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  • Malena Zavala: «La Yarará es una representación de mi identidad»

    Malena Zavala: «La Yarará es una representación de mi identidad»

    Directamente desde Argentina, llega Malena Zavala dispuesta a revolucionar todo. Dispuesta a que cambiemos por completo todo el concepto que teníamos sobre la música. Porque lo suyo es algo sobrenatural: mostrando sus raíces y su esencia más puras, la joven artista ha sorprendido con sus temas, adelantos de su inminente trabajo – que verá la luz el 17 de abril -, titulado «La Yarará». Un acontecimiento de lo más importante, sobre el que hemos podido hablar con la propia artista. ¡Sigue leyendo si quieres conocerla mejor!

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo álbum, «La Yarará»?

    «La Yarará» es una representación de mi identidad. Yo nací en Resistencia, Chaco en Argentina, y a los tres años nos mudamos a Inglaterra. Me llevo mucho tiempo  entender que era mi identidad porque los dos países son totalmente lo opuesto al otro, y nunca sabía a cual pertenecía. Para este álbum yo investigue mucho los ritmos y melodías de la música sudamericana y así reconectarme con mis raíces.  Después lo mezcle con música que viene de países donde se habla el inglés (como UK, EE.UU. y Canadá).  Llegue a la conclusión que yo no pertenezco a UN país, sino que yo pertenezco a los países que representan diferentes partes de mi vida y en eso crear mi propia marca de identidad.

    ¿Cómo te sientes ante su inminente salida, el próximo 17 de abril?

     Yo siempre estoy relajada y no tengo expectativas. Entonces solo estoy emocionada con el lanzamiento.

    ¿Cómo construye Malena Zavala su sonido?

    Mis canciones salen de la nada. En un instante escucho una melodía en mi cabeza y me siento para encontrarlo en las cuerdas de mi guitarra. A veces empiezo con el ritmo no más y le voy agregando partes a medida que progreso. Normalmente cuando compongo, lo grabo ahí al toque para capturarlo antes de que se me escape. Y ahí queda la primera idea pura como apareció en mi cabeza, sin cambiarlo.

    ¿Qué importancia tiene el mensaje de las canciones para Malena Zavala?

    En mi primer álbum no le daba mucha importancia, porque todavía estaba aprendiendo como producir música. Ahora con este segundo álbum, el mensaje tiene mucha importancia porque quería transmitir la experiencia de mi identidad y eso necesitaba de las palabras para ayudarlo.

    Recientemente, ha visto la luz tu nuevo single «La Yarará». ¿Por qué esta canción como adelanto?, ¿por qué esta canción da nombre al disco?

    La canción trata de la furia femenina que hay cuando las mujeres piden para que se las escuche y entienda. Es mi primera vez haciendo música con esta emoción. Normalmente usaba en mi música sentimientos melancólicos o suaves pero esta vez quería realmente hacer algo puro y dejar salir mi furia. En el nordeste de Argentina hay serpientes que se llaman Yarará que es la zona donde nací. Y también es un nombre para identificar a las mujeres fuertes y ariscas. Desde re chica mis padres siempre me llamaban «La Yarará» por mi carácter fuerte y decisivo, y quería clamarlo como mío y mostrar que ese lado mio.

    ¿Cómo surge el videoclip y cómo fue trabajar con Sofía Boriosi?

    Yo se que quería algo oscuro para el videoclip, donde mostrara las partes feas de las mujeres pero al mismo tiempo mostrando las partes poderosas y fuerte. Yo trabajé con Sofía Boriosi en todo el arte de este álbum porque quería a alguien hispana/latina para que entendiera y sea parte de lo que estaba tratando de hacer. Con Sofía encontré una conexión entre nuestras ideas, ella tiene una mente re-creativa y atrevida que me gusta. A ella siempre se le ocurren ideas que son exactamente lo que yo tenía en mi mente. Entonces esa compatibilidad creó una confianza que me animo a dejarla hacer lo que quisiera, porque se que lo que sale va a ser muy bueno. Sofia tomo mi idea inicial y fue hacia los detalles más profundos. La serpiente, la lengua de la serpiente, mujeres juntas como brujas, hechizos y encantamientos de la hermandad, el corte de el hablar, la furia, movimiento lentos y rápidos, escenas salvajes, la furia. Me encanto.

    ¿Cómo ha evolucionado Malena Zavala desde sus inicios?

    Yo siempre estoy aprendiendo. Soy una persona muy curiosa y siempre quiero saber como hacer todo. Producir, componer, tocar guitarra, mejorar mi voz, baile, como mejorar mis concierto. Todo es una evolución de este viaje en la música. Cada vez que hago algo, quiero mejorarlo. Y siempre va ser así.

    ¿Y qué queda?

    No sé, yo voy adonde la música me lleve.

    ¿Crees en el poder de la música como elemento curativo?

    Es una de las cosas más importante a la humanidad, es la base de la cultura, de conectar, de mostrar, de sentir. Es una cosa que te distrae, que te hace poner atento, que te ayuda con el movimiento de la vida.

    A pesar de la incertidumbre de estos días, ¿cuáles serán los próximos pasos de Malena Zavala?

    Bueno, ahora voy a tener más tiempo. Quiero usar este tiempo para mejorar todas las cosas que tenía por hacer, que a veces mi trabajo no me permite atacar por falta de tiempo. ¿Tal vez empezar el tercer álbum?

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    No dormir durante días por estar obsesionada con grabar música.

    https://youtu.be/cRfZ6SFpYw0

  • Música contra el confinamiento: mañana llega el Yessmusic Festival

    Música contra el confinamiento: mañana llega el Yessmusic Festival

    Aunque ha asolado a todos la crisis del coronavirus, no dejamos de asistir a verdaderos festivales y conciertos reinventados, en los que la música no deja de ser la protagonista. Así es como nos ha llegado el proyecto Yessmusic Festival, a manos de nuestra querida amiga Paloma Yessayan. Y es que durante todo el día de mañana, no dejaremos de asistir a un sinfín de directos que nos llegarán desde el otro lado de la pantalla. Un día y un total de seis artistas nos amenizarán un domingo más, un día más de confinamiento. Nos salvarán la vida. Pero, ¿de quién disfrutaremos? Tomad nota muy bien.

    El festival dará comienzo a las 16.00h en los perfiles de Instagram de cada artista y en el canal de Youtube del evento y Vanja Polaceki será el encargado de abrir. Durante una hora, el artista sorprenderá con sus temas de pop experimental, cargado de letras profundas y filosóficas. Un primer directo que dará lugar a Frank Berjim, a las 17.00 horas. Miembro de la banda madrileña Young Forest, Berjim es cantautor de música folk. Arrancó con su carrera en solitario en las calles de Burdeos, aunque no fue hasta su llegada a España cuando comenzara a componen y grabar sus primeras canciones, que pronto vieron la luz bajo el nombre de «St Catherine» (2015). Milena Brody será la siguiente: a partir de las 18.00 hora disfrutaremos de ella y de sus canciones, recogidas en su primer trabajo discográfico «Boomerang». Y es que ella encarna la mezcla perfecta entre pop, soul y música electrónica. Justo en el ecuador del festival, Kion irrumpirá para mostrarnos su parte más personal, su parte más vital, su parte más creativa, gracias a sus pasionales letras. A las 20.00h, será la banda mallorquina Ombra la que nos sorprenda con su música: y es que, además, están de enhorabuena, ya que recientemente han estrenado su nuevo single «Espacio Vital». Poniendo punto y final al Yessmusic Festival, y al más puro estilo rock’n’roll y mestizaje, estarán SeñorNadye. Sin duda alguna, la mejor manera de terminar con este gran espectáculo.

    Ahora bien, ¿cuál es la novedad de este festival respecto a los demás que ya hemos visto? Pues que está viendo la luz mediante una campaña de crowdfunding, a través de la plataforma Gofundme. Una campaña cuya finalidad es remunerar a todos los artistas que participan y paliar, de esta manera, las pérdidas y la crisis en la que se han visto sumida con la gran cantidad de cancelaciones de conciertos y festivales. Motivo por el cual consideramos que hay que ayudar. Hoy más que nunca, somos necesarios. ¡Encontrad la campaña y colaborad con ella, pinchando aquí!

  • Viaje a Sidney nos teletransporta a las mismas Antípodas

    Viaje a Sidney nos teletransporta a las mismas Antípodas

    Que la música no deje de sonar y aún menos, en los momentos más complicados de la vida. Así es como, píldora a píldora, el indie es capaz de llegar a las Antípodas y volver directo a nuestras casas. Sí, Viaje a Sidney han llegado para quedarse: «Ley de Sombras», «Piezas de Montar» y «Huesos Secos» son las primeras pruebas de ello. Aprovechando todas estas novedades, pudimos charlar un rato con Koldo, una de las voces de la banda y esto es lo que nos adelantó sobre el proyecto.

    ¿Cómo comienzan Viaje a Sidney su andadura?

    Koldo. Hace ya unos cuantos años que Carlos y yo estuvimos tocando juntos en otro proyecto anterior. Después, Carlos continuó en Nada Personal y con otros discos en solitario y yo he estado con Alborotador Gomasio a lo largo de casi diez años. Hubo reencuentro posterior a este paréntesis tan grande en el tiempo y, aprovechando el parón en que están inmersos nuestras otras bandas, decidimos volver a componer juntos y a meternos en el local de ensayo. ¡Más vale lo malo conocido que lo bueno por conocer! A partir de ahí, contamos con Fran a la batería y Juanpe al bajo, ambos conocidos a través de Capitán Sunrise, otro grupo amigo de Madrid. Fran es el batería de dicha banda y Juanpe ha tocado con ellos en etapas anteriores.

    ¿De qué manera ha influenciado el trabajo previos en otras bandas en el desarrollo de Viaje a Sidney?

    K. Bueno, supongo que, en nuestra modesta experiencia con la música, ya sí que tenemos más claros algunos aspectos de, por ejemplo, el directo o la manera de trabajar en el estudio. De hecho, las canciones que hemos grabado hasta la fecha han sido producidas y mezcladas por Carlos Hernández, al que conocí por haber trabajado con él en el último disco de Alborotador Gomasio, «Luz y resistencia». 

    ¿Cómo construye Viaje a Sidney su sonido?

    K. Carlos y yo componemos a medias. Hacemos la mitad de una canción y, ante el impulso que uno tiene de acabar su propia creación, la estrofa, puente o estribillo que nos haya salido, se la cedemos al otro para que complete el puzzle. A partir de ahí, ya se la enseñamos al resto del grupo y vemos por qué camino llevar la canción entre todos.

    ¿Qué importancia tiene el mensaje, las letras para las bandas?

    K. Para nosotros, como creo que para casi todos los que hacemos pop en su concepción más amplia, importa lo que digamos y, sobre todo, cómo lo digamos. Supongo que a veces acertaremos más, otras menos…pero sí que le damos vueltas hasta estar contentos, al menos eso. 

    «Ley de Sombras», «Piezas de Montar» y «Huesos Secos» han sido los tres primeros singles. ¿Por qué estos tres temas como adelanto?

    K. Son los primeros que han ido saliendo. Hemos elegido el formato de ir poco a poco con la publicación de las canciones. Aunque tenemos un repertorio más extenso que la gente que ha venido a conciertos ya ha podido escuchar, vamos dejando registradas los temas poco a poco para ir aprovechando los tiempos de publicación como mejor nos convenga en cada momento.

    De hecho, de este último ha habido videoclip. ¿Cómo surge la idea del vídeo de «Huesos Secos»?

    K. Para este, nuestro primer videoclip, hemos contado con Jonathan Notario, artista plástico de León que también hace animación. Nos gustó su trabajo y pensamos que poder enseñar al grupo tocando era la mejor idea para daros a conocer a los que estamos haciendo música en Viaje a Sidney.

    ¿Cómo ha sido trabajar bajo la producción de Carlos Hernández?

    K. Muy cómodo y con un resultado con el que estamos muy satisfechos. Carlos lleva mucho tiempo entregado a consagrar una manera de producir y trabajar,  y funciona a las mil maravillas. Como dije antes, yo ya le conocía de la grabación de mi último disco con Alborotador Gomasio y sabía que era un valor seguro trabajar con él.

    ¿Cuándo podremos seguir escuchando temas de Viaje a Sidney?, ¿veremos pronto un álbum o iréis publicando single a single?

    K. Iremos single a single. Problemas de confinamiento y aislamiento social aparte, tenemos idea de poder enseñaros otra canción para mayo.

    En estos tiempos complicados que estamos viviendo, ¿creéis en el poder de la música como elemento curativo?

    K. Desde luego que hay que aferrarse en estos momentos a todos los activos culturales que tengamos a mano para poder mantener una actitud mental de buena disposición frente a esta situación. Literatura, cine y música creo que podrán ser, justamente, en momentos como ahora claves para poder volver a tener períodos de reflexión y calma, después de haber estado tantos años inmersos en una actividad de redes sociales y conectividad frenética. No sé qué conclusiones sacaremos de esto, ni cuando saldremos. Creo que estamos todos muy perdidos, aunque haya muchas personas que parezcan tener ahora a mano la llave de todos los misterios. Calma, paciencia y cuidemos de los nuestros, de lo que esté por venir y de cualquier forma de poder.

    A pesar de la incertidumbre actual, ¿cuáles serán los próximos pasos de Viaje a Sidney?

    K. Lo dicho, un single en mayo y luego se verá. Desde luego, la idea es volver a grabar…pero habrá que ver los tiempos.

    ¿Qué canción de Viaje a Sidney [aunque solo hemos escuchado tres] define mejor el momento en el que estáis?

    K. Ninguna de las que habéis escuchado hasta ahora [risas]. Creo que hay una parte de Sidney, con el mismo punto de actualidad, pero quizá con unas melodías más sesenteras que aún no se han podido ver reflejadas en grabaciones. Aunque eso ya está en muchos de los coros que hay en las canciones que ya habéis escuchado, aún está lo mejor por venir.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    K. Perder dinero desde que tenía 20 años. Ya es bastante locura. 

  • Eladio Santos: «Academia es esa especie de lugar en el que estuvimos estos años»

    Eladio Santos: «Academia es esa especie de lugar en el que estuvimos estos años»

    Dentro de muy poco celebremos un mes desde que vio la luz «Academia», nuevo trabajo de Eladio y los Seres Queridos. Una auténtica perla que ha visto la luz en formato disco-libro y que, además, tiene una espectacular edición de vinos con el mismo nombre, cortesía de la bodega Ponte da Boga. Aprovechando este mágico hecho, pudimos hablar largo y tendido por teléfono con Eladio Santos, compositor y vocalista de la banda. Y esto es lo que nos contó sobre su nuevo trabajo.

    ¿Cómo surge el concepto de «Academia»?

    Yo creo que tocaba. Nosotros siempre estamos grabando y acumulando cosas para los siguientes discos: grabamos hasta los ensayos, de hecho. Creo que empecé a ser consciente de cómo todo tomaba forma a la sexta o séptima canción. Pero no es que un día dijéramos: «venga, ahora». Simplemente, te vas poniendo, vas haciendo cosas y recuperas cosas antiguas. Ha sido un proceso de casi dos años y medio.

    Comentas que fue un proceso de dos años, ¿cómo fue todo la fase de creación y composición?

    Nosotros grabamos en general todos los ensayos. Luego lo que hago yo, es currar mucho por las noches: hago muchas canciones con las cosas que van saliendo. Yo creo que la primera hornada llegó hace un par de verano: ahí es cuando llegaron las primeras canciones y poco a poco, fui avanzando también con algún otro tema que en principio iba a entrar en el anterior. Y ya lo siguiente que hago es grabar la maqueta: me grabo con baterías, que van con programación, en los ensayos se las enseño al resto de banda, vamos dando forma y ya grabamos todos juntos en el local. A partir de ahí, comienzo a retocar, a grabar voces, a cambiar el tono mil veces. Ya cuando más o menos está todo, ya hacemos las baterías definitivas. Ya con la primera versión del disco, me pongo a escucharla infinitas veces, veo cómo funciona. Es un proceso muy, muy calmado. Lo bueno es que vas sin presión y haces las cosas cuando te apetece. De hecho, los tres últimos discos surgieron así y ya no me imagino haciéndolos de otra manera.

    El disco vio la luz hace unas semanas. ¿Cómo ha sido la acogida por parte del público?

    Guay, la verdad. Realmente, hasta que no se lo pones a alguien, no tienes la idea de cómo será, de cómo sonará. Y yo tenía la sensación de que sería un disco largo, con muchos timbres, con mucho de todo. Tenía incluso una idea clara y es que no me importaba que el álbum tuviera muchas canciones lentas: lo que quería es que tuviera ritmo, tienes que mover el pie cuando lo escuches. Y si es largo, no pasa nada, tiene que sonar como un recopilatorio: diferente y variado. Todo eso me dio libertad a la hora de dirigirme hacia donde quisiera con cada una de las canciones. Ya, el concepto del disco sale solo, poco a poco va cogiendo unidad.

    En todo este proceso, ¿qué importancia tiene el mensaje para Eladio?

    En realidad, busco más que nada la belleza, la musicalidad. El disco creo que va mucho sobre el paso del tiempo, de reinventarse, de hacer canciones: creo que eso se debe a nuestra edad, estamos ya entrando en esa fase llamada viejoven, pero bien, vamos de cabeza [risas]. Algunos de nosotros somos padres de familia y ya no tenemos esa mentalidad de jóvenes rockeros. Además, nuestro público empieza a ser ya algo más mayor. En definitiva, el disco creo que habla un poco de nosotros. «Academia» es esa especie de lugar mental o físico en el que estuvimos todos estos años: la carretera, la furgoneta, los bares, los hostales. De hecho, se llama «Academia» un poco por una broma: y es que siempre que me piden que mande los temas en mitad de mi proceso creativo, me siento reacio por no saber dónde pueden terminar. Y ya luego cuando llegamos al local y me piden los acordes, respondo: «oye, oye, que esto no es una academia» [risas]. Además, el último tema que también compuse fue «Academia».

    Aunque la respuesta creo que ya la hemos ido desvelando, me gustaría saber en qué se inspiran Eladio y los Seres Queridos a la hora de componer.

    Supongo que tiene influencia todo lo que va pasando a tu alrededor: en base a eso vas haciendo canciones. Yo no suelo escribir nunca desde el dolor ni nada, no creo que este tipo de sensaciones sean determinantes. Pero claro, yo es que muchas veces también voy escribiendo sin saber sobre qué voy a hablar: lo único que sé es que es cierto lo que escribo. Luego ya trabajo mucho sobre la musicalidad, para que la letra no someta a la música. Siempre tiene que haber como un equilibrio y una fluidez entre ambas. No me gusta forzar nada, porque si no al final parece que hay demasiada pirotecnia en las letras. Suelo encontrar más poesía en las canciones populares más llanas, más simples, más directas.Y es que hacemos canciones y las hacemos para que las cante la gente, para que las entienda.

    Quería también preguntar, aprovechando que «Academia» tiene su propia línea de vinos: ¿cómo surge esa colaboración con las bodegas Ponte da Boga?

    Ha sido una edición muy especial, la verdad. El disco ha visto la luz en formato disco-libro, por el mecenazgo de Ponte da Boga. Gracias a ellos, el álbum ha visto la luz con una línea de vinos con el mismo nombre, «Academia». Y eso fue muy guay, es mejor que fichar por una multinacional [risas]. Ellos confiaron muchísimo desde el principio, sin meterse en nada. Además, te da juego para hacer algo increíble. De hecho, no es la primera vez que lo hacen: ya lanzaron un disco con Vega y uno de Budiño. No tengo muy claro cómo surgió esta colaboración, lo que sí recuerdo es que hubo una condición: que ya que el vino se llamaría como el disco, que el título no fuera una locura [risas].

    Ya cuando podamos volver un poco a la normalidad, ¿cuáles serán los próximos pasos de Eladio y los Seres Queridos?

    Hace nada, tres semanas, estábamos ensayando y preparando un directo bastante diferente. Y es que antes disparábamos todo el fondo que hay en los discos, entonces teníamos que ir con claqueta y entrar en el compás exacto. Además, llevábamos cosas muy poco esenciales. Pero, claro, todo eso nos ataba bastante. Así que nos habíamos preparado un show mucho más libre y más dinámico, también gracias al trabajo y ayuda de nuestro nuevo teclista. Estábamos muy ilusionados con todo ello: de hecho, teníamos el primer concierto el 18 de abril. Que por cómo están las cosas, de momento, no se mantendrán. Luego también teníamos bastantes cosas en verano, que esperamos que sigan en pie. Así y todo, está todo en el aire y pensar en el futuro, ahora mismo, es un poco incierto. Pero creemos que todo esto nos cambiará y nos hará volver con más fuerza.

    Teniendo en cuenta los momentos que estamos atravesando, ¿crees en el poder curativo de la música?

    Pues sí, claro que sí. La música y la cultura no dejan de ser el alma de un pueblo. El aprendizaje que espero que saquemos de esto es que no todo es competitividad, ni dinero, ni individualismo…que creo que es a lo que íbamos todos abocados. Una situación un poco límite que, en cualquier momento, tenía que explotar. Así que, creo que cuando salgamos, empezaremos a valorar lo verdaderamente importante.

    ¿Qué canción de Eladio y los Seres Queridos define mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Pues hace algunos días, la gente me pidió, claro, que subiera alguna canción en streaming. Y aunque en estos momentos no estoy mucho con el ánimo de hacer estas cosas, se me vino a la cabeza «Están ustedes unidos», porque la letra parecía cuadrar perfectamente con todo. «Porque en el rayo que no vemos, porque en el trueno que no oímos, es donde vive escondido. Y a todos los gritos de mundo contesta con una respuesta, están ustedes unidos». Y es que, de repente, nos damos cuenta de que alguien pueda estar al margen de todo: estamos todos unidos por mil cosas y todo lo que hacemos tiene consecuencias para los demás. Luego hay otra que se llama «Con el corazón en la mano», que también refleja muy bien la situación actual, pero que viene mejor para el momento más histérico. La otra es más para el momento de reflexión.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Creo que hay un momento, que a todos los músicos nos ha pasado, en el que te das cuenta de que vas a vivir al día y que cualquier cosa se puede torcer y, además, ya tienes responsabilidades porque tienes familia, tienes hijos. Es algo bastante arriesgado [risas]. Y, claro, encima la gente te pregunta: «¿pero a qué te dedicas?». Que, verdaderamente, lo que quieren decir es: «¿se puede?». Pero también creo que si no te arriesgas, si no lo haces, tampoco consigues nada.

  • Los granadinos Palmar de Troya debutan con su primer EP homónimo

    Los granadinos Palmar de Troya debutan con su primer EP homónimo

    2019 fue el año del germen de Palmar de Troya, tras el viaje que iniciaron sus componentes Marina (voces y sintetizadores), Marcos (batería y voces), Alfonso (bajo), Salinas (guitarra) y Toto (guitarra) en otras bandas como Maine, Gentemayor, Alondra Galopa o Red Passenger. Una nueva etapa, un nuevo viaje que arrancaba con el  post-hardcore y el post-punk por bandera, al más puro estilo Girls Against Boys, Fugazi, Milemarker, Hot Snakes o Trail of Dead. Un viaje que ha terminado de tomar forma con la publicación de su primer EP, que vio la luz el pasado 12 de marzo, también llamado «Palmar de Troya». Una buena dosis de energía más que perfecta para sobrellevar estos días de cuarentena de la mejor manera posible. Dosis de energía que ya mostraron con el que fuera el primer avance, «Dystopian Blaster», con el que evidentemente nos dejaron con ganas de más.

    ¿Cómo se concibió este «Palmar de Troya»?

    Poco después de que los componentes de la banda comenzaran a cerrar filas en torno a este nuevo proyecto, en torno a Palmar de Troya, se encerraron en La Resinera Estudios junto a Marco Muniz. Corría entonces otoño de 2019. Y los seis temas de este EP homónimo comenzaban a rodar, a caminar. Tras todo el proceso de grabación, mezclan en Idle Hands Audio Facilities, mientras que la masterización ha corrido a cargo de Sebastien Blavatsky en los Double Check Studios (Vanuatu).

    Pero a todo ello, faltaba darle forma, faltaba darle una imagen que lo acompañara. Y es que a los mandos de los increíbles diseños y de todo el imaginario que acompañan al disco, no podía estar otra persona que no fuera Álvaro Fernández (@unbuentipo).

    Un EP más que perfecto para debutar, un EP más que perfecto para pasar estos complicados días, un EP que ya podemos disfrutar en todas las plataformas digitales. Aunque los amantes de lo físico, deberán esperar. Y es que este trabajo verá la luz físicamente en forma de 10” durante la primavera de 2020, de la mano del sello granadino Linier Discos.

    https://www.youtube.com/watch?v=OBfQu4S8NG8

  • IN MATERIA han publicado su nuevo disco: «Infinito Tripular» es nuestro

    IN MATERIA han publicado su nuevo disco: «Infinito Tripular» es nuestro

    La música nos está dando demasiadas alegrías estos días, justo cuando más la necesitamos. Y es que hace apenas unos días, el pasado 20 de marzo, los zaragozanos IN MATERIA publicaron su nuevo álbum: «Infinito Tripular». Con estos ocho nuevos cortes, la banda no nos dejará para nada indiferentes. Un disco que, en tiempos difíciles, nos permitirá aventurarnos, viajar a la parte oculta de cada ser humano y conectar con uno mismo de una manera especial, extrasensorial, que nos permitirá mantener un último aliento esperanzador. Un viaje a través de cada una de nuestras capas hasta llegar a la más profundo, hasta llegar a aquella que nadie más conoce y que forma parte de nuestra esencia, de lo que somos y de lo que sentimos.

    «Infinito Tripular» es el primer larga duración de IN MATERIA, tras la publicación de sus dos EPs anteriores. Un disco de lo más especial que, en muy poco tiempo, se ha convertido en un auténtico regalo, un regalo del que ya podemos disfrutar todos. Pero, ¿qué tiene de nuevo este disco? Los zaragozanos han trabajado durante mucho tiempo en la búsqueda de nuevos sonidos y elementos que han permitido, entre otras cosas, que la voz  de Óscar Gómez se muestre más cercana que nunca. Sin embargo, tampoco han descuidado ese equilibrio perfecto entre el contenido y la emoción.

    Un disco que pudimos empezar a desmigar tras la publicación de su primer adelanto «Nunca más de dos», que vio la luz hace apenas unos meses (en el mes de julio de 2019) y que plasma muy bien la contundencia y sonido que imparten en sus directos. Directos que, por la complicada situación que estamos viviendo a día de hoy con motivo del COVID-19 se han tenido que posponer temporalmente. Así y todo, en cuanto todo vuelva a la normalidad, anunciarán de nuevo fechas.

  • Ombra presenta su nuevo single y videoclip, llamado «Espacio Vital»

    Ombra presenta su nuevo single y videoclip, llamado «Espacio Vital»

    Justo cuando más necesitamos ese ansiado «Espacio Vital», porque nos podemos llegar a sentir ahogados en casa, OMBRA nos sorprenden con un nuevo tema con este nombre. Con una buena dosis de energía en momento duro, la banda mallorquina nos enchufa una buena carga de positivismo y de alegría. Un tema que, además, aboga por la diversidad en todas sus facetas. Y es que, sí, lanza un mensaje de vital importancia: «Aceptar nuestras diferencias y valorar la diversidad, ser nosotros mismos sin que nadie nos diga cómo tenemos que ser. Estamos de paso en este mundo y sólo tú decides cómo vivir tu vida. Por lo tanto, que cada paso que damos lleve nuestra huella. El tiempo que pases aquí, tienes que vestirlo todo de flores».

    Una canción de lo más especial que ha llegado acompañada de un espectacular y colorido videoclip, que nos alegra aún más nuestros días. Un videoclip dirigido por Txetxu García y producido por Beatriz Blanco. Diferentes puntos de Madrid se han convertido en los escenarios perfectos de esta historia. Historia que refleja distintas situaciones de diversidad, en las que el amor, la edad, el aspecto o la discapacidad se convierten en grandes protagonistas.

    Pero, ¿qué depara el futuro de OMBRA?

    Este «Espacio Vital» no es más que el primer adelanto del nuevo disco de OMBRA, que llegará después del verano y que supondrá un gran salto y un gran cambio: y es que la banda mallorquina se pasa al castellano, como bien ya han demostrado en este primer tema. Lo que sí que mantendrán Mireia, Alberto, Toni y Joan Miquel es su esencia y su sello: el mismo que ya demostraron en sus discos anteriores, «Welcome/Goodbye» (2016) y «Walk Up The Walls» (2018). Sello y esencia que también han demostrado en los directos, en escenarios como el del Granada Sound, Mallorca Live, BIME Pro, Trovam, FiraB y Focus Wales (Reino Unido). ¡Mucha atención! Porque pronto, cuando podamos recuperarnos, tendremos nuevas citas con ellos: Cranc Festival, Mobo Fest, Live at Heart (Suecia), Meco 2020 (Madrid) y muchos más por desvelar.

  • Emlan: «Tira de la manta es sinónimo de empezar a vivir la vida que siempre has querido»

    Emlan: «Tira de la manta es sinónimo de empezar a vivir la vida que siempre has querido»

    Bajo el sobrenombre de Emlan, se encuentra Arnau Moreno. Artista que se ha arrancado en su carrera en solitario y que promete dar mucho de lo que hablar. Irrumpió en el panorama musical con su primer tema: con «Tira de la Manta», canción junto a Miki Núñez, nos sorprendía muy gratamente. Aunque esa no era más que la primera sorpresa que nos tenía preparada, y es que hace apenas unos días nos sorprendió con su segundo single, «Volveremos». Aprovechando estos dos esperados lanzamientos, pudimos hablar con él (poco antes de que viera la luz este último «Volveremos»). Le hicimos unas cuantas preguntas por teléfono y esto es lo que nos contó.

    Para empezar, nos gustaría conocer un poco a Emlan y saber cómo arranca en el mundo de la música.

    Emlan surge un poco como una inquietud, tras varios años participando en diferentes proyectos musicales y de participar con otras bandas, pero no como artista, si no como road manager, backliner…Ya, tras pasar por diversos procesos personales, decido montar mi proyecto, que es este Emlan, que es un poco mi seudónimo. Todo ello, tras pasar por una época en la que estaba decidiendo qué hacer con mi vida, hasta que me decidí a tirarme a la piscina más en lo musical.

    Te hemos descubierto con la canción «Tira de la Manta». ¿Por qué esta canción para adentrarnos en el universo Emlan?

    Fue un poco por estas ganas de iniciar algo y de lanzarme de lleno a la piscina. «Tira de la manta», en este caso, no tiene nada que ver con descubrir el pastel o destapar una mentira. «Tira de la manta» es sinónimo de levantarse, salir a la calle, empezar a vivir la vida que siempre has querido y nunca has vivido, porque siempre te has puesto pequeñas trabas. Al final, es decidir ser tu propio jefe, tomar las riendas de tu propia vida, para alcanzar lo que quieres. Y es que, al final, muchas veces nos ponemos excusas y nos saboteamos a nosotros mismos. Esta canción representa las ganas de iniciar algo que siempre había querido.

    En este tema, además, colaboras con Miki Núñez. ¿Cómo ha sido trabajar con él?

    Pues la verdad es que ya había tenido la suerte de trabajar con él en su disco «Amuza» y ya sabía cómo era trabajar con él. Además, Miki es una persona encantadora con todo el mundo y muy buen amigo. Trabajar con él es muy fácil y más después de haberlo hecho en «Amuza». Así que cuando le propuse participar en este primer tema, me dijo que sí enseguida y se tiró de lleno a la piscina. Fue muy guay poder contar con alguien así para sacar tu primer tema, aparte de todo lo que conlleva, es un honor.

    Otra de las cosas que nos ha llamado la atención es el arte del single, ¿cómo surge la idea?

    La portada tiene como su significado detrás. Todas esas líneas negras, la almohadilla y el resto de elementos que aparecen, representan todos los problemas que hay alrededor de uno mismo: todas aquellas cosas que obviamos o las que decimos que no importan, pero sí que terminan importándonos. Todo ello nos impide avanzar como nosotros queremos. Pero al final, todas estas cosas son las que nos hacen avanzar en nuestro día a día. Es un poco una representación gráfica del mensaje de la canción.

    ¿Qué importancia tiene el mensaje a la hora de construir las canciones de Emlan?

    Yo soy una persona muy pasional y sentimental [risas]. Así que creo que compongo a base de mensajes. Aunque primero creo como el concepto y lo que quiero transmitir, y luego ya compongo la canción. Lo cierto es que no sé crear una canción sin saber lo que voy a decir, aunque en ocasiones sea la música lo primero que creo. En cualquier caso, ya sé de qué va a ir la canción y lo que va a transmitir. Así la importancia del mensaje o del contexto es total. Y sabía muy bien que para mi primer single como Emlan, quería decir eso y transmitir eso: aunque no supiera que quisiera decirlo de esa forma en concreto o con esa colaboración o con esa actitud. Así que creo que la importancia es total: creo que no hay canciones sin mensaje.

    Y a nivel musical, ¿cómo construyes todo lo que es el universo sonoro de Emlan?

    Buena pregunta. Yo compongo con muchas herramientas y con muchos instrumentos virtuales, lo cual tiene sus ventajas y sus desventajas. Pero yo me lo he tomado más como una ventaja, porque me permite tenerlo todo a mano y a mi alcance. Unas facilidades que a lo mejor de otra manera no podría tener. Entonces, yo diseño la producción de mis canciones como creo que va a llegar mejor el mensaje. Es decir, si creo que poniendo un sintetizador, determinada frase va a llegar mejor, porque ese sonido le da valor al mensaje, pues pongo ese sonido. Y todo lo hago así, con cada parte de la canción. Así y todo, me encantan las percusiones, los vientos, las guitarras eléctricas y las distorsiones son mi debilidad. En definitiva, todo ello conforma el universo Emlan.

    Tras este «Tira de la Manta», ¿cuándo podremos seguir escuchando nuevos temas de Emlan?, ¿habrá disco o irás lanzando singles poco a poco?

    Ahora mismo, la idea que está planteada sobre la mesa es la de ir sacando singles y en un futuro, que no está decidido, ni se sabe ni nada, un posible disco sí que se plantea. Pero aún no. De hecho, dentro de muy poquito verá la luz nuestro segundo single [*llegó, de hecho, hace apenas unos días*]. Y seguramente habrá tercer y cuarto single. Ya después, podremos hablar de otras cosas. Pero ni el tema disco ni EP están definidos por el momento.

    Cambiando de tercio y debido a la complicada situación que estamos viviendo, ¿crees en el poder curativo de la música?

    Creo que la música juega estos días un papel muy fundamental por varias razones. La primera es que para los que creamos música, nos sirve como vía de escape para salir del sitio en el que estamos encerrados, pero sin salir. Para los que escuchan música, también es una vía de escape para abstraerse: y es que cerrando los ojos y cantando tu canción favorita, puedes viajar a cualquier lugar sin moverte de casa. Creo que la música lo es todo y que sirve, bien como vía de escape o bien como fuente de inspiración o diversión.

    El futuro ahora mismo es un poco incierto, pero ¿cuáles serán los próximos pasos de Emlan?

    Pues tenemos previsto el lanzamiento de «Volveremos», que verá la luz en breves. Además, también actuaremos en el Primavera Pop, que inicialmente iba a ser en abril, pero que finalmente lo haremos el 21 junio en Rubí. Y, bueno, mientras tanto tengo en mente continuar creando y continuar compartiendo temas, para que tengan otro aire y no solo se queden como en mi terreno. Paso a paso.

    ¿Qué canción define mejor el momento en el que estás y por qué?

    Pues creo que una de las canciones que mejor definen el momento en el que estoy es «Monstruos y Alimañas» de Dinero. Y si tuviera que decir una propia, creo que la que más me identifica es este nuevo single, «Volveremos» por la letra y, bueno, por las explicaciones que he estado dando a través de redes sociales. Es el mejor reflejo de la situación que acabo de pasar ahora y de cómo me siento. Define muy bien mi estado de ánimo, mi mood.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Pues creo que dejar todos los trabajos que tenía de ingreso fijo y ponerme por y para mi proyecto. Aparte de, bueno, pillar aviones, viajar porque sí, hacer videoclips en sitios muy concretos. Y, claro, todo eso por arriesgarme, por dejarlo todo y por lanzarme a la piscina, musicalmente hablando. Creo que es lo más loco y lo más valiente que he hecho.

  • Victoria Ford: «Con Grandes Éxitos, Mejores Remixes nos apetecía dejar en manos de grandes artistas nuestros temas»

    Victoria Ford: «Con Grandes Éxitos, Mejores Remixes nos apetecía dejar en manos de grandes artistas nuestros temas»

    Hay discos que comienzan a tomar forma, que comienzan a tomar vida. Es el caso de «Grandes Éxitos, Mejores Remixes» de Victoria Ford. Un trabajo producto del anterior trabajo «Grandes Éxitos, Mejores Descartes». Y aunque todavía no ha visto la luz, porque las circunstancias actuales que estamos viviendo no lo han permitido, nosotras hemos hablado con la banda para que nos den los primeros detalles de este inminente álbum.

    ¿Cómo surge el concepto de «Grandes Éxitos, Mejores Remixes»?

    Viniendo de «Grandes Éxitos, Mejores Descartes», nuestro primer LP, no había mejor nombre para seguir con el misticismo y grandilocuencia que se merece este disco de remixes. ¡Apostamos bien fuerte que serán los mejores remixes!

    ¿Por qué darle la vuelta a todos los temas de «Grandes Éxitos, Mejores Descartes»?

    La verdad que nos apetecía dejar en manos de grandes aristas nuestros temas. Que pasen el corte de calidad es mucho, pero que trabajen con nosotros en rediseñar grandes éxitos en grandes, grandes éxitos mucho más.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?

    Siempre hacemos la misma jugada. La mayoría de veces, Ire llega al local con una demo o alguna base de batería, y ahí vamos entrando el resto. Creamos una demo que llevamos a casa, maduramos y nos la metemos entre ceja y ceja, hasta que le vamos dando forma y trabajando segundo por segundo en el local, para que sea siempre la mejor canción posible.

    ¿Cómo ha sido trabajar con Eme DJ, David Van Bylen, We Are Not Dj’s, Andrés López (Niños Mutantes), Los Pilotos, David Kano, Guille Mostaza, Muda Piel, Tobogán y Nacho Canut?

    Cuando creamos la banda siendo unos niños jamás pensamos en llegar a trabajar con artistas de esta talla. Es muy guay que pongan sus manos en canciones que llevamos madurando mucho tiempo, y que con el trabajo de todos consigamos un disco redondo, donde poder bailar y disfrutar.

    «Bien es Poco» y «Doble Diversión» han sido los dos primeros adelantos. ¿Por qué estas canciones?

    «Doble Diversión» es como nuestro primogénito, el primer tema con el que sentimos que sería parte de nuestro primer disco. Siempre será la principal en todo. «Bien es Poco» es ese tema que nos gusta mucho tocar, aunque siempre salga mal en los ensayos, pero nos gusta esa frescura y potencial de himno.

    ¿Cómo afrontáis el lanzamiento del disco?

    ¡Con muchísimas ganas! Llevamos mucho tiempo planeando y trabajando en este disco, pero, tal y como están las cosas se retrasará un tiempo hasta que esto pase. Queremos darle toda la importancia que merece.

    ¿Cómo ha evolucionado Victoria Ford?, ¿y qué queda de la banda que inició su andadura en la música?

    Pues quedamos los tres. Hemos tenido bien claro siempre lo que queríamos, además de tener la misma actitud de trabajar y trabajar canciones. Eso y unido a todas las vivencias, hacen que cada día sigamos con ganas de más, de hacer cosas nuevas, y de darle un giro a cada ritmo que saquemos.

    Ante situaciones complicadas como la que estamos viviendo, ¿creéis en el poder de la música como un elemento curativo?

    La música siempre ayuda, hace sacar lo mejor de todos en cada momento, y ahora, confinados en casa, es el mejor remedio contra el aburrimiento. Descubrir ese disco que nunca escuchaste o empezar a aprenderte las canciones de tu banda favorita, Victoria Ford, para cantar todos sus temas cuando empiecen la gira.

    ¿Cuáles serán los próximos pasos de Victoria Ford?

    Pues de momento estar en casa, programar de nuevo muy bien la gira, y hacer que disfrutemos todos del disco que está por llegar. Son momentos de diversión y mucho mucho baile.

    ¿Qué canción de Victoria Ford define mejor el momento en el que estáis y por qué?

    «Bien es Poco». Es el tema que más nos hace justicia. Estamos en el mejor momento de la banda, haciendo buenas canciones, con un equipo detrás insuperable, y con un reconocimiento que no creíamos que tendríamos. Mola mucho empezar a meter cabeza en la industria de esta manera.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Esta es fácil y corta de contestar. Creo que ensayar en un vestidor de 1’5 metros por cada lado dice bastante de locura por la música. Lo mejor de todo, es lo mismo, pero en verano.

  • Cabana: «Somos Fauna es un trabajo muy potente y cañero»

    Cabana: «Somos Fauna es un trabajo muy potente y cañero»

    Los conocimos en un pequeño Café La Palma, actuando junto a nuestros (también) amigos de Denea. Desde entonces, han pasado cerca de tres años y la verdad es que no podemos estar más orgullosas de su evolución. Se trata de Cabana, quienes están de enhorabuena porque acaban de irrumpir con su primer EP. Un EP cargado de energía y positivismo. Un EP que lleva por título «Somos Fauna». Aprovechando que queríamos conocer más a fondo el proyecto, hablamos por teléfono (y cada uno desde su casa) con Alejandro Herrera y Néstor Peñate, miembros de la banda. ¡No os perdáis la entrevista!

    ¿Cómo surge el concepto de «Somos Fauna»?

    «Somos Fauna», inicialmente, iba a ser solo un single. Pero después de estar analizándolo, decidimos que teníamos suficiente material y que con tres temas más, podíamos hacernos un EP. Entonces nos liamos la manta a la cabeza y seguimos grabando. Así que, en principio, este «Somos Fauna» viene por aquel primer single.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?

    Normalmente, siempre trabajamos de la misma forma: Ale suele traer ideas, los primeros bocetos al local de ensayo. Trae pistas melódicos, pistas con las primeras secuencias y ya en el estudio, juntos, comenzamos a darles forma. Todo ello a base de tocarlas, tocarlas y tocarlas. Y poco a poco, vamos añadiéndoles cosas. Luego ya entra en juego nuestro productor, que es Alberto Martín. Es él quien da su toque, que es bastante notorio y especial. Ya, a partir de este punto, comenzamos a grabar.

    ¿Cómo fue volver a trabajar con Alberto Martín?

    Pues la verdad es que Alberto nunca ha dejado de formar parte de Cabana, es un miembro más de la banda, el que está en la sombra. Y es que aunque no se le vea en los escenarios, siempre está presente, siempre está detrás. De hecho, es en quien confiamos plenamente: todos los temas tienen que pasar por su criterio. Y la verdad es que trabajar con él es un lujo, porque desde el primer momento nos captó y sabía lo que queríamos. Además, coincidimos mucho en los gustos musicales que tenemos. Así que, en estos momentos, es nuestro productor ideal.

    ¿Cómo ha sido la acogida de este «Somos Fauna»?

    Pues creemos que ha sido muy positiva. Es nuestro primer producto y es muy difícil meterlo y pegar un bombazo de repente. Lo bueno es que estamos formando muy buen equipo: estamos con Nacho Gamboa de All Sounds trabajando mucho y haciendo muchas acciones de promo. Así que, aunque sea difícil, por ahora estamos muy contentos con todo lo que estamos haciendo y con todo lo que está llegando. Hay que mantenerse.

    En el EP encontramos colaboraciones como la de Frank.T. ¿Cómo se da, cómo surge?

    Cuando estábamos componiendo y produciendo «Estatua de Sal», que es el tema que tenemos con Frank.T, nos dimos cuenta y tuvimos claro que teníamos que tener en esa canción a un rapero. Entonces, el antiguo guitarrista de la banda, Juan Carlos Rico, tenía la posibilidad y el contacto de llegar hasta Frank.T. Así que llamamos a la puerta, con la enorme suerte de que se abrió y de que él aceptó. De hecho, le mandamos el tema, nos dijo que sí y, además, le encantó. Enseguida aceptó también a escribir él una parte y rapearla. Y así fue. Luego se vino un día al estudio para grabarla y lo cierto es que nos quedamos con la boca abierta: es un artistazo y tiene una presencia increíble. Para nosotros fue una gozada poder aprender de él, que es una de las grandes figuras del hip hop en España.

    «Kamikaze» fue uno de los adelantos de este trabajo. ¿Por qué este tema y cómo surge también toda la idea y concepto del videoclip?

    Una vez tuvimos los cuatro temas del EP listos, fuimos preguntando a la gente cercana que había escuchado el disco. Y la verdad es que la opinión fue generalizada: prácticamente todos coincidieron en que ese tema tenía que ver la luz como primer single. A nosotros no nos parecía descabellado, pues nos parecía que esa canción había quedado bastante potente. Por eso, decidimos publicarlo como primer single y, además, acompañado de su videoclip. Videoclip un poco loco, que se le ocurrió a Ale en base un poco a la temática del tema. Así que, con todo ello, tiramos hacia delante.

    Una de las cosas que más me ha llamado la atención es el arte del disco. ¿Cómo surge todo ello y qué importancia tiene la imagen para Cabana?

    El tema del arte lo dejamos en manos de la diseñadora, que María A (@ladyantoni_). Sí que le dimos algunas pinceladas, porque «Somos Fauna» es un trabajo muy potente y cañero. Entonces ella fue tirando de ahí. Y la verdad es que ha hecho un trabajo magnífico.

    Os conocimos en 2017 con «Nervio». ¿Cómo ha evolucionado Cabana desde ese momento?

    «Nervio» lo sacamos en 2017 con la idea de comprobar si lo que estábamos haciendo nos estaba llevando por la dirección correcta y de si al público le gusta. Entonces lo publicamos y el feedback fue bastante positivo, a la gente le gustó tanto la canción, como el concepto que teníamos. Fue como un buen punto de partida: a partir de entonces, seguimos trabajando en el local, durante horas, horas y horas. Así y todo, siempre hemos tenido clara cuál es la línea que la banda tenía que seguir. Así que todo lo que ha pasado entre «Nervio» y el punto actual, ha sido una evolución natural de la banda. Además, creemos que nos hemos sabido adaptar muy bien a todos los cambios que ha experimentado la música en general: y es que la música que escuchábamos en 2017 no es lo mismo que escuchamos ahora. Pero creemos, y en este trabajo se aprecia, que hemos sido capaces de evolucionar sin perder la esencia y manteniendo nuestra identidad sonora.

    ¿Cómo definiríais esa identidad sonora de Cabana?

    Nosotros diríamos que tiene unas bases electrónicas con ritmos bastante marcados, mezclado con unas voces y melodías mucho más actuales, más pop. Sin olvidarnos de los riffs cañeros y potentes, que tienen ese toque quizás más rockero.

    Hablábamos de 2017 como el año de «Nervio», pero 2018 también fue intenso: girasteis con O’Funk’illo, La Pegatina o Rosendo. ¿Cómo os han cambiado estas experiencias?

    Estas experiencias no es que nos hayan cambiado, es que nos han aportado. Lo cierto es que nos han dado muchísimo recorrido y creemos que para una banda es muy importante el haber actuado en diferentes escenarios y ante gente diferente. Todo eso va sumando y va haciendo que crezcas y evoluciones. Aún así, todavía queda mucho trabajo por delante y en ello estamos.

    Es cierto que estamos viviendo unos momentos complicados y de incertidumbre, pero ¿qué hay de los próximos pasos de Cabana?

    De momento, la fecha más destacada que tenemos es la del 28 de mayo. Este día tenemos concierto de presentación de «Somos Fauna» en la Sala Siroco. Siempre y cuando, no se alargue esta situación. Ya, a partir de ahí, seguiremos trabajando. Y es que tenemos alguna otra fecha, pero está en el aire. Principalmente, lo que nos gustaría hacer es seguir tocando: no dejar de tocar. Y, por supuesto, seguir creciendo.

    ¿Qué canción de Cabana define mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Pues yo creo que ahora mismo no hay una canción específica que defina el momento en el que está Cabana. Sí que hay una que nos gustaría hacer cuanto antes, que es la canción que tenemos en el EP que se llama «Hotel Belén». Y es que nos cuenta un poco la historia sucedida en una fiesta en casa de unos amigos y, ahora mismo, nos gustaría poder volver a unos momentos similares. Salir, revivirlo, pasarlo bien, sin preocupaciones. Aunque, en general, todo el EP sigue un poco toda esta tónica de querer seguir adelante, de una manera muy positiva.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Pues quizás diríamos el venirnos a Madrid. Porque ser de Canarias y vivir de la música al nivel que nosotros queremos es sumamente difícil por la barrera geográfica natural que tenemos por medio. O sea, que si el venirnos a Madrid hay que definirlo como locura, diríamos eso. Hasta el momento, al menos, sí que lo es.

  • «Cri Cri» o el primer acercamiento al nuevo universo de Karmento

    «Cri Cri» o el primer acercamiento al nuevo universo de Karmento

    Se dice pronto, pero ya han pasado cinco años desde que Karmento publicara su trabajo debut, «Mudanzas». Pero ahora está de vuelta: una vuelta más que necesaria. Y es que, en tiempos difíciles, nada mejor que la buena música para calmar el alma. Y «Cri Cri» es el mejor ejemplo de ello, una canción que llega en el momento preciso. Este es el single que la artista ha escogido para empezar a presentarnos su nuevo trabajo. Se acerca la hora de «Este Devenir», un pequeño rayo de luz que nos inundará a finales del mes de abril, gracias al trabajo del sello El Tragaluz. ¿Estáis preparados para su llegada?

    ¿Qué encontraremos en «Cri Cri», nuevo single de Karmento?

    Aunque todo lo que envuelve a «Este Devenir» es todavía un misterio, ya podemos desenmarañar todo lo que envuelve a esta primera canción, a este primer «Cri Cri», que ha llegado acompañado de su respectivo videoclip. Este profundo canto es un verdadero himno encuentro del equilibrio y la paz interior después de una mala racha. Todo ello, narrado con un trasfondo muy particular en el que el folclore manchego y el flamenco se convierten en grandes protagonistas. Como resultado: una propuesta contundente, con una instrumentación algo oscura en la que predominan las percusiones graves y la guitarra española. Una canción muy especial, que ha sido concebida (como el resto del álbum) en los Estudios A Sonido, bajo los mandos del productor Eduardo Figueroa.

    Una canción doblemente especial, ya que ha llegado acompañada de un increíble videoclip. ¿Qué hay de él, pues? Grabado en mitad de la noche manchega, bajo las directrices de la directora Judith Adataberna. Toledo, Cuenca y Albacete se han convertido en los escenarios perfectos entre los cuales una Karmento aterrorizada, trata de huir inexorablemente de sus propios miedos. De sus propios monstruos.

    Un primer paso, una primera canción que nos acerca al nuevo trabajo de la artista. Ahora solo queda saber cómo se desenvolverá toda la situación que estamos viviendo. Pero si todo marcha correctamente, podremos disfrutar muy pronto de los directos de Karmento. Por lo pronto, las fechas que conocemos son las siguientes: el 13 de mayo en la sala Costelo Club de Madrid y el 16 de mayo en la sala ClanDestino de Albacete.

  • Vienna: «Hem Trobat un Pis per a Llogar es el reflejo de nuestro día a día»

    Vienna: «Hem Trobat un Pis per a Llogar es el reflejo de nuestro día a día»

    Son uno de los grandes descubrimientos musicales de los últimos meses. Especialmente, desde que presentaran su EP debut, «Hem Trobat un Pis per a Llogar». Se trata de la banda valenciana Vienna, tras la cual se esconden dos jóvenes pero talentosos artistas: Artur y Pau. Ahora, en medio de una de las situaciones más complicadas para el mundo de la cultura en general, ellos no dejan de regalarnos su música. También dejaron que habláramos durante un momento con ellos y fue Artur quien se atrevió a resolver todas y cada una de nuestras dudas.

    ¿Cómo surge el concepto de «Hem Trobat un Pis per a Llogar»?

    Pues fuimos componiendo las canciones y una vez creadas, no sabíamos cómo llamar al EP. Pero como sí que vimos que quedaba reflejado un poco el tema actual de dónde ir, de alquilar un piso cuando tienes ya cierta edad, pensamos que sería original poner la frase «Hem Trobat un Pîs per a Llogar» como título. Que, al final, no es más que el reflejo de lo cotidiano, de nuestro día a día.

    ¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?

    Pues la verdad es que fue muy divertido, porque Pau y yo más que compañeros de grupo, somos amigos. Entonces, bueno, yo iba teniendo las canciones, pero nada: los acordes y la letra. Y ya en base a eso, quedábamos con un colega, que tiene un estudio, e íbamos dándoles forma. Ya estructuradas, íbamos al estudio con Tono, que fue con quien grabamos. Fue muy guay, porque veías cómo iban evolucionando las canciones desde aquellos primeros acordes. Además, nos lo pasamos muy, muy bien durante este proceso.

    ¿Cómo ha sido la acogida del EP?

    La acogida ha sido muy buena, pero porque no nos esperábamos nada de esto, la verdad. No nos habíamos creado ningún tipo de expectativa y creíamos que no tendría mucha repercusión, más allá que la de nuestras familias y amigos. La idea que teníamos era grabar el EP, porque era algo que llevábamos dentro. Pero muy bien, porque de momento parece que a la gente le está gustando mucho. Que, bueno, tampoco es que lo hayamos petado, pero nosotros estamos muy contentos [risas]. Además, hemos formado un equipo de trabajo muy bueno con Mireia y los compañeros de La Cúpula Music. Así que genial, estamos muy felices.

    Antes de que viera la luz el EP, pudimos escuchar dos singles: «Tourmalet» y «Pregària». ¿Por qué estas dos canciones como adelantos?

    Fue las primeras que salieron, no a la hora de la composición, si no a la hora de producirlas. Y pensamos que eran las que mejor definían la esencia de lo que es el grupo y del concepto de la música que presentábamos.

    ¿Qué importancia tienen las letras, el mensaje?, ¿y cómo trabajáis este aspecto?

    En lo que respecta a las letras, yo hago como un esbozo, una idea general de lo que queremos hablar. Y aunque yo voy desarrollando este aspecto, Pau también va perfilando. Digamos que del tema letras me encargo más yo, porque es algo como más personal e individual, pero no dejamos de ser un equipo. Y si hay algo que a Pau no le gusta o no le encaja, enseguida me lo dice.

    ¿Cuáles son las principales influencias de la banda y en qué se inspira Vienna para componer?

    Pues la verdad es que son influencias muy diversas. Pau tiene influencia más rock, yo más cantautor. Pero terminamos encontrando un punto medio: y es que tenemos mucha influencia, no nos escondemos, de Manel y de Els Jóvens. Es algo que se puede apreciar mucho en este EP, que también es natural porque son bandas que nos han marcado mucho y, bueno, al ser este nuestro primer trabajo, se notan especialmente.

    Habéis tenido ya los primeros conciertos de presentación, tanto en Valencia como en casa, Monóvar. ¿Cómo los habéis vivido y cómo os sentisteis? 

    Pues en Valencia, tocamos con Tardor, que presentaban su disco. Ese fue el primer concierto que hicimos como banda, el primero de la historia [risas]. No fue mal, pero nos sentimos como un poco desubicados, porque era una situación completamente nueva para nosotros. Pero nos sirvió como primera prueba, como primera toma de contacto. Después, tuvimos concierto en Gandía, donde hicimos un acústico muy íntimo. Fue muy bien y nos ayudó mucho a perder ese respeto a los escenarios. Luego ya fue el de Monóvar, que estuvo muy bien. Y es que vino mucha gente y nosotros ya estábamos mucho más sueltos, cómodos y seguros. Además, en este concierto ya pudimos tocar todo nuestro repertorio. Estuvo muy bien y fue muy especial, la verdad.

    ¿Y cómo se prepara los directos Vienna?

    Pues a base de ensayos y es que llevamos desde el mes de noviembre quedando y preparándonos los que serían nuestros directos: primero a nivel mental y luego ya, a base de ensayos. Aunque lo que de verdad nos preparamos y queremos transmitir es diversión. Y es un poco así como nos preparamos. De hecho, cualquier situación o momento con los que sentíamos que no estábamos cómodos, lo terminamos eliminando. Al fin y al cabo, todo esto lo hemos hecho de forma natural y nos sentimos orgullosos de ello. Así que eso es lo que queremos transmitir y lo que queremos trasladar también en los directos.

    A partir de aquí y a pesar de los momentos difíciles que estamos viviendo, ¿cuáles serán los siguientes pasos de Vienna?

    Pues nuestra idea es seguir tocando en directo y llegar a cuanta más gente posible. Que sí que es verdad que Internet, redes sociales, se han convertido en armas muy potentes para darte a conocer. Pero seguimos pensando que lo que más ayuda es subirte a un escenario, que la gente te vea, le gustes y se lo vaya contando a otra gente. Así que, bueno, esa es un poco nuestra idea: tocar, tocar y tocar. Además de seguir componiendo, porque por el momento, solo tenemos cinco canciones.

    ¿Hay alguna nueva canción en camino o todavía no se puede avanzar mucho?

    Obviamente, con cinco canciones solo, hay alguna nueva en camino, seguro. ¿Cuándo? Aún no lo sabemos [risas].

    ¿Qué canción de Vienna identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?

    Difícil la pregunta [risas]. Yo creo que la canción que más identifica a día de hoy Vienna es la de «És Evident», porque tiene ese vals, ese 3/4 que tanto nos gusta y tanto nos identifica. ¡Somos defensores del vals y del 3/4! Además, tiene ese punto de hablar del desamor, llevado a la despreocupación y a la alegría. Es ese punto el que queremos transmitir y es esa un poco la visión que tenemos nosotros del mundo. Tampoco hay que dejarse llevar por el pánico y tratar de verlo todo desde ese prisma objetivo y alegre.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    ¿La mayor locura que hayamos cometido por la música? [risas]. Yo creo que ha sido el hecho de grabar el disco, sin un puto duro Pau y sin un puto duro yo. Todo ello, haciendo favores, trabajando en cualquier cosa para conseguir el dinero. Y, bueno, sin estar seguros de proyecto, meternos en un estudio y decir: «vamos a grabarlo y luego ya veremos». Al final, ha salido bien.

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