A veces, las mejores experiencias vitales te suceden cuando vives fuera de tu ciudad, de tu pueblo, de tu casa, de tu hogar. Las mejores, pero también las peores, las que jamás olvidarás y las que te marcarán lo suficiente como para dar vida y forma a tu nuevo trabajo discográfico. Es el caso del artista y compositor Menend, quien acaba de romper todo tipo de moldes con su nuevo álbum «Yanki». Un álbum que supone una nueva etapa de su inacabable viaje. Un nuevo paso en su búsqueda de la libertad que, sin embargo, cree que significa punto de inflexión. Y es que influenciado por lo mejor de Estados Unidos, pero también por lo mejor de España, ha querido ponerse a prueba y regalarnos esta joya musical que, al menos nosotras, no nos sacamos de la cabeza. Ya sabíamos que era algo que podía pasar y pasó. Sin duda alguna, la mejor manera de explorar los rincones más profundos de su naturaleza al mismo tiempo que experimenta con diferentes géneros musicales.
Un proceso que ha sido muy bonito para el artista, y que ha tenido como resultado el trabajo más ambicioso y detallista de Menend. Sin duda su mayor obra hasta la fecha, un disco de 10 canciones en el que juega con diferentes géneros y con un carácter puramente personal. Un disco que es producto de un viajero incansable yanki que recorre todas las ciudades posibles propagando su música. Un ciudadano del mundo que ha pasado de jugar con los sonidos más urbanos y R&B, a experimentar con el pop y con las sonoridades más melódicas.
Aunque para hablar sobre todos estos asuntos de manera mucho más extensa, mejor si recurrimos a la entrevista que le hicimos al artista y compositor hace algunos días. ¿Quieres saber todo lo que nos explicó Menend sobre su proyecto musical?
Hay maneras de debutar y maneras de debutar. Luego están Silencio Casi que, desde Madrid, han llegado rompiendo todo tipo de moldes con su primer trabajo discográfico, «Un mecanismo extraño». Un álbum de debut en el que absolutamente todo está bien hilado y atado, en el que no queda ni un cabo suelto y en el que cualquier detalle tiene sentido. Desde las propia musicalidad de las canciones, que es una verdadera amalgama de sonidos y géneros; hasta el propio mensaje de las mismas, que se inspira en multitud de referencias literarias como Emilia Pardo Bazán, Fernando León de Aranoa, Franco Battiato, Rafael Alberti o Camarón. Todo sin olvidarnos del propio concepto artístico que envuelve todas estas composiciones musicales y que se hacen especialmente visibles en los vídeos que nos han regalado hasta el momento, en los diseños y en las portadas, que han sido obra y arte de Emilio Alarcón. Un conjunto, un todo mágico y especial a partes iguales.
Un mecanismo extraño que acciona y pone en movimiento imágenes y emociones. «Un mecanismo extraño» que ha sido grabado y mezclado en los Estudios Reno y Metropol Studios por Karim Burkhalter, producido por Juan Sebastián y Karim B. y masterizado por Javier Roldón (Vacuum Mastering). Además, en él han colaborado Alfredo Valentín (guitarra española en «Ensordecedor») y Moisés Moreno López (trompeta y fliscorno en «Esquivar la trayectoria» y «Mi canción»). Un álbum trabajado y redondo que la banda presentó en directo el pasado 9 de junio. Fue en casa, en la Sala Siroco de Madrid. Un concierto al que muy pronto seguirán muchos más, seguro, no tenemos ninguna duda sobre ello. Aunque mientras ese momento llega, queremos aprovechar para recuperar la entrevista que les hicimos hace algunos días a Juan y a Msol. ¿Queréis saber todo lo que nos explicaron?
Fue a principios de 2022 cuando llegó a nuestra vida de manera casi inaudita y, desde entonces, nos declaramos seguidores incondicionales del artista y compositor belga Heyoka. Con un estilo inconfundible, que transita por la electrónica en todas sus formas; y una voz profunda capaz de atravesarte, nos atrapó en apenas dos segundos con la primera canción que nos regaló «Ghost». Poco después fue el momento de «Flashlight» y «Circle», sus nuevas y aclamadas píldoras musicales, llena de talento y verdad. Tres adelantos magníficos de lo que estaba a punto de presentar, del que ha sido su gran EP de debut, «Mercure». Un maravilloso trabajo discográfico que nos ha adentrado en las profundidades del artista, permitiéndonos conocer su faceta más íntima y personal. Y eso que apenas lleva 24 horas en la calle. Pero no hemos necesitado nada más para comprobar que ha llegado para quedarse. Para quedarse de por vida.
Todo un universo de posibilidades hecho canciones. Todo un universo de posibilidades repleto de matices, belleza y eclecticismo. Todo un universo, que ha salido adelante, en gran parte, gracias a una exitosa campaña de crowdfunding que el artista belga impulsó, con el objetivo de alcanzar los 2.000€ antes del 15 de enero. Por suerte, salió adelante y hoy, podemos decir con orgullo que estas canciones también nos pertenecen un poquito. Y es que como resultado, tenemos esta mezcla de estilos que viaja entre el pop, el rock y la música épica; y unas letras potentes y poderosas, que se enganchan en tu mente sin que haya escapatoria posible.
Hace ya un par de semanas hablamos con el artista y compositor que se esconde tras el proyecto de Heyoka y, lo cierto, es que fue una maravilla descubrir todo lo que se esconde tras él. Hoy, ya no nos podíamos aguantar más la entrevista y la hemos tenido que publicar. ¿Quieres saber todo lo que nos explicó el propio Abebe Brismée?
Es uno de los artistas más representativos de nuestra escena, una de las figuras más importantes y voz de más de una generación de personas que ha crecido al compás de sus canciones. Quique González es de otro planeta y así se encarga de demostrarlo en cada disco, en cada concierto. Y el que dio el pasado domingo 18 de junio en Madrid en el marco de las Noches del Botánico, no fue una excepción. Una noche mágica que no hacía más que augurar la cantidad de emociones que viviríamos. Desde la apertura de puertas con la sesión de Juan Melov DJ hasta el propio directo del madrileño, pasando por la espectacular artista canadiense Allison Russell, que también se lució y debutó por todo lo alto. ¿Se puede pedir algo más a la vida? Porque, honestamente, creemos que no.
Tras un directo increíble de Allisson Russell, de esos que se te clavan en el corazón y en la mente, de los que se repiten en bucle hasta el infinito y de los que jamás olvidarás por mucho que lo intentes; llegaba el gran momento de ver en vivo a Quique González. Con ese áurea de misterio, misticismo y ese toque tan de raíz, el artista madrileño abrió con «Miss Camiseta», con esos «Restos de stock» flotantes que se quedan por siempre en el ambiente. Cual «Kamikazes» nos íbamos sumergiendo, canción a canción, en uno de los mejores conciertos en los que hemos estado nunca. Justo en el preciso momento, «Cuando estés en vena» y tengas ya demasiado claro que no huirías ni aunque quisieras, porque al final, el poder de la música y la «Fiesta de la luna llena» terminan por cautivarme más que cualquier otra cosa. Es lo que tiene que cada artista tenga sus propios «Trucos fáciles» para hacer que un «Pequeño rock and roll» nos enganche hasta hacernos decir: «Puede que me mueva».
El poder de la música, sí. Y el poder de Quique González para enamorarnos y dejarnos boquiabiertos con su recorrido, con su experiencia y con sus canciones. Hasta el punto de no importarnos estar a «39 grados» en la calle, porque haríamos cualquier cosa por verlo. Incluso viajar a «La ciudad del viento», incluso dejarnos impregnar por todo el «Salitre», incluso recorrer pequeñas grandes calles que «Se estrechan» hasta ahogarnos, incluso dejar que brote nuestra «Sangre en el marcador». Ninguna sensación en el mundo es lo suficientemente negativa para haber deseado estar en otro lugar aquel 18 de junio. Porque nos habríamos quedado allí cien mil horas más «Hasta que todo encaje», aunque nos hubiéramos perdido «Su día libre» o aunque no hubiéramos visto florecer las «Orquídeas» de nuestro jardín. Hubiéramos dado lo que fuera por volver a escuchar de nuevo «Te tiras a matar» o «Avería y rendición», aunque el tiempo nos lo hubiera impedido y hubiera caído el mayor «Relámpago» del mundo.
Aunque, sin duda alguna, lo peor de aquella noche fue tener que asumir que el concierto de Quique González llegaba a su fin y que, inevitablemente, todos nosotros teníamos que volver a «La casa de mis padres», porque los «Conserjes» del recinto nos pedían amablemente que nos marcháramos. A fin de cuentas, ¿cuántas «Vidas cruzadas» se encontrarían aquella noche en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII de Madrid?
Han supuesto un verdadero descubrimiento en todos los sentidos, pero es que una vez las escuchas, es imposible salir del bucle en el que te logran meter de lleno Las Wonder. Directamente desde Murcia, llegan Marta Gracia, Sefi Meseguer, Betsabé Sánchez y Alba Sánchez para hablarnos de la vida, sin filtros y sin pelos en la lengua. Todo a ritmo de rock, guitarras hipnóticas cargadas de efectos y letras punzantes y directas. Producto de todo su trabajo, acaban de publicar su nuevo sencillo de adelanto «Scorpio». Una canción que ha nacido de la propia necesidad de reconstruirse y resurgir cual Ave Fénix. De cuando, a pesar de todos los esfuerzos, a veces las cosas no salen como uno quiere y sólo queda la vía de reinventarse. Además, mantiene una férrea relación con la astrología, ya que esta carta del tarot es la se identifica con la muerte y el renacimiento. Declaración de intenciones más que lanzada.
Un single más que necesario que ha sido producido por el mismísimo Raúl de Lara en su estudio Arde el Arte de Murcia. Además, esta pieza musical ha llegado acompañada de un increíble videoclip grabado por Carrete de Sal. El inicio de una nueva era para Las Wonder y una de las primeras muestras de lo que será el próximo trabajo discográfico de la banda murciana. Un álbum que supondrá un paso al frente con respecto a su iniciático EP «Pirexia» (2022). Aunque, en esencia, ellas siguen siendo ellas y así lo demostrarán. Si no, tiempo al tiempo. Nosotras no podemos estar más emocionadas por escuchar todo lo que está por llegar, aunque mientras ese momento llega, nos quedamos con la entrevista que les hicimos hace algunos días. ¿Queréis conocer de primera mano todos los detalles que nos contaron? Pues dale al play y disfruta, que se viene fuerte.
Es una de las voces más maravillosas de la escena e icono allá donde vayas y allá donde preguntes. Si todavía tienes dudas, nosotras te las resolveremos diciendo que hablamos de Taylor Swift. Ídolo pop desde que tenemos memoria – desde nuestra adolescencia -, pero con el paso del tiempo, ha ido creciendo y evolucionando, como todos nosotros. Fiel reflejo de todo ello ha sido su música y es que entre de 2020 a 2022 publicó varios álbumes que nos han marcado a fuego, como han sido «folklore», «evermore» y «Midnights». Unas auténticas obras maestras que no logramos sacarnos de la cabeza.
Sin embargo, ahora, con el inminente lanzamiento de «Speak Now (Taylor’s Version)» a la vuelta de la esquina, la artista y compositora de Tennessee ha dado un paso al frente: anunciar las fechas de su gira internacional, con parada en Madrid incluida. Será el próximo jueves 30 de mayo de 2024 en el Estadio Santiago Bernabéu. Una cita muy especial si tenemos en cuenta que lleva ya una década sin actuar en nuestro país, con intento fracasado en el Mad Cool 2020 a causa de la crisis del COVID-19. «The Eras Tour» es ya una realidad.
Pero, ¿qué es lo que nos espera si queremos ver a Taylor Swift en directo? Un espectáculo de más de tres horas y 44 canciones canciones que ya ha recorrido la mitad de los estadios de Estados Unidos con más de 2 millones de asistentes hasta la fecha. Una gira intensa que arrancará el 9 de mayo en París y finalizará el 17 de agosto en Londres. 26 fechas y 18 ciudades serán las afortunadas. Además, estará acompañada en todo momento por la artista Sabrina Carpenter, encargada de abrir todos y cada uno de sus conciertos por todo el mundo. Ahí es poco.
Eso sí, para conseguir las entradas habrá que esperar un poco más. Para acceder a ellas, que se pondrán a la venta el próximo 13 de julio a las 14.00 horas, previamente te tendrás que registrar en la página oficial de la compositora (taylorswift.com/tour). Pero ojo, porque el plazo de registro estará abierto sólo hasta este mismo viernes 23 de junio a las 23:59 horas.
Tras haber caminado en solitario con sus carreras musicales, una de las mejores cosas que han podido hacer por nosotros Khare y Borke es crear esta alianza inquebrantable y regalarnos todo ese talento que tienen juntos. Reclamando, ante todo, su merecido espacio dentro de la escena musical urbana de nuestro país, los artistas gaditanos acaban de sorprender a propios y extraños con su primer álbum de estudio conjunto, «Dieguito Cabrön». Un disco formado por catorce canciones que son sinónimo de puro eclecticismo y verdad. Un punto de inflexión en la vida de ambos y todo un ejercicio de conocimiento por parte de ambos. Y es que este gran debut ha supuesto un gran paso y ha significado para ellos sacar a relucir todos los sentimientos, las vivencias y las dudas que han sufrido a lo largo del proceso de creación y composición. Pero el resultado ha sido verdaderamente maravilloso.
Una pequeña gran oda al arte, que gira conceptualmente en torno al imaginario de un museo y la mezcla del arte clásico y pulcro con el arte urbano. Un concepto que fue surgiendo de manera espontánea conforme el dúo iba componiendo los temas y que encontramos representado en la portada: un busto de una escultura clásica taggeado y lleno de graffitis. Un concepto transversal que lo toca todo y lo llena de magia y de talento. Que inunda todo lo que atraviesa, a ritmo de rap, trap, R&B y multitud de géneros musicales más. Aunque todas estas etiquetas están para romperlas o así lo perciben ellos. Una reflexión profunda y trabajada sobre la vida y la búsqueda del éxito, que trasciende todos los límites de lo imaginable. Es ahí donde radica la verdadera esencia musical de Khare y Borke. La misma que destilarán en todas y cada una de las composiciones con las que nos sorprendan.
Aunque eso es otra historia. Mientras llegan todos estos momentos, ¿por qué no recuperar la entrevista que les hicimos a los artistas gaditanos hace apenas unos días? Khare y Borke sólo acaban de iniciar su talentosa y prometedora carrera musical. Y nosotras felices de haber estado ahí desde el principio.
Hay momentos en los que el silencio se torna necesario, en los que echar el freno se convierte en una necesidad vital y profesional. Porque para volver a conectar con una misma, es necesario adentrarse en ese arduo camino que es el autoconocimiento. Que se lo digan si no a Kuve, quien después de dos años de silencio – en los que la pandemia nos ha dejado tocadas a todas -, ha vuelto con más fuerza que nunca. Tal es así que la artista y compositora murciana inauguró este iniciático 2023 con sus nuevos sencillos de adelanto «Queen M», «Xena», «Cari Cari» y la recién estrenada «Fluye». Unas canciones que no hacen más que mostrar la nueva era de la autora que regresa más empoderada, potente y fuerte que nunca. Unas canciones que estarán incluidas en el que será su próximo, inminente y liberador trabajo discográfico «No Drama».
Un camino que no ha estado exento de dificultades pero que, ante todo, ha sido muy gratificante. Tal es así que con su último lanzamiento «Fluye», que llegó a nuestras vidas el pasado viernes 16 de junio, la artista ha querido explicar más y mejor cómo surgió. De manera natural y en casa, ese lugar de seguridad que le ayudó a liberarse, a desahogarse, a soltar todo lo que llevaba dentro sin miedo y sin pretensiones. «De repente, la palabra fluye se incrustó en mi cabeza y ya no podía salir de ahí. No sabía si quedaba bien o era una peli mía, así que terminé de escribir la canción y llamé a mi madre para que subiera a la buhardilla a escucharla. Cuando empezó el estribillo se levantó de la silla y empezó a bailar y al final del tema ya la cantaba como si la hubiera escuchado cuarenta veces. Yo me puse a bailar con ella y ahí supe que este tema era un tema especial», detalla Kuve en sus redes sociales.
La mejor manera de dar comienzo a esta nueva etapa, en la que Maryan Frutos aka Kuve también ha prometido dar sus primeros conciertos de presentación. Tal es así que el 27 de octubre aterrizará en la Sala Wolf de Barcelona y el 16 de noviembre en la Sala Boite de Madrid. Las entradas para ambos conciertos ya se encuentran disponibles en Codeticketsy Notikumi, respectivamente. Por lo demás, habrá que esperar a ver si se confirman nuevas fechas. ¿Estáis preparados para todo lo que está por llegar? Pues agarraos fuerte, que se vienen curvas.
Negar una obviedad tan clara como el hecho de que nos dirigimos hacia el colapso mundial sería completamente ilógico. No lo decimos nosotras, nos lo canta la banda madrileña Rayo que, tras debutar con su primer «Jungla» en 2019, han dado un paso al frente con su nuevo trabajo discográfico «Turbocapitalismo 3000», que vio la luz este pasado viernes 16 de junio. Con una identidad mucho más cruda, más directa, más industrial y más máquina, la formación liderada por Tábata Pardo, Ágata Ahora y María Frigo nos plantea un viaje al futuro inmediato, solo un paso por delante de este presente acelerado, violento, hostil y kamikaze que habitamos. Una dosis de realidad en estado puro, que se nos ha clavado en la mente – y en el corazón – a partes iguales. ¿Cómo se gestiona tanta verdad en tan poco tiempo?
Cuatro años han pasado desde que escucháramos a Rayo por primera vez. Cuatro años y una pandemia de por medio que, por mucho que queramos, no ha facilitado las cosas. De ahí que la rabia y la decepción sean, en cierto modo, el nexo de unión y el punto de partida en ambos álbumes que se han materializado. La negación y la resistencia ante una especie que no hace más que cargarse el planeta que habitamos. Una especie que es la nuestra. Por fortuna, siempre nos quedará la rebelión y la insumisión como alternativas, y la música como altavoz. En este aspecto, las madrileñas son nuestras mejores representantes.
Por lo pronto, este álbum producido mano a mano junto a Fran Meneses de Metropol Estudios, este «Turbocapitalismo 3000» ya es nuestro. Como si de un arma se tratara. Pero no un arma de las que dañan o asesina, si no de las que te remueven la conciencia. La gran revelación y verdad a seguir, el punto de partida que supondrá el inicio de la revolución. Revolución que llegará hasta los escenarios (porque sí, amigxs, después del lanzamiento, se vendrá gira de presentación). Aunque antes de que ese momento llegue, hemos charlado largo y tendido con Tábata y Ágata, dos de las integrantes de la banda. ¿Quieres saber de primera mano todo lo que nos contaron sobre el proyecto?
Si existe un grupo en el mundo merecedor de ser la banda sonora de nuestra vida, es Love Of Lesbian. Más de una década ha pasado desde que cayéramos rendidas ante las fauces de este místico John Boy, que enganchó al planeta entero con su música y su luz. Canciones salvavidas a las que recurriríamos una y mil veces si así fuera necesario. Desde – muy especialmente – «1999» hasta el más reciente «V.E.H.N (Viaje Épico Hacia La Nada)». Es lo que tiene ser un mago de la palabra, un artista con las melodías y un poeta en todos los niveles posibles.
Y es que si bien es cierto que «V.E.H.N» es un trabajo discográfico con el que han recorrido más de medio mundo desde que lo presentaran en abril de 2021 y cuya gira de presentación está ya prácticamente llegando a su fin. Tanto, que hace apenas unos meses anunciaban su último concierto en el WizInk Center de Madrid (4 de noviembre). Pero es que hace apenas cuatro días hicieron lo propio con la Razzmatazz 1 de Barcelona. Tanto que, tras agotar todas las entradas para el 1 de noviembre, anunciaron segunda fecha en breves. Será el 2 de noviembre y las entradas se ponen a la venta mañana 20 de junio a las 12.00 horas en musikaze.net.
Últimos coletazos de una gira que ha durado dos años y que aún les hará recorrer algunos de los festivales más importantes del estado como el Planeta Sound de Ponferrada (7 de julio), el BBK Live de Bilbao (8 de julio), el Pirineos Sur de Lanuza (14 de julio) y el Brisa Festival de Málaga (22 de julio). ¿Qué pasará después? Sólo deseamos que el futuro permanezca claro y que nos sorprenda con un puñado de nuevas canciones de Love Of Lesbian. Es lo único que le pedimos a la vida, es lo que más felices nos haría. Seguir en este bucle infinito repleto de magia y efectos especiales.
Cierto es que lleva tiempo avisándonos de que su nuevo EP estaba en camino, aunque no fue hasta el pasado 25 de mayo que vio la luz al completo. Pol Wagner firma así su regreso y lo hace por todo lo alto, con «A Hard Place» en nuestras manos. Un disco formado por cuatro canciones preciosas, que han sido a su vez, sinónimo de viaje. Viaje a través de sí mismo, un periodo de autoconocimiento y exploración, de expulsar todos los fantasmas que llevamos dentro y de liberarse después. Un proceso que ha sido largo, complejo, pero luminoso. Un proceso en el que no sólo ha compuesto las canciones – siendo «Calma» la primera que crea en castellano -, si no que también ha ejercido como productor del mismo.
¿Cómo adentrarse de lleno en un viaje del que ya no quieres salir?, ¿cómo hablar de temas tan dispares como la adicción al juego, la fama dentro de la industria musical o la inestabilidad de todas aquellas ciudades que podemos llegar a considerar bellas y pintorescas?, ¿cómo conseguir salir ileso de esta montaña rusa de emociones? Muchas preguntas sin resolver que sólo adquieren sentido cuando se escucha el EP de principio a fin. Un disco diverso, único y especial que, además, adquirirá una nueva dimensión en los directos. Momento en el que Pol Wagner estará acompañado por su infatigable banda The Classmates. De hecho, hace ya alguna semanas tuvieron su primera toma de contacto en casa, en La Marfà de Girona. Pero no será la única, ya que el próximo 2 de septiembre aterrizan de nuevo en les comarques gironines. En esta ocasión, para presentar las canciones de «A Hard Place» en la Sala La Mirona de Salt. ¿Os lo vais a perder?
Eso sí, mientras llega esta ansiada fecha, nosotras aprovecharíamos para echarle un ojo a la entrevista que le hicimos al artista hace apenas unos días. Esto es lo que nos contó sobre su proyecto musical y sobre su nuevo trabajo discográfico.
No hay domingo sin radar musical, más ahora que llega este calor intenso. A grandes males, grandes remedios. Y no hay nada como la música de Mister Co., Ryan Bradley, We Are Pigs y Becca James para curarnos y salvarnos de todo lo malo que existe en este planeta. ¿Alguien más que se atreva a adentrarse de lleno en este viaje de luz y de color? Venga, que arrancamos y ya no hay vuelta atrás.
Si hay alguien que encarne la verdadera naturaleza del arte, tejiendo historias universales con pasión y autenticidad, son el dúo musical procente de Australia, Mister Co. Sólo ellos son capaces de mezclar voces conmovedoras y elementos de pop moderno para crear una magnífica oda el uno al otro, pero también a su público: una oda a la conexión, al amor y al valor de perseguir los sueños más salvajes. Producto de todo ello, acaba de ver la luz su tercer single «Don’t Talk About It». Un cambio, un giro y la experimentación con los sonidos más rock. Una pieza liberadora, en la que la pareja explora la narrativa de ser mantenido emocionalmente cautivo por aquellos que dicen apoyarte. «La escribimos mientras reflexionábamos sobre los momentos de nuestras vidas en los que nos sentimos retenidos y limitados por personas que no querían que tuviéramos éxito con nuestra música, nuestro negocio y nuestra relación. Era nuestra oportunidad responder y dar nuestra opinión», explican Connor y Oscar Absolum.
Desde el corazón de Galway, llega Ryan Bradley para enamorarnos con su sensibilidad musical. Le bastó apenas una canción para demostrar ese derroche de energía que tiene. Precisamente fue con «Late Night Lads» con el tema con el que arrasó, recién cumplidos los 18 años. Pero es que tras el éxito de este iniciático sencillo, el artista y compositor ha vuelto a hacer alarde de su talento con su nuevo «Anthill Story». Una verdadera joya musical que ofrece un sonido sereno, de inspiración folk, que se hace eco de las reflexiones introspectivas que recuerdan a Bon Iver. La implicación de Ryan en todos los aspectos de la creación de la canción, desde la autoproducción hasta la interpretación de cada instrumento, demuestra su notable talento como artista polifacético y su compromiso por ofrecer una experiencia musical única. Dos pequeños grandes himnos que no hacen más que asentar a Bradley como uno de los grandes descubrimientos y figuras emergentes de su país. Todo gracias a su inquebrantable pasión por crear canciones auténticas y cercanas, combinada con sus habilidades musicales innatas.
California es hogar y refugio de la siguiente banda que pasa por nuestro radar musical de hoy. A ritmo de alt metal con riffs brutales, gritos descarados y melodías etéreas, llegan We are Pigs dispuestos darlo todo y arrasar con todo el mundo. Esa energía y electricidad capaces de meterse de lleno en nuestro cuerpo, para no salir jamás. Esa esencia que nos ha cautivado desde el primer segundom a pesar de no ser el estilo al que estamos acostumbradas habitualmente. Un combo ideal formado por el productor, compositor y artista Esjay Jones, junto al productor Billy Corgan y las colaboraciones de Brian «Head» Welch y Morgan Lander. Un combo ideal que nos ha regalado recientemente una canción de escándalo y que nos vuelve locas. Bajo el título de «Faded», es inevitable no caer rendida ante ellos. El inicio de una inmensa cantidad de canciones que todavía están por llegar y que, seguramente, nos sorprendan igual o incluso más.
Aunque para fenómenos inexplicables, tenemos a la cantautora y artista londinense Becca James. Talentosa y ecléctica, enamoró a propios y extraños tras el lanzamiento de su primera canción «Can’t Stop my Shine», en colaboración con Netflix. Éxito absoluto y muchos frutos por recoger, que le han valido la creación de una nueva joya musical preciosa y empoderadora. Así es como ha llegado a nuestras vidas «One». Un viaje espiritual a través de las profundidades del inconsciente colectivo, repleto de voces ricas y etéreas, baterías funky y guitarras brillantes. Inspirado en parte por la activista climática adolescente Greta Thunberg y su alegato al poder de 2018 «Our House is On Fire», este tema es el llamamiento de la autora a la unión, para que recordemos que todos somos fragmentos de la misma pieza de vidriera. «Es fundamentalmente una canción de protesta, que anima a la humanidad a alejarse de los comportamientos destructivos y, en su lugar, a vernos como parte de una comunidad entre nosotros, la naturaleza y el universo, en la que nuestras acciones tienen un efecto dominó sobre todos», explica. Todo un himno que no logramos sacarnos de la cabeza.
