Etiqueta: Groover

  • Ama Dee, Eduardo Pastore, Midnight Mocca y Jé Lalune  ponen música a nuestro fin de semana

    Ama Dee, Eduardo Pastore, Midnight Mocca y Jé Lalune ponen música a nuestro fin de semana

    A veces el sol nos da un poco de tregua en días como estos y aprovechamos para seguir descubriendo algunos de los regalos que nos da la vida. Esta tarde de domingo, concretamente, la estamos pasando escuchando la música de Ama Dee, Eduardo Pastore, Midnight Mocca y Jé Lalune. ¿Quién se atreve a acompañarnos en este viaje?

    Fue hace apenas un par de días cuando vio la luz su nuevo sencillo llamado «Out of my safe zone». De esta manera tan particular, la joven artista Ama Dee firma su regreso y lo hace con un sencillo completamente increíble. Un sencillo que ha puesto patas arriba nuestro mundo con esa profunda voz y ese estilo tan marcado y definido. «Como sugiere el título, la canción trata de lo que siento al salir de mi zona de confort. Que nunca es fácil, pero que, a medida que vas superando tus límites, tu zona de seguridad comienza a expandirse y poco a poco empiezas a sentirte cómodo en situaciones que antes te hacían sentir ansioso, inseguro. Salir de mi zona de seguridad también se convierte en un medio para conocerme mejor, mis puntos fuertes y mis puntos débiles, lo que me hace ser quien soy», explica la propia artista. Una auténtica joya musical, que nos ha permitido conocerla aún más, si cabe. Abierta a explorar siempre diferentes sonidos, la talantosa compositora ha perdido el miedo a adentrarse en géneros como el soul, el funk, el indie o el pop. Pero siempre desde un punto de vista catártico y liberador. ¿Mágico el poder de la música, verdad?

    Siguiendo con este mood tan tranquilo y tan de primavera – aún cayendo ayer una buena dosis de lluvia y granizo -, nos adentramos en el particular universo sonoro del compositor italiano Eduardo Pastore. Él también está de enhorabuena estos días, ya que acaba de estrenar su nueva canción, llamada «Toda Vez». Una canción verdaderamente mágica, que no solo llega como primer adelanto o avanzadilla del que será su próximo e inminente álbum, «Terra de Ninguém». Una canción increíblemente especial, cargada de sentimiento y nacida mientras el propio artista estudiaba la afinación de Do abierto en el steel utilizado en la canción «Ocean» de John Butler. La letra, a su vez, se ha hecho realidad sobre la base de la hermandad. Tal es así, que él mismo explica lo siguiente: «Este tema, en particular, es un homenaje a mi hermano. Trata sobre la complicidad que tienen los hermanos que han crecido juntos. Que comparten historias de toda su vida. Siempre estaba allí para ayudarme, especialmente cuando lo necesitaba». Un importante y necesario mensaje, que ha adquirido una dimensión brutal.

    El siguiente proyecto en pasar por nuestro musical del fin de semana es el de la banda brasileña Midnight Mocca, quienes hace ya un par de años nos regalaron una auténtica joya musical convertida en EP. Bajo el título de «Higher Ground», este trabajo se convirtió en la piedra angular en la carrera de la formación musical. Tercer trabajo de estudio en el que pierden en miedo a experimentar, adentrándose en diferentes sonidos musicales, que van desde el folk más orgánico al rock más clásico. Un trabajo que no hace más que asentarlos como una de las bandas claves de nuestro panorama musical emergente, a la par que asienta esa identidad tan particular e increíble que tienen. Y quizás la canción del EP que más y mejor represente toda esta esencia, sea «Far From Everyone». Tal y como ellos mismos explican, «¿cómo de genial puede ser imaginar una canción de Mac Demarco en colaboración con Fleet Foxes?». Pues así suena, no solo este tema clave, también el resto de disco.

    Si hablamos de un proyecto que nos haya encantado, así, con todas las letras, es el de Jé Lalune. Y es que contra todo pronóstico, el artista y compositor francés acaba de estrenar su gran álbum debut homónimo. Un disco de lo más íntimo y personal, pero también de lo más necesario. Y es que en él, el artista y compositor francés reflexiona sobre el valor de las relaciones tóxicas frente al mantenimiento de la propia naturaleza y la autenticidad. Un arduo trabajo que le llevó dos años de composición – de 2018 a 2020 -, y que traslada un mensaje que todos deberíamos tener presente. Un mensaje que nos invita a quitarnos el miedo a perdernos a través de diferentes relaciones, tanto en el amor como en la amistad. Y es que, ahora y siempre, es el momento de elegirnos a nosotros mismos. Producido por su hermano Samuel Duchaine, el álbum contiene canciones con un sonido rock-retro, a veces cinematográfico y otras veces más íntimo. Además, cuenta con la participación de los músicos Gabriel Genest (saxofón), Nicolas Riverin (trompeta), Marika Sokoluk (voz) y Louis-Solem Pérot (violonchelo), y Luc Tellier en la mezcla y la masterización.

  • Séraphin nos toca el alma con su nuevo álbum, llamado «7665»

    Séraphin nos toca el alma con su nuevo álbum, llamado «7665»

    Descubrir a Séraphin y escuchar de principio a fin su álbum «7665» ha supuesto para nosotras una auténtica revolución interna. Por su sensibilidad, por su manera de concebir el arte y la música, por la forma de transmitir todo lo que siente. Múltiples motivos se amontonan en esté cúmulo de emociones y sensaciones. Una manera única de tocarnos el alma y de enamorarnos. Todo con este conjunto de canciones, que vieron la luz el pasado 15 de abril. Por supuesto, no hemos querido perder la oportunidad de charlar con él. Y esto es todo lo que nos contó al respecto.

    Para la gente que no conoce tu proyecto musical, ¿quién es Séraphin?

    Soy un compositor francés que hace música rock desde 2012

    «7665» ha sido tu último disco, ¿cómo nace este trabajo discográfico?

    He estado trabajando en este álbum desde el 4 de octubre de 2014. Quería capturar todo lo que viene de mi inspiración y después de «7665» días de mi existencia. Cuanto más tiempo pasaba, más podía definir este proyecto. Lo vi como una resonancia magnética que fotografiara todas las regiones activas del cerebro en cada momento de la vida, orquestada por músicos que se cruzaron en mi camino y que me permitieron sublimar un diario de viaje, iniciado hace ahora ocho años.

    ¿Cómo recuerdas el proceso creativo y de composición de este disco?

    Por lo general, tengo un sentimiento, un tema, un momento de mi vida que quiero relatar, que viene acompañado de una melodía. Generalmente la silbo o la canto en la aplicación Dictaphone de mi teléfono y luego la toco en el piano o en la guitarra. La grabo para hacer una maqueta.

    ¿Cuál es el mayor aprendizaje que ha sacado de todo este proceso creativo?

    Que no hay que ponerle límites y compartirla con otros oídos, porque una canción nunca está realmente terminada.

    ¿Cómo han sido los primeros comentarios por parte del público, en referencia al álbum?

    Muy alentadores, sentí que fui muy honesto en mi música.

    ¿Cómo construye Séraphin su universo sonoro y cuáles son sus principales referencias musicales?

    A través de encuentros musicales, descubrimientos y la apertura de nuevos horizontes. Mis referencias musicales provienen de mis padres, que me educaron con David Bowie, los Beatles o Nick Cave. Durante mi adolescencia, descubrí a los Arctic Monkeys, que siguen siendo mi mayor influencia hoy en día.

    ¿Cuáles son tus próximos planes o pasos?

    Hacer este álbum en directo en el escenario y tal vez darle una continuación.

    Quedan dos preguntas con las que siempre me gusta terminar. La primera es, ¿cuál de tus propias canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras profesionalmente y por qué?

    Creo que es la canción «Gold Strike», porque desde que la escribí se ha creado un vacío en mí y trato de llenarlo con arte, con mi música, con mis videoclips. Siento que no tengo más límites.

    Y por último, ¿cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Tengo una enfermedad, la esclerosis múltiple, que me ha afectado físicamente. Tuve que cambiar por completo mi estilo de vida, dejando de fumar, beber y demás. Renuncié al espíritu del rock para seguir rockeando.

  • Drew Schueler, Robespierre, Jaws Of Brooklyn y Róisín O están en nuestro radar musical de la semana

    Drew Schueler, Robespierre, Jaws Of Brooklyn y Róisín O están en nuestro radar musical de la semana

    Lo que nos gusta a nosotras un buen miércoles, rodeadas de música y descubrimientos por doquier. Es por eso que hoy nos hace tan felices adentrarnos en los particulares universos sonoros de estos artistazos y bandas increíbles. Hoy, descubrimos a Drew Schueler, Robespierre, Jaws Of Brooklyn y Róisín O. ¿Te vienes con nosotras?

    Tiene una voz increíblemente profunda, capaz de traspasar cualquier tipo de frontera. Lo de Drew Schueler es de otro planeta. A nosotras nos ha enamorado por completo con la versión en acústico de su tema, «To Know I Hurt You». Una mirada cruda y dolorosa a los pensamientos de una persona que ha perdido todo lo que amaba, a causa de sus propios errores. La desolación de no saber que hacer llegados a este punto y de verse completamente perdido. Un intento de disculpa, en un punto en el que incluso eso es demasiado pedir. «Escribo música para los momentos que lo merecen. Cada palabra, cada sonido, cada sentimiento me importa», explica el propio artista sobre este mismo proceso de creación y composición. Una versión increíble, que llega muy poco después de la de estudio, que vio la luz en el mes de enero.

    Pegamos un salto al vacío y viajamos hasta el corazón de París, para meternos de lleno en el increíble universo sonoro recreado por Robespierre. Una banda nacida de la sinergia creada por Robin Gentien y Pierre Karson. Dos músicos increíbles e imparables que llevan ya más de una década compartiendo escenarios, aunque solo llevan tres años con este proyecto. Precisamente fue en 2019 cuando comenzaron a desarrollar sus originales canciones y sonidos. Su trabajo combina la calidez de un dormitorio, la dulzura y la generosidad de las canciones pop, así como la energía ardiente y contagiosa de una gran banda en directo apoyada por una emocionante complicidad. Una esencia y unos valores que han sabido cómo volcar a la perfección en su recién estrenado EP, llamado «Fruity Tuesday».

    Estábamos a principios de año cuando la banda estadounidense afincada en Seattle, Jaws Of Brooklyn sorprendía con sus primeras composiciones. Sin prisa pero sin pausa. Así han llegado a nuestras vidas «Fever», «Forever and a Day» y «Don’t give up on my love». Tres canciones que se han alzado en muy poco tiempo como auténticos diamantes en bruto. Tres canciones que, en clave de rock and roll y soul de los 60’s, nos han ganado por completo. Y es que ellos son una bana muy particular y especial, gran merecedora del título de gran descubrimiento. Lo que hacen es inexplicable, lo que hacen solo ha podido ser producto del trabajo conjunto de Zia Uddin, Paul Christofferson, Bryan Cohen, antiguos de miembros de Radio Raheem, y de la vocalista Lindsay Love. Combo de escándalo, sin duda alguna.

    Por último, pero no menos importante, no queremos olvidarnos de Róisín O, quien acaba de regalarnos una de sus joyas más preciadas: su cuarto single de adelanto, llamado «Stolen». Una canción única y especial, co-escrita con la estrella de la canción Gavin James. Una canción con la que la artista irlandesa no deja de asentarse como una de las grandes sensaciones del momento, dentro de nuestra particular escena musical. «Escribí la letra tras encontrarme con un ex en la calle. De repente, todas las emociones que había enterrado volvieron a surgir. Hablando con él ese día, sentí que ya no lo conocía, a pesar de todo el tiempo compartido juntos. Ese encuentro hizo que las razones por las que terminamos, se volvieron más difíciles de recordar», explica la propia artista.

  • Son Savage nos descubre al artista que se esconde tras su nuevo single de adelanto, «Superglue»

    Son Savage nos descubre al artista que se esconde tras su nuevo single de adelanto, «Superglue»

    Descubrimos a Son Savage hace apenas unos meses, a raíz de la publicación de su állbum «Folie à Deux». Un trabajo tan necesario como esperado que surgió a raíz de uno de los momentos más complicados y trágicos para el artista: la explosión producida en el puerto de Beirut hace ya más de un año. Este hecho marcó un nuevo rumbo en la carrera del compositor, que dejó su trabajo de oficina atrás y comenzó a dedicarse en cuerpo y alma a la música. El punto de inflexión necesario para cambiar sus prioridades y dedicar más tiempo a lo que verdaderamente le apasiona. Una filosofía de vida que nos encanta y que, entre otras cosas, nos ha permitido descubrirlo. Aunque lo que de verdad nos ha permitido conocerlo mejor, es hablar con él.

    Para la gente que no conoce tu proyecto musical, ¿quién es Son Savage?

    En realidad, me llamo Charbel Ghanime y soy cantante, compositor, productor musical y, en ocasiones, director libanés. Son Savage es mi alter ego musical y un proyecto que lancé en agosto de 2021, cuando vio la luz «The River», mi primer sencillo, que llegó al número 1 en las listas de Anghami. Son Savage es un proyecto apasionante y nace como respuesta existencial a una experiencia cercana a la muerte que tuve durante la explosión del 4 de agosto de 2020 en Beirut.

    «Superglue» ha sido tu último single, ¿cómo nació?, ¿qué significa para ti?

    «Superglue» ha sido un tema muy divertido, probablemente el más divertido de los 12 que componen mi álbum de debut «Folie à Deux» (ya a la venta). La canción nació durante el proceso creativo del álbum y, de hecho, es la pista número 4 del disco. La canción significa mucho para mí a nivel creativo, ya que pude explorar muchas ideas nuevas con ella y siento que realmente amplió mis habilidades como productor musical y compositor.

    ¿Cómo recuerdas el proceso creativo y de composición?

    Todo empezó una noche mientras experimentaba con unas líneas de bajo geniales. De repente, me llegó la línea de bajo principal que se oye en el estribillo de «Superglue». Al final, contraté al productor musical Javier Zacharias, que añadió algunas ideas a mi producción inicial, y luego me puse en contacto con el súper talentoso Vince «Crush» Nuñez, que añadió las partes de talkbox que se oyen en la canción. El resultado final fue esta desordenada, pero interesante canción pop que te engancha desde la primera escucha.

    ¿Cómo ha sido la respuesta del público a esta canción?

    Pues ha recibido un feedback increíble tanto de medios como Verdadera Locura como del público online, especialmente con el lanzamiento del videojuego «SUPERGLUE!», que podéis descargar en vuestros móviles en App Store y Google Play. El juego utiliza una versión chiptune de 8 bits de la canción como banda sonora y está basado en el mismo juego que se ve en el videoclip. Esto añadió una experiencia de inmersión a la canción y permitió al público descubrir y conectar con mi música de una manera diferente.

    ¿Cómo construye Son Savage su universo sonoro y cuáles son tus principales referencias musicales?

    Son Savage aúna mi afición por escribir música pegadiza y con gancho, que adquirí trabajando con compositores de Suecia, Dinamarca, Reino Unido y Estados Unidos; junto con mis diversas influencias enraizadas en el Rockabilly, el Blues, el funk, la Motown, el gospel, la disco y el rock & roll.

    Debutaste con «Folie à Deux». ¿Qué significa este álbum para ti?

    Para mí, «Folie à Deux» fue la culminación de 6 años de exploración musical y autodescubrimiento. El álbum sacó a relucir mucho de mí como artista y pude desarrollar lo que creo que es un cuerpo de trabajo muy cohesivo pero ecléctico. Estoy muy orgulloso del álbum.

    ¿Cuál es el mayor aprendizaje que te has llevado desde que publicaste este álbum en 2021?

    Mi mayor aprendizaje es que el trabajo duro tiene su recompensa, especialmente cuando te lanzas a hacer algo sin ninguna expectativa de éxito. Me metí de lleno en este proyecto por puro amor a la música, y en el momento en que vi mi canción en el número 1, sentí que todos los oyentes me daban una palmadita en la espalda y me decían «¡Buen trabajo!».

    ¿Cuáles son tus próximos planes o pasos?

    Después de que saliera el álbum, mi atención se desplazó hacia la música experimental. Lo que quiero decir es que la tecnología actual nos proporciona muchas formas nuevas y emocionantes de experimentar la música. Empecé a aplicar esto con la canción «Superglue» y su respectivo videojuego. La idea es que el juego crezca y que, además, se añadan nuevos niveles con bandas sonoras inspiradas en otros temas de «Folie à Deux». También estoy trabajando en un nuevo y emocionante proyecto que también ofrece una nueva forma de experimentar una de las canciones de este recién estrenado álbum. Pero por el momento, no daré más detalles.

    Solo quedan dos preguntas, con las que siempre me gusta terminar. La primera es: ¿cuál de tus propias canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras profesionalmente y por qué?

    Esa es una gran pregunta. Creo que «Sunflower Anthem», la última canción de «Folie à Deux», describe el estado en el que me encuentro desde que salió «The River». Es un estado constante de euforia mezclado con la mayor gratitud. Me encanta poder hacer lo que hago.

    Y por último, ¿cuál es la mayor locura que ha cometido por la música?

    Rechazar trabajos corporativos muy bien pagados. Para mí, hay cosas a las que no se les puede poner precio, y la felicidad y la alegría que me produce hacer música valen mucho más que lo que cualquier empresa podría pagarme, por muy loco que parezca.

  • Lucy Kruger & The Lost Boys, Ian McFarland, Mathieu Saïkaly y Beauty School en el radar

    Lucy Kruger & The Lost Boys, Ian McFarland, Mathieu Saïkaly y Beauty School en el radar

    En medio de tanta semana de estrés y trabajo, encontramos una pequeña tregua para descubrir nueva música y nuevos talentos, con los que estamos completamente en bucle de nuevo. Hoy, jueves festivo en muchos lugares, nos queremos adentrar en los universos sonoros de estos cuatro nuevo artistazos, que no logramos sacarnos de la cabeza. Hoy conocemos a Lucy Kruger & The Lost Boys, Ian McFarland, Mathieu Saïkaly y Beauty School.

    Hay pocas bandas que tengan un concepto tan bien marcado y definido, y que sean capaces de llevarlo al límite, de llevarlo al extremo. Lucy Kruger & The Lost Boys es una de ellas. Y es que apenas unos días volvieron a la carga, tras estrenar su nuevo álbum, «Teen Tapes (for performing your own stunts)». Un disco formado por diez canciones preciosas, poéticas, hermosas, íntimas y descarnadas. Una fiel continuación, una pieza clave en la trilogía que ha conformado junto a sus anteriores trabajos, «Transit Tapes (for women who move furniture around)» y «Sleeping Tapes for Some Girls». Una intrahistoria que documenta un movimiento literal y metafórico de alejamiento y acercamiento, y que alcanza el cúlmen de la liberación con esta última gran joya. Así que desde aquí, solo os podemos invitar a que la descubráis.

    Fue el pasado 18 de marzo uando Ian McFarland estrenó su nuevo álbum «Almost There», la fiel continuación de su anterior trabajo «Publicity Stunt Double». Con este nuevo trabajo discográfico, el artista y compositor ofrece un conjunto de temas que muestran lo que mejor sabe hacer: rock enérgico, mezclado brillantemente con líneas melódicas claras y sin adornos. A esto hay que añadir unas letras que van de lo introspectivo a lo edificante y a lo melancólico a lo largo de todo el disco. Un disco del que hay que disfrutar hasta límites insospechados, pero sin dejar de prestar atención al músico estadounidense, que nos explica lo siguiente: «Aunque este puede ser mi segundo lanzamiento ya estoy deseando intentar tener otro largo que encaje en el ambiente otoñal para septiembre u octubre de 2022 con un single ya escrito que estoy llamando Your Heart is My Home». Ahí queda dicho.

    Mathieu Saïkaly es un explorador. Lo que caracteriza su búsqueda son sus melodías y sus elecciones de arreglos, atípicos en el panorama del pop francés. Se ha dedicado a la música desde muy joven, cosechando éxitos y éxitos desde que apenas tiene 20 años, momento en el que ganó el talent show francés La Nouvelle Star. Entonces era el año 2014. Ocho años han pasado desde ese momento y no se han dejado de suceder acontecimientos e hitos musicales en su vida. Hasta llegar a este mismo punto. Varios discos, infinidad de singles y miles y miles de escuchas en plataformas digitales. Todo hasta que ha conseguo darle forma y vida a su último single, llamado «Pourquoi tu me dis je t’aime». Una pegadiza balada folk con fascinantes capas de voces entrelazadas, que nos ha encantado desde la primera escucha. Una suave reflexión, que nos hace recorrer estos diferentes pensamientos. ¿Por qué amamos a las personas que amamos?. ¿Se puede encontrar la respuesta a esto? Pues bien, esta canción cuenta la historia de dos amantes que no consiguieron crecer juntos, siendo ambos egoístas a su manera, ambos sufriendo. ¿Qué pueden hacer? Se aman, pero no saben cómo amar profundamente. ¿Qué es entonces este amor? ¿Cómo se llama?

    Cuando los escuchamos por primera vez, sentimos que viajábamos a nuestra adolescencia, momento en el que descubrimos a bandas como Sum 41 o Green Day. Y es que Beauty School han sabido cómo recoger esa esencia tan particular y tan punk, adaptándola a este siglo, a este año. «Drysocket» es una maravillosa prueba de ello. Una canción única y especial con la que los de Leeds se han superado. Una canción en la que la banda narra una historia de colapso, con uno mismo, pero también con todas las relaciones que tiene en su vida y que pueden ser tildadas de poco sanas. Joe Caberea explica con más detalle que con este tema, «tratamos de hacer comprender que la relación en la que estás es tóxica. Sin embargo, lo planteamos como viaje para llegar a ese conocimiento. Darse cuenta de las grietas, de las banderas rojas y de que te estás perdiendo a ti mismo». Aprendizaje más que necesario, sin duda. Y primer paso hacia el que será el nuevo trabajdo disvográfico de la formación inglesa. Y es que este tema formará parte del inminente y nuevo disco, «Happiness», que llegará a nuestras vidas en otoño. Revelador todo, ¿verdad?

  • Chet Bucke nos descubre su particular y amplio universo musical

    Chet Bucke nos descubre su particular y amplio universo musical

    Lo descubrimos hace muy, muy poco. Y aunque apenas cuenta con una sola canción, Chet Bucke ha conseguido ya lo impensable. Increíble, pero cierto. Con «Leaving (Marie)» nos ha conseguido tocar la fibra. Con este pequeño gran himno folk con toques flamencos, el joven artista vasco afincado en Londres ha conseguido aunar las mejores influencias de un lado y del otro. Ha reunido sus referencias culturales y familiares gracias a su abuela, y sus influencias musicales más actuales, dadas por todo lo que está viviendo en la capital británica. Dos caras de una misma moneda, dos mundos que confluyen en uno solo y que no dejan de representar su identidad a partes iguales.

    Una canción única y especial, que no deja de servir como cántico a las raíces, a la tierra, a la familia. Un himno que nació de manera natural, inspirado en un vídeo de la abuela de Chet, cantando una melodía española atemporal. Una inspiración que ha cobrado vida en forma de sentido homenaje, al convertirse en la introducción de la canción. Ya con los primeros esbozos del tema hechos, quedaba otro asunto importante. Por fortuna, ahí estaba Colin Lanz, dispuesto a ayudar en todo lo referente a la producción de «Leaving (Marie)».

    A pesar de todo, este no es más que el inicio de todo lo que está por llegar. Y es que a Chet Bucke le queda una prometedora carrera musical por delante. Carrera de la que esperamos ser testigos, porque llega pisando muy fuerte. Por el momento, nos quedaremos con el rato de charla que tuvimos con él hace apenas unos días. Una charla en la que no solo hablamos sobre este single de debut. ¿Quién se esconde tras el proyecto?, ¿qué significa para él la música?, ¿podremos escuchar nueva música pronto?, ¿cuáles son sus pasos más inminentes? Si queréis saber todo lo que nos contó, solo tenéis que darle al play.

  • Darcey Flo, Macedo, Fabien Boeuf y Filligar se cuelan en nuestro radar musical de la semana

    Darcey Flo, Macedo, Fabien Boeuf y Filligar se cuelan en nuestro radar musical de la semana

    No llegamos a entender cómo hemos sobrevivido a esta semana tan complicada, pero podemos asegurar con toda certeza que la música es lo único que nos la ha salvado. Hoy, aprovechando que estamos a ya de sábado y que queda nada para unas pequeñas vacaciones, queremos sumergirnos en los universos sonoros de estos cuatro proyectos que acabamos de descubrir: Darcey Flo, Macedo, Fabien Boeuf y Filligar.

    Cantante y compositora, ilustradora y tatuadora. Darcey Flo es una artista 360º, completa y versátil a partes iguales. Desde muy joven fue creativa y empezó a hacer arte y a escribir canciones. Una labor que no ha dejado de hacer hasta este mismo instante. «Me encanta crear cosas teniendo en cuenta la magia, la madre naturaleza y la salud mental. Mis prácticas creativas suelen estar influenciadas por mi pasión por la bondad hacia nosotros mismos, los demás y el planeta». Bajo este percepto, han visto la luz los cuatro singles, siendo «This I Know». Una canción que sigue con la estela de las anteriores, centrándose pues en temas tan importantes y necesarios, como la salud mental.

    Macedo nos han sorprendido gratamente con su particular y único estilo musical, siendo «Stronger Now» el último single que han presentado, precisamente en el Día Internacional de la Mujer (el pasado 8 de marzo). Y es que con un sonido impregnado a partes iguales de pop clásico del sur de California bañado por el sol y de la mística alternativa de los noventa, Michelle y Melissa utilizan su inclinación por la poesía y perfeccionan sus inimitables armonías sobre un ritmo tarareable. «Intentamos crear un lugar donde la gente sienta que pertenece, porque nosotros nunca tuvimos eso», exclama Melissa. «Estamos aquí para, con suerte, empoderar y hacerles saber que no están solas». Justo lo que necesitamos, alguien que nos ayude a alzar la voz.

    Fabien Boeuf ha llegado pisando fuerte, dispuesto a sorprendernos y revolucionarnos con su nuevo álbum, «Comme l’animal». Un disco, sensible y humanista, marcado por la distancia de quien no tiene más ambición que estar de acuerdo. Entre las palabras, entre las cuerdas. Cuarto álbum de su extensa carrera, que ya dura 15 años. Y es que el artista francés se toma su tiempo: tiene que vivir para escribir, tiene que trabajar físicamente para tener ganas de cantar, tiene que escuchar a los pájaros por la mañana cuando se despierta en su casa del campo para contar su melodía. Una auténtica joya que os recomendamos escuchar al completo.

    Tras un paréntesis de siete años de grabación en estudio, Filligar vuelve con su esperado octavo LP, titulado «Future Self». Con este potente lanzamiento, la banda no decepcionará a sus no defraudará a sus fieles fans y amantes del rock. Con un estilo muy definido y marcado, y unas letras que exploran la vida y el amor, este trabajo discográfico presenta once temas originales, cada uno de ellos digno de un single por derecho propio. Mítica banda donde las haya, han trabajado intensamente durante años, consiguiendo enormes logros durante su carrera. Han grabado en estudios emblemáticos (Gravity Studios, Electrical Audio), han agotado las entradas de los principales locales musicales del país, y han apoyado a artistas ganadores del GRAMMY como Counting Crows, Outlaw Roadshow, Alabama Shakes y The Black Keys.

  • Tipa Tipo nos descubren todos los secretos tras su nuevo single, «2 Al Azar»

    Tipa Tipo nos descubren todos los secretos tras su nuevo single, «2 Al Azar»

    Asentados en Nueva York, pero con el corazón ubicado en Perú. Tipa Tipo se presentan como una banda de pop, capaz de fusionar de manera increíble el espíritu del soft rock y la música disco de los 70 con ritmos latinos y un estilo de producción analógico moderno. Ya demostraron lo que eran capaces de hacer con su EP debut «El Chari» (2021). Un primer trabajo que se alza como un claro homenaje a los pianos eléctricos y a los exuberantes arreglos del yacht rock californiano, pero reimaginado con letras en español y desde una perspectiva femenina.

    Y sin salirse de esta onda, están dispuestos a demostrar lo que son capaces de seguir haciendo con su próximo EP «2 Al Azar», que verá la luz durante el mes de mayo de 2022. Un trabajo en el que los temas presentarán una instrumentación de lujo, junto a las voces suaves y entrelazadas de los compositores principales, Adele Fournet y Felipe Wurst. Cerrando la formación, se encuentra Jordan Auber a la batería, quien se suma en todos y cada uno de los directos de la banda. En este sentido, hablando de conciertos, no podemos olvidar que el sábado 16 de abril actuarán en el escenario del Mercury Lounge de Nueva York, junto a la increíble banda Toebow.

    Inspiradores y luminosos, Tipa Tipo han supuesto un verdadero descubrimiento para nosotras. Tal es así que llevamos varios días flipando con el single que acaban de publicar, «2 Al Azar» – justo la canción que dará título a su inminente y anhelado trabajo -, y es que han conseguido hacer algo verdaderamente único. Es por eso por lo que, en medio de tanta novedad, hemos querido aprovechar para charlar largo y tendido con ellos. Eso sí, desde la distancia. Pero todo lo que no puedan ya las nuevas tecnologías…Mucha atención a todo lo que nos contaron, porque no tiene desperdicio. ¿Te adentras con nosotras en este increíble y particular universo sonoro?

  • Estella Dawn arrasa como un tifón con su música

    Estella Dawn arrasa como un tifón con su música

    Nacida en Nueva Zelanda pero afincada en Estados Unidos, Estella Dawn nos ha enamorado por completo con su fortaleza, su personalidad, su talento y su voz. Increíble lo que canta y cómo lo canta. Con una visión creativa fuera de serie, solo ella sabe cómo canalizar todo este torrente de energía hasta conseguir una canción cohesionada y completamente formada. La conocimos con «Salt» y nos enamoró por completo con «Buzzcut». Pero es que este es solo el inicio de todo lo que está por llegar. Nuevo single («Easy To Fall»), disco a la vista y puede que gira. Pero mejor que nos lo cuente ella misma.

    Para la gente que todavía no conoce tu proyecto musical, ¿quién es Estella Dawn?

    Bueno, veamos. Soy una neozelandesa, kiwi para abreviar, que se mudó a América hace más de cinco años para seguir mi carrera como compositora, cantante, música, productora y todo lo que conlleva la música. He estado escribiendo canciones desde que era una niña y eventualmente aprendí a tocar el piano y la guitarra para ayudar en el proceso creativo de la composición. He lanzado un montón de singles a lo largo de los años y estoy constantemente perfeccionando mi oficio. Tengo más de 20 años, sé lo que quiero hacer con mi vida y estoy trabajando en ello a tiempo completo. Mi espíritu creativo es sólido y estoy disfrutando realmente de donde estoy, física, mental y emocionalmente.

    «Buzzcut» ha sido el último single que nos has regalado. ¿Cómo nace esta canción y qué significa?

    «Buzzcut» es una canción que habla de abrazar mi propia confianza interior. Y es que he pasado gran parte de mi vida moldeándome ante la gente en un intento de ser más simpática y tratar de encajar. Siempre he sido una persona muy complaciente con los demás. Quería darle la vuelta a eso con esta canción. Es mi himno personal para mantener mi columna vertebral y ser fiel a mi propia autenticidad. Para ser inquebrantable en lo que quiero y lo que necesito. Y también para sentirme sexy haciéndolo.

    El próximo tema que presentarás es «Easy To Fall», que verá la luz el 15 de abril. ¿Qué nos puedes contar al respecto?

    Un día me desperté, me di la vuelta, miré a la persona con la que salía en ese momento y me di cuenta de que ya no estaba enamorada de ella…Lo cual suena muy mal, pero es la verdad. Recuerdo que pensé en lo loco que era que alguien con quien antes estaba obsesionada, alguien con quien pasaba todo mi tiempo y con quien compartía cada pequeño secreto, fuera ahora alguien con quien simplemente no quería estar más. No es que nada saliera mal, nunca discutíamos, compartíamos tantos objetivos e intereses comunes. Pero aparentemente, de la noche a la mañana, todo el deseo que tenía se evaporóc. Y reo que mucha gente experimenta un sentimiento similar.

    Siempre hablamos de lo duras que son las rupturas. Y la verdad es que te deje alguien a quien amas es extremadamente doloroso, es un asco. Pero en el lado opuesto, a veces ser el que se va puede ser lo mejor para ti, la felicidad de darte cuenta de que estás mejor solo es un lado que también quería compartir.

    Si no nos equivocamos, esta canción es el segundo single de tu nuevo disco. ¿Qué puedes avanzarnos sobre él?

    Este álbum es una colección de canciones que he escrito a lo largo de los años y que me pareció que se beneficiarían de los arreglos de una banda completa. No puedo decir que haya un tema central o un hilo conductor a lo largo del álbum. Es, más bien, una mezcla de canciones de amor, de ruptura, de empoderamiento y de diversión. Pero también es un reflejo de los últimos cuatro años de mi vida y de cómo he crecido, cambiado y adaptado al mundo que me rodea. Y de cómo he encontrado mi lugar en él durante ese tiempo.

    ¿Cómo construye Estella Dawn su universo sonoro y cuáles son sus principales referencias musicales?

    Varía de una canción a otra. A veces mis canciones están influenciadas por las canciones que estoy escuchando en ese momento, cuyo ambiente me gustaría recrear de manera similar. Pero a menudo, me siento al piano y surge algo sin ningún tipo de guía.

    Además, cuando utilizo una canción como referencia, el producto final siempre parece ser muy diferente de lo que quería. Por ejemplo, cuando escribí «Buzzcut», me inspiré en «Montero» de Lil Nas X. Y la única similitud que creo que tienen ahora es una parte de guitarra de cuerdas de nylon. No creo que al escucharla ahora sepas que está inspirada en ese tema.

    ¿Qué importancia tiene el mensaje en tus canciones?, ¿crees en el poder de la música como elemento transformador?

    Creo que los mensajes son importantes, pero en última instancia depende mucho de lo que el oyente se lleve de una canción. Puede que escuche una canción y se lleve un sentimiento, emoción o mensaje completamente diferente al que el autor intentaba transmitir. Pero en mi opinión, ese mensaje es igual de importante, independientemente de que sea intencionado o no. La música es muy subjetiva. Todos tenemos nuestras propias experiencias vitales y sentimientos que cambian la experiencia de escucha. Diferentes palabras resuenan con diferentes personas por diferentes razones.

    Creo absolutamente en el poder transformador de la música. Si te tomas un segundo y piensas en todas las formas en que la música influye en nuestras vidas y estados de ánimo de alguna manera, y en lo diferente que te sientes cuando escuchas ciertas canciones, es una locura. Por ejemplo, «Come and Get Your Love» de Redbone nunca deja de ponerme de buen humor, no sé por qué pero para mí son tres minutos de pura alegría.

    Recuerdo estar en un autobús de fiesta y el sistema de sonido estaba roto cuando subimos por primera vez, tardaron en arreglarlo pero en cuanto lo hicieron todo el mundo pasó de estar sentado tranquilamente charlando en el silencio, a bailar en los postes, hacer chupitos y en general pasar un rato alborotado al ritmo de Beyonce. Cuando un bop suena, es difícil no moverse con él.

    También creo sinceramente que las canciones pueden hacerte sentir más comprendido y menos solo, que es lo que más me gusta de la música, es un medio realmente hermoso para trabajar, puedes ejercer tanto poder con tu vulnerabilidad como artista.

    Debutaste en 2018 con tu canción «Feet». Han pasado cuatro años desde ese momento y me gustaría saber, ¿cuál es el mayor aprendizaje que te llevas de este viaje?

    Dios, hay tantas cosas. Supongo que principalmente que la persistencia es realmente la clave, si sigues con algo sólo puedes mejorar en ello. No te preocupes si no lo tienes todo claro al principio, hay muchas capas tanto profesionales como personales que vas a tener que trabajar y las cosas se resolverán solas cuando deban hacerlo. El éxito es una mezcla de trabajo duro y suerte, así que tu principal objetivo debe ser siempre poner tu música delante de tanta gente nueva como puedas.

    ¿Cuáles son tus próximos planes o pasos?

    Lanzar algunos singles más del álbum antes de lanzar el disco completo y luego hacer algún tipo de fiesta de lanzamiento y, con suerte, hacer una gira también.

    Solo quedan dos preguntas, con las que siempre me gusta terminar. La primera es, ¿cuál de tus canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?

    Esa es una pregunta difícil, creo que el material más nuevo es siempre el que mejor pinta el momento creativo en el que te encuentras y para cuando esas canciones se publican generalmente has pasado a trabajar en algo nuevo. Pero si tuviera que elegir una de las canciones que ya he sacado, probablemente «Buzzcut». Siento que he crecido personalmente en este último año y esta canción lo refleja muy bien.

    Y por último, ¿qué es lo más loco que has hecho por la música?

    Me he puesto intencionadamente en situaciones emocionalmente inciertas solo para escribir. Enviar un mensaje de texto a mi ex, tener un par de malas citas en Tinder, empezar una discusión por algo ridículo, nunca se sabe si una buena canción puede salir de ello.

  • Jyrön, JD Roan, 4ever lost y N’Faly Kouyaté se cuelan en nuestro radar musical de la semana

    Jyrön, JD Roan, 4ever lost y N’Faly Kouyaté se cuelan en nuestro radar musical de la semana

    De nuevo ha llegado el domingo. De nuevo llega el momento de despedir el fin de semana, probablemente uno de los más intensos y repletos de música. Hoy toca quedarse en casa, activando nuestro radar y descubriendo cuatro nuevos proyectos musicales que nos vuelven completamente locas. Y es que mucho ojo al talento que desprenden. ¿Te adentras en este particular viaje con nosotras?, ¿te atreves a pegarle una escucha a Jyrön, JD Roan, 4ever lost y N’Faly Kouyaté?

    De Jyrön nos ha llamado especialmente la atención su talento musical y el increíble concepto artístico que ha creado alrededor. Un poryecto 360º que conjuga a la perfección música y visuales, recreando un mundo onírico fuertemente inspirado por la mitología nórdica. En este sentido, su recién estrenado single «immortel» marca el inicio de una nueva era para el artista francés. Una nueva era que culminará a lo largo de este 2022, con la llegada de su primer álbum «Yggdrasil», el primer capítulo de una trilogía en la que el compositor mezclará intriga mística con sonidos urbanos y pop. El primer capítulo de una trilogía en la que la analogía con el presente será el principal hilo conductor. Un mundo por descubrir y una primera pista de la que disfrutar.

    Completamente diferente es el estilo y género que trabaja JD Roan. Desde el corazón de la isla hawaina de Maui, el artista ha nacido y crecido en un ambiente de lo más musical, en el que el R&B y el reggae han sido inspiración constante. Como joven aventurero nacido de padres músicos, JD creció con dos amores: la música y el vuelo. Aprendió a tocar la guitarra a los 8 años y creció tocando con numerosos grupos musicales, formando parte incluso de la banda de la artista Eli-Mac. Sin embargo, no ha sido hasta este momento, que ha decidido emprender su proyecto musical en solitario. Y «Schedule» ha sido la primera canción con la que nos ha sorprendido.

    Hemos de reconocer que cuando empezamos a escuchar «I don’t know how to love you», su nuevo tema, nos quedamos un poco desconcertadas y no estábamos convencidas de que la propuesta de 4ever lost nos fuera a gustar. Pero tiene algo adictivo que nos ha terminado enganchando por completo. Será su magnetismo, su personalidad, sus voces o su estética tan bien definida y colorida (que en determinados puntos nos recuerda ligeramente a la de Subwoolfer). No lo sabemos, pero nos encantan. Solo les ha bastado un single para ganarse por completo nuestro corazón. Increíble, ¿eh? Bajo la premisa de dar voz a todos aquellos que ya no pueden, la banda francesa nos trasladan un poderoso y necesario mensaje, a ritmo de R&B alternativo y pop. Y es que su música se nutre de letras poéticas y profundas y de producciones a la vez embriagadoras y percusivas. Todo un regalo para nuestros oídos.

    Esta tarde de domingo, la cerramos con la particular propuesta de N’Faly Kouyaté quien, a primera escucha, nos recordó al potente y eléctrico Stromae, no lo vamos a negar. Pero, oye, estamos en bucle con él y con «Free Water», la canción que acaba de presentar en colaboración con Tiken Jah Fakoly. Un despliegue de medios en toda regla, en el que muestra y demuestra su enorme capacidad para hacer música y para sorprender. Además de dejar claro que es un artista de lo más polifacético. Y es que solo él sabe cómo mezclar a la perfección polifonía y música electrónica, en armonía con los múltiples instrumentos tradicionales. Precisamente por eso y por la amplia experiencia y recorrido que tiene, se ha alzado con el merecido título de leyenda de la música africana.

  • Daada nos abre las puertas de su particular universo sonoro

    Daada nos abre las puertas de su particular universo sonoro

    Descubrirla ha sido mágico. Y es que con su dulce y suave voz consigue rozar el alma de todo aquel que tiene el placer de escucharla. Hablamos de Daada, el alter ego de la artista germano-colombiana criada en Tanzania, Maike Kusserow. Solo le han bastado cuatro canciones para cautivarnos con esa particular forma de concebir la vida a través de la música. Todo un tejido creativo que, siendo bien variado, ha tenido la última prueba de talento en su single «What are my hands for?».

    Un tema nacido en lo más complicado de la pandemia que explira el concepto de soledad y la necesidad de contacto físico. Todo ello, acompañado de una íntima producción LoFi, que no hace más que reafirmar esta sensación. Un tema muy especial del que la propia compositora llegó a explicar lo siguiente: «Ni siquiera me di cuenta de que este era mi estado de ánimo y mi alma durante meses hasta que la letra y el sentimiento salieron de mí en el estudio una tarde de julio».

    Con una sensibilidad fuera de serie, Daada lleva desde muy pequeña vinculada con la música, creciendo en un ámbito muy propicio para desarrollar sus dotes artísticas. Cuenta que con apenas 7 años escribió su primera canción, acompañada de su violín. Años más tarde, se atrevió con la guitarra de su abuela, que permanecía colgada en la pared de su casa como si se tratara de un elemento decorativo más. Ese fue el inicio de todo lo que se fue sucediendo después. Amor por las letras, amor por la composición, amor por la música de artistas tan diversos y eclécticos como Juanes, Shakira, Nelly Furtado o James Blunt.

    Sin duda alguna, todo ello marcó el inicio de lo que a día de hoy es su alter ego, Daada. Una palabra que tiene un significado muy especial en swahili, pues quiere decir «hermana». El apodo con el que la llama su hermano y que, a su vez, personifica muy bien lo que quiere expresar con su música. Pero todo eso, mejor si dejamos que nos lo explique ella misma. Por suerte, hace algunos días, tuvimos la oportunidad de hablar con Maike. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?

  • Chet Bucke, Mixcy, Ava Toton y Chanan Herman se cuelan en nuestro radar musical de la semana

    Chet Bucke, Mixcy, Ava Toton y Chanan Herman se cuelan en nuestro radar musical de la semana

    Lo bien que sienta pasar un domingo en casa, tranquilas y rodeadas de buena música. Venga, va, que ya sabéis que esto es cita obligatoria. Y hoy les toca el turno a Chet Bucke, Mixcy, Ava Toton y Chanan Herman. ¿Quién se atreve a descubrirlos con nosotras? ¡Ojito que tienen proyectazos de los buenos!

    El primero por pasar por nuestro radar de hoy es Chet Bucke. Desde el País Vasco, pero afincado en Londres desde hace unos cuantos años, el joven artista y compositor acaba de debutar con su primer sencillo, llamado «Leaving (Marie)». Un himno folk pop con reminiscencias flamencas, que sirve como cántico a las raíces, a la tierra, a la familia. Un himno que se inspiró inicialmente en un vídeo de la abuela del artista, cantando una melodía española atemporal. Un pequeño homenaje que luego se convirtió en la introducción de la canción. El paso siguiente era terminar de darle vida a la canción, con la inestimable colaboración de Colin Lanz a la producción de la misma. Trabajo conjunto que ha dado como resultado un tema increíble cargado de percusión y dinámicamente cautivador. Líneas llamativas como la del estribillo inicial permanecen suspendidas en una atmósfera impenetrable de coreografías de subgraves, sintetizadores de tipo zumbido y suculentos ganchos de guitarra que se funden con el anhelante timbre de la suave voz de Bucke.

    Mixcy es la siguiente gran artista que se pasa por nuestra sección de hoy, también para presentarnos su temazo más reciente, en el que ha contado con la colaboración de la talentosa artista Kange. Esto es «M.I.X.C.Y» y nos tiene completamente locas. Un tema cautivador a la par que potente y acertado. Un tema que continúa con la increíble estela que ha empezado a marcar la joven francesa, desde que debutara con su primera canción «Paris Turquie» en el año 2020. Y es que solo ella es capaz de recrear un universo en el que las fronteras ya no existen y en el que la música es el único lenguaje, la única manera posible de viajar. Con un sonido muy actual, Mixcy reúne grandes influencias como Indila, Vitaa, Meghan Trainor o Ariana Grande, a las que añade un misterioso toque oriental. La mejor manera de construir un imaginario propio y completamente diferente a lo que estamos acostumbradas a escuchar. Un imaginario que merece la pena descubrir. Siempre de su mano.

    De repente, llega el momento de volverse eléctrica gracias al increíble talento de Ava Toton. Con apenas doce años, la joven artista ha demostrado ser todo un prodigio en la música, mostrando su esencia más rockera en su segundo EP. Y es que «Charm School Dropout» es toda una joya musical. Un trabajo discográfico que pretende dar voz a todos aquellos que sienten que no encajan, a todos aquellos que a pesar de todo, tratan de buscar su lugar. Toda una declaración de intenciones que se suma a la potente personalidad que ha mostrado la joven compositora, tratando de demostrar que su amor por la música todo lo puede. El mejor ejemplo, además, para toda aquella generación de jóvenes artistas que, como ella, quieren dedicar su vida a esta pasión tan bonita. Sentir orgullo por ella es poco. Así que desde aquí, solo os podemos animar a escucharla.

    Por último pero no menos importante, también queremos hablar del talento y de la magia que desprende Chanan Herman. Su pasión por la música comenzó siendo muy, muy pequeño. Cuenta que con apenas 5 años cantaba sus propias melodías y a los 6 comenzó a tocar el piano clásico (unos estudios con los que continuó hasta el instituto). Y justo ahora acaba de debutar con su primera y mágica canción, titulada «Fading». Una canción de lo más especial, de la que el propio compositor nos cuenta lo siguiente: «la escribí a altas horas de la noche en una pequeña habitación con un pequeño ukelele. Desde el principio supe que quería que fuera una canción de rock-indie eléctrico, a pesar de haberla escrito con un instrumento tan pequeño». Lo siguiente fue aunar fuerzas con Shahar Elisof. Dana Petri y Shaked Mazza, con quien el artista produjo y arregló el single. La mejor manera de darle vida, de darle forma, de cautivar a todo el mundo con su talento. Y de vaciarse por dentro. «Es una de esas canciones que realmente me ayudaron a superar la ruptura del corazón», asegura Herman.

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