Zirconita están de vuelta después de que en el año 2018 publicaran su primer EP, llamado «Amago». Y es que ya está aquí «Glass», el primer single de adelanto del nuevo larga duración de la banda madrileña que, contra todo pronóstico, verá la luz durante este 2020. Ni el confinamiento ni la cuarentena conseguirán frenar este próximo «Paradero», que así es como se llamará el próximo trabajo.
Aunque ya en «Glass» han comenzado a dar las primeras pinceladas, el nuevo álbum de los madrileños mostrará un sonido mucho más elegante y sofisticado en referencia a su primer EP. En este cambio, ha tenido gran influencia el trabajo de Dany Richter de El Lado Izquierdo (quien se ha encargado de grabarlo), Manuel Cabezalí de Havalina y Víctor Cabezuelo de Rufus T. Firefly (quienes han ejercido como productores). Gracias a ellos, observamos a unos Zirconita que han logrado atmósferas más densas y envolventes. Como resultado, llegará «Paradero», un álbum formado por once temas en los que se aprecida claramente la madurez y el carácter de la formación, que en muy poco tiempo han pasado de tener un proyecto emergente a uno mucho más consolidado y trabajado.
Por el momento, aún no tenemos clara la fecha en la que vea la luz este «Paradero». Sin embargo, sí que podemos disfrutar de su primer single: «Glass» es nuestro desde el pasado 12 de mayo, aunque su videoclip vio la luz un poquito después, el día 14 de este mismo mes. Clip inspirado en la película «Space Thunder Kids» (Elton Reins, 1991-Corea del Sur), de donde ha tomado las imágenes y editado por el artista Joellorente.
Una vez volvamos a la ansiada y esperada normalidad en la que los conciertos formen parte de nuestra vida, podremos comprobar el poderoso directo de la banda. El mismo directo que hizo vibrar todos los escenarios que ya recorrieron con su anterior EP. Y es que sí, esta no va a hacer más que multiplicarse geométricamente.
La cama como principal escenario de los acontecimientos, como paisaje de un nuevo cotidiano que no separa realidades. Así es como el quinteto gironés Medusa Box nos presenta su onírico nuevo videoclip «Bending Time»: un tema que se plantea con una potente sección rítmica, sugerentes riffs y envolventes sintetizadores, y que además, supone el primer adelanto de su tercer larga duración, del que será su próximo disco conceptual de la banda, que integrará a distintos artistas plásticos y visuales para crear un universo propio. La mejor prueba de que música, imagen y el resto de disciplinas artísticas están más unidas que nunca.
La verdad es que desde que este «Bending Time» llegara nuestras vidas, no nos lo podemos quitar de la cabeza. Con una capacidad innata de trasladarnos a otros mundos, este videoclip está cread y conceptualizado por por Aimée Duchamp, Fito Conesa y Siddharth Singh, quienes lo describen como «una pieza musical que plantea y muestra mundos por habitar que nos parecen próximos pero que vibran a otra frecuencia». Canción y videoclip tratados con mucho cariño y que esconden mucho mimo y trabajo detrás. Y así ha revolucionado todo el panorama: ya acumula más de 15.000 reproducciones en YouTube y ha sido estrenada en países como Argentina, Chile y México.
Un primer adelanto que marca un nuevo inicio mucho más ambicioso y multidisciplinar, en el que llevan trabajando desde principios de 2019. Un nuevo inicio que sigue a «Last Idiot Kids» (autoeditado, 2013), «Pay for it» (Visceral Records, 2015), «Nothing behind all of these masks» (Le Cirque Music/Entrebotones, 2017) y «The Fall EP» (Le Cirque Music, 2018).
Si este va a ser el nuevo rumbo de Medusa Box, nosotras nos declaramos desde ya fans absolutas de la banda. Por el momento, seguiremos teniendo en loop este «Bending Time», que vio la luz en todas las plataformas digitales ayer viernes 22 de mayo. ¿Estáis preparados para adentraros en este nuevo universo repleto de sueños y música, que nos plantean?
Después de casi dos años inmersos en una gira de más de sesenta fechas por España, Los Intrusos del Savoy vuelven con nuevos temas bajo el brazo. Y «Perdido en la Ciudad» ha sido la primera muestra de ello: una canción que vio la luz el pasado 8 de mayo y que supone el primer adelanto del nuevo álbum la banda aficanda en Madrid. Pero es que aún hay más: este mismo viernes 22 de mayo, verá la luz el video-lyric de este tema. Aprovechando todos estos grandes acontecimientos, puedimos hablar por teléfono con Sergio Bengoechea (voz principal y guitarra) y con Lucas Bauer (guitarra y voces).
¿Cómo os sentís tras el lanzamiento de «Perdido en la Ciudad»?
Sergio. La verdad es que estamos muy contentos, porque es algo en lo que veníamos trabajando durante mucho tiempo. Así que, de repente, dar el pistoletazo de salida a este trabajo que ha costado cerca de dos años y algún que otro aplazamiento, nos ha hecho una ilusión tremenda.
Lucas. Sí, ya pasó la ansiedad y todos los nervios. Ahora es como: «bueno, ahí está».
Sergio. Bueno y los preparativos de todo. Se ha lanzado un single, pero hay todo un disco detrás, con todo lo que ello conlleva: diseños, grabaciones, todo.
Lucas. Nosotros somos de la vieja escuela y somos de lanzar disco. Si bien acabamos de lanzar un single, pero es como el principio de todo lo que está por llegar.
¿Por qué precisamente este «Perdido en la Ciudad» como primer adelanto? Y ahora dadas las circunstancias, ¿os sentís vosotros un poco perdidos en la ciudad?
S. Desde antes de que pasara todo esto, ya sabíamos que escogeríamos «Perdido en la Ciudad» como primer single.
L. Desde el principio supimos que sería nuestra primera gran apuesta, por lo que significa la canción para nosotros. Está muy vinculada a Madrid, ciudad en la que vivimos pero de la que ninguno de nosotros es. Y digamos que este disco que verá la luz, en líneas generales, nace un poco como consecuencia de nuestras vivencias aquí.
S. Sí, ese es un poco el resumen: el álbum recogerá las vivencias, tanto de Lucas y mías, que somos los que componemos. Así que está íntimamente relacionado con lo que es la ciudad y con lo que hemos vivido en ella. Y «Perdido en la Ciudad» abre un poco la puerta a este nuevo universo.
Aunque ya habéis dado las primeras pinceladas hablando de las vivencias en Madrid, una de las siguientes preguntas era, ¿cómo surge un poco el concepto de «Para Siempre»?
S. Exactamente, «Para Siempre» es un poco eso. De hecho, cada tema es una vivencia en concreto, cosas que nos han marcado para siempre y que seguimos recordando a pesar del tiempo. Y este álbum está plagado de todas estas experiencias.
L. Por otra parte, también está muy vinculado a la relación que tenemos entre nosotros. Santiago, Sergio y yo formamos como un tridente inseparable, movidos dentro del escenario que supone Madrid y de las vivencias que nos ha regalado la ciudad, y que ahora están reflejadas en el álbum.
S. Al final es lo que pasa y es lo que imagino que también te habrán contado otras bandas: lo que cuesta estar aquí y hacerse ver dentro de este panorama musical. Así que todo lo que vivimos, todo lo que experimentamos, beuno y malo, nos marca y, además, genera ese vínculo del que habla Lucas, ese hermanamiento entre los tres.
Recapitulando un poco y volviendo al single, ¿cómo han sido las primeras reacciones por parte del público?
L. Pues muy positivas, la verdad. Estamos contentos porque a la gente le está gustando mucho. De hecho, mucha gente se está ya atreviendo a preguntar cuándo saldrá el próximo single e incluso el disco [risas]. Nosotros nos quedamos con el cariño que está dando la gente, que de eso se trata, de que conozcan, compartan. Así que estamos agradecidos.
S. Agradecidos también por toda la paciencia que han tenido.
L. Como decía Sergio han sido dos años de trabajo, no lento, pero sí lo más mimado posible, de manera pausada y con mucha decisión. Si lo lanzamos justo en este momento, es porque creíamos que era lo adecuado y necesario.
Y durante estos dos años de trabajo, ¿cómo ha sido todo ese proceso creativo y compositivo?
L. Postivo, con muchísimo trabajo. Sergio y yo, que somos los compositores, hemos ido desechando muchas ideas hasta quedarnos con lo que creíamos que valía la pena o, por lo menos, lo que nos emocionaba a nosotros. Nosotros también hemos tenido la suerte de que vivimos juntos y trabajamos juntos, así que no llevábamos nada al local de ensayo con el resto de la banda hasta que no teníamos la idea bien madurada.
S. Sí, sí, en el estudio hay poca improvisación en ese sentido.
L. El proceso compositivo ha sido arduo por el tema de descartes. Pero la verdad es que echando la vista atrás y analizando el resultado, estamos muy muy contentos con el resultado final y creemos que a la gente le gustará el disco.
Es algo que comentábais que ya os habían preguntado, pero ¿cuándo podremos escuchar algo más del disco?
S. En verdad, todos los lanzamientos están un poco pensados ya. De hecho, por medio habrá videoclips y más material que irá viendo la luz, dependiendo de cómo vaya evolucionando toda esta situación que, al fin y al cabo, nos está condicionando.
L. Por adelantarte, podemos decir que pronto estará disponible el video-lyric de «Perdido en la Ciudad». Por lo demás, estamos un poco así: adaptándonos a las circunstancias tan particulares que estamos viviendo. Pero a lo largo del año, saldrá todo el material.
Respecto al video-lyric de «Perdido en la Ciudad», ¿qué podremos encontrar y cómo surge la idea?
S. En realidad, el video-lyric surge un poco por acompañar al tema y porque la gente pueda seguir un poco la letra. Así que hablamos con Jorge Madinaveitia, con el que ya hemos trabajado previamente en otros videoclips, y le planteamos la idea y enseguida se decidió a ayudarnos. Así que bueno, creemos que es un punto a favor publicar material audiovisual más allá de que esté la canción en Spotify, creemos que es algo que la gente valora.
L. Además, no es un video-lyric al uso, porque hay una protagonista, una historia.
Este «Para Siempre» será el segundo álbum de la banda, ¿cómo ha evolucionado Los Intrusos del Savoy desde aquel primer trabajo?
L. Ha sido como una montaña rusa [risas]. La condición nuestra de ir de arriba hacia abajo, hace que sea así también. El grupo nace en Salamanca, en plena época universitaria nos conocemos Sergio y yo. Año 2000 o 2000 y poco. Fue ahí donde empezamos a relacionarnos y a montar algo, sin la intención de que fuera algo serio. Inicialmente era por puro gusto. Comenzamos a hacernos cargo de las Jam Sessions de Salamanca y cuando quisimos darnos cuenta, estábamos tocando todas las semanas, un día fijo en un bar. Y ya con el tiempo fue cuando decidimos iniciar un nuevo proyecto con canciones propias: y desde entonces, somos los tres pilares básicos de la banda.
S. De hecho, cuando Santiago llega, Los Intrusos del Savoy ya va adquiriendo una dirección clara y mucho más profesional. Ya íbamos con la intención de grabar un disco, de salir a tocar. Y desde entonces no nos hemos desviado de ahí.
L. Además, ya en Madrid establecidos, tuvimos la oportunidad de contar con Nacho Vizcay al bajo y Jorge Hidalgo al teclado.
¿Qué canción de Los Intrusos del Savoy define mejor el momento en el que estáis y por qué?
S. La verdad es que es algo que hemos hablado y es que hay un tema en el disco que se llama «Abriendo Caminos». Ya habrá oportunidad de escucharla [risas], pero creo que es el tema más positivo del disco y es el que representa un poco el momento de la banda, el de levantar un poco las alas, tras haber construido una base sólida del proyecto. Y ahora es momento de alcanzar velocidad de crucero y de trabajar este disco: hemos conseguido ya una parte, que es el de grabarlo; pero nos queda la más importante, que es la de llegar a la gente y cantarle nuestras historias.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
S. Locuras, eso contesta Lucas [risas].
L. La verdad es que no lo sé, esto es una locura ya [risas]. La verdad es que ambos hemos dejado, a nivel personal, muchas cosas de lado. Cosas que eran importantes para nosotros. Todo con el objetivo de abrir el camino y de arrancarnos con el proyecto. Esta es una profesión que amamos, por la que estamos dispuestos a todo. Eso hace que peudas dejar aparcadas ciertas cosas. Pero bueno, uno lo hace porque lo siente.
S. Desde fuera, eso se ve como una locura.
L. Pero claro, escoger un camino siempre implica dejar de lado otro.
Compositor genuino de himnos del rock y pop en castellano, creador de grandes himnos que todos hemos coreado, como «Antes que ver el sol», «Nada fue un error», «Otra vez», «Color esperanza» o «Andar conmigo». Se trata del artista argentino Coti, que está de vuelta con su nuevo tema llamado «Por Ahí». Una canción que vio la luz el pasado 8 de mayo y que mantiene intacta su destreza para asombrarnos con melodías, letras y arreglos que se nos quedan en la memoria. Una canción es un torbellino de emociones, un faro en medio de la tormenta, de cualquier tormenta, un soplo de buena energía.
Cuando Coti canta: «Tocamos fondo y volvemos a vernos»
Así arranca esta nueva canción de Coti. Y es que «Por Ahí» es una especie de llamada, una invitación a un nuevo comienzo. Bien podría verse como una especie de Síndrome de Estocolmo a la inversa, en el que te vuelves a enamorar de lo que hay fuera de los vértices de tu propia casa. Es el símbolo perfecto para cuenta de que lo aprendido nos hace mejores y nos prepara para el abrazo del futuro.
Una canción grabada mezclada totalmente en tiempos de cuarentena y de forma remota entre Buenos Aires, Entre Ríos, Madrid, La Plata y Uruguay, junto a músicos de su banda Argentina Los Brillantes pero también de Guasones (Matías Sorokin en guitarras y Starky Celedon en batería).
Además, ha venido acompañado de su respectivo videoclip, también grabado desde los balcones en esta cuarentena. Vídeo filmado en un formato diferente, con el arte gráfico y bajo la dirección de Iván Sorokin y Guido Carmona, respectivamente.
En este año tan raro y especialmente movilizador, logramos en «Por ahí» buenas líneas y entrelíneas, hermosas melodías y arreglos y conseguimos lo más importante, una atmósfera enérgica que no se consigue si no es con música
Desde el otro lado del océano también nos llegan grandes propuestas musicales que merece la pena escuchar. Una de ellas es la de Enjambre, quienes hace algunas semanas nos presentaron su último single «Tercer Tipo» junto a la banda granadina Lori Meyers. Pero es que ahora lo han vuelto a hacer: ¿preparados para este segundo adelanto, llamado «Divergencia»? Una canción muy especial, que vio la luz el pasado 8 de mayo. Una canción muy especial que, en propias palabras de Luis Humberto Navejas, vocalista y compositor de la banda: «Es un tema que habla de optar por divergir hacia un camino de alegría mientras uno anda por el camino de la angustia».
A nivel musical, «Divergencia» también plantea todo un universo sonoro. «Musicalmente involucra sonidos de sintetizadores que evocan una época de tiempos mejores, con una melodía vocal nostálgica, para que de pronto se torne la música en un ritmo alegre. […]. La melodía, a pesar de que se encuentra en una atmósfera melancólica, siempre busca alegría, lo cual le da cierre al círculo conceptual del tema; el poder de escoger el camino de la buena actitud, no importando la circunstancia», explica el propio Navejas.
Enjambre y el inicio de una nueva etapa
Con «Divergencia», la banda mexicana Enjambre está marcando un nuevo viaje, una nueva etapa en su extensa carrera. Y es que esta es ya la quinta canción publicada, tras «Relámpago», «Secuaz», «Siempre Tú» y «La Batalla», seguida también por el tema que se marcaron junto a las granadinos Lori Meyers, «Tercer Tipo». Canciones que podremos escuchar dentro de muy poco en el nuevo álbum de Enjambre, que verá la luz durante entre este verano y otoño.
Enjambre ya es reconocida como una de las bandas más contundentes de la escena del rock latino. El grupo se ha forjado tocando en vivo y lanzando discos, demostrando que es una de las mejores agrupaciones de Hispanoamérica con una legión de fieles fans que crece cada año.
Hay canciones que suenan al otro lado del charco, que te trasladan a mil lugares sin ni siquiera salir de casa, que emanan amor y fuerza, especialmente en los momentos más complicados y adversos de la vida. Esto es justo lo que pretende trasladar «La ley del miedo», el nuevo single de Che Sudaka, para el cual también han contado con la colaboración de la banda argentina Las Manos de Filippi. Una canció muy especial que supone la tercera entrega de la actual etapa artística de la banda afincada en Barcelona: etapa llamada «Conectando».
El mensaje escondido tras «La ley del miedo»
«El miedo limita», aseguraba el cantautor argentino Facundo Cabral. De ahí, esta canción, esta «La ley del miedo», que reza lo siguiente: «Te tienen que pasar cosas muy fuertes para que tengas ganas de cantar». Motivo suficiente para que Che Sudaka, acompañados por Las Manos de Filippi, inviten a todo el planeta a vibrar en la misma onda del amor, la única capaz de hacernos seguir adelante.
Y es que ya la televisión se encarga de contarnos qué pasa en el mundo, para bien o para mal. Pero tal y como los mismos Che Sudaka aseguran: «La verdadera noticia de cada día no la dan los noticieros. La noticia es que estamos vivos aquí y ahora. Este es el momento de actuar. De hacer lo que el corazón nos dicte. De atender todo aquello que nos haga hervir la sangre».
Así llega a nuestras vidas «La Ley del Miedo», una canción que fusiona de una manera muy natural y orgánica el sonido del acordeón vallenato y los tambores de la música tradicional colombiana, con el bandoneón característico del tango y de Buenos Aires. Una canción producto de la unión de dos familias, de dos bandas que saben lo que es tocar en la calle. Dos bandas totalmente independientes, en todos los sentidos. «Dos bandas que tienen miles de corazones latiendo al unísono en el mundo entero, al son de sus himnos, que revolucionan mentes pero, sobre todo, almas».
De tanto en tanto y especialmente durante este confinamiento. no viene nada mal echarnos unos bailecitos al más puro estilo eléctrico de The Royal Flash. Aquí están de vuelta con su nuevo single y videoclip, «El Baile». Un tema, además, muy especial al ser el segundo que escuchamos de la banda cantando en español. ¿Se acerca la nueva era The Royal Flash?
«El Baile», el mejor remedio contra el confinamiento
En medio de este largo periodo de confinamiento, encerrados en casa y sin poder salir, la música es nuestro mejor aliado, sin duda alguna. Y si no, que se lo digan a The Royal Flash, que hace apenas unos días publicaban su nuevo single (¡y el segundo en español!), llamado «El Baile». Una canción a la que, por supuesto, no le ha faltado su particular y debido videoclip confinado, en el que han participado numerosos compañeros, amigos, músicos: como Alex Gallardo (The Rebels), Celia Becks (La La Love You), José Perez (Julieta 21), Kike Marcos, Juan Santaner (Vancouvers) y Emi Sanchez (Lavida), entre muchos otros.
Pero, ¿qué se esconde tras «El Baile»? Un tema pensado para que no dejemos de movernos, justo cuando más lo necesitamos. Ahora, más allá de todo eso, es una clara crítica a lo que, muchas veces, las personas están obligadas a hacer para poder llegar más arriba, para subir en el escalafón social, profesional, personal. El ansiado momento de llegar a un último círculo de reconocimiento, en el que, desgraciadamente, dejamos de lado a los demás, pasando por encima de ellos, ignorándolos. «Cuando se consigue llegar arriba y estar en el ansiado círculo VIP, ya solo importa mantenerse ahí. Ya has llegado al baile y no vas a parar de bailar».
Una nueva etapa que continúa lanzando a The Royal Flash hacía límites insospechados: tras haber recorrido múltilples escenarios nacionales e internacionales (Suecia, Hungría o Canadá), continúan sorprendiéndonos y enganchándonos. «Ahora estás en el baile…¡Y ya no puedes parar!».
Unos 60 días metidos en casa sin poder salir. Cerca de 60 días en los que la música y la cultura en general, se han convertido en un auténtico salvavidas. En una especie de bálsamo capaz de curarte el alma, justo cuando poco o nada podíamos hacer por nosotros mismos. Simplemente permanecer en casa, sumergidos en nuestro propio universo repleto de series, películas, arte y nuevos músicos por descubrir, Y hoy, un día más en este complicado periodo, venimos a recomendaros cuatro grandes bandas y artistas que no sabemos si ya conocíais. ¡Continuad leyendo!
El talento que nos regala Murcia: estos son Atientas
2015 fue el año clave para la banda murciana y es que Atientas arrancaba con su imparable carrera musical. Fue en ese momento en el que comenzaron a darle forma a sus canciones, a su música, que tuvo el primer salvoconducto en el debut de la banda: su primer EP que vio la luz en 2018, «Hoy». Dos años después, están ya preparándonos para el lanzamiento de su nuevo trabajo, concebido bajo los mismos mandos del productor Raúl de Lara. Y es que justo en el momento en el que más necesitamos el arte, ellos nos han sorprendido con su nuevo single, «Tú». Un nuevo single con el que ya podemos descubrir a unos nuevos Atientas, mucho más maduros, mucho más enérgicos. Un nuevo single al que ha seguido este segundo, en pleno confinamiento, «Sácame de Aquí».
Desde el corazón de Londres, llega Blanco White
Londres nos regala también uno de sus mejores artistas: Blanco White está de vuelta con su nuevo gran tema, con el que se atreve a cantar en español: se trata de la canción «Mano a Mano», en la que también han colaborado la artista anglo-argentina Malena Zavala y de la española MAVICA. Una canción muy especial que se alza como adelanto de su álbum debut, «On The Other Side».
Lashormigas presenta su nuevo single
«Imagínate un rastro de sangre en la nieve desde Madrid hasta París. ¿No te parece bello para una canción?». Así nos introduce Lashormigas su nuevo single, llamado «El rastro de tu sangre en la nieve». Un tema de lo más especial que supone el primer avance de su nuevo trabajo. Mucha atención a este jovencísimo y talentoso artista vigués, porque dará mucho que hablar con «Lo más bien», bajo la producción y arreglos de Carles Delgado.
El universo onírico de Superlaser
Rock con una atmósfera electrónica: así es el particular universo onírico de Superlaser, con marca levantina. Desde Alicante, estos cinco jóvenes nos trasnportan a través de su música, con grandes referencias a bandas como Incubus, Radiohead o John Mayer. Eso sí, con letras en español. Su incansable trabajo, los ha hecho grabar en estudios Metropol con Roy Mitchell-Cardenas (MuteMath) y Sean Marholm (Dinero). Además de recorrer salas como la Sala Sol o la Sala Siroco. Actualmente, están participando con enorme éxito, en el concurso de bandas del Cooltural Fest.
Hace algunos meses, nos sorprendió con la publicación de su nuevo álbum, «Cuarto de Invitados». Una auténtica joya que no podemos dejar de escuchar en bucle. Se trata del artista vigués Villanueva quien, hace apenas unos días, volvió a acertar con un disparo de lo más letal: hemos vuelto a caer en su red, gracias a la versión al desnudo que nos ha mostrado de su tema preferido, «Gala». Una canción que tiene guardada una gran parte de él. De esto y de muchas otras cosas pudimos hablar la semana pasada: tras una distendida conversación por teléfono, esto es lo que nos contó Josete Villanueva sobre su proyecto.
¿Cómo el concepto de este último disco, de «Cuarto de Invitados»?
El concepto surge a raíz de una concatenación de sucesos y de cosas que me van sucendiendo. Básicamente, mi vida personal ha ido cambiando mucho en los últimos meses y es que, entre otras cosas, he pasado de vivir en Galicia a hacerlo en el Levante, en Alicante. Pero antes de llegar justo a ese punto, pasé por otros lugares como Murcia. Entonces yo sentía que vivía en distintas casas, pero en ningún hogar. Año y medio en el que vivía con una maleta y recorriendo diferentes cuartos de invitados de casas de amigos. Entonces empecé a recopliar cada acontecimiento que iba experimentando, cada historia que me iba confesando a mí mismo, hasta dar lugar a este «Cuarto de Invitados».
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?, ¿y cómo lo viviste?
Pues la verdad es que fue muy poco a poco. Con el tiempo, me fui dando cuenta de que si en mi anterior trabajo «Zoo para dos», me hacía muchas preguntas; ahora tenía muchas de las respuestas. Y es que la música me ayuda mucho a esto, a conocerme a mí mismo, a darme cuenta de quién soy, de qué hago, de cómo reacciono. Entonces este proceso fue un proceso largo, como de psicoanalista. Y de hecho, la primera frase del disco ya avisa, no está puesta por casualidad: «Querido lector, no pienso pedir perdón». Tras todo este proceso compositivo, Sean Frutos de Second me dijo que tenía el productor adecuado para este disco y me presentó a Raúl de Lara, con el que conecté muy rápido.
¿Y cómo fue trabajar con Raúl de Lara a la producción?
Pues muy bien, la verdad. Raúl es un genio y un tío encantador, además de un gran amigo. El trabajo con él ha sido genial, tanto con el resto de músicos, como Nacho Mata, batería que nos acompaña en gira y Ángel Herranz; Jorge Guirao de Second a las guitarras; y Edu de Sidonie. Creamos un grupo de trabajo muy guay y muy sano. Cada día me levantaba a las 6 de la mañana, para estar ya dando gritos en el estudio a las 8. Fue todo muy disciplinado, pero la verdad es que se agradece, es algo que me gusta.
Hablabas previamente del poder de la música para conocerse a sí mismo, ¿pero crees que también tiene determinado poder curativo, especialmente en estos tiempos?
Sí, sí, claro. Si vamos a la raíz de las cosas, nos damos cuenta de que la música es una disciplina artística y como tal, nos invita a hacer acto de reflexión: y es que el arte tiene el poder de hacernos pensar. Y sí que es verdad que la música tiene ese componente de tocar la emoción. Así que, definitivamente, sí que creo en ese poder de la música.
El pasado 1 de mayo vio la luz la versión de estudio de «Gala», ¿cómo surge la idea de presentar la canción de esta forma?
Aquí hay varias cosas. «Gala» es mi canción favorita de todas las que he compuesto, junto a «Bombas Nucleares», quizás. Entonces publicamos el disco y por diferentes circunstancias, Navidad y el confinamiento principalmente, no pudimos tener la promoción que esperábamos en ese momento. Entonces se me ocurrió como mostrar esta versión de «Gala», ya que también fue la que menos cambios sufrió desde que llegó a las manos de Raúl hasta ahora. Y yo confiaba tanto en esta canción, que me dio igual que estuviera más o menos producida, quería mostrarla sin tapujos, también porque creía que la gente iba a agradecer descubrir esta pequeña rareza que tenía archivada, especialmente en un momento como este. Además, creo que ha sido una manera de darle a esta canción su propia identidad: algo de lo que tenía muchas ganas. De hecho, hay gente que es una canción nueva.
¿Qué tiene la canción de «Gala» para que sea tan especial?
Pues junto a «Carlos III», fue una canción que me acompañó casi toda la composición del disco y una sobre las cuales se sustentan los pilares del álbum. Además, empecé a componerla en lugares que son especialmente mágicos y especial para mí. También tiene muchos tintes autobiográficos y, aunque tiene toques muy nostálgicos, es un tema que me da muchos ánimos. Sin duda, también fue la canción con la que me di cuenta de que no tenía que avergonzarme por desnudarme. Y que, bueno, como buen gallego «Gala» tiene muchos tintes a mí tierra.
Nueva versión de «Gala», incluida en tu último disco que también vio la luz hace poco. ¿Cómo ha sido un poco la acogida de ambos?
Pues la verdad es que muy bien y lo cierto es que yo también estoy muy contento con todo el mundo que ha decidido darle una oportunidad. De hecho, mucha gente coincide en que «Cuarto de Invitados» es mi mejor disco. Yo lo concebí un poco sin perspectiva, pero sí que es cierto que estoy contento con el resultado y que, bueno, la opinión del público ha sido bastante homogénea. Y con «Gala» ha sido bestial: había gente emocionada, que me llamaba para preguntarme si la canción era nueva. Es algo que me parecía muy curioso. De hecho, es casi más conocida ya la sesión de estudio que la versión del álbum. La música nunca dejará de sorprendernos.
¿Escucharemos alguna versión de estudio más de este «Cuarto de Invitados»?
[Risas]. Ya tengo preparada la siguiente.
¿Y no se puede decir nada todavía? [risas]
Sí, venga, lo voy a decir. Ahora mismo estoy pasando la cuarentena en un pueblo de la costa gallega, en Baiona. Es un pueblo muy mariñeiro, en el que hay muy poca gente en invierno. Justo aquí me monté como mi pequeño estudio, para poder escribir, componer y hacer mis cositas. Entonces hay una canción de este disco que se llama «15 Segundos» y que recoge mucho el espíritu de la gente que me escucha. Así que he decidido darle una pequeña vuelta y llamarla «Otros 15 Segundos». Es una pequeña versión que he hecho durante el confinamiento, en esta casa en la que estoy viviendo en estos momento. Todo en un entorno casero, pero que suena como en mi propio hogar. Además, en esta ocasión he tenido la oportunidad de trabajar con Manuel Cabezalí, que fue quien la remasterizó. Y, bueno, verá la luz en un mesecito, más o menos.
¿Cómo ha sido toda esta experiencia y cómo ha sido trabajar, en esta ocasión, con Manuel Cabezalí?
Pues ha sido muy emocionante, porque me he transportado al momento de composición de «Cuarto de Invitados». Y más, haciéndolo en estos momentos en los que los sentimientos están tan a flor de piel: estamos viviendo una auténtica montaña rusa de emociones. Pero empecé a meterme de lleno en el proceso, viendo qué recuperaba, qué cambiaba, el volver a grabarme desde casa, donde la calidad no es muy buena. Se me empezaron a agolpar todas las sensaciones de cuando grabé la canción en Murcia y fue algo muy bonito. Me dio hasta un poco de bajón y de nostalgia de aquellos momentos de trabajo en el estudio, que es algo que me gusta mucho.
En cuanto al trabajo con Manuel Cabezalí, increíble, porque él es un profesional como la copa de un pino. Sabe muy bien cómo hacer las cosas y yo, la verdad, es que estoy muy contento con el resultado.
¿Qué canción de Villanueva define mejor el momento en el que estás y por qué?
«Gala», indudablemente. Es una canción muy especial para mí, es como esa especie de rincón en la mente, en el que vuelvo a ser yo. Y es que define todo mi último año, tanto a nivel personal como profesional, con sus momentos duros. Así que, bueno, entre «Gala» y «Carlos III» me quedo yo: creo que son las dos mejores canciones para definirme.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
[Risas]. Tendría que pensar, pero he hecho auténticas barbaridades. Podría decirte, por ejemplo, que me crucé España sin dormir, y es que fui de Vigo a Barcelona para acudir a una entrevista presencial. Otra vez, me fui a Salamanca, porque tocaba allí y no habían carteles colgados: así que fui a propósito y empapelé toda la ciudad. Creo que eso podría definir muy bien las locuras que he podido cometer: cuántas noches sin dormir, cuántas mañanas madrugrando para volverme a casa, cuántos días durmiendo mal y en cualquier sitio. No sé, locuras que seguramente también haya cometido mucha más gente.
Si algo positivo nos está dejando el confinamiento, es una buena dosis de música directa a nuestro corazón. Jack Bisonte se han sumado a todo este grueso de artistas que nos han regalado una parte de ellos en forma de canciones. Hoy, se cumple una semana desde que la banda madrileña publicó su tema «Blood on the Mic», una canción concebida en pleno confinamiento y que solo verá la luz en las redes sociales de Jack Bisonte. Y es que fue donde todo comenzó: semanas atrás, Carlos Amelivia lanzaba un retro a través de Instagram: si lograban llegar a los 150 comentarios, acababan la canción. Y tras superarlo con creces y traspasar el límite de los 400, la terminó. Y ahora, aquí está. Según el propio Carlos, vocalista de la formación: «Blood on the Mic es una tape casera que comienza por la presión social del confinamiento y esa extraña carrera de productividad en la que se ha convertido. Soy totalmente contrario a que un artista se fuerce a crear para no perder expectación, pero soy lo suficientemente hipócrita como para necesitar esa atención y no tener reparos en decirlo».
El nuevo camino hacia su nuevo disco, «Hounds Of Glory»
Conocemos la noticia desde hace algunos meses: y es que Jack Bisonte se están preparando para lanzar su álbum debut, que llevará por título «Hounds Of Glory». Y aunque la fecha exacta la desconocemos, lo que sí que tenemos son unas expectativas muy altas y unas ganas increíbles. Todo ello, por supuesto, alentado por los dos primeros adelantos del disco que ya hemos podido escuchar, sin lograrlos sacar de nuestra cabeza. ¿O nos vais a decir que no habéis escuchado todavía los potentes y meteóricos «France Gall» y «Dying Free»? Nosotras no podemos salir del bucle con ellos.
«Cantar es una buena forma de conseguir lo que quieres. Si tienes suerte lograrás llamar la atención de unos pocos, si tienes aún más suerte la de una persona en concreto. Seguí tocando porque adoraba ver como esa persona me escuchaba tocar, pero cuanto más le gustaba mi música menos me gustaba yo. Al final terminé por ser algo a medio camino entre gustarle a ella y gustarme a mí».
Desde el corazón de Canarias, nos llega la propuesta de Dangelo, quien el pasado viernes 8 de mayo publicó su nuevo sencillo, bajo el nombre de «Peligro». Una canción muy especial, compuesta junto a Blas Cantó y que promete ser uno de los lanzamientos más destacados del pop latino hecho en España durante este año. Una canción que ve la luz justo después de su álbum debut y concebida bajo los mandos del productor Yadam González, que mezcla la tendencia del panorama más actual con los sonidos más orgánicos y auténticos de Cuba. En palabras del propio artista, «Peligro es un tema de pop latino que habla sobre ese tipo de relaciones que nos atrapan de forma irremediable pero que, en el fondo, sabemos que no nos hacen bien. El ni contigo, ni sin ti que casi todas y todos hemos vivido alguna vez».
Un nuevo tema que ha llegado acompañado de un espectacular videoclip, grabado en la misma isla de Tenerife. Cristian Velasco (galardonado en varios festivales internacionales Fashion Film) fue quien se puso al frente del mismo, combinando las últimas tendencias en moda con espacios tradicionales canarios. Un verdadero espectáculo visual el videoclip de este «Peligro».
¿Quién es Dangelo?
Desde Gran Canaria llega Dangelo dispuesto a darlo todo. Corría el año 2004 cuando comenzó su carrera como cantautor, aunque poco después (en 2007) dio el salto con la que fuera su banda L’Acoustiqué, agotando entradas y acumulando éxitos en todo el territorio canario. Un amplio que duró dos años, pues en 2009 abando el proyecto y decide emprender su carrera en solitario, embarcándose en el mundo de la autoedición con su primer sencillo «Tan Lejos». Un nuevo camino se abría y unas ganas innatas de seguir haciendo música, nos meten de lleno en el 2014, año en el que el artista edita su primer álbum «Lejos de mí», con cuyos dos primeros singles consiguió diferentes premios y reconocimientos en Canarias, así como el número #1 en la lista de Click and Roll (Los 40).
Un año después, en 2015, se traslada a Madrid y empieza a componer para otros artistas como Blas Cantó, Beatriz Luengo, Edurne o Carlos Rivera, entre otros. Además de colaborar en la adaptación al castellano de la canción de «I dare you», tema más reciente de la artista multiplatino Kelly Clarkson. En 2018, le llega su primera nominación al Latin Grammy por su participación en el álbum «Cuerpo y Alma» de Beatriz Luengo, con la canción «Aquí te espero», interpretada a dúo con Carlos Rivera.
En medio de una situación excepcional en la que la cultura y la música se han convertido en verdaderos bálsamos, descubrimos y escuchamos el nuevo trabajo de Mäbu. Y es que el pasado mes de marzo veía la luz «Primavera», el primer EP de adelanto de un álbum que llevará por título «Un Año Después». Cuatro canciones que abren la brecha y que son, verdaderamente, mágicas. A raíz de este lanzamiento, pudimos charlar un ratito por teléfono con María Blanco, compositora y vocalista de la banda. ¡No os perdáis ni un solo detalle!
¿Cómo surge el concepto de «Primavera»?
Llevábamos tiempo sin editar nada nuevo, aunque sí que es verdad que hace un par de años publicamos un recopilatorio recorriendo los temas más emblemáticos de la banda y colaborando con numerosos artistas. Pero realmente, llevábamos tiempo sin publicar material inédito. Entonces le dimos una vuelta y se nos ocurrió crear un proyecto algo más ambicioso, a la hora de presentar un nuevo disco: y es que este nuevo álbum está formado por cuatro pequeños EPs y «Primavera», formado a su vez por cuatro temas, ha sido como el primer adelanto de ellos. Es una manera de crear como un multiverso: universos dentro de un mismo disco, que verá la luz el año que viene.
Cuatro estaciones y «Primavera» que ha visto la luz recientemente. ¿Los demás EPs verán también la luz en su respectiva estación?
Pues esa era la idea inicial. Lo que queríamos en su momento era publicar «Primavera», «Verano», «Otoño» e «Invierno» en su debido tiempo. Pero finalmente, optamos por adelantar únicamente «Primavera» y publicar el disco en noviembre. Aunque con el tema de las nuevas medidas, el álbum puede que lo retrasemos un poco, porque claro, cuando publicamos nuevo material lo que principalmente nos interesa, es poder tocar. Es como la excusa. Pero como ahora no sabemos muy bien qué va a pasar, preferimos retrasar un poco el lanzamiento. Así que, bueno, durante los próximos meses, en vez de sacar el EP de «Verano», lanzaremos los de entre tiempo. Y ya en marzo seguramente vea la luz el disco, que se llamará «Un Año Después». Lo cual nos vendrá genial, porque justo coincidirá un año después del lanzamiento del primer EP.
¿Cómo ha sido todo el proceso cretivo y compositivo?
Realmente, la premisa era intentar extraer la esencia de cada estación a través de las canciones. En el caso de esta «Primavera», buscaba precisamente el remover mucho las sensaciones y de ahí, que una canción que se llame «Terapia». Con este EP buscaba un poco el reseteo de todas las sensaciones: empieza el buen tiempo, el buen humor, estás más optimista, empiezas a cambiar cosas, es como un florecimiento. Todo eso es lo que hemos querido generar en este EP, metiendo al oyente en toda esa sensación. Además, musicalmente hemos reacreado atmósferas que intentaran representar todo este ambiente. A mí la primevera me da ánimos, pero también tiene un toque de melancolía. Precisamente, este punto melancólico es el que siempre hemos tenido nosotros en nuestras canciones.
«Primavera» vio la luz el pasado 20 de marzo, ¿cómo ha sido la acogida por parte del público?
Pues la verdad que brutal, ha sido de las mejores. A priori, nosotros pensábamos que no sería buena idea sacarlo en estos momentos y es que, desde el punto de vista del marketing, era como una especie de suicidio musical. Creíamos que ningún medio de comunicación prestaría atención al lanzamiento del EP en estos momentos y de un grupo que quizás, no es tan conocido. Pero la acogida ha sido bruta, porque le dimos la vuelta y creímos que para la gente sería muy buena distracción el poder disfrutar de este EP. Y creemos que para la historia de Mäbu, el haber publicado un trabajo en este periodod de confinamiento, ha sido una experiencia brutal. La gente nos lo agradeció muchísimo y creo que ese es uno de los mayores logros que puede tener una banda: que el público sea feliz con tu música. Va a marcar nuestra carrera.
¿Crees que la música ha sido una especie de terapia, especialmente estos días?
Sí, la cultura en general y la música en particular. Es muy fácil que nos acompañe: incluso estando haciendo otra cosa en casa, con el piloto automático, es muy sencillo que puedas tener música de fondo, por ejemplo. Y es que yo creo que la música en general, ayuda a inspirar a la gente, a que salga un poco de la rutina, a que sea más creativa. Con la música ha pasado más de lo mismo, aunque creo que nos hemos pasado un poco con tanto concierto en streaming. Que al final, todas estas acciones que se han ido realizando las hemos hecho porque somos muy solidarios y porque nuestro trabajo siempre ha sido muy vocacional y emocional. Entonces estamos acostumbrados a trabajar sin cobrar y a aportar música a gente que lo está pasando mal, es como que nos nace. Y es que nosotros mismos perdemos un poco la perspectiva de que lo que estamos haciendo es un trabajo. Pero bueno, es algo de lo que la gente tampoco tiene la culpa, eso corre más a nuestra cuenta. El público siempre va a agradecer que se le ofrezcan este tipo de acciones, este ocio.
Volviendo un poco al proyecto de Mäbu, quería preguntar sobre el poder del mensaje en vuestras canciones
Más que el mensaje, lo que a mí me mueve a la hora de componer una canción es cómo suenan las palabras con la música. Estoy constantemente trabajando en ello. Que, evidentemente, si no tienen un mensaje, las canciones quedan un poco insulsas. Pero sí que es verdad que en este disco, los mensajes quedaran más claro, sin tantas imágenes, sin tantas metáforas. Aunque la premisa sigue siendo la misma: crear melodrías y ambientes bonitos, a través de metáforas y a través de esa combinación entre palabras y melodías.
¿De qué manera ha evolucionado Mäbu desde sus inicios hasta este punto?
Pues lo que más nos ha hecho evolucionar, indudablemente, han sido los conciertos. Y después de haber hecho tantos, ya que nosotros somos un grupo que se dedica esencialmente al directo, creo que hemos sido capaces de evolucionar de una manera un poco más consciente, sabiendo exactamente qué canciones queremos hacer y cómo hacerlas. Y, bueno, en medio de este proceso, cada vez nos damos más cuenta de que dónde más queremos crecer es en los directos. También nosotros mismos hemos madurado. Todo eso, añadido al hecho de que Mäbu ha sido como el primer proyecto en serio, lo que ha hecho que vayamos a la par, que evolucione y que cambie según mi propio proceso vital.
Y ahora mismo, a pesar de la incertidumbre del momento, ¿cuáles serán los próximos pasos de Mäbu?
Pues por el momento, hemos tenido que cancelar una gira de showcases que ya teníamos programada para presentar el EP y que estaba casi toda ya con las entradas agotadas. De hecho, hemos tenido que moverla al mes de noviembre, hemos devuelto las entradas y vamos a intentar hacer dos pases para cada una de las fechas, ya que muy probablemente tengamos que tomar medidas de aforo. Pero bueno, a las salas les hemos propuesto eso, el poder hacer dos pases el mismo día, aunque eso suponga trabajar el doble.
¿Qué canción de Mäbu identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
Creo que voy a decir «Utopía», porque es la canción que puede definir mejor este momento. Realmente, la canción habla de tener una conversación con una misma, en medio del mundo idílico que muchas veces tendemos a crearnos. Y es que el ser humano tiende mucho a ese pensamiento mágico de que todo irá bien y de que el ser feliz es una constante vital que conseguirás en algún momento. Esa es un poco la utopía que nos montamos en la cabeza y que yo creo que ahora mismo nos representa mucho, porque es como caerse de la parra. Nosotros ahora nos hemos caído y estamos viviendo una realidad que es dura. Una realidad de la que también habla «Utopía». Realidad en la que debe primar el amor a uno mismo.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Vivir de ella [risas]. Pero sí, sí, dedicarnos solamente a ella y el dedicar todo tu tiempo a hacer lo que te gusta. Creo que el dejar todo por la música, en sí, ya es una gran locura.
Aunque ya habéis dado las primeras pinceladas hablando de las vivencias en Madrid, una de las siguientes preguntas era, ¿cómo surge un poco el concepto de «Para Siempre»?
Respecto al video-lyric de «Perdido en la Ciudad», ¿qué podremos encontrar y cómo surge la idea?
«El Baile», el mejor remedio contra el confinamiento
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?, ¿y cómo lo viviste?
¿Crees que la música ha sido una especie de terapia, especialmente estos días?