 17 años de carrera, ¿de qué manera ha evolucionado Tr3sdecorazón?
Yo creo que, sobre todo, hemos afianzado un sonido. No somos una banda muy experimental, somos lo más orgánicos y espontáneos posibles. Pero hemos logrado pulir la manera que tenemos de tocar las canciones. Eso es algo que hemos procurado mantener durante estos 17 años, disco tras disco. Y, afortunadamente, después de tantos años, creo que eso es algo que hemos sabido mantener y lograr. Creo que cuando escuchas Tr3sdecorazón, sabes que es Tr3sdecorazón. No somos una banda que haya mutado mucho, en lo que a sonido se refiere. Que no es que no nos guste o que no lo hagamos, pero simplemente consideramos que debemos seguir por esta línea y que está bien lo que hacemos, tal y como lo hacemos.
Además, durante todos estos años, habéis compartido escenario con bandas como Good Charlotte, Green Day, Molotov o Juanes, entre otros. ¿Cómo habéis vivido estas experiencias?
Sí, lo cierto es que durante nuestra carrera, hemos tenido el privilegio de compartir escenario con todas esas bandas grandes que mencionas. Y nosotros lo que hemos hecho, ha sido aprender de todos ellos y de todas estas experiencias que hemos vivido. Al final, nosotros somos una banda independiente y, de repente, no tenemos las oportunidades que tienen estas bandas en el mercado, porque al final son bandas impecables, con historia. Nosotros somos una banda que estamos en otro nivel, más underground. Así que lo mejor que podemos hacer en estas situaciones es aprender mucho y admirarlos. Pero sobre todo, observar y ver qué podríamos implementar o qué podríamos hacer por mejorar.
¿Cómo veis el panorama musical en Colombia y cómo de complicado es acceder a la industria allí?
Colombia es un país netamente tropical, donde su mainstream o su gran mercado está en los sonidos más tropicales, mezclados con los alternativos. Se ha convertido en una Meca de la música y la cultura en Latinoamérica, porque hay gran apetencia en el mundo por este sonido colombiano, de la cumbia, de la música andina. Es un país multicultural, en el que podemos encontrar diferentes sonidos. Eso en cuanto a la música colombiana. En cuanto al rock, también es un país que tiene gran público, que tiene muchos rockeros y por el que pasando también muchos artistas históricos del género. Así que hay, en ese sentido, contamos con un gran mercado underground. A lo que nos hemos tenido que adaptar todos, sin excepción, es a las nuevas tendencias y modo de consumir música: a las plataformas digitales, ya que ya no se venden tantos discos físicos; y a las redes sociales, a través de las cuales conectamos con nuestro público. Eso creo que ha facilitado que mercados más pequeños puedan darse aún más a conocer.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Tr3sdecorazón?
Pues tras la gira por España y al regreso a Colombia, publicaremos un nuevo sencillo a finales de mes, que será como el abre-bocas de lo que será nuestro próximo disco, que llegará previsiblemente en febrero. Y nada, inmersos en todo lo que es la producción. Así que estamos con mucho trabajo por delante.
¿Os volveremos a ver en España con disco nuevo?
Qué más quisiera ya [risas]. Ojalá que sí.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Es difícil [risas]. La mayor locura que he cometido yo por la música es haberlo dejado todo y comenzar con esta banda. Pero ha sido una locura fascinante, la verdad
Es su cuarto trabajo y, como una flecha, ha entrado en nuestras vidas inundando absolutamente todo. Un trabajo particular que, con sus luces y sombras, es capaz de conquistar a todas y cada una de las personas que lo escuchen. Se trata del «Electroconfort» de El Capitán Elefante. Al hilo de este lanzamiento, pudimos hablar con Javier Marcos, voz y guitarra de la banda de Bilbao. Mucha atención a lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Electroconfort»?
Pues lo cierto es que surge un poco de la necesidad de seguir componiendo. Al final, somos músicos y no de tener esa mente inquieta. Aunque sí que es cierto que en este trabajo, que es ya nuestro cuarto trabajo, teníamos canciones escritas y creadas desde hacía años, pero que nunca habíamos llegado a publicar. Así que llegados a este punto, era el momento perfecto de darles cabida en este «Electroconfort».
Este trabajo vio la luz el pasado mes de septiembre, ¿cómo ha sido la acogida?
Pues la verdad es que estamos muy sorprendidos. De hecho, el realizar el primer concierto de presentación en Madrid, llegar a Costello y comprobar que el público se sabía las canciones, para nosotros fue algo increíble. Fue una auténtica pasada. Empezar una gira así fue genial. Por su parte, el resto de conciertos que hemos hecho hasta el momento, han ido muy en la línea, lo cual también ha sido una sorpresa. Estamos flipando. Ojalá sean así el resto de conciertos de la gira.
¿Cómo fue el trabajo de producción junto a Pedro J. Monge?
Pues la verdad es que, como músico es increíble. Tiene su propia banda, completamente diferente a nosotros, ya que es el de rock. También está bastante asentado y establecido en países como Japón, por ejemplo. Y eso era algo que queríamos: trabajar con alguien diferente, ajeno a nosotros y que nos pudiera dar una visión completamente diferente, una visión desde fuera.
¿Por qué «Nubes» y «El pie izquierdo de Elvis» como primeros adelantos de este trabajo?
La canción de «Nubes» fue porque fue la última que teníamos hecha y era como la novedad. Además, creo que es la que más redonda nos quedó. En cuanto a «El pie izquierdo de Elvis», creemos que muestra un poco el otro lado de la moneda: como el lado más oscuro. Ambas canciones se complementan muy bien.
¿Cómo ha evolucionado El Capitán Elefante desde aquel primer «Nuevas Coordenadas»?
En «Nuevas Coordenadas» seguíamos con la misma formación de nuestro anterior proyecto, en el que llevábamos más sección de metales, un órgano Hammond…éramos una banda más clásica. Poco a poco, fuimos evolucionando e introduciendo secuencias y sintes, actualizándonos más. Al final, esa es la idea; poder aprovechar todas las facilidades y ventajas de las nuevas tecnologías e ir creciendo. Así que, el resumen perfecto, creo que sería decir que El Capitán Elefante ha evolucionado de unos sonidos más clásicos a otros más actuales, los que tenemos en estos momentos. Pero siempre tomando esa base rítmica rockera, con su bajo, sus guitarras y su batería.
Cuarto trabajo y un amplio recorrido en el mundo de la música. ¿Cómo veis el panorama musical desde vuestra perspectiva y cómo de complicado consideráis que es hacerse hueco dentro de él?
Pues nos da la sensación de que, a día de hoy, está todo demasiado enfocado al circuito de festivales. Y la verdad, es que también hay un circuito de salas muy potente e igualmente importante, con bandas y artistas de gran calidad que, por un motivo u otro, no tocan en festivales.
En cuanto a lo de hacerse hueco, yo llevo en la desde que tengo 14 años. Y, lo cierto, es que si estuviera en esto por triunfar, lo hubiera dejado hace mucho tiempo. Pero, en definitiva, nuestra idea como banda es trabajar, trabajar y trabajar. De esta manera, poder presentar nuestro nuevo trabajo en el mayor número de salas y de ciudades posibles. Si después, como nos ha pasado a nosotros, sale algún festival como el Sonorama, bienvenidos sean. Pero tampoco nos trae muchos quebraderos de cabeza. Mientras podamos seguir llevando nuestra música a salas pequeñas, nosotros felices.
Otro de los aspectos que ha cambiado mucho es el modo de consumir música. En este sentido, ¿crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?
Pues, a ver, yo he crecido con los cassettes y con los vinilos. Una situación que cambió un poco con la llegada de los CDs. Pero ahora, es que tampoco se compran tantos discos como hace unos años, porque han llegado las plataformas digitales y parece que se lo han comido todo, ya no es como antes. Con los discos sí que escuchabas de principio a fin, ahora parece que se escuchan las dos canciones famosas y ya está. Es como que todo va más rápido y la gente va corriendo. Y como que ya no hay espacio para seguir el pequeño ritual que se seguía con los discos: el de sentarte, escucharlo completo, disfrutarlo. Ahora es todo más acelerado. Además, hay muchos más grupos, muchos más artistas, muchas más opciones. Así que, en ese sentido, es como que tenemos una de cal y una de arena.
Ya habéis iniciado la gira, ¿cómo la habéis vivido?
Con las primeras fechas lo estamos alucinando, porque irte a Madrid y ver la Costello casi a rebosar y llena de gente cantando tus canciones…fue impactante y emocionante. Nos dio un chute de energía brutal, la verdad. Luego en Toledo y en Bilbao, exactamente igual. En Bilbao fue extraño, porque estábamos en casa: fue fácil y difícil a la vez. Estamos muy contentos y muy satisfechos de cómo hemos empezado.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Pues la verdad es que he cometido demasiadas locuras por la música, no sabría muy bien qué decir [risas]. Pues recuerdo una…un día en el trabajo, me tuve que marchar a mitad, porque tenía que ir a tocar a Barcelona. Y la verdad, es que la escena fue un poco dramática. Avisé tarde de que me había marchado y lo típico: «pues si te vas, no vuelvas» [risas]. Al final, todo eso por mantener el espíritu de tocar y de actuar.
Conociendo a Bifannah
Un proyecto que comenzó a tomar forma con un taller musical. Unas sesiones dirigidas por el cantautor Rafa Sánchez y en las cuales, las mujeres podían crear, componer y cantar sus propias canciones. Unas canciones que sirven como altavoz, como denuncia contra el maltrato y como mensaje positivo, demostrando que se puede salir de esas situaciones y animando a que otras mujeres en situaciones similares, pidan ayuda.
7 discos de estudio y 17 años de carrera, ¿de qué manera ha evolucionado Tr3sdecorazón?