No hay nada mejor que tratar de sobrellevar una semana de lluvia y frío con música. Con mucha música. ¿Y qué mejor manera de hacerlo que escuchando las interesantes propuestas musicales de Las Bambas, Emmrose, Southerlies y Unwed Fathers? No conocíamos a ninguno de ellos hasta el momento y, lo cierto, es que ha sido una maravilla poder sentarnos a escucharlos. ¿Queréis saber más sobre cada uno de ellos?
Dos almas que conectan desde dos partes del mundo tan diferentes como son Perú y Francia. Hablamos, efectivamente de Las Bambas, cuya sensibilidad ha roto con todos nuestros esquemas. Un dúo muy especial el que forman Irazema Vera y Silvio Lafont. Un dúo cuya música refleja las experiencias e influencias de dos individuos que pasan su tiempo creando y compartiendo una vida fuera del ámbito musical. Con letras en inglés, español y francés, sus armonías vocales se deslizan sobre una mezcla de pop-funk psicodélico y neo-soul con ocasionales incursiones con incursiones ocasionales en el post-rock. Una confluencia de géneros que ha tenido como última pequeña gran píldora «Setting Sun». Una canción ideal con la que debutar, que nos evoca el sonido de las guitarras de alt-rock de los 90 respaldadas por una sección rítmica que respira funk. Enamoradas estamos de ellos.
Emmrose da el contrapunto ideal en este artículo. Por su potencia, por su eclecticismo y por su marcado estilo. Se ha marcado un temazo en toda regla, sí lo decimos. Y es que desde que escuchamos por primera vez «Run», no nos lo quitamos de la cabeza. Motivo más que suficiente para darle la oportunidad que se merece y meterla a la de ya en todas nuestras listas de reproducción de cabecera. Tiene un poderío capaz de traspasar fronteras y esta canción es el mejor reflejo de ello. Y vaya si es poderosa. Poderosa y empoderada. La propia artista explica lo siguiente sobre este tema tan sumamente especial: «Fue una canción muy poderosa de escribir. Quería crear un himno sobre la ruptura, dirigido a cualquiera que haya pasado o esté en una relación abusiva. Quería que fuera inspiradora, que concienciara a mis oyentes de que el comportamiento tóxico en las relaciones nunca es normal o bueno». Nada más que decir.
Con unas potentes raíces del country americano, pero con toques pop y de vanguardia, llegan Southerlies desde Reino Unido para ponernos en órbita con su recién estrenada canción, llamada «Standing in Line». Un tema que escribieron ya hace algunos años a causa de una ruptura sentimental y que ha cobrado vida ahora, con todo el soporte de la banda y rodeada de múltiples elementos que le han dado una dimensión increíble. ¿La habéis escuchado ya?
Unwed Fathers han dado la mejor noticia que podían dar: que este 2022 llega cargado de nueva música y de novedades para la banda de folk estadounidense. Y es que acaban de sorprender con la llegada de su nuevo EP temático titulado «The Split». Un pequeño trabajo conformado por las canciones «The Afterthought» y «U Somehow Forgot», que llega justo después de que en 2021 nos regalara su anterior trabajo «Always Looks For The Helpers». Compuestos y grabados ahora en el sur de Texas, en la región conocida como el Valle del Río Grande, estos dos nuevos temas documentan el viaje de dos amantes distanciados que luchan contra el mal momento y la distancia, mientras viven en un mundo dominado por el miedo, las plagas, la guerra, la destrucción y la codicia. En propias palabras del artista: «Este es el segundo capítulo de una trilogía de tres partes de lanzamientos temáticos inspirados en el estado del mundo en el que vivimos actualmente. Es el punto medio del viaje del protagonista. La calma antes de la tormenta, podríamos decir».
Arkets ha sido uno de los grandes descubrimientos de este periodo corto pero intenso de 2022. Si bien es cierto que se salen de lo que habitualmente escuchamos, pero nos han llamado especialmente la atención por su eclecticismo y por cómo han sido capaces de crear arte de manera tan magistral. Quien todavía tenga sus dudas, tan solo tiene que escucharse de principio a fin su álbum más reciente, «Dark light». En bucle estamos con él. Aunque para bucle, la entrevista que hicimos hace algunos días a Romain Frati, compositor y vocalista de la formación francesa. Esto es lo que nos contó.
Para la gente que no conoce vuestro proyecto musical, ¿quiénes son Arkets?
Arkets es un proyecto de pop-rock alternativo de Metz creado en 2011 con Mathieu Marie (guitarras), Loïc Turpin (bajo), Jean-Marc Robin (batería) y yo mismo (composición, voces y coros, piano, sintetizadores, arreglos de cuerda). En Arkets pueden aparecer muchos estilos musicales porque no me gusta poner barreras. Mis orígenes musicales son múltiples y Arkets es la ilustración de ello: art rock, progresivo, jazz, electro, world music, música clásica. Todo puede pasar y me gusta esta idea de libertad. No tenemos fronteras musicales, el bagaje de cada músico es muy ecléctico. Pero si tuviéramos que dar algunas influencias, diría que podemos percibir de vez en cuando a Radiohead, Toto, Tears for fears o incluso Sting, pero lo que sale posteriormente en las crónicas es diferente: Ben Folds, Steven Wilson, Joe Jackson, Young gods, Supertramp, Nick Cave. Me hace pensar que lo que hacemos tiene su propia impronta.
«Dark light» es vuestro nuevo lanzamiento. ¿Cómo surgió el concepto de este álbum?
En cuanto al nombre del álbum, diría que el concepto surgió después del proceso de composición. Compuse diez temas sin planificar nada. Luego busqué el título del álbum y me di cuenta de que en estos diez temas había dos caras, una de ellas más oscura, lo cual es bastante inusual para mí.
El lado positivo y luminoso trata de temas como la paternidad, el amor y los sueños. El otro lado trata de la obsesión, la muerte o el tema de los emigrantes. «Compression Suite» es sexualmente sensual. «The Maze» trata de una persona perseguida en el laberinto del minotauro. «The Very Last Moment» trata de los últimos momentos de alguien (mi padre estaba muy enfermo en ese momento y estaba preocupado). Necesitaba un título que combinara estos dos aspectos y apareció «Dark light». La música sigue lógicamente el mismo concepto. A pesar de esta dicotomía hay una homogeneidad, porque la mayoría de las canciones fueron escritas en muy poco tiempo (verano de 2020) y corresponden a un estado de ánimo específico de esta época.
Hay arreglos cincelados, cuerdas y también músicos invitados. Así, podemos escuchar una contribución muy hermosa al saxofón soprano de Dominique Gatto en «What the tide leaves» o un solo de guitarra muy personal en «Beautiful child», que da al álbum un sabor particular. No olvidemos la fuerte presencia del piano, algo lógico ya que suelo utilizar este instrumento en el proceso de composición.
¿Cómo recordáis el proceso creativo, de composición y de producción de este álbum?
En el primer año de Covid-19, estaba en plena composición de las canciones de «Dark Light» y, en cierto modo, el primer cierre me permitió centrarme en ese proceso creativo. El verano de 2020 fue especialmente prolífico. Recuerdo una semana muy creativa en la que se compusieron tres canciones. Había una luz natural preciosa en mi estudio y las condiciones eran perfectas para componer sin pensar en nada más. Fue un momento lleno de cierta espiritualidad. Pero sacar un disco en medio de una pandemia también tiene sus inconvenientes, como no tener los locales preparados para el lanzamiento del disco y no poder presentar el proyecto inmediatamente en el escenario.
Yo grabo las voces, los coros, el piano, los teclados y hago la programación eléctrica en mi estudio. Mathieu suele grabar sus guitarras también en casa y a veces en un estudio más grande. Aporta al conjunto una creatividad que se complementa muy bien con mi universo en términos de arreglos y aspecto melódico. El equilibrio entre el piano y las guitarras sigue siendo uno de los principales aspectos de este proyecto. El bajo y la batería se grabaron en un estudio externo para la homogeneidad del sonido. Jean-Marc aporta una gran energía y el trabajo de colaboración durante la grabación es genial. Constantemente intercambiamos y encontramos cosas juntos durante las tomas hasta que en algún momento llegamos a una versión que nos conviene a los dos. En algún momento decimos «¡Esto es lo que necesitamos!». Me gustan las intervenciones melódicas, los rellenos expresivos en las partes de bajo. Me gusta Tony Levin, el bajista de Simply Red o Mike Porcaro. Loïc cumple este aspecto magníficamente y el groove está ahí. Hubo un verdadero trabajo de detalle entre nosotros dos antes de la sesión de grabación y es un aspecto del trabajo que me gusta.
La grabación y la validación de las canciones se hicieron con bastante rapidez, excepto «Beautiful Child» y «Heroes». No estaba del todo satisfecho y fue necesario cuestionar la estructura de estos 2 títulos para que la energía esté ahí. Los músicos que trabajaron en «Dark light» son realmente talentosos y se involucraron hasta que no hay que lamentar cuando se vuelve a escuchar el álbum.
Grabamos y mezclamos en Studio Amper con Jean-Pascal Boffo que hizo un gran trabajo como ingeniero de sonido y músico invitado en «Beautiful child» y «What the tide leaves». La masterización se llevó a cabo en el estudio The wall con Sam Berdah, que terminó el álbum de una manera muy agradable. Recomiendo sin reservas sus habilidades, son personas generosas y apasionadas.
La foto de la portada del álbum fue tomada por Fabrice Bisignano. Fabrice hace unas fotos preciosas y domina la postproducción y eso es lo que buscaba para este álbum. La foto del interior la hizo Olivier Toussaint, un fotógrafo de talento que me conoce bien, y para hacer retratos es increíble. Todo el trabajo gráfico fue realizado a distancia por Loïc Lelandais, que se encargó del concepto de humo de la portada. Hizo un magnífico trabajo tanto en el vinilo como en el digipack del CD.
¿Cómo construye Arkets su imaginario sonoro y en qué se inspira?
Creo que hay una conexión cinemática y cinematográfica con esta música. Refleja un sentimiento, un estado de ánimo y cuenta una historia, aunque la música suele componerse primero. Al haber hecho música de cine, creo que hay una coherencia.
La música también puede construirse a partir de una idea general del texto. Si tomo por ejemplo «What the tide leaves», la idea era recrear la atmósfera de una llegada a una playa. Así que tienes largos tramos de sonido y un sonido de guitarra claro y soñador, hay agua. Las letras expresan todas las historias que se encuentran tras la música, delatando mi pensamiento en ese momento. Podría hacer referencua a una película que vi, como el título «Runaway train» o a algo que me toque emocionalmente o me divierta.
¿Cómo han sido las primeras reacciones del público?
Las reacciones han sido, en general, positivas y teñidas de sorpresa. La gente lo encuentra bastante original y trata de encontrar puntos de anclaje, referencias con las que compararnos. Estas referencias son bastante múltiples y cambian cada vez. Lo que hacemos va a veces a contracorriente de lo que se hace actualmente. El público de algunos países reacciona muy bien al escuchar nuestra música, como Brasil o España. Es increíble ver que estamos en las listas de reproducción de una decena de nacionalidades, aunque todavía tenemos que encontrar nuestro público.
Segundo disco después de debutar con «Projectile», que se publicó en 2016, ¿cómo ha evolucionado el proyecto desde entonces y cuál es el mayor aprendizaje que os habéis llevado de este periodo?
En primer lugar hay que hablar del contexto del primer disco para responder a esta pregunta. El proyecto entró rápidamente en una compañía discográfica con la grabación de tres títulos y dos videoclips. Las cosas no me salieron bien en cuanto a requisitos y decidí en su momento dejar de colaborar con esta discográfica. Esto me enfrió considerablemente y coincidió con mi partida a Montreal por un período de dos años. Así que el proyecto quedó en suspenso durante ese tiempo. Me di cuenta, poco antes de volver a Francia, de que los temas que habíamos grabado y la maqueta que habíamos hecho seguían siendo escuchados con estadísticas sorprendentes, y esto sin haber hecho ninguna promoción. También era consciente de que todo el equipo había invertido mucho tiempo y esfuerzo en este proyecto y pensé que era injusto no publicar el primer álbum. Así que cuando volví a Francia en 2015, comencé la producción de «Projectile», lanzado en 2016. En el momento de la publicación de este álbum me encontraba, por tanto, en pleno proceso de reinstalación en Francia y ya estaba empezando a componer para el siguiente. Así que, si resumo, el trabajo no se detuvo entre los dos lanzamientos. Primero fue el lanzamiento de «Elsewhere» como single con videoclip en 2019.
Me parece que hubo una evolución en estos dos títulos que fueron compuestos justo después de mi regreso: más racionalizado, más orientado al directo en los arreglos. Mi voz también entró en un rango más profundo en algunas pistas.
A continuación, se produjo la grabación del nuevo álbum y volví a tomar mis notas. Esto fue justo antes del primer cierre. Lo que pude aprender en ese tiempo es que el equipo que tengo conmigo es excelente y fiable. Aportan mucho a la estética de este proyecto por la libertad que tienen, y eso es una marca registrada.
¿Cuáles son vuestros próximos planes?
El siguiente paso es realmente tocar y defender este proyecto en el escenario. El feedback de este disco es hasta ahora muy bueno y espero que ayude a aportar esa dimensión extra. Estamos dispuestos a tocar por todo el mundo y a viajar siempre que las condiciones sean decentes. A mí personalmente me encanta viajar.
Recientemente hemos firmado con el sello M&O, esperemos que eso también dé sus frutos porque tienen una buena reputación en cuanto a promoción. También me gustaría que saliera un nuevo videoclip.
Solo quedan dos preguntas, con las que siempre me gusta terminar. La primera es ¿cuál de tus canciones identifica mejor el momento en el que os encontráis y por qué?
Vaya. No estoy seguro de haber entendido bien esa pregunta. En un artículo reciente se hablaba de un triángulo musical en el que evolucionamos: el rock progresivo, el jazz y el electro. Creo que «Runaway Train» es una buena síntesis de ello. Añade el estribillo, la métrica del ritmo, los arreglos y la energía.
Y por último, ¿cuál es la mayor locura que hebéis cometido por la música?
Tendría varias que mencionar, pero diría que la más profunda en mi compromiso con la música fue un cambio de vida y de continente durante dos años para aprender música de cine y volver a ser estudiante. Tenía una vida cómoda a todos los niveles, pero este deseo de ir más allá en este campo fue el más fuerte. Deshacerme de mis posesiones, irme con 100 kilos de equipaje, el gato, un bebé en la barriga de mi mujer. Todo para volver a ser estudiante…fue un verdadero compromiso y una sorpresa para mucha gente.
Desde el corazón de Puerto Rico, TUNNEL19 han pegado el gran salto, más que dispuestos a arrasar con todo. Y es que con un talento fuera de serie y unas ganas de comerse el mundo, la banda de indie rock está comenzando a arrasar, siendo «Intoxícate» la última gran prueba de ello. Una canción que se adentra si miedo en el tema de las adicciones – amorosas en este caso – , que pueden llegar también a convertiese en tóxicas. Una canción muy especial que, sin embargo, no ha sido la primera incursión de la banda dentro de la escena musical, pues debutaron hace ya cerca de un año con «Voces», siguiéndola muy de cerca con «Encerrado (Contigo)».
Un proyecto musical muy incipiente, encabezado por los dos músicos y artistas Eguie Fernández y Ángel Yoel Soto. Un proyecto musical emergente que, a pesar de todo, cuenta con un enorme bagaje detrás, pues sus dos creadores llevan más de una década trabajando juntos en multitud de bandas de versiones. Una experiencia y unas tablas sobre los escenarios que, bien seguro, les ha ayudado y les ha dado alas a la hora de dar vida y crear TUNNL19 y todas y cada una de sus canciones (las tres que hemos escuchado hasta el momento y todas las que aún están por llegar).
En medio de todo este mar creativo, quisimos hablar largo y tendido con la banda, para que nos contaran cómo nace TUNNL19, para que nos explicaran qué han supuesto estos tres primeros adelantos para ellos o para que nos den alguna pequeña pista de todo lo que está por llegar, entre muchas otras cosas. ¡Y ojo, cómo disfrutamos de la charla! ¿Quieres saber todas y cada una de las cosas que nos contestaron al respecto? Pues solo le tenéis que dar al play y disfrutar de esta distendida entrevista.
Cuando la escuchamos por primera vez, definitivamente pensamos que para nada era nuestro estilo. Pero si algo tiene la música es esa innata capacidad para sorprendernos y rozarnos el alma. Eso es lo que ha hecho Skyelar con nosotras. Entro tímidamente a nuestra vida con «Moon Dogs» y ha terminado de romper con todo con su nuevo single de adelanto, «I Shed My Skin». Momento perfecto entonces para sentarnos a hablar con ella y que nos cuente todos los detalles sobre este interesante, único y personal proyecto musical, que dentro de nada adquirirá una nueva dimensión con la llegada de su nuevo álbum, «Lucid Dreaming»
Para la gente que no conoce tu proyecto musical, ¿quién es Skyelar?
Soy Jaklien, cantante, compositora y productora con sede en Utrecht, Países Bajos. Y Skyelar es el nombre de mi proyecto musical independiente. Me acuerdo como si fuera ayer, tenía siete años y no tenía el suficiente sueño para irme a la cama tan temprano, así que empecé a inventar canciones en mi cabeza y a cantarlas tranquilamente. Eso era lo que hacía y nunca dejé de hacerlo. Podía levantarme cada mañana y empezar a escribir.
Se podría decir que Skyelar fue la culminación de mi carrera musical. Siguiendo mi verdadero camino, estudié Teoría e Historia de la Música en la Academia Schumann de Utrecht, complementando este curso con estudios de Producción Musical. Durante este tiempo también empecé a desarrollar mi propia marca de música. Trabajando con músicos de sesión de Europa y Estados Unidos, mis canciones están escritas, arregladas y producidas desde mi estudio en casa. Ahora estoy muy orgullosa de decir que voy a lanzar mi primer álbum «Lucid Dreaming» el 22 de abril.
Además de la música, trabajo en el sector de la salud mental. Me encanta pasar tiempo con mi perro, un Beagle llamado Lucy y hago danza moderna todas las semanas. Además de esto, viajar, salir con mi pareja, tener una buena cena con amigos o simplemente una tarde en la playa pueden poner una sonrisa en mi cara. Estas son las cosas que aseguran que habrá suficiente inspiración para escribir.
«I Shed My Skin» es tu último lanzamiento. ¿Cómo surgió esta canción y cómo fue todo el proceso creativo y de composición?
Las ideas se me ocurren cuando hay mucho silencio, sobre todo por la noche. De repente oigo una melodía, quizá sea una voz o un piano, pero también puedo oír arreglos completos. Eso puede ser muy molesto cuando estás muy cansada y quieres dormir. A veces, incluso tengo que levantarme para grabarlo o me quedo despierta toda la noche. Esta canción se basa en el tema del piano que se oye repetidamente en las estrofas y creo que después, la frase «I Shed My Skin» se me ocurrió con la melodía. Cuando mi pareja me dijo que un amigo suyo había dado un giro a su vida, supe inmediatamente de qué trataba la canción y empecé a elaborar los detalles.
¿Qué significa esta canción para ti y cómo han sido las primeras reacciones?
Bueno, esta significa mucho para mí, estoy muy orgullosa de ella y es mi favorita del álbum. Me gustaría escribir más de este tipo, pero no puedes forzar la inspiración. Te llevará a donde quiera ir. También he recibido muchas respuestas positivas de músicos y otras personas de la industria, así que no puedo quejarme. Alguien me ha dicho que no suele escuchar este tipo de música, pero que le encanta esta, que de alguna manera es como un mantra tranquilizador. Por otro lado, me doy cuenta de que es una canción bastante extravagante. Si todo el ambiente no es de tu agrado, nunca lo será.
El videoclip nos ha llamado especialmente la atención. Tiene un estilo muy atmosférico. ¿Cómo se te ocurrió darle este toque?, ¿forma parte de la esencia del proyecto musical de Skyelar?
Creo que esta canción recoge la esencia del estilo que he desarrollado a lo largo de los últimos años. Analizándola, se podría decir que las composiciones son melancólicas y atmosféricas, que te llevan a un mundo cinematográfico y rico en texturas. Todo esto se combina con las voces elevadas.
Para el vídeo encontré estas imágenes de archivo de una mujer corriendo por el bosque con este perro gigante que casi parece un lobo (que es una especie de figura de marca para Skyelar) y no podía creer lo que veían mis ojos, estaba como hecho para este vídeo. En la canción estoy cantando sobre un bosque: «Quiero ser el cazador en mi bosque». Lo cual significa que quieres recuperar el control sobre tu propia vida. Así que esta mujer vagando en medio de un bosque es muy adecuada. Además, como la canción es un intento de enfrentarte a ti mismo, las dos mujeres enfrentadas con arco y flecha también me parecieron muy adecuadas. Tuve mucha suerte al encontrar todas estas fantásticas imágenes.
¿Cómo construye Skyelar su imaginario sonoro y en qué se inspira?
Bueno, como he dicho antes, dejo que las ideas vengan a mí. Para ello, tengo que asegurarme de que hay silencio y no hay estrés. Entonces puedo escuchar arreglos enteros en mi cabeza. Cuando empecé a construir los primeros arreglos para Skyelar, como punto de partida utilicé los instrumentos que más me gustan, como el piano, la batería, las guitarras, las cuerdas y, definitivamente, los sintetizadores – con los que me encanta crear misteriosos campos sonoros-. Eso es lo que hace que mi trabajo sea atmosférico y cinematográfico, creo. Además, otro punto clave es que me gusta mantener las cosas pequeñas y acústicas, pero por otro lado, también me encantan las partes de guitarra rockeras y por eso decidí en algún momento que debía intentar combinar esas cosas.
Tras el lanzamiento de esta canción, ¿cuáles son tus próximos planes o pasos?
Bueno, eso no es difícil porque mi calendario ya está bastante lleno para los próximos meses. En primer lugar, el lanzamiento de mi primer álbum «Lucid Dreaming» tendrá lugar el viernes 22 de abril y después, a finales de mayo, para celebrar este lanzamiento, grabaré algunas secuencias en vídeo en directo con una banda fantástica. Es un proceso increíble dar vida a Skyelar en forma de espectáculo en vivo. Vamos a grabar 5 canciones del disco y podréis ver los vídeos en mi canal de YouTube de cara al mes de junio. ¡Estad atentos para más información sobre esto!
Solo quedan dos preguntas, con las que siempre me gusta terminar. La primera es ¿cuál de tus canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras profesionalmente y por qué?
Quizá no sea la respuesta más original, pero creo que en realidad es «I Shed My Skin». Sacar mi primer disco después de tantos años de soñar con algo así, me hace sentir que estoy meneando cosas en mi vida y por eso me hace preguntarme si podría dar un giro a mi propia vida y vivir de hacer música. Pero tendría que ser «el cazador de mi bosque» y atreverme a ir «donde está el núcleo final». Cavar tan profundo puede ser un reto.
Y por último, ¿qué es lo más loco que has hecho por la música?
Oh, vaya, me encanta esa pregunta, pero supongo que la respuesta es: muchas cosas. Como dormir en pequeñas tiendas de campaña, correr por campos embarrados, hacer cola para conseguir entradas y cuando casi estás allí se han agotado, escabullirme de la oficina para ver a mi grupo favorito cuando trabajaba en el famoso festival Pinkpop, estar despierta toda la noche porque el concierto estaba de nuevo en la otra punta del país, ver un concierto durante horas bajo la lluvia (llevando una camiseta), bailar toda la noche, conducir hasta un concierto en medio de una fuerte tormenta de nieve, hacer una audición para un espectáculo con cena mientras sufría una horrible laringitis, volver locos a mis padres junto con mi hermana, al cantar «Paradise by the Dashboardlight» terriblemente fuerte en la parte trasera del coche, hacer un karaoke con amigos, cantar «Dancing in the dark» en el escenario mientras no me sabía la letra (¡oh, creía que me la sabía pero definitivamente no!), cantar penis en lugar de Venus sin que la gente se diera cuenta (¡funcionó siempre!), reír hasta llorar en medio de un concierto, interpretar «Engel» de Rammstein en un 50 aniversario de boda…No sé, ¿es todo esto lo suficientemente loco?
En medio de este domingo tranquilo y con un sabor ya amargo porque se acaba el fin de semana, nos disponemos a activar nuestro radar musical. Como hacemos cada final de semana. Sin embargo, en esta ocasión, en lugar de hablaros sobre cuatro nuevos proyectos musicales emergentes e internacionales, os hablaremos de dos. Os hablaremos de la joven artista estadounidense Andie Case, y del cantautor y compositor francés cuyo alter ego es Charles Like The Prince. Diferentes pero talentosos por igual. Diferentes pero verdaderos diamantes en bruto. ¿Queréis saber más sobre ellos?
Con una fuerza sobrenatural y unas ganas locas de comerse el mundo, llega la artista y compositora de Seattle, Andie Case. A pesar de su juventud, tiene muy claro qué quiere y cómo lo quiere. Una fuerza, una personalidad y un talento que supo ver Ajay Marshall, una vez ella se mudó a Los Ángeles. Fue precisamente el músico quien la tomó bajo su ala, ayudándola a impulsar su carrera. Han pasado unos cuantos años desde eese momento y ahora, la joven ha regresado con su nuevo y anhelado tema, llamado «I Think I’m God». Una canción empoderada a la par que seductora. Una canción llamada a convertirse en himno. Una canción que bien podría encajar en cualquier lista de reproducción o radio, como una de las top, como una de las mejores. ¿Habéis escuchado ya esta pequeña gran joya?
Por su parte, tenemos el talento abrumador del cantautor francés Charles Like The Prince, que regresa a escena tras haber arrasado en 2020 con su tema debut, «Estonia». Y, por supuesto, lo hace con otra canción llamada a convertirse en himno, «Cigarette». En algún lugar entre las cajas de ritmos reverberadas de Cocteau Twins, las guitarras cristalinas de The Smiths y los sintetizadores, el artista y compositor ofrece un dream pop ambicioso y profundo, encaramado desde su propio estudio con vistas al océano Atlántico. Una vista que le ha llevado a regalarnos la primera canción del que será su EP debut de cinco canciones del que todavía sabemos poco. Tan solo que ha sido compuesto y producido por él mismo, y que llegará a lo largo de la primavera de 2022. ¿Tenéis las mismas ganas que nosotras de que llegue ese ansiado momento?
No os podéis imaginar las ganas que teníamos de que llegara el viernes, para poder tomarnos un momento de tranquilidad, de descanso y de música. De mucha música. En este aspecto, hemos querido aprovechar este pequeño gran momento para descubrir el talento oculto tras Sarahna, Chris Ward, Daada y LIAS, de quien ya tuvimos oportunidad de hablar. ¿Quieres conocerlos más y mejor? Estamos convencidas de que a partir de ahora, se convertirán en parte de vuestros imprescindibles.
Con apenas 25 años y tan solo una canción en plataformas digitales, Sarahna ha arrasado y mostrado su increíble talento musical. Y es que hay veces que no se necesita más. Fuertemente influenciada por géneros como el blues o el pop; y por artistas como Lana Del Rey, Sabrina Claudio o Etta Jame; la joven artista y compositora presentó el pasado 14 de febrero su primer tema, llamado «Blue Note». Una canción de amor, repleta de sensibilidad, pasión y melancolía, con la que nos ha conquistado por completo. El primer avance de todo lo que está por llegar. El primer avance de todas las composiciones que nos tiene preparadas y que verán la luz a lo largo de este 2022, en forma de EP debut.
Chris Ward es el siguiente en visitarnos hoy. Desde el corazón de Limerick (Irlanda), el joven artista tiene mucho de lo que hablarnos con su música y su talento descomunal. Precisamente hoy viernes 25 de febrero está de estreno: y es que acaba de ver la luz su segundo sencillo, «Colder». Una canción que ha llegado muy poco después de que debutara con «Lost Tonight» y que culmina el largo camino artístico del compositor. Y es que a pesar de su juventud, desde bien pequeño, demostró un talento innato y un enorme amor por la música. Horas y horas aprendiendo a tocar la guitarra, multitud de micros abiertos, meses de ahorrar hasta poder entrar a estudio. Un esfuerzo enorme que tendrá sus frutos. Y si no, tiempo al tiempo.
Entender la música como un viaje a través de diferentes emociones. Así es cómo concible la artista Daada, que acaba de regalarnos su última canción «What are my hands for?». Un tema en el que explora el concepto de soledad y el ansia del contacto físico, acompañado de una increíble producción LoFi e íntima. Un tema que nos lleva por diferentes fases. Un tema del que la propia compositora explica lo siguiente: «Ni siquiera me di cuenta de que este era mi estado de ánimo y mi alma durante meses hasta que la letra y el sentimiento salieron de mí en el estudio una tarde de julio». Todo para concluir así: «Hacer la canción fue como inhalar muy profundamente y sentir todo el dolor y el anhelo honestamente; y luego soltarlo y dejar entrar la calidez».
Hacemos la última parada del día en el proyecto musical de LIAS, del que ya tuvimos el placer de hablar hace unos meses, a propósito del lanzamiento de su tema «Run Boy Run». Pero es que ahora se ha vuelto a coronar. Y lo ha hecho con la llegada de su nueva joya «Lost». Una increíble balada llamada a convertirse en himno, que reflexiona profundamente sobre cómo afrontar los difíciles recuerdos del amor. Una canción que nació en un duro periodo de depresión para el artista tras la ruptura con su ex-pareja. De esta manera, el tema abandera esa eterna lucha de toda esta generacuón de jóvenes contra los problemas de salud mental, agravadas de manera considerable con la llegada de la pandemia.
Que las ganas de bailar nunca paren, mientras existan bandas como Six To Fix. A ritmo de pop-rock, la banda valenciana no tiene miedo de experimentar con multitud de sonidos que también han hecho que incursionen en el mundo de la electrónica, siendo «Up!» la última prueba de ello. Una canción positiva y sumamente especial para la formación. Una canción cuyo estribillo se te clava en la mente desde la primera escucha. Una canción que ha sido concebida bajo los mandos de Bernardo Calvo, encargado de la producción. Una canción que ha llegado acompañada de un espectacular videoclip, muy en sintonía con la estética y el mensaje del propio tema.
Si bien es cierto que «Up!» ha sido la última perla que nos han regalado. La última de toda una extensa carrera que arrancó en 2012, tras debutar como teloneros de Fangoria y de Mika. Desde ese momento, han pasado por infinidad de momentos: mucha música publicada, infinidad de escenarios y ciudades recorridas (como el Festival de les Arts en 2017 o el Arenal Sound en 2018), apariciones en grandes medios de comunicación como Sol Música, Cuatro, FDF o Telecinco. Y sí, también algún otro reconocimiento profesional. Por ejemplo, el pasado 2020 se alzaron con diversos premios en el International Songwriting Competition y en el Unsigned Only. Además de llegar a estar nominados en los Hollywood Music in Media Awards, gracias al tema «When the night is over».
Grandes hechos que han llegado gracias al inmenso trabajo de toda una década. Grandes hechos de los que hemos querido saber más. Y es que hace apenas unos días tuvimos el enorme placer de charlar durante un rato con Six To Fix. Un placer saber cómo emprendieron su carrera, cómo nació esta última canción o cuáles son los próximos planes que tienen en mente. ¿Queréis saber todo lo que nos contaron?
Hoy viajamos con los ojos cerrados hasta Colombia para descubrir a una de las bandas de rock que más y mejor se están abriendo paso dentro de la escena musical de su país. Con una extensa carrera musical que los avala, Momentum Vitae pegan el salto al otro lado del océano. Momentum Vitae se atreven a hacer una primera gran incursión. Y lo hacen arrasando con su nuevo y recién estrenado single, llamado «Shame On You». Una canción con la que nos han ganado a la primera escucha. Una canción atrevida y provocativa, una canción que juega con la sensualidad, a la vez que se alza como empoderada. Una canción que marca un nuevo inicio para la banda, que se encuentra en pleno proceso de creación de su nuevo álbum. Sí, como leéis, nuevo álbum. Y es que a lo largo y ancho de este 2022, verá la luz «Back For More», el segundo trabajo discográfico de la formación bogotana.
Imaginaos, pues, las ganas de que este momento llegue. Especialmente después de comprobar cuánto consiguieron con el que fuera su debut, «Prologue». Especialmente después de comprobar de lo que eran capaces. Sin embargo, solo fue la punta del iceberg. Tras esta primera toma de contacto, se rehicieron y continuaron trabajando, perdiendo el miedo de seguir experimentando y explorando con nuevos sonidos, matices, mensajes y letras. Pero ahora es el momento. Y si no, tiempo al tiempo.
Por supuesto, en medio de toda esta vorágine creativa, hemos aprovechado para conocer a Momentum Vitae en profundidad, siendo Pablo – su vocalista -, el encargado de ponerse al frente de esta entrevista. Lo cierto es que fue un inmenso placer conocer desde dentro a la banda, saber cómo nace este «Shame On You» o conocer de primera mano qué se avecina con «Back For More». Entre muchas otras cosas más. ¿Te vienes con nosotras?
Se viene una nueva ronda de descubrimientos musicales, sí lo decimos. Se viene nueva ronda dominguera. ¿Qué mejor manera de terminar la semana que con nuevos talentos por descubrir?, ¿qué mejor manera de pasar esta tarde fría de domingo que activando nuestro radar? Hoy, llega el momento de hablaros más y mejor de Agua Tinta, Michael Love Michael, Ralph Adamson y Nasty Geographic.
Lo que nos gusta viajar al otro lado del Océano Atlántico, haciendo para obligatoria en México. De este país procede Agua Tinta, quien nos acaba de robar el corazón con su dulce voz y con su recién estrenada canción «Vienes y vas». Un tema increíble y sumamente especial, que busca aunar lo mejor del folclore mexicano y lo mejor de los sonidos pop actuales. Más de seis años de trabajo intenso, multitud de canciones publicadas, diversos conciertos dentro y fuera de su páis. Todo eso y mucho más avala la carrera de Daniela García Rosso, que es quien se esconde tras este talentoso proyecto musical, que se inspira en la vida diaria para componer y dar vida a todas estas pequeás grandes joyas.
Y de este primer proyecto, pasamos al de Michael Love Michael. A nivel sonoro se sale de lo que habitualmente estamos acostumbradas a esuchar. Pero es innegable es que tiene mucho talento, fuerza, trabajo conceptual (tanto a nivel musical como sonoro) y un mensaje que, para bien o para mal, sigue siendo necesario gritar, cantar y visibilizar. Con unas ganas de comerse el mundo y de romper con todo, la artista acaba de presentarnos su último tema, llamado «Lemons». Un tema liberador y atrevido, que supone un paso más en su carrera y que ya ha sido aclamada por medios como MTV o Billiboard. De hecho, Michael cuenta lo siguiente: «Es sin duda un tema diferente a algunos de mis anteriores lanzamientos. Quería que fuera hipercinético y visceral, algo que se pudiera bailar y también sentir lo que pasaba por mi cabeza cuando lo escribí […]. Pero, sobre todo, trata de superar toda la mierda que pretende derrotarte y mostrar al mundo quién eres».
Volvemos a Europa para perdernos durante un buen rato en el intimismo de Ralph Adamson y su increíble música. Amante del arte desde bien pequeño, se comenzó a adentrar en el mundo de la composición poco a poco, dando rienda suelta a su imaginación, creatividad y talento. Y si a todo eso le sumas la cantidad de viajes que pudo comenzar a realizar, a su interés por descubrir la música antigua y tradicional, a los escenarios que ha podido recorrer y las colaboraciones que se ha marcado con otros grandes artistas, tienes como resultado su trabajo, rico en influencias y experiencias. Absolutamente todo en su vida ha ido adquiriendo forma, hasta culminar con la llegada de su aclamado y esperado primer álbum homónimo. Una delicia que tenéis que deberíais escuchar ya.
Por último, pero igualmente importante, queremos hablar también sobre el proyecto musical de Nasty Geographic. A ritmo de funk, blues y tintes de hip-hop y pop rock, llega esta prometedora banda estadounidense, que el pasado 4 de febrero estrenó su anhelado y esperado nuevo álbum llamado «Bad Pop». Un disco en el que ha mezclado magistralmente el bajo de Royal Blood, la guitarra funky de los Red Hot Chili Peppers y las voces pop respaldadas por un coro femenino. Un disco considerado por la propia banda como el más divertido hasta el momento. Y es que sí, tienen una carrera que los avala: diez trabajos discográficos, más de cien canciones publicadas y multitud de conciertos a sus espaldas.
Disfrutar del inicio del fin de semana en casa, de manera tranquila y pausada, y bien rodeadas de nueva música. Concretamente, de la música de Cloud in Tears, FERNE, C.C y Monroe & Moralezz. No sabéis la emoción que nos genera el haber descubierto estos cuatro proyectos que son tan diferentes, como talentosos e increíbles. ¿Te vienes con nosotras?, ¿te atreves a acompañarnos en este particular viaje?
Desde el mismísimo Brasil, llega para meterse directamente en nuestra cabeza, la banda de alt-pop Cloud in Tears. 2018 fue el año de inflexión para el dúo que, desde ese mismo momento, ha lanzado diversos singles, culminando con la llegada de su nuevo y primer EP, «Love Yourself». Todo un alegato en defensa del amor propio y de la importancia de visibilizar los problemas de salud mental, tema muy recurrente en todas y cada una de sus canciones. Todo ello, siempre pasado por un tono melodramátrico, y pasado por un filtro sonoro que aúna lo orgánico con lo digital (sintetizadores).
FERNE es el siguiente gran descubrimiento de la publicación de hoy. Nacida en Filadelfia, pero afincada en Londres, esta joven artista ha entrado con una fuerza sobrenatural, arrasando dentro y fuera de la escena pop-indie. Solo ella es capaz de llevar sus canciones desde su habitación hasta nuestros oídos con armonías en capas, ganchos pegadizos y una deliciosa guitarra eléctrica. Tras ser descubierta en 2019 en la final regional de un concurso de micrófono abierto de Londres y haber sido fichada para un programa de desarrollo de artistas, acaba de debutar con sus primeros singles. De hecho, los últimos de ellos han sido «Louisa» y el súper reciente, «Love Ya».
Con C.C nos trasladamos a otro mundo completamente diferente, repleto de magia y de intimismo. Y es que esta joven cantautora independiente procedente de Mayotte – pequeña isla cercana a Madagascar -, nos ha robado el corazón con su talento y con su música. Ella es única e increíblemente capaz de llevarte a su universo sonoro, en el que se entremezclan diferentes sonidos e idiomas, rescatando y dando valor a la cultura como forma de vida. Tras su merecida victoria en el certamen «Nos talents sur scène», C.C no ha dejado de recorrer ciudades, no ha dejado de subirse a nuevos escenarios. Una carrera de fondo que le ha servido para alzarse con el apoyo del público, que le ha servido para sacar adelante la campaña de crowdfunding con la que consiguió financiar su primer álbum, llamado «Yellow Tears».
Por último, pero no menos importante, tenemos a Monroe & Moralezz, dúo de productores afincado en Austria. Un proyecto musical que empezó allá en 2009, pero que fue creciendo poco a poco con mucho trabajo y con mucha constancia. Y creando una personalidad única, capaz de reunir sonidos tan diversos como el dance, el house, el EDM, el funky o el pop. Tras haberse labrado multitud de colaboraciones a lo largo y ancho de su carrera, la formación nos acaba de sorprender con la llegada de su nuevo adelanto «Happy Days» junto a Zach Sorgen. Una canción especial que supone la continuación de su anterior canción «Taxi Driver».
Y ya ha llegado de nuevo el domingo, y con él un nueva ronda de música y artistas por descubrir. ¿Quieres saber quién está en nuestro radar musical este frío 13 de febrero? Hoy nos atrevemos a descubrir el enorme talento que se esconde tras Bjorn Rydhog, Brian Walker, Tablefox y Asher Knight.
Desde Suecia y con muchísimas ganas de hacer ruido. Bjorn Rydhog ha llegado a nuestra vida con la clara intención de ponerla patas arriba y «New Day Coming» ha sido la mejor prueba de ello. Con esta canción, que se alza como segundo adelanto del que será su nuevo álbum, el artista sigue perfeccionando un sonido moderno basado en el beat, con fuertes melodías, aireados sintetizadores retro y profundos 808s, inspirados en la prominente escena pop sueca. Un paso más hacia el cielo del pop y una continuación lógica de sus anteriores colaboraciones. Sin embargo, con este single sí que se comienza a apreciar la clara identidad del futuro EP, que llegará cargado de aires festivos y esperanzadores.
Artista, compositor y productor. Brian Walker comenzó su carrera en 2018, cuando debutó con su primer single llamado «Conflicted». Una canción que le valió para colarse en todas las listas de reproducción de Estados Unidos y sus respectivas emisoras de radio. Desde ese momento, no ha dejado de crear, de arrasar y de conquistar a todo el mundo con sus composiciones. Sus letras se inspiran en sus propias experiencias personales. Musicalmente, las pegadizas melodías de Walker se inclinan más hacia el pop comercial, mientras que sus ritmos y armonías se inspiran en muchos géneros y épocas diferentes. Su último lanzamiento, que ha sido la canción y el videoclip de «Ring Ring», ha sido la última prueba de todo el talento que respira por sus poros.
En Nueva Zelanda, su país de procedencia, han demostrado todo su talento y han arrasado en todos y cada uno de los lugares que han pisado. Hablamos de la banda de alt-rock Tableflox, quienes después de obtener un gran apoyo por parte del público y de los medios especializados con su exitoso álbum «You And I Will Find A Way» (2017) y con su recién estrenado «Battles» (2021), se disponen a atacar de nuevo. Regresan al foco mediático, en esta ocasión, para presentar su aclamado, esperado y necesario single de adelanto, «Keep Them Guessing».
¿Hay alguna manera mejor de empezar el año que con nueva música? Que se lo digan si no a Asher Knight, que acaba de estrenar 2022 con su nuevo single de adelanto «Survive». Una canción con la que saca a relucir esos sentimientos de incertidumbre y miedo a la pérdida. Sobre un lecho de teclas, el artista nos invita a su oyente a entrar en su mundo, mientras le transporta fuera del suyo de su propio mundo, mientras canta sobre su tumultuosa experiencia. «Estar enamorado no siempre es sencillo, tienes miedo de que la persona a la que amas no sienta lo mismo mismo y querer que te tranquilice. Survive trata del hecho de que no sabes qué harás sin la persona que amas», nos explica.
Ya sentimos cómo se va acercando el fin de semana, y nosotras no encontramos mejor manera de celebrarlo que con música. Hoy, concretamente, con la de Séraphin, Samuel Kinsella, Elliot Wren y Estella Dawn. Efectivamente, un día más, activamos nuestro radar musical. ¿Nos acompañas?
«Como un mantra, un horizonte o línea de salida, un número casi místico que susurramos por miedo a invocar algún tipo de hechizo, un número arrojado sobre el papel como un punto de anclaje, el de una vida que comienza tras 7665 días de existencia». Una delicada manera de definir a Séraphin, que sabe cómo utilizar la música para vaciarse por dentro y para emocionarnos a nosotras. Una delicada manera de dar las primeras pinceladas del que será su nuevo álbum que, precisamente, llevará por título «7665» y que verá la luz el 15 de abril de este mismo año. Aunque si bien es cierto que no hay nada que defina mejor lo que él hace que su propio arte. Y su single «Carolina Lunchtime» es la mejor prueba de ello.
Desde Francia, nos vamos a Estados Unidos, de la mano de Samuel Kinsella. Músico, artista, diseñador, productor, compositor, tiene el perfil completo para conseguirlo todo. ¡Y vaya si lo ha conseguido, al menos con nosotras! Con ese talento innato para crear y, especialmente, para transmitir, ha conseguido ganarnos por completo tras escuchar su nuevo trabajo discográfico, que lleva por título «Chrysalis». Tiene algo pegadizo, que engancha, que enamora. Tiene algo que suena muy groovie y que no nos podemos quitar de la cabeza. Pero ojo ahí, porque tiene una mente inquieta e incansable, que nos hace vaticinar que muy pronto nos sorprenderá con mucha más música.
Aunque claro, si hablamos de talento y de arte, no nos podemos olvidar de Elliot Wren quien, además, es ejemplo e inspiración. Siendo artista no binaria no hace más que ayudar a otras personas de la comunidad LGBTQ+ a enfrentar sus temores y encontrar la felicidad. Predicando con el ejemplo, las letras de Wren abordan de frente complejas cuestiones de género de género, junto con toda la carga emocional y social que conlleva. Y «Time Bomb», su canción más reciente, es la mejor prueba de ello. Aunque si bien es cierto que este tema se ha lucido por completo, consiguiendo perder el miedo a experimentar con diferentes géneros, como el rock más agresivo, el blues o el grunge, entre muchísimos otros.
Hoy, cerramos nuestra sección especial, hablando sobre Estella Dawn quien, hace apenas unos días, nos regaló su último single, «Salt». Una canción que nace de la más profunda oscuridad interna. Tal es así que la propia compositora nos cuenta lo siguiente al respecto: «a veces sólo tienes que dejar que las lágrimas fluyan y limpien las cosas que no puedes controlar». Y es que incluso del sentimiento más complejo, pueden salir composiciones preciosas. Si no, que se lo digan a ella, que es puro arte. Nacida en Nueva Zelanda pero afincada en Estados Unidos, la artista tiene una gran visión creativa y sabe cómo guiarla hasta conseguir una canción cohesionada y completamente formada.
