Zirconita están de vuelta después de que en el año 2018 publicaran su primer EP, llamado «Amago». Y es que ya está aquí «Glass», el primer single de adelanto del nuevo larga duración de la banda madrileña que, contra todo pronóstico, verá la luz durante este 2020. Ni el confinamiento ni la cuarentena conseguirán frenar este próximo «Paradero», que así es como se llamará el próximo trabajo.
Aunque ya en «Glass» han comenzado a dar las primeras pinceladas, el nuevo álbum de los madrileños mostrará un sonido mucho más elegante y sofisticado en referencia a su primer EP. En este cambio, ha tenido gran influencia el trabajo de Dany Richter de El Lado Izquierdo (quien se ha encargado de grabarlo), Manuel Cabezalí de Havalina y Víctor Cabezuelo de Rufus T. Firefly (quienes han ejercido como productores). Gracias a ellos, observamos a unos Zirconita que han logrado atmósferas más densas y envolventes. Como resultado, llegará «Paradero», un álbum formado por once temas en los que se aprecida claramente la madurez y el carácter de la formación, que en muy poco tiempo han pasado de tener un proyecto emergente a uno mucho más consolidado y trabajado.
Por el momento, aún no tenemos clara la fecha en la que vea la luz este «Paradero». Sin embargo, sí que podemos disfrutar de su primer single: «Glass» es nuestro desde el pasado 12 de mayo, aunque su videoclip vio la luz un poquito después, el día 14 de este mismo mes. Clip inspirado en la película «Space Thunder Kids» (Elton Reins, 1991-Corea del Sur), de donde ha tomado las imágenes y editado por el artista Joellorente.
Una vez volvamos a la ansiada y esperada normalidad en la que los conciertos formen parte de nuestra vida, podremos comprobar el poderoso directo de la banda. El mismo directo que hizo vibrar todos los escenarios que ya recorrieron con su anterior EP. Y es que sí, esta no va a hacer más que multiplicarse geométricamente.
Después de casi dos años inmersos en una gira de más de sesenta fechas por España, Los Intrusos del Savoy vuelven con nuevos temas bajo el brazo. Y «Perdido en la Ciudad» ha sido la primera muestra de ello: una canción que vio la luz el pasado 8 de mayo y que supone el primer adelanto del nuevo álbum la banda aficanda en Madrid. Pero es que aún hay más: este mismo viernes 22 de mayo, verá la luz el video-lyric de este tema. Aprovechando todos estos grandes acontecimientos, puedimos hablar por teléfono con Sergio Bengoechea (voz principal y guitarra) y con Lucas Bauer (guitarra y voces).
¿Cómo os sentís tras el lanzamiento de «Perdido en la Ciudad»?
Sergio. La verdad es que estamos muy contentos, porque es algo en lo que veníamos trabajando durante mucho tiempo. Así que, de repente, dar el pistoletazo de salida a este trabajo que ha costado cerca de dos años y algún que otro aplazamiento, nos ha hecho una ilusión tremenda.
Lucas. Sí, ya pasó la ansiedad y todos los nervios. Ahora es como: «bueno, ahí está».
Sergio. Bueno y los preparativos de todo. Se ha lanzado un single, pero hay todo un disco detrás, con todo lo que ello conlleva: diseños, grabaciones, todo.
Lucas. Nosotros somos de la vieja escuela y somos de lanzar disco. Si bien acabamos de lanzar un single, pero es como el principio de todo lo que está por llegar.
¿Por qué precisamente este «Perdido en la Ciudad» como primer adelanto? Y ahora dadas las circunstancias, ¿os sentís vosotros un poco perdidos en la ciudad?
S. Desde antes de que pasara todo esto, ya sabíamos que escogeríamos «Perdido en la Ciudad» como primer single.
L. Desde el principio supimos que sería nuestra primera gran apuesta, por lo que significa la canción para nosotros. Está muy vinculada a Madrid, ciudad en la que vivimos pero de la que ninguno de nosotros es. Y digamos que este disco que verá la luz, en líneas generales, nace un poco como consecuencia de nuestras vivencias aquí.
S. Sí, ese es un poco el resumen: el álbum recogerá las vivencias, tanto de Lucas y mías, que somos los que componemos. Así que está íntimamente relacionado con lo que es la ciudad y con lo que hemos vivido en ella. Y «Perdido en la Ciudad» abre un poco la puerta a este nuevo universo.
Aunque ya habéis dado las primeras pinceladas hablando de las vivencias en Madrid, una de las siguientes preguntas era, ¿cómo surge un poco el concepto de «Para Siempre»?
S. Exactamente, «Para Siempre» es un poco eso. De hecho, cada tema es una vivencia en concreto, cosas que nos han marcado para siempre y que seguimos recordando a pesar del tiempo. Y este álbum está plagado de todas estas experiencias.
L. Por otra parte, también está muy vinculado a la relación que tenemos entre nosotros. Santiago, Sergio y yo formamos como un tridente inseparable, movidos dentro del escenario que supone Madrid y de las vivencias que nos ha regalado la ciudad, y que ahora están reflejadas en el álbum.
S. Al final es lo que pasa y es lo que imagino que también te habrán contado otras bandas: lo que cuesta estar aquí y hacerse ver dentro de este panorama musical. Así que todo lo que vivimos, todo lo que experimentamos, beuno y malo, nos marca y, además, genera ese vínculo del que habla Lucas, ese hermanamiento entre los tres.
Recapitulando un poco y volviendo al single, ¿cómo han sido las primeras reacciones por parte del público?
L. Pues muy positivas, la verdad. Estamos contentos porque a la gente le está gustando mucho. De hecho, mucha gente se está ya atreviendo a preguntar cuándo saldrá el próximo single e incluso el disco [risas]. Nosotros nos quedamos con el cariño que está dando la gente, que de eso se trata, de que conozcan, compartan. Así que estamos agradecidos.
S. Agradecidos también por toda la paciencia que han tenido.
L. Como decía Sergio han sido dos años de trabajo, no lento, pero sí lo más mimado posible, de manera pausada y con mucha decisión. Si lo lanzamos justo en este momento, es porque creíamos que era lo adecuado y necesario.
Y durante estos dos años de trabajo, ¿cómo ha sido todo ese proceso creativo y compositivo?
L. Postivo, con muchísimo trabajo. Sergio y yo, que somos los compositores, hemos ido desechando muchas ideas hasta quedarnos con lo que creíamos que valía la pena o, por lo menos, lo que nos emocionaba a nosotros. Nosotros también hemos tenido la suerte de que vivimos juntos y trabajamos juntos, así que no llevábamos nada al local de ensayo con el resto de la banda hasta que no teníamos la idea bien madurada.
S. Sí, sí, en el estudio hay poca improvisación en ese sentido.
L. El proceso compositivo ha sido arduo por el tema de descartes. Pero la verdad es que echando la vista atrás y analizando el resultado, estamos muy muy contentos con el resultado final y creemos que a la gente le gustará el disco.
Es algo que comentábais que ya os habían preguntado, pero ¿cuándo podremos escuchar algo más del disco?
S. En verdad, todos los lanzamientos están un poco pensados ya. De hecho, por medio habrá videoclips y más material que irá viendo la luz, dependiendo de cómo vaya evolucionando toda esta situación que, al fin y al cabo, nos está condicionando.
L. Por adelantarte, podemos decir que pronto estará disponible el video-lyric de «Perdido en la Ciudad». Por lo demás, estamos un poco así: adaptándonos a las circunstancias tan particulares que estamos viviendo. Pero a lo largo del año, saldrá todo el material.
Respecto al video-lyric de «Perdido en la Ciudad», ¿qué podremos encontrar y cómo surge la idea?
S. En realidad, el video-lyric surge un poco por acompañar al tema y porque la gente pueda seguir un poco la letra. Así que hablamos con Jorge Madinaveitia, con el que ya hemos trabajado previamente en otros videoclips, y le planteamos la idea y enseguida se decidió a ayudarnos. Así que bueno, creemos que es un punto a favor publicar material audiovisual más allá de que esté la canción en Spotify, creemos que es algo que la gente valora.
L. Además, no es un video-lyric al uso, porque hay una protagonista, una historia.
Este «Para Siempre» será el segundo álbum de la banda, ¿cómo ha evolucionado Los Intrusos del Savoy desde aquel primer trabajo?
L. Ha sido como una montaña rusa [risas]. La condición nuestra de ir de arriba hacia abajo, hace que sea así también. El grupo nace en Salamanca, en plena época universitaria nos conocemos Sergio y yo. Año 2000 o 2000 y poco. Fue ahí donde empezamos a relacionarnos y a montar algo, sin la intención de que fuera algo serio. Inicialmente era por puro gusto. Comenzamos a hacernos cargo de las Jam Sessions de Salamanca y cuando quisimos darnos cuenta, estábamos tocando todas las semanas, un día fijo en un bar. Y ya con el tiempo fue cuando decidimos iniciar un nuevo proyecto con canciones propias: y desde entonces, somos los tres pilares básicos de la banda.
S. De hecho, cuando Santiago llega, Los Intrusos del Savoy ya va adquiriendo una dirección clara y mucho más profesional. Ya íbamos con la intención de grabar un disco, de salir a tocar. Y desde entonces no nos hemos desviado de ahí.
L. Además, ya en Madrid establecidos, tuvimos la oportunidad de contar con Nacho Vizcay al bajo y Jorge Hidalgo al teclado.
¿Qué canción de Los Intrusos del Savoy define mejor el momento en el que estáis y por qué?
S. La verdad es que es algo que hemos hablado y es que hay un tema en el disco que se llama «Abriendo Caminos». Ya habrá oportunidad de escucharla [risas], pero creo que es el tema más positivo del disco y es el que representa un poco el momento de la banda, el de levantar un poco las alas, tras haber construido una base sólida del proyecto. Y ahora es momento de alcanzar velocidad de crucero y de trabajar este disco: hemos conseguido ya una parte, que es el de grabarlo; pero nos queda la más importante, que es la de llegar a la gente y cantarle nuestras historias.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
S. Locuras, eso contesta Lucas [risas].
L. La verdad es que no lo sé, esto es una locura ya [risas]. La verdad es que ambos hemos dejado, a nivel personal, muchas cosas de lado. Cosas que eran importantes para nosotros. Todo con el objetivo de abrir el camino y de arrancarnos con el proyecto. Esta es una profesión que amamos, por la que estamos dispuestos a todo. Eso hace que peudas dejar aparcadas ciertas cosas. Pero bueno, uno lo hace porque lo siente.
S. Desde fuera, eso se ve como una locura.
L. Pero claro, escoger un camino siempre implica dejar de lado otro.
De tanto en tanto y especialmente durante este confinamiento. no viene nada mal echarnos unos bailecitos al más puro estilo eléctrico de The Royal Flash. Aquí están de vuelta con su nuevo single y videoclip, «El Baile». Un tema, además, muy especial al ser el segundo que escuchamos de la banda cantando en español. ¿Se acerca la nueva era The Royal Flash?
«El Baile», el mejor remedio contra el confinamiento
En medio de este largo periodo de confinamiento, encerrados en casa y sin poder salir, la música es nuestro mejor aliado, sin duda alguna. Y si no, que se lo digan a The Royal Flash, que hace apenas unos días publicaban su nuevo single (¡y el segundo en español!), llamado «El Baile». Una canción a la que, por supuesto, no le ha faltado su particular y debido videoclip confinado, en el que han participado numerosos compañeros, amigos, músicos: como Alex Gallardo (The Rebels), Celia Becks (La La Love You), José Perez (Julieta 21), Kike Marcos, Juan Santaner (Vancouvers) y Emi Sanchez (Lavida), entre muchos otros.
Pero, ¿qué se esconde tras «El Baile»? Un tema pensado para que no dejemos de movernos, justo cuando más lo necesitamos. Ahora, más allá de todo eso, es una clara crítica a lo que, muchas veces, las personas están obligadas a hacer para poder llegar más arriba, para subir en el escalafón social, profesional, personal. El ansiado momento de llegar a un último círculo de reconocimiento, en el que, desgraciadamente, dejamos de lado a los demás, pasando por encima de ellos, ignorándolos. «Cuando se consigue llegar arriba y estar en el ansiado círculo VIP, ya solo importa mantenerse ahí. Ya has llegado al baile y no vas a parar de bailar».
Una nueva etapa que continúa lanzando a The Royal Flash hacía límites insospechados: tras haber recorrido múltilples escenarios nacionales e internacionales (Suecia, Hungría o Canadá), continúan sorprendiéndonos y enganchándonos. «Ahora estás en el baile…¡Y ya no puedes parar!».
En medio de una situación excepcional en la que la cultura y la música se han convertido en verdaderos bálsamos, descubrimos y escuchamos el nuevo trabajo de Mäbu. Y es que el pasado mes de marzo veía la luz «Primavera», el primer EP de adelanto de un álbum que llevará por título «Un Año Después». Cuatro canciones que abren la brecha y que son, verdaderamente, mágicas. A raíz de este lanzamiento, pudimos charlar un ratito por teléfono con María Blanco, compositora y vocalista de la banda. ¡No os perdáis ni un solo detalle!
¿Cómo surge el concepto de «Primavera»?
Llevábamos tiempo sin editar nada nuevo, aunque sí que es verdad que hace un par de años publicamos un recopilatorio recorriendo los temas más emblemáticos de la banda y colaborando con numerosos artistas. Pero realmente, llevábamos tiempo sin publicar material inédito. Entonces le dimos una vuelta y se nos ocurrió crear un proyecto algo más ambicioso, a la hora de presentar un nuevo disco: y es que este nuevo álbum está formado por cuatro pequeños EPs y «Primavera», formado a su vez por cuatro temas, ha sido como el primer adelanto de ellos. Es una manera de crear como un multiverso: universos dentro de un mismo disco, que verá la luz el año que viene.
Cuatro estaciones y «Primavera» que ha visto la luz recientemente. ¿Los demás EPs verán también la luz en su respectiva estación?
Pues esa era la idea inicial. Lo que queríamos en su momento era publicar «Primavera», «Verano», «Otoño» e «Invierno» en su debido tiempo. Pero finalmente, optamos por adelantar únicamente «Primavera» y publicar el disco en noviembre. Aunque con el tema de las nuevas medidas, el álbum puede que lo retrasemos un poco, porque claro, cuando publicamos nuevo material lo que principalmente nos interesa, es poder tocar. Es como la excusa. Pero como ahora no sabemos muy bien qué va a pasar, preferimos retrasar un poco el lanzamiento. Así que, bueno, durante los próximos meses, en vez de sacar el EP de «Verano», lanzaremos los de entre tiempo. Y ya en marzo seguramente vea la luz el disco, que se llamará «Un Año Después». Lo cual nos vendrá genial, porque justo coincidirá un año después del lanzamiento del primer EP.
¿Cómo ha sido todo el proceso cretivo y compositivo?
Realmente, la premisa era intentar extraer la esencia de cada estación a través de las canciones. En el caso de esta «Primavera», buscaba precisamente el remover mucho las sensaciones y de ahí, que una canción que se llame «Terapia». Con este EP buscaba un poco el reseteo de todas las sensaciones: empieza el buen tiempo, el buen humor, estás más optimista, empiezas a cambiar cosas, es como un florecimiento. Todo eso es lo que hemos querido generar en este EP, metiendo al oyente en toda esa sensación. Además, musicalmente hemos reacreado atmósferas que intentaran representar todo este ambiente. A mí la primevera me da ánimos, pero también tiene un toque de melancolía. Precisamente, este punto melancólico es el que siempre hemos tenido nosotros en nuestras canciones.
«Primavera» vio la luz el pasado 20 de marzo, ¿cómo ha sido la acogida por parte del público?
Pues la verdad que brutal, ha sido de las mejores. A priori, nosotros pensábamos que no sería buena idea sacarlo en estos momentos y es que, desde el punto de vista del marketing, era como una especie de suicidio musical. Creíamos que ningún medio de comunicación prestaría atención al lanzamiento del EP en estos momentos y de un grupo que quizás, no es tan conocido. Pero la acogida ha sido bruta, porque le dimos la vuelta y creímos que para la gente sería muy buena distracción el poder disfrutar de este EP. Y creemos que para la historia de Mäbu, el haber publicado un trabajo en este periodod de confinamiento, ha sido una experiencia brutal. La gente nos lo agradeció muchísimo y creo que ese es uno de los mayores logros que puede tener una banda: que el público sea feliz con tu música. Va a marcar nuestra carrera.
¿Crees que la música ha sido una especie de terapia, especialmente estos días?
Sí, la cultura en general y la música en particular. Es muy fácil que nos acompañe: incluso estando haciendo otra cosa en casa, con el piloto automático, es muy sencillo que puedas tener música de fondo, por ejemplo. Y es que yo creo que la música en general, ayuda a inspirar a la gente, a que salga un poco de la rutina, a que sea más creativa. Con la música ha pasado más de lo mismo, aunque creo que nos hemos pasado un poco con tanto concierto en streaming. Que al final, todas estas acciones que se han ido realizando las hemos hecho porque somos muy solidarios y porque nuestro trabajo siempre ha sido muy vocacional y emocional. Entonces estamos acostumbrados a trabajar sin cobrar y a aportar música a gente que lo está pasando mal, es como que nos nace. Y es que nosotros mismos perdemos un poco la perspectiva de que lo que estamos haciendo es un trabajo. Pero bueno, es algo de lo que la gente tampoco tiene la culpa, eso corre más a nuestra cuenta. El público siempre va a agradecer que se le ofrezcan este tipo de acciones, este ocio.
Volviendo un poco al proyecto de Mäbu, quería preguntar sobre el poder del mensaje en vuestras canciones
Más que el mensaje, lo que a mí me mueve a la hora de componer una canción es cómo suenan las palabras con la música. Estoy constantemente trabajando en ello. Que, evidentemente, si no tienen un mensaje, las canciones quedan un poco insulsas. Pero sí que es verdad que en este disco, los mensajes quedaran más claro, sin tantas imágenes, sin tantas metáforas. Aunque la premisa sigue siendo la misma: crear melodrías y ambientes bonitos, a través de metáforas y a través de esa combinación entre palabras y melodías.
¿De qué manera ha evolucionado Mäbu desde sus inicios hasta este punto?
Pues lo que más nos ha hecho evolucionar, indudablemente, han sido los conciertos. Y después de haber hecho tantos, ya que nosotros somos un grupo que se dedica esencialmente al directo, creo que hemos sido capaces de evolucionar de una manera un poco más consciente, sabiendo exactamente qué canciones queremos hacer y cómo hacerlas. Y, bueno, en medio de este proceso, cada vez nos damos más cuenta de que dónde más queremos crecer es en los directos. También nosotros mismos hemos madurado. Todo eso, añadido al hecho de que Mäbu ha sido como el primer proyecto en serio, lo que ha hecho que vayamos a la par, que evolucione y que cambie según mi propio proceso vital.
Y ahora mismo, a pesar de la incertidumbre del momento, ¿cuáles serán los próximos pasos de Mäbu?
Pues por el momento, hemos tenido que cancelar una gira de showcases que ya teníamos programada para presentar el EP y que estaba casi toda ya con las entradas agotadas. De hecho, hemos tenido que moverla al mes de noviembre, hemos devuelto las entradas y vamos a intentar hacer dos pases para cada una de las fechas, ya que muy probablemente tengamos que tomar medidas de aforo. Pero bueno, a las salas les hemos propuesto eso, el poder hacer dos pases el mismo día, aunque eso suponga trabajar el doble.
¿Qué canción de Mäbu identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
Creo que voy a decir «Utopía», porque es la canción que puede definir mejor este momento. Realmente, la canción habla de tener una conversación con una misma, en medio del mundo idílico que muchas veces tendemos a crearnos. Y es que el ser humano tiende mucho a ese pensamiento mágico de que todo irá bien y de que el ser feliz es una constante vital que conseguirás en algún momento. Esa es un poco la utopía que nos montamos en la cabeza y que yo creo que ahora mismo nos representa mucho, porque es como caerse de la parra. Nosotros ahora nos hemos caído y estamos viviendo una realidad que es dura. Una realidad de la que también habla «Utopía». Realidad en la que debe primar el amor a uno mismo.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Vivir de ella [risas]. Pero sí, sí, dedicarnos solamente a ella y el dedicar todo tu tiempo a hacer lo que te gusta. Creo que el dejar todo por la música, en sí, ya es una gran locura.
Hace dos días vio la luz el álbum debut de St.Woods: un trabajo en el que el artista se desnuda y nos explica algunos de los momentos más personales de su vida. Un álbum intimista, plagado de vivencias e historias. Un álbum que emociona, que nos hace sentir en una auténtica montaña rusa. Un álbum que nos cala hasta los huesos, como su propio título indica. «Bones» ya es nuestro y, precisamente, hace un par de semanas pudimos hablar con Nacho, su creador, la persona que se esconde tras St.Woods. Una entrevista con la que pudimos conocer más sobre el disco, sobre el proyecto y sobre el propio artista. ¡No os la perdáis!
¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, de «Bones»?
Todo empieza un poco porque yo quería grabar en Estudios Reno con Luca Petricca, ya que lo venía siguiendo desde hace un tiempo y me gustaba todo el trabajo que estaba haciendo: había trabajado con Izal, con Vetusta Morla, con Novedades Carminha. Y sí que es verdad, que ya teníamos como cita cerrada a tres meses vista, para empezar a grabar unas demos que ya tenía. Pero durante ese periodo, por circunstancias de la vida, en mi familia perdimos a dos personas, a dos familiares cercanos y también personalmente, atravesé una serie de problemas. Todo eso hizo que las canciones que tenía pensado grabar, quedaran en un segundo plano y que yo comenzara a escribir sobre unan ueva temática, más acorde a lo que en ese momento yo estaba sintiendo. Así que al final, los primeros meses en el estudio me sirvieron un poco para sobrellevar mi propio duelo y, casi sin querer, Luca, Brais y yo terminamos dándonos cuenta de que teníamos un disco que hablaba sobre un denominador común, que es «Bones» y que cuenta una historia. Accidentadamente, podría decir que este álbum es mi propia manera de superar ciertas situaciones duras que me estaba costando superar.
Precisamente queríamos preguntar sobre eso, ya que el disco trata sobre el propio dolor. ¿Fue finalmente una especie de cura?
Sí, yo creo que es algo que pasa mucho o al menos, a mí me sucede: que vives cierta experiencia negativa y en vez de que alguien te dé la solución, lo que necesitas es poder contarlo, para quedarte más tranquilo. Así que creo que algo así fue lo que me pasó con el disco. Al fin y al cabo, también estuvimos durante dos meses, tres personas trabajando en este álbum, y la conexión y las conversaciones que tuvimos, me animaban aún más a liberarme y a soltar todo lo que tuviese. Y, bueno, creo que «Bones» hace una especie de análisis de todo lo que es el dolor y de apreciación de lo que ess el sufrimiento de perder a alguien: y es que si alguien se va y te duele, es porque todo lo que ha pasado por medio ha sido bonito. Ese ha sido un poco en análisis.
¿Es entonces la música una especie de bálsamo, especialmente en estos momentos o en este tipo de circustancias?
Sí, yo creo que sí. Y es lo que digo muchas veces, la música tiene muchos usos, muchas aplicaciones. Para mí es una manera de evadirme de todo lo que está ocurriendo y para mí, sí que es una especie de cura. De hecho, incluso grabando este mismo disco, escuchaba mucha música: más que para tener referencias, para calmar todo lo que estaba sintiendo. Y en situaciones como la que estamos viviendo, puede que la música no sea lo más importante: pero de lo menos, sí que es lo más relevante.
¿Cómo viviste todo el proceso creativo y compositivo en los Estudios Reno?
Pues la verdad es que tenía muchas ganas, porque mi experiencia en un estudio no iba más allá de la que tuve con Brian Hunt en El Invernadero y en la que me lo pasé muy bien. Pero claro, en esta ocasión era diferente: el meterme a grabar mi primer álbum y con el riesgo a hacerlo, sin haber tenido muchos lanzamientos anteriores. Así y todo, el trabajo en el estudio fue una experiencia muy enriquecedora: me sirvió para aprender mucho y para darme cuenta de errores que podría estar cometiendo. Para mí, esos casi dos meses que estuvimos en el estudio, me han servido mucho para tomar conciencia de lo que estoy haciendo y de lo que quiero hacer. Y creo que todo ese aprendizaje y ese cambio musical, se aprecian en el álbum. De hecho, el haber tenido esta experiencia, me ha servido para darme cuenta de que la experiencia que quiero transmitir en directo es diferente: el querer ir con banda y no tanto solo.
¿Y cómo ha sido la experiencia de trabajar conLuca Petricca y Brais Ruibal?
¡Bien! Creo de hecho, que hemos formado un equipo bastante chulo, porque Luca es un poco la voz de la experiencia: era quien nos guiaba cuando a lo mejor, nosotros nos atascábamos. Además, es increíble trabajar con él todo el tema de la belleza mediante lo simple o lo sencillo. Y por otro lado está Brais, que es un chico muy joven pero con muchos conocimientos técnicos y con un gusto exquisito, a nivel de referencias que quizás nadie conoce. Así que la experiencia fue una auténtica gozada y es que, como te decía, llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con Luca, porque además, los dos compartimos muchos gustos musicales. Y creo que eso él lo ha sabido transmitir muy bien en el disco y a todas las personas que participan con él. Sin duda, «Bones» no puede estar mejor producido, porque el tándem con Luca y con Brais ha sido la fórmula perfecta.
¿Y cómo te sientes ante el lanzamiento?
No me esperaba para nada publicar el disco bajo estas circunstancias. Tuvimos muchas conversaciones para ver si lo retrasábamos o no, pero es que tampoco me imaginaba atrasarlo mucho más. Aún así, tenía muchas ganas de que viera la luz y es que tengo la sensación de que, más allá de los grandes números o de los grandes conciertos, cada hito que se va dando en St.Woods es más colectivo. Al principio, me sentía y estaba más solo, pero de repente el equipo y la banda crecen, la gente que sigue el proyecto también. Entonces tengo muchas ganas de que vea la luz el disco, precisamente por esta sensación que te comento. Es como una especie de victoria colectiva.
Los dos primeros adelantos que pudimos escuchar fueron «A Part From God» y «On Me», ¿por qué estas dos canciones como avanzadilla?
«On Me» fue una especie de anzuelo que publicamos, a ver qué pasaba, porque también el EP del que venía era muy diferente, y justo ahora queríamos dar el cambio a un sonido más nuevo y desde otra perspectiva. Y sí que es verdad que con los singles, lo que queríamos más bien es empezar a posicionarme yo para mostrarle a la gente de lo que soy capaz. El «On Me» fue la primera manera de mostrarle a la gente que el sonido iba a cambiar. Mientras que con «A Part From God» quería volver a un sonido o a un género en el que la gente me ha conocido más. Pero no ha habido un criterio o motivo específico de por qué seleccionar una canción u otra, aunque sí que nos sentamos Luca, Brais y más personas del equipo para pensar qué temas podrían encajar más como aperturas del disco.
Aunque el futuro es un poco incierto, me gustaría saber cuáles serán los próximos pasos de St Woods tras el lanzamiento de este álbum debut.
Pues la idea que teníamos si no nos hubiera tocado toda la situación que nos está tocando vivir, era irnos en mayo fuera a tocar, concretamente en Reino Unido. A la vuelta, también teníamos varias fechas confirmadas en España, que iban un poco en paralelo a una gira que teníamos con Bellako. De todo esto, con el tema de las presentaciones, estamos muy pendientes a la evoluciñón de la situación y a las recomendaciones sanitarias, para intentar relocalizarlas lo antes posible y para que el disco pueda tener su debida puesta en escena. En cuanto a los conciertos fuera de España, muy seguramente no podamos hacerlos hasta el año que viene. Pero bueno, por el momento, toca esperar y estar atentos a cuándo nos dejen, primero ensayar, y luego tocar. Tampoco es que, en estos momentos, sea muy partidario de los conciertos con banda en streaming, porque creo que no le harían justicia al disco. Así que, de momento, esperar y seguir preparando material de este disco, para ir lanzándolo durante los próximos meses.
Por cerrar ya un poco, quisiera saber cuál es la mayor locura que has cometido por la música.
¡Buf! Pues hay algunas interesantes y otras que casi me matan, de hecho. Pero quizás, la que más me represente a mí, sea la siguiente. Yo me fui a estudiar de Erasmus a Bélgica y más bien por la necesidad de hacer algo, empecé a tocar en la calle. Y, curiosamente, lo que yo pensaba que sería una tarde tocando en la calle, se convirtió en un auténtico viaje por toda Europa tocando en espacios públicos y ganando el suficiente dinero para poder viajar al siguiente destino o país. Sin duda alguna, la experiencia de tocar en la calle, no sé si es una locura, pero ha sido una de las mejores decisiones de mi vida.
Es uno de los artistas a los que más hemos seguido y, probablemente, a los que más cariño guardamos. No nos hemos perdido ni un solo concierto suyo, porque sabemos que siempre son especiales. Con su espectacular voz, es capaz de hacerte sentir toda una montaña rusa de emociones. Se trata de Dan Millson, que acaba de publicar su nuevo EP en pleno confinamiento: «Home» ya es nuestro y, a continuación, lo desgranamos. Así fue la entrevista que le hicimos al artista.
¿Cómo surge el concepto de este EP, «Home»?
Creo que como nos ha pasado a todos, los proyectos que teníamos en mente se disolvieron. Yo tenía canciones en proceso de ser lanzadas, estaba en medio de grabaciones de videoclips y tenía ya en mente cómo preparar el lanzamiento. Pero tuve que parar y frené todo ese proceso, porque pensaba que tampoco era el momento de lanzar todo ello ahora. Entonces me puse a pensar y decidí empezar el proceso de cero. Dejé apartado el proyecto que tenía iniciado y empecé a componer nuevas canciones, aquí en casa. Si son cinco, son cinco y si es una, es una. Y me puse la meta de sacar dos EPs de dos canciones cada uno. Que si al final son tres, pues tres, depende de lo que dure el confinamiento. Entonces, ¿cómo surge? Surge de la inactividad, de querer ser un poco creativo y de la imposibilidad de seguir adelante con lo que tenía en mente. Ya no tanto de las ganas de componer, porque al principio, sentía que no me apetecía. De hecho, «Between 4 Walls» habla un poco de eso: del hecho de tener que hacer cosas, aunque no quieras. Pero gracias a esa frustración, empecé a componer. Así que así surge un poco este EP.
Ahora que lo comentas, ¿por qué «Between 4 Walls» y «Hold On» como primeros temas para mostrar?
«Between 4 Walls» fue la primera que compuse durante el confinamiento y el por qué, ya lo he comentado, es por la frustración esa de tener que componer. Como dice la canción, escribo por escribir; canto para quitar el polvo de los pulmones y para que, dentro de seis meses, no recuerde ni de cómo cantar; toco por tocar. Así que cuando salió, pensé que tenía que estar sí o sí en el EP, porque refleja muy bien el momento en el que estamos. Y el por qué de «Hold On» también tiene historia. Hace un tiempo me diagnosticaron quistes en las cuerdas vocales, en parte, porque no me he cuidado como tenía que cuidarme: trabajar mucho de noche, tocar y cantar mucho durante la semana. Entonces quemo mucho las cuerdas vocales. Así que cuando llegó el confinamiento, empecé a limpiarme por dentro y aún así, me notaba la voz rota. De ahí un poco nació «Hold On», de esa sensación de aferrarte a lo que te gusta, de cuidarlo y no dejarlo de escapar.
Por lo demás, tengo más canciones que igual salen en el próximo EP. O igual ven la luz dentro de un año, no lo sé.
¿Hay fecha o tienes en mente ya esta segunda parte de «Home»?
No hay fecha, pero va a salir dentro de muy poquito, porque tengo ya cuatro o cinco canciones. La verdad es que he compuesto bastante. Ahora, me falta definir cuáles serán las canciones del próximo EP: tengo ya una clara y me falta la segunda. Tampoco sé si sacar una canción y la otra la semana siguiente, o sacarlas las dos juntas en un mismo EP, como ya he hecho con este.
¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo, y también cómo ha sido la sensación de publicar en pleno confinamiento?
Ha sido rollercoaster, montaña rusa total, como bien dicen los compañeros de The Royal Flash. Lo cogí con muchas ganas, quería sacarlo, me puse a tope con los video-lyrics de las dos canciones. Pero claro, iba viendo lo que iba pasando fuera, cómo estaban funcionando los lanzamientos de otros artistas, cómo iba reaccionando la gente, cómo cada día te ibas quemando más de estar con el móvil y de ver las noticias. Entonces yo me estaba motivando porque estaba haciendo cosas que me gustaban, pero por otro lado, me estaba desmotivando por el factor externo. Hasta el punto de querer lanzarlo ya, para quitármelo de encima. Así lo que es el proceso compositivo, como hemos hablado, no me ha afectado porque las canciones surgieron en casa, yo tocando y bien. El resto de proceso fue algo más complicado. Y es que ahora estoy completamente independiente, por lo que tuve que hacérmelo yo todo. Que estoy acostumbrado a hacer mucho, pero siempre teniendo a una persona de apoyo al lado. Pero claro, ahora he tenido que decidir y hablar con distribuidoras, lanzando al final con Creanauta; hablar con editoriales, aunque al final me quedé con la que ya estaba, porque funcionamos bien y decidimos con qué trabajar y con qué no; y la creación de los vídeos. Menos mal que con la portada tuve la ayuda de Javi Navarro y Paula Mún. Entonces van saliendo las cosas, pero hay mucho trabajo detrás. Pero estoy muy satisfecho y contento.
¿Cómo ha sido la acogida?
A ver, como hemos dicho, estamos en unos momentos un poco raros. No ha tenido la acogida que tuvieron los dos temas previos y, además, yo también llevaba tiempo sin publicar nada. Creo que hay gente que se ha desentendido un poco del proyecto, gente nueva. Sí que ha ido bien, pero no ha tenido la repercusión del anterior release. Aunque también salió lunes y hasta el viernes, uno no ve los efectos reales, ya que es cuando todo se mueve, cuando crean también las listas en Spotify. Estoy contento, ya que he recibido mensajes muy bonitos de la gente; pero siendo realistas, no ha sido el lanzamiento más top, porque tampoco ha sido la producción más top.
Sobre el tema de la portada que comentábamos, ¿cómo surge la idea y cómo ha sido trabajar con Javi Navarro y con Paula Mún?
Empecé teniendo un poco la idea de lo que sería la portada, pero yo no sé dibujar: ni se me ocurría, ni sabía hacer un dibujo que me gustara. También incialmente, aunque el EP iba a llamarse «Home», iba a ir tachado, haciendo un poco referencia al hecho de que no me siento en casa, porque no lo es: estoy en Madrid, en un piso de alquiler…Y la imagen iba a ser un foto de cuando yo estaba de gira, ya que es donde más me siento en casa. Pero no me cuadró tampoco. Se lo comenté a Javi y me dijo: «mira, a ver si te gustan estos dibujos de Paula». Y, claro, ella se marcó unos dibujos que me gustaron muchísimo: apareció el sofá que se ve en la portada y pensé que, bueno, al final era un poco la idea que tenía inicialmente. Y, al fin y al cabo, también se trataba de un EP hecho en casa. La misma casa que estoy decorando, para sentirla aún más mía. Así que entre Paula y Javi diseñaron la portada, y yo hice los últimos toques de colocación y colores.
¿Será este «Home» una especie de nuevo inicio? Ya que es el último lanzamiento y hemos visto como un pequeño re-start en redes sociales.
No creo que cada vez que publique algo sea una nueva etapa. Un nuevo inicio fueron «Lost Track of Time» y «Queen Without a Crown», porque me cambiaron drásticamente y me dieron a conocer muchísimo más. Con «Home», lo que quería es que la gente se centrara en lo que estaba sacando y se olvidara en lo que había pasado fuera de casa. Sí que volverán algunas esas publicaciones en redes sociales, que están archivadas. Pero lo que quería es que la gente se centrara en este momento, en el ahora. No es una nueva etapa porque volverá lo anterior y seguiré con nuevo material.
Y a pesar de la incertidumbre del momento, ¿cuáles serán los siguientes pasos de Dan Millson?, ¿retomarás todos esos temas que dejaste en stand-by?
Todo eso lo retomaré, a lo mejor no todas las canciones, pero tiene que retomarse. Era algo que me gustaba mucho y tenía muchas ganas de sacar. Además, veréis unas producciones más modernas: no será solo una guitarra, una voz y un piano. Así que sí, tenía muchas ganas. Aunque ahora tendré que cambiar un poco el formato, cómo seguir lanzando y que todo tenga más sentido con lo que tenía en mente. Pero poco a poco, voy viendo el camino y, por supuesto, verá la luz.
¿Qué canción de Dan Millson define mejor el momento en el que estás y por qué?
A ver, «I Miss You My Friend» se puede utilizar en cualquier situación y es la canción con la que puedes echar de menos a tus amigos, a tu familia, a tu pareja. Pero quizás, «Between 4 Walls» es el tema que más pueda representarme ahora [pausa]. En realidad las dos nuevas me definen muy bien. Probablemente más «Hold On», porque estoy más activo, estoy con ganas, me entra la luz por la ventana. Así que, bueno, creo que me quedaría con «I Miss You My Friend» y «Hold On».
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
¿Cuál es la mayor locura que he cometido por la música? [pausa]. Todo lo que llevo haciendo desde los 14 años. Todo lo hago para y por: no concibo una decisión sin pensar en mi carrera musical o en la música. Recuerdo muchas cosas de carretera, de llenar la furgoneta con todos los instrumentos y todo el equipo y echar kilómetros. Mira, hubo una vez, con otros proyectos que he tenido, que hicimos una gira por Inglaterra. Yo quería que todo estuviera perfecto, así que alquilamos una furgoneta desde Alicante, vino a Madrid a recoger todo nuestro el equipo completo, pagamos por el alquiler y se lo subió hasta Inglaterra. Todo sin saber si volveríamos a ver el material, porque al final, todo lo que cargamos puede que valiera más que lo que pagamos por el alquiler. Pero bueno, fue bien. Una vez allí, cargamos todo en la furgoneta de un amigo, que accedió a acompañarnos de gira. Una gira que fue un timo, todo por culpa de un promotor, que no era promotor. Al final, lo medio salvamos porque empezamos a tocar por nuestra cuenta en diferentes locales. Sin duda, fue una experiencia muy molona, pero a la vez jodida y muy loca. Lo hicimos por amor al arte.
El viernes pasado, día 1 de mayo, sorprendió a todo el mundo con su último lanzamiento. Se trata de la canción «6AM» y, por supuesto, se trata del artista gallego Luis Fercán, quien nos arroja de esta manera, un poco de luz en medio de todo esta complicada situaciñon. Precisamente, unos días antes de que viera la luz su nuevo single, pudimos hablar con él por teléfono y esto es lo que nos contó. ¡No os perdáis nada!
Con «Vacíos», tu nuevo trabajo, a la vuelta de la esquina, me gustaría saber: ¿cómo surge el concepto?
«Vacíos» no va a ser un disco, aunque realmente no sé cuántos temas va a haber dentro, pero puede que sea un EP. De hecho, «6 AM», el primer tema que ha visto la luz, es como el «primer vacío». Pero quizás, la siguiente canción que lance, sea como el «primer recuerdo». La verdad es que estamos experimentando un poco en estos momentos y sí, supongo que al final terminaremos juntando todas las canciones conforme vayan viendo la luz. Lo que nos pida el cuerpo.
¿Cómo está siendo todo el proceso creativo y compositivo?
Pues la verdad es que llevaba bastantes meses flojo a nivel compositivo y me vino bien la cuarentena [risas]. De hecho, bueno, he descubierto como mi propio método para componer. Y es que cuando estoy en Madrid, me apetece vivir la vida tal cual, disfrutando de cada momento. En esos momentos no suelo componer, lo hago cuando me recojo y ya me pongo como a canalizar todas las historias que he vivido durante este periodo.
¿Cómo ha sido trabajar con David Adkinson y Pablo Estrella a la producción de estos temas?
Pues ha sido una maravilla, la verdad, porque encima son colegas. Con Pablo ya había trabajado previamente en el disco de «Grietas» y es que fue de las primeras personas a las que conocí cuando llegué a Madrid. Así que, con «6AM» no me corté, les pasé el tema y les gustó. Primero se lo pasé a David y él puso su toque con el piano, le dio un poco de armonía y nos dio alguna idea, quizás un poco más rara, pero que a los dos nos flipó. Y ya después Pablo se encargó de la mezcla, metió un par de ambientes e hizo la magia.
«6AM» ha sido la primera canción que ha visto la luz, ¿por qué lanzar esta canción la primera y qué representa para ti?
Pues el por qué de la canción no te sé decir, porque es una canción muy, muy triste [risas]. De hecho, ahora aunque estoy componiendo de amor y desamor, lo estoy haciendo desde un punto de vista más alegre, recordando los buenos tiempos. Esta canción hace referencia a un recuerdo chungo [risas]. Pero no sé, me apetecía publicar una canción que se pudiera trabajar a distancia y ésta pedía bastantes cosas ambientales. Y es que está producida a base de reuniones de Zoom y de compartir pantalla.
En cuanto a qué significa para mí…esta canción es un poco producto de un momento de ansiedad, que imagino que le habrá pasado a mucha gente. Yo suelo pasar muchas noches en la Sala BarCo de Madrid con amigos. Y una noche estaba allí, pasándolo super bien y, de repente, me dicen que ha entrado mi ex con su nueva pareja. Lo cual me tocó bastante y de ahí, surge esta canción.
¿Cómo te sientes ante el lanzamiento de este single?
Pues tenía muchas ganas la verdad. Porque además, a la gente a la que le estuve enseñando el tema, le sorprendió muy gratamente y es que, cada persona a la que se lo¡ he puesto, ha llorado. Pero muy bien, muy emocionado, tenía muchas ganas de publicar nuevo material. Además, esta canción es muy, muy íntima.
Ese intimismo se percibe, además, es el claro ejemplo de que menos es más: transmitirlo todo con la voz y pocos elementos más, sin artificios.
Sí, sí, totalmente. Eso es lo bueno de trabajar, creo yo, a distancia. Y es que quita de en medio muchos artilugios, muchas capas. Y, claro, quitando todo eso: tienes 100 cosas menos, pero 4 que funcionan a la perfección y en las que te tienes que centrar. A partir de ahí, es ponerse a trabajar e intentar transmitir todo con lo poco que tienes. Y muchas veces eso es mucho mejor.
¿Es la música una especie de terapia, una manera de liberarse?
Sí, por supuesto. A mí me está salvando: y es que si estos días me niegas la música la música, me hubiese vuelto loco.
A pesar de la incertidumbre de estos días, ¿cuáles serán los próximos pasos de Luis Fercán?
Pues no lo sé [risas]. Porque conciertos estoy deseando dar, pero todo esto va para largo. Por lo demás, seguir produciendo más temas a distancia, que no sabemos cuándo verán la luz. De momento, no hay fechas de ningún tipo…como está la cosa como está, no se pueden poner fechas a largo plazo.
¿Qué canción de Luis Fercán define mejor el momento en el que estás y por qué?
Es que claro, depende tanto del día [silencio]. Pero creo que diría tanto «Mi Luz» como «Mi Oscuridad»: un día una y un día otra, en función de cómo me levante [risas].
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Pues irme a Madrid con lo puesto y con el dinero justísimo, ponerme a tocar en el metro, por la noche recorrer los micros abiertos y a la mañana siguiente, volverme a Santiago. Y así unas quince veces en cosa de un año.
«La música es un poder puro que en tiempos difíciles puede galvanizar tu corazón y ayudarlo a elevarse; todo lo que tienes que hacer es cantar». Así comenzaba explicando Rebecca Lowell, una de las almas del afamado grupo estadounidense Larkin Poe, que están de enhorabuena porque acaban de publicar su nuevo single «Holy Ghost Fire», adelanto de su inminente trabajo. Una afirmación a la que concluyó con la siguiente, sobre esta nueva canción: «es nuestro himno dedicado a la energía curativa de la música».
Se avecina el nuevo álbum de Larkin Poe
Ya comenzaron a prepararnos para este nuevo lanzamiento con «She’s A Self Made Man». Pero es que con este nuevo «Holy Ghost Fire», que vio la luz el pasado 27 de marzo, han dado un paso más hacia el lanzamiento del que será su nuevo álbum de estudio. Un álbum de estudio que verá la luz el próximo 12 de junio, bajo el título «Self Made Man». Larkin Poe han llegado para quedarse, definitivamente. Aunque este es un hecho que ya venían demostrando desde hace bastantes años: en concreto, desde que lanzaran aquella primera serie de cinco EPs (cuatro de ellos en 2010 y el último en 2011): «Spring», «Summer», «Fall», «Winter» y «Thick As Thieves». Desde entonces, no han hecho más que cosechar éxitos y discos, cuyas canciones se han convertido ya en himnos. Así es como han ido llegando sus posteriores trabajos: su DVD en directo «Live From Stongfjorden» (2012); su primer larga duración, el que les abrió grandes puertas «Kin» (2014); «Peach» (2017), un álbum muy especial, que les valió como Mejor Artista Emergente en los Blues Foundation Awards. Y, por supuesto, no nos podemos olvidar de último de todos: «Venom & Faith» (2018), que llegó al número 1 en las listas de blues del Billboard a las tres semanas de su publicación.
Una larga lista de éxitos y reconocimientos, a la que se tienen que sumar sí o sí los directos, con los que han conseguido enamorar a todos y cada uno de sus seguidores, gracias a la potencia, a la energía y al saber hacer que desprenden. Directos que, si todo va bien, retomaremos con ellas en el mes de mayo: y es que actuarán en Barcelona el 15 de mayo (Sala Apolo) y en Madrid el 16 (Sala But).
Los conocimos en un pequeño Café La Palma, actuando junto a nuestros (también) amigos de Denea. Desde entonces, han pasado cerca de tres años y la verdad es que no podemos estar más orgullosas de su evolución. Se trata de Cabana, quienes están de enhorabuena porque acaban de irrumpir con su primer EP. Un EP cargado de energía y positivismo. Un EP que lleva por título «Somos Fauna». Aprovechando que queríamos conocer más a fondo el proyecto, hablamos por teléfono (y cada uno desde su casa) con Alejandro Herrera y Néstor Peñate, miembros de la banda. ¡No os perdáis la entrevista!
¿Cómo surge el concepto de «Somos Fauna»?
«Somos Fauna», inicialmente, iba a ser solo un single. Pero después de estar analizándolo, decidimos que teníamos suficiente material y que con tres temas más, podíamos hacernos un EP. Entonces nos liamos la manta a la cabeza y seguimos grabando. Así que, en principio, este «Somos Fauna» viene por aquel primer single.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?
Normalmente, siempre trabajamos de la misma forma: Ale suele traer ideas, los primeros bocetos al local de ensayo. Trae pistas melódicos, pistas con las primeras secuencias y ya en el estudio, juntos, comenzamos a darles forma. Todo ello a base de tocarlas, tocarlas y tocarlas. Y poco a poco, vamos añadiéndoles cosas. Luego ya entra en juego nuestro productor, que es Alberto Martín. Es él quien da su toque, que es bastante notorio y especial. Ya, a partir de este punto, comenzamos a grabar.
¿Cómo fue volver a trabajar con Alberto Martín?
Pues la verdad es que Alberto nunca ha dejado de formar parte de Cabana, es un miembro más de la banda, el que está en la sombra. Y es que aunque no se le vea en los escenarios, siempre está presente, siempre está detrás. De hecho, es en quien confiamos plenamente: todos los temas tienen que pasar por su criterio. Y la verdad es que trabajar con él es un lujo, porque desde el primer momento nos captó y sabía lo que queríamos. Además, coincidimos mucho en los gustos musicales que tenemos. Así que, en estos momentos, es nuestro productor ideal.
¿Cómo ha sido la acogida de este «Somos Fauna»?
Pues creemos que ha sido muy positiva. Es nuestro primer producto y es muy difícil meterlo y pegar un bombazo de repente. Lo bueno es que estamos formando muy buen equipo: estamos con Nacho Gamboa de All Sounds trabajando mucho y haciendo muchas acciones de promo. Así que, aunque sea difícil, por ahora estamos muy contentos con todo lo que estamos haciendo y con todo lo que está llegando. Hay que mantenerse.
En el EP encontramos colaboraciones como la de Frank.T. ¿Cómo se da, cómo surge?
Cuando estábamos componiendo y produciendo «Estatua de Sal», que es el tema que tenemos con Frank.T, nos dimos cuenta y tuvimos claro que teníamos que tener en esa canción a un rapero. Entonces, el antiguo guitarrista de la banda, Juan Carlos Rico, tenía la posibilidad y el contacto de llegar hasta Frank.T. Así que llamamos a la puerta, con la enorme suerte de que se abrió y de que él aceptó. De hecho, le mandamos el tema, nos dijo que sí y, además, le encantó. Enseguida aceptó también a escribir él una parte y rapearla. Y así fue. Luego se vino un día al estudio para grabarla y lo cierto es que nos quedamos con la boca abierta: es un artistazo y tiene una presencia increíble. Para nosotros fue una gozada poder aprender de él, que es una de las grandes figuras del hip hop en España.
«Kamikaze» fue uno de los adelantos de este trabajo. ¿Por qué este tema y cómo surge también toda la idea y concepto del videoclip?
Una vez tuvimos los cuatro temas del EP listos, fuimos preguntando a la gente cercana que había escuchado el disco. Y la verdad es que la opinión fue generalizada: prácticamente todos coincidieron en que ese tema tenía que ver la luz como primer single. A nosotros no nos parecía descabellado, pues nos parecía que esa canción había quedado bastante potente. Por eso, decidimos publicarlo como primer single y, además, acompañado de su videoclip. Videoclip un poco loco, que se le ocurrió a Ale en base un poco a la temática del tema. Así que, con todo ello, tiramos hacia delante.
Una de las cosas que más me ha llamado la atención es el arte del disco. ¿Cómo surge todo ello y qué importancia tiene la imagen para Cabana?
El tema del arte lo dejamos en manos de la diseñadora, que María A (@ladyantoni_). Sí que le dimos algunas pinceladas, porque «Somos Fauna» es un trabajo muy potente y cañero. Entonces ella fue tirando de ahí. Y la verdad es que ha hecho un trabajo magnífico.
Os conocimos en 2017 con «Nervio». ¿Cómo ha evolucionado Cabana desde ese momento?
«Nervio» lo sacamos en 2017 con la idea de comprobar si lo que estábamos haciendo nos estaba llevando por la dirección correcta y de si al público le gusta. Entonces lo publicamos y el feedback fue bastante positivo, a la gente le gustó tanto la canción, como el concepto que teníamos. Fue como un buen punto de partida: a partir de entonces, seguimos trabajando en el local, durante horas, horas y horas. Así y todo, siempre hemos tenido clara cuál es la línea que la banda tenía que seguir. Así que todo lo que ha pasado entre «Nervio» y el punto actual, ha sido una evolución natural de la banda. Además, creemos que nos hemos sabido adaptar muy bien a todos los cambios que ha experimentado la música en general: y es que la música que escuchábamos en 2017 no es lo mismo que escuchamos ahora. Pero creemos, y en este trabajo se aprecia, que hemos sido capaces de evolucionar sin perder la esencia y manteniendo nuestra identidad sonora.
¿Cómo definiríais esa identidad sonora de Cabana?
Nosotros diríamos que tiene unas bases electrónicas con ritmos bastante marcados, mezclado con unas voces y melodías mucho más actuales, más pop. Sin olvidarnos de los riffs cañeros y potentes, que tienen ese toque quizás más rockero.
Hablábamos de 2017 como el año de «Nervio», pero 2018 también fue intenso: girasteis con O’Funk’illo, La Pegatina o Rosendo. ¿Cómo os han cambiado estas experiencias?
Estas experiencias no es que nos hayan cambiado, es que nos han aportado. Lo cierto es que nos han dado muchísimo recorrido y creemos que para una banda es muy importante el haber actuado en diferentes escenarios y ante gente diferente. Todo eso va sumando y va haciendo que crezcas y evoluciones. Aún así, todavía queda mucho trabajo por delante y en ello estamos.
Es cierto que estamos viviendo unos momentos complicados y de incertidumbre, pero ¿qué hay de los próximos pasos de Cabana?
De momento, la fecha más destacada que tenemos es la del 28 de mayo. Este día tenemos concierto de presentación de «Somos Fauna» en la Sala Siroco. Siempre y cuando, no se alargue esta situación. Ya, a partir de ahí, seguiremos trabajando. Y es que tenemos alguna otra fecha, pero está en el aire. Principalmente, lo que nos gustaría hacer es seguir tocando: no dejar de tocar. Y, por supuesto, seguir creciendo.
¿Qué canción de Cabana define mejor el momento en el que estáis y por qué?
Pues yo creo que ahora mismo no hay una canción específica que defina el momento en el que está Cabana. Sí que hay una que nos gustaría hacer cuanto antes, que es la canción que tenemos en el EP que se llama «Hotel Belén». Y es que nos cuenta un poco la historia sucedida en una fiesta en casa de unos amigos y, ahora mismo, nos gustaría poder volver a unos momentos similares. Salir, revivirlo, pasarlo bien, sin preocupaciones. Aunque, en general, todo el EP sigue un poco toda esta tónica de querer seguir adelante, de una manera muy positiva.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Pues quizás diríamos el venirnos a Madrid. Porque ser de Canarias y vivir de la música al nivel que nosotros queremos es sumamente difícil por la barrera geográfica natural que tenemos por medio. O sea, que si el venirnos a Madrid hay que definirlo como locura, diríamos eso. Hasta el momento, al menos, sí que lo es.
Ahora que, a la fuerza, disponemos de algo más de tiempo para descansar, para conocer y para amenizar nuestros días con música, queremos aprovechar para descubrir a una nueva banda que ha surgido hace muy poco tiempo. Se trata de Viajes Berlier, quienes con su sonido a medio camino entre el dreampop y la new wave más contemporánea, llegan pisando fuerte. Muy fuerte. Y es que a pesar de su juventud, tienen mucha experiencia: experiencia que llega directamente de otras bandas como The Views, Corea la buena , Floating Garden o Jaime Buenaventura.
Así es como Jack Marino (teclas y guitarra rítmica); Juancar Moreno (guitarra principal); Nacho Vizcay (bajo); Edu Gracia (batería) y Jaime Buenaventura (voces) se inician en este nuevo y emocionante viaje del que ya conocemos un primer tema: «Vida Inteligente». Una canción muy especial que habla del dilema entre seguir el camino que marca la sociedad o bien apostar por perseguir los sueños. Pero mucha atención, porque esto es solo el principio y poco a poco, conoceremos muchos más temas de la banda madrileña.
Los inicios de Viajes Berlier
Desde el corazón de Madrid, Viajes Berlier arrancan este nuevo proyecto después de que los cincos componentes de la banda, músicos de vocación, recorrieran multitud de escenarios. Aunque juntos ya han realizado dos giras a nivel nacional: más de 30 fechas entre las que destacada dos noches en la Razzmatazz, abriendo para artistas y bandas como Iván Ferreiro y Tequila; un lleno épico en la Sala La Riviera junto a Travis; e innumerables actuaciones en festivales como Sonorama Ribera o el WARM UP. Además de más de una decena de fechas en diferentes salas de conciertos.
Así es como la banda, muy influenciada por grupos como Joy Division, The Cure, DIIV o Tame Impala, comienza a hacerse un hueco inmenso en este panorama. Un hueco que comienza con este nuevo single y videoclip, que lleva por título «Vida Inteligente» y que formará parte del primer larga duración de la banda madrileña. Álbum que ha nacido bajo la producción de Raúl de Lara, quien a su vez ha trabajado con bandas de primer nivel como Second, Varry Brava, Nunatak, Kuve o Full, entre muchos otros.
El talento corre por sus venas y lo canaliza en sus canciones. Y es que Dora no ha hecho una canción que no nos haya sorprendido. Lo que comenzó con «Saving Star» y continuó con «Call Me Back» y «Homes», ha terminado de estallar por completo con el último single que la joven artista ha publicado. Se trata de «Ojos de Serpiente», la primera canción de Dora en español. Una canción que, además, pudo presentar recientemente en pleno prime time de Televisión Española, durante la Gala 8 de Operación Triunfo. Un lujo poder pasar por ese escenario: y es que, a pesar de ser una gran desconocida para muchos de los espectadores, las redes sociales se deshicieron en halagos durante su actuación. ¡No es para menos! Estamos ante el descubrimiento de una gran estrella, no cabe duda. Solo tenéis que seguirle un poco la pista y el tiempo nos dará la razón.
«Ojos de Serpiente», la gran sorpresa de Dora
Primer tema compuesto por Dora en español y es un verdadero regalo. Una canción que nos adentra, sin miedo, en el cancionero latinoamericano, pero todo ello, mezclado de manera magistral con ciertos tintes electrónicos. Un bolero en toda regla que nos muestra la versatilidad de la que es capaz la joven autora. Nuevamente, bajo la producción de Pional (The XX, C.Tangana, Empress Off) y la colaboración especial, desde el mismo corazón de La Habana, del productor Andrés Levín (Caetano Veloso, Arto Lindsay, Aterciopelados).
Además, el single ha llegado acompañado por un increíble videoclip. En esta ocasión, adentrándose en el particular universo cinematográfico de Paco León, quien se ha encargado de dirigir el vídeo. Todo un reto para ambos al trabajar juntos por primera vez, pero arriesgado para él, al ser su primera incursión en el terreno de la música. Pero quien no arriesga, no gana. Y de eso, León sabe mucho. Como resultado: tenemos un videoclip de 10.
Una nueva canción que sabemos que pronto se convertirá en himno. Himno que sonará en todos y cada uno de los escenarios por los que pase Dora. Y es que, a falta de muchas más confirmaciones, sabemos que visitará festivales de primer orden como el BBK de Bilbao o el mismísimo Low Festival.
Apenas quedan unos días para la llegada de la nueva edición de los Premios MIN y ya vamos sabiendo más detalles de esta gala, que tendrá lugar el miércoles 11 de marzo en el Teatro Circo Price de Madrid. Y aunque ya hablamos de los artistas actuarían esa misma noche (que serán Kiko Veneno, Viva Suecia, Ladilla Rusa, Zenet, Guitarricadelafuente, Cariño y Juancho Marqués), pero ahora queríamos dedicar una publicación especial a los nominados. ¿Quieres saber quiénes son?
Los grandes nominados de los Premios MIN 2020
Llevan celebrándose en Madrid desde el año 2009. De manera imparable, los Premios MIN nos han descubierto a muchos de los artistas que a día de hoy, son grandes referentes. Este nuevo año, volverá a ser especial. Y es que hace apenas unos días, Julio Ruiz (Radio 3) y Carla Varona (presidenta de la UFI) desvelaban los nombres de los nominados de este 2020. ¿Preparados para saber quiénes son?
Rodrigo Cuevas es el artista más nominado. Un total de seis nominaciones, en las categorías de «Álbum del Año», «Artista Emergente», «Canción del Año» por «El día que nací yo», «Mejor Videoclip», «Mejor Producción» y «Mejor Álbum de Músicas del Mundo y Fusión». Justo detrás de él, están dos de los artistas más reconocidos de nuestro panorama, con cinco nominaciones. Por un lado, Kase.0 en las categorías de «Mejor Artista», «Canción del Año» por «Bacalao», «Mejor Grabación de Músicas Urbanas», «Mejor Producción» y «Mejor Videoclip». Y, por otro lado, los murcianos Viva Suecia, finalistas en «Canción del Año» (por «Lo que te mereces»), «Mejor Directo», «Mejor Producción», «Mejor Álbum de Rock» y «Mejor Artista».
Con cuatro oportunidades de llevarse un premio a casa, se encuentra los gallegos Novedades Carminha que, con su disco «Ultraligero», ha conseguido colarse en las categorías de «Álbum del año», «Mejor Álbum Pop», «Mejor Directo’» y «Mejor Artista». Del mismo modo, también lo ha hecho Anni B.Sweet con su LP «Universo por Estrenar». Y es que la increíble artista ha conseguido conquistar al público y al jurado, obteniendo cuatro nominaciones para «Álbum del Año», «Mejor Álbum Pop», «Mejor Producción» y «Canción del Año», por el tema «Buen Viaje.» Por último, La Casa Azul cierra este cupo de artistas que han conseguido cuatro nominaciones. En su caso ha sido en las categorías de «Canción del Año» y «Mejor Videoclip» con «El final del amor eterno» y a «Mejor Álbum Pop» y «Mejor Producción», por «La Gran Esfera».
Por su parte, no nos podemos olvidar del «Premio de Honor Mario Pacheco», que premia a los artistas con carreras más extensas y prolíficas. En esta edición, el galardonado será Kiko Veneno, cuya actuación, además, es una de las más esperadas de la noche.
Así y todo, estos no son los únicos nominados de esta noche tan especial. ¡Puedes consultarlos todos en la web de los Premios MIN! Y si aún estás sin entrada, todavía estás a tiempo de conseguirla.
Aunque ya habéis dado las primeras pinceladas hablando de las vivencias en Madrid, una de las siguientes preguntas era, ¿cómo surge un poco el concepto de «Para Siempre»?
Respecto al video-lyric de «Perdido en la Ciudad», ¿qué podremos encontrar y cómo surge la idea?
«El Baile», el mejor remedio contra el confinamiento
¿Crees que la música ha sido una especie de terapia, especialmente estos días?
¿Cómo viviste todo el proceso creativo y compositivo en los Estudios Reno?
¿Hay fecha o tienes en mente ya esta segunda parte de «Home»?
Sobre el tema de la portada que comentábamos, ¿cómo surge la idea y cómo ha sido trabajar con Javi Navarro y con Paula Mún?
En el EP encontramos colaboraciones como la de Frank.T. ¿Cómo se da, cómo surge?
