Lo conocimos el pasado año, cuando publicó «Mediterrani», el que fuera su EP debut. Se trata de Mad Keys, que está de vuelta nuevamente con un nuevo trabajo en el que sorprende con dos cortes completamente diferentes a lo que nos tenía acostumbrado. Desde el pasado viernes 24 de abril, «Jueus/Cantalar» es ya nuestro. Inspirado en los lugares más recónditos y en las calas más espectaculares del litoral levantino (al igual que hizo también con ese primer «Mediterrani»), Manu Segura – que es quien se esconde tras The Mad Keys -, se atreve con un espectacular giro estílistico: dos canciones y dos géneros bien diferenciados, que bien viajan entre el indie-dance y el nu-disco. La combinación perfecta de tintes veraniegos y melodías bailables. El recordatorio lleno de esperanza que nos recuerda que solo tenemos que esperar un poco más y que el final del confinamiento está ya a la vuelta de la esquina.
¿Qué dos canciones se esconden tras «Jueus/Cantalar»?
«Palmera» es la canción que abre y presenta este nuevo EP. Una canción que, a su vez, ha llegado acompañada de su increíble videoclip, editado Cris Dacoba. Una auténtica oda al disfrute, la plenitud y la libertad. Todo ello, con unos aires estivales que oscilan entre la serenidad de lo balearic y la contundencia de un tema house vocal. Sonido ambiente, sintes y bajo marcadamente funk. ¿Se os ocurren ingredientes mejores para cerrar y ofrecer una canción más redonda?
Por otro lado, «Jueus/Cantalar» es el segundo de los cortes de este nuevo EP. Una canción muy especial que orbita entre el synth-wave y el nu-disco más setentero. Una canción que, a la primera escucha, descubres repleta de contrastes y capas instrumentales. En la que prima lo orgánico frente a lo sintético; lo contemplativo frente a lo bailable.
¿Quién es The Mad Keys?
Nace como proyecto en solitario del músico y productor alicantino (afincado en Barcelona), Manu Segura. The Mad Keys es su apuesta personal más ambiciosa, en la que bebe de numerosas referencias que han formado parte de su vida, como Steve Reich, Todd Terje, Pional o Four Tet, entre muchos otros. Con una capacidad innata y con una curiosidad insaciable, Manu comienza a formarse desde temprana edad, siempre libre de prejuicios y en busca del más puro eclecticismo. Y «Mediterrani» y «Jueus/Cantalar» son la mejor prueba de ello.
Apenas tiene unos días de vida. Fue este mismo viernes 24 de abril cuando el álbum debut de Ocata vio la luz: «9 Historias y 1 Mentira» ya es nuestro y es una verdadera joya. 10 historias que llegan pisando fuerte, que llegan para transportarnos a otro lugar, para evadirnos. Y todo gracias al trabajo intenso y a ese toque mágico que han añadido los propios miembros Vicenç Pedret (guitarra y voz), Kevin Halfon (bajo y coros), Pepe Montero (guitarra solista y coros), Roger Moreno (batería), y la quinta Beatle de este proyecto, Ashley Garrido (manager). El pasado jueves, a escasas horas de que viera la luz este debut, pudimos charlar un ratito por teléfono con Vicenç sobre este gran proyecto llamado Ocata y sobre el inminente «9 Historias y 1 Mentira». Y esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «9 Historias y 1 Mentira»?
«9 Historias y 1 Mentira» es el primer disco que grabamos de una tacada, ya que nos encerramos durante seis meses para poder crearlo, darle forma y buscar un concepto. Y es que queríamos grabarlo y grabarlo bien. De hecho, comenzamos a hacer canciones y de inicio compusimos unas 20, aunque al final nos quedamos solo con 10. Entonces yo creo que es el primer disco en el que nos hemos encontrado un poco con el tipo de música que queremos hacer y con el tipo de letras que queremos hacer. Lo que queremos hacer es música pop, pura y llanamente. Y, sobre todo, contar historias. De hecho, los temas de este disco están basados en historias que le han pasado a personas cercanas a nosotros, que hemos escuchado o que nos han llegado de rebote. Aunque hay una que nos hemos inventado. Así que el título sale un poco de aquí: hay nueve historias y una mentira.
¿Cuál es la mentira?, ¿se puede saber o tenemos que adivinarla?
Pues a mí me gusta mucho contar de qué van las canciones, pero en este caso, lo dejo en el aire, para que cada uno la pueda deducir.
¿Por qué dar cabida, concretamente, a estas diez historias?
Pues nosotros intentamos siempre darle una vuelta a todo, fijarnos en los pequeños momentos que lo hacen todo distinto. Por ejemplo, hay una canción que se llama «Tío Carlos», que está inspirada en el tío de Pepe, nuestro guitarra; que es una persona brillante y fue drag queen. Una historia diferente, a la que hemos querido darle cabida y que es preciosa. Y así con todas, la verdad: tratamos de hablar de temas comunes como el amor, la pareja o la importancia de viajar, pero queremos hacerlo siempre de una manera diferente.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de este disco?
Pues normalmente, la idea inicial de la canción la saco yo con Pepe, guitarra de la banda. Entonces cuando vemos que una idea funciona con una o dos guitarras, se la llevamos al grupo, a Kevin y a Roger, que son bajo y batería. Y ya entre todos terminamos de darle forma a todo. Ese es un poco nuestro método de trabajo, tanto con la música como con las letras. Con el tema letras, soy yo el que lleva las ideas de los versos y ya entre todos, vamos definiendi, qué se entiende, qué no, qué queda bien, qué queda mejor. Es un poco la manera que hemos encontrado de trabajar y que nos va bien. Aunque curramos mucho con la mentalidad de: «vamos a hacer 10 y nos quedaremos luego con 1».
¿Cómo fue el trabajo de producción con Santos&Fluren?
Fue muy, muy guay, porque son gente a la que hemos admirado siempre por su trabajo y por los discos que han producido: de Love Of Lesbian, de Sidonie, de Izal, de Joan Dausà, de Ruidoblanco. Entonces, cuando nos escribieron y nos dijeron que sí que querían trabajar con nosotros, pues nos emocionamos. Y es que claro, son gente tan conocida y tienen tanta carga de curro, que primero te piden que les mandes tu maqueta y luego ya te dicen si pueden o no pueden trabajar contigo. Y fue muy bien, además también fuimos muy abiertos: es lo que había que hacer. No habría tenido mucho sentido ir a trabajar con Santos&Fluren y luego decirles: «no, este disco se va a grabar como nosotros queremos». Así que nosotros estuvimos muy abiertos a que metieran mano a las canciones y verdaderamente nos ayudaran. Y, la verdad, es que fue muy guay porque creo que supieron ver muy bien la esencia de cada canción y nos guiaron muy bien con todo: con lo que quedaba mejor, con lo que quedaba peor. En definitiva, estuvimos un mes trabajando con ellos y fue muy bien, terminamos muy contentos con todo el trabajo. De hecho, tenemos anécdotas con ellos que, de verdad, no olvidaremos. Por ejemplo, hubo un día que estuvimos grabando hasta muy tarde y, en un momento, con la canción «Quiero Más», Fluren nos dijo: «¿Os importa si esta guitarra acústica la grabo yo? Que tengo muchas ganas». Por supuesto dijimos que sí, porque para nosotros era un honor contar con él y con toda su experiencia.
«Viajar», «Mis 30», «Yo Robot» y «Quiero Más» han sido los primeros adelantos de este disco. ¿Por qué escoger estas canciones como presentación del álbum?
Pues mira, sin quererlo, nos lo hemos repartido bastante. Porque al final, todos estamos encantados con el disco, pero tenemos predilección por alguna canción en concreto. «Viajar» es el tema preferido de Pepe; «Mis 30», aunque no es mi favorita, siempre me ha parecido como el single claro; «Yo Robot» a Roger le encantó y es su favorita; ya de «Quiero Más» es la canción de Kevin. Así que, sin quererlo, ha quedado así.
El disco ve la luz en apenas unas horas, ¿cómo os sentís?
Pues la verdad es que la sensación es un poco extraña, porque nosotros teníamos ya los planes de cómo sería el lanzamiento del disco. De hecho, teníamos previsto tocar en la Antigua Fábrica de Estrella Damm para presentar este «9 Historias y 1 Mentira». Entonces es como que teníamos muchos planes que, por las circunstancias, no hemos podido realizar. Así y todo, estamos muy emocionados por el lanzamiento del álbum, ya que llevábamos como año y medio trabajando en él: los seis meses de composición, el mes de grabación y el año pensando en todo el concepto, más allá de lo musical (fotografía, videoclips, estrategia de lanzamiento). Así que, en definitiva, estábamos ya con muchas ganas de sacarlo: nosotros lo que queríamos es que la gente lo pudiera escuchar ya, que lo pudiera disfrutar. También lo que a nosotros nos gusta es que la gente escuche el disco como los escuchamos nosotros: te lo pones de una tacada, lo vuelves a escuchar en el coche, te vas enamorando de una canción, descubres otra que no te gusta y, de repente, cambias. Así que, bueno, estamos muy emocionados, en definitiva.
Hablabas de todo el concepto no musical del disco y justo queríamos preguntar por lo que es el arte del disco. ¿Cómo surge todo ello?
Pues otro avance que hemos hecho con este disco es que hemos contado con la colaboración de Rocío Larrumbide, que ha sido nuestra directora creativa. Y es que nosotros nos hemos dado cuenta de que la música, guste o no guste, es mucho más que música. Partiendo de esa base y sabiendo que somos música pura, tomamos la decisión de incorporar a alguien más en el equipo, que diera o completara el proyecto con la parte más visual. Y la verdad es que el trabajo con Rocío ha sido genial, porque enseguida captó la esencia: enseguida se le ocurrió la idea de crear diez personajes para cada una de las canciones y como darles vida, que fueran de carne y hueso. Además, junto al equipo de La Bemba también se encargó de conceptualizar el videoclip. Al final, creo que el concepto visual que creó para el disco quedó muy chulo. Refleja muy bien lo que es la otra cara de «9 Historias y 1 Mentira», lo cual, para nosotros era algo muy importante.
¿Cómo ha evolucionado Ocata desde aquel primer EP, «Cara B»?
Pues muchísimo. De hecho, la sensación que tenemos todos es de evolución. Y es algo que se ve, en primer lugar, en cómo nos creemos todos este proyecto. Hace cuatro años, Ocata era un grupillo y sí, tus amigos te preguntaban: «Ay, ¿qué tal?». Y nuestra sensación ahora es de orgullo máximo. Un orgullo que se ha traducido en que nosotros seamos más perfeccionistas y en que hayamos decidido hacer una gran apuesta, rodeándonos de grandes profesionales, en todos los sentidos y en cada una de las áreas. Todo ello ha hecho que, por ejemplo, pudiéramos contactar y empezar a trabajar, a su vez, con Music Bus, que son quienes nos representan. Creo que todo eso empieza por trabajar mucho nosotros y por sentirnos orgullosos del proyecto.
Especialmente en los momentos que estamos viviendo, ¿creéis que la música es un elemento curativo?
Yo creo que sí, 100%. Y no solo creo que la música cure. En el caso de la nuestra, considero más bien que tiene como el don de trasladarte a otro lugar, de coger tu cabeza y llevarla lejos de donde está, de hacer que se evada. Todo eso, gracias a que te voy a contar una historia que, por un momento, te va a alejar de tu casa, del tráfico, de la situación que estés viviendo. Así que sí, creo que la música tiene esa habilidad de trasladarte sin ni siquiera moverte, especialmente ahora que no podemos movernos de casa.
A pesar de toda esta incertidumbre, ¿cuáles serán los siguientes pasos de Ocata?
Pues ahora mismo, nosotros seguimos componiendo. Estamos aprovechando esta cuarentena para seguir creando, además de para prepararnos para empezar a tope cuando regrese la época de conciertos. Y otra cosa que vamos a hacer es recompensar a toda la gente que nos está apoyando de alguna manera especial, preparándoles pequeñas sorpresas. Queremos cuidarlos y darles las gracias de alguna manera.
¿Qué canción de Ocata define mejor el momento en el que estáis y por qué?
Uf, qué difícil [risas]. Me la tengo que pensar, ¿eh? Pues yo igual te diría que la canción que mejor define Ocata en estos momentos es «Yo Robot», porque habla de un futuro un tanto surrealista, que es un poco lo que estamos viviendo en estos momentos. Y es que si alguien, hace un año, nos dice lo que estamos viviendo ahora mismo, no nos lo hubiéramos creído. Pero bueno, estamos intentando aprovechar al máximo esta situación, aunque no sea la que nos hubiera gustado vivir. A su vez, esta también es una canción que a los cuatro nos encanta.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Pues la verdad hay varias [risas]. Yo hay una a la que le tengo cariño, pero en realidad no debería. Y es que, bueno, cuando un grupo está empezando, hay veces que tiene que hacer conciertos en los que no te ve nadie. Y eso nos pasó en marzo del año pasado en Mollerussa y no había absolutamente nadie: además, fue un jueves, que nosotros trabajábamos, nos pegamos dos hora de viaje, tocamos para cuatro personas y nos volvíamos, porque al día siguiente teníamos que volver al trabajo. Fue un momento complicado pero también es una situación que te une como grupo, porque si superas eso, significa que ya puedes superar cualquier cosa. Además, son cosas que ponen a prueba la banda. Es una locura, pero al final, forma parte del proceso y merece la pena.
Si algo bueno podemos sacar de este periodo de cuarentena en el que no podemos salir de casa, es la solidaridad que estamos mostrando entre nosotros. Todos, desde su particular prisma, hemos intentado aportar nuestro pequeño granito de arena, confluyendo y sacando adelante diferentes propuestas como la que hoy traemos. Y es que el pasado mes de marzo, el equipo de médicos e investigadores de la Fundación Lucha contra el Sida (encabezado por el Dr. Bonaventura Clotet y el Dr. Oriol Mitjà, IrsiCaixa y el Hospital Universitario Germans Trias i Pujollideran) lideran el primer ensayo clínico aprobado con el objetivo de buscar los fármacos que servirán para tratar a los infectados por el Covid-19 y prevenir el contagio, además de estar trabajando también en la vacuna contra el virus.
Fue entonces cuando lanzaron la campaña en redes bajo el nombre de «Yo Me Corono» y cuando el hashtag #yomecorono comenzó a hacerse viral: inicialmente promovido por Natalia Sánchez y Marc Clotet, pero pronto impulsado por otras personalidades como Messi, Iker Casillas, Serrat, David Bisbal o Carlos Latre. Y hasta la fecha se han recaudado más de 2 millones de euros.
La banda sonora de este #YoMeCorono
Como todo buen proyecto solidario, se necesita una buena banda sonora y este «Yo Me Corono» no iba a ser menos: «Quiero abrazarte, cuando todo acabe» se ha convertido en el mejor. Una canción especial que se ha convertido en una auténtica oda a uno de los gestos que más estamos echando de menos: el de poder abrazar a todos nuestros seres queridos. Un himno compuesto por Lucas Colman y producido por Víctor Elías, Eduardo Figueroa y Mabel Casas. Mensaje que, a su vez, ha sido interpretado por multitud de artistas: 35 celebridades del mundo de la interpretación y de la música.
¿Quiénes se van dejando ver y escuchar en este «Quiero abrazarte, cuando todo acabe»? Pablo Puyol, Edurne, Willy y Antón (Taburete), Angy, Merche, Fran Perea, María Parrado, Nerea Rodríguez, Lucía Gil, Dani (Despistaos), Manel Navarro, Edu Soto, Roko, Ele, Isma Romero, Álex O’Dogherty, Rayden, Lucas Colman, Paul Alone, Álvaro (Sinsinati), Dani Fernández, Siete de Picas, Mi hermano y yo, Chlöe’s Clue, Bombai, Belén Aguilera, Hotel Flamingo, Jorge Marazu, Marina Carmona y Lucía Fernanda, Sergio Rojas, Jaiflyer, Rodri (Fugaz) y Álex Gómez. Artistas de primer nivel que han puesto voz a la canción y que, además, han participado en el videoclip: eso sí, grabado desde sus propias casas.
Una iniciativa musical cuyos beneficios irán destinados íntegramente a la causa.
Con una naturalidad que abruma y con un buen rollo más que necesario, especialmente en estos tiempos que corren, Lichis y Rubén Pozo nos han sorprendido con su nuevo single, perfecto para subirnos el ánimo aún cuando no podemos salir de casa. Y es que aunque por el título, «Asco y Vergüenza» parece indicar lo contrario, esta canción es, sin duda alguna, la más bonita locura de estos dos románticos del rock español. Juntos disparan esta última bala antes del lanzamiento de su primer disco juntos, que verá la luz el próximo 22 de mayo y que llevará por título «Mesa Para Dos. El Disco».
«Asco y Vergüenza», la primera piedra de Lichis y Rubén Pozo
Con este «Asco y Vergüenza», los dos artistas de dilatada experiencia irrumpen con una potencia sobrenatural. Una canción que, más allá de su música, está compuesta por una imagen muy trabajada. Desde esa misma portada, en la que se homenajea la andanza quijotesca llevada a término por Buñuel y Dalí en «Un perro andaluz». Hasta el propio videoclip colaborativo que acompaña, un videoclip capaz de levantarnos el ánimo en esta cuarentena.
Este vídeo tan sumamente especial, editado por Manuel Cárdenas, saca el lado más positivo y divertido de la música. Y es que ha sido posible gracias a la buena voluntad de todas las personas que se han sumado a la causa, enviando sus particulares primeros planos, poniendo imagen a la frase estrella del tema: «Se me iban los ojos ayer, no podía dejar de mirarte». Así es como se han sumado Rozalén, Sidonie, Carlos Sadness, Virginia Díaz, Arde Bogotá y Rick Brendan a esta increíble fiesta del confinamiento.
La primera piedra del nuevo disco de Lichis y Rubén Pozo
«Asco y Vergüenza» se ha alzado como el primer tema del nuevo disco conjunto de Lichis y Rubén Pozo. Se acerca la fecha en la que «Mesa Para Dos. El Disco» será nuestro: el 22 de mayo verá la luz el primer álbum conjunto de estos dos artistas de trayectoria y carrera más que consolidada. Y es que en 2018, ya doblaron su apuesta y comenzaron a unir sus propios caminos.
Desde el corazón de Estados Unidos, nos llega una propuesta que nos ha enamorado desde el primer momento en el que la escuchamos. Se trata del proyecto encabezado por Scott Siskind, cuyo debut ya ha visto la luz. Un primer EP formado por seis canciones, en las que predominan la crudeza, la calidez y las letras honestas. Así es como surge este «Old Ghosts, New Homes»: una historia de reflexión y autoexploración, un arduo camino hacia el autoconocimiento del artista y, en cierto modo, también al nuestro. Composiciones sinceras y cercanas, completadas por una voz que embauca y enamora desde el primer momento en el que la escuchas. Un disco que se alza como extensión del que fuese su proyecto musical paralelo: el quinteto de rock Vinny Vegas.
¿Qué encontramos en cada una de las canciones de «Old Ghosts, New Homes»?
Este EP, este «Old Ghosts, New Homes» es una especie de viaje que nos adentra por múltiple y variado camino, que profundiza en la propia experiencia humana. Y es que a medida que este disco va avanzando, Scott nos hace recorrer diferentes estadios emocionales. Altibajos que el ser humano es capaz de sentir en su propia piel en los diferentes momentos de su vida. Un EP que arranca con una necesaria «Illusions»: la canción perfecta para comenzar a adentrarse en la compleja psique humana. Todo ello, para pasar enseguida a «Polish Soil», un himno en defensa de la familia y de la importancia de las raíces, las mismas que nos permiten recordar de dónde venimos y hacia dónde vamos. Justo en la mitad del disco, aparece «The Darkness», que habla de los momentos más oscuros de la existencia humana. A su vez, esta canción tiene su debida continuación en el quinto corte del trabajo del artista: llega pues el momento «The Glow», esa luz a final del túnel. Por su parte, como cuarto tema de «Old Ghosts, New Homes» se alza «Quiet Breaks»: un tema producto de una experiencia personal, al no recibir noticias de alguien cercano durante varios días. Finalmente, «What Is God?» es la canción ideal para cerrar un EP en el que la introspección es la máxima: cerrar con un debate interno sobre la idea del propio Scott sobre qué es Dios.
Sin duda alguna, Scott Siskind ha sido un verdadero descubrimiento, por lo que recomendamos encarecidamente que lo escuchéis. ¡Mucha atención también a sus siguientes pasos!
Han sido una grata sorpresa y un gran descubrimiento: se trata de los barceloneses Rambalaya, quienes acaban de irrumpir con su álbum homónimo. Primer álbum con esta nueva formación, aunque la historia les viene de lejos. Y es que están siguiendo la estela de su anterior EP, un trabajo que vio la luz cuando ellos aún se llamaban The Ramblers. Si queréis adentraros en el particular universo de la banda, cargado de blues, soul y R&B por doquier, no os perdáis la entrevista que le hicimos hace algunos días a Jonathan Herrero, voz de la expermientada formación musical.
¿Cómo surge el concepto del disco, de «Rambalaya»?
Bueno, nosotros llevábamos ya un tiempo tocando a cuarteto y quinteto, bajo el nombre de The Ramblers. Principalmente, lo que hacíamos era tocar versiones, temas de blues, de R&B, de soul. Pero enseguida comenzamos a componer y a crear nuestro propio repertorio. De hecho, publicamos un EP como The Ramblers y vimos que la reacción por parte de la gente era bastante positiva. Así que pensamos que siendo una formación como la nuestra y añadiendo guitarras y una sección de metales, podíamos hacer algo muy guay. Así fue un poco como ampliamos la familia, completamos el septeto y continuamos creando. Pero ya llegó un momento en el que nos tocó decidir y meternos a estudio. Fue entonces cuando nos dimos también cuenta de que ya había alguna banda que se llamaba The Ramblers, incluso dentro de nuestro propio circuito. Así que a Matías, bajista de la banda, se le ocurrió el concepto Rambalaya. Y así se quedó.
Precisamente, la siguiente pregunta era cómo surge un poco Rambalaya, tras el paso por The Ramblers y tras haber participado en otras formaciones.
Bueno, ya como The Ramblers habíamos tocado como septeto en el Festival de Blues de Barcelona y en otros eventos. Pero al querer editar ya el primer álbum y distribuirlo en redes y demás, se daba el caso ya de cambiar, como de rebautizarnos. Así que nos quedamos enseguida con el nombre de Rambalaya, en cuanto a Matías se le ocurrió, porque es un nombre con mucha sonoridad. Y vimos que, por supuesto, no había nadie que se llamara así. Así que, así nos llamamos [risas].
También quería preguntaros, ¿cierto que este primer álbum da cierta continuidad al EP que vio la luz con The Ramblers?
Sí, sí. De hecho, hay dos canciones que hemos re-grabado con la sección, porque en el EP éramos un quinteto. Así que para completar el LP, les hemos una vuelta a estos dos temas: los volvimos a grabar, cambiamos algunas cosas, le dimos un aire diferente. Creo que están mucho mejor ahora, creo que han crecido mucho: es como hacer un guiso con nuevas especias y con nuevos sabores.
¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo de este trabajo y cómo os complementáis siendo una banda con tantos miembros?
Bueno, tenemos mucha suerte, porque Anton y Matías, batería y bajista de la banda, son los que principalmente componen los temas: tenemos buenos cerebros a nivel compositivo. Así que es muy fácil, porque se han generado muy buenas ideas, aunque algunas se han quedado fuera y quizás las dejemos para más adelante. Pero en definitiva, es muy guay el trabajo así, un gustazo estar con personas con tanta experiencia y que son tan buenos músicos. Todo ello también sumado al trabajo del productor, de Dani Nel·lo, que lo ha sabido poner todo en su sitio. Así que el encontrar a las personas adecuadas y trabajar sobre tan buenas ideas, lo hace todo más sencillo, más rápido y más natural. Con todas las dificultades que conlleva que todos tengamos nuestra propia opinión, claro [risas].
Ahora que comentabas de Dani Nel·lo, ¿cómo fue trabajar con él?
Muy fácil, porque Dani no solo es un «musicazo», también es amigo y colega en diferentes proyectos. Es como una enciclopedia musical, sabe muchísimo de todo y eso es muy bueno: tiene muchas referencias, enseguida sabe buscarle colores y detalles a todas y cada una de las canciones. Además de la confianza que ya te une a él: sabes que te va a decir todo tal cual es y que las ideas que va a proponer van a ser por tu bien, sabes que te las está diciendo un amigo, te gusten más o te gusten menos.
El disco vio la luz hace unas semanas y me gustaría saber cómo ha sido la acogida.
Pues la verdad es que nos ha pillado toda esta complicada situación, con la cuarentena de por medio. Aún así, las reacciones han sido geniales, tanto por parte de los medios, como por parte del público. Nos han puesto muy buenas reviews y lo cierto es que está gustando mucho. Aunque no podamos salir para mostrárselo al público en directo, que es la manera en la que nos gusta. Pero bueno, de momento está yendo muy guay, así que estamos muy agradecidos. Nos ha puesto mucho las pilas y nos ha dado mucha alegría.
¿Cómo construye Rambalaya su sonido y por qué apostar por el R&B como vía, como género musical?
Estilísticamente, sí que es verdad que el disco está enmarcado en esos estilos: en el soul, en el R&B, incluso toques de country. Son estilos en los que todos los miembros de la banda convergemos, aunque después cada uno tiene sus cosas [risas]. Además, son estilos que todos tocamos o hemos tocado con asiduidad. En lo que respecta al sonido de la banda, en realidad, surge un poco de cada instrumentista. Por ejemplo, cuando escuchas la batería de Anton, suena a rock, pero también lo pasa por un tamiz, porque también tiene mucha experiencia tocando jazz, tocando swing. Y así te podría decir con todos, porque cada uno de los instrumentos, suena a cada uno de nosotros. Pero vaya, que el punto de encuentro principal ha sido este. Y todo ello, al trabajarlo y pasarlo por el foco del productor, el disco se conforma como una especie de Pantone sonoro, muestra toda la zona en la que nos movemos, en la que nos sentimos cómodos y en la que hay cierta homogeneidad.
Ahora que estamos atravesando una situación complicada, ¿crees en el poder de la música como elemento curativo?
Sin ponerme muy intenso [risas], solo hay que ver las redes sociales: haciendo vídeos desde casa, montando conciertos y festivales caseros, grabando vídeos para medios de comunicación. Digamos que, de repente, a todo el mundo le hace falta la música, la cultura, el entretenimiento. Quizás todo esto nos sirva para darnos cuenta de que no todo es tan baladí, de que es necesario y de que se le hay que prestar atención, no solo cuando estás en casa. Es normal que la gente busque esta vía de escape, esta manera de evadirse. Creo que es esencial y que todo esto está dando una nueva perspectiva: de valorar lo que tenemos, de darle la importancia que merece. Ojalá valga para algo, sobre todo cuando todo comience a reactivarse.
A pesar de la situación de incertidumbre, ¿cuáles serán los próximos pasos de Rambalaya?
Inmediatamente, teníamos las presentaciones en las grandes capitales: Bilbao, Barcelona, Madrid, Valencia, Zaragoza, y todas ellas están en el aire. En este aspecto, estamos un poco a la expectativa y poco más, no podemos hacer más, porque no están en nuestra mano. De repente, nos llaman y nos dicen que X concierto se ha caído, y se ha caído. Pero la maquinaria sigue en marcha. De hecho, ha visto la luz el videoclip de nuestro single «Bootlegger Man», del cual estamos muy contentos, porque lo hemos hecho con Lyona y nos encanta como trabaja y lo que hace. Además, nosotros no dejamos de trabajar y de componer, cada uno desde nuestra casa. Así que, bueno, estamos a la expectativa, pero activos de alguna manera.
¿Qué canción de Rambalaya identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
¡Wow! [risas]. Hay muchas que me gustan y seguro que escojo una y después me matan [risas]. Aunque me gustan todas las del disco, me gusta especialmente la energía que tiene «Can’t Take It No More», es un tema muy salvaje y creo que define un poco cómo nos sentimos: mordiéndonos las uñas y deseando poder salir, para poder tocar en directo y soltar toda la adrenalina que soltamos cuando actuamos. Esta es la que yo escogería, pero seguro que si hablas con los demás, te dicen cualquier otro tema.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
[Risas]. Esto es algo también como muy personal. No sé, yo creo que cada uno tiene sus propias historias y no las contaré en su nombre [risas]. Pero yo, la que cometía hace ya muchos años, es la de dejar la carrera en el último año y con todo aprobado, todo porque quería dedicarme a la música. Todo para la alegría de toda la familia [risas]. Creo que esta fue mi gran locura vital, porque lo que estaba haciendo no me gustaba. Fue mi gran apuesta, la música. Y, mira, aquí estamos, lidiando con la vida de una manera sufrida, pero placentera.
El talento continúa creciendo por todas partes, está latente en cada paso que damos, en cada bocanada de aire que damos. Talento que hoy os venimos a descubrir con cuatro nuevas bandas, ¿queréis saber de quiénes se tratan? Son Ada Van, Rothrigo, Marina Moon y Biblical Soccer. ¡Os contamos más sobre todos ellos!
Ada Van, desde el corazón de Barcelona
Con las referencias literarias que tanto los caracteriza, Ada Van llegan desde el mismísimo corazón de Barcelona para atraparnos con su música y, muy especialmente, con el nuevo tema que han presentado: «Noches Blancas». Y es que, con ella, dan una vuelta de tuerca más a sus referencias literarias y construye una canción de amor con títulos de libros, una guía para los bailadores más leídos: Faulkner y Virginia Woolf se conocen en el supermercado y recorren las blancas noches de su amor por los nueve círculos del infierno. Bailen y lean, aunque el dolor sea terrible.
El universo sonoro de Rothrigo
Con «Up And Away», Rothrigo acaba de irrumpir en el panorama musical. Y es que la mitad de la banda Turbomike, se inicia con esta nueva canción en un particular y personal universo sonoro. Va a dar mucho de lo que hablar y eso es una realidad. ¿Preparados para adentraros en su multiverso, que destaca por su dulce voz y pequeños toques electrónicos y groove, y esa estética tan retro?
La potente voz de Marina Moon
Con un talento innato, Marina Moon nos sorprende con la publicación de su nueva canción, titulada «No More Lies». Un tema muy especial en el que destaca su potente voz, que viaja entre el inglés y el español, y esos toques electrónicos y particulares de la artista. Un viaje hacia el interior de la compositora zaragozana, afincada en Londres. ¿Vais a perder la oportunidad de escucharla?
Desde Granada, llegan Biblical Soccer
Desde la misma ciudad de Granada y con Fon y Jorge, quienes formaran parte de Apartamentos Acapulco, al frente, os presentamos a una nueva banda, llamada Biblical Soccer. Y es que al más puro estilo power-pop y pop-punk, acaban de lanzar su primer tema: «Leñadores». Una canción especial que sirve como adelanto de su inminente EP, «Una Buena Temporada». Atención, que llegan pisando fuerte.
Y vosotros, ¿qué nuevas bandas acabáis de descubrir?
En medio de los momentos tan complicados que estamos viviendo, la música continúa regalándonos momentos increíbles y llenos de buenos momentos. Gracias a bandas como Full podemos sobrellevarlo todo mejor: y es que junto a la talentosa Marta Andrés, han publicado su nuevo tema llamado «Azul Eléctrico». Un ordenador, una tarjeta de sonido y su propio instrumento han sido suficientes para grabarse desde sus refugios. Dúo de voces el de Javi Valencia y la propia Andrés, que encajan a la perfección, junto a las guitarras eléctricas de Bubby Sanchís y el piano de Manu Jurado.
Pero, ¿cómo surge la canción? En palabras de la propia banda: «Queremos aportar nuestro granito de arena a esta situación que estamos viviendo y por eso decidimos hacer una versión de Azul Eléctrico. Creemos que es una canción que nos hace estar más unidos que nunca y además ofrecer algo a la gente que les pudiese mantener entretenidos en sus casas mientras dure esta época de confinamiento». Y es que el color azul tiene un significado especial, simboliza todos los sentimientos que van más allá de la distancia y de cualquier obstáculo. De los sentimientos que permanecen en el tiempo. Así que en este periodo tan complicado y convulso, el rayo de electricidad que hay entre nosotros tiene un azul intenso. Un rayo que nos recuerda que lo más importante que tenemos a día de hoy, son las personas. Personas que salen cada día de casa para salvar vidas, alimentarnos, cuidarnos. Personas a las que no hemos podido decir adiós, a los que no podemos abrazar.
Sin duda alguna, «Azul Eléctrico» es una canción de lo más especial. Y como no podía ser de otra manera, ha llegado acompañada de un increíble y confinado videoclip. Tres ciudades que han separado a cada uno de los miembros de la banda. Valladolid, Madrid y Sevilla. Sin embargo, los ha unido en la distancia un ordenador, una tarjeta de sonido, los instrumentos y sus propios refugios. Elementos primordiales para poder grabar juntos, a pesar de todo. Porque siempre podremos encontrar ese rayo de electricidad entre los dos.
Hay canciones predestinadas a acompañaros, a perseguirnos, a no dejarnos escapar una vez llegan a nuestra vida. Canciones que surgen como respuesta a muchas otras. Entre todos estos dilemas personales se ha estado moviendo en los últimos meses Andrea Santiago, que acaba de publicar su nuevo single «Las Bestias que me Acompañan». Una canción que sirve como primer adelanto del primer largo de la artista, que aún sin título, verá la luz a finales de este año 2020. Lo que sí que podemos adelantar es que será un álbum conceptual, producto de todo este proceso vital de la artista. Un álbum que recogerá el testigo de aquel primer EP, que le sirvió para presentarse en sociedad: «He Dejado de Buscar tu Casa». Álbum que recogerá el testigo, muy especialmente, del tema que cierra aquel primer debut, canción llamada «Hoy no Puedo Dormir». El insomnio en el que nacen unas bestias mecidas por la dulce voz de Andrea y sacudidas por la fuerza de guitarras y percusión, en un tema donde conviven folk, rock y pop.
La talentosa carrera de Andrea Santiago
Más de una década dedicándose a la música y a caballo entre su Pamplona natal y Madrid, con su guitarra a cuestas. Sin embargo, fue en el año 2017 cuando irrumpió con una fuerza arrolladora dentro del panorama musical con su primer sencillo, llamado «Hasta el Agua». Año también de los primeros conciertos, en los que enamoró a todo el mundo con ese particular sello tan suyo, que está a medio camino entre el folk-rock y el pop alternativo. Justo un año después de todo este momento inicial, en 2018, cuando reunió a su actual banda: Borja Muerza (percusión, sintes), Miguel Tiberio (bajos, sintes) y Nacho Muerza (guitarras). Ya con ellos, comenzó a grabar y producir el que fuera su primer EP, «He Dejado de Buscar tu Casa».
Sin embargo, XZcon «Las Bestias Que Me Acompañan» la artista arranca con una nueva etapa en la que Borja Muerza se pone de nuevo a los mandos de la producción, junto a la propia Andrea, y concebido en los Estudios Aberin (Navarra).
«En 1979 éramos más felices. No por la reciente democracia, sino porque Ana Belén popularizó un maravilloso tema de Mia Martini, con letra original griega y título inspirador: «Amor Mío»,Agapi Mu. En medio de pantalones de campana e incipientes cardados –que nunca procederían–, el tema fue un brillo de esperanza al final de ese incierto túnel que era la raza humana en los albores de los 80». Una canción que marcó un antes y un después en toda una generación y que, poco más de 40 años después, hemos podido volver a escuchar «Agapimú» en boca de Ojete Calor y, por supuesto, de Ana Belén. Este ha sido uno de los mayores regalos de esta cuarentena. Y es que como la propia banda se atreve a decir: «Se hacía necesaria una vacuna para esta plaga viral y tremendamente infecciosa que es Resistiré».
«Agapimú», una canción más que necesaria en estos tiempos
Así fue como ayer, en medio de estos días de desesperación y confinamiento, llegó a nuestra vida el videoclip casero y más subnopop jamás realizado durante el confinamiento. Era la gran sorpresa que Ojete Calor nos tenían preparada: era su particular versión de «Agapimú» de Ana Belén, con la participación de la mismísima Ana Belén, «con su halo de eternidad, su fuerza indómita y su precio interior bruto, que es altísimo». Sin olvidarnos, por supuesto, de la presencia del sr. Calzetto. Un vídeo equilibrado, a cuatro, a través de videollamada.
«En la producción, no hemos podido resistirnos a unos clavicordios que serán la envidia de Wendy Carlos. Eso y la voz de Ana Belén. Para qué más. Es todo lo que necesita cualquiera para encontrar la felicidad». Y vaya si es felicidad: por lo pronto, no hay nadie que ayer no bailara al ritmo de este «Agapimú». La mejor canción de la cuarentena y, probablemente, de todo lo que nos queda de eternidad. ¿La habéis escuchado ya?
«La música es un poder puro que en tiempos difíciles puede galvanizar tu corazón y ayudarlo a elevarse; todo lo que tienes que hacer es cantar». Así comenzaba explicando Rebecca Lowell, una de las almas del afamado grupo estadounidense Larkin Poe, que están de enhorabuena porque acaban de publicar su nuevo single «Holy Ghost Fire», adelanto de su inminente trabajo. Una afirmación a la que concluyó con la siguiente, sobre esta nueva canción: «es nuestro himno dedicado a la energía curativa de la música».
Se avecina el nuevo álbum de Larkin Poe
Ya comenzaron a prepararnos para este nuevo lanzamiento con «She’s A Self Made Man». Pero es que con este nuevo «Holy Ghost Fire», que vio la luz el pasado 27 de marzo, han dado un paso más hacia el lanzamiento del que será su nuevo álbum de estudio. Un álbum de estudio que verá la luz el próximo 12 de junio, bajo el título «Self Made Man». Larkin Poe han llegado para quedarse, definitivamente. Aunque este es un hecho que ya venían demostrando desde hace bastantes años: en concreto, desde que lanzaran aquella primera serie de cinco EPs (cuatro de ellos en 2010 y el último en 2011): «Spring», «Summer», «Fall», «Winter» y «Thick As Thieves». Desde entonces, no han hecho más que cosechar éxitos y discos, cuyas canciones se han convertido ya en himnos. Así es como han ido llegando sus posteriores trabajos: su DVD en directo «Live From Stongfjorden» (2012); su primer larga duración, el que les abrió grandes puertas «Kin» (2014); «Peach» (2017), un álbum muy especial, que les valió como Mejor Artista Emergente en los Blues Foundation Awards. Y, por supuesto, no nos podemos olvidar de último de todos: «Venom & Faith» (2018), que llegó al número 1 en las listas de blues del Billboard a las tres semanas de su publicación.
Una larga lista de éxitos y reconocimientos, a la que se tienen que sumar sí o sí los directos, con los que han conseguido enamorar a todos y cada uno de sus seguidores, gracias a la potencia, a la energía y al saber hacer que desprenden. Directos que, si todo va bien, retomaremos con ellas en el mes de mayo: y es que actuarán en Barcelona el 15 de mayo (Sala Apolo) y en Madrid el 16 (Sala But).
Con el rock por bandera, desde México llegan Enjambre, dispuestos a revolucionar todo nuestro panorama, igual que han hecho en su país natal. Convertidos en una de las bandas más contundentes de la escena del rock latino, son el claro ejemplo de forjarse a sí mismo, a base de canciones convertidas en himnos y potentes directos en los que han ido sumando cada vez más seguidores. Pero, ¿qué se traen ahora entre manos? Y es que justo nos acaban de presentar «Tercer Tipo», una de las canciones incluida en su trabajo «Imperfecto Extraño», pero que supuso una verdadera revolución al superar las 6 millones de visitas en plataformas digitales. Por el amor que le tienen a esta canción, la banda mexicana ha decidido darle una vuelta y volver a editarla, pero en esta ocasión, con la colaboración especial de Lori Meyers, con los que tienen una conexión especial desde que se conocieron ambos grupos. Así es como ha llegado este nuevo videoclip, que fue grabado hace unos meses en Ciudad de México. Vídeo que, a su vez, formará parte de una serie de sesiones en las que la banda tocará y mostrará diferentes canciones de su repertorio.
Enjambre nos prepara para su nuevo trabajo
Esta nueva versión de «Tercer Tipo», que nos ha llegado cuando más la necesitábamos, no es más que un avance de lo que será el séptimo álbum de estudio de Enjambre. Un álbum que verá la luz a lo largo de este 2020 en todo el mundo y que, en cuanto todo vuelva a su cauce, también tendrá su gran puesta en escena en multitud de ciudades. Eso sí: por el momento, el título de este nuevo trabajo es todo un misterio. Lo que parece ya confirmado es que las nuevas composiciones explorarán nuevos sonidos, como las distorsiones en el bajo o el uso, por primera vez, de una batería eléctrica. Aunque la esencia tan característica de Enjambre permanecerá: sus letras.
De esta manera, la banda liderada por los hermanos Navejas: Luis Humberto (voz), Rafael (bajo), Julián (guitarra, teclados y coros), por Ángel Sánchez (batería) y por Javier Mejía, regresan con más fuerzas que nunca y con unas ganas locas de volver a revolucionar todos los escenarios que pisen.
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