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  • El antes y después de Hey! Bastian: la nueva revolución del indie-pop

    El antes y después de Hey! Bastian: la nueva revolución del indie-pop

    Hey! Bastian es su gran salto, su gran cambio, su punto de inflexión. El proyecto vira hacia otros lugares y como resultado, tenemos un nuevo trabajo: «Millenials». Y, precisamente, sobre «millenials» y música, mucha música, estuvimos hablando con ellos hace unos días.

    ¿Cómo surge Hey! Bastian y por qué ese salto de Dreaming For A Day?

    Hey! Bastian surge de una manera muy natural. Veníamos de otra banda, que era Dreaming For A Day. Veníamos del metal y del punk-rock, pero nos apetecía hacer algo mucho más tranquilo. Con Hey! Bastian cambiamos. Por ejemplo, pasamos del inglés al español. Y comenzamos a hacer música para pasarlo bien y que la gente disfrutara con nosotros. Además, se unió el tercer pilar a la banda, que es Eneko. Digamos que nos unió el indie.

    Un cambio de estilo muy drástico, ¿no?

    Aunque vengamos de géneros muy dispares, nos gustan otros artistas que son muy pop. Por ejemplo, Ed Sheeran o Harry Styles. La música comercial también nos flipa. El punto en común de los tres, era ese estilo más Twenty One Pilots o Two Cinema Club. Algo más movido y festivalero.

    ¿Es Hey! Bastian un antes y un después?

    Sí, creemos que sí. Por eso cambiamos el nombre del grupo. Hubo tantos cambios naturales, que eso se tenía que reflejar de alguna manera. Aunque en un principio, no sabíamos si continuar con Dreaming For A Day o cambiar a Hey! Bastian.

    Nos dio pena, porque con Dreaming For A Day llevábamos ya tres años. Pero la gente había acabado etiquetándonos. Nos habían encasillado en el grupo de «los moñas». Y queríamos romper la barrera de hacer música sin etiquetas. De ahí este disco.

    ¿Cómo definiríais este nuevo proyecto con un titular?

    Nostalgia a flor de piel, disfrazado de diversión.

    ¿Cómo afrontáis esta nueva etapa?

    Con unas ganas que alucinas. Llevábamos cerca de tres años componiendo el disco y queríamos que saliera ya, para que la gente lo escuchara. Necesitábamos «vomitar» todas nuestras inquietudes y este disco tiene mucho de eso.

    ¿Cómo sintetizarías «Millenials» en dos o tres palabras?

    De «Millenials» diríamos tres palabras: nostalgia, diversión y sorpresa.

    ¿Y cómo surge todo el concepto del disco?

    Una vez compuestas las canciones, a la hora de elegir título, nos dimos cuenta de que los tres del grupo estamos dentro del rango de «millenials». Además, las letras de las canciones hablan de esa sensación que pueden sentir ahora los «millenials». El título también tiene un tono irónico.

    Precisamente, os íbamos a preguntar por el título. Si éste tenía un sentido o no.

    Todo tiene sentido. Desde las letras hasta los títulos de las canciones, pasando por el mismo título del disco. Todo hace referencia a este momento que estamos atravesando, a esa incertidumbre que hace que no sepamos si «salirnos del rebaño» es bueno o malo. Es una cuestión que está en boca de todos, pero que de la que nadie se atreve a hablar abiertamente.

    Luego, además, nos hemos dado cuenta de que hay gente a la que parece darle vergüenza ser «millenial». Y no es nada grave, a cada uno le ha tocado nacer en una época y vivir unas experiencias.

    «Trastorno emocional» llegó como primer adelanto, con su respectivo videoclip. ¿Por qué esta canción?

    Porque engloba la totalidad del disco. Tiene partes electrónicas, tiene su estribillo pegadizo y el resto de características que está en todo el disco, pero que no todas las canciones tienen. Así que decidimos que era la mejor. Además, todos tenemos un trastorno emocional y más en la época en la que vivimos. Y mogollón de personas nos han reconocido que se sienten identificadas con el tema.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Hey! Bastian?

    Lo primero es presentar el disco al público y que lo escuchen. Y lo siguiente ya va a ser tocar y llevarlo al directo. Tenemos ya algunas fechas cerradas por España, además de la presentación en Madrid, que será el 26 de mayo en el Perro de la Parte de Atrás del Coche.

    ¿Cuál es la cosa más loca que habéis hecho por la música?

    Una vez que tocamos en Alicante y olvidamos el merchandising en Valencia, que fue donde actuamos la noche de antes. Fueron unos días intensos y, tras tocar en el Levante, decidimos volvernos a Pamplona. Del tirón y por la noche. Encima, nos equivocamos encima de carretera y tardamos mogollón.

  • Éclaire: «Las canciones de Meow son buenas, sentidas y optimistas»

    Éclaire: «Las canciones de Meow son buenas, sentidas y optimistas»

    Con su particular estilo entre el pop, el rock y el folk, Éclaire se encuentra en plena gira de despedida de su álbum debut, «Meow». Una despedida que culminará el próximo 29 de abril en la Sala Siroco de Madrid. ¿Estáis preparados para la revolución Éclaire?

    ¿Cómo nace el concepto de «Meow»?

    Nacho y yo [Clara] llevamos tocando juntos 5 años, desde el día que nos conocimos. Siempre hemos tocado en acústico, nos hemos recorrido todas las salas los dos. Hasta que entró en la formación nuestro bajista, Sergio Fernández. Con él, descubrimos que nuestros temas también podían funcionar en formato banda, no solo acústico. Así que empezamos a trabajar en los temas que ya teníamos hechos, llamamos además a amigos y artistas «que te cagas», como Vicente Hervás (batería), Javi Rubio (guitarra eléctrica) y a Rubén García Motos (teclista). Nos pusimos manos a la obra y estuvimos dos meses grabando.

    ¿Cómo fue ese salto del acústico al eléctrico?

    Por un lado, fue muy emocionante. Llevábamos como cinco años tocando en acústico y, de repente, escucharlos en eléctrico…la verdad, es que nos motivó bastante.

    En el proyecto de Éclaire, ¿qué pesan más: las melodías o las letras?

    Las dos, siempre. Las letras son esenciales. Hay melodías preciosas, pero si estás contando algo, tienes que contarlo bien, con todo lo que conlleva. ¿La melodía? Por supuesto también es importante, estamos hablando de música. Aunque a título personal, si nos quedáramos con algo, sería con la letra porque conllevan un trabajo añadido.

    ¿Cómo definiríais este disco tan dispar, en dos o tres palabras?

    Ostras, qué tarea [risas]. Qué pregunta más complicada. Los temas suelen ser muy viscerales, porque cuentan historias corrientes con las que nos podemos sentir identificados todos. Así que, utilizaríamos estos tres adjetivos para describir nuestras canciones: buenas, sentidas y optimistas.

    ¿«Meow» está cumpliendo con vuestras expectativas?

    La verdad es que sí. Nuestra principal expectativa cuando publicamos el disco, era hacer que sonara y llevarlo al máximo número de salas posibles. Y creemos que lo hemos conseguido. Desde que lo lanzamos en 2016, hemos defendido todos los temas en todos los formatos y muchos lugares de España. Y el 29 de abril, nos despedimos de él en la Sala Siroco.

    ¿Cómo afrontáis este fin de gira?

    La verdad es que bien. Estamos motivados y con ganas de conocer el nuevo disco. Este álbum nos ha aportado mucho y, bueno siempre hay algo de tristeza. Pero bueno, siempre hemos sido de ir poco a poco con nuestros objetivos. Y con «Meow» hemos llegado a los Conciertos de Radio 3 y, ¡jamás nos lo hubiéramos imaginado!

    ¿Y cuáles son los siguientes pasos de Éclaire, tras el concierto del 29 de abril?

    El 29 de abril, nos despedimos de «Meow», pero no nos despedimos de los escenarios. El 31 de mayo, tocamos en El Perro de la Parte de Atrás del Coche, con Burt Byler. Aparte, en acústico, recorreremos cinco tiendas FNAC de Madrid y Asturias. Y, a partir de ahí, nuestro plan es ponernos a trabajar en el segundo disco.

    Precisamente, la siguiente pregunta era ¿cuándo podremos escuchar nuevo material de Éclaire?

    Temas nuevos ya están sonando. En prácticamente en todos los conciertos tocamos una canción o dos, que seguramente terminen en el segundo disco. Aunque el 29 de abril, seguramente toquemos algún tema nuevo más. Será una mezcla de ambos trabajos.

    A modo de curiosidad y para cerrar, ¿cuál ha sido la cosa más loca que habéis hecho por la música?

    ¿Qué hemos hecho nosotros? Me da que no somos divertidos [risas]. Una de las cosas más locas que hicimos, fue tocar en el Paseo de la Castellana para la Cadena SER, sin haber ensayado juntos antes. Y con tres músicos con los que no habíamos tocado nunca.

    ¿Y cómo salió aquello?

    Pues salió bien. Pero no hay registros de eso [risas]. Nos llamaron como una semana antes y, probablemente, porque se les caería una banda. Eso fue lo más loco que hemos hecho. Y tocar en una boda, en un patio al aire libre y sin amplificar, durante tres horas.

  • Cuando Nathy Faría y su «future soul» llegaron a España

    Cuando Nathy Faría y su «future soul» llegaron a España

    Directa desde Brasil, llega Nathy Faría para invadirnos con su soul futurista y sus ritmos latinos. «Raise Your Vibration» es su último single. Un sencillo que sirve de avanzadilla al nuevo trabajo que está por llegar. Un trabajo en el que la compositora no descarta cantar en español.

    ¿Cómo empieza Nathy Faría en la música?

    Desde muy niña quería ser cantante, con 10 años componía temas y tocaba el teclado en casa de mis abuelos. También pedía a mis padres que se sentasen para asistir mis conciertos en su salón.

    Profesionalmente, empecé cantando en un programa de TV con 14 años y desde entonces, no he parado. Tuve grupos de pop, de rock, de hip hop. La música es la historia de toda mi vida, todo lo que tengo se lo debo a ella.

    ¿En qué momento decides dedicarte profesionalmente a ello?

    En el  momento en que subí a un escenario por primera vez. Ahí tuve la certeza de que era lo que quería hacer el resto de mi vida.

    Ahora que vives en España, ¿cómo fue la transición o el cambio de un país a otro?

    No fue fácil. En Brasil ya era un nombre reconocido. En mi ciudad, conocía a los mejores músicos y a los medios de comunicación. Ya tenía mi público allí. Cuando vine a Madrid no conocía a nadie y dejé todo para atrás para empezar una nueva historia musical.

    ¿Qué diferencias ves en la música entre Brasil y España?

    La cultura hace que todo sea muy diferente. Brasil tiene una diversidad muy grande de estilos musicales y allí hay un gran mercado musical, cantado en portugués, que se auto-consume. Tenemos, como todo el mundo, una gran influencia de la música de Estados Unidos. Pero hay estilos nacionales como el funk carioca, samba, chorinho, baião,  forró o sertanejo, que son muy fuertes y dominan la escena.

    Para mi la diferencia está principalmente en los estilos. El idioma también hace que las melodías y los sonidos sean muy distintos.

    ¿Cómo ha sido la acogida de tu música en España?

    Muy bien. En poco tiempo, mi público ha crecido y los medios empiezan a reconocerme. Estoy participando en los mejores eventos y eso me da ganas de continuar con más fuerza.

    ¿Te has planteado componer algún tema en español?

    ¡Por supuesto! La verdad es que, en mis conciertos, hago dos versiones de mis temas en español. Y para mi próximo EP, hay dos temas más. Eso me acerca más a mi público de aquí. Siento que cantar en portugués y en inglés, no es lo mismo, porque la gente no termina de entender y engancharse.

    ¿Dónde acudir cuando falla la inspiración?

    Mi inspiración viene en los momentos que menos espero. No creo demasiado en «buscar la  inspiración», pero siempre viene bien dar una pausa en la locura diaria y escapar al campo o a la playa, para encontrar nuevos pensamientos. Los momentos de soledad también me vienen bien para componer.

    ¿Cómo definirías tu estilo en dos o tres palabras?

    Tengo una mezcla de estilos, de músicas y de experiencias vividas. Pero sí que podría definirlo en dos palabra: «Future Soul».

    ¿Cómo surge el concepto de «Raise your vibration»?

    Empecé a componer «Raise Your Vibration» cuando estaba leyendo sobre física cuántica. Pensé en la manera en la que somos responsables de la energía que transmitimos y recibimos. Siempre he creído en la fuerza espiritual que tenemos y que es la que nos hace progresar. Intento transmitir eso con mi música y con mis actos. Cada uno encuentra una manera de elevar su energía. Es un paso que se da día a día, en la búsqueda de la vida perfecta.

    Fue una canción hecha con la ayuda de grandes amigos. Bob Adamson y Grace Puluczek me ayudaron con la letra en inglés. Después, Sergio Salvi hizo la producción y consiguió plasmar todas mis ideas con el ritmo.

    ¿Cómo está siendo la acogida de este sencillo?

    ¡La acogida está siendo muy buena! Es un tema que transmite buena vibra y todos sienten esta energía. Al estar en inglés también ha atraído a más gente. Mi publico ha crecido mucho, especialmente en España, muchos programadores me están buscando. Así que todo es un «Raise Your vibration».

    ¿Cuándo podremos escuchar más temas de Nathy Faría?

    ¡Muy pronto! Tengo muchas sorpresas para este año. Quien me siga en Instagram, ya puede ver las producciones. Lo que puedo decir es que va a molar mucho todo lo que estamos preparando.

    Además, en mis conciertos, hay nuevos temas, temas antiguos en nuevas versiones, covers molonas. Merece la pena asistir al concierto, para entender más el universo Nathy Faría.

    Dentro de nada, actuarás en el Mercado de Diseño de Madrid. ¿Cómo afrontas esta actuación?

    ¡¡Qué ganas tengo!! La verdad que es una gran oportunidad para mi estar en el escenario Aperol Spritz Live, pues por allí pasan los mejores artistas. Estoy preparando un concierto totalmente diferente a todo que ya hice. Mostraré muchas otras facetas mías.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Nathy Faría?

    En los próximos meses, tengo conciertos importantes aquí en Madrid, hay fechas por confirmar en Barcelona, en Valencia. Y también en Portugal. En agosto, estaré de gira por Brasil. Y a la vuelta, habrá más lanzamientos por aquí.

  • Playa Cuberris: «Entrar A Matar refleja el salto profesional de la banda»

    Playa Cuberris: «Entrar A Matar refleja el salto profesional de la banda»

    Llevan tiempo peleando por hacerse un hueco dentro del panorama rock en español. Pero con este «Entrar a matar» han pegado un gran salto. La gran apuesta de Playa Cuberris se está tornando tan real como tangible. Y este viernes 6 de abril, los podremos ver en directo, en la Joy Eslava de Madrid.

    Hace unos días entrevistamos a Pedro, vocalista de la banda. El nuevo disco, los siguientes pasos de Playa Cuberris o la figura de la mujer fueron algunos de los temas de los que nos habló.

    ¿Cómo surge el concepto de «Entrar A Matar»?

    «Entrar a matar» es una declaración de intenciones, en toda regla. De alguna forma, traduce un poco el salto profesional que ha habido desde el primer disco hasta ahora. Digamos que, al principio, publicamos un disco autoeditado y sin ningún tipo de apoyo. Y en este segundo disco ha habido otra proyección. Por un lado, ha habido una industrialización y, por otro lado, una profesionalización. Teníamos que ir a por todas. Ese era nuestro lema.

    Ahora que el disco lleva un tiempo rodado, ¿cómo está siendo la acogida por parte del público?, ¿está cumpliendo vuestras expectativas?

    Pues la verdad es que sí. Ha sido muy agradecido todo este proceso. Y ha conectado mucho más con el público, porque el primer disco era mucho más críptico, en cuanto a lenguaje y estilo. Y con «Entrar a matar» hemos sido más terrenales y hemos hablado de cosas que atañen más a todo el mundo. Por eso la acogida ha sido diferente y el recorrido, nos está llevando a sitios cada vez más grandes.

    Este disco es mucho más terrenal. ¿En qué os inspiráis para componer las canciones?

    Yo soy el que compone las canciones y no me he inspirado en nada abstracto. Sencillamente, he extrapolado las vivencias que yo tenía a otras personas. Es decir, hablamos de amor, de desamor, de salir de fiesta. En definitiva, hablamos de cosas que cualquier persona ha vivido en un momento dado. También nos hemos reservado un poco de lucha social, como siempre hacemos, porque llevamos eso en las venas. Y por supuesto, hemos rescatado el icono de la mujer, que siempre lo llevamos por bandera.

    ¿Por qué realzar la figura de la mujer en canciones como, por ejemplo, «María Isabel»?

    Tiene una lógica, porque el 80% del disco habla de una mujer en concreto. De modo que, en el sentido idiomático sí que hacemos muchas alusiones a la mujer. Así que trasladar eso al plano audiovisual y reforzarlo, también tenía un sentido claro.

    También hemos podido observar un tono más picante, en canciones como «Viernes verdes», «Furia nuclear» o «Locos de atar». Y teníamos que preguntaros el por qué de estos temas.

    Bueno, la sexualidad es algo que tiene que estar presente, siempre y cuando, no se ofenda a ninguna de las partes. Al final, la sexualidad es algo que forma parte de la vida de cualquier persona. Igual que la música. Así que fusionarlas no nos parecía demasiado descabellado.

    ¿De qué manera os ha permitido evolucionar este trabajo?

    En lo personal, nos hemos esforzado cada vez más en nuestros directos. Somos muy agradecidos con lo que nos está pasando.

    Todos los singles que habéis publicado de este álbum, los habéis presentado en formato videoclip. ¿Por qué apostar por ello?

    Vivimos en una sociedad digital, en la que cada vez tenemos menos tiempo para pararnos y disfrutar las cosas. De alguna forma, mezclar la música con un impacto audiovisual, hace que capte un poco más la atención del público.

    ¿Cómo definiríais este «Entrar A Matar» en dos o tres palabras?

    Somos furia nuclear.

    ¿Qué pesa más en Playa Cuberris: las melodías o las letras?

    Suelo componer a la vez. Las canciones surgen un poco así. O a veces haces un poco, lo que se llama «Efecto Frankenstein»: coges una melodía de una canción anterior y lo mezclas con una letra que se te acaba de ocurrir. Y sale una especie de híbrido. Lo cierto, es que cada canción tiene su propio proceso de creación. Lo cierto es que ambas partes, tienen que crear una sinergia.

    ¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

    Yo me he ido a trabajar a Ucrania, para poder pagar el primer disco de Playa Cuberris.

    ¿Cómo afrontáis el concierto de este viernes en Joy Eslava?, ¿creéis que será un antes y un después para Playa Cuberris?

    En cierto de modo, la Joy Eslava es una materialización de lo que ha venido ocurriendo estos meses atrás. Y a la vez, es un punto de inflexión, porque es un salto importante. Es una plaza muy grande y una forma de reivindicar que estamos presentes. En el mundo del rock de Madrid, al menos.

    Después de la Joy Eslava, ¿cuáles son los siguientes pasos de la banda?

    Pues de momento, tocamos el 20 de abril en La Riviera, junto a Sidecars. Y también tocaremos en varios festivales este verano. Ya los iremos desvelando.

    Esta es la playlist de Playa Cuberris

  • Colectivo Panamera presenta su álbum debut en la Sala Copérnico

    Colectivo Panamera presenta su álbum debut en la Sala Copérnico

    Colectivo Panamera están de enhorabuena. El Colectivo formado por Nacho Taboada, Pepe Curioni y Vanja Polaceki han publicado su primer álbum, su álbum debut. Este trabajo, «Colectivo Panamera» está concebido para disfrutar de la música. En él, subliman las influencias de uno y otro lado del Atlántico. Y es que, con sus particulares melodías, a ritmo de cumbia, folk, calypso y carnavalito, es imposible no bailar.

    El disco lo componen 10 temas en total, de los que ya tuvimos un pequeño avance. Ejemplo de ello, son los tres adelantos, «Quiero mucho más», «Un río que se va» y «Hacia el sur». El resto de temas, quienes los habíamos visto en directo, los habíamos escuchado. Ese es el caso de «La Décima», «El Huracán» o «La Calle de la Luna», entre muchas otras. Sin embargo, este disco es la prueba tangible de que este sueño se ha hecho realidad.

    Sus directos también son espectaculares, ya que siempre invitan a la fiesta y al baile. Y este nuevo disco no va a dejar a nadie indiferente. Sin duda, será la banda sonora de este verano.

    Presentación de «Colectivo Panamera» en casa

    El reciente lanzamiento de este nuevo disco, ha agilizado la que, sin duda, será la gira del año. El Colectivo Panamera está ahora mismo con la presentación de este primer trabajo, que les llevará por toda España y también por varios países europeos y americano.

    Tras haber pasado ya por ciudades como Sevilla, Barcelona o Valencia, toca jugar en casa. Y es que el próximo 5 de abril, el Colectivo actúa en Madrid, frente a su público. Ésta será la gran fiesta. Una fiesta que quién sabe si tendrá sorpresas. De momento, nos quedamos con que el 5 de abril, a las 21.30 horas, estaremos todos bailando en la Sala Copérnico. ¡No te quedes sin tu entrada!

    «Colectivo Panamera» nos trae hasta España, lo mejor de la música latinoamericana. Pero lo hace con un toque especial y distinto. Con su propio sello. Colectivo Panamera son el mejor ejemplo de cómo reinventar los ritmos latinos y adaptarlos a la actualidad.

    https://www.youtube.com/watch?v=fOxhVT4AxPI

    Foto: Abel Acevedo

  • Caramelos de Cianuro: lo más hot de Venezuela llega a España

    Caramelos de Cianuro: lo más hot de Venezuela llega a España

    Los venezolanos Caramelos de Cianuro regresan este 2018 a España. No ha pasado un año desde su última visita, ya que el pasado mes de julio cruzaron el océano. Por fortuna, la banda caraqueña está inmersa en su gira «Tour Retrovisor 2018», que los llevará por todo el mundo.

    Con la llegada de la primavera, Caramelos de Cianuro visitará de nuevo España. El próximo 25 de mayo vuelven a la capital, en esta ocasión, a la Sala MON Live (Madrid). Aunque esta no será la única fecha en España. Dos días después, el 27 de mayo visitan la Sala Bikini de Barcelona.

    Una gira en la que deleitarán al público, con sus temas favoritos como «Verónica», «Sanitarios» o «El último polvo». Pero sin olvidar los más recientes, esas canciones que conforman su disco más reciente, «8».

    «8», el trabajo más reciente de Caramelos de Cianuro

    Llevan ya 25 años en activo. Más de dos décadas, en las que Caramelos de Cianuro han publicado ocho discos de estudio. De esta manera, han conseguido su hueco dentro del panorama rock venezolano.

    En 2015, publicaron su álbum más reciente, «8». Y llegó cinco años habían pasado desde el anterior («Lados B»). El disco fue grabado entre Madrid y Nueva York, y está formado por 10 temas. Sorprendieron a sus fans con los adelantos de este trabajo. «Secretos» fue el primer sencillo. Al que siguieron muy de cerca, «Abismos» y «El instante pasó».

    Este disco es el trabajo más maduro y personal de la banda hasta el momento. Aunque continúan nutriéndonos con sus temas de amor, sexo y relaciones casuales.

    En entrevistas previas, Asier Cazalis, el vocalista reconoció que «es un disco menos guitarrero que el anterior, tiene más sonidos distintos». A lo que añadía: «tratamos de buscar otras texturas, otros lenguajes. Cada disco es un retrato de lo que tú estás viviendo en ese momento que lo estás escribiendo».

    En definitiva, «8» se encuentra en esa delgada línea entre reinventarse y arriesgar, y no perder esa esencia tan identificativa de Caramelos de Cianuro. ¿Preparados entonces para verlos en directo? Pronto podréis conseguir las entradas para los conciertos en España.

  • «Saltemos» o cómo Lara Morello ha alzado el vuelo

    «Saltemos» o cómo Lara Morello ha alzado el vuelo

    Lara Morello es sinónimo de trabajo. Con mucho esfuerzo y sacrificio, ha publicado su primer EP, «Saltemos». Este trabajo debut es su gran apuesta y puesta en escena. Hace unos días hablamos con ella, sobre su música, la mujer en la industria, sobre compromiso social y muchas otras cosas más.

    ¿Cómo empieza Lara Morello en la música?

    Si nos remontamos, nos remontamos a la primera canción que compuse con 11 años. Era muy melancólica, una mezcla entre Laura Pausini y Amaral. Siempre me ha gustado la música, aunque empecé a tomarlo más en serio en el instituto. Estaba apuntada al coro y yo siempre estaba atrás sentada, pasando de todo. Pero un día, propuse el tema de «No One» de Alicia Keys y la profesora, me dijo que la cantara yo, mientras el coro me acompañaba. Esa fue la primera vez que canté en público. Todo lo demás, llegó después.

    ¿Y en qué punto te diste cuenta que querías profesionalizarte en este sector?

    Yo creo que eso no hay que pensarlo. Porque si lo piensas, nunca llegas a lanzarte. Es complicado. En mi caso, empecé a escribir, porque me servía para desahogarme. Y a partir de ahí, he seguido. La música es mi terapia. Poco a poco, vas llamando puertas, te van saliendo conciertos y, te das cuenta, de que todo esto es una cadena. Pero si tú quieres. Si te paras, no recoges los frutos de tu esfuerzo.

    En medio de todo este proceso, llega «Saltemos». ¿Cómo nace el concepto de este EP?

    En principio, no tenía la idea de que se llamara así. Ni siquiera sabía que iba a ser un EP. Aunque sí que llevaba tiempo pensando en publicar un disco, pero es un riesgo muy grande. Así que, junto a Iker Arranz, decidí publicar una mini-carta de presentación, con los tres temas más potentes.

    ¿Por qué «Saltemos»?

    Principalmente, porque es una de las canciones del EP. «Saltemos» es un tema que hice con Rocío Medina, de Versilia. Pero al final, cuando tuve la portada del disco delante, me di cuenta de que todo te lleva a algo. Y es que el título de este EP refleja mi estado actual: es mi salto hacia una carrera o proyecto en solitario.

    Todo cobra sentido con «Saltemos»: desde el título del EP, hasta la chaqueta de plumas de la portada, que reflejan las alas. Eso es lo realmente bonito.

    ¿Cómo sintetizarías el EP en dos o tres palabras?

    Sacrificio, ilusión y ganas.

    En tu proyecto, ¿qué pesa más: la melodía o la letra?

    La letra. ¿Hay que decir por qué, no? [risas]. A ver, en parte está bien tener una melodía bastante pegadiza, pero el mensaje pesa más, es lo que contiene todo el significado. Creo que una letra positiva, con una melodía que la complementa, engancha mucho más al público.

    ¿Dónde acudir cuando falla la inspiración?

    A temas que me gustan o nuevos artistas. Porque es una manera de salir de la zona de confort y de las cosas que habitualmente escuchas. Ahora escucha mucha electrónica.

    ¿Qué respuesta está recibiendo el EP y está cumpliendo tus expectativas?

    Pues la verdad es que cada día me sorprendo con las respuestas del público. Lleva un mes en la calle y las principales respuestas, las veo en los medios que me entrevistan o que se hacen eco del lanzamiento del disco. El feedback, fue mucho mayor en el momento inicial. Y en el previo, evidentemente. De momento creo va bien, porque es la primera carta de presentación, pero hay que seguir generando ruido.

    A nivel de producción, estoy contenta, porque es lo que imaginaba y quería.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Lara?

    Pues en estos momentos, estoy un poco inestable. Que es algo negativo. En charlas sobre industria en las que he estado, siempre dicen que hay que vivir a 8 meses vista. Pero eso estando sola, es súper complicado. Yo vivo semana a semana. Pero bueno, el siguiente paso es llevar el EP al directo y rodarlo. Además, de hacer ruido con otras acciones, como covers o colaboraciones con otros artistas.

    A nivel particular, ¿qué importancia tiene para los artistas estar vinculados a distintas causas sociales?

    A mí, particularmente, me encantaría tener más repercusión, para vincularme a más causas. Está siendo más satisfactorio a nivel vital, acudir a la Asociación Inclusive o a la Fundación Down Madrid. También me encantaría que contaran conmigo en el proyecto, «Música en vena».

    Me llama mucho la atención todo este ámbito. Todo sirve. Y creo que está todo vinculado con mi formación como profesora. Yo recomendaría a todo el mundo ser voluntario en algún momento, porque ganas mucho.

    Siguiendo esta misma línea y aprovechando tu participación en «She Is Music Pill», ¿qué opinas de la figura de la mujer dentro de la industria de la música?

    Creo que no se visibiliza lo suficiente y eso que hay mucho talento femenino. Lo estoy viendo en muchas bandas, como Taiacore, que me encantan. En mi caso, no puedo decir que no he tenido suerte, porque siempre he encontrado mi hueco en micros abiertos o festivales. Aun estando rodeada de hombres.

    También pienso que todo este mundo está en constante evolución y revolución. Igual que ahora mismo, hay un auge en el mundo de la poesía y la canción de autor, la mujer está cogiendo cierta relevancia e importancia. Pero hay que seguir luchando y peleando. Tenemos que hacernos valer.

    Esta es la playlist de Lara Morello

  • Lana del Rey inundará Madrid con su disco más romántico, «Lust For Life»

    Lana del Rey inundará Madrid con su disco más romántico, «Lust For Life»

    Lana del Rey es la creadora de grandes himnos, como «Born To Die», «Video Games», «Ride» o «Young And Beautiful», entre muchos otros. Generadora de masas y artista mundialmente reconocida. Desde que saltara a la fama, su popularidad, igual que su música, no han dejado de crecer.

    La gira de presentación de «Lust For Life», llevará a la neoyorquina por todo el mundo. «LA To The Moon Tour» es el nombre de la gira que traerá, de nuevo, a Lana del Rey a España. País que no visita desde 2013, desde «Paradise Tour». De esta manera, el 19 de abril estará en el Palau Sant Jordi de Barcelona; mientas que al día siguiente, 20 de abril, visitará el Palacio Vistalegre de Madrid. Acompañándola y abriendo su particular concierto: la también cantautora Cat Power.

    La gira por Europa de Lana del Rey comienza el 11 de abril en Milán. Y antes de llegar a España, pasará por otras ciudades como Roma, Berlín y Amberes.

    El regreso de Lana del Rey

    Lana del Rey regresa con su nuevo trabajo, «Lust for life», con un tono más romántico y sentimental. Atrás quedan las canciones de amor como sinónimo de peligrosidad. Así fue como Lana del Rey, pasó de la oscuridad a la luz también.

    Un total de 16 cortes que tardó 15 meses en componer. Según las propias declaraciones de la artista, comenzó a concebir el disco «como un álbum con un feeling a los ’50 o ’60, con influencias de Shangri-La o el primer material de Joan Baez».

    En este «Lust for life», la artista ha colaborado con artistas de la talla de The Weeknd, A$AP Rocky, Stevie Nicks y Sean Lennon. Además, este trabajo reciente, publicado en julio de 2017, le ha valido una nominación a los Premios Grammy.

    https://youtu.be/WGXHjiaXaio

  • En fotos: Alberto Torres en Sala Búho Real

    En fotos: Alberto Torres en Sala Búho Real

    [vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbTghT4aVGcdyYcAyvO1MwyA»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Rebosa talento por todos sus poros. De él, ya hemos dicho que toca el piano, la guitarra y el violín. Y además, canta realmente bien. De Alberto Torres, ya escribimos que lo conocimos gracias a sus colaboraciones y a su participación en el musical y película de La Llamada. Pero ya llegó su momento. Su gran momento. Ese momento en el que le toca debutar en solitario y con sus propios temas.

    De hecho, el pasado 15 de marzo debutó en la Sala Búho Real. Pero estuvo acompañado. Antes incluso antes de subirse él al escenario, lo hicieron sus inseparables amigos Tania García y Yerai Cortés, quienes a voz y guitarra, respectivamente, interpretaron sus propios temas.

    Y, de repente, llegó Alberto Torres e hizo magia. Los nervios se notaban, pero todos los que allí estábamos y conocemos mínimamente a Alberto, sabíamos que se iba a salir. Demostrando que es un fuera de serie, pero de esos que llevan la sencillez por bandera. Lo vimos emocionarse y nos emocionó a nosotros que, llorando, aplaudimos lo más fuerte que pudimos. También hubo tiempo para las risas, el humor y el optimismo. Porque él es así, así nos lo trasladó y así lo vivimos nosotros. Lo mejor de todo ello es que más pronto que tarde, podremos tener trabajo tangible de Alberto. Aunque nos falta verlo aún más rodado, con todos esos temas que salen de su mente.

    Por el momento, ese primer concierto lo disfrutamos como si no hubiera un mañana. Y lo cantamos. Y supo cómo dejarnos en silencio, embobadas. Lo cierto, es que no podemos evitar disfrutar y alegrarnos de cada pequeño paso que da Alberto Torres. Es grande y llegará lejos.

    Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»image_grid» images=»7305,7308,7307,7306,7309″ img_size=»medium»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

  • El Levante y sus festivales: nueva edición del EMDIV Festival

    El Levante y sus festivales: nueva edición del EMDIV Festival

    El verano está hecho para los festivales. Festivales que se extienden durante más de tres meses, de junio a septiembre. Sin dar tregua. Sin dar descanso. Para el EMDIV Festival quedan tan solo, 99 días. La fecha marcada a fuego: el 30 de junio. Y el Pepico Amat, será un año más, en el emplazamiento perfecto.

    Hace unos meses conocíamos las primeras confirmaciones. Lori Meyers encabezando el cartel, en un concierto que promete se especial, por ser el último de 2018 en la provincia de Alicante. El pasado año publicaron su álbum más reciente, «En la espiral». Álbum del que han salido temas míticos, como «Siempre brilla el sol» o «Evolución». Aunque para misticismo, el de «Emborracharme» o «Mi Realidad».

    Poco a poco, se fueron sumando «grupazos» como Shinova, a quien descubrimos no hace mucho y nos enamoró desde el minuto 1. Con su reciente disco «Volver» se han coronado, después de empezar a hacer ruido en 2016, cuando comenzaron a tocar en Sonorama, como banda emergente.

    A la fiesta también se unieron otras bandas, como los murcianos Amatria, la guerrera Maryan, al frente de Kuve, nuestro gran descubrimiento del año, Villanueva y la banda eldense, Olivia. Además de los DJs, Cristian Set Roc & Fran Second y We Are England.

    Desvelado el cartel completo

    A mitad de esta semana se desvelaba el cartel completo. Y es que Viva Suecia se sumaban al cartel. La carrera de los murcianos ha sido una carrera de fondo. 2017 ha sido el año de la banda: un año que los llevó por grandes festivales de España, como el Sonorama. Y 2018 promete ser igual de bueno. Pasarán por escenarios como el del WAM, el Sansan Festival y el mismo EMDIV. Sin duda, es el momento de «Otros Principios Fundamentales». Y de «Hoy empieza todo».

    Pero no solo ellos: también lo hicieron Carlos Areces & Aníbal Gómez DJs (Ojete Calor y Muchachada Nui). Son los creadores de himnos como «Viejoven» o «Qué Bien Tan Mal». Además de dos de las caras reconocibles de Muchachada Nui. Pero es que también son DJs y pinchan.

    Un EMDIV que se corona en su séptima edición y que, con total seguridad, dará mucho que hablar. Las ganas de verano, sol y música, empiezan a notarse. ¡Nosotras estamos ya ensayando!

  • Dan Millson: «Little Box of Treasure es mi vida en los dos últimos años»

    Dan Millson: «Little Box of Treasure es mi vida en los dos últimos años»

    Tiene un talento que desborda. Dan Millson, solo con su guitarra y su voz, es capaz de llenar una sala sin apenas esfuerzo. Y esa garra es la que hace que no puedas dejar de mirarlo y escucharlo. Con «Little Box of Treasure» ha sacado a relucir sus pequeños tesoros en forma de canciones. Y nos ha encandilado.

    ¿Cómo surge el concepto de «Little Box of Treasure»?

    Yo trabajaba en una editorial en la que me ficharon y me dijeron de grabar un EP. Tenía canciones o ideas maquetadas desde hacía un tiempo y para mí eran «tesoritos» escondidos que no había escuchado nadie. Así que decidí llamarlo así, más que nada porque en «I miss you my friend», se habla de una caja, en la que guardaba frases o pequeñas cosas.

    ¿Fue por el simbolismo de «I miss you my friend», por lo que fue el primer single?

    No sabíamos que iba a ser el primer single, hasta que no se acabó la grabación del EP. Pero al final, vi que «I miss you my friend» era la mejor canción para ello.

    Ahora que el EP lleva un tiempo rodado, ¿ha cumplido tus expectativas?

    Mis expectativas era sacarlo y dar a conocer una faceta mía que nadie conocía. Y por supuesto, darme a conocer, porque nadie sabía nada de Dan Millson.

    La verdad, es que «I miss you my friend» ha llegado y ha cumplido mucho más que mis expectativas. La gente conoce la canción, es la que más reproducciones tiene y el público la canturrea muchi. No compongo las canciones pensando en si son pegadizas, pero con ese tema, parece que di con la clave.

    El disco anda a medio camino entre el folk y el rock. Pero, ¿cómo define su estilo Dan Millson?

    El EP, creo que es una mezcla de diferentes estilos. Al final, todo se une y se conecta con la voz. Hay canciones más folk, otras son más tranquilas y, luego, de repente, pasamos al pop-funk. Todo se mezcla, pero de manera muy natural.

    En este aspecto, no me gustan las etiquetas en realidad. Creo que son necesarias, pero no primordiales.

    Un titular para definir el EP.

    Mi vida en los dos últimos años.

    Las letras de tus canciones son muy personales e intimistas. Pero si pusieras en una balanza letras y melodías, ¿qué ganaría?

    Yo siempre digo que melodías. Tarareo cosas. Aunque es verdad que, dentro de ese tarareo, suele haber palabras sueltas. Con «Palm Tree» o «I miss you my friend», me pasó al contrario. Yo sabía qué estaba escribiendo y a quién se lo estaba dedicando internamente. Pero generalmente, mis canciones suelen empezar con la melodía.

    Ya has empezado la gira de este EP por España, pero además, tienes previstas algunas fechas internacionales. ¿Cómo han empezado estos conciertos y cómo afrontas los siguientes?

    Pues con muchas ganas, la verdad. Espero pegar un brinco. Me gustaría pegar el salto al otro lado del charco también. Por la Península me ha ido muy bien, no me puedo quejar. Sé que soy artista emergente y soy consciente de que hay sitios donde la gente me conoce más y sitios donde me conoce menos. Pero yo trato de ir a lugares, donde sé que las personas que me siguen, lo tendrán fácil para llegar.

    Pegar el salto pequeñito a Inglaterra, aunque sea de donde procede mi familia, es un avance. Tengo muchas ganas de tocar allí y de ver cómo va a ir. Para 2019 quizás, me encantaría visitar otros lugares como Francia, Italia o Alemania. La idea es no dejar de tocar, porque desde pequeño sé que mi vida está encima de un escenario.

    ¿Y en qué punto te diste cuenta de que querías hacer de la música tu profesión?

    Empecé en el Conservatorio, donde estudié tres años. Recuerdo que la teoría musical se me daba muy mal y que odiaba los dictados. Justo ahí fue donde hice mi primer concierto, al que salí temblando. Pero ahí era demasiado pequeño. La primera vez que me di cuenta, fue con 14 o 15 años. Mi padre tenía una banda de versiones en Benidorm y nos invitó a tocar a mi hermano y a mi. Entonces me di cuenta de que ese mundo me encantaba y que quería dedicarme a ello. Fue horrendo, aunque a la gente le gustó. De hecho, hace poco, en Instagram colgué un vídeo de ese primer concierto.

    ¿Cuándo podremos escuchar cosas nuevas de Dan Millson?

    Dentro de muy poquito. De hecho, puede que cuando leáis la entrevista, ya haya visto la luz «Shine a light». Este tema, lo hice específicamente para la campaña de la DGT. Tengo muchas ganas de que lo escuchéis, porque la producción está mucho más currada y madurada.

  • «Agustín», el tema más solidario de Gentleman Clef

    «Agustín», el tema más solidario de Gentleman Clef

    Dos hermanos, dos instrumentos y mucho folk. «Agustín» es el preludio de algo grande. Es el síntoma más evidente de que se puede ayudar, haciendo música. Gentleman Clef encabezan esta campaña benéfica, cuyos beneficios irán destinados íntegramente, a la ONG Entreculturas.

    ¿Cómo surge la idea de «Ayudar a los demás, escuchando una canción»?

    Cuando comenzamos el proceso de composición de la canción, pensamos en hacerla para otra persona. No surgió como single que anticipa un nuevo disco o como una canción «para nosotros». El tema, en su origen, lo compusimos para un amigo, y con esta base, pensamos: ¿y si hacemos que todo lo que envuelva a este tema, sea para los demás? Y ahí se encendió la bombilla de ligar los beneficios de esta canción a una buena causa.

    ¿De qué manera funciona esta campaña?

    Actualmente, varias de las plataformas digitales a través de las cuales escuchamos música, establecen unos ratios de beneficios por cada reproducción de una canción, que van dirigidos al artista y, en parte, a la empresa que distribuye su música. Lo que ocurre es que esos ratios son muy pequeños. Dependiendo del canal, pueden ser incluso centésimas de céntimo. Por eso, todo depende mucho de cuánto se escuche o viralice el tema.

    Nuestro compromiso es el de donar el 100% de los beneficios recaudados por cada reproducción de la canción, en cualquier plataforma digital, y de manera continuada en el tiempo. De ahí, que el objetivo de la campaña sea que la canción se comparta lo máximo posible. Cuanto más se viralice, más significativa podrá ser la donación al proyecto.

    ¿Llevabais mucho tiempo queriendo lanzar un proyecto de este tipo?

    Siempre hemos tenido disposición total para participar en conciertos benéficos y aportar nuestro granito de arena con la música. Pero hasta ahora, no lo habíamos enfocado de este modo: usando una canción nuestra como bandera. Al final, son distintos modos de colaborar. Pero resulta paradójico que el simple hecho de escuchar una canción, pueda ayudar a los demás. Ese es el punto que nos hizo adoptar una perspectiva diferente para este proyecto

    ¿Por qué elegisteis «Agustín» como tema para esta campaña?

    Precisamente porque es una canción que, desde su creación, concebíamos para dar a otra persona. Ese fue el punto de inflexión que nos llevó a dedicarla a una buena causa.

    Canción dedicada a vuestro amigo Agustín, muy comprometido con las causas sociales. ¿Qué significa él para vosotros?

    Él es uno de nuestros mejores amigos y un fan acérrimo. Por lo que hacer una canción para él, no necesitaba de muchas excusas. Sin embargo, todas las piezas encajaban cuando la canción adquiría esa forma de proyecto para una ONG, en el que todos y cada uno de nosotros, independientemente de lo que hagamos o a lo que nos dediquemos, podemos contribuir.

    ¿Por qué elegisteis a la ONG Entreculturas?

    Principalmente porque en la labor de investigación que hicimos, fue de la que mejores referencias obtuvimos. Un punto importante para nosotros era la dedicación total de los fondos, a la consecución del proyecto en el terreno. En ese sentido, pudimos dar fe de que Entreculturas opera con total transparencia y con impacto real allá donde se lleva a cabo el proyecto.

    ¿Por qué apostar por la educación?

    Era uno de los proyectos que actualmente llevan a cabo y nos pareció más que acertado. La educación infantil y más, para niños en condiciones de pobreza, es un área básica. Este proyecto en concreto, está enfocado a mejorar el acceso a la educación a niños desplazados de Sudán del Sur. Cuando descubres la situación que se vive allí, te das cuenta de que es realmente preocupante.

    Los niños no habrían de pagar por las injusticias de este mundo, y sí que deberían tener las condiciones mínimas para poder mejorarlo.

    ¿Cómo fue la grabación del videoclip?, ¿cómo fue grabar en la Biblioteca de Escuelas Pías de la UNED?

    Principalmente fue un privilegio, al que no podríamos haber optado de no ser por la colaboración y apoyo del Centro Asociado a la UNED de Madrid. Tras presentarles el proyecto, decidieron hacer una excepción y cedernos el espacio, que siendo una biblioteca, ofrecía el contexto ideal para el vídeo de la canción.

    Fue todo un reto porque tuvimos que montar, probar, grabar y recoger en una hora, literalmente. A las 9:00 de la mañana ya empezaban a entrar los estudiantes más aplicados y no podíamos seguir ahí amenizando [risas].

    ¿Cómo surge la colaboración con Maxime Tania?

    Conocemos a Maxime desde hace tiempo y sabíamos que cantaba bien, pero hasta hace pocos meses nunca habíamos planteado que cantara con nosotros. Cuando lo hizo, supimos de inmediato, que teníamos que colaborar juntos en una canción. ¡El resultado ha sido increíble! Quién sabe si repetiremos.

    ¿Qué expectativas tenéis en el proyecto?

    Para hacer grandes cosas tienes que pensar en grande y luego, trabajar para conseguirlo. Nosotros esperamos que el mensaje lleve a la gente a colaborar y a compartir la canción, pues realmente, resulta muy fácil. No hay que gastar dinero, sólo disfrutar de una canción y compartirla si te gusta. Tenemos fe en que la gente que lea esto y otros mensajes, se anime.

    Es cierto que la sobrecarga de información y la velocidad a la que vamos hoy en día, dificulta mucho el que nos paremos a atender cada input que recibimos. Pero al final, cada uno decide dónde quiere invertir su tiempo. Y para aquellos que quieran ayudar a cambiar las cosas con pequeños gestos, aquí siempre habrá una oportunidad.

    ¿Cómo está siendo la acogida?

    ¡Por ahora, está siendo realmente buena! Es una canción sencilla, pero con sentimiento. A la gente le está gustando mucho. De hecho, incluso algún personaje público relevante se ha animado a escribirnos y felicitarnos por el tema y la iniciativa. Así que muy contentos.

    Para cerrar la entrevista, ¿cuáles son los siguientes pasos de Gentleman Clef?

    Nuestros siguientes pasos van muy encaminados a la grabación del nuevo disco. En breve empezaremos con la pre-producción. El plan ya está hecho para dejarlo grabado y mezclado antes de verano. Así que ahora muy concentrados en eso. Paralelamente, tenemos la puerta abierta para seguir actuando en Madrid y resto de España. Próximamente, anunciaremos nueva fecha con banda, para la que pondremos toda la carne en el asador.

    Foto: Abel Acevedo

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