Hay artistas que tienen tanta verdad detrás de ellos que hasta asusta. Hay artistas que son capaces de llevar al límite los géneros musicales y fusionarlos con una facilidad tremenda. Hay artistas cuyas referencias sonoras y líricas dan tanto la vuelta al mundo, que tienden a confluir en algún punto de su vida. Y entre todos estos pequeños grandes limbos, se encuentra el dúo musical Triana y Luca, quienes nos han enamorado por completo desde la primera escucha que nos han regalado. Productor de todo este trabajo constante, ha nacido su nuevo sencillo «Raíz». Una canción muy íntima y especial, que cuenta una historia sobre emigración y que baila libre entre el acoustic, el chamber folk pop y el indie folk. Del mismo modo, igual que ha visto la luz la versión original de este tema, también hemos podido escuchar la sesión acústica y grabada en vivo y en directo, sin ese cuarteto de cuerda que acompaña en la primera que escuchamos.
De esta manera, los dos artistas radicados en Países Bajos nos preparan para la llegada de su EP de debut, que verá la luz durante el verano, gracias a la colaboración que se han marcado mano a mano con Mike Butcher a la producción. De hecho, «Raíz» ha sido la primera canción del mismo. Y es que durante todo este tiempo Triana Segovia y Luca Vaillancourt han estado trabajando por encontrar un sonido propio, a medio camino entre la ranchera mexicana, el jazz y el flamenco. También se han curado mucho en vivir experiencias de todo tipo, que les sirvieran para plasmar en nuevas composiciones. Y es que sí, cuentan con una amplia trayectoria en directo, tocando en múltiples salas de conciertos de Luxemburgo, Holanda, España y Portugal. Además de haber sido seleccionados para actuar en diferentes festivales y de haner ganado múltiples galardones.
Pero calma, porque de todo esto y mucho más, nos hablaron ellos mismos hace apenas unos días. No os perdáis la entrevista que les hicimos.
Desde el corazón de Suiza llega Imelda Gabs a ritmo de pop. Un pop pegadizo, del que es capaz de atraparte hasta la médula. Con un sonido actual y un estilo que se sale de lo común, la joven artista nos ha presentado sus dos primeras canciones «Fallen Angel» y «Alter Ego». El inicio de un increíble recorrido musical, que pronto se saldará con nuevas composiciones y también con nuevo trabajo discográfico. Pero mejor dejemos que sea ella quien nos cuente todos los detalles sobre su proyecto musical.
¿Quién es Imelda Gabs y cómo se inició en el mundo de la música?
Soy una artista y productora independiente belga y congoleña, afincada en Suiza. Empecé a tocar el piano a una edad muy temprana, aunque enseguida empecé a cantar y escribir mis propias canciones. Tuve mi primer espectáculo en directo en Bruselas a los 14 años, ¡y desde entonces nunca he dejado de actuar y producir música!
«Reckless» ha sido la última canción con la que nos has sorprendido a todos. ¿Qué significa para ti y cómo nació?
«Reckless» es una canción sobre la pasión y el amor desinteresado. La escribí en un momento en el que tenía muchas dudas, sobre mi música y mi carrera. Lanzarla fue muy vulnerable y a la vez empoderador, me permitió expresar esos sentimientos profundos, y también avanzar desde ellos para abrir un nuevo capítulo.
¿Cómo ha sido la acogida de esta última canción y cómo recuerdas el proceso creativo?
Tanto la canción como su vídeo fueron muy emocionantes de trabajar, y ver que fue recompensada así por gente de todo el mundo fue realmente reconfortante y alentador.
¿Cuáles son las principales influencias sonoras de Imelda Gabs?
Siempre me ha gustado escuchar muchos géneros musicales diferentes, como el soul, la música electrónica, el pop y el rock. Algunos de los artistas que he estado escuchando últimamente son Caroline Polachek, Tove Lo, Sevdaliza o Kimbra, aunque podría nombrar muchos más.
Y líricamente, ¿de dónde sacas la inspiración para dar vida y forma a tus nuevas canciones?
La mayoría de mis ideas líricas las saco de mis experiencias vitales, relaciones o viajes. Cuando estoy fuera de mi zona de confort es donde más inspiración encuentro.
Debutaste en 2020 con tu primer «Fallen Angel» y luego lanzaste «Alter Ego». ¿Qué han significado estas canciones para ti y cómo ha evolucionado Imelda desde entonces?
Allá por 2019, cuando empecé a trabajar en mi proyecto en solitario, nunca hubiera imaginado cómo iba a ser 2020, sobre todo en lo referente a la pandemia. Tuve que revisar mis planes iniciales, pero aun así sentía que tenía que lanzar algo para empezar oficialmente este nuevo capítulo, y así surgió «Fallen Angel». Como la situación seguía siendo bastante confusa el año siguiente, aunque tenía bastantes canciones preparadas, volví a lanzar otro sencillo, «Alter Ego». Al final, esos dos años y singles me permitieron apartarme un poco y tomarme realmente el tiempo necesario para trabajar en mi proyecto y crecer como artista, por lo que estoy muy agradecido.
De hecho, el videoclip de tu primera canción («Fallen Angel») destacó y llamó mucho la atención, ganando varios premios. En este sentido, ¿qué importancia tiene la imagen en el proyecto musical de Imelda Gabs?, ¿cómo se construye toda esta identidad visual?
Los visuales siempre han sido una parte importante de mi proyecto, siempre completan mi visión general a la hora de escribir el tema. Me gusta escribir y producir arte que pueda tener varias lecturas dependiendo del oyente u espectador, ¡además me encanta el reto!
¿Es cierto que tu álbum de debut está en camino, ¿qué puedes explicar al respecto?, ¿cómo va el proceso?
Por supuesto que sí. Producirlo ha sido realmente una de mis experiencias más desafiantes y reveladoras, ya que he aprendido mucho sobre mí misma por el camino. No veo la hora de estrenarlo en unos meses.
Más allá de eso, ¿cómo se presenta 2023 y cuáles son tus próximos pasos?
2023 se presenta como un nuevo capítulo, lleno de grandes cambios y, muy probablemente, de crecimiento como artista y como mujer, ya que dentro de unas semanas cumpliré 25 años y poco después publicaré mi álbum de debut. Estoy deseando ver qué me depara este año.
¿Qué canción tuya identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?
Tengo una canción llamada «New Beginning» que escribí hace algún tiempo. Todo está en el título: un nuevo comienzo, un nuevo capítulo, que encarna plenamente el lanzamiento de mi primer álbum.
Por último, para hacer honor al nombre de nuestro medio, ¿cuál es la verdadera locura que has cometido por la música?
Mi pasión por la música me ha llevado a lugares a los que nunca habría ido, me ha hecho viajar por todo el mundo para dar vida a mis visiones, ir más allá de mis límites, aprender nuevas formas de crear, construir los proyectos más locos con otras mentes dementes con las que nunca pensé que me cruzaría. Así que la verdadera locura probablemente sea ser artista en sí mismo… ¡pero no me arrepiento ni un ápice!
Con un estilo inconfundible que aúna lo mejor del rock alternativo, del punk, pero también de los géneros urbanos, llegan Love Ghost desde Estados Unidos. Tienen un talento para aburrir y unas ganas increíbles de comerse el mundo. Si a eso le añades unas letras afiladas y unos mensajes intimistas y necesarios, tenemos la fórmula perfecta. Es por eso que hemos conectado tanto y tan bien con ellos. Al frente de la formación musical se encuentra Finnegan Bell (vocalista y guitarra principal), con quien hemos tenido el placer de charlar. Ha sido él quien nos ha permitido conocer el proyecto desde dentro.
¿Quiénes son Love Ghost y cómo se iniciaron en el mundo de la música?
Love Ghost es un proyecto musical que creé y con el que llevo publicando música en SoundCloud desde que tenía 13 años. Pero ha ido pasando el tiempo y aquí estamos ahora. Tengo un cúmulo de emociones negativas que necesito liberar o, de lo contrario, suelo derrumbarme sobre mí mismo. Love Ghost es mi principal forma de poder hacerlo.
«Tales Of A Sad Boy» fue vuestro último EP, ¿cómo nació este proyecto y cómo recordáis todo el proceso creativo y compositivo?
Es un proyecto de colaboración con Big Boss Mulaa. Nos conocimos en una fiesta y nos pusimos en contacto cuando Love Ghost volvió de Alemania. Solo íbamos a hacer la canción «Heartless», pero luego conectamos y decidimos hacer un EP entero. Creo que los dos estábamos pasando por muchas cosas en aquel momento, así que «Tales Of A Sad Boy» tenía que salir adelante.
Después de este álbum, habéis lanzado vuestro single «Strade Perdute». ¿Qué significa esta canción para vosotros?, ¿supondrá el comienzo de una nueva etapa para la banda?
Esa canción se grabó hace unos tres años, pero no ha visto la luz hasta ahora. Y me alegro de lo que haya hecho, por fin, porque siempre me ha gustado. Actualmente, estamos trabajando en un álbum y estoy tratando de empujarme a mí mismo para conseguir composiciones mucho más creativas e interesantes que todas las que he hecho anteriormente.
¿Cuáles son las principales influencias sonoras de Love Ghost?
Las principales influencias de Love Ghost son Alice In Chains, Radiohead, Linkin Park y Lil Peep, por citar algunos nombres.
Y líricamente, ¿de dónde sacáis la inspiración para dar vida y forma a vuestras nuevas canciones?
Desde el punto de vista lírico, escribo sobre lo que me pasa en la vida. Mi mundo está lleno de sucesos extraños y soledad, así que tengo una plétora de experiencias en las que inspirarme. También soy una persona muy imaginativa, así que me encanta poder flotar en mi mente y sacar los pensamientos más locos que se esconden ahí dentro.
¿Cómo se presenta el año 2023 y cuáles son vuestros próximos pasos?
Hasta ahora, el año 2023 ha supuesto más dinero y más problemas para nosotros [risas]. Pero estamos escribiendo un álbum y pronto volveremos a México para actuar de nuevo.
¿Qué canción vuestra identifica mejor el momento en el que os encontráis y por qué?
En este momento, siento que nuestra canción «Lethargic» es la que mejor refleja mi estado mental actual. Es de nuestro EP «Tales of a sad boy» y, realmente, hace que tengas una idea de cómo proceso mi vida. Soy extremadamente sensible y me agobio con facilidad. No es tanto que odie el mundo y lo vea como un lugar feo, pero a veces, odio cómo experimento el mundo y los lugares feos a los que mi mente puede arrastrarme. Espero que cantar sobre estas experiencias pueda ayudar a otras personas que posiblemente vean la vida de forma parecida.
Por último, haciendo honor al nombre de nuestro medio, ¿cuál es la verdadera locura que has cometido por la música?
He pasado por muchas cosas con la música, muchos bajos y altos. En este momento, somos como amantes tóxicos. La música me ha dado branquias, pero también me ha ahogado, si eso tiene algún sentido. Ha sido un largo viaje, pero también acaba de empezar.
No concebimos la vida sin música, sin esa necesidad innata de viajar sin apenas moverte, tan solo adentrándote en ese mundo de posibilidades que ofrece. Multitud de universos sonoros se abren ante nuestros ojos con cada artista o banda que descubrimos y que escuchamos. Hoy, aprovechamos para activar de nuevo nuestro radar y hablar de cuatro proyectos que nos han enamorado y cautivado. Efren Ferrer, Lily Lyon, Magz y Epal han sido los encargados de poner banda sonora a una de nuestras semanas más complejas, haciéndola mucho más musical.
Si hay algo que nos ha cautivado de Efren Ferrer es esa capacidad de conectar con su voz. Un pellizco al corazón con un estilo inconfundible y con una canción tan intimista y personal como «Flor de Olivo». Un paso al frente en lo que respecta a su carrera, que arrancó el pasado 2022 con la publicación de su primer trabajo discográfico «Dorak». Un paso al frente en el que el artista catalán se despoja de todas las capas, mostrándose mucho más cercano. Sin artificios y arreglos, tan solo a ritmo de mestizaje, tango argentino, flamenco español y las tendencias más actuales del pop. Esta es su particular manera de darle la vuelta a la canción más exitosa de su repertorio, la que mejor acogida ha tenido en sus directos, que lo han llevado a actuar por múltiples escenarios como La Muriel, los Cines Can Castellet o la Casa Sagnier, entre muchos otros. Desde luego, la pista más que necesaria para seguir al compositor de ahora en adelante, porque desde luego, promete y mucho.
Aunque para magnetismo, tenemos que hablar sí o sí de Lily Lyon. Y es que con su mezcla de estilos, su eclecticismo y su talento, nos ha adentrado de lleno en su universo sonoro, capaz de hacernos viajar con tan solo cerrar los ojos y reproducir su música en nuestros auriculares. En este sentido, su segundo adelanto «Açai» es la mejor demostración de ello. Haciendo referencia a la fruta con el mismo nombre, esta canción habla sobre una conexión romántica que tenía potencial, pero que finalmente no llegó a ninguna parte. Una relación fallida que te amarga el humor, al haber romantizado en exceso a la otra persona. Una fantasía agridulce que hace que nos movamos a través de diferentes estados y emociones. Pero siempre todo a través de sonoridades de la bossa nova y el R&B. Sin duda alguna, amamos profundamente esta personalidad y los giros en los que nos sumerge con su tema. Una artista a la que seguir bien de cerca y con lupa, más sabiendo que en breves se viene nuevo EP de la compositora estadounidense, que llevará por título «Purple Fruits».
No nos movemos demasiado de Estados Unidos. De hecho, nos quedamos en Nueva York para hablar largo y tendido sobre la cantante, compositora y productora independiente Magz. Siempre con un as bajo su manga, no tiene ningún miedo a mostrar autenticidad a través de su escritura, deseando conectar con todas aquellas personas que sientan la música y la vida exactamente igual que ella. Tanto, que ha volcado en su segundo sencillo «For Good» todo su arte y pasión. Y es que en sus propias palabras, «he aprendido que aceptar las cosas que no puedes cambiar es un bello acto de amor a uno mismo, por duro que sea». Nada es lineal y certero, y nosotros tenemos que seguir adelante, pase lo que pase. Aunque es inevitable que tengamos momentos de vulnerabilidad y que queramos sacarlos, desahogarnos, contar nuestra verdad. «Espero que con esta canción la gente pueda sentirse menos sola en esta oscuridad», añade la mismísima autora neoyorkina.
Por último pero no menos importante, no nos queremos olvidar de la artista Epal. Esta joven artista de los suburbios parisinos comenzó con su proyecto musical allá en 2021. Pura exploración y experimentación, que la llevó a adentrarse en la canción francesa gracias a sus textos, pero también en el ámbito de la música más actual. Con producciones que recrea mano a mano con su productor y beatmaker, hace de su voz su gran instrumento. Una línea que ha trabajo durante todo este tiempo y que la ha impulsado a regalarnos recientemente su recién estrenado sencillo, «Coeur noir». Con una estética de pop urbano mezclada con la electrónica, cuenta con precisión y poesía sus desengaños amorosos y sentimentales en una atmósfera oscura y elevada. El primer extracto de un EP que se publicará en marzo de 2023. Así que sí, motivo más que suficiente para no perderle la pista en los próximos meses, porque vienen fuertes.
No hay domingos sin música, no hay domingos sin nuevos descubrimientos musicales. ¿Qué mejor manera de cerrar la semana que activando nuestro radar y descubriendo los proyectos de A.A. SARL, Spiny Norman, AL3C y Mabean? Acompáñanos en este nuevo viaje musical repleto de sorpresas, porque nosotras estamos completamente en bucle con ellos. ¡Empezamos!
Fue en el año 2021 cuando el artista y compositor francés Arnaud Andrianony inició su carrera musical en solitario, tras un periodo en el que fue el vocalista de la banda Amarula Café Club. Eran los inicios de A.A. SARL como «un espacio creado para poder expresarse con el alma y la conciencia». Un proyecto increíble que nos muestra las múltiples facetas de la personalidad del música, que interactúan entre sí a la hora de escribir y componer. Un baile continuo entre sus dos polos y los mares por los que navega, una entidad a la vez unitaria y multipersonal, cuya música, rica en influencias, podría definirse en tres palabras: pictórica, retro y teatral. En este sentido, acaba de presentarnos su nuevo sencillo, su nueva composición «Fumigène». Una canción sentida e increíble, que se alza como la más nostálgica de las dos que ha presentado hasta ahora, si tenemos en cuenta la anterior «Les morts ne sont pas morts». Además, este recién estrenado tema plantea la paradoja de que cuanto mayor te haces, más se espera de ti que te centres en las prioridades, sin tener en cuenta las florituras.
Sin salir demasiado de Europa, viajamos sin pensárnoslo demasiado a Países Bajos para descubrir a la banda de rock Spiny Norman, quienes nos acaban de descubrir su nueva pieza, «Left Lane». Una auténtica joya que nos plantea un viaje nocturno por carretera, en el que el atormentado conductor intenta volver con su amante. Sin embargo, es dudoso que llegue a su destino final, debido a su atribulado estado de ánimo. Una canción vibrante y psicodélica, que arranca con una ominosa intro con un riff de guitarra descendente y una estrofa opresiva e intimista, donde la voz toma el protagonismo. A medida que avanza la canción, el acompañamiento se vuelve más áspero, grande y complejo, mientras que la letra se vuelve más desafiante y se aleja más de las normas sociales aceptadas. La última estrofa expresa la crisis existencial del protagonista. Un 10 de 10 en este océano musical maravilloso.
Desde Estados Unidos, conocemos al cantautor, guitarrista y productor de Massachusetts, AL3C. Con apenas 12 años, comenzó su andadura en la música, compartiendo versiones acústicas y a dar clases de guitarra. Han pasado unos cuantos años desde ese momento. Tanto, que ahora, el autor está centrado en hacer música para inspirar la autorrealización con influencias que van desde el R&B hasta el reggaeton. De esta manera, acaba de estrenarse con su primer sencillo titulado «NOT4ME». Una canción pop con guitarras que se nutre de influencias que van desde la bossa nova hasta el hip-hop en su instrumentación y producción. Y es que con referentes como Still Woozy, Omar Apollo, Dominic Fike, Masego y Steve Lacy, lo tiene absolutamente todo para comvertirse en uno de los grandes referentes y descubrimientos de este nuevo año 2023.
El último en aparecer en nuestra publicación de hoy es el artista y compositor surcoreano Mabean. Comenzó su andadura en 2017 en Seúl, donde debutó con su primer single «Hey» siendo líder de la banda OMVM. Sin embargo, no fue hasta un año después que se decidió a emprender este camino en solitario, llegando a publicar sus trabajos discográficos «Hide Away» (2018) y «Bright» (2019). Pero si seguimos este prolífico camino, nos plantamos en el día de hoy, momento en el que se encuentra promocionando su tercer sencillo «Twilight». Un tema repleto de intriga, dimensionalidad y una atmósfera onírica. Todo ello es posible gracias a esa combinación de sintetizadores, sonidos de guitarra y armonías vocales suaves. «Antes de una noche oscura y vacía, hay una brillante luz crepuscular en el cielo. Así es como recordamos y apreciamos los bellos momentos que compartimos aunque hayamos roto con nuestro amado», explica. Todo para añadir lo siguiente, «cuando caiga el crepúsculo, espero que la gente escuche mi música y sienta consuelo y escalofrío a través del mensaje que contiene».
No hay domingo, especialmente de invierno, que no queramos pasar entre mantas, cafés y buena música que descubrir. Como cada fin de semana, volvemos a activar nuestro radar musical, mientras tratamos de olvidar que mañana es lunes de nuevo. Y, en esta ocasión, lo hacemos para adentrarnos de lleno en los universos sonoros de Glass Mansions, Rob Drabkin, Faux Real y The Mercy Stone. ¿Nos acompañáis en este maravilloso viaje?
Glass Mansions son los primeros en pasar por nuestro radar musical de hoy. Desde el corazón de Austin (Texas), llega este talentoso dúo musical de altpop, fuertemente influenciado por el pop moderno, pero también de los 90s. Su música es propulsiva y elástica, con exuberantes toques electrónicos. Aunque, sin embargo, en el directo son puro fuego y rock and roll. Tras haber arrasado completamente con su tema «Faith» y con su particular versión de «Don’t start now» de Dua Lipa, se han preparado para asestar un nuevo y potente golpe. Y es que acaban de estrenar su nueva canción «Standing O’». Un hit que llegó a nuestras vidas el pasado mes de noviembre y del que la propia banda aseguró lo siguiente: «escribí esta canción en un momento en el que sentía el máximo agotamiento y frustración como alguien que se identifica como mujer. Al ver repetidamente cómo los medios de comunicación nos inculcaban a la fuerza esta nueva oleada de opresión en nuestro país a través de estos hombres performativos en el poder, nuestra voz es lo más poderoso que tenemos para defendernos. Hablando por nosotras mismas, hablando por los demás, votando, marchando, protestando, luchando contra el patriarcado». En este sentido, el videoclip que acompaña es un gran comentario sobre el apego, la obsesión y, en última instancia, el control de los medios de comunicación, mientras que los cables representan la opresión.
Con un estilo completamente diferente, mucho más pop y acústico, aterriza en nuestra redacción Rob Drabkin. Aunque su talento musical hace que sea fácil creer que siempre se ha dedicado a la música, lo cierto es que este artista estadounidense estudió bioquímica con la intención de convertirse en médico. Pero su vida dio un giro radical cuando viajó por primera vez a Nueva York. Y es que si hay una afirmación que defina a la perfección su pensamiento, es la siguiente: «Con demasiada frecuencia olvidamos que el amor está siempre presente. Lo compartimos con los demás a través de la risa, la sonrisa y la simpatía. Podemos encontrarlo en todo y también podemos crearlo en los momentos más pequeños y discretos de nuestras vidas. Todo lo que podemos hacer es seguir siendo amables y tener el valor de elegir el amor en cada decisión que tomemos». Un amor que él ha volcado en su música, siendo «Spring in December» la última demostración de ello. Un tema que vio la luz hace apenas un mes y que se ha convertido en un himno completamente imprescindible en nuestras vidas.
De Estados Unidos, volvemos a Europa. Concretamente, nos quedamos en Francia para descubrir el proyecto musical de los hermanos Arndt. Juntos, celebran, destruyen y reinventan su parentesco, explorando los límites de la dualidad, la teatralidad y la sensualidad. Faux Real no tardó en ganarse una reputación por sus salvajes y desquiciadas actuaciones de rock vanguardista, actuando en cualquier lugar, desde clubes nocturnos abarrotados y fiestas en casas hasta esquinas y raves ilegales. Elliott y Virgile mezclan poesía inglesa absurda y pop al estilo de los Stooge. Aunque si hubo un año clave para el dúo fue, contra todo pronóstico, ese iniciático 2020 en el que se convirtieron en los teloneros de Metronomy. Ese fue el inicio de sus atrevidas producciones, su forma de utilizar los teclados o la creación de canciones tan maravillosas y oníricas como sus recientes «The United Snakes Of America» o «Boss Sweet», que llegaron a nuestras vidas a lo largo y ancho de 2022.
Ponemos punto y final a nuestro repaso de hoy, con el proyecto musical de The Mercy Stone. Los ritmos ajustados, las voces pegadizas y los imaginativos paisajes sonoros pueden hacer que los oídos del melómano más avezado se despierten y presten atención. Y es que aunque lograr aunar estilos musicales tan variados, fusionarlos y crear una identidad propia no es nada fácil, no hay nada que se le resista a la banda estadounidense. Porque sí, todo lo que tocan, hacen que se convierta en magia. De hecho, el que fuera su primer trabajo discográfico «Above The Towers» (2019) fue una completa anomalía sonora, que logró captar la crítica especializada, pero también la del público. «No es para todo el mundo, quizá tampoco para la mayoría, pero para los que lo consiguen, hay pocas cosas en toda la música grabada que puedan transportarte tan poderosa y completamente a otro tiempo, a otro lugar, a otro estado mental», escribían al respecto desde Progsphere. Desde ese momento, la formación no ha dejado de crear y componer. Y en esta misma línea y estilo, han llegado posteriormente canciones como «Unlocked», «Colors» o la recién estrenada «Crash», con la que han comenzado este 2023.
En ocasiones, la música se convierte en una necesidad imperiosa, en un pálpito sin el que no podrías vivir, en un latido. Eso es lo que ha sucedido a la barcelonesa Lasha quien se ha adentrado en la bulliciosa escena emergente, desde una perspectiva multidisciplinar. Cantautora, compositora y productora musical, cerró el pasado año 2022 con la llegada de su trabajo más ambicioso y experimental, «Nase Voll». Un EP formado por dos potentes e íntimas canciones («Harta» y «Ex_Plotar»), que supone el inicio de una nueva etapa profesional para ella, en la que la música se ha convertido en su principal motor de vida, pero sin presiones y sin pretensiones. Lo que tenga que ser, será. Un EP en el que las dos piezas funcionan como una sola, dándonos así la explicación de una relación desde el enamoramiento a la ruptura. La mejor manera de conocer desde dentro, esa particular manera de ver el mundo en el que vive.
A su vez, da continuidad a este proyecto musical que arrancó con la llegada de su primer sencillo «Me da igual», una canción con la que irrumpió con fuerza, aunque bien es cierto que la propia Lasha ha evolucionado desde entonces. En todos los sentidos. Musicalmente, ya no se casa con ningún estilo, arriesga, experimenta y gana. Bajo ese nuevo punto de vista, se han ido sucediendo canciones y más canciones, como «No tenía porqué ser» y «Juego de dos». Así hasta este, prácticamente, recién estrenado EP «Nase Voll». Ya veis, lo que comenzó siendo solo un piano, o una guitarra y una voz, ha adquirido unas dimensiones increíbles, y ahora ni hay quien lo pare. Lo que no ha cambiado a lo largo del tiempo son las ganas de dar lo mejor de sí misma, llegar a las personas y ayudarlas en todos los momentos de sus vidas a través de sus letras y melodías reconfortantes.
Pero a todo esto, ¿quién mejor que ella misma para darnos los detalles sobre su proyecto musical? No os perdáis la entrevista que le hicimos hace algunas semanas a Lasha.
Los comienzos no siempre son fáciles, pero hay artistas capaces de removernos por dentro de tal manera, que lo único que deseas es que lleguen al mayor número de personas posibles. Es la sensación que tuvimos con Jorge Gardo cuando lo descubrimos con su primer tema «2END2». Una primera canción con la que echó a andar como artista. El inicio de una nueva era en la que comenzaremos a descubrir toda aquella música que el joven y talentoso compositor ha ido creando en su móvil. Todo un mundo por descubrir que ha continuado muy poco tiempo después, con la llegada de su segundo sencillo «Puntos Suspensivos». Pero, ¿qué significa para él?
«Los puntos suspensivos sirven para interrumpir o dejar un sentido incompleto de lo que se dice. Con esta idea comencé a escribir esta canción, que describe la negociación entre el tiempo y el amor, una negociación que incluye nuestros momentos de vacío, donde nos hablamos a nosotros mismos y nos animamos en la soledad. Porque este sentimiento lo tenemos tan guardado en lo oculto, que evitamos decírselo a nadie», quiso explicar el propio artista y compositor.
Un género al que no estamos acostumbradas, pero al que Jorge Gardo ha sabido darle estilo, pero sobre todo personalidad. Y es que juega con las dosis perfectas de musicalidad y mensaje profundo, capaz de traspasarte el alma, y eso nos encanta. Tanto, que le auguramos un futuro repleto de oportunidades dentro de nuestra emergente escena musical. De ahí, que sintiéramos la necesidad imperiosa de charlar con él cara a cara. Conocemos el proyecto desde dentro, a la par que estrenamos nuestra sección de entrevistas de cara a este año 2023 recién estrenado. ¿Queréis saber todos los detalles que nos avanzó? Pues tan solo tenéis que darle al play y disfrutar de esta pequeña gran conversación.
Estamos a punto de despedirnos de este 2022 que tanto nos ha regalado, a nivel personal, profesional, pero también musical. Y, la verdad, es que no se nos ha ocurrido una manera mejor de hacerlo que hablando de estos cuatro nuevos descubrimientos musicales que, puede y solo puede, que sean los últimos que os traigamos este año. Pero bueno, prometemos que la espera hasta 2023 no será demasiado larga. Mientras, ¿por qué no disfrutamos de la música y del talento de Marcos Prieto, Howard Rose, Hayley Siano y ZOLA? Poned mucha atención, porque os hablamos de todos ellos a continuación.
De Marcos Prieto ya tuvimos el honor de hablar hace algunos meses, a raíz de la publicación de su canción «Camino». Un descubrimiento que nos abrió las puertas de todo un nuevo universo sonoro y que, además, nos permitió hablar cara a cara con el artista. Sin embargo, ahora, ha querido dar un paso al frente y ha vuelto a regalarnos su talento, en forma de nueva canción. Y es que apenas hace unos días, vio la luz su sencillo «Tus Ojos». Coqueteando con el pop y con ritmos mucho más bailables y modernos, el artista nos ha mostrado una nueva faceta suya. «Me divierte tener la posibilidad de moverme entre una canción como Camino, con una impronta muy allegada a la canción popular argentina y una más pop, con sonidos más modernos y melodías cambiantes», explica al respecto.
El siguiente en pasarse por nuestro radar de hoy es Howard Rose, quien acaba de regalarnos su nueva canción «In New York». Una verdadera ensoñación sobre la resolución de problemas como lo haría un jefe de la mafia en el Nueva York de los años treinta. Desde el punto de vista lírico, gira y gira a través de la duda, el autodiagnóstico y la autodestrucción. El enorme desahogo del estribillo ayuda a dejar salir estos sentimientos y, a través de la catarsis, nuestro protagonista se reencuentra. Puro talento y sentimiento, que llega directamente desde el corazón de Londres.
Para enamorarnos y cautivarnos con su voz, ya está Hayley Siano, quien nos acaba de presentar su nuevo tema «Get To Know Her». Una canción que habla sobre rupturas duras, en particular sobre la experiencia queer de fundir tu vida con la de otra persona femme y el tipo específico de apego que conlleva esa cercanía. «Quería escribir desde la perspectiva de lo difícil que es poner fin a algo, incluso cuando sabes que es tóxico, y de cómo hay una luz al otro lado que puede ayudarte a superar el dolor: la perspectiva aterradora pero emocionante de volver a conocer íntimamente a la persona que eras antes», detalla la propia artista y compositora. Criada en una pequeña comunidad conservadora, la pianista y cantante ha pasado hasta ahora su vida adulta recurriendo a la naturaleza y al fuego de sus propias entrañas para abrazar la plenitud y la magia de su identidad.
Por último, pero no menos importante, destacar la enorme labor de ZOLA, quien ha entrado en nuestras vidas sin piedad y nos ha cautivado por completo con su recién estrenado sencillo «Olive Baby». Una canción que trata sobre la familia, el amor propio y las dudas. Una manera de limpiarse por dentro, de reiniciarse. La pausa necesaria para poder alejarse y lograr verlo todo con retrospectiva. «La escribí como una especie de mantra para mí, llena de pequeñas afirmaciones que hacen que cantar esta canción sea como una terapia. Quería que fuera como sentarse en el jardín con los ojos cerrados a tomar el sol», nos explica con todo lujo de detalles.
Con un estilo de lo más particular, AstroMike Gordon no parece sacado de esta época. Tan solo escuchando su voz, seríamos capaces de pegar un enorme salto en el tiempo, pero sin movernos del siglo en el que vivimos. Eso es, precisamente, lo que hace que su proyecto sea tan sumamente especial. Así es como la nostalgia que desprende con cada nota, se refleja en su recién estrenado trabajo discográfico «Re-Reviresco».
Para empezar con la entrevista, para todos aquellos que aún no te conozcan, ¿quién es AstroMike Gordon y cómo empieza en el mundo de la música?
AstroMike Gordon surgió por necesidad, allá en 2011. Después de graduarme en la academia de música de Malmö, donde estudié música jazz tocando el contrabajo, me apetecía hacer algo completamente diferente. Así que monté AstroMike Gordon y me puse al frente cantando mis propias canciones. Ese primer concierto que di, sigue siendo una de mis mejores experiencias.
Acabas de publicar tu álbum «Re-Reviresco» y nos gustaría saber cómo nació el concepto artístico.
«Reviresco» es el lema del clan de mi abuela, Mcewen. En muchos sentidos, me parece un nombre adecuado para este EP, ya que la canción que abre el disco, «Margret The Widow», lleva su nombre. Pero el significado del lema también alude a nuestra forma de grabar y producir música. Queremos traer de vuelta el enfoque de la vieja escuela a la era moderna y hacer que vuelva a florecer. Con «Re-Reviresco», la versión extendida, incluso añadimos dos tomas en directo, y ese sonido tiene una vida que rara vez se capta en una cinta. Aunque no suene tan perfecto, prefiero estas versiones a las originales. La habilidad de cada músico y de nuestro ingeniero de sonido, Tomas Borgström, brilla con luz propia.
En este sentido, ¿cómo recuerdas el proceso creativo y compositivo del álbum?
Pasé menos tiempo solo en este álbum. Confío en los miembros de mi banda y en Tomas, el productor, y quería que formaran parte del proceso mucho antes. Puedes discutir un arreglo durante horas, pero tocar una canción juntos, con la mente abierta, te da un resultado más vivo. Para mí, lo mejor fue cuando contratamos a músicos de la Ópera de Malmö para que tocaran los arreglos de viento en «Margret The Widow», «The Mess» y «We are everything». Parecía sacado de un documental de The Beatles.
Grabaste y mezclaste el álbum con Tomas Borgström en Tambourine Studios. ¿Cómo llegó a tu vida y cómo ha sido trabajar juntos?
Tomas se me acercó después de nuestro primer concierto en 2011 y me preguntó si podía grabarnos. Me dijo: «me encanta vuestra música y sé exactamente cómo mezclarla». Ha sido un elemento clave en nuestras grabaciones desde entonces, y la persona en la que más confío cuando se trata de música. Es como un ingeniero de sonido de la vieja escuela con conocimientos hasta el nivel de un átomo de grabación.
Por vuestra parte, ¿cómo ha sido la acogida de «Re-Reviresco» y el feedback recibido por parte del público?
Con este lanzamiento siento que finalmente hemos conseguido un poco de reconocimiento. Nada enorme, pero suficientes críticas y palabras amables de desconocidos como para sentir que quiero seguir adelante. Y eso es realmente todo lo que puedo pedir.
Hay otro aspecto que nos gustaría conocer, y es, ¿cuál es la inspiración musical de AstroMike Gordon a la hora de componer?
Yo llamo a nuestro estilo crooner pop. Me encanta la música de los años 60 y 70 y supongo que es bastante obvio que mis mayores influencias proceden de esa época. David Bowie, The Beatles, Scott Walker y Nick Drake, por nombrar algunos. Siempre que la música tenga grandes melodías, un grado perfecto de complejidad, esté bien arreglada y se toque a la perfección, me encantará.
Y líricamente, ¿cuáles son sus principales influencias y qué importancia tiene el mensaje en sus canciones?
Me encanta contar historias y profundizar en la condición humana cuando escribo letras. Pero siempre estás limitado a la melodía que tienes en mente. El sonido de las palabras es más importante que su significado, así que hay que encontrar un equilibrio. Para mí, cuando lo consigues, estás ante algo grande.
«Re-Reviresco» es tu tercer álbum de estudio, ¿cómo ha evolucionado el proyecto desde que publicaste tu debut AstroMike Gordon en 2014?, ¿cuál es el mayor aprendizaje que te llevas?
Ese primer álbum que hicimos significa mucho para mí. Sin embargo, cuando lo escucho ahora, me oigo a mí mismo tratando de expresar algo que no está ahí. Ahora, cuando escribo música, intento dejar que la canción me guíe. Es como un nuevo amigo al que intentas descubrir. Espero ser más honesto a la hora de escribir. Pero creo que lo que más he aprendido es a confiar más en mis compañeros músicos. Si eliges a los adecuados, harán que tus canciones se enriquezcan.
¿Cuáles son los planes más inminentes de AstroMike Gordon? Especialmente de cara al año 2023.
Estamos grabando un nuevo EP como continuación de «Reviresco». Espero que lo tengamos listo para publicarlo en mayo de 2023. Entonces, querré hacer una gira de presentación, por supuesto. Me encantaría tocar en España esta vez.
Solo quedan dos preguntas, que me encanta dejar para el final. La primera es, ¿qué canción tuya identifica mejor el momento en el que te encuentras profesionalmente y por qué?
Bueno, ahora es invierno. Aquí en Suecia eso significa oscuridad sin fin y un tiempo horrible hasta mayo. En otras palabras, este es el periodo para escribir música, leer libros y contemplar las buenas y malas decisiones que has tomado en la vida. Diría que la canción «We are Everything» es la que mejor describe el estado de ánimo en el que me encuentro ahora.
Para fin y aprovechando que me gusta conectar de alguna manera con el nombre de la web, ¿cuál es la verdadera locura que has cometido con la música?
Yo diría que es una locura ser músico en general. Practicar durante horas todos los días, sentarse en un autobús de gira durante doce horas, despertarse en mitad de la noche para grabar una idea para una canción que acabas de soñar. Es una obsesión y una religión. Una completa locura.
Clara Hurtado es una de esas artistas capaces de arrasar con una fuerza arrolladora, capaz de cautivar a cualquiera. Basta escuchar su voz para darse cuenta todo el potencial y arte que tiene; y «Ay, Ay» ha sido una de las primeras pruebas de ello. Acompañada en todo momento por Raf Riley y DJ RLo a la producción, la compositora española afincada en Reino Unido ha logrado aunar lo mejor del funk brasileño, el latin, el grime y el drill, aportando una energía refrescante a la creciente escena latina del país británico. Una canción de lo más juguetona, que muestra a la perfección quién es en esencia y las influencias de las que bebe en su día a día.
Nacida en Madrid pero residente en Londres, Clara Hurtado nunca ha permanecido mucho tiempo en el mismo lugar. Empezó a hacer sus primeros pinitos en la música desde muy pequeña, forjando esa personalidad única que tiene y dando cabida en todo momento a sus raíces españolas y británicas. De hecho, creció cantando al ritmo de los solos de guitarra de Carlos Santana y escuchando atentamente y repetidamente las carreras vocales de artistas que definen el género, como Beyoncé y Jill Scott. Y es que, ante todo, su visión igue estando cerca de su corazón.
Un talento arrollador y el mimo por el detalle, que le valió el reconocimiento de Tom Jones, Gavin Rossdale, Jennifer Hudson y Will.i.am en The Voice UK. O que le abrió las puertas a la gira «Calambre» deNathy Peluso, a quien teloneó en el O2 Empire de Shepherd’s Bush. La mejor manera de despuntar en una carrera musical que no ha hecho más que comenzar y que seguirá creciendo a lo largo del tiempo.
En medio de tantas novedades, hemos tenido la oportunidad de charlar largo y tendido con ella. ¿Quién mejor que Clara Hurtado para explicarnos quién es Clara Hurtado? ¡Pues eso, que le deis al play y disfrutéis de la entrevista que le hicimos!
Hoy más que ningún otro día, más que ningún otro domingo, nos merecíamos un momento de paz y de recogimiento, descubriendo nuevos proyectos musicales y hablando sobre ellos en nuestro radar. Por fin, ha llegado el momento de hablar de Mandi Macias, Kris James, Storm Orchestra y Jaime Alcalá. ¿Quién se viene con nosotras en este fantástico viaje musical? Nosotras no logramos salir del bucle.
Artista y compositora polifacética nacida y criada en Los Ángeles, Mandi Macias lleva vinculada a la música desde que era muy, muy pequeña. Y es que con apenas 8 años descubrió las maravillas de este arte y la capacidad increíble para refugiarse en ella. De hecho, su mayor ambición es hacer lo que le gusta y dar felicidad a los demás a través de su música. Saltada a la fama gracias a su increíble versión de «Crying in the Club» de Camila Cabello, publicó su primer EP «Sixteen» el mismo día que cumplió 16. El inicio de una carrera musical que la ha traído hasta nuestros días. Y es que recientemente, ha estrenado su nuevo tema, «When You Were A Virgin». Una canción que empezó como una broma mientras Mandi hablaba con su amiga en el coche. «Estábamos fustigando a nuestros ex, lo cual era bien merecido», explica la artista y compositora, que viaja libre entre las sonoridades pop y otros géneros como el synthwave, el pop alternativo, el electro pop y el R&B contemporáneo.
La extraordinaria historia de Kris James es la de un feroz talento musical que encuentra su camino hacia la luz, un viaje hacia atrás desde el estrellato del pop hacia la autenticidad como cantante. Con una seguridad desbordante a la que todos deberíamos aspirar y sin miedo a asumir los errores del pasado, el artista ha trabajado duro durante años, todo con la clara intención de despuntar en esta nuestra escena musical. Y es tras su paso por diferentes bandas musicales, decidió emprender camino en solitario, sin esa red de seguridad. Despojándose de todos los miedos, fue capaz de comenzar a brillar con la llegada de su primer trabajo en solitario «Eyes Open», con el que se coló rápidamente en el top 30 de reproducciones. Y ahora con su nueva canción «Home» está más que dispuesto a hacer lo mismo. ¿Estáis listos para la gran revolución que está dispuesto a causar en todos nosotros?
Storm Orchestra lleva años destilando un rock moderno y sin pretensiones, cuyos cimientos se basan en riffs agresivos y estribillos pegadizos. Debutaron en 2020 con su primer EP, con el que lograron el millón de streams. Sin embargo, ahora, la banda parisina está más que preparada para subirse al escenario con canciones nuevas. Canciones que adquirirán forma de álbum debut, producido por Alias Studio (Bertrand Poncet y Bastien Lafaye de Chunk, ¡No Captain Chunk!) y cuyo lanzamiento está previsto para la primavera de 2023. «Piece Of You» es la primera prueba de ello: un tema que nos cuenta la historia de una relación sin rodeos y sin artificios. Un tema crudo, potente, pero siempre melódico. Un rock moderno y directo, inspirado en la escena británica. Un rock que es sinónimo de amor y guitarras.
Por último pero no menos importante, está el proyecto musical de Jaime Alcalá, artista y compositor de Valencia, que comenzó su andadura en la música hace algunos años, aunque no fue hasta hace tres o cuatro que se animó a componer sus primeras canciones. Aunque sí que es cierto que el grueso de sus composiciones tuvieron lugar durante la cuarentena, momento en el que se creó su propio estudio en casa. Ahora, un par de años después, puede presumir de tener en el mercado un álbum de versiones al más puro estilo folk, country y blues; además de más de una decena de sencillos, entre los que destacamos su último y más reciente, «La Trinchera».
