Verdadera Locura

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Musgö: «Open The Gate gira entorno al tema de conectar con el mundo espiritual»

Proyecto multidisciplinar donde los haya y con un sonido tan característico, capaz de envolverte en su potente atmósfera. Se trata de Musgö y de su álbum debut, llamado «Open The Gate». Un universo en el que quedamos atrapadas desde el minuto 1 en el que entró en nuestras vidas. Un universo que, hoy, podemos conocer un poco mejor, gracias a la entrevista que le hicimos hace algunos días a Mar Gabarre, que es quien se esconde tras él.

¿Cómo surge el concepto del disco, de «Open The Gate»?

Pues realmente fue un proceso súper natural, porque me contactaron desde una discográfica para producir el disco, pero finalmente con ellos la cosa no cuajo y salió un poco mal. Pero bueno, eso me sirvió para sentarme por primera vez delante de todas mis canciones y para plantearme qué temas incluiría en mi disco. Justo al hacer eso, me di cuenta de que todas las composiciones que tenía hasta el momento, giran entorno a un mismo tema: el de abrir una puerta con el más allá, conectar con el mundo espiritual y ser conscientes de esa parte que tenemos en nosotras mismas. Todo ello, hablado desde diferentes puntos de vista, como el de la naturaleza o como el de las diferentes religiones y todo lo que tienen en común. Siempre me han interesado mucho todos estos temas, pero claro, hasta que no me senté para plantearme el disco, no me di cuenta de todo ello.

¿Por qué precisamente hablar de este tema?

Yo me he criado en un entorno bastante abierto, ya que mis padres son artistas y están iniciados en una filosofía muy espiritual surgida en la India. Desde pequeña me he acostumbrado a ver a mis padres meditar en casa o hablando de la naturaleza, ya que mi madre también es biológa. Siempre he sentido una conexión muy especial con todo ello: de hecho, soy médium y he tenido diferentes experiencias sobrenaturales. Así que estos termas forman parte de vida y de mi día a día.

En este sentido, ¿qué importancia tiene el mensaje de las canciones?

Pues mucho, la verdad. Aunque estas cosas salen un poco solas, yo intento que el contenido que se transmita en las canciones sea real y tenga un sentido profundo que, junto a la música formen un todo, un conjunto.

¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Open The Gate»?

La verdad es que fue un proceso largo. Este ha sido mi primer disco y he estado componiendo durante mucho tiempo y creándolo de diferentes maneras, ya que no sigo un solo método para componer, pero sí que muchas de las canciones que escribo, surgen a partir de imágenes, de mis propias imágenes, ya que también soy artista plástica. Primero creo las imágenes que, posteriormente, adquieren una dimensión en forma de historia, en forma de letras, de canciones.

¿Y cómo ha sido la acogida de este disco por parte del público?, ¿cómo ha sido el feedback?

Pues fue muy buena, la verdad. Yo soy de Chiclana y claro, aquí hay mucho flamenco y mucho carnaval. Y cuando haces algo diferente, ya la gente te empieza a decir: «tienes que componer en castellano y hacer flamenco, si no no le va a gustar a nadie» [risas]. Claro, lo que recibía desde fuera siempre era un poco ese mensaje y, de repente, hago un disco de tripop e indie más experimental, con el que estoy recibiendo muy buena acogida y muchos mensajes positivos. Mucha gente me ha escrito diciendo: «no sé qué tipo de música has hecho, pero siento que me traspasa el alma y me está cambiando por dentro». O sea, mensajes súper profundos que me han hecho mucha ilusión. Es muy guay que la gente note esa energía que le pongo a mis canciones y a mi arte. Que yo pongo mi corazón, con cero expectativas, aunque evidentemente, creo en mi proyecto. Pero cuando desde fuera te están lanzando otro mensaje, pero aún así te arriesgas, crees en ti misma, publicas un disco en el que hay tanto de ti y que es tan transformador, y encima a la gente le llega…es una sensación muy guay.

A nivel de producción, ¿cómo fue el trabajo en Freemonk Music?

Es algo que viene de largo, porque yo participé en Got Talent y a la salida del programa, me contactaron de una diacográfica, para lanzar el disco juntos. Sin embargo, no fue lo que esperaba ya que querían que publicara un disco más comercial, con lo que no me sentía identificada. Así que decidí seguir mi camino y hacerlo de manera independiente: preparé las maquetas, producí los temas y haciendo los arreglos. Ya fue ahí cuando me mudé a Londres, lancé una campaña de crowdfunding que funcionó muy bien y, a partir de ahí, empecé a trabajar en Freemonk Music, Allí terminamos de producir todas las guías que llevaba yo ya preparadas: allí, claro, con un equipo de primer nivel y además, con Chris, que tiene una visión y una experiencia increíbles.

Tienes un sonido muy característico e incluso han llegado a decir que eres la Björk española. ¿Cómo construye Musgö todo su universo sonoro?

Objetivamente, no pienso en los sonidos cuando estoy creando. Es más bien esa sensación que te comentaba antes de ver una imagen y transformarla en un sonido: es casi más un proceso sinestésico, más que algo consciente. Yo me imagino los colores o las imágenes que quiero transmitir con la canción y en base a eso, voy creando y experimentando con los instrumentos y las herramientas digitales que tengo.

¿Qué importancia tienen otras disciplinas artísticas en el proyecto de Musgö?

Pues la importancia es total. Y es que yo estudié Bellas Artes, mis padres son artistas plásticos y desde pequeña he mostrado interés en todo ello. Además, con la música siempre he tenido claro que no quería simplemente hacer música. Mi objetivo desde que empecé a tocar, era encontrar este espacio crrativo en el que pudiera mezclar lo visual con lo sonoro. Afortunadamente, ahora lo tenemos muy fácil con todos los vídeos que podemos crear y con todas las herramientas que tenemos a nuestro alcance: ahora más que nunca. imagen y sonido pueden estar muy cerca. Aunque yo desde muy pequeña sabía que quería que todo estuviera junto. Ya más adelante, cuando descubrí el teatro, me di cuenta de que también quería incorporarlo y, de hecho, en Musgö hemos creado un espectáculo al que hemos llamado cabaret holístico. Que básicamente son las historias místicas de las canciones, contadas a través del cabaret. Y es que al final, todo esto es la mezcla de teatro, lo visual y la propia música.

A pesar de la incertidumbre de estos momentos, ¿cuáles serán los próximos pasos de Musgö?

Pues intentar, dentro de lo que se pueda, hacer algunas presentaciones más y seguir haciendo lo que hemos estado haciendo, que es componer música con el corazón.

¿Qué canción de Musgö define mejor el momento en el que estás y por qué?

Buf, ¡qué difiícil! [risas]. Pues yo creo que «Hope», precisamente por el tema que trata, La canción es instrumental y no tiene letra, pero tiene como el halo de esperanza que necesitamos ahora, el impulso de que todo va a ir bien y vamos a seguir para adelante, a pesar de todo.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

¡Ostras! Pues no sé ahora mismo [risas]. Es que he cometido tantas, que no sabría hacer un top. Aunque creo qye la mayor locura es tener la confianza de arriesgarlo todo por la música.

11 mayo 2020
St Woods: «Bones ha sido mi manera de superar ciertas situaciones duras»

Hace dos días vio la luz el álbum debut de St.Woods: un trabajo en el que el artista se desnuda y nos explica algunos de los momentos más personales de su vida. Un álbum intimista, plagado de vivencias e historias. Un álbum que emociona, que nos hace sentir en una auténtica montaña rusa. Un álbum que nos cala hasta los huesos, como su propio título indica. «Bones» ya es nuestro y, precisamente, hace un par de semanas pudimos hablar con Nacho, su creador, la persona que se esconde tras St.Woods. Una entrevista con la que pudimos conocer más sobre el disco, sobre el proyecto y sobre el propio artista. ¡No os la perdáis!

¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, de «Bones»?

Todo empieza un poco porque yo quería grabar en Estudios Reno con Luca Petricca, ya que lo venía siguiendo desde hace un tiempo y me gustaba todo el trabajo que estaba haciendo: había trabajado con Izal, con Vetusta Morla, con Novedades Carminha. Y sí que es verdad, que ya teníamos como cita cerrada a tres meses vista, para empezar a grabar unas demos que ya tenía. Pero durante ese periodo, por circunstancias de la vida, en mi familia perdimos a dos personas, a dos familiares cercanos y también personalmente, atravesé una serie de problemas. Todo eso hizo que las canciones que tenía pensado grabar, quedaran en un segundo plano y que yo comenzara a escribir sobre unan ueva temática, más acorde a lo que en ese momento yo estaba sintiendo. Así que al final, los primeros meses en el estudio me sirvieron un poco para sobrellevar mi propio duelo y, casi sin querer, Luca, Brais y yo terminamos dándonos cuenta de que teníamos un disco que hablaba sobre un denominador común, que es «Bones» y que cuenta una historia. Accidentadamente, podría decir que este álbum es mi propia manera de superar ciertas situaciones duras que me estaba costando superar.

Precisamente queríamos preguntar sobre eso, ya que el disco trata sobre el propio dolor. ¿Fue finalmente una especie de cura?

Sí, yo creo que es algo que pasa mucho o al menos, a mí me sucede: que vives cierta experiencia negativa y en vez de que alguien te dé la solución, lo que necesitas es poder contarlo, para quedarte más tranquilo. Así que creo que algo así fue lo que me pasó con el disco. Al fin y al cabo, también estuvimos durante dos meses, tres personas trabajando en este álbum, y la conexión y las conversaciones que tuvimos, me animaban aún más a liberarme y a soltar todo lo que tuviese. Y, bueno, creo que «Bones» hace una especie de análisis de todo lo que es el dolor y de apreciación de lo que ess el sufrimiento de perder a alguien: y es que si alguien se va y te duele, es porque todo lo que ha pasado por medio ha sido bonito. Ese ha sido un poco en análisis.

¿Es entonces la música una especie de bálsamo, especialmente en estos momentos o en este tipo de circustancias?

Sí, yo creo que sí. Y es lo que digo muchas veces, la música tiene muchos usos, muchas aplicaciones. Para mí es una manera de evadirme de todo lo que está ocurriendo y para mí, sí que es una especie de cura. De hecho, incluso grabando este mismo disco, escuchaba mucha música: más que para tener referencias, para calmar todo lo que estaba sintiendo. Y en situaciones como la que estamos viviendo, puede que la música no sea lo más importante: pero de lo menos, sí que es lo más relevante.

¿Cómo viviste todo el proceso creativo y compositivo en los Estudios Reno?

Pues la verdad es que tenía muchas ganas, porque mi experiencia en un estudio no iba más allá de la que tuve con Brian Hunt en El Invernadero y en la que me lo pasé muy bien. Pero claro, en esta ocasión era diferente: el meterme a grabar mi primer álbum y con el riesgo a hacerlo, sin haber tenido muchos lanzamientos anteriores. Así y todo, el trabajo en el estudio fue una experiencia muy enriquecedora: me sirvió para aprender mucho y para darme cuenta de errores que podría estar cometiendo. Para mí, esos casi dos meses que estuvimos en el estudio, me han servido mucho para tomar conciencia de lo que estoy haciendo y de lo que quiero hacer. Y creo que todo ese aprendizaje y ese cambio musical, se aprecian en el álbum. De hecho, el haber tenido esta experiencia, me ha servido para darme cuenta de que la experiencia que quiero transmitir en directo es diferente: el querer ir con banda y no tanto solo.

¿Y cómo ha sido la experiencia de trabajar con Luca Petricca y Brais Ruibal?

¡Bien! Creo de hecho, que hemos formado un equipo bastante chulo, porque Luca es un poco la voz de la experiencia: era quien nos guiaba cuando a lo mejor, nosotros nos atascábamos. Además, es increíble trabajar con él todo el tema de la belleza mediante lo simple o lo sencillo. Y por otro lado está Brais, que es un chico muy joven pero con muchos conocimientos técnicos y con un gusto exquisito, a nivel de referencias que quizás nadie conoce. Así que la experiencia fue una auténtica gozada y es que, como te decía, llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con Luca, porque además, los dos compartimos muchos gustos musicales. Y creo que eso él lo ha sabido transmitir muy bien en el disco y a todas las personas que participan con él. Sin duda, «Bones» no puede estar mejor producido, porque el tándem con Luca y con Brais ha sido la fórmula perfecta.

¿Y cómo te sientes ante el lanzamiento?

No me esperaba para nada publicar el disco bajo estas circunstancias. Tuvimos muchas conversaciones para ver si lo retrasábamos o no, pero es que tampoco me imaginaba atrasarlo mucho más. Aún así, tenía muchas ganas de que viera la luz y es que tengo la sensación de que, más allá de los grandes números o de los grandes conciertos, cada hito que se va dando en St.Woods es más colectivo. Al principio, me sentía y estaba más solo, pero de repente el equipo y la banda crecen, la gente que sigue el proyecto también. Entonces tengo muchas ganas de que vea la luz el disco, precisamente por esta sensación que te comento. Es como una especie de victoria colectiva.

Los dos primeros adelantos que pudimos escuchar fueron «A Part From God» y «On Me», ¿por qué estas dos canciones como avanzadilla?

«On Me» fue una especie de anzuelo que publicamos, a ver qué pasaba, porque también el EP del que venía era muy diferente, y justo ahora queríamos dar el cambio a un sonido más nuevo y desde otra perspectiva. Y sí que es verdad que con los singles, lo que queríamos más bien es empezar a posicionarme yo para mostrarle a la gente de lo que soy capaz. El «On Me» fue la primera manera de mostrarle a la gente que el sonido iba a cambiar. Mientras que con «A Part From God» quería volver a un sonido o a un género en el que la gente me ha conocido más. Pero no ha habido un criterio o motivo específico de por qué seleccionar una canción u otra, aunque sí que nos sentamos Luca, Brais y más personas del equipo para pensar qué temas podrían encajar más como aperturas del disco.

Aunque el futuro es un poco incierto, me gustaría saber cuáles serán los próximos pasos de St Woods tras el lanzamiento de este álbum debut.

Pues la idea que teníamos si no nos hubiera tocado toda la situación que nos está tocando vivir, era irnos en mayo fuera a tocar, concretamente en Reino Unido. A la vuelta, también teníamos varias fechas confirmadas en España, que iban un poco en paralelo a una gira que teníamos con Bellako. De todo esto, con el tema de las presentaciones, estamos muy pendientes a la evoluciñón de la situación y a las recomendaciones sanitarias, para intentar relocalizarlas lo antes posible y para que el disco pueda tener su debida puesta en escena. En cuanto a los conciertos fuera de España, muy seguramente no podamos hacerlos hasta el año que viene. Pero bueno, por el momento, toca esperar y estar atentos a cuándo nos dejen, primero ensayar, y luego tocar. Tampoco es que, en estos momentos, sea muy partidario de los conciertos con banda en streaming, porque creo que no le harían justicia al disco. Así que, de momento, esperar y seguir preparando material de este disco, para ir lanzándolo durante los próximos meses.

Por cerrar ya un poco, quisiera saber cuál es la mayor locura que has cometido por la música.

¡Buf! Pues hay algunas interesantes y otras que casi me matan, de hecho. Pero quizás, la que más me represente a mí, sea la siguiente. Yo me fui a estudiar de Erasmus a Bélgica y más bien por la necesidad de hacer algo, empecé a tocar en la calle. Y, curiosamente, lo que yo pensaba que sería una tarde tocando en la calle, se convirtió en un auténtico viaje por toda Europa tocando en espacios públicos y ganando el suficiente dinero para poder viajar al siguiente destino o país. Sin duda alguna, la experiencia de tocar en la calle, no sé si es una locura, pero ha sido una de las mejores decisiones de mi vida.

10 mayo 2020
Dan Millson: «Home surge de la inactividad y de querer ser un creativo»

Es uno de los artistas a los que más hemos seguido y, probablemente, a los que más cariño guardamos. No nos hemos perdido ni un solo concierto suyo, porque sabemos que siempre son especiales. Con su espectacular voz, es capaz de hacerte sentir toda una montaña rusa de emociones. Se trata de Dan Millson, que acaba de publicar su nuevo EP en pleno confinamiento: «Home» ya es nuestro y, a continuación, lo desgranamos. Así fue la entrevista que le hicimos al artista.

¿Cómo surge el concepto de este EP, «Home»?

Creo que como nos ha pasado a todos, los proyectos que teníamos en mente se disolvieron. Yo tenía canciones en proceso de ser lanzadas, estaba en medio de grabaciones de videoclips y tenía ya en mente cómo preparar el lanzamiento. Pero tuve que parar y frené todo ese proceso, porque pensaba que tampoco era el momento de lanzar todo ello ahora. Entonces me puse a pensar y decidí empezar el proceso de cero. Dejé apartado el proyecto que tenía iniciado y empecé a componer nuevas canciones, aquí en casa. Si son cinco, son cinco y si es una, es una. Y me puse la meta de sacar dos EPs de dos canciones cada uno. Que si al final son tres, pues tres, depende de lo que dure el confinamiento. Entonces, ¿cómo surge? Surge de la inactividad, de querer ser un poco creativo y de la imposibilidad de seguir adelante con lo que tenía en mente. Ya no tanto de las ganas de componer, porque al principio, sentía que no me apetecía. De hecho, «Between 4 Walls» habla un poco de eso: del hecho de tener que hacer cosas, aunque no quieras. Pero gracias a esa frustración, empecé a componer. Así que así surge un poco este EP.

Ahora que lo comentas, ¿por qué «Between 4 Walls» y «Hold On» como primeros temas para mostrar?

«Between 4 Walls» fue la primera que compuse durante el confinamiento y el por qué, ya lo he comentado, es por la frustración esa de tener que componer. Como dice la canción, escribo por escribir; canto para quitar el polvo de los pulmones y para que, dentro de seis meses, no recuerde ni de cómo cantar; toco por tocar. Así que cuando salió, pensé que tenía que estar sí o sí en el EP, porque refleja muy bien el momento en el que estamos. Y el por qué de «Hold On» también tiene historia. Hace un tiempo me diagnosticaron quistes en las cuerdas vocales, en parte, porque no me he cuidado como tenía que cuidarme: trabajar mucho de noche, tocar y cantar mucho durante la semana. Entonces quemo mucho las cuerdas vocales. Así que cuando llegó el confinamiento, empecé a limpiarme por dentro y aún así, me notaba la voz rota. De ahí un poco nació «Hold On», de esa sensación de aferrarte a lo que te gusta, de cuidarlo y no dejarlo de escapar.

Por lo demás, tengo más canciones que igual salen en el próximo EP. O igual ven la luz dentro de un año, no lo sé.

¿Hay fecha o tienes en mente ya esta segunda parte de «Home»?

No hay fecha, pero va a salir dentro de muy poquito, porque tengo ya cuatro o cinco canciones. La verdad es que he compuesto bastante. Ahora, me falta definir cuáles serán las canciones del próximo EP: tengo ya una clara y me falta la segunda. Tampoco sé si sacar una canción y la otra la semana siguiente, o sacarlas las dos juntas en un mismo EP, como ya he hecho con este.

¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo, y también cómo ha sido la sensación de publicar en pleno confinamiento?

Ha sido rollercoaster, montaña rusa total, como bien dicen los compañeros de The Royal Flash. Lo cogí con muchas ganas, quería sacarlo, me puse a tope con los video-lyrics de las dos canciones. Pero claro, iba viendo lo que iba pasando fuera, cómo estaban funcionando los lanzamientos de otros artistas, cómo iba reaccionando la gente, cómo cada día te ibas quemando más de estar con el móvil y de ver las noticias. Entonces yo me estaba motivando porque estaba haciendo cosas que me gustaban, pero por otro lado, me estaba desmotivando por el factor externo. Hasta el punto de querer lanzarlo ya, para quitármelo de encima. Así lo que es el proceso compositivo, como hemos hablado, no me ha afectado porque las canciones surgieron en casa, yo tocando y bien. El resto de proceso fue algo más complicado. Y es que ahora estoy completamente independiente, por lo que tuve que hacérmelo yo todo. Que estoy acostumbrado a hacer mucho, pero siempre teniendo a una persona de apoyo al lado. Pero claro, ahora he tenido que decidir y hablar con distribuidoras, lanzando al final con Creanauta; hablar con editoriales, aunque al final me quedé con la que ya estaba, porque funcionamos bien y decidimos con qué trabajar y con qué no; y la creación de los vídeos. Menos mal que con la portada tuve la ayuda de Javi Navarro y Paula Mún. Entonces van saliendo las cosas, pero hay mucho trabajo detrás. Pero estoy muy satisfecho y contento.

¿Cómo ha sido la acogida?

A ver, como hemos dicho, estamos en unos momentos un poco raros. No ha tenido la acogida que tuvieron los dos temas previos y, además, yo también llevaba tiempo sin publicar nada. Creo que hay gente que se ha desentendido un poco del proyecto, gente nueva. Sí que ha ido bien, pero no ha tenido la repercusión del anterior release. Aunque también salió lunes y hasta el viernes, uno no ve los efectos reales, ya que es cuando todo se mueve, cuando crean también las listas en Spotify. Estoy contento, ya que he recibido mensajes muy bonitos de la gente; pero siendo realistas, no ha sido el lanzamiento más top, porque tampoco ha sido la producción más top.

Sobre el tema de la portada que comentábamos, ¿cómo surge la idea y cómo ha sido trabajar con Javi Navarro y con Paula Mún?

Empecé teniendo un poco la idea de lo que sería la portada, pero yo no sé dibujar: ni se me ocurría, ni sabía hacer un dibujo que me gustara. También incialmente, aunque el EP iba a llamarse «Home», iba a ir tachado, haciendo un poco referencia al hecho de que no me siento en casa, porque no lo es: estoy en Madrid, en un piso de alquiler…Y la imagen iba a ser un foto de cuando yo estaba de gira, ya que es donde más me siento en casa. Pero no me cuadró tampoco. Se lo comenté a Javi y me dijo: «mira, a ver si te gustan estos dibujos de Paula». Y, claro, ella se marcó unos dibujos que me gustaron muchísimo: apareció el sofá que se ve en la portada y pensé que, bueno, al final era un poco la idea que tenía inicialmente. Y, al fin y al cabo, también se trataba de un EP hecho en casa. La misma casa que estoy decorando, para sentirla aún más mía. Así que entre Paula y Javi diseñaron la portada, y yo hice los últimos toques de colocación y colores.

¿Será este «Home» una especie de nuevo inicio? Ya que es el último lanzamiento y hemos visto como un pequeño re-start en redes sociales.

No creo que cada vez que publique algo sea una nueva etapa. Un nuevo inicio fueron «Lost Track of Time» y «Queen Without a Crown», porque me cambiaron drásticamente y me dieron a conocer muchísimo más. Con «Home», lo que quería es que la gente se centrara en lo que estaba sacando y se olvidara en lo que había pasado fuera de casa. Sí que volverán algunas esas publicaciones en redes sociales, que están archivadas. Pero lo que quería es que la gente se centrara en este momento, en el ahora. No es una nueva etapa porque volverá lo anterior y seguiré con nuevo material.

Y a pesar de la incertidumbre del momento, ¿cuáles serán los siguientes pasos de Dan Millson?, ¿retomarás todos esos temas que dejaste en stand-by?

Todo eso lo retomaré, a lo mejor no todas las canciones, pero tiene que retomarse. Era algo que me gustaba mucho y tenía muchas ganas de sacar. Además, veréis unas producciones más modernas: no será solo una guitarra, una voz y un piano. Así que sí, tenía muchas ganas. Aunque ahora tendré que cambiar un poco el formato, cómo seguir lanzando y que todo tenga más sentido con lo que tenía en mente. Pero poco a poco, voy viendo el camino y, por supuesto, verá la luz.

¿Qué canción de Dan Millson define mejor el momento en el que estás y por qué?

A ver, «I Miss You My Friend» se puede utilizar en cualquier situación y es la canción con la que puedes echar de menos a tus amigos, a tu familia, a tu pareja. Pero quizás, «Between 4 Walls» es el tema que más pueda representarme ahora [pausa]. En realidad las dos nuevas me definen muy bien. Probablemente más «Hold On», porque estoy más activo, estoy con ganas, me entra la luz por la ventana. Así que, bueno, creo que me quedaría con «I Miss You My Friend» y «Hold On».

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

¿Cuál es la mayor locura que he cometido por la música? [pausa]. Todo lo que llevo haciendo desde los 14 años. Todo lo hago para y por: no concibo una decisión sin pensar en mi carrera musical o en la música. Recuerdo muchas cosas de carretera, de llenar la furgoneta con todos los instrumentos y todo el equipo y echar kilómetros. Mira, hubo una vez, con otros proyectos que he tenido, que hicimos una gira por Inglaterra. Yo quería que todo estuviera perfecto, así que alquilamos una furgoneta desde Alicante, vino a Madrid a recoger todo nuestro el equipo completo, pagamos por el alquiler y se lo subió hasta Inglaterra. Todo sin saber si volveríamos a ver el material, porque al final, todo lo que cargamos puede que valiera más que lo que pagamos por el alquiler. Pero bueno, fue bien. Una vez allí, cargamos todo en la furgoneta de un amigo, que accedió a acompañarnos de gira. Una gira que fue un timo, todo por culpa de un promotor, que no era promotor. Al final, lo medio salvamos porque empezamos a tocar por nuestra cuenta en diferentes locales. Sin duda, fue una experiencia muy molona, pero a la vez jodida y muy loca. Lo hicimos por amor al arte.

6 mayo 2020
Comandante Twin: «Hay una luz define muy bien el momento que estamos viviendo»

El pasado viernes, como un verdadero regalo, Comandante Twin nos presentaron la reedición de su mítico tema «Hay una luz». Una canción de lo más positiva, que ha llegado en el momento en el que más la necesitamos. Y, además, lo ha hecho con una colaboración de lujo: la de Gabriel de la Rosa, vocalista de Shinova. Unos días antes del lanzamiento, pudimos charlar por teléfono con Edu Santos, compositor y vocalista de la banda. ¡Y esto es lo que nos contó, mucha atención!

¿Por qué reeditar y darle una vuelta de tuerca al tema de «Hay una Luz»?

En su día, grabamos nuestro primer disco, que es en el que está incluída esta canción, y lo cierto es que Comandante Twin era todavía una banda bastante amateur. En realidad, lo grabamos porque nos apetecía, sin pensar en que después podía gustar tanto como gustó. Entonces la primera canción que vio la luz fue «Hay una Luz», pero no hicimos ningún tipo de lanzamiento de ella: no estábamos currando con nadie de promo, ni montamos ningún tipo de campaña, ni nada alrededor. Sin embargo, tiempo después, la canción ha sido buque insignia nuestro, que supongo que será algo que pasa más de lo que pensamos. Así que, bueno, teníamos muchas ganas de darle el lanzamiento que se merecía, con todos los medios. Y cuando surgió la oportunidad de colaborar con Gabri de la Rosa, nos decantamos por recuperar «Hay una Luz», ya que recoge muy bien la esencia de Comandante Twin, pero claro, dándole una vuelta y renovando un poco lo que es el sonido.

¿Qué significa para vosotros «Hay una Luz»?

Pues para nosotros significa mucho. Primero, porque es la canción que conoce todo el mundo en los conciertos y con la que más conectamos con el público. También es la canción que más visitas y reproducciones tiene en plataformas digitiales, y está incluída en listas editoriales de Spotify. Además, para nosotros tiene ese matiz de banda, que es extraordinario. Y a nivel personal, para mí es un tema muy especial por la historia que hay detrás. Creo que «Hay una Luz» es una canción que llega mucho.

¿Cómo surge colaborar con Gabriel de la Rosa en esta canción y cómo fue trabajar juntos?

Surge un poco de la amistad. Porque, al final, te vas conociendo entre las bandas, a raíz de coincidir en diferentes lugares y de ir charlando. Con el primero con el que entablamos relación fue con Ander, bajista de Shinova, y ya a partir de ahí, comenzamos a hablar con Gabri y con el resto de la banda. Además, son gente muy cercana y muy generosa. Y es que se han portado con nosotros genial, ¡chapó!

En cuanto a cómo ha sido el trabajo con Gabri, la verdad es que genial y muy fácil. Primero, porque es un tío muy profesional y segundo, porque es muy, muy cercano. Por no hablar del gesto de generosidad que ha tenido con nosotros, porque al final, él no gana nada. Sin embargo, a nosotros seguramente nos permita llegar a más gente. Así que estamos muy agradecidos.

El tema ha visto la luz con su videoclip, ¿cómo surge la idea?

Pues nosotros teníamos claro que queríamos es mostrar el vídeo tocando en directo, pero no sabíamos cómo orientarlo. Además hablando con la gente que iba a montarlo, nos dimos cuenta de que tampoco teníamos recursos suficientes. Así que buscamos otra posible opción: que es la del teatro, el juego de luces, los dos cantantes en el patio de butacas, que nos vamos acercando cada vez a la banda. Creo que es muy buena manera de representar lo que sentimos nosotros con esta canción, que es muy especial para todos. Es un videoclip sencillo pero que creo que, a su vez, es llamativo. Se agradece escuchar la canción con estas imágenes.

¿Cómo os sentís ante el lanzamiento?

Pues para nosotros es un momento muy importante. Creemos que «Hay una luz» define muy bien el momento que estamos viviendo ahora, especialmente estos días, que parece que empezamos a ver un poco la luz. Entonces claro, por esa parte, fíjate como son las casualidades: llega esta canción que tiene un mensaje muy homogéneo para todo el mundo con el que te puedes sentir identificado. Y para nosotros es como dar otro pistoletazo de salida para la banda, porque, entre otras cosas, esta es primera colaboración que hacemos como banda y encima con un invitado de lujo. Así que solo esperamos que la reedición guste entre el público y que, bueno, que nos descubra nueva gente.

Con la complicada situación que estamos viviendo, ¿crees en el poder curativo de la música?

Sí, sí. No sé si tanto como poder curativo, pero sí que creo que todos tenemos bandas sonoras en función de los estados de ánimo que atravesamos. O que nos ayudan un poco a gestionar lo que sentimos: creo que en canciones que son completamente ajenas a nosotros, podemos encontrar mensajes o ciertas respuestas. No sé si curativo, pero lo que sí sé es que la música es fuente de inspiración para todos.

Además de la reedición de este «Hay una luz», ¿podremos disfrutar de alguna más?

Pues podría ser, podría ser. Aunque también es verdad que toda la crisis del COVID-19, nos ha cambiado el paso completamente: y es que teníamos la gira y muchos festivales confirmados, que a ver lo que pasa con todos ellos. Así que, con el paso cambiado, hemos decidido acelarar la salida de nuestro tercer disco, que será un trabajo muy importante. En definitiva, puede que haya lugar para reeditar algún tema más, pero también es verdad que estamos muy enfocados en seguir componiendo y en pegarle un acelerón al próximo disco.

¿Se puede avanzar algún detalle del próximo álbum o todavía no?

Estamos todavía trabajando en ello. Tenemos claro con quién nos gustaría producir, aunque no lo podemos decir todavía. Y, bueno, también tenemos ya algún tema hecho, aunque aún nos quedan muchas discusiones para ver cómo lo enfocamos y hacia dónde lo llevamos. A nivel de estrategia, nos gustaría llevarlo un poquito fuera de la caja, fuera de lo que comunmente se hace.

¿Qué canción de Comandante Twin identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?

Pues probablemente la canción de «Hay una luz» con Gabri es una buena definición. Porque es una canción en la que hemos invertido mucho tiempo produciendo, tanto nosotros mismos en el local de ensayo como con José Caballero. Mantiene muy bien la línea, pero introduce elementos que son nuevos: tiene tintes más electrónicos y la parte rítmica tiene otro rollo. Estamos caminando un poco en esa línea, de ser capaces de evolucionar a nivel musical hacia sonidos más modernos. Y esta canción creemos que es fácil de escuchar y, además, tiene un mensaje bonito, romántico, esperanzador y muy positivo. Todo sin perder la esencia de Comandante Twin. Creo que es un buen termómetro de lo que somos y de lo que está por venir.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Te diría que todo lo que estamos haciendo, porque con todo lo que ha pasado, la banda está sufriendo una situación económica complicada [risas]. Y probablemente, la mayor locura es seguir tirando del carro con todas las consecuencias y a pesar de todo lo que está pasando. Es seguir creyendo en el proyecto que tenemos. Creo que es una buena locura, al fin y al cabo.

https://youtu.be/64e3enk-jDs

5 mayo 2020
Luis Fercán: «6AM es un tema muy íntimo, producto de un momento de ansiedad»

El viernes pasado, día 1 de mayo, sorprendió a todo el mundo con su último lanzamiento. Se trata de la canción «6AM» y, por supuesto, se trata del artista gallego Luis Fercán, quien nos arroja de esta manera, un poco de luz en medio de todo esta complicada situaciñon. Precisamente, unos días antes de que viera la luz su nuevo single, pudimos hablar con él por teléfono y esto es lo que nos contó. ¡No os perdáis nada!

Con «Vacíos», tu nuevo trabajo, a la vuelta de la esquina, me gustaría saber: ¿cómo surge el concepto?

«Vacíos» no va a ser un disco, aunque realmente no sé cuántos temas va a haber dentro, pero puede que sea un EP. De hecho, «6 AM», el primer tema que ha visto la luz, es como el «primer vacío». Pero quizás, la siguiente canción que lance, sea como el «primer recuerdo». La verdad es que estamos experimentando un poco en estos momentos y sí, supongo que al final terminaremos juntando todas las canciones conforme vayan viendo la luz. Lo que nos pida el cuerpo.

¿Cómo está siendo todo el proceso creativo y compositivo?

Pues la verdad es que llevaba bastantes meses flojo a nivel compositivo y me vino bien la cuarentena [risas]. De hecho, bueno, he descubierto como mi propio método para componer. Y es que cuando estoy en Madrid, me apetece vivir la vida tal cual, disfrutando de cada momento. En esos momentos no suelo componer, lo hago cuando me recojo y ya me pongo como a canalizar todas las historias que he vivido durante este periodo.

¿Cómo ha sido trabajar con David Adkinson y Pablo Estrella a la producción de estos temas?

Pues ha sido una maravilla, la verdad, porque encima son colegas. Con Pablo ya había trabajado previamente en el disco de «Grietas» y es que fue de las primeras personas a las que conocí cuando llegué a Madrid. Así que, con «6AM» no me corté, les pasé el tema y les gustó. Primero se lo pasé a David y él puso su toque con el piano, le dio un poco de armonía y nos dio alguna idea, quizás un poco más rara, pero que a los dos nos flipó. Y ya después Pablo se encargó de la mezcla, metió un par de ambientes e hizo la magia.

«6AM» ha sido la primera canción que ha visto la luz, ¿por qué lanzar esta canción la primera y qué representa para ti?

Pues el por qué de la canción no te sé decir, porque es una canción muy, muy triste [risas]. De hecho, ahora aunque estoy componiendo de amor y desamor, lo estoy haciendo desde un punto de vista más alegre, recordando los buenos tiempos. Esta canción hace referencia a un recuerdo chungo [risas]. Pero no sé, me apetecía publicar una canción que se pudiera trabajar a distancia y ésta pedía bastantes cosas ambientales. Y es que está producida a base de reuniones de Zoom y de compartir pantalla.

En cuanto a qué significa para mí…esta canción es un poco producto de un momento de ansiedad, que imagino que le habrá pasado a mucha gente. Yo suelo pasar muchas noches en la Sala BarCo de Madrid con amigos. Y una noche estaba allí, pasándolo super bien y, de repente, me dicen que ha entrado mi ex con su nueva pareja. Lo cual me tocó bastante y de ahí, surge esta canción.

¿Cómo te sientes ante el lanzamiento de este single?

Pues tenía muchas ganas la verdad. Porque además, a la gente a la que le estuve enseñando el tema, le sorprendió muy gratamente y es que, cada persona a la que se lo¡ he puesto, ha llorado. Pero muy bien, muy emocionado, tenía muchas ganas de publicar nuevo material. Además, esta canción es muy, muy íntima.

Ese intimismo se percibe, además, es el claro ejemplo de que menos es más: transmitirlo todo con la voz y pocos elementos más, sin artificios.

Sí, sí, totalmente. Eso es lo bueno de trabajar, creo yo, a distancia. Y es que quita de en medio muchos artilugios, muchas capas. Y, claro, quitando todo eso: tienes 100 cosas menos, pero 4 que funcionan a la perfección y en las que te tienes que centrar. A partir de ahí, es ponerse a trabajar e intentar transmitir todo con lo poco que tienes. Y muchas veces eso es mucho mejor.

¿Es la música una especie de terapia, una manera de liberarse?

Sí, por supuesto. A mí me está salvando: y es que si estos días me niegas la música la música, me hubiese vuelto loco.

A pesar de la incertidumbre de estos días, ¿cuáles serán los próximos pasos de Luis Fercán?

Pues no lo sé [risas]. Porque conciertos estoy deseando dar, pero todo esto va para largo. Por lo demás, seguir produciendo más temas a distancia, que no sabemos cuándo verán la luz. De momento, no hay fechas de ningún tipo…como está la cosa como está, no se pueden poner fechas a largo plazo.

¿Qué canción de Luis Fercán define mejor el momento en el que estás y por qué?

Es que claro, depende tanto del día [silencio]. Pero creo que diría tanto «Mi Luz» como «Mi Oscuridad»: un día una y un día otra, en función de cómo me levante [risas].

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

Pues irme a Madrid con lo puesto y con el dinero justísimo, ponerme a tocar en el metro, por la noche recorrer los micros abiertos y a la mañana siguiente, volverme a Santiago. Y así unas quince veces en cosa de un año.

4 mayo 2020
Nana Lovv: «Paris es una canción que engloba todo lo que va a ir en el EP»

Hay artistas que, con sus propias historias de superación, son sinónimo de luz. Luz que nos irradia y que nos invade de principio a fin. Nana Lovv es uno de esos grandes ejemplos. Y es que con «Paris» ha revolucionado nuestra vida, pero es que estamos seguras de que con su inminente EP, «Happiness is a myth», lo volverá a hacer. Mucha atención a la entrevista que le hacemos a la artista, en la que nos da todos los detalles sobre su proyecto.

«Happiness is a myth» será tu EP debut, que verà la luz durante este 2020. ¿Cómo surge el concepto?

Surge, principalmente, a raíz de una experiencia personal que viví hace un tiempo. De hecho, son canciones que venían acompañándome desde hace un tiempo, no son nuevas, nuevas. Las fui componiendo a lo largo del tiempo, ya que, bueno, iba mezclando este trabajo con el de la composición para otros artistas. Así que, en el momento en el que decidí trabajar en mi EP, recopilé los temas más personales que tenía y decidí incluirlos. Y, sin duda, son los que mejor definen mi recorrido vital.

¿Cómo fue el proceso creativo y compositivo de este EP?

Empezó un poco por casualidad. Yo conocí a mi productor, que es Carlos Dueñas de Articwave Studio, me escuchó cantar y me preguntó si estaba haciendo o componiendo algo. Y justo me pilló en un momento en el que me apetecía empezar a grabar mis propios temas, tenía ganas de arrancar con mi propio proyecto. Así que, decidimos empezar con «Paris» que, inicialmente, era una mera prueba, ya que ésta era una canción que no tenía planeada publicar. Pero comenzamos a experimentar y no pudimos parar: inicié el proceso en casa, con los acordes básicos y con toda la letra y ya en el estudio, le dimos forma al sonido, incluyendo sintetizadores, analógicos…También ahora estamos introduciendo capas más atmosféricas y con elementos más modernos, como el autotune.

¿Cómo fue todo el trabajo junto a Carlos Dueñas?

Muy guay, porque es muy difícil encontrar a alguien que sepa expresar lo que quieres decir, musicalmente hablando. Sobre todo cuando no eres productor. Y es que a mí me pasa que, muchas veces, no tengo como el lenguaje exacto para describir lo que quiero o lo que necesito. Pero probamos con «Paris» y nos dimos cuenta de que nos entendemos muy bien a nivel artístico. Hemos encontrado el equilibrio entre el trabajo en equipo y el individual: y es que, al principio, suelo ser yo la que trabaja sola en la composición de todos los temas; y Carlos lo está más hacia el final, dándole los últimos toques a las canciones. En definitiva, es muy fácil trabajar con él y yo estoy muy contenta.

«Paris» ha sido el primer adelanto que hemos podido escuchar. ¿Por qué precisamente esta canción?

La verdad, porque es una canción que engloba un poco todo lo que va a ir en el EP. Las canciones que escucharemos a partir de ahora, tienen como un toque más oscuro, más nostálgico. Y es que este trabajo va a representar un poco una especie de recorrido, desde el inicio de la vida hasta el final. Así que «Paris» representa un poco todo, porque nace de una experiencia muy personal de pérdida. Es un poco el punto de inicio de todo lo que está por venir.

¿Qué importancia tiene para ti esta canción, «Paris»?

Pues es una canción que empecé a crear hace cinco años y la terminé el año pasado. Entonces, es muy importante, porque ha expermientado muchos cambios, a la par que yo. Es una canción que explica mi propia situación en un momento determinado, ante una pérdida. Y va evolucionando con el paso de los años, igual que lo he hecho yo, hasta prácticamente ahora. Para mí ha sido muy importante poder reflejar el duelo, el cómo me siento, aunque sea musicalmente, porque de cualquier otra manera, me habría costado mucho más hacerlo.

«Paris» ha visto la luz junto a su respectivo videoclip. ¿Cómo surge la idea?

Pues fue un poco igual que con la canción, que a medida que íbamos haciendo. iban surgiendo ideas. Ya una vez le dimos forma a la canción y tuvimos claro que la publicaríamos, nos empezó a encajar mucho en soporte visual, así que nos pusimos a trabajar en ello. De hecho, el protagonista de la historia es mi primo pequeño Marc y, lo cierto, es que fue una experiencia totalmente nueva para mí. Quien se encargó de dirigir y montar el vídeo fue Ángel de Clic Games, con quien estuvimos trabajando durante cinco días, repartidos en dos meses (porque grabar con niños tiene su qué). Y, la verdad, es que estoy muy contenta con el resultado.

¿Qué peso tiene el mensaje en tus canciones?

Pues para mí, es algo que tiene mucho peso, sobre todo, porque la letra es lo primero que me sale cuando compongo. Además, invierto mucho tiempo en ello: no solo en la lírica, también en pensar qué voy a comunicar y qué va a sentir la gente cuando lo escuche. Porque, al final, «Paris» es la canción más alegre que va a salir y, aún así, no lo es. Así que, a pesar de lanzar, este tipo de emociones o mensajes como la tristeza, la nostalgia o la rabia, también quiero que se perciban otros más positivos, como la esperanza.

Especialmente ahora con la situación que estamos viviendo, ¿crees que la música puede llegar a ser terapéutica?

¡Totalmente! De hecho, mi especialidad es la musicoterapia y me he dedicado a estudiar e investigar justo esto. Además, estos días ha quedado muy patente todo ello. Sí que es verdad que, por otro lado, está la industria que, especialmente, en estos días está bastante perjudicada y los artistas van sobreviviendo como pueden. Pero, claro, por otro lado, la gente que no se dedica al arte, creo que sí que está viendo los efectos positivos de tener música y recursos a su alcance, para poder gestionar todos estos momentos, que están siendo muy estresantes para todos.

A pesar de toda la incertidumbre que estamos viviendo, ¿cuáles serán los próximos pasos de Nana Lovv?

Pues ahora mismo, nos encontramos produciendo a distancia, lo cual es todo un mundo. Pero seguimos trabajando y la idea es que a finales de este año, más o menos, vean la luz el resto de temas, junto al propio EP. Además, estamos cerrando alguna colaboración, con la que estoy encantada. Pero hasta que no esté todo cerrado, no podemos anunciarla. Por lo demás, es ver cómo va fluyendo la cosa y si va todo bien, seguiríamos sacando temas, ya de cara a 2021.

¿Qué canción de Nana Lovv identifica mejor el momento en que estás y por qué?

Pues te diría «Paris», no solo porque es la única que ha salido hasta el momento y la única que se conoce. También por lo que representa, por la unidad y por el mensaje de esperanza que traslada, a pesar de todo.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

Pues creo que dejar de lado toda mi carrera científica de medicina [risas]. Todo por dedicarme a la música, claro.

3 mayo 2020
Villanueva nos adentra en su mundo con la versión al desnudo de su tema «Gala»

En tiempos difíciles, el mejor método para curar nuestras almas es, sin duda alguna, la música. Y es que en medio de toda la situación que estamos viviendo, nos ha llegado el último proyecto de nuestro querido compañero Villanueva. Ayer, primero de mayo, el artista vigués decidió mostrarnos su faceta más personal e intimista, con la publicación de la sesión de estudio «Gala», cuarto corte de su recién estrenado álbum «Cuarto de Invitados». Una canción de la que podemos disfrutar ya al desnudo, en esa fase inicial de grabación junto a Raúl de Lara. De hecho, ha sido el mismo de Lara quien ha vuelto a poner su toque de gracia, masterizando esta primer versión de la canción. La misma que, posteriormente, se ha subido a plataformas digitales.

Pero, ¿por qué escoger, precisamente, esta canción? «Gala» es una de las canciones preferidas de Villanueva, ya no solo del disco, si no de toda su carrera. Justo por eso el artista decidió publicarla tal cual, al desnudo y sin florituras de ningún tipo. De hecho, él mismo aseguraba lo siguiente: «Gala es mi canción favorita, lo sabía desde el día que la compuse y quería que tuviese vida propia, por eso, he convencido a management, productor y sello discográfico para que me dejasen publicar la primera sesión de grabación de la canción en el estudio, pocos cambios notaréis, pero haberlos haylos».

Una canción que, sin dida alguna, se plantea de lo más especial, no solo porque sea la favorita del artista, también por la compañía a la hora de darle forma. Y es que un equipo de grandes músicos ha acompañado a Villanueva en ella: Nacho Mata a la batería, Jorge Guirao (Second) a las guitarras, Edu Martínez (Sidonie) en los teclados y Ángel Herranz al bajo. Un elenco que ha completado el increíble Mario Miranda, encargado de todo el arte de «Gala»: una persona a la que el vigués está muy agradecido, por encargarse también de «su dirección espiritual».

2 mayo 2020
Chicharras Band publica «¿Qué tal?», primer adelanto de su nuevo disco

Continuamos de manera imparable con los descubrimientos musicales, que esta cuarentena están dando mucho de sí. El último de ellos, ha sido el de Chicharras Band, formación musical madrileña tras la cual se encuentran Chema Sanchez-Gey (voz y guitarras); Cristina Bravo (percusiones y coros); y Alvaro Reyes (bajo). Los tres juntos se alzan como el cocktail sonoro perfecto de rock stoner, rythm & blues, funk y percusión afro cubana. ¿Curioso, no? Tanto que una vez entras en su circuito, ya jamás vuelves a salir.

Lo mejor es que, ahora, la banda está de vuelta. Y es que están totalmente dispuestos a prepararnos para el lanzamiento de su segundo álbum, para el cual están contando con Miguel Ángel Hernando (Lichis) a la producción. Él será quien ha llevado la batuta junto al ingeniero Ferni Duhalde, en los estudios Felicidad Producciones de Madrid. Un trabajo del que solo sabemos que verá la luz después del verano, aunque ya podemos disfrutar de un primer testeo: «¿Qué tal?» es el primer adelanto de este nuevo álbum. Un single que ha llegado acompañado de su particular videoclip, que refleja a la perfección esa esencia tan característica del trío madrileño.

¿Quiénes son Chicharras Band?

La propuesta de Chicharras Band es de lo más particular y especial: más allá de esa increíble y trabajada mezcla de sonidos, los madrileños apuestan firmemente por la narración de historias, que suponen un cúmulo de emociones. De las risas a las lágrimas, pasando por la lucidez y los sentimientos más internos. Unos rasgos y un estilo que ya comenzaron a mostrar en su álbum debut «Por Fin», que vio la luz en 2014 de manera autoeditada.

Ya con este trabajo, irrumpieron fuertemente en la escena musical madrileña, actuando en grandes salas como la Clamores, la Galileo Galilei, El Juglar, La Boca del Lobo, el Tempo Club, El Rincón del Arte Nuevo o la Búho Real, entre muchas otras. Además de recorrer diferentes ciudades españolas y otros países, como Italia.

1 mayo 2020
Scott Siskind: «En Old Ghosts, New Homes hay un montón de auto-reflexiones»

Probablemente, una de las mejores sensaciones de la vida es ese momento en el que la música es capaz de traspasar fronteras, hasta llegar a todas y cada una de nuestras casas. Eso es lo que nos ha pasado con la increíble propuesta de Scott Siskind y su nuevo trabajo, «Old Ghosts, New Homes». Un trabajo del que hemos podido hablar con él: mucha atención a lo que nos cuenta.

¿Cómo nace el concepto de «Old Ghosts, New Homes»?

No es realmente un álbum conceptual, pero todas las canciones tratan de temas similares y hay un montón de auto-reflexiones en la escritura de las canciones. El título del álbum viene de una de las últimas líneas de la canción «What is God?» y está basado en la idea de coger las cosas negativas de tu pasado y llevarlas contigo. Y es que incluso cuando crees que se han ido, siguen siendo parte de ti.

¿Cómo te sientes con el lanzamiento del álbum?

Estoy contento con el lanzamiento del álbum. Fue agradable seguir mi corta gira europea con algo de música nueva y estoy muy orgulloso de esta colección de canciones.

¿Cómo ha sido la acogida del álbum?

Creo que ha sido muy buena hasta ahora, especialmente teniendo en cuenta la situación actual del mundo. Normalmente seguiría un lanzamiento con muchos shows en vivo, pero debido a Covid, eso no es realmente una opción. He tenido que ser creativo en la forma de promocionar el álbum.

¿Cómo ha sido el proceso creativo y compositivo?

Creo que estas canciones salieron de forma bastante natural. Se desarrollaron principalmente como canciones acústicas. Cuando llegó el momento de la grabación, me reuní con el batería John Love y el bajista Chris Perry, para establecer las pistas básicas del disco. Muchas de las otras capas (teclados, guitarra eléctrica, etc.) se crearon durante el proceso de grabación.

¿Cómo consigue Scott Siskind su particular sonido?

Creo que el sonido de cualquier artista proviene de años de evolución. He pasado 12 años en una banda de rock llamada Vinny Vegas, y he aprendido mucho gracias a los músicos que formaban la banda y gracias al modo de composivión que teníamos. Como líder, siempre dije que las canciones son tan buenas como cuando se tocan sólo con la acústica y la voz. Así que pasé mucho tiempo trabajando en los elementos básicos de mi composición.

¿Cuál es la importancia de las letras?

Para mí, las letras son todo, son la historia, el centro. Trato de ser muy honesto con mis letras y muy honesto conmigo mismo al escribirlas.

¿Es la música es una forma de expulsar demonios?

Absolutamente, es una liberación

¿Cómo nació el arte del disco?

Trabajé con la artista Marjia Tiruina en el concepto de la obra de arte. El objetivo principal era crear un elemento circular, en el que una cosa fluyera constantemente hacia otra. También incluyó referencias específicas a las canciones y a mi propia vida.

Estamos viviendo una situación complicada, ¿crees en la música como un elemento curativo?

Creo que la música y las artes son muy importantes en este momento. Nos recuerda lo que es la humanidad, y creo que es absolutamente esencial en este momento para todos.

A pesar de la incertidumbre: ¿cuáles son los próximos pasos de Scott Siskind?

Ya que todos los espectáculos están cancelados en un futuro inmediato, estoy tratando de ser creativo con las transmisiones en vivo, la autopromoción y las ideas de vídeos musicales. También estoy empleando este tiempo para escribir y componer, sin la presión de una agenda real. Sólo intento dejar que las ideas fluyan.

¿Qué canción de Scott Siskind te representa mejor en este momento y por qué?

Es difícil determinar qué canción me representa mejor. Todas nacieron de un lugar especial dentro de mí, así que no sé si puedo tomar una decisión. Diré que 2 de mis favoritas en el disco son «Polish Soil» y «The Darkness».

La mayor locura cometida por la música.

Me encanta escribir música y grabar. Pero sobre todo me encanta actuar, sin importar el tamaño del público. La conexión humana que puede surgir de la música es un sentimiento increíble.

How born the concept of «Old Ghosts, New Homes»?

It is not really a «concept» album, but all of the songs deal with the similar themes, and there is a lot of self reflections in the song writing. The title of the album comes from one of the last lines in the song «What is God?» and it’s based on the idea of taking negative things from your past and carrying them with you. Even when you think they’re gone, they are still part of you.

How do you feel with the launched of this album?

I am happy with the launch of the album. It was nice to follow up my short europeans tour with some new music and I’m very proud of this collection of songs.

How has the album been received?

I think it’s been very good so far! Especially considering the current situation in the world. Normally I would follow up a release with a lot of live shows, but because of Covid, that isn’t really an option. I’ve had to get creative with how to promote the album.

How has the creative and compositional process been?

I think these songs came out pretty naturally. They developed mostly as acoustic songs. When it was time for the recording, I got together with drummer John Love and bassist Chris Perry to lay down the basic tracks of the record. A lot of the other layers (keys, strings, electric guitar, etc.) were built up through the recording process.

How does Scott Siskind get his particular sound?

I think any artists sound comes from years of evolution. I’ve spent 12 years in a rock band called Vinny Vegas, and have learned a lot through the other musicians and songwriting we developed in that band. As the frontman, I was always told that your songs are only as good as when they’re played just acoustic and voice. So I spent a lot of time working on just the root elements of my songwriting.

What is the importance of lyrics? Why speaks in this album about self-exploration and knowledge?

To me, lyrics are everything. They are the story. I try to be very honest with my lyrics and very honest with myself when writing them.

For you, is the music a way of expelling demons and worries?

Absolutely, it’s a release

And the artwork of this album: What’s the point? How born the concept of the cover?

I worked with artist Marjia Tiruina on the concept for the artwork. The main goal wast to create a circular element with one thing constantly flowing into another. She also included specific references to the songs and my own life through out.

We’re living in a complicated situation, do you believe in music like a curative element?

I think music and the arts are so important right now. It reminds us what humanity is about, and I think it’s absolutely essential in this moment for everyone.

Despite uncertainty: what are the next steps of Scott Siskind?

Well, since all shows are cancelled for the foreseeable future, I am trying to be creative with live streams, self promotion and music video ideas. I’m also using this time to being to write a little bit with no real agenda. Just trying to let ideas flow at the moment.

Which song of Scott Siskind represent you better and why?

It’s hard to determine which song represents me best. They were all born from a special place inside of me, so I don’t know if I can make a decision. I will say that 2 of my favorites on the record are «Polish Soil» and «The Darkness».

Which is the best madness that you made for music?

I love writing music and recording. But I especially love performing, no matter what size audience. The human connection that can come from music is an incredible feeling.

30 abril 2020
Sienna nos regala su nuevo trabajo «Tiempos de Cuarentena»

Hablar de Sienna siempre es un acierto y es que haga lo que haga, vemos prácticamente imposible salir de su órbita. Incluso en cuarentena. Precisamente por ella, el artista valenciano nos sorprendió ayer con la publicación de un EP que, aunque no suena a EP, sí que tiene esa clara intención de amenizarnos y alegrarnos un poco más estos complicados días. Ya es nuestro «Tiempos de Cuarentena (Canciones de Cerca Hechas en Casa)».

Desde la intimidad de su casa, hace algunos días, Sienna comenzó a desnudarse espiritualmente, subiendo en acústico algunos de sus temas. Un hecho que compartió con nosotros y del que nos hizo partícipes, a través de sus propias redes sociales. Ahora, todo ello ha tomado forma y ha visto la luz en formato disco, que ya está disponible en todas las plataformas digitales. Todo, gracias al clamor popular, ansioso por querer más: lo normal cuando te adentras definitivamente en el universo Sienna, que eres incapaz de escapar.

Para este «Tiempos de Cuarentena», Sienna ha trabajado con los mejores para darle una nueva dimensión a los temas que conforman este trabajo, que son los siguientes: «La Ley de la Atracción», «Al Pulmón de los Huesos», «Anestesiados», «Una Presa que Atacar», «Como dos Cometas» y «El Simulacro». Así es como Álex, mano a mano con el guitarrista de la banda, Elías Martínez, ha experimentado y transitado por lugares que se alejaran de los temas originales. Mientras que, por su parte, Samuel Gil también ha puesto su toque de color al violín. Últimos arreglos y retoques que han corrido a cargo de Raúl Nacher. Y a partir de ahí, EP preparado para volar directamente hasta nuestras casas y nuestros corazones.

Si queréis escucharlo, no esperéis demasiado. Al igual que el confinamiento y el inicio de la desescalada, tiene fecha: tan solo estará en plataformas digitales durante un tiempo limitado. Así que, ¿a qué estáis esperando?

29 abril 2020
El onírico universo de Musgö tiene nombre propio: bienvenidos a «Open The Gate»

Hay artistas con un magnetismo tan potente, que consiguen que todo un universo, hasta el momento desconocido, orbite a su alrededor. Proyectos que trascienden lo musical y que invaden, sin ningún tipo de miedo, otras disciplinas musicales. El de Mar Gabarre es uno de ellos: tras ella, se esconde Musgö. Dos almas entrelazadas desde mucho tiempo atrás, tiempo más que suficiente para conceptualizar todo lo que a día de hoy, conocemos de ella.

Madre artista conceptual y formada en biología. Padre escultor, pintor y activista ecológico. Podemos afirmar que el arte y la naturaleza han sido los dos pilares fundamentales en los que Mar se ha apoyado para crear Musgö. Autodidacta con el arpa, pionera en su estilo tocando arpa eléctrica con loops en España y potentes directos a los que ella llama Cabaret Holísticos, shows de cuidada puesta en escena con acróbatas, actores y seres fantásticos.

«Open The Gate», el debut de Musgö

Dos años de composición y una mala experiencia con una discográfica. El punto de partida de este «Open The Gate», de Musgö. Una verdadera joya que hizo que la artista se mudara de Barcelona a Londres. Nueva casilla de salida que arrancó con su campaña de crowdfunding, convertida en un auténtico éxito. Todo ello mientras que, paralelamente, se acercaba cada vez más a la escena trip-hop, que comenzó a mezclar magistralmente con sus propias sonoridades, más cercanas al indietronic. Una mezcla explosiva.

Aunque claro, para hablar de casualidades y momentos mágicos, el del encuentro de la artista con Chris Webb (Freemonk), quien sería más adelante el responsable del mágico acabado de «Open The Gate». Y es que este álbum, grabado a finales de 2019, es una invitación a abrir la puerta al «otro lado». Doce canciones que hablan sobre magia, intuición y naturaleza. Doce canciones tras las cuales existe una amplia investigación sobre el uso del sonido en las diferentes prácticas espirituales y religiones alrededor del mundo. Doce canciones que hablan de una espiritualidad transversal que no distingue de religiones ni creencias. Que hablan de las energías misteriosas que nos rodean, nos conectan e influyen a diario, y que forman parte de nuestra vida desde lo aparentemente invisible. Una realidad sutil que no se ve, pero se siente.

28 abril 2020
The Death Of Robert da un paso al frente con su nuevo single, «Mango»

«Mango» ya está aquí, como antesala aún más certera de «Casablanca», el que será el nuevo álbum de The Death Of Robert y que verá la luz el próximo 15 de mayo. Un nuevo single que nos permite adentrarnos aún más en el particular universo de la banda barcelonesa y que habla, en términos generales, de una relación personal basada en la toxicidad. Pero, ¿por qué utilizar la referencia del mango para ello? Tal y como ellos mismos explican: «se emplea como símbolo del comienzo de la relación de estas dos personas, y debido a que este nunca será comido es devuelto a su propietario al final de todo, como signo de abandono de la relación».

Un tercer single de lo más especial, con el cual nos proponen un sonido fresco, vivo y con un toque de acidez, alejándonos un poco de toda la instrumentación tan predominante y barroca de las otras canciones sacadas hasta la fecha. Esos teclados a modo de farfisa, esa guitarra con detalles de chorus, los punteos tan significativos del hoffner y ese ritmo de batería: todo preparado para viajar a los sonidos y vibes tan significativos propios de los años 60-70′.

¿Quiénes son The Death Of Robert?

Lara Giardina, Pablo Salvadores, Robert Panadés y Simón López son quienes se esconden tras este proyecto, que vio la luz en la ciudad de Barcelona el pasado año 2018. Una propuesta de rock melódico con riffs palpitantes del rock alternativo de los 90, rozando el barroquismo a través de toda la instrumentación pop-rock de los años 60, con la que han conseguido enamorar a todo el mundo que los ha escuchado. Todo ello, se complementa con unas letras, oscuramente melancólicas e hijas del humanismo existencial, que viajan entre la conducta humana, el existencialismo y las relaciones personales.

Pronto, podremos escuchar el nuevo asalto de The Death Of Robert, llamado «Casablanca». Un álbum que, debido a la complicada situación que estamos viviendo, decidieron posponer. Así y todo, el 15 de mayo es la fecha fijada para que vea la luz: ¿estáis preparados? Un disco conformado por 11 perlas, producidas por Alberto Pérez Sánchez en el estudio Sol de Sants de Barcelona.

Nosotras no vemos el momento de poder disfrutar de nuevo de buenos directos. De un directo de The Death Of Robert. ¿Y vosotros?

28 abril 2020