Es el grupo más importante e internacional del género festivo en Italia. Ellos son Talco y están de vuelta, bajo el nombre de Talco Maskerade, su alter ego. La manera de reinventarse en tiempos de pandemia y de mostrar una cara mucho más íntima y personal. Por supuesto, lo han hecho con nuevo disco bajo el brazo, titulado «Locktown». Un álbum que recoge todas las experiencias del aislamiento vivido por la banda, la manera en la que sus vidas se han visto afectadas y los cambios sociales de los que han sido testigos. Un álbum que, además, supone la vuelta de la banda a géneros más cercanos al folk y soul acústicos.
Talco Maskerade nadan contra corriente y contra todas las dificultades del momento, pero están preparados para llevar al directo «Locktown» en este nuevo contexto.
Decisiones difíciles en tiempos difíciles. Especialmente, tras ver cómo el mundo se paraliza y tener que hacerlo tú con él. Todo en un momento en el que Talco estaba a punto de publicar su nuevo disco, «Videogame», y tener que presentarlo en multitud de ciudades y escenarios de todo el mundo. Sin embargo, en vez de quedarse sin hacer nada en una Venecia confinada, la formación se lanzó a adaptar y mostrar sus grandes éxitos en un formato más acústico, además de soltar algunas de las pildoritas que podríamos haber escuchado en este paralizado nuevo álbum. Y como resultado, tenemos esta nueva joya, llamada «Locktown».
Hace algunos días, tuvimos la oportunidad de hablar con Tomaso De Mattia «Dema», vocalista de la banda, para que nos contara todo lo que se esconde tras Talco Maskerade y esre nuevo «Lockdown», nacido en época de cuarentena. Y es que, pese a la adversidad, la Punkchanka no hay quien la pare. ¡Dadle al play y disfrutad ya de la entrevista!
Ha sido una de nuestras bandas revelación top de los últimos meses. Y es que desde que descubriéramos la voz de Sierra Leona en «El arte de amar» y «El milagro», estamos completamente enamoradas de ella. Tanto, que hemos hablado con ella y aquí van todos los detalles de este proyecto que nos llega desde la mismísima València. ¿Os atrevéis a descubrirlo?
¿Quién es Sierra Leona, para quien todavía no conozca el proyecto?
Un proyecto musical que ha creado una mujer a la que le fascina hacer canciones emocionales y épicas. A groso modo creo que esta sería una buena presentación.
«El Milagro» y «El arte de amar» han sido los dos últimos temas con los que has sorprendido. ¿Cómo nacen y cómo recuerdas el proceso creativo y compositivo de ambas?
Ambas han nacido después del confinamiento. Creo que el encierro me hizo tener ganas de escribir canciones con más luz, más vitalistas y hacerlo de una forma aún más personal y a pecho descubierto mostrando quién soy.
Ha sido fascinante crear estas canciones con esa premisa, y además salir un poco de lo que había hecho en el trabajo anterior y seguir investigando la composición y la producción de los nuevos temas.
Dos canciones que hablan de la lucha, del orgullo, del amor libre, de aceptarnos a nosotras mismas. ¿Crees en el poder de la música para reivindicar y cambiar a la gente?
Absolutamente, y sobretodo creo en el poder sanador que tiene. Es increíble cómo unen las canciones y la capacidad que tienen para no sentirnos solos y solas en nuestras luchas.
También me han llamado especialmente la atención ambos videoclips. ¿Cómo surge la estética de los dos clips y qué importancia tiene la imagen, más allá de la música, para Sierra Leona?
En «El Arte de Amar», Francesc Planes y Jesús Ponce fueron los que tuvieron muy clara la estética para el clip. En «El Milagro», teníamos un tipo de estética más clara desde que escribimos el guion, teniamos claro lo que queríamos mostrar y cómo lo queríamos hacer. Luego fue muy fácil trasladarlo al resto de equipo y que dieran en el clavo.
Es importante la imagen, porque creo que en este punto del proyecto refuerza ciertos valores que para mí es importante que se transmitan y de igual forma, para mi ha sido clave contar con el trabajo de Estela Benitez, que es la estilista que me ayuda a crear la imagen de Sierra Leona.
¿Cómo ha sido la acogida por parte del público de estas dos canciones?
Pues está siendo muy bonito ver cómo la gente capta los mensajes que ambas canciones lanzan y además como refuerzan esos mensajes con tanta emoción. A mi me fascina leer todo lo que la gente me va contando, me parece increíble que algo que nace en mi casa llegue tan lejos. Así que la acogida está siendo muy buena y sobretodo muy emocionante.
¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde ese primer «Cruzar un río»?
Bueno, vas dirigiendo el barco hacía donde quieres ir, va cogiendo forma y fuerza. Cuando sacas un primer disco en un nuevo proyecto todo está en el aire y no sabes nunca qué va a ocurrir. Desde entonces hasta ahora se han asentado las bases del proyecto y el equipo de trabajo se va estableciendo. A nivel artístico, aunque siempre trabaje las canciones desde un punto emocional, estoy en una constante búsqueda de sonidos y sensaciones.
Tras casi una década al frente de Flaco Favor, ¿de qué manera has volcado esa experiencia previa en Sierra Leona?
No llegar de 0 a esta industria ha sido un plus para poder empezar a trabajar con Sierra Leona, sobretodo por todas las experiencias que ya traía del anterior proyecto. No tuvo una gran relevancia pero aprendí a identificar todas las necesidades que tiene un proyecto y que necesita cubrir para poder avanzar en esta selva. Todas esas partes que el público no ve pero que son hipernecesarias para levantarlo. Y a nivel artístico me formó en muchísimos escenarios.
A pesar de la incertidumbre que estamos viviendo, ¿cuáles serán los próximos pasos o planes de Sierra Leona?
Pues sólo diré que a lo largo del año sucederán cosas.
¿Qué canción de Sierra Leona identifica mejor el momento en el que estás ahora mismo y por qué?
Pues estoy muy en «El arte de amar». Enamorada, agradecida, plena, feliz, regenerada, orgullosa, emocionada.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
No podría contar una anécdota aislada porque vivo en una continua locura por la música desde hace años. A veces me asusta pero me hace muy feliz.
En el corazón del Vinalopó Mitjà, entre Monòver y Petrer, comienza a fraguarse hace un par de años Vienna, banda liderada por Artur Pérez y Pau Castillo. Desde ese mismo momento, y paso a paso, han ido haciendo ruido, consiguiendo calar en todos y cada uno de nosotros. A pesar de que la pandemia se cruzó en nuestros caminos. Y es que ni eso les impidió publicar hace un año su primer EP «Hem trobat un pis per a llogar», ni ahora ha hecho que presenten su primer larga duración «Tot allò que una vesprada morí amb les bicicletes». Adaptarse o morir, y ellos han decidido adaptarse. Y en medio de toda esta complicada situación, hemos hablado con ellos.
¿Cómo nace«Tot allò que una vesprada morí amb les bicicletes»?
Pau. Pues fue un poco a raíz de la pandemia, que llegó y nos abofetea la cara. Acabábamos de presentar nuestro primer EP y Arturo ya tenía temas en la retaguardia.
Arturo. Temas nuevos antes de la pandemia ya había. Lo que pasa es que al llegar la cuarentena y tener más tiempo, me metí más de lleno.
P. Y ahora porque sabemos todo lo que ha supuesto el coronavirus, pero al principio no. De hecho, la primera canción la grabamos el 14 de marzo, y tuve que irme corriendo desde Monóvar a Petrer, porque nos encerraban. Claro, en pleno estado de alarma, yo pensaba que eso era La Purga [risas]. y hasta el mes de mayo no pudimos volver a grabar, ahí fue cuando pillamos carrerrilla y estuvimos todo el verano.
A. Durante el verano estuvimos yendo todos los días, y ya a partir de octubre íbamos cada dos o tres semanas, porque estábamos ya muy quemados.
P. A la vez que fue divertido grabar en mucho tiempo y sin ninguna presión; también fue muy saturante, precisamente por lo mismo, por el tiempo tan espaciado que le dimos a todo.
A. Claro, y que además, los tiempos suelen ser siempre diferentes. Normalmente, sacas un disco y después lo vas presentando en directo. Entonces cambias el chip. Pero nosotros, solo pudimos hacer tres conciertos. Así que salimos del estudio con el EP y nos volvimos a meter con el disco. Al final, se desequilibró un poco todo. Y además, hay que tener en cuenta que grabamos en el estudio de un amigo, así que nos tiramos aún más tiempo.
Aunque ya habéis respondido un poco, pero ¿cómo recordáis todo el proceso creativo y cómo ha sido esta sensación de publicar EP al principio de la pandemia y el disco justo en este momento?
A. Es como los bebés que nacen en pandemia, nosotros no conocemos otra realidad. Así que es un: «que hay pandemia, que la haya, nosotros vamos a sacar disco».
P. Claro, es que nosotros no hemos llegado a catar lo que es una realidad. Porque solo hemos tenido tres conciertos y ya. Encima estuvieron juntos, fueron en apenas dos semanas. Entonces, si esta es nuestra normalidad, pues vamos a trabajar con ella. Lo bueno y lo malo es que, es cierto que a nosotros no nos dio tablas, pero el resto de industria también se vio paralizada. Entonces nosotros no tuvimos que ir detrás, entrando en el bucle, aunque nos hubiera gustado.
A. También creo que al ser un grupo que acaba de nacer, la pandemia no ha afectado tanto. En ese sentido, ha sido peor para quien vive de esto, el ver cómo se cortan todos sus ingresos. Nosotros veníamos de la nada y hemos llegado hasta este punto.
Hablábais al inicio de todo el trabajo en el estudio, pero ¿cómo fue trabajar con Pepe Bernabé que, además, es amigo?
P. Para nosotros fue como jugar. Es como quien queda con sus colegas para jugar al Fortnite, pues nosotros jugamos a hacer música. Nos sentamos delante del ordenador, nos echamos unas cervezas y estamos ahí tranquilos. Este es nuestro Fortnite [risas].
A. Pepe y yo es que somos amigos de toda la vida. Y lo que hemos hecho este año de juntarnos para grabar, lo llevamos haciendo tres o cuatro veranos. Este ha sido uno más, aunque ahora teníamos el objetivo de hacer un disco, así que te lo tomas más en serio.
El disco, además, está plagado de colaboraciones: Jo Jet i Maria Ribot, Malifeta, Ariox, La Fúmiga, El Diluvi, Pep Mirambell, Sara Vera. ¿Cómo surgen un poco y cómo fue trabajar con todos ellos?
A. Ha sido muy guay, porque han sido colaboraciones que las hemos hecho porque son grupos que nos gustan y a los que admiramos mucho. Así que cuando aceptaban, nos sentíamos como realizados, por el hecho también de que compartieran con nosotros una canción nuestra.
P. Que nos contestaran cuando les escribíamos y que nos dijeran que sí, era un momento brutal de subidón.
En relación con eso, uno de vuestros grandes referentes son Els Jóvens. ¿Doblemente especial la colaboración con Pep Mirambell?
A. Sí, sí, sí, fue muy guay. Además, él en todo momento dijo que sí, no hubo que insistir. Le dijimos que si quería colaborar y su respuesta automática fue: «hago lo que haga falta y voy donde haga falta».
P. Bueno, y cuando vino aquí, fue un festival. En realidad, cuando vinieron todos. Porque cuando llegó La Fúmiga, cuando llegó Flora (El Diluvi), cuando llegó Pep, fue convivencia total. Además, en ese momento, podíamos juntarnos todos sin restricciones. Se creó una piña muy guapa, y encima con gente a la que admiramos.
Un EP y un álbum en apenas un año, y evolución respecto al sonido. ¿Cómo habéis vivido este cambio y de qué más maneras ha crecido Vienna en este tiempo?
A. En este disco nos hemos atrevido con más estilos: hemos ido desde lo más personal a lo más comercial. Y al final, creo que Vienna es eso: tiene una coherencia pop, pero las producciones y las ideas cambian según la canción. Al final es demostrar que cualquier estilo, desde un gusto más pop, se puede escuchar y está chulo. Y muchas veces es que hay muchos prejuicios respecto a eso: «no, yo hago pop, o no, yo hago reggaeton».
P. Nunca nos han gustado estas etiquetas de: «¿qué hacéis? indie-pop en valenciano». Y a ver, yo indie no me considero.
A. De hecho, somos bastante mainstreams.
P. Bueno, y que yo vengo más del mestizaje. Y Arturo viene de todo lo contrario.
Al final, entramos en el bucle de poner etiquetas a todo e inventarnos otras como «rock en catalán» o «pop en valenciano». Es como: ¿desde cuándo cantar en determiado idioma es un género?
P. Eso ha sido como una problemática durante años, que parecía como muy radical el cantar en valenciano, el hacer pop, el hacer rock, el hacer reggaeton…la gente se extrañaba.
A. Pero yo ya no sé si el problema es de la gente que lo consume o de la gente que lo creaba. Porque se veía mucho el cantar en valenciano como una resistencia, si tú hacías algo mainstream o comercial, te estás vendiendo. Es como que, en cierto modo, aunque no sea un género, los propios artistas han visto eso como una manera para crear su propio circuito reivindicativo. Y al final, para que un idioma verdaderamente cale gracias a la música, tiene que haber multitud de géneros.
P. Claro. Y todo sin tener que convertir el idioma en un género concreto, porque al final no lo es.
Pero ahora el paradigma ha cambiado. Todo se ha globalizado mucho y la escena valenciana está en plena ebullición.
P. Era totalmente necesario ya. Y ha sido la propia escena la que se ha dado la vuelta. De hecho, el otro día estaba escuchando una entrevista a Malifeta, y Arnau dijo que antes de arrancar el proyecto se planteó mucho las cosas, porque venía de un panorama diferente, de haber tocado con La Gossa Sorda, de haber tocado con ZOO. Pero claro, él en su casa escucha reaggaeton y decía: «es que este género no está en valenciano y si yo lo puedo dar». Creo que romper los tabús es necesario.
En relación a todo esto, y sabiendo la importancia de Alicante para Vienna. ¿Hace falta reivindicarla más?
P. ¡Sí! Bueno, no es que haya que reivindicarla más, es que prácticamente no está reivindicada. Que nosotros escuchemos canciones que nos lleven a Barcelona o València, nos pueden transmitir. Pero si suceden como en nuestra tierra, pues nos pega más el bofetón. Y esa era un poco la idea de cuando creamos «Alacant o el pop d’aquí».
A. Al final, el punto es crear referentes pop, que puedan sonar en la radio, y cuyo escenario sea Alacant.
P. Y es que si lo piensas: Txarango le canta a Barcelona, Auxili o muchas otras bandas cantan a València, pero ¿quién le canta a Alicante? Es un poco como la gran olvidada.
Hablábamos del nacimiento de Vienna en plena cuarentena y de los pocos conciertos que habéis podido hacer. Pero hace algunos días actuasteis en Barcelona. ¿Cómo fue?
P. ¡Muy bien! La verdad es que fue un cúmulo de emociones que te cagas.
A. Y muy raro. Fue, además, la primera vez que tocamos con banda. Ahora no somos dos, somos cuatro. También fue media hora y no pudimos casi prepararnos el directo, porque hasta casi mitad de marzo no pudimos juntarnos para ensayar por las restricciones. Y fue el 10 de marzo cuando nos dijeron: «que tenéis concierto en Barcelona el día 26». Así que claro, solo tuvimos como tres ensayos.
P. Lo bueno es que nos hemos topado con dos personajes igual que nosotros y cuadramos súper bien.
A. Y también hemos hecho muy buen equipo con Mireia o con Salva, que siempre nos echan un cable y son muy sinceros con nosotros. Ese mismo día nos dijeron todo lo que había salido bien, todo lo que había salido mal. En definitiva, el concierto salió bien y nos compenetramos muy bien, pero un show es más que eso. Pero necesitamos tiempo y ensayos.
Todo esto ha coincidido con la prueba masiva que hace algunos días hicieron en el Palau Sant Jordi con Love Of Lesbian. 5000 personas con test de antígenos negativo y mascarilla, pero sin distancia social. ¿Creéis que la recuperación del sector pasa por este tipo de pruebas?
P. Al final es una prueba. Habrá diferentes maneras de recrear o volver a los conciertos como los conocíamos, y esta es una de ellas. Aunque creo que un concierto al uso, no lo vamos a poder ver hasta dentro de un tiempo, pero es un paso.
A. Es un paso y ahora, que la cosa está más estable. Igual pasa un mes y llega una cuarta ola, volvemos a estar paralizados y se va todo a la mierda otra vez. Y, claro, no podemos hacer este tipo de pruebas. Al final, no es algo que tampoco dependa de ti, depende de lo que hay alrededor.
P. Pero está guay, es un paso importante. Aunque después de todo este año, me cuesta mucho pensar en la gente sin mascarilla y toda junta de nuevo.
A partir de aquí, ¿cuáles son los siguientes pasos de Vienna?
A. Preparar un directazo que dejemos a la peña loca [risas].
P. Además de verdad, porque de momento, no tenemos ningún concierto cerrado. Así que estamos dándole una vuelta y estamos revisionando los temas, para que la gente los pueda tener en el disco y también pueda disfrutar de la experiencia.
A. Bueno, y seguir creando, para poder ir presentando singles más adelante, cuando ya haya pasado un tiempo del disco. La verdad es que estamos teniendo una buena racha a nivel de inspiración. Que podríamos sacar otro disco al año que viene, aunque personalmente estoy ya un poco quemado.
Quedan un par de preguntas, que son con las que me gusta cerrar siempre. la primera de ellas es, ¿qué canción de Vienna identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
A. Pues yo diría la de «Obertura en Emaj», ¿verdad?
P. Sí, además es una de las canciones que, al principio, más escondidita estaba. Y a la gente le está encantando.
A. Yo me quedé flipando por las reacciones, porque fue uno de los temas que más nos costó. Nos quedamos desde las 4 de la tarde a las 12 de la noche grabándola. La terminamos y al día siguiente, me fui a correr, y a la vuelta, de la misma saturada que llevaba, dije: «menuda mierda». Y no quería que saliera en el disco. Pero ya pasaron los meses y la perspectiva cambió.
P. Y gracias a esta canción, llegó «Un altre aire».
A. Claro. «Un altre aire» no estaba hecha todavía, pero como metimos la de «Obertura», que a mí no me gustaba, pues incluí también esta, que es más de reggaeton [risas].
Y la última es, ¿cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
A. Meterte en la música ya es una puta locura [risas]. Además, es que nuestra idea de grupo era la de dos amigos que hacen música, y si nos escuchan los colegas, pues bien. Pero ha ido a más. Y estamos empezando a asumir ciertas responsabilidades que ni sabíamos.
P. Sobretodo después del fin de semana en Barcelona, que para nosotros ha sido una catarsis. Porque estábamos en nuestra burbuja, con nuestros colegas en Monóvar y en Petrer, y de repente vamos allí, y toda la gente sabía, toda la gente nos decía.
A. Sin ir más lejos, el hecho de que ha habido gente que ha valorado nuestro trabajo más que nosotros, lo que nos ha hecho darnos cuenta de que, oye, que está muy bien lo que hacemos. Creo que el curro tanto en este primer trabajo, que hemos perdido la perspectiva del trabajo artística. Y es algo que nos ha dado rabia, el darnos cuenta de todo ello por los demás y no por nosotros mismos.
Siempre hemos pensado que la música es el puente perfecto para acercar posturas, para vibrar, para curarnos el alma. Llegar a espacios a los que es imposible llegar de otra manera. Descubrir nuevos talentos y escuchar con atención, con el oído y con el alma entera. Y en medio de todas estas sensaciones que nos genera la música, hemos llegado hasta tres proyectos que están comenzando a brillar y que están removiendo todos nuestros cimientos. Ellos son Ciao Marina, Karla Imbert y Finde Fantasma.
Los descubrimos hace apenas unos días, gracias al maravilloso mundo de las redes sociales. Y desde que los escuchamos, estamos completamente en bucle. Ciao Marina llegan desde Barcelona, al más puro estilo pop-rock acústico. Así, sin artificios y sin necesidad de grandes superproducciones. Una banda que nos ha enganchado, especialmente tras escuchar el nuevo single que acaban de presentar y que lleva por título «Vida en B». Un tema que suena tal que así, y que esperamos que os termine gustando tanto como a nosotras, porque es un verdadero regalo.
Tiene una voz espectacular, con embrujo. Eso es lo primero que hemos pensado cuando hemos escuchado su recién estrenado «estoy bien». Karla Imbert es magnética, por lo que no podía faltar en nuestro artículo de hoy. Una canción con un sentido muy especial para la artista. Y es que ella misma cuenta lo siguiente. «Este video es mi despedida a Madrid, mi refugio personal, a donde pensaba que necesitaba volver para sanar mi corazón. Es el volver a la ciudad a la que llevabas tiempo queriendo huir, para evadirte de todo». A lo que añade, «es una celebración a todo lo que ha sido y todo lo que me ha recibido a mi vuelta a casa, porque estos tiempos son cambiantes, pero nuestra gente y nuestra esencia perdura».
Por último, pero no menos importante, desde «la millor terreta del món», están Finde Fantasma, para sorprendernos con ese estilo tan indie-pop y para regalarnos el que ha sido su nuevo single, llamado «Telarañas». Tercer tema con el que irrumpen, tras la llegada de «Cataclismo» y «No lo entiendo». Tercer tema, concebido en Estudio Uno junto a Carlos Hernández Nombela, con el que no hacen más que escalar hasta la cima de su meteórica carrera musical. Ojito al dato con ellos, porque apuntan maneras y a nosotras ya nos tienen ganadas, tanto por su música como por ser alicantinos.
Es complicado encontrar la definición exacta para explicar quién es Jordi Bastida. Y es que su trabajo incansable durante años y años con formaciones de la talla de Carlos Sadness, Els Pets, Ramón Mirabet o Trau, lo han convertido en uno de los artistas imprescindibles de nuestro panorama musical. Ahora, en solitario, ha pegado un gran salto al vacío con su proyecto en solitario. Él es Chico Jorge y acaba de debutar con su primer single «Las flores que arden,». La imagen perfecta para dar la bienvenida a la primavera de 2021, que se plantea ligeramente mejor que la del pasado 2020.
Y, por supuesto, la manera ideal de iniciar una nueva etapa, que promete tener una larga continuidad. De ahí, la coma que tiene el título de su primera canción. Una invitación a seguir descubriendo y escuchando todo lo que Chico Jorge nos está preparando. Unos temas que, en realidad, lleva bastantes años gestando a lo largo de todos estos años de escenarios, experiencias y viajes. Una carretera que recorrer, a ritmo de pop, rock y noise. Así lo ha dejado patente en este primer adelanto, «Las flores que arden,». Una canción en la que no le ha temblado el pulso a la hora de aunar su suave pero indulgente voz con sus poéticas letras y sus riffs rompedores. Una mezcla de escándalo que ha cobrado vida en este primer capítulo del relato que Chico Jorge está construyendo.
«Ni Jordi ni Chico Jorge entienden de egos ni nunca lo han hecho. Con la humildad por bandera, nos cuenta su propia historia universal con la que nos invita a mirar hacia adentro y perdernos en sus letras, como él lo hizo componiéndolas, para navegar por nuestras batallas individuales».
Aprovechando este primer paso en el camino, quisimos hablar hace algunos días con Chico Jorge, consiguiendo que nos metiera aún más de lleno en esta espiral musical que está creando con su proyecto en solitario. ¿Queréis saber todo lo que nos contó?
Sonograma han vuelto a hacerlo. Han vuelto a prender la mecha, aunque en esta ocasión lo han hecho con «Que sangre!», el tercer adelanto del que será su nuevo álbum, el cual verá la luz antes de lo esperado. Por tanto, el mes de mayo queda marcado en rojo en nuestro calendario. No es para menos: y es que este álbum se plantea muy especial. Producido junto a Juanma Latorre (Vetusta Morla), grabado y masterizado con Dany Richter en El Lado Izquierdo y mezclado por Ramiro Nieto; las expectativas y el hype son muy reales.
Pero mientras llega el momento, «Que sangre!» es la mejor manera de seguir abriendo la caja de Pandora. Y es que, desde la perspectiva de quien se resiste a convertirse en un producto de usar y tirar, Sonograma reivindican la pérdida como una parte más de la vida y defienden el derecho a sentir con todas las consecuencias. Hasta que sangre. Sin duda alguna, la mejor manera de poner la atención y el acento, en esta ocasión, en la manera en que la sociedad de consumo, Tinder y las redes sociales han influido en nuestras relaciones de pareja.
Es cierto que previo a este «Que sangre!» ha habido dos adelantos («Arde el imperio» y «Estás mejor callado»), este es el primero que ha llegado acompañado de videoclip. Una pieza audiovisual que ha sido concebida bajo las directrices de la productora valenciana Tuica. Un arte de lo más especial y trabajo, que ha sido complementado por todo el diseño y arte, no solo de este single, también del disco al completo. Todo ello, ha corrido a cargo de Emilio Lorente, quien también ha trabajado mano a mano con artistas como Zahara, Leiva o Fuel Fandango, entre muchos otros.
Con la emoción de quien espera su regalo favorito en la Noche de Reyes. Así estamos nosotras con la inminente llegada del nuevo álbum del cuarteto madrileño. Ya queda poco para que Rodrigo Cominero (Rufus T. Firefly, Viva Suecia), Víctor Pescador (Angel Stanich), Ángel Herranz (La Llamada y Rubén Pozo) y Daniel Campillo (Kuve) arrasen con todo.
Artista, compositor y multiinstrumentista. Puede llamar la atención su juventud, pero aún así, la experiencia en diferenets formaciones lo avala. El caso de Noan es especial. Con un talento desbordante, está calando cada vez más y más rápido en nuestras vidas. El último gran ataque que nos ha asestado, lleva por título «Aquí contigo». Esta canción sincera, vulnerable y firme defensora de las segundas oportunidades en las relaciones, ha sido concebida mano a mano junto a Juan Ewan (El Sueño de Morfeo & Warner Music) y Jorge Villaboy (Morrigans), quienes se han puesto al frente de la producción del mismo.
«Aquí contigo» es un mediotiempo que rompe la pausa en un estribillo inspirado en el pop-punk americano mezclándolo con el pop más actual. Un tema que recuerda al mismísimo LA de los años 2000, pero que mantiene un sonido actual y propio del pop de Noan. El regreso perfecto del artista y un paso al frente en su particular carrera, que dará mucho de lo que hablar en los próximos meses.
Además, este nuevo single llega muy poco después de que lo hicieran sus grandes éxitos «Superpoder» y «No me pidas perdón», temas con los que el joven artista alcanzó cifras insuperables (sobrepasando en más de un 5000% sus oyentes mensuales) y además, se coló en el top de «Canciones más virales de España», afianzando así la gran proyección que tiene dentro de nuestro actual panorama musical.
Al final, no lo hemos podido evitar y hemos tenido que hablar con el propio Noan. Y ha sido él quien nos ha dado todos los detalles de su naciente proyecto que solo hace que crecer. Quién es; cómo han nacido todos estos temas, especialmente «Aquí contigo»; o cuáles son sus próximos pasos. ¿Queréis conocerlo y adentraros en su particular universo sonoro? Pues solo tenéis que darle al play y dentro vídeo.
Desde su más profunda intimidad hasta nuestras casas. Así ha llegado «Aclárate» a nuestras vidas. Así suena el nuevo tema de Sebastián Cortés, la gran promesa del DIY-pop en español, que dentro de muy poquito tiempo debutará con su álbum debut, que llevará por título «Canciones que hice desde mi habitación» y que verá la luz en breves. Un disco con el que romperá todo tipo de barreras y que lo afianzará dentro de nuestro panorama musical. Y es que en muy poco tiempo, ha conseguido más de 570.000 escuchas mensuales en Spotify, y cifras similares en YouTube. Sin duda alguna, un éxito más que asegurado.
«Tú y tus intenciones de jugar con mi cabeza no me dejan vivir».
«Aclárate» es el primer guiño que el artista ha hecho a su inminente nuevo álbum. Una canción que habla de una situación de pareja muy concreta. En palabras del propio artista, «es cuando la persona de la que estás enamorado tiene dudas de si quiere estar contigo. Y la necesidad de uno, de que la otra persona tome una decisión». Una espera que desesper, una catarsis dconvertida en canción.
«Los oyentes de Sebastián Cortés agradecen este tipo de alquimia porque cuando Sebastián canta te toca el semblante interno, te adentra en una sensación que tarde o temprano te identifica con lo que cuenta y canta. Y llegar a ese sitio es un gran mérito».
Un buen hacer y un trabajo constante, que llega a ritmo de pop. Un pop ‘do it yourself’, que a su vez es intimista y de lo más personal. «Cada una de las palabras y de los sonidos son producto de su intuición creativa, se resume en la aparición de silencios en seco para luego cantar susurrando, y agregar voces en distintas tonalidades que generan dimensiones auditivas». Una joya de la que uno es incapaz de huir. Bienvenidos al mundo de Sebastián Cortés.
Después de años y años metido de lleno en la escena musical indie con sus múltiples remixes de canciones ya convertidas en himnos, DJ Moderno se lanza de lleno y empieza a mostrarnos las pequeñas grandes joyas que tenía guardadas para nosotros. Entre ellas está «Renton», el último regalo que nos ha hecho. Una canción en la que abandona ligeramente el carácter más pop de sus ultimas composiciones para centrarse en las bases electrónicas de nu-disco o break beat. Además, es un tema que recuerda en algunos pasajes a bandas como Chemical Brothers, DJ Tennis o Janelle Monae utilizando la voz como un instrumento a caballo entre el spoken word o el rap. Un nuevo universo sonoro en expansión, que nos muestra una nueva faceta del artista y productor navarro, afincado en Madrid.
Concebida, grabada y producida en el propio estudio de DJ Moderno, «Renton» homenajea claramente a una de las películas que han hecho historia y que, además, este mismo año celebra su 25 aniversario. Se trata de la icónica «Trainspotting». Aunque no solo eso, pues «Pulp Fiction» también tiene gram importancia dentro de esta canción. Y, por supuesto, más allá de las referencias cinematográficas, también podemos encontrar otras musicales, al aparecer bandas como Jesus and Mary Chain o Bauhaus. Aunque si llevamos el arte de «Renton» más allá, no se nos puede olvidar que la portada del single está basada en un cuadro de la artista madrileña Eva de la Jara. El envoltorio y el contenido perfectos para sacar, como un tifón, toda la rabia y el cabreo, los motores más potentes para seguir adelante y para pelear por tus sueños.
Fue hace algunos días cuando nos sentamos a hablar con él, para que nos contara todos los detalles, no solo de este tema, sino también del proyecto que encabeza. Quién es, cómo nace «Renton», qué está por llegar y mucho más. ¡Dale al play y adéntrate en su universo!
Todos tenemos pequeños hábitos que seguimos en nuestro día a día. Detalles que, a pesar de pasar desapercibidos, pues los cometemos de manera automática, no dejan de ser importantes para nosotros. Y en medio de este hecho común, llega Ramírez Exposure con «The Rituals», primera adelanto de su nuevo álbum, y nos recuerda que están ahí. Que tenemos que valorar todos estos pequeños rituales sin los que no podemos vivir. Rituales que echaríamos de menos si, de repente, desaparecieran.
¿Se pueden perder todas las buenas rutinas, rituales y sanas costumbres y mantener la cordura? Con su nuevo single, «The Rituals», Ramírez Exposure nos transmite cómo. La primera pieza de todo un engranaje, que muestra mínimamente todo lo que está por llegar. Una estancia llena de luz, powerpop, humor, influencias y vivencias que interpreta con valor y lucidez. Acompañándolo a las voces está Ken Stringfellow, habitual colega y colaborador en las producciones de Ramírez Exposure. Y esa conjunción de de las guitarras con los teclados, hace que esta canción tenga la misma onda de muchas de las producciones del fallecido Adam Schlesinger (Fountains of Wayne), que hacía lo propio con la que fuera su banda, Ivy. Tanto el primero como Brian Young colaboran en «Exit Times», tanto como instrumentalistas como desde la mesa de mezcla.
De esta manera, Víctor Ramírez (a.k.a. Ramírez Exposure) nos adelanta el primer single del que será su nuevo trabajo, que ya sabemos que verá la luz el próximo 14 de mayo y que llevará por título «Exit Times». Un trabajo esperanzador en el que podremos apreciar la gran cantidad de armonías vocales y las composiciones tan particularmente personales, arrolladoras y amables. La combinación perfecta de trabajo repensado y cuidado, que hará que cambien todos los paradigmas que conocíamos hasta el momento.
Mientras se acerca el ansiado 14 de mayo, no nos queda más que disfrutar de este pequeño gran regalo. ¿Qué os ha parecido?
Ayer nos llegó la gran sorpresa de que el Tomavistas Extra volvía a la ciudad de Madrid. Una noticia que nos llenó por dentro, especialmente, después de saber que Tomavistas no podría volver hasta el 2022. Del 21 al 30 de mayo, el Parque Tierno Galván volverá a vibrar al son de la música. Concretamente, al son de la música de Maria Arnal i Marcel Bagés, Le Parody, Triángulo de Amor Bizarro, The Parrots, La Bien Querida, Melenas, Califato ¾, Vera Fauna, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Los Estanques, El Columpio Asesino, El Último Vecino, Novedades Carminha, Mujeres, Cupido y Confeti de Odio.
Los artistas que actuarán en Tomavistas Extra
Maria Arnal i Marcel Bagés, serán los encargados de abrir esta edición del festival, tras la aclamada llegada de su nuevo álbum, «Clamor». Las ganas de verlos en directo es más que real, ya no solo por eso, también porque llegarán acompañados de Le Parody, quienes cerrarán la gira de su trabajo «Porvenir» en Tomavistas Extra. La cita será el próximo 21 de mayo.
El 22 de mayo, lo daremos todo con Triángulo de Amor Bizarro, ganadores en dos ediciones del prestigioso Premio Ruido (otorgado por la PAM) al mejor disco del año. Con la publicación de su último álbum homónimo, los gallegos han marcado una línea roja: y es que este trabajo, ha supuesto una ruptura conceptual con respecto a los anteriores. Junto a ellos, estarán The Parrots, los pioneros y grandes referentes de la nueva ola de garage madrileño. Tras un año de silencio, llegarán al festival, estrenando nueva puesta en escena.
Un día después, el 23 de mayo, La Bien Querida arrasará en el Tierno Galván con «Brujería», el último álbum con el que nos sorprendió. Conmovedor, desgarrador y universal, la artista nos sedujo con canciones que tocaban el misterio tangencialmente para entrar profundamente en la lírica y la épica. Melenas estarán con ella. Originarias de Navarra, surgieron alrededor de la escena del pequeño bar Nébula de Pamplona, y en poco tiempo han conseguido hacerse un hueco en el panorama nacional a base de trabajo, buenos directos y discos imperdibles. Todo un talento, que han sabido volcar en su álbum debut, «Ya no me importa si tú me quieres».
Y el 26 de mayo, será la banda que más ha revolucionado la escena musical andaluza en los últimos tiempos. Ellos son Califato ¾, vienen de Sevilla y acaban de lanzar su segundo álbum de estudio, «La Contraçeña», y en él conviven y se fusionan a la perfección la idiosincrasia cultural e historiográfica andaluza y la música de vanguardia más avanzada. No estarán solos, los acompañan Vera Fauna, una banda que convence a base de su vitalismo y buen hacer. Su música está dotada de una personalidad inconfundible, laberíntica e inesperada, como las calles de la capital andaluza que les vio crecer. La prueba de ello es su primer largo «Dudas y flores».
El 27 de mayo, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba irrumpirán en el escenario del Tomavistas Extra con un género que ellos mismos han bautizado como la kinkidelia: mezcla de la estética y filosofía kinki con la psicodelia. Un estilo que seguramente volcarán a la perfección en su segundo álbum «Hilo negro», que verá la luz en el mes de abril. Otros que arrasan allá donde van son Los Estanques. La banda cántabra de PPP (pop progresivo psicodélico) ha demostrado a lo largo de cuatro discos que es una de las formaciones más interesantes y productivas de la escena nacional.
El 28 de mayo, El Columpio Asesino actuará en Madrid, donde presentará su nuevo álbum «Ataque Celeste». Un disco que muestra la cara más pop de la banda, sin perder su esencia entre lo bello y lo siniestro; el imperdible dorado vuelve para deslumbrarnos con unos sonidos más potentes y luminosos que nunca. Compartiendo escenario con ellos, El Último Vecino (alter ego de Gérard Alegre), que lleva ya una década destacando como una figura inquieta y talentosa dentro del pop electrónico y alternativo.
El 29 de mayo, Novedades Carminha arrasarán con su talento, su espíritu, su canallismo y su espíritu punk. Por no mencionar esa evolución que los ha encumbrado como una de las bandas más reconocidas de nuestro panorama: desde el sonido garage de sus inicios hasta los guiños al trap y al vocoder de sus últimos trabajos, la banda gallega nos lleva en un viaje sonoro. Y Mujeres estarán mano a mano con ellos ese mismo día. La banda catalana, que en los últimos años se ha consagrado como uno de los grandes nombres de rock alternativo nacional, tiene ya entre manos un nuevo EP que verá la luz muy pronto.
Poniendo punto y final al festival, el 30 de mayo, estarán Cupido. Su debut «Préstame un Sentimiento» fue uno de los discos más escuchados de 2019 y les convirtió en el grupo revelación del momento. Tras un corto stand by, la banda volvía el 14 de febrero de 2020 con el single «La Pared», en una nueva vuelta de tuerca a su ya intrincado sonido. Y Confeti de Odio, el proyecto personal de Lucas Vidaur, estará con ellos ese día tan especial. Le conocimos a través de las redes sociales con singles como «Hoy Será un Día Horrible» o «Si Me Quiero», que corrieron como la pólvora presagiando el éxito de ese primer disco. Su puesta de largo, «Tragedia Española«, fue publicado en plena pandemia y le ha revelado como un artista valiente y honesto
La de los miércoles, se ha convertida ya en una cita ineludible para nosotras. No nos puede gustar más, por todo lo que supone. Ávidas de música nueva, nos atrevemos a escuchar con atención todo lo que nos llega y traspasároslo a vosotos. Esta semana, mucha atención, porque se viene fuerte, de la mano de la formación londinensa Reme, los ciudadrealeños Yeska, y el proyecto dirigido por la artista valenciana Ainoa Cabanes, Sierra Leona.
Al otro lado del Canal de la Mancha, se encuentra la banda hispano-británica Reme, que han abierto la veda en este 2021 con un temazo que llega a ritmo de rock setentero. Esto es «David Livingstone» y es una verdadera delicia para nuestros oídos. «Daniel Ruiz, compuso esta canción en un momento de duda, en el que buscaba la manera de completar un álbum – el de debut – en el que una banda pone especial mimo». Como resultado, tenemos una joya en la que han mezclado piano de cola, mellotron, sintetizadores y bending en las guitarras.
«Se acerca el miedo, sobra la luz». Así reza «Las curvas del mundo exterior», el nuevo tema de Yeska. Un tema que se alza como el primer avance del que será su nuevo EP, el cual ha sido concebido mano a mano con Paco Loco en el Puerto de Santa María (Cádiz). Un trabajo en el que comprobaremos cómo se han adentrado y han bailado, sin miedo, entre diferentes estilos y géneros musicales. «Músicos por vocación y devoción. Cuidan mucho los textos, experimentan con la música, las voces, las atmósferas y sobretodo, las producciones». Disfrutad mientras tanto de esta gran joya. ¡A nosotras nos tiene en bucle!
Incluímos el videoclip de «El arte de amar» en una de nuestras recomendaciones de la semana. Pero es que, es imposible salir de la órbita que ha generado Sierra Leona alrededor nuestra. Y es que ahora han vuelto a hacer magia con su nuevo single «El milagro», que además, ha llegado acompañada de una pieza audiovisual maravillosa, dirigida por Manuela Medina y la propia Ainoa Cabanes, que es quien encabeza este mágico proyecto musical.
