Verdadera Locura

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Carlos Cros: «La Mejor Defensa son temas de superación personal»

La mejor defensa no es un buen ataque, es la buena música. Carlos Cros lo sabe bien. La lucha y el optimismo siempre deben ir por delante. Y así lo refleja el último disco del artista: «La mejor defensa». Para quien se quedara con las ganas en anteriores ocasiones, que se apunte a fuego la próxima fecha en Madrid: 25 de abril en la Fun House.

¿Cómo nace «La Mejor Defensa»?

El disco surge por las ganas locas de componer y sacar material nuevo. Así que, me encerré a componer, ya que tenía mogollón de canciones. Al final, me di cuenta de que el hilo conductor era el mismo. Son temas de superación personal, de encontrar las armas que están en tu interior. Armas que son la mejor defensa para enfrentarte al mundo exterior. Así que ese es la línea general. Alguna canción se me ha colado y habla más del amor, que aun así, es un concepto al que enfrentarse y para el cual también se necesita defensa.

¿Cuál es tu mejor defensa?

La mejor defensa no es un buen ataque, es el dejarse llevar. Es simplemente ver que la vida tiene sus cosas buenas y sus cosas malas. Así que hay que enfrentarse a ellas de la mejor manera: con lucha, con optimismo y con ganas de seguir adelante.

¿Qué hay de nuevo en este disco?

Estilísticamente, tiene puntos en común con «Nadie se resiste al amor». Pero sí que me ha abierto las puertas a otros formatos, a otros tipos de composición. Y alguna letras sí que tocan temas más sociales. Además, es más largo.

El disco tiene 15 canciones, ¿no es demasiado arriesgado?

A ver sí, son bastantes canciones. Pero si empiezas a escucharlas y te metes en la historia, no se hace tan largo.

¿Cómo definirías el disco, en dos o tres palabras?

Defensa, baile y «beautiful».

Ahora que lleva unos meses rodado, ¿qué balance haces del disco?, ¿ha cumplido tus expectativas?

Cuando salió, tuvimos la oportunidad de publicarlo en la Sala Bikini, al completo y con toda la banda. Desde ese momento, hemos aparecido también en distintos medios y blogs. De todos modos, creo que este es un camino largo y que todavía queda por recorrer.

«Cuando tú bailas» y «Pretendes» fueron los dos primeros adelantos. ¿Por qué elegisteis estas canciones?

«Cuando tú bailas» fue por ser una canción muy fresca y desenfadada. Y la letra, creo que encierra todo lo que quiero decir en el disco. Habla de superar un conflicto, ya sea bailando o haciendo cualquier otra cosa.

Luego elegí «Pretendes», porque para mí es una canción muy especial. También habla de otro conflicto, amoroso en este caso. Además, me acercaba a un estilo que nunca había tocado, que era el rock de los 70, tipo Triana. Y, en definitiva, me encanta cómo quedó.

En estos momentos, ¿cuáles son los siguientes pasos de Carlos Cros?

Para empezar, presentaremos el disco en Madrid, el 25 de abril en la Sala Fun House. Y luego lo que queda hacer, es tocar donde sea posible, ya sea en formato acústico o formato banda. E intentar que estas canciones lleguen al máximo público posible.

También tenemos planes de sacar un videoclip nuevo y, quizás, grabar nuevas canciones que saldrán más adelante.

20 marzo 2018
El gran salto de Gotelé, llega con su nuevo trabajo, «Vertical»

Saltar. Saltar tan alto como las nubes. Volar con «Alas de cera». Luchar y pelear. Todos, conceptos que aluden a la verticalidad. Y con la verticalidad, llegan Gotelé y su nuevo trabajo, «Vertical». No hace ni una semana que el álbum ha visto la luz y los abulenses van a empezar a girar con él por toda España.

¿Cómo nace el concepto de «Vertical»?

Tuvimos muchas dudas. El disco tiene varias canciones que hablan de nubes, de salto o de arriesgar. Habían algunos conceptos identificativos, pero al final nos quedamos con «Vertical».

¿Qué titular definiría «Vertical»?

El salto. De hecho, este nombre nos parecía un poco ñoño como título del disco, pero fue uno de los que barajamos.

¿Cómo afrontáis la salida y presentación del disco?

Pues con mucho entusiasmo y mucho cariño. La idea es empezar con el bautizo o presentación, y después comenzar a rodar con él. Y, por supuesto, enseñárselo a todo aquel que esté dispuesto a escuchar.

¿Qué expectativas tenéis?

Hay bastantes, como todas las veces. Hay que sacar el mayor provecho al disco, que además tiene material para hacerlo. Tiene cosas que llaman la atención y están guays.

¿Qué tipo de cosas?

Es un concepto pop rock, que no es muy típico o que ha dejado de ser típico. Y las letras tienen un enfoque curioso, de cara a otros letristas o de cara a los oyentes.

¿No es arriesgado hacer música distinta?

Creemos que no. Que precisamente, por cómo está la música ahora, no. A todo el arte, le viene bien una época de crisis. Porque eso, hace que te reinventes y que exista todo un abanico de nuevas posibilidades. Así que, sí, es arriesgado. Pero en la vida y el arte hay que arriesgar. Si no arriesgas, no ganas.

Hablando de las letras. ¿Qué importancia tienen éstas frente a las melodías?

Para mí, las letras tienen más peso, porque al final es con lo que trabajo. Y creo que en Gotelé se respeta bastante este aspecto. Hemos avanzado porque en este disco, hemos fusilado los versos. Lo que nos ha permitido avanzar. Lo musical también tiene peso, obviamente, pero las letras más.

¿Qué hay de nuevo en este disco?

Este trabajo es más cañero. Antes coqueteábamos con cosas más acústicas, más folk, más tranquilotas. En este trabajo, hemos experimentado más con el pop rock. Queríamos ofrecer un disco de 10 temas, desde distintas perspectivas, pero con energía y «epicidad». Que es un concepto que hemos empezado a trabajar y que no sabemos si existe, viene de épico.

¿Por qué «Alas de cera» como primer adelanto?

Es como una oda más al concepto del disco, al salto. No contada desde la vista del perdedor, sino del que te pone los pies en la tierra. Tú muchas veces tienes expectativas o unos horizontes, que no son reales. Y luego cuando te enfrentas a ello, chocas con la realidad. Así que esta canción es un cántico al: inténtalo, hazlo y luego ya veremos.

Ya tenéis muchas fechas cerradas, ¿cómo afrontáis la gira?

Tenemos muchísimas ganas de empezar a girar. Es increíble. Y ya estamos preparando una segunda etapa, con unas 20 fechas. La idea es seguir hasta verano del año siguiente. Estamos intentando avanzar y llegar al máximo número de personas posibles.

Esta es la playlist de Gotelé

19 marzo 2018
Caloncho y su «Bálsamo» contra el dolor: la música

Directo desde México, llega Caloncho. Con la misma vibra y buena energía que Sadness, a quien abrió sus conciertos en esta gira, el artista mexicano nos está descubriendo «Bálsamo». Este trabajo es su particular píldora contra el dolor.

¿Cómo surge el concepto de «Bálsamo»?

«Bálsamo». Es simple. La música alivia. Y de ahí surge el nombre. De hecho, muchas veces me hacen la pregunta de ¿para qué existe la música? Pues precisamente para eso: para hacernos sentir bien.

Fotografía: Abel Acevedo

¿Cómo te ha sanado a ti la música?

No es nada rebuscado. Cuando escuchas una canción en el momento adecuado, hay dos opciones: escogerla o que aparezca de la nada. Y es que, la música te hace sentir bien, te hace reflexionar, te hace pensar en cómo manejar tus emociones. Si ese impacto positivo, lo ves en tu bienestar, brillas y se lo transmites a los demás.

¿Cómo definirías «Bálsamo» en dos o tres palabras?

Ese ejercicio fue el que hice para escoger el título: «Bálsamo».

¿Cómo nace «Brillo mío» y por qué escogerla como primer sencillo?

«Brillo mío» es de las primeras canciones que hice y sabía que iba a estar dentro del disco, porque es muy personal. Me gusta mucho por lo simple que es y por lo sencillo que fue crearla. Cuando una canción tiene esa cualidad, va a generar empatía. También fue el primer tema que le hice a mi esposa: es el relato de un enamorado en la fase de amor pleno.

Se escogió como sencillo, por lo que genera entre el público.

Siguiendo esa línea, también está «El Optimista». ¿Esta canción surge también bajo esa misma línea de la música como sanación?

Sí, totalmente. Es de las canciones que me hizo llegar a esa conclusión. Es en la vibración en la que me encontraba, que todo lo asocio a ello. Estás leyendo, te da un «eureka!» y todo lo vas viendo bajo esa perspectiva, bajo esa luz. Y «El Optimista» está relacionada con la manera en la que ves las cosas. Quería lograr que cualquier persona que amaneció, se pueda identificar con el discurso.

¿Cómo surge la colaboración con Carlos Sadness?

Conocer a Carlos surge a través de redes sociales. Mucha gente escuchó ambos proyectos y nos empezaron a relacionar. Quizás musicalmente no estemos tan relacionados, pero gráficamente debe haber algún elemento asociado. Así que, hace dos años lo busqué, nos conocimos en Barcelona y comenzamos a hacer «Amor Papaya» por WhatsApp. La canción se fue haciendo de manera muy orgánica y quedó muy balanceada. Al final, la gente no sabía si era suya o era mía.

Fotografía: Abel Acevedo

¿Cómo ha sido la acogida en España?

He tocado dos veces con él, una de ellas fue en el Cruïlla y luego, en la Riviera. La verdad que muy bien. Abrí el concierto de Carlos Sadness en Madrid, con un acústico. Y creo que muy poca gente me conocía. Pero al cantar «Amor Papaya», fue algo sorprendentemente drástico, porque la corearon fuerte.

En lo personal, es la tercera vez que toco en España. Y muy bien, siempre me llevo muy buena impresión de acá. Es un país muy enérgico y cálido.

En abril, tienes gira por Estados Unidos junto a Juanes y Mon Laferte. ¿Cómo la afrontas?

Pues lo veo como una súper oportunidad de llegar a gente que desde hace mucho que quiero llegar. Y es que recibo mucho apoyo de la comunidad hispana en Estados Unidos. E ir junto a Juanes y Mon Laferte es maravilloso. El formato será tocar unos 20 en acústico, antes de que comiencen ellos con sus shows.

Para cerrar: ¿qué canciones recomendarías a los lectores de Verdadera Locura?

Más que canciones, recomendaría artistas, como Devendra Banhart, The Frightnrs y, por supuesto, Carlos Sadness. También escucho mucho a Hinds. Y Dorian también me gusta. Igualmente, también toqué en un festival con Triángulo de Amor Bizarro.

16 marzo 2018
Nunatak y su oda a las historias cotidianas de valentía

«Nunatak y el tiempo de los valientes» no es un disco apto para cualquier persona. Para poder escucharlo e interiorizarlo, hay que dejar la cobardía de lado. Los de Cartagena han arriesgado mucho, pero sabiendo que iban a ganar. Y así ha sido. Ahora, Nunatak se lanza de lleno a la carretera. Es hora de que los valientes demuestren, en directo, lo que son.

¿Cómo surge «Nunatak y el tiempo de los valientes»?

Nosotros, a la hora de componer hacemos primero la música. Y cuando empieza a coger forma, nos centramos en la temática o concepto. Nos gustan mucho los discos conceptuales. Y en este caso, la idea era reunir distintas historias de valentía, en la vida cotidiana. Valentía para acabar con los complejos, valentía a la hora de tirar para adelante con tu vida y con la de tu familia. También hay historias frikis de valentía, como «Tocar el cielo», que es una historia de ficción. En definitiva, es valentía de andar por casa.

¿Y por qué precisamente la valentía?

Porque estamos en un momento complicado, en el que no es típico ser valiente y enfrentarse a las adversidades. Está la cosa cruda. Y porque ya que escribes canciones, haces música y la gente te escuche, aprovechas para hablar de cosas que consideras importantes.

¿Quiénes son vuestros valientes?

Pues esa gente, precisamente. Gente de a pie, que lucha constantemente. Al escribir las canciones, siempre hay una vertiente personal, pero también hay mucha observación del entorno. En cualquier caso, la idea es transmitir que nadie te va a salvar de que te pase algo malo. Pero siempre, siempre hay que luchar.

Comentáis que os gustan los discos conceptuales. ¿De ahí que los títulos de vuestros discos también guarden cierto simbolismo?

Esto viene un poco más por el rollo cinéfilo. Nos gustaba la idea de que Nunatak, aparte del nombre del grupo, fuera un personaje común en todos los discos. Al principio, surgió porque nos apetecía, pero luego acabamos siendo esclavos de nuestro propio frikismo.

Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en dos o tres palabras?

Directo. Enérgico. Sincero. Libre.

«Romper el cielo» fue el primer adelanto. ¿Por qué?

Tenemos que decir que este disco lo hemos grabado de otra manera, por falta de medios, por falta de recursos y por el punto en el que estábamos. Con este disco, elegimos un productor que nos gustaba y dedicamos el tiempo que teníamos que dedicar. Hicimos la producción, como si tuviéramos diez discos. Ha sido todo muy espaciado en el tiempo y dedicamos a cada tema, el cariño y la atención que se merecía.

«Romper el cielo» salió mucho antes de que saliera el disco. Y de las canciones que teníamos, era la más avanzada y la más directa. Además, nuestro productor Raúl, cuando la escuchó, dijo que era un temazo. La primera maqueta, de hecho, la grabamos en casa y nos la íbamos pasando por e-mail.

¿Y cómo llega «Aún Respira»?

Gracias a Carlos Madrid, que fue quien la escribió. Es muy buen amigo nuestro y un letrista genial. Siempre acabamos teniendo alguna letra suya.

En cuanto a la melodía, en ella, jugamos mucho. La canción mantiene las raíces folk, pero también tiene mucho de experimentación, de guitarras eléctricas, de teclados. Este tema es un poco el resumen de los Nunatak de la actualidad, que mezclan lo antiguo y lo nuevo.

¿Cómo definiríais el sonido Nunatak?

La verdad es que ha ido evolucionando, porque en el primer disco se trabajó mucho la parte acústica; en el segundo, se le intentó dar una vuelta, metiendo mucha más caña; y en este tercero, hemos mezclado todos estos elementos, pero de manera más madura.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Nunatak?

De momento, estamos centrados en la promo y los showcases. Luego, empezaremos con los festivales en primavera y verano. Y la gira de salas, ya comenzará en otoño.

15 marzo 2018
Villanueva: «Zoo Para Dos fue como una pastilla para el dolor»

Cuando no hay fuerza para seguir adelante, llega «Zoo Para Dos». Este fue el mejor antídoto para Villanueva. Y para todos los que, hemos caído en sus garras. Positivismo, garra, fuerza y sexualidad. Una liberación constante que permanecerá muchos meses más, sobre los escenarios. En Madrid estará, de nuevo, el próximo 17 de mayo.

¿Cómo nace «Zoo Para Dos»?

En los dos últimos años, cuando estaba con la gira de «Viajes de ida», me pasaron cosas que antes no me habían sucedido. Es la primera vez que pierdo familiares directos y uno de mis amigos sufrió cáncer, del que terminó recuperándose. Han pasado mogollón de cosas y uno también va observando. Y va haciendo canciones, como respuesta a sensaciones que le podrían destrozar.

El disco es muy positivo, para todo lo que pasé. Y la verdad, es que fue como una pastilla para el dolor. Aunque después se me empezó a ir de las manos, y el álbum derivó al placer y el hedonismo. Hay bastante referencia al sexo y al vino. El disco tiene ese toque sexy, a la vez que déspota. Pero también ese punto de: fuera dolor.

¿Qué expectativas tenías con el disco y las ha cumplido?

Yo realmente no estoy en la música, para expectativas. Con todo lo que acabo de contar, necesito canalizar o escupir cosas que me retuercen por dentro. Entonces mi expectativa era conocerme a mí mismo aún más.

¿Y te ha servido para conocerte a ti mismo?

Sí, indudablemente.

¿Cómo ha sido la respuesta del público?

Pues en honor a la verdad: la respuesta fue muy lenta. Que no pasa nada. Creo que Villanueva no es un proyecto de pelotazo, ni nunca lo va a ser. Pero es cierto que a final de año, miro hacia atrás y digo: «Ostras, parece que son más». Hay que plantar mucha semilla.

¿Cómo definirías «Zoo Para Dos» en dos o tres palabras?

Hedonista, disfrutón, sexy y cabrón.

¿Hay alguna canción que sintetice la esencia del disco?

«Hoy es la última». Quizás me equivoque, pero es la que me sale a bote pronto.

Hace poco, se publicaba el videoclip de «El día de el equilibrista». ¿Por qué este tema?

Para eso me tengo que remontar a «Ella» como primer single. No hay que dar explicación, me flipaban las guitarras [risas]. Pero este tema era diferente. No hay que ruborizarse por pensar o querer pensar, que todo puede ir a mejor. Y yo quería hacer un homenaje con esta canción. Un homenaje a la gente de a pie, que se levanta con sus pequeños dramas y tiene que pasar su día.

Has participado en el disco homenaje a Nada Surf. ¿Cómo llega este proyecto a ti?

Me emociono un poco con este tema. En el año 98, descubrí una canción que se llamaba «Popular», escuchando Los 40 Principales. Y me flipó la voz y la manera de frasear que tenían. Pero no solo a mí: también al resto de mi clase. Y es que, todas las pandillas de amigos, tienen como dos o tres bandas comunes, que los unen. En nuestro caso, era Nada Surf. Así que, cuando me dijeron que si quería participar, por supuesto, dije que sí.

Me comentaron en diciembre, que tenía que ser la canción «Hi Speed Soul». Y al día siguiente, estuve pensando en que podría hacerla en castellano. Pedí permiso y me lo dieron. No traduje la canción, porque no encajaría. Así que hice la mía propia. Y fue la hostia.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Villanueva?

Tocar, tocar y tocar. Y continuar con la gira. A Madrid volveré el 17 de mayo, por ejemplo. Y entre toda la movida de conciertos, estoy ya maquetando cosas nuevas. Este material lo estoy ya presentando en formato acústico.

Esta es la playlist de Villanueva

14 marzo 2018
Alberto Torres: la combinación perfecta entre talento y trabajo

Piano, guitarra, violín, voz. Alberto Torres es el artista 10. Pegó el salto en «La Llamada». Desde ese momento, se ha rodeado de grandes artistas como Bely Basarte, Sofía Ellar, Leiva, El Chojin o Angy. Pero pronto, promete sorprendernos con su proyecto en solitario. Los primeros coletazos los viviremos este jueves 15 de marzo en la Búho Real, junto a Tania García y Yerai Cortés.

¿En qué momento empieza Alberto Torres su proyecto en solitario?

Yo vengo del clásico y de tocar el violín en el Conservatorio. Aunque siempre he tenido curiosidad por las optativas de composición. Sin embargo, nunca he hecho nada que considerara que estuviera a la altura de publicarse. Pero tras compararme mi primera guitarra acústica, se aceleró todo y he acabado viciándome como un animal. Así que estoy empezando a componer con letra a partir de ahí. Fue una especie de diario, de sacar mis emociones fuera.

¿Y cuándo tendremos disco tangible de Alberto Torres?

Tangible es la palabra clave en todo esto. Hace casi un año, me plantee sacar disco como tal. Pero he cambiado de estrategia, ya que ahora estoy valorando el publicar single por single, a modo de sesiones acústicas con invitados de lujo. Creo que no tiene sentido sacar un disco completo, cuando nadie me conoce y no he publicado nada antes.

De momento, tengo unas 70 canciones, de las que seleccionaré 9 o 10, y las iré publicando poco a poco. Mi idea es publicar material con una calidad increíble. Quiero hacer una especie de pseudo – EP en acústico y en el que la gente, pueda conocerme y consumirme a través de las plataformas digitales.

¿Más tarde, lo publicarías todo como EP?

Claro. La idea es empezar a publicar single a single, de manera progresiva. Y cuando esté todo, concentrarlo en un mismo EP y dejar claro que todos esos singles forman parte de un mismo proyecto. Ahora para arrancar, ésta me parece buena estrategia, para testar y recibir feedback del público.

De los 70 temas que tienes, ¿cómo vas a hacer para seleccionar solo 9?

Pues va a ser complicado. Pero, como compositor, divido en dos mi material. Por un lado, están los temas que te sirven para sacar todo aquello que te oprime el pecho. Y por otro lado, están las canciones que surgen para calmar la mente inquieta y que pueden estar guays también. Pero realmente, los temas que han salido vomitados de dentro, a la gente le llegan como muy reales. Y esos son los más valiosos.

¿Cuándo empezaremos a escuchar nuevo material?

Pues mi idea es dejar todo grabado para verano. Y ya a finales o principio de otoño, empezar a publicarlo. Pienso a medio plazo. Verano va a ser el ultimátum: este año, pasaré mis vacaciones encerrado en el estudio.

Te hemos visto colaborar con muchos artistas, como Bely Basarte, Sofía Ellar o Angy, entre muchos otros. ¿Cómo surgen estas colaboraciones?, ¿hay alguien que se te haya quedado en el tintero?

He tenido muchísima suerte hasta ahora. Y todo el mundo al que le he dicho de colaborar, me ha dicho que sí. También es verdad, que el tema colaboración, lo quiero tratar con mucho mimo. En mi proyecto personal, me encantaría colaborar con invitados guays, pero que se adapten a las canciones. Quiero mantener la identidad de los temas.

De momento, las canciones que he ido enseñando, han tenido muy buen feedback. Falta cuadrar bien con ellos, para que salgan adelante. Aunque igual puede caerse alguna colaboración.

¿Y cómo llegan a ti proyectos como «La Llamada»?

«La Llamada» fue el germen, el fénix. Me sirvió para despertar y madurar. Los Javis fueron los que me dieron la oportunidad de abrirme al mundo. Yo llego con 18 años, justo después de acabar 2º de bachillerato. De hecho, hice las pruebas al Conservatorio, mientras estaba ya en el musical de «La Llamada».

Llegué al proyecto gracias a Mario Marzo, que era compañero mío de clase. Se lo dijeron a él en principio, pero por fechas no podía. Y me lo comentó a mí, porque pensaba que yo podía encajar. Así que fui, hice el casting y les gusté.

¿Cómo vas a hacer para que la gente distinga entre tus propios temas y las colaboraciones?

En realidad, no es una etiqueta que me pese. De hecho, creo que acompañar a otros artistas no es algo que me vaya a restar a mi a nivel profesional. Por poner un ejemplo: César Pop. Acompaña a Leiva a sus conciertos, pero también hace música en solitario y tiene sus propios conciertos. Y la gente va a verlo. Por lo que, ir con Leiva le suma.

En mi caso, lo veo como algo bueno. La gente me va a ver y se va a sorprender. En plan: ¿y este, que canta con estos artistas, de dónde ha salido?

Recapitulando: el 15 de marzo estás en la Búho Real con Tania García y Yerai Cortés. ¿Cómo afrontas este concierto y cómo se dan las colaboraciones?

Tengo muchas ganas de este concierto y por diversas razones. Tania y yo nos conocemos desde hace tiempo, porque vino de corista con Angy. Luego volvimos a coincidir y tuve la oportunidad de conocer a Yerai, que es su pareja. Los dos son increíbles.

Tania tiene algo especial. Ella canta y la gente se calla. Así que, compartir su primer concierto con ella y con Yerai, me parece increíble. Será especial, porque podré testar mis temas, pero también acompañarla.

Esta es la playlist de Alberto Torres, para Verdadera Locura

13 marzo 2018
En fotos: Carlos Sadness en Sala La Riviera

[vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbRB_OiCEdtcBUGY4WpdfKJ4″][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Él es pura magia y buenrollismo. Su apellido no le hace justicia, aunque como su música – y su pelazo -, es pegadizo y llamativo. Con su electricidad y su facilidad para conectar, llegó el pasado 2 de marzo a La Riviera, dispuesto a hacernos bailar.

Lo mejor es que no estuvo solo. En el momento de invocar a aquellas «Chicas pasándolo bien», aparecieron Varry Brava, los otros grandes representantes del buenrollismo en la música.

Y en la complicada tarea de abrir el concierto de Carlos Sadness: El Caloncho, que también logró enamorarnos de principio a fin.

Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»image_grid» images=»7087,7089,7091,7092,7093,7094,7095,7096,7085,7099,7097,7088,7090″ img_size=»medium»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

12 marzo 2018
En fotos: The Royal Flash en Maravillas Club

[vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbSVm8Bkt5HCivhCvx3M3uHL»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Ellos son pura electricidad. Da igual que toquen en acústico o eléctrico. Fuerza, energía y, sobre todo, ganas de pasarlo bien. Al final, todos esos sentimientos los logran transmitir sobre el escenario. Y pasa lo que pasa. Que cuelgan el cartel de «sold out» de la Sala Maravillas.

Ellos son los madrileños The Royal Flash. Y desde que los descubrimos, estamos contagiadas por su energía.

El pasado sábado 3 de marzo, reventaron la Maravillas, en la que no estuvieron solos. Y es que Ice Crime estuvieron allí con ellos, compartiendo mano a mano el escenario.

Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»image_grid» images=»7041,7046,7045,7043,7042,7044,7040,7047,7048″ img_size=»medium»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

8 marzo 2018
Anaut: «Con Hello There tratamos de marcar nuestro camino»

Anaut regresa. Con sus particulares influencias de soul, R&B, folk y rock. Pero también con toques distintos. Con ese afán de experimentar y de sentir la libertad en sus pieles, nace «Hello There», su reciente puesta de largo. El disco lleva apenas unos días en la calle, pero su nombre ya resuena. Y más que lo hará, porque ahora toca girar, girar y girar.

¿Cómo surge «Hello There»?

Nace tras acabar la gira de «Time Gones On». Decidimos hacerlo los cuatro músicos del grupo, de manera muy libre, trayendo ideas muy variadas. Buscando nuevos caminos, saliendo de lo clásico y explorando nuevas vías. Y aquí estamos.

¿Cómo afrontáis el despegue de este nuevo disco?

Con muchas ganas y cariño. Aunque también un poco expectantes: estamos deseando ver qué pasa y cómo lo acepta la gente. Pensamos que es un cambio. Y como todos los cambios, te deja el «gusanillo» ahí en el estómago.

¿Qué expectativas tenéis?

Las mejores posibles. Es un cambio, una evolución. En ningún caso es una ruptura. Estamos muy ilusionados y los conciertos van a ser muy divertidos.

¿Cómo se produce esa evolución en el sonido?

Probando, arriesgando, dejándonos llevar bastante. Este disco, lo hemos hecho como «soltando los perros». Arriesgándonos y no censurándonos para nada. También nos hemos dejado llevar mucho por la experiencia y por las cosas que pasan en los conciertos. En esta última gira, nos hemos sentido más libres para experimentar e improvisar sobre el escenario. Al final, cosas que probábamos en directo y que veíamos que funcionaban, las trasladábamos al estudio.

Toda esta evolución, os ha permitido desarrollar un sonido propio. ¿Cómo definiríais el sonido Anaut?

0% intelecto y 100% intuición [risas]. En realidad, en este disco se empieza a ver, pero el sonido Anaut todavía se está desarrollando. Las influencias están claras, pero estamos en ello, seguimos buscándolo. Es todo un poco ensayo-error. Pero de cualquier manera, la libertad y el pasarlo bien, siempre deben ir por delante.

Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en dos o tres palabras?

Rock and Roll [risas]. «Hello There» viene un poco por eso, por decir «hola, aquí estamos». No rompiendo con lo anterior, pero tratando de marcar nuestro camino.

Al final, entre unas cosas y otras, te acaban encasillando, pero tú quieres seguir teniendo la libertad para hacer lo que quieras. Y este disco va un poco por ese camino.

Entendemos entonces que, en cierto modo, huis de las etiquetas.

Para lo malo sí, para lo bueno no [risas]. Eso tiene un punto positivo, que es darte a conocer en una escena concreta o en ciertos festivales. Pero, en realidad, nosotros no hemos dejado de hacer la música que queremos. Y eso que somos músicos que tenemos influencias diversas. Al final, nuestra música no es música de género, tiene muchos matices.

¿Por qué apostar por la auto-producción?

Nosotros apostamos por el trabajo en equipo. Nos gusta tener el control sobre la música que hacemos y tenemos a personas que nos ayudan en determinados ámbitos (comunicación, booking, etc). En este disco, nosotros hemos grabado antes en nuestro estudio, para saber a lo que nos enfrentábamos. Después de eso, nos hemos dedicado a completarlo en varios estudios.

«I will see you again» fue el primer adelanto. ¿Por qué?

Nos encantaba. Además, fue la primera canción que mezclamos. Era la que más clara teníamos y también era la más diferente, en comparación al segundo single, que es «The Difference». Nos apetecía que el primer adelanto fuera un reflejo de lo que estamos haciendo ahora.

¿Cómo afrontáis la gira y qué esperáis?

Ahora mismo estamos ensayando el disco nuevo en el local. Tenemos muchas ganas de empezar con la gira y lanzarnos a la carretera. También tenemos la esperanza de ver público nuevo, además de los clásicos, que nunca fallan.

7 marzo 2018
James Maad: «Future 3 nace como un canto a la frustración»

Personalidad, vanguardia y una gran puesta en escena. Así es James Maad. Un James que regresa a escena con su revolucionario y rompedor single, «Future 3». Esta es su gran apuesta para revolucionar la música electrónica desde dentro. ¿Para su próximo EP? Todavía hay que esperar un poco. Pero paciencia, amigos.

¿Cómo surge «Future 3»?

Cuando empecé a enfrentarme a mi siguiente proyecto musical, tras haber acabado «Nobody Will Remember Us», en 2016, hice una presentación en el Café La Palma. Ahí tuve como una dosis de realidad. Porque cuando estás de promo y tienes un impacto en los medios, a veces, crees que eso generará el mismo impacto en el público. Entonces, en el concierto, creía que llegaría al «sold out» y me quedé muy lejos de eso.

En mi caso, siempre he sido muy exigente conmigo mismo. Y «Future 3» nace como un canto a la frustración que yo sufrí en ese momento y que también sufren muchos otros artistas. En realidad, me sirvió como terapia. De ahí, que la canción sea más agresiva que las anteriores.

¿Va a ser todo así a partir de ahora o «Future 3» será el punto de inflexión de algo completamente nuevo?

Soy yo quien compone las melodías y las letras. Así que, en mi caso, sí que tiene mucha influencia el momento emocional en el que me encuentro. «Future 3» coincidió con un momento personal delicado, porque no sabía muy bien hacia dónde estaba yendo. Estaba atravesando una crisis existencial bastante fuerte y, ahora mismo, no me encuentro en el mismo punto. Esta canción, más bien, ha servido como inicio del disco conceptual que está por llegar.

Las canciones del nuevo disco, son menos agresivas que «Future 3», pero son oscuras. Hay un poco de todo. Pero las letras suelen hablar del amor y de cosas que me han pasado a mi. Excepto una que, quizás, es más hardcore incluso.

Con este nuevo tema, cambias el estilo musical y, de hecho, el título parece premonitorio, alegando directamente al futuro. ¿Esto es así?

Totalmente. Es un punto y aparte hacia un nuevo estilo. Hasta «Nobody Will Remember Us», estaba muy influenciado por la música de los 80. A mi último EP, traté de darle un rollo de glamour y sofisticación, que en estos momentos, dejo completamente de lado. Ahora habrá sonidos más electrónicos y menos mainstream. Es todo más extraño.

¿Y cómo afectará el cambio a la puesta en escena?

El cambio ya se ha empezado a experimentar. Antes siempre iba acompañado de otra persona. Entonces yo estaba más libre para moverme sobre el escenario. Pero tomé la decisión de hacerlo yo todo: porque me sentía capaz y porque así me liberaba de la presión de ensayar, cada dos por tres, con otra persona. Esto me da menos libertad para moverme, pero me da más seguridad, porque soy yo quien controla absolutamente todo.

Lo que cambiará a partir de ahora, serán las proyecciones. Éstas seguirán una lógica respecto a la nueva estética que quiero llevar.

¿Cuándo podremos escuchar algo nuevo?

Mi problema es que no sé todavía cuándo saldrá el nuevo disco, ni cuál será el siguiente single. Sí que sabemos que grabaremos con Guille Mostaza. Pero las canciones pueden mutar y evolucionar mucho desde la demo inicial, hasta la versión final.

¿Cómo es el trabajo de la autoproducción?

Para mi es muy liberador, la verdad. Te permite controlar al 100% tu obra. Aunque sí que es cierto que, cuando voy al estudio de grabación, siempre hay un productor que aporta su toque. Me pasó con «Future 3», que cambió como un 70 o 75% respecto a la demo original.

Autoproducirme me ha hecho más libre y más seguro, a la hora de defender mi producto en el estudio. Estoy ilusionado con este proyecto, porque creo que va a ser muy coherente.

¿No ves arriesgado dedicarse a la música electrónica en este país?

Totalmente. En una situación como la mía, me encuentro en el limbo. Porque en España se entiende la electrónica de manera muy purista. Si te sales del house, ya te metes directamente al pop. Y yo quiero hacer melodías mucho más arriesgadas.

A pesar de ello, yo quiero apostar por lo vanguardista. Y creo que esto me va a dar una mayor credibilidad.

¿Cómo recibiste la noticia de tu aparición en el programa «Siglo XXI», de Radio 3?

Fue muy guay. Porque en un proyecto como el mío, no tengo muchos lugares en los que sonar. Así que, el ir escalando esas colinas que te hacen ilusión, mola mucho. Y más, cuando hemos hecho una promoción muy artesanal, porque no hay detrás una maquinaria de una multinacional. Lo hemos hecho todo con la mayor humildad posible. Y que «Future 3» llegara a «Siglo XXI», fue toda una ilusión.

En el punto en el que estamos, ¿cuáles son los siguientes pasos de James Maad?

Ahora mismo, mis siguientes pasos son: grabar mi próximo EP. Y me gustaría crear un proyecto audiovisual. El disco va a ser conceptual, «Future 3» entra dentro de esa estética nueva que quiero adoptar, y quiero que todas las canciones tengan su respectivo vídeo. Quiero que cada una de ellas, tenga su propio sello audiovisual, pero que todas ellas reflejen un conjunto.

5 marzo 2018
Elías Serra y su «Inevitable» apuesta por la música

Colgó el cartel de «sold out» en Costello, el mismo día que presentaba «Inevitable», su último trabajo. Un trabajo del que ya no quedan copias y que pronto se re-editará. Elías Serra es el claro ejemplo de que con esfuerzo y tesón, se puede conseguir cualquier cosa. Así que, toca seguirle la pista muy de cerca.

Si en Costello te lo perdiste, el 25 de mayo tendrás una segunda oportunidad para verlo en Madrid: toca la Sala Boité, con banda.

¿Cómo surge el concepto de «Inevitable»?

«Inevitable» viene de lo que cuenta la letra de la propia canción. El «es inevitable no acordarme de ti» habla de un sentimiento de desesperanza, de intentar olvidar a una persona y no poder dejar de recordarla.

Aun así, el concepto que después le di al disco, fue otro: para mi es inevitable seguir con la música. Y hay que seguir apostando, a pesar de todas las trabas que tiene este mundo. Siempre con la ilusión por delante.

Precisamente, la siguiente pregunta era: ¿qué es para ti inevitable?

La música.

¿Cómo fue trabajar con Candy Caramelo, como productor?

Fue genial y toda una sorpresa. Lo llamé, por un amigo que tenía su contacto. Sabía que Candy Caramelo iba a ser muy buen candidato para grabar el disco. Tras llamarlo y pasarle las canciones, comenzamos a trabajar. La verdad, es que esa fue la primera sorpresa de todo este proceso.

Tras él, estaba todo su equipo humano, al que también admiro. Luego, la guinda del pastel, fueron las colaboraciones (Rulo y El Twanguero).

Ahora que el disco lleva unos meses rodado, ¿ha cumplido tus expectativas?

La verdad es que sí. A ver, no es que espere algo concreto, pero tampoco me planteo dónde puede llegar. Fue genial pasar de no tener nada, a completar el crowdfunding. Luego, una vez publicado el disco, tampoco tenía expectativas. Sé que esto es una carrera de fondo y lo tengo marcado a fuego. Aún así, ha cumplido mis expectativas. De hecho, cada día me llegan mensajes de personas que lo han escuchado y que les gusta. No esperaba tanto.

De hecho, en la presentación en Costello colgaste el cartel de «sold out». ¿Cómo recuerdas ese momento?

¡Genial! Porque tampoco esperaba que en el concierto debut en la capital, hubiera tanta gente. Fue muy emotivo, porque también era el primer concierto con banda. Totalmente inesperado. Además, esa noche también fue maravillosa.

¿Con qué dos o tres palabras sintetizarías el disco?

De puta madre [risas].

Copias del disco agotadas y próxima re-edición de «Inevitable». ¿Cómo afrontas este hecho?

También fue algo totalmente inesperado. En un principio, sacamos 1.000 copias. Y yo pensaba que eran demasiadas. Es cierto que tenía muchos discos vendidos por el crowdfunding, pero pensaba que no iban a volar tan rápido. Pero la realidad, es que la gente hasta me pide el disco por redes sociales.

Ahora con la re-edición, quiero incluir algo nuevo, distinto. Igual una canción nueva o en acústico. Hay que darle una vuelta a ese asunto.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Elías Serra?

Tocar, tocar y componer. Y pensando ya en el siguiente disco, pero esto desde hace unos meses. Hay que trabajar y seguir para adelante.

4 marzo 2018
En fotos: Isma Romero en Sala El Sol

[vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbTLoZuGx-e9JdmWtnrlk37_»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Hay artistas con luz. Una luz capaz de llegar a cualquier rincón y a cualquier alma. Una luz que refleja toda una filosofía de vida: la de dejar fluir. Y precisamente eso es lo que pasó el pasado sábado 17 de febrero, en la Sala El Sol.

Parecía hecho a propósito. Isma Romero presentando «Luminiscencia» en El Sol de Madrid. Cantándonos muy cerca, eso de «Fogonazos de luz». Pero no solo eso. También hubo tiempo de que apareciera «Carlota», la misma que es «La última del baile», esa que es «Una entre un millón».

El concierto fue mágico. Y a más de uno nos sirvió para dar «La vuelta al mundo», con himnos como «Grita» (Jarabe de Palo) o «La quiero a morir».

¿Podemos repetir el concierto en loop?

Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»image_grid» images=»7010,7018,7011,7016,7019,7012,7013,7021,7014,7015,7017″ img_size=»medium»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

1 marzo 2018