Si hay una cosa en el mundo que nos guste casi tanto como la música, es comer. Así que cuando ambas cosas se unen, nos volvemos locas. Es lo que nos ha pasado al descubrir el curioso proyecto llevado a cabo por un grupo de artistas franceses: Sauce Blanche. Un curioso proyecto, que ellos mismos definen de la siguiente manera: «somos una agencia de producción de contenidos creativos con dos temas favoritos: la comida y la música, dos universos que unen a las personas». Así es como se alzan con el título de primer promotor de música en restaurantes desde 2018. Aunque más allá de eso, también aclaran que desarollan otro tipo de proyectos creativos, desde la producción de eventos hasta la producción digital.
¿Bien hasta aquí? ¡Pues seguimos! Con el foco puesto en el talento, tanto musical como culinario, Sauce Blanche pone en marcha, en formato digital, sus Sauce Sessions. Unas sesiones que suponen el encuentro perfecto entre cocinero y artista emergentes. Y es que, mientras este último ofrece un pequeño.e íntimo espectáculo musical, el primero va preparando su gran especial (los más curiosos, encontraréis las recentas en las redes sociales de la productora francesa). Todo ello, evidentemente, tiene lugar en las cocinas de un restaurante. ¿Increíble, verdad? Pues ojo, porque ofrecen dos de estas sesiones al mes y las suben a su canal de YouTube, así que podéis aprovechar para investigar más y mejor.
En nuestro caso, la sesión que nos hizo descubrir este proyecto fue la de Blow actuando en las cocinas del Top Bun de París. Allí, el trío de indie-pop interpretó «Meguro», tema que estará incluido en su nuevo álbum «Shake The Disease», que llegará a principios de año. Mientras cantaban, los chefs del restaurante parisino Top Bun (5 Rue Eugène Freyssinet) preparaban dos de sus especialidades: la «Beef Daddy Smash Burger» y la «Garden Patty Burger». Que oye, si estáis por París pronto, es una (econónomica) recomendación gastronónica a tener en cuenta, con carne 100% ecológica. Pero tranquilos si lo que queréis es visitar otras ciudades francesas, pues el grupo Big Mamma tiene previsto abrir más Top Bun por todo el país.
¿Qué os ha parecido el proyecto? ¡Nosotras estamos living! Y, por supuesto, os recomendamos que sigáis todos los canales de Sauce Blanche, tanto para descubrir nuevos artistas que son top, como para descubrir chefs y restaurantes en los que comer cuando visitéis Francia.
Aunque llevábamos unos cuantos días de silencio y aunque el miércoles se nos ha pasado ya, no queremos desaprovechar el momento. No queremos perder la oportunidad de hablaros de cuatro nuevos proyectos musicales que a nosotras, nos han encantado. Se trata de Clare Sands, Alexandra Alden, Die Feuersteins y Awaze.
Increíble violinista, nos emocionó desde la primera nota que tocó, aun no siendo el estilo de música que generalmente escuchamos. Se trata de la compositora, artista y vocalista Clare Sands, que con su enorme sensibilidad y talento, ha unido fuerzas con el también músico Liam Ó Maonlaí (frontman de la banda Hothouse Flowers). ¿Cuál ha sido el resultado? La emocionante y mágica canción «Teacht an Fhómhair». Un tema que viaja libre a lo largo y ancho del folclore irlandés, que tanto nos ha enganchado. Sin más. Desde el primer minuto. Un tema que te conecta con el pasado, con los ancestros, con la naturaleza y con todo lo bello que nos regala el planeta. Un tema que nos hace viajar sin necesidad de salir de casa. Eso es lo más bonito que puede transmitirnos la música.
Aunque si seguimos hablando de delicadeza, no podemos olvidarnos de Alexandra Alden, quien nos acaba de regalar una auténtica joya musical que lleva por título «Vagabond». Con unos coros amplios y ensoñadores y una suave guitarra acústica que va adquiriendo dinamismo a medida que se une el resto de su banda, Alden canta y reflexiona sobre cómo siente que, en realidad, no pertenece a ningún lugar. Una sensación que, lejos de ser negativa, le hace sentir libre en cualquier lugar, lejos de pretensiones y cualquier convicción clásica.
Esta canción, además, es especial. Y es que se alza como tercer adelanto del que será su nuevo trabajo discográfico «Leads to Love». Un álbum que medita sobre el pasado, el presente y el futuro imaginado por la propia Alexandra. Una declaración de intenciones, una gran muestra del mundo interior de la artista.
Seguimos con una línea de lo más folk, pero en esta ocasión, para viajar hasta Alemania. Desde un terreno de lo más íntimo y familiar, Die Feuersteins. De una manera de lo más conceptual, la banda nos sorprende con su llamada «trilogía del signo de exclamación». Y es que tras la llegada de «Tanz!» y «Sing!», ha llegado el turno de «Los!». Una tercera pieza que se alza como el ejemplo más claro de la gran facilidad que tiene la familia de Bochum para mezclar y rediseñar lo antiguo y lo moderno. Las melodías de ritmo rápido se alternan con melodías fuertes y ritmos contundentes. En medio de todo ello, textos impresionantemente contemporáneos, que son sensibles y conmovedores, comprometidos y exigentes. O simplemente poéticamente bellos.
Y del folk más clásico, viajamos al rock más potentes de la formación sueca Awaze. Tres amigos, tres grandes músicos se reunieron un día en el sótana de una de sus casas para empezar a tocar, sin ningún tipo de pretensión. Pero como todo, la curiosidad terminó yendo a más hasta convertirse en una forma de vida, en un elemento clave para vivir. La explosión de energía que se apoderó de ellos en el momento en que encendieron sus amplificadores. Tal es así, que incluso sus propios fans han llegado a describir su música como «agresiva pero hermosa, locura garajera de alta energía». Así, bajo este precepto, han ido rodando, componiendo y regalándonos sus increíbles piezas, sus canciones. Canciones como «Water», la cual pedimos encarecidamente que escuchéis. Solo si estáis dispuestos a que os dé un buen subidón de adrenalina.
En esta ardua y maravillosa tarea que supone descubrir nueva música, hoy nos decidimos a viajar a lugares completamente nuevos. A lugares inexplorados y únicos, cuyo talento permanece escondido y oculto. Pero no a nuestra mirada (y a nuestros oídos). ¿Preparados para descubrir con nosotras la música de Oak Glen, LIAS, A Choir Of Ghosts y Margolnick?
Desde Rusia (con amor), recibimos la propuesta pop de Oak Glen, una de las mayores representantes de la comunidad de artistas rusos que crean, componen y regalan música en inglés. Con un talento desbordante, la banda ha recibido ya más de un millón de streams en Spotify en apenas dos años. Ahora, dispuestos a cambiar el rumbo en lo que respecta al sonido de la formación. Así lo han demostrado con su recién estrenado tema «Corner Store», en el que los rusos se adentran sin miedo en el mundo de la electrónica, sumando ciertos tintes indie rock de carácter positivo. Y todo ello, con una raíz muy potente en las sonoridades de los años 70.
Alemania se convierte ahora en nuestra base, en nuestra casa. Igual que se convierte en hogar la música del artista y compositor LIAS, que nos guía con total sutileza a su propio fuero interno, hacia su interior. Sus canciones ahondan en el miedo al fracaso, el dolor de la separación, su lucha por la salud mental y la búsqueda de sentido de un joven, que da un vuelco a su vida para hacer música. Esa es su particular manera de romper con todo, de eliminarse de todos los corsés que durante tanto tiempo se han ceñido alrededor suyo. Un camino duro, pero liberador, que ha tenido su máximo esplendor en «Run Boy Run», su última composición. Una canción de ruptura que, a través de vívidas instantáneas, capta lo que significa desenamorarse y aceptar la pérdida de tu persona.
A Choir Of Ghosts es el alter ego del artista sueco James Auger. Con una capacidad increíble de conmover a todas y cada una de las personas que lo escuchan, el compositor nos ha regalado una pequeña gran joya llamada «Do you remember?». Una canción en la que se desnuda por completo, una canción de la que nos ha contado lo siguiente: «trata básicamente de mi extraño miedo a envejecer o morir antes de sentir que que he vivido mi vida. También es una pequeña historia de lo que mi esposa y yo hemos pasado durante los últimos 8 años». Una canción en la que se adentra en lo más profundo del folclore nórdico, pero todo ello pasado por un filtro de lo más actual. Una canción que llega en el momento preciso, tras más de un año sumidos en un panorama musical completamente paralizado, completamente en pausa.
Para voz particular y única la de Margolnick, que acaba de regalarnos su optimista y necesario tema «Watch Me». Tal y como él mismo explica: «es un sencillo con ritmos vibrantes y un falsete contagioso. El tema también representa su poderoso camino hacia la sobriedad». La mejor manera, sin duda, de dar el pistoletazo de salida hacia el que será su gran álbum debut, que verá la luz el próximo 4 de febrero de 2022. ¿Se os ocurre otra forma de empezar el año?
Cerramos la última semana de noviembre con una nueva ronda de descubrimientos semanales. Hoy viajamos libres entre la música de AJ Smith, Just Delayed, Metò y Sarah Lake. Cuatro propuestas que llegan desde diferentes puntos del planeta y que, sí o sí, deberíais escuchar.
Al más puro estilo pop con cierto toque nostálgico, pero pasado por un filtro actual. Y con unas incesantes ganas de expresar sus emociones más íntimas. Así llega AJ Smith desde el corazón de Nashville…más que dispuesto a ponernos en órbita con su recién estrenada pieza «Cooler». Adelanto que se suma a la gran lista de éxitos que acumula, junto a todos los reconocimientos que ha ido cosechando por el camino. Desde la prestigiosa beca Abe Oleman del Songwriters Hall of Fame hasta su puesto de semifinalista en el Concurso Internacional de Composición 2020. Además de sus múltiples apariciones en el canal Billy Joel de Sirius XM o el haber sido nombrado Performer Magazine como Artista del Mes.
Desde Francia y como un ciclón. Así es como han entrado Just Delayed en nuestras vidas. Fue en plena pandemia (mayo de 2020) cuando nos regalaron su primer álbum homónimo. Un trabajo que cuenta con once temas, capaces de transportarnos desde el universo a nuestro propio espacio interior. Ese es el gran poder de la banda, cuya mejor definición se resume con la palabra «refinamiento». Una definición que, por supuesto, son capaces de llevar a un nuevo nivel. Especialmente con la llegada, hace apenas unas semanas, de su nuevo adelanto «Rise up in the dark». Canción que ha llegado acompañada de su respectivo videoclip, obra de Julie Alasset y Pop Corn Movies. Una pieza audiovisual que, además, cuenta con la participación de Zoé Leduc.
Con Metò pegamos un gran salto y nos plantamos al otro lado del océano. Concretamente, en Canadá. Con él, nos adentramos en un mundo nuevo, en un mundo repleto de contradicciones. Las mismas contradicciones que todos y cada uno de nosotros vivimos en nuestro día a día. La muerte y las lágrimas. Los amigos y las celebraciones. La esperanza y los miedos. Todo hasta llegar a ese estadio de autenticidad. Un sentimiento que es capaz de irradiar todos los rincones de este proyecto, del primer trabajo que ha presentado, que lleva el título de «Alstroemeria» y que ha visto la luz este mismo año. Con una voz increíble y con un estilo de lo más folk minimalista, el artista consigue sin esfuerzo, meternos de lleno en su universo.
Por último, pero no menos importante, nos decidimos a conocer desde dentro el proyecto musical de Sarah Lake, a quien muchos espectadores pudieron ver y escuchar en el programa de televisión American Idol hace unos años (con su apellido de soltera Sarah Mather), llegando incluso a la final. Una ascendente e increíble carrera que se vio pausada durante un tiempo, pero que la artista ha retomado con más fuerza de música. Y los singles que ha ido publicando recientemente son la mejor prueba de ello («You don’t have to», «Mercy of the wind», «She did» o «Flower»). Con un estilo único y una voz maravillosa, Sarah está dispuesta a robarnos el corazón con cada una de sus composiciones.
Como cada miércoles, volvemos a tomarnos un momento de pausa para descubrir toda aquella música que el frenético ritmo de vida del día a día no nos permite. Así es como han llegado hoy a nuestras vidas, los proyectos musicales de City of Pines, Love Ghost, Son Savage y Femegades. Si queréis descubrir más sobre ellos y queréis pegarle una escucha, es el momento perfecto.
Desde el Noroeste del Pacífico de EEUU y con una inefable sensación de libertad y conexión con la naturaleza, llega City of Pines para hacernos cambiar el foco de nuestras vidas. Dejando de lado lo banal, el proyecto tras el que se esconde Nick Clack nos invita a conectar con todo lo que hay fuera de nosotros mismos. El artista, que es mágico, crea música que emana la niebla, de la tierra, de los campos suaves empapados por la lluvia, de la madera imponente y de los vientos dramáticos y emocionales. Todo ello, mientras que las letras hablan de aventura, pérdida, vida y la condición humana. Bajo esta premisa, ha nacido su último tema llamado «Fire». Una canción especial que da saca a relucir una problemática importante, pues está inspirada en los incendios provocados en la zona del Noroeste del Pacífico, de donde él procede.
Cambiamos de estilo completamente, para conocer a Love Ghost, que bailan libres entre géneros como el hip hop y el rap. Un estilo muy bien definido y una fuerza que han unido a la de la artista colombiana Mabiland. Juntos, nos han regalado su nuevo tema «Can’t stop». Una bomba de relojería y un choque de idiomas y culturas, que se adentra en el complejo mundo de la inteligencia artificial. De hecho, el líder y vocalista de la banda Finnegan Bell nos cuenta lo siguiente: «Siento que todos estamos siendo programados por nuestros teléfenos, debido a las redes sociales, nuestro historial de búsqueda, nuestros mensajes de texto, llamadas. Definitivamente saben lo que esta pasando en nuestras cabezas y creo que manipulan eso. No puedo parar de cuestionar la verdad y no pararé de buscar respuestas».
Hay sucesos trágicos que sirven como catalizador, como punto de inflexión. La explosión producida en el puerto de Beirut hace un poco más de un año, hizo que Son Savage se planteara todos los cimientos de su vida, dejara el trabajo de oficina que tenía y decidiera dedicarse al 100% a la música. «La combinación de COVID y la explosión en Beirut me permitieron cambiar mis prioridades y dedicar más tiempo a lo que realmente me apasiona», explica él mismo. Así es como le ha ido dando forma a sus proyectos y asus canciones. Y es que, tras arrasar con todo con la llegada de sus temas «The River» y «Love Therapy», que son una delicia, se lanza de lleno y nos regala su gran álbum debut, «Folie à Deux». Un trabajo que, en lo poético, «explora el amor como una forma de locura»; mientras que en lo musical, explora diferentes géneros: desde los coros gospel hasta los solos de guitarra, pasando por el sintetizador y el saxo.
Por último, no queremos cerrar este artículo sin hablar de otro potente proyecto, que nos ha cautivado por sus fuerza y por su garra. Sí, estamos hablando de Femegades. Fue este verano cuando la banda de punk/grunge/indie de Londres debutó con el que ha sido su primer EP, su debut. Aunque previamente nos estuvieron preparando con la llegada de sus singles, con su trabajo «Pornsick» se han superado. Un trabajo en el que exploran y se adentran en temas tan importantísimos como el consentimiento, la violencia machista y el empoderamiento. Un trabajo que se escribió para cuestionar el statu quo actual de la sociedad moderna. En concreto, el de la aparentemente aceptada explotación en la industria del porno. De ahí que una formación como Femegades sea tan importante que consiga visibilización. ¡Escuchadlos ya!
Tiene una sensibilidad y un talento fuera de serie. Así nos tiene, en bucle. A partir de ahora, lo podemos llamar efecto Danny Starr. «Belong» ha sido la más reciente composición que nos ha regalado. Un tema en el que se ha vaciado por dentro, desnudándose y regalándonos su parte más íntima. Pero no será el único, pues en apenas un par de días nos dará una nueva sorpresa que, por supuesto, también llegará en forma de canción. Preparaos para la llegada de «Losing Sight», a la par que disfrutáis de la entrevista que le hicimos.
¿Quién es Danny Starr? ¿Quién está detrás de este proyecto musical?
Soy un cantautor londinense de 22 años que lleva escribiendo canciones desde hace 8. He vivido en Londres toda mi vida, envuelto en el torbellino que es nuestra capital, y he dado cientos de conciertos en mi ciudad natal y en todo el Reino Unido. Todo empezó como un desahogo emocional para mí después de haber perdido mi principal camino en la vida, el camino que había seguido desde que tenía 4 años, el rugby profesional. Una lesión me impidió volver a jugar de forma competitiva, así que lo que era un pasatiempo a tiempo parcial se convirtió en una posible carrera a tiempo completo. Cuando empecé a componer, construía mis canciones sobre la montaña rusa emocional que supone ser un adolescente irresponsable con una perspectiva muy limitada del mundo. Un momento complicado en el que el más pequeño de mis problemas, parecía una gran catástrofe que iba a cambiar la tierra. Ahora, escribo con la misma honestidad y misma dedicación, pero teniendo unos cuantos años más de experiencia y de vida.
¿Cuál es el proceso creativo y compositivo de Danny Starr?
Normalmente, mi inspiración proviene de momentos memorables de mi vida o de personas que he conocido y que han pasado por cosas que me parecen especialmente conmovedoras. La idea de la canción se forma a partir de estos momentos de inspiración y suele crecer a partir de ahí, empezando con una línea o letra que lleva el mensaje y el sentimiento general que quiero transmitir. Con el tiempo, la canción y yo entramos en un ritmo natural en el que se plasma casi sin esfuerzo en la página. Esto es mucho más común cuando escribo sobre mi propia vida, ya que el elemento terapéutico de la escritura entra en acción. Puedo simplemente volcar mis emociones sobre algo en la letra. Otras veces, este ritmo tarda mucho más en alcanzarse (especialmente si tengo que enterrarme en la cabeza y el corazón de otra persona) y puede que no se alcance nunca. En los momentos difíciles en los que la escritura se detiene, suelo recurrir a partes de canciones que me han gustado y pienso en por qué me gustan. Luego, trato de incorporar algo de eso a la obra actual y ver hacia dónde me lleva. Me encanta el proceso de construir algo a partir de la nada. Me gusta mantener la naturalidad y la realidad en todo momento.
La parte lírica de la composición siempre ha sido mi principal salida. Últimamente, la parte de composición de mis canciones se ha convertido en un proceso más colaborativo, ya que he empezado a trabajar con un compositor con mucho talento y gran amigo mío. Esto me da más tiempo para pensar únicamente en las letras, mientras Charlie me pasa melodías y acordes que terminan concentrando muy bien el mensaje.
Cuando la gente conecta con una canción que he escrito sobre mi propia experiencia o mi interpretación de una experiencia muy personal de otra persona, siento que he logrado mi objetivo como compositor, y no hay nada más gratificante que ver que eso ocurre también en los conciertos. A veces, mientras escribes la canción, esos momentos se te presentan por sí solos. Pero muchas otras veces, solo puedes saber si el tema cala en la gente cuando lo cantas por primera vez. Así que esa primera actuación es parte de mi proceso. Si no funciona, se vuelve a abrir el cuaderno y se saca el bolígrafo.
¿Cuáles son las principales influencias y referencias cuando compones?
Hay algunas bases fundamentales que contribuyen a lo que intento conseguir con mi escritura… la primera de ellas es Amy Winehouse. La honestidad de las emociones y la crudeza de las historias que contaba en sus canciones es incontestable en mi opinión. El poder de Adele para transmitir sus experiencias a través de las canciones y la franqueza lírica de Arlo Parks, junto con la capacidad de narración de Arctic Monkey o Passenger, son habilidades a las que aspiro. El imaginario e ingenio de Ben Howard no puede dejar de mencionarse, mientras que todo el sonido inspirado en el gospel de Hozier es algo a lo que me remito a menudo en el estudio. Por último, hay que mencionar a The Kinks, que dominaron gran parte de mis escuchas cuando empecé a escribir canciones con la guitarra, y a Paolo Nutini, que me inspira continuamente a ampliar mi rango vocal y mi ambición con la escritura melódica. Hay muchos más, por supuesto, pero eso te da una idea de dónde siento que viene lo que hago.
¿Qué importancia tiene el mensaje, las letras de las canciones?, ¿cómo de liberador es componer para ti?
Para mí lo es todo, y a veces no es nada liberador. A veces mi dedicación al mensaje, al argumento y a la emoción que transmite la canción mata la idea en su totalidad.
Este verano nos regalaste tu último single «Belong». Cuéntanos más sobre él, ¿cómo surgió y qué importancia tiene para ti?
«Belong» es una canción con la que tendré fuertes asociaciones emocionales durante mucho tiempo. Empecé a escribir el tema justo antes de que la COVID19 se convirtiera en noticia. Acababa de romper una relación larga y me sentía perdido, confundido y sin ese sentido de pertenencia que tanto anhelamos como seres humanos. Todas esas emociones se acentuaron cuando se anunció el confinamiento, justo al día siguiente del último concierto de mi gira de 2020. Momento en el que nos vimos sumidos en un aislamiento forzoso. Esos meses que siguieron fueron algunos de los más duros de mi vida y durante ese tiempo terminé la letra de «Belong», tratando de encapsular el sentimiento de falta de contacto, de rumbo o de propósito vital que estaba experimentando… Esperaba que cuando la gente escuchara el tema comprendiera que, por mucho que asocien su soledad con la canción, todos estamos luchando de forma muy similar y al mismo tiempo. Así que ninguno de nosotros estaba realmente solo todo ese tiempo, pero estábamos luchando mentalmente juntos.
¿Es este el comienzo de una nueva era para Danny Starr?, ¿se avecinan nuevas composiciones?
Todo el proceso de «Belong», desde la composición hasta la producción y el lanzamiento, pasando por el hecho de que mi mejor amigo de la infancia hiciera el diseño del single, hizo que me sintiera más en contacto conmigo mismo, respecto a anteriores composiciones. Y aunque todas ellas han nacido de lo más profundo de mí y han sido muy personales, «Belong» ha elevado al máximo todas esas sensaciones. Es por eso por lo que este tema es diferente. Ese desarrollo es algo que definitivamente veo como un proceso demasiado continuo como para hablar de pasar a una nueva era. Aunque hay aspectos de mi vida definidos o plasmados en cierto tipo de canciones, mi forma de escribir cambia con cada tema que termino. Así que el punto en el que me encuentro, que no veo que vaya a terminar pronto, se centra en encontrar la representación más honesta y cruda de lo que estoy tratando de decir. Tal vez estemos entrando en una nueva época dentro de la era actual en la que escribo menos sobre la ruptura de la adolescencia y más sobre hacia dónde nos dirigimos como especie, y dónde encajo yo en ese viaje.
Más allá de todo esto, ¿cuáles son tus próximos pasos?, ¿nuevos conciertos en el horizonte?
Tengo un nuevo single, «Losing Sight», que saldrá el próximo 26 de noviembre, y tengo muchas canciones nuevas que seguiré publicando a lo largo del próximo año. He pasado mucho tiempo escribiendo con Charlie. Igual que he pasado mucho tiempo en el estudio de Harlesden, grabando algunos instrumentos magníficos a través de una mesa Neve de los años 60 aún más magnífica, que está captando todos los tonos vocales crudos que siempre he querido en mis temas. El estilo vintage con el que estamos empezando a construir mis canciones, aporta esta nostalgia a los disco, haciéndolos más reales. Quiero que parezca que estoy sentado en una habitación cantando a todos y cada uno de los oyentes, y siento que estoy empezando a conseguirlo. En cuanto a los conciertos, trato de tocar tan a menudo como puedo. El 25 de noviembre, estaré con la banda de Charlie, Weird Milk, en Omeara; y el 21 de enero toco en The Slaughtered Lamb.
Has tenido un gran reconocimiento a lo largo de tu carrera (341.000 streams en todo el mundo, ganaste el LANDR Rising Artist Initiative, alcanzaste el número 1 en las listas de ReverbNation Singer/Songwriter). ¿Qué ha supuesto todo esto para ti y cuál es el mayor aprendizaje que te has llevado?
Todo el apoyo que recibo gracias a mi música, significa y significará muchísimo para mí. Desde los comentarios individuales en mis redes sociales hasta los mensajes privados de la gente sobre el significado de ciertas canciones y cómo las han interpretado, pasando por las emisiones de radio, las entrevistas y las listas de reproducción en todo el mundo. Todo ello me hace sonreír y me hace trabajar más y más. Escribo poniendo todo de mí, mostrando siempre mi parte más personal. Así que ver cómo la gente conecta con esa producción creativa y comparte esos sentimientos conmigo es simplemente hermoso. No hay nada en el mundo que se le parezca.
Quedan dos preguntas, que son las que siempre me gusta terminar. La primera es, ¿qué canción tuya identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?
Ahora mismo, diría que «Hello 2063». Es una canción que habla de una futura raza humana que se evacua a Marte tras llegar a un acuerdo con los marcianos. Todo a raíz de la crisis del cambio climático. No hace falta decir que las ideas sobre un futuro interplanetario para nosotros ya no son demasiado oscuras, con lo aterrador que es lo que está pasando con nuestro planeta ahora mismo, no solo en lo que respecta al clima. Escapar al espacio parece bastante tentador, la verdad.
Y la última, ¿qué es lo más loco que has hecho por la música?
En la actuación de Lewis Capaldi en Barn On The Farm, mis compañeros y yo atravesamos todo el público para pasarle una alfombra a Lewis durante «Someone You Loved». Todo mientras cantaba, «I let my guard down, and then you pulled the rug». La cogió y corrió por el escenario tirando de ella. Una tontería, pero el tipo de tonterías que se dan en los festivales del Reino Unido.
Esta sermana, vamos a doble o nada. Imposible no seguir descubriendo música y haciendo hueco a artistas y bandas que creemos que tienen que ser escuchados sí o sí. ¿Queréis saber de quién hablaremos en esta fría tarde de domingo? (Que, por cierto, tarde perfecta para pasar en casa con la manta y con música de fondo). Pues bien, hoy hablaremos de Yo and the South, de Kelsey Blackstone, de Posh y de Sate.
Desde Francia llega Yo and the South, dispuestos a regalarnos su último adelanto «Le vent tourne», que vio la luz hace apenas 10 días. Una canción de lo más especial para la banda, que se reafirman en su personal estilo indie-pop y lo-fi, cantando además en su lengua materna, el francés. Un género y una personalidad con la que se sienten más que cómodos. Un corte musical con un toque «naif», que significa mucho para la banda parisina, pues refleja a la perfección el periodo y el momento en el que se encuentran actualmente. Refleja el estado de ánimo con el que conviven. Una canción que, quizás, marca el inicio de una nueva época y que, además, llega muy poco tiempo después del que fuera su reciente EP debut «Orange» (junio de 2021).
https://youtu.be/Lxui5v58D7k
Cruzamos el océano en este momento para platarnos en Estados Unidos y conocer la propuesta musical de la joven artista Kelsey Blackstone, quien hace apenas un par de días, presentó su nuevo tema «Lay You Down». Primer y único tema que nos ha regalado durante este 2021 y que llega tras sus dos anteriores «You Dig?» y «Lover, lover» (2020). El inicio de una nueva era, un tema del que la propia artista nos cuenta lo siguiente: «Esta canción es un gran paso adelante en el descubrimiento de mi sonido y de lo que puedo aportar». Talento y compromiso a partes iguales. Todo ello es lo que transmite Kelsey con sus composiciones, con las que nos ha cautivado al más puro estilo soul-pop ambientado en los 60s y 70s.
Han pasado dos décadas desde que comenzaran su carrera profesional en Italia. Ellos son la banda de rock Posh. Durante sus primeros años pegaron mucho y muy fuerte, llegando a representar a su país en el Festival MIDEM (Marché Internatonal du Disque et de l’Editon Musicale), celebrado en Cannes. Corría 2007 y fue el año en el que, además, publicaron su trabajo «Biancolilla», al que sucedió dos años después «La realtà celata delle cos». Y justo después, llegó la década de silencio. Así hasta la llegada de la pandemia, momento en el que comenzaron a componer de nuevo. Y ya fue en este 2021 cuando inauguraron nueva era en la banda, cantando en inglés y regalándonos temas como «Running up that hill», «Mr.Anyone», «Time has come», «Plan B» y este último y recién estrenado, «Open Arms».
Por supuesto, no queremos acabar nuestra publicación de hoy sin darle el espacio que se merece al potente proyecto musical de la canadiense SATE. Con un estilo fuera de serie y un toque de lo más cinematográfico (a sus videoclips nos remitimos), nos ha presentado su reciente obra de arte, llamada «The fool». Íntimamente relacionada con ello y gran amante del tarot, la artista nos regala este último trabajo discográfico, siendo un himno para todos los que se han atrevido a soñar y a trabajar para conseguir su mejor versión. Un disco que nos llega a ritmo de dirty-rock con unas voces que esconden tras de sí una actitud de lo más punk-blues. Además, si a todo ello le añades ese toque épico marca de la casa, ya lo tenemos todo. Éxito asegurado.
Lo descubrimos hace muy poco tiempo y estamos en bucle con cada una de las cosas que hace. Procedente de Recife, pero afincado en Lisboa, llega Paes para arrasar con su música, concretamente con su recién estrenado álbum, llamado «Blue Tree Salvador». Cuarto álbum de estudio y uno de los más personales, que se adentra en el universo recreado por el artista durante el confinamiento que vivimos a causa de la crisis de la COVID. Momento en el que el compositor todavía residía en São Paulo. Todas y cada una de las canciones reflexionan sobre la existencia, el aislamiento y traen temas que hablan de la nostalgia, la ausencia y la memoria.
Una esencia y una manera de componer que ya forman parte del imaginario de Paes, y que ya hemos podido percibir en sus anteriores trabajos. Y, que por supuesto, adquieren una nueva dimensión en los directos, en los que no solo nos adentra en los temas de este último «Blue Tree Salvador». También repasa todas y cada una de las composiciones compuestas y editadas durante sus 14 años de carrera, así como versiones de temas de Unknown Mortal Orchestra y Jards Macalé. En este sentido, impensable perdernos las dos grandes citas que el artista tiene en Barcelona: hoy sábado 20 de noviembre en L’Occulta y el próximo jueves 25 de noviembre en el Bar Vinil de la ciudad condal.
De manera paralela, Paes también se ha adentrado en el mundo del arte, al haber participado en diferentes exposiciones conjuntas. Así es como dio forma a «Fotosensibilidad», un conjunto de dibujos de humanoides en situaciones inusuales. O la que fuera su primera exposición individual llamada «A Memory of Saudade», una serie de pinturas con retratos, una instalación y fotografías que abordan el tema de la nostalgia, la naturaleza de los rituales, la ascendencia y el renacimiento.
Es por eso por lo que ayer nos sentamos a charlar con Paes, para que nos hablara más y mejor de su proyecto musical y para que nos explicara todo lo que está por llegar o cómo afronta sus conciertos aquí en Barcelona. Entre muchas otras cosas más, por supuesto. ¿Queréis saber más? Pues solo tenéis que darle al play.
No mentimos si decimos que los miércoles se están convirtiendo en nuestro día favorito de la semana, por todo lo que implica, pero sobre todo por el momento de sentarnos a escribir sobre nuevas bandas y artistas, sobre proyectos que acabamos de descubrir y de los que estamos ya completamente enganchadas. Como esta ansia nos come vivas, no podemos evitarlo, tenemos que compartir este momento con vosotros. Es por eso por lo que hoy nos decidimos a hablaros de Paes, Pierre-Luc Lessard, Tameera y Granny Smith. Nos dejamos llevar y nos permitimos viajar de una punta a otra, sin salir de casa. Y haciendo una de las cosas que más nos gustan del mundo: escuchar música.
Afincado en Lisboa, pero brasileño de nacimiento, Paes irrumpe con una fuerza sobrenatural con su nuevo single «Hotel Bali». Una canción de lo más especial, que llega acompañada de un vintage videoclip de estética lo-fi, realizado bajo los mandos de Raquel Zandoná y del propio artista. Una canción que se adentra en las entrañas del amor, del amor verdadero. «De un amor que pasa por todas las pruebas que la vida te puede presentar. Un amor que se enfrenta a años, a décadas de tormentas y sucesos diversos. Un amor que reafirma la relación de formas inimaginables». Un mensaje aparentemente simple, tras el cual se esconde toda la complejidad del ser humano: la necesidad de afecto, pero también la desesperación humana. La aceptación de la muerte como un nuevo comienzo. El simbolizar la idea de tránsito, de viaje, de paso por la vida.
Toda una declaración de intenciones que se vio reflejada en este último adelanto, pero también en el álbum que el cantautor y compositor nos acaba de regalar: «Blue Tree Salvador». ¿Os atrevéis a adentraros en las entrañas de Paes gracias a este nuevo trabajo discográfico?
La relatividad del tiempo y del espacio adquieren una nueva dimensión cuando te sumerges en la música de Pierre-Luc Lessard. Concretamente, cuando escuchas su adelanto más reciente y reflexivo, llamado «Inventer des heures». Con una sencillez, pero con una personalidad única, el artista francés ha sabido cómo darle a su voz la relevancia que merece, poniéndola en primer plano en todo momento. Todo a ritmo de pop-rock. Acompañado de su inestimable compañero Guillaume Campbell, Lessard ha creado un tándem perfecto. Así comenzó a demostrarlo en 2014 cuando publicó su debut «Sans frontière»; y así lo ha seguido haciendo con el segundo «Soyons Géants» (2017). Ahora, «Inventer des heures» inaugura una nueva era en su carrera, todavía por explorar. ¿Preparados para descubrirla? Agarraos, que vienen curvas. Y es que 2022 será el año en el que descubramos la nueva faceta del joven artista francés.
Tiene una voz versátil, preciosa. Tameera llega desde Alemania para hacer temblar todos nuestros cimientos, para descubrirnos un nuevo mundo: su mundo. Un universo que está repleto de dualidades, así como está repleta de dualidades su música. Y es que solo ella es capaz de jugar con sonidos electrónicos, con letras sinceras y poderosas. De recrear un estilo melancólico y soñador, a la vez que enérgico. Una personalidad que ha ido desarrollando con el tiempo, gracias a la pasión que ha sentido siempre por el arte y a los estudios especializados que ha cursado durante este tiempo. Una personalidad que, por supuesto, ha sabido reflejar a la perfección en el que ha sido su debut, «My Mind». Un EP único que vio la luz el pasado mes de junio y del que nos ha contado lo siguiente: «todas las letras están inspiradas en historias que me afectaron profundamente en el momento de la creación de la canciones. Mientras trabajaba en este EP, fui capaz de superar ciertas situaciones y procesar experiencias desagradables. Por eso, agradezco poder compartirlo con los demás».
Ahora, que parece que tenemos un poco de tregua, es el momento perfecto de preparar los directos y poder defender este trabajo sobre los escenarios. Por nuestra parte, no podemos estar más ansiosas…y es que ojalá tengamos la oportunidad de cruzarnos con un concierto de Tameera.
Nuestra primera reacción, instintiva, cuando escuchamos por primera vez «Dans mes pensées» fue ponernos a bailar. Es el efecto Granny Smith. El dúo llega desde Francia con un rollazo increíble y con una personalidad completamente arrolladora. Un estilo único con claras referencias a otros artistas como Ed Sheeran o Boulevard Des Airs, cuatro singles en un año y medio, y un álbum que ha visto la luz hace apenas semana y media. Un paso al frente en su prometedora carrera, que ya les ha traído más de una alegría: y es que más allá de la legión de fans que están afianzando, entre los medios de comunicación franceses están generando furor. ¡No es para menos!
Hoy no hemos podido evitar la tentación y no hemos tenido suficiente con una sola recomendación musical. Y es que cuando se juntan varios lanzamientos y todos ellos son top, tenemos que hablar sí o sí dec ellos. Tenemos que hacerles hueco. En esta ocasión, dedicamos esta publicación especial a un artista completamente emergente que, además, nos llega directamente desde Suecia. Se trata del proyecto musical de Fuhr. El joven artista está de enhorabuena porque precisamente ayer, jueves 11 de noviembre, vio la luz su EP debut, llamado «Goodbye».
Mezclando a la perfección lo mejor del pop, con tintes del rock y con influencias de artistas como Avicii, Fuhr arrasa con su primer trabajo discográfico, adentrándonos en una particular historia de amor, su historia de amor. Un viaje que, en apenas cinco canciones, nos hace recorrer todos los estados posibles: desde esas insaciables ganas de perder el control, hasta el sentimentalismo y sensibilidad más puras, pasando por el inevitable deseo de ponerte a bailar. Imposible no hacerlo con esa voz tan característica que tiene, potente pero delicada, rota por momentos y completamente única.
Una montaña rusa constante. Esa sería la mejor manera de definir «Goodbye», que arranca con la misma canción que da nombre al EP. Un primer tema que canta al amor que ha quedado atrás, que nos ha abandonado, al que no dejaríamos de preguntarle una y una vez lo siguiente: «¿dónde estabas cuando te amaba?». Siguen muy de cerca a este tema «Move», «Words» y «Stars». Todo para que sea la instrumental «Epilog» la que ponga el punto y final a este debut tan ansiado. Un recorrido emocional que nos permite conocer más y mejor al artista. Que deja entrever esa tendencia a girar hacia lo desenfadado e imaginativo, pero sin dejar atrás la seriedad y la angustia, cuando estas son necesarias.
Un proceso terapéutico para Fuhr, que nos dice lo siguiente sobre su obra de arte: «Goodbye ha sido mi programa en cinco pasos para seguir adelante. Espero que los oyentes puedan asimilar el EP como una historia y que sientan una sensación de libertad cuando lleguen al último tema». Un diamante en bruto y un gran artista por descubrir. De vosotras, no esperaríamos más, porque lo puede petar muy, muy fuerte.
Si hay algo que nos encanta y que nos tiene completamente abrumadas estas semanas (¡en el buen sentido!) es la cantidad de artistas y bandas que estamos descubriendo. Sobre todo internacionales. Y para nosotras es un verdadero placer, sobre todo por esa capacidad de poder viajar a diferentes lugares sin ni siquiera salir de casa. Es por eso por lo que hoy, nos decidimos a conocer un poco más y mejor estos cuatro nuevos proyectos musicales: Chris Wenner, DG Solaris, Moshka y Astromike Gordon.
Lo primero que nos transmitió Chris Wenner cuando escuchamos su tema «Maywind» fue paz y calma. Dos sentimientos tras los cuales se esconde un mensaje existencial y de autoconocimiento. Todos, en algún momento de nuestras vidas, hemos sentido la pérdida, la pena, dolor, el peso del tiempo y de la memoria. ¿Qué mejor manera de empatizar y reconectar con nosotros mismos que con la música? De ahí, la importancia de canciones como estas. Con una sensibilidad que traspasa fronteras, el artista alemán se ha aliado con Guido Craveiro. Juntos, han dotado de magia al tema, gracias a sus voces aterciopeladas y sus guitarras suaves. Una invitación a la reflexión y una mirada al futuro.
Para alianza especial, la que ha creado DG Solaris junto a Jeremy Tuplin en «Idles». Un tema increíble, nacido a principios de 2020, gracias a dos desconocidos que «luchaban e intentaban escribir una canción juntos, por primera vez en sus vidas». Poco sabían de lo que se avecinaba y, todo lo demás, fue historia. Pero volviendo al tema que nos atañe, el resultado de esta alianza ha sido más que increíble, porque «Idles» es una joya en toda regla, justo lo que necesitábamos escuchar en estos momentos. Una dulce y conmovedora canción a la que esperamos que sigan muchas más. ¡Mucho ojo, porque DG Solaris promete! Con influencias de todo tipo, el artista británico puede presumir de carrera: y es que apenas tenía 13 años cuando comenzó su andadura, llegando hasta el punto en el que se encuentra, alzándose como una de las grandes promesas, no solo de su panorama musical, también del nuestro.
Con un estilo de lo más particular, AstroMike Gordon no parece sacado de esta época. Tan solo escuchando su voz, seríamos capaces de pegar un enorme salto en el tiempo, pero sin movernos del siglo en el que vivimos. Eso es, precisamente, lo que hace que su proyecto sea tan sumamente especial. Así es como la nostalgia que desprende con cada nota, se refleja en su nuevo tema «Sants Montjuic». Una canción que refleja a la perfección su viaje por Barcelona, ciudad en la que la grabó, de la manera más casera posible. De hecho, él mismo cuenta los siguiente: «Caminando por mi antiguo barrio con un amigo empecé a señalar diferentes lugares y a contarle historias de mi época. Fue así como esta melodía empezó a sonar en mi cabeza. Una vez en estudio, no tuvimos tiempo de ensayar o arreglar la canción, pero resultó ser perfecta». Una pequeña gran joya que además, está incluida en el recién estrenado EP del artista sueco, «Reviresco».
Cuando escuchamos por primera vez «Our Father» de Moshka nos quedamos un poco perplejas. En realidad, no sabíamos si nos iba a terminar de gustar. Pero la verdad es que nuestra concepción cambió por completo conforme iban avanzando los minutos. Y ahora, podemos asegurar con todas las de la ley que es un temazo. Una sensación de liberación, de potencia, de fuerza y de empoderamiento rodean tanto a la canción como al proyecto en sí. No es para menos si tenemos en cuenta que la palabra Moshka proviene del término «Moksha», que en la filosofía hindú significa «Emancipación, Liberación, Autorrealización…Despertar». Toda una declaración de intenciones que impregnará todas y cada una de las canciones que escuchemos. Y atención porque 2022 vendrá cargadito de sorpresas.
Hay artistas que llegan a tu vida sin ni siquiera esperarlo, pero cuando lo hacen, remueven todos tus cimientos, rompen todos tus esquemas. Eso es lo que nos pasó cuando escuchamos por primera vez a The Blaxound, el proyecto personal de la artista Marta Román. Funk y soul cantado en español, que no deja de recordarnos a bandas contemporáneas como los portugueses The Black Mamba, aunque sin dejar de beber de otras influencias mucho más clásicas. Pero siempre, siempre, fiel a su estilo soul y funk, y a su personalidad, que son completamente arrolladoras.
El año 2003 fue el inicio de todo, fue el momento en el que Marta Román comenzó su andadura, cociendo este proyecto musical muy a fuego lento, pero con todo el amor, calma, paciencia y almas posibles. Cinco años hubo que esperar para escuchar su primer álbum, «Return of the Blaxound». Pero desde entonces, no ha dejado de crear, de girar y de evolucionar. Especialmente en lo que respecta al idioma. Un paso al frente y una manera de afianzarse, de definir todavía más su estilo. Así es como hemos llegado hasta este punto, en el que The Blaxound ha creado alianza con su compañero, fiel amigo y músico es.pe.jo. «No es por ti» ha sido la mejor prueba de ello. Aunque no será la única, porque tanto juntos como separados, ambos compositores tienen sus historias y sus universos, que terminarán convirtiendo en canciones. Y si no, tiempo al tiempo.
Un total descubrimiento que hemos tenido el inmenso placer de conocer todavía más. Todo gracias a la agradable charla que tuvimos con Marta Román hace apenas unos días. ¿Quieres saber más y mejor quién se esconde tras The Blaxound? Pues solo tienes que darle al play, disfrutar y darle un gran regalo a tus oídos (¡porque el proyecto lo petará, eso es así!).
