Alzar la voz y denunciar las agresiones es una cuestión que tratamos de hacer todos los días de nuestra vida, especialmente cuando este maltrato se ejerce hacia nosotras. Pero en días como hoy, 25 de noviembre, todo adquiere una magnitud mayor. De ahí que veamos tan necesario aliarnos con artistas como Milena Brody quien, en el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, acaba de publicar la versión en directo desde Moby Dick Club de «Ella». Una canción muy especial para la autora, que publicó allá en 2019 y a la que el pasado 2 de junio un vuelta de tuerca en vivo, con toda su banda al completo (Álex Moreno, Carlos Bueno y Manuel Montenegro).
«Tengo a muchas ellas a las que dedicarle esta canción», explica la artista en sus redes sociales. A lo que añade lo siguiente: «La publico el 25 de noviembre por el Día Internacional Contra la Violencia de Género, porque va dedicada a todas las mujeres, especialmente a ellas». Sin duda alguna, esta canción es el mejor homenaje a todas nosotras y Milena Brody el mayor altavoz que podríamos tener en un día tan señalado como hoy. Compromiso y empoderamiento a partes iguales.
Para quienes llevamos siguiendo a Milena desde el lanzamiento de su primer EP «Boomerang» (2018), no hemos dejado de ver cómo ha evolucionado y crecido. Si aquel primer trabajo fue un gran paso para ella, todas las pequeñas grandes acciones que la han traído hasta el día de hoy, lo han sido más. Y es que en este 2022 que está a punto de acabar, la artista ucraniana afincada en Madrid, nos ha regalado su primer álbum, su primer larga duración. «Ya» llegaba hace apenas unos meses, para demostrarnos cómo se ha ido construyendo ella poco a poco, con el paso del tiempo. Así hasta formar a la persona que es a día de hoy. ¡Gran aprendizaje!
La semana pasada no pudimos resistirlo: quedamos prendadas para siempre de Biuti Bambú y de su nuevo álbum homónimo. El gran debut de la banda liderada por Clara Alvarado e Iciar Segovia llegaba para quedarse. Un trabajo discográfico formado por diez canciones, que viajan libres entre el amor, el empoderamiento femenino, la libertad y la alegría. Un trabajo discográfico que muestra cómo son ellas en su esencia más pura y genuina. Un trabajo discográfico que ha visto la luz tras cuatro años de trabajo intenso en él y pandemia mediante. Con ese estilo retro-chic que tanto las ha caracterizado durante este tiempo y con melodías vocales que van directas al alma, hemos de reconocer que la espera por escuchar nuevo material de las biuti ha merecido completamente la pena.
«Biuti Bambú» ha sido producido por Roy Santana de Estudios M20 y mezclado por Guillermo Mostaza en Álamo Shock. Cerrando filas en esta banda liderada por Iciar y Clara, están siempre incombustibles Peto Fesser, Roy Santana, Mamen Martínez y César Berzosa. Juntos, han logrado dar al proyecto musical la magnitud que se merece. La capacidad de viajar con sus canciones desde los años 60 hasta los 2000, y casi sin pestañear. En mejor dream team que podríamos imaginar, y un resultado pegadizo, cañero, con estilo y repleto de mensaje detrás. La fórmula ideal, la fórmula que más nos encanta a nosotras. Y es que estas diez canciones están repletas de magia. Basta con escucharlas para darse cuenta de ello.
Ahora que el disco ha podido reposar y que ya todos hemos podido escuchar de arriba a abajo, llega el momento de presentarlo en directo. No hay excusa que valga para no saberse las canciones. Id calentando motores porque Biuti Bambú aterrizan este sábado 26 de noviembre en laSala Galileo Galilei de Madrid. Esa será la primera toma de contacto con el público de su ciudad, con su público. Una noche que se plantea increíble y que no nos perderíamos por nada del mundo. Todavía quedan entradas disponibles en salagalilelo.entradas.plus, pero rápido antes de que vuelen todas. Tan solo esperamos que tras esta anhelada cita, lleguen muchas más fechas en otras ciudades de España, porque nosotras nos morimos de ganas de verlas girar. El efecto Biuti tiene que llegar a todos los rincones del mundo posibles.
Elys Cöttet lleva años desarollando su carrera musical como compositora y artista. Desde Argentina hasta España, pasando por Noruega, ha ido presentando y publicando sus canciones, siendo «Plasticidad de una mente llena de flores» el primer EP que nos regaló con su proyecto en solitario. Han pasado unos cuantos años desde ese momento y ahora, se dispone a regalarnos su nuevo trabajo discográfico – su primer LP -, que llegará en breves a nuestras vidas con el título de «Sapiencentrismo». Un viaje que, por el camino, nos ha dejado su primer sencillo de adelanto, «Maybe Tomorrow». Una canción desgarradora, pintada de balada, que cuenta con una procesión de guitarras eléctricas con distorsión. Una canción que vuela libre entre el espíritu punk de la autora y el estilo indie-rock.
«Maybe Tomorrow» ha sido grabada mano a mano con el reconocido baterista y productor ganador de un Premio Grammy Hernán Hecht a las baterías. Además de estar coproducida junto al productor y músico argentino Fernando Izu, de quien Elys ha explicado lo siguiente: «Fer tiene la frescura y la motivación de la juventud, las ganas de cambiar el mundo a través de la música, es un ser melómano, además de un excelente músico».
Siguiendo la sintonía y estilismo de la canción, ha llegado el respectivo videoclip. Manteniendo ese espíritu punk, crudo y visceral, la artista ha utilizado la mítica historieta «El Eternauta» como hilo conductor de la pieza audiovisual. Una historia muy bien narrada, que ha sido editada por la propia Elys Cöttet. Pero es que si tratamos de ir más allá, observaremos la clara intención de la compositora de cuestionar la contemplación de los hechos a través de la inacción de una pantalla, y la de promover la acción colectiva real.
Una canción de la que os podríamos contar mil maravillas, aunque lo mejor es que la escuchéis y valoréis vosotras mismas. Así que pasen y vean.
Una de las cosas que más nos enamoró de ella cuando la descubrimos fue la dulzura de su voz y esa capacidad innata para conectar al instante con cualquiera que tuviera el placer de escucharla. Victoria Lerma es emoción en estado puro, es sinónimo de vocación por la música con carácter sanador. Y, por supuesto, su nuevo álbum «A gran velocidad» no es más que otra prueba latente de ello. Un trabajo discográfico, producido por Toni Brunet, capaz de desatar una tormenta de sentimientos en nuestro interior, capaz de sacudir nuestra realidad y concepción de la vida. Quizás ese sea exactamente el poder de la música: atraparnos sin ni siquiera tener la opción de mirar atrás.
Lo que sí que parece claro es que Victoria ha expulsado demonios a lo largo y ancho de estas diez canciones, repletas de sinceridad y de verdad. Heridas abiertas y cicatrices provocadas, en gran medida, por los caprichos de Cupido; pero, también, dardos dirigidos a una realidad vacía que se manifiesta a través de una pantalla fría e insensible. Realidades que son suyas, pero que también pueden llegar a compartirse con nosotras y con nuestro propio imaginario vital. Realidades que bien podrían haberse abordado desde otro prisma, pero la artista mallorquina ha decidido hacerlo desde la madurez, el tiempo y la calma. Y si a todo ello, le sumamos esa impronta musical de la autora, esas referencias sonoras tan marcadas y ese estilo indescriptible.
Ahora, con este nuevo trabajo en la calle, llega el momento de presentarlo en directo, lugar donde adquirirá una dimensión más real y mágica. Tanto, que este mismo viernes 25 de noviembre, Victoria Lerma comienza con su tour en la Sala Búho Real de Madrid, para seguir por el Teatre Xesc Forteza de Palma de Mallorca (2 de diciembre), la Sala Euterpe de San Juan de Alicante (13 de enero), Café de Alba de Murcia (14 de enero), L’Oncle Jack de L’Hospitalet de Llobregat (10 de febrero), La Fada Ignorant de Andorra La Vella (11 de febrero), Because Pop and Roll de Castellón de la Plana (25 de marzo) y L’Ermità Café de Valencia (26 de marzo).
De cualquier manera, ¿quién mejor que la propia Victoria Lerma para contarnos todos los detalles sobre «A gran velocidad» y sobre la gira que se viene? ¡No os perdáis la entrevista que le hicimos!
Sí, ya sabemos que hoy es 22 de noviembre y que celebramos el Día de la Música. Y como no podía ser de otra manera, nosotras lo terminaremos sumergidas en ella. Concretamente, en el temazo que presentó Yarea Guillén el pasado viernes 18 de noviembre. Acompañada por Kickbombo, la artista catalana estrenaba así el segundo adelanto del que será su nuevoEP, «No me pasa nada».
Efectivamente, veía la luz «Alguien tiene que parar» y lo hacía como un verdadero grito de auxilio. «Este temahabla del ritmo frenético en el que vivo, que me impide sentir las cosas que nos pasan y me convierte en alguien frío el impasible», se atreve a detallar la artista y compositora. Razón no le falta cuando nos da este toque de atención, cuando realiza esta llamada al mundo de locos en el que vivimos, simplemente para recordarle (y recordarnos) lo necesario que es pisar el freno, descansar, respirar y cuidar de nosotros y de nuestra salud mental.
Sonoramente, también ha supuesto un salto cuántico para Yarea, que en esta ocasión, se ha atrevido a experimentar con el indie pop, inspirándose en productores anglosajones y en sonidos vanguardistas. Un enorme cambio que ha traspasado la pantalla y que se refleja a la perfección en el videoclip que acompaña, que ha sido obra y arte de Nerea Musatadi. Al más puro estilo «Desayuno con Diamantes», la artista catalana es la absoluta protagonista de esta joya audiovisual. Primerísimos primeros planos y un viaje en taxi, que nos invita a huir y escapar del ritmo frenético de su vida y de su día a día.
Desde luego que si «Con esa cara que pones» y «Alguien tiene que parar» son los primeros adelantos, no nos queremos ni imaginar lo que nos deparará «No me pasa nada» al completo. Nosotras estamos más que preparadas para lo que sea, aunque una cosa tenemos clarísima: que se avecina un nuevo EP de nivel. ¿Alguien con las mismas ganas que nosotras de descubrirlo?
Pablo Fugitivo es uno de esos artistas indescriptibles, uno de esos artistas a los que hay que escuchar y disfrutar, uno de esos artistas en los que sumergirse de lleno hasta que secuela en tu hipotálamo, como bien reza el que fuera su último adelanto «Quiero vivir siempre en un sábado». Con un magnetismo fuera de serie, el malagueño ha conseguido cautivarnos con su voz profunda, con su sonido al más puro estilo americano y con un nuevo álbum increíble. Porque lo de «El club de los insomnes» traspasa cualquier tipo de frontera. Un disco para tener en bucle constantemente, un disco intimista que navega entre la poesía urbana y el folclore popular.
«Como todos mis discos es diferente al resto. Me gusta que sea así, que cada uno tenga una atmósfera, un contexto y unos protagonistas diferentes. No es algo que busque de forma premeditada ni nada. Es algo natural desde que empecé de chaval con bandas de metal, punk, garage y rock», explicaba el propio artista poco antes del lanzamiento de este cuarto álbum de estudio del artista. La mejor manera, sin duda alguna, de seguir dándole vida a este proyecto musical, que lleva ya una década sobre los escenarios. Nacido durante la pandemia y con una perspectiva de lo más positiva – justo lo que más nos faltaba al mundo en esos momentos -, Pablo Fugitivo ha concebido 12 canciones increíbles que, a su vez, han estado posteriormente producidas por él mismo y mezcladas por Paco Loco.
Lo que está claro es que «El club de los insomnes» es uno de esos discos solo apto para soñadores, que merece ser desgranado y descubierto con todas sus consecuencias. ¿Y qué mejor manera de hacerlo que hablando con el propio creador del mismo? Hace algunos días, charlamos largo y tendido con el mismísimo Pablo Fugitivo y esto es lo que nos contó al respecto.
Nunca nos cansaremos de decir que lo de Zahara no es de este planeta. Casi no recordamos el momento en el que la descubrimos, pero de lo que sí que estamos seguras es de que nos enamoró con su voz, su templanza, su ternura y su determinación. Unos adjetivos que se han ido acrecentando con el paso de los años y que el pasado viernes 18 de noviembre adquirió una nueva dimensión en el Festival Mil·leni, que se celebraba en la Razzmatazz de Barcelona. Una sala en la que, abarrotada de gente, la artista recordaba que había actuado 14 años atrás, teloneando a Duffy.
Mucho han cambiado las tornas desde ese momento. Tanto, que el motivo que nos reunió el viernes en Razzmatazz era bien diferente. Y es que llegaba el momento de despedirse de su último álbum «Puta» y de todos los formatos que le han acompañado durante este año y medio de gira. Sin olvidarnos, por supuesto, de todos aquellos temas que forman parte del imaginario sonoro de la ubetense.
Puntuales como ellos solos y tal como anunciaron durante todo el día en redes sociales, arrancaron a las 9 de la noche por todo lo alto. Ya desde el inicio se respiraba un «flotante» ambiente festivo, ideal para recibir con todo nuestro amor a «Leñador y la Mujer América». Un comienzo potente que provocó «El Diluvio Universal» tanto dentro como fuera la de sala. Todavía no lo sabíamos, pero estábamos comenzando dos horas de auténtico viaje emocional a través de «canción de muerte y salvación», a través de «El fango». No nos faltaron ganas de cantar a viva voz «Pregúntale al polvo», aunque eso supisiera el inicio de «El Deshielo». Menos mal que ahí estaba también Martí Perarnau, para hacer las voces de «Guerra y paz» junto a la mismísima Zahara. Juntos nos llevaron «Donde habitan los monstruos», un lugar que se nos quedó clavado hasta la «médula».
Aunque para momento clave el de «Ramona», cuando las bailarinas María José Gómez y Olga Suárez saltaron al escenario para ponerle la banda de «Puta» a Zahara y alzar, en medio de la coreografía, dos carteles con la misma palabra escrita. «La hostia de Dios» se abría paso a continuación, inaugurando así una nueva fase en medio de este espectáculo en mayúsculas. Llegaba el momento del intimismo y el formato acústico. Llegaba el momento de que se hiciera el silencio con «negronis y martinis», «Sansa» y «Del invierno».
Frío gélido y piel de gallina con estas tres últimas canciones. Una sensación de lo más extraña, que duró lo que dura un suspiro. O hasta que llegó la locura y la rave con «Dolores» y «Taylor», que la artista andaluza remixeo con grandes hits de nuestra generación. Una verdadera fiesta que nos hizo estallar por completo con «Crash». En este momento, habríamos hecho lo que fuera por Zahara, como viajar «Camino a L.A» o cantar «Joker» como si no hubiera un mañana. Lamentablemente, sí que había un mañana, igual que había un fin de concierto. Tras cerca de dos hora de directo, tocaba despedirse pero de verdad. Pero no sin que sonaran antes «Merichane», «Hoy la bestia cena en casa» y «berlin U5» en la que salió, por sorpresa, Alizzz. Y es que después de haber colaborado juntos en «Reputa» y siendo él catalán, no esperábamos menos.
Sin duda, un fin de fiesta a la altura de lo que Zahara es y representa para todas nosotras. Para toda nuestra escena musical. Y es que si alguien se merece el título de reina es ella. Por ese ejercicio de honestidad y de sororidad que nos ha regalado.
Corría el año 2007 cuando, desde Madrid, la banda Toundra se disponía a comenzar con sus andadas con su proyecto musical. Con el ímpetu de innovar y de alzarse como una de las formaciones más vanguardistas del momento, revolucionaron la escena musical con su propuesta instrumental, en la que predominaban los riffs potentes de guitarra y las atmósferas intrincadas. Todo ello, abriendo paso y creando canciones llenas de electricidad y personalidad. Bajo esta premisa, que ha permanecido infranqueable al paso del tiempo, han publicado ya siete álbumes de estudio, siendo «Hex» (2022) el más reciente de ellos.
Un disco con el que han estado girando durante todo el año por multitud de ciudades del estado y que les ha dado tantísimas alegrías. Un disco que nos ha permitido adentrarnos aún más en su particular universo sonoro, repleto de matices y de detalles. «La música posee un atractivo, una tentación que atrae por los sonidos que expresan todo lo que un artista o una banda desea transmitir», aseguran ellos mismos. Un ideario e imaginario, que solo Toundra ha sabido cómo llevar al límite de lo imposible. Quizás por eso son tan especiales.
Precisamente, hablando de conciertos y de giras, este mismo domingo 27 de noviembre presentarán su nuevo disco («Hex») en la ciudad que los vio nacer como banda. Y es que la formación instrumental promete un concierto de los que no se olvidan, en el mítico e icónico Teatro Eslava – antes Joy Eslava – de Madrid. Hemos de avisar de que el concierto será matinal, pues se abren puertas a las 12 del mediodía. Aunque si bien es cierto que no será hasta la 1 del mediodía cuando los madrileños aparezcan en la sala a golpe de guitarra. Así que no os durmáis y pillad ya vuestras entradas, porque pondremos el punto y final a esta semana que acaba de comenzar de la mejor manera posible. Los tickets los encontraréis disponibles en la página web fiverup.com.
Juan Pablo Vega es uno de los artistas colombianos con mayor reconocimiento y proyección en nuestra escena musical actual, tanto a nivel nacional como internacional. Artista, músico y productor, ha estado nominado en diferentes categorías de los Latin Grammys y ha sido galardonado como Mejor Artista Alternativo Rock-Indie del 2021 en los Premios Nuestra Tierra. Además de haber trabajado con artistas de la talla de Marc Anthony, Alejandro Sanz, Greeicy, Morat o Tanxugueiras, entre muchísimos otros. Y es que la enorme carrera que tiene a sus espaldas, lo avala. Fue en 2013 cuando publicó su primer trabajo discográfico como solista «Nada Personal», al que siguieron muy poco tiempo después sus EPs «Vicio» (2016), «Conexión» (2019) y su segundo álbum de estudio homónimo (2021).
Casi una década repleta de éxitos y de himnos, que en muy poco tiempo aterrizará en España. Una llegada muy esperada, especialmente tras todo lo que pasamos con la pandemia y es que ya es oficial: actuará esta misma semana, en formato acústico, en las dos ciudades más grandes del estado. Será el 23 de noviembre en el mítico Café Berlín de la capital y dos días después, el 25 de noviembre en el Marula Café de la Ciudad Condal. Dos espectáculos en los que promete presentar por primera vez las canciones de su último trabajo discográfico homónimo, además de adelantar en exclusiva alguna nueva y repasar sus favoritas de discos anteriores, «Nada Personal», «Vicio» y «Conexión». Las entradas para ambos shows ya se encuentran disponibles en Passline: hazte ya con ellas, para Madrid y para Barcelona.
Tras estas dos citas ineludibles para el público español, Juan Pablo Vega se dispone a seguir trabajando en el que será su tercer álbum, su tercer disco de estudio. Un trabajo discográfico que verá la luz en 2023 y del que nos adelantó algunos detalles. Además de explicarnos muchas más cosas sobre su proyecto musical. Así que no te pierdas la entrevista que le hicimos hace algunos días.
Hay artistas que nos hace especial ilusión descubrir y poner en nuestro radar musical. Hay artistas con un talento desbordante, capaces de enamorarte con su voz y con ese amor intrínseco que demuestran por la música. Es el caso de Nuria López, una joven y talentosa compositora de Benidorm (Alicante), que este mismo viernes 18 de noviembre estrenó su primer EP, «Lo que podría haber sido».
Cuatro canciones en las que nos hace viajar a través de las diferentes fases del amor, desde el mismo momento en el que conoces a esa persona que pone patas arriba tu mundo. Así hasta el desenlace final, que en muchas ocasiones, no termina siendo el que esperamos. Es entonces cuando te das cuenta de que esa historia era imposible, quedándose en aquello que pudo haber sido, pero no fue. Cuatro canciones que conforman un primer trabajo conceptual que, además de marcar el inicio de su carrera musical, tendrá su respuesta y réplica en 2023, con la llegada del que será su nuevo trabajo discográfico, que llevará por título «Y no fue».
Un hilo conductor que, más allá de en las propias letras y canciones de este EP, también se aprecian en la estética del disco, que ha corrido a cargo de Laura García Zaragoza (portada de «Lo que podría haber sido»), Juanmo (diseños e ilustraciones) y Mono Wam (tipografías de las portadas). En todas ellas, siempre aparecen dos elementos claves, que se repiten y que representan a las dos personas claves de esta historia de amor y desamor: la nube como la artista y la estrella como él, la persona de quien se enamora. Con el paso de las cuatro canciones, que contarán con videoclip propio, el cuerpo celeste va cambiando de color, provocando así un sentimiento diferente en la propia Nuria: desde la atracción hasta el anhelo, pasando por la valentía, hasta culminar con el amor con todas las letras.
Tras haber escuchado este EP al completo, no podemos estar más emocionadas por ver cómo evoluciona el camino de Nuria López que, en todo momento, está escudada por su equipo de Ninety Flavors, formado por el productor El Migue y el compositor Paul Hit Wonder. Y es que está más que dispuesta a seguir esforzándose, a seguir trabajando y a seguir creciendo musicalmente.
No mentimos si decimos que la música nos ha salvado la vida en más de una ocasión. Es algo casi innato y difícil de explicar, pero siempre ha supuesto un refugio emocional. De ahí que una de nuestras premisas sea adentrarnos sin miedo y con todo en los universos sonoros que nos plantean artistas aún por descubrir. Y hoy nos atrevemos con los proyectos de Christine Valença, DariHaber, Maria Habbouche y Nameless Ghost.
Christine Valença es la primera en hacer aparición en nuestra publicación de hoy. Y es que la cantante, compositora, instrumentista, actriz y bailarina nacida en Río de Janeiro ha nacido y crecido rodeada de música, desde su propia familia. Con unas influencias varias y eclécticas, y un sonido dramático y vibrante, mezclando texturas vintage con estética pop contemporánea, la joven nos ha sorprendido y enamorado con dos de las canciones que nos ha regalado durante este 2022. La primera de ellas fue «Via Láctea», tema que publicó en enero en colaboración con Wagner Cafe. Concebida durante la pandemia y con un tandem de voces que encaja a la perfección, está repleta de matices. Pero el sencillo que sí que nos ha cautivado ha sido «Para Não Tocar (Na Rádio)». Contraste, ligereza y una letra punzante, pero necesaria. Un marcado funk de los 70 que se sale de cualquier tipo de norma o cánon. Y esa personalidad y disidencia, la verdad, es que nos encantan.
DariHaber es la siguiente artista en aparecer hoy. Desde Tel-Aviv, nos ha regalado sus primeros sencillos, que ahondan en el folclore de su país, pero con ciertas reminiscencias progresivas. Mezcla de varios estilos que hace que la compositora vaya definiendo, poco a poco, un estilo de lo más particular y único. A nosotras, nos ha cautivado por completo con sus recientes canciones «Blue», «Pele» y «Zman». Todo un viaje espiritual y musical que, previsiblemente, culminará a principios de 2023 con la llegada del primer álbum de la joven, que contará con composiciones escritas por ella misma en el periodo de dos o tres años. Desde aquí, no podemos tener más ganas porque llegue el día.
Cautivadas estamos con el poder y capacidad de emoción de Maria Habbouche, quien acaba de debutar con su primer sencillo «i got you». Desde su infancia en Beirut, ha estado ligada a la música, interesándose especialmente por estilos con el indie, el pop y el folk. Pero quizás el momento clave fue comenzar a estudiar en el Berklee Valencia y su estrecha amistad con una de sus compañeras, Chloe, que fue quien la animó a grabar la canción, haciendo uso del famoso Ann Kreis Scoring Stage de Berklee. Como resultado, tenemos una balada preciosa con la que conectar desde el primer instante. Una balada preciosa que describe el amor de la forma más simple posible: conocer y encontrar calidez y seguridad dentro de tu pareja, y estar siempre ahí para esta persona especial. «Escribí la letra hace mucho tiempo, con una línea de guitarra y bajo extremadamente simple. Quería que sonara directamente de un álbum de Niall Horan o Taylor Swift. La forma en que la música ha evolucionado hasta lo que es hoy realmente refleja mi crecimiento», explica la artista.
Por último pero no menos importante, tenemos a Nameless Ghost, quien desde el corazón de Canadá, nos ha sorprendido con la llegada de su primer álbum «Under the Surface». Un trabajo debut autoproducido que nació de las recientes luchas contra la pérdida personal y la salud mental. Siguiendo la orgullosa tradición del indie DIY (Do It Yourself), Dave Coleman produjo, grabó e interpretó todo él mismo en su casa. Para las tareas de masterización, contó con la ayuda de Todd Tobias, conocido por su trabajo con las leyendas del lo-fi Guided By Voices y el cantautor indie folk Kramies. En este sentido, «Silent» fue el tercer y último sencillo antes de la publicación de este disco que tantas alegrías le traerá. «Fue la primera canción que escribí para el LP y fue el resultado directo de la pérdida de un ser querido. La escribí muy poco después, así que las emociones aún estaban en carne viva, lo que creo que se refleja en la letra», explicaba al respecto el propio artista y compositor.
Hemos tenido que poner «Mal de Ojo» un par de veces para asimilar que estábamos escuchando a Anaju. No porque no nos haya gustado, sino por el gran salto sonoro que ha supuesto este tema para la artista de Alcañiz. Más si la única referencia previa que teníamos de ella era «Mood», su gran EP de debut que vio la luz en 2020, muy poco tiempo después de su paso por Operación Triunfo. Quizás sea hora de asumir que la artista que conocimos ha crecido, ha evolucionado, ha cambiado. Así lo demuestra ella y así lo demuestra su música. Y nosotras no podemos estar más felices, porque si este ha sido el primer avance, no queremos imaginar todo o que aún está por llegar.
Con respecto a esta nueva canción, la propia compositora se ha querido pronunciar: «Ay mi morenita y la melodía principal llevaban tiempo clavadas en mi mente, así como escribir sobre la mala fortuna de una mujer que ha adquirido la maldición del gato negro. Mal de ojo lo enlaza todo y es una ventanita que se abre a mi nuevo proyecto. Ha sido un largo viaje hasta aquí, así que espero que disfrutéis de las vistas». Justo el contexto que necesitábamos para entender el cambio que dará su proyecto, que girará en torno a la espiritualidad y la fortuna, jugando con el concepto a través de la luz. Aunque si bien es cierto que en esencia sigue siendo ella, fiel y comprometida, leal y verdadera.
Una joya musical, que ha llegado acompañada de una increíble pieza audiovisual, dirigida por Esther G. Mera y producida por Topocolectivo. Un videoclip que nos adentra aún más en ese ambiente inhóspito y desolado que visibiliza la propia letra, la propia canción. Y es que como ella misma reza, «la maldición no se quita».
El primer paso de un largo viaje que no hace más que continuar y adentrarnos en una nueva Anaju, repleta de nuevas aspiraciones y sueños. Y es que «Mal de Ojo» es el primer adelanto del que será su nuevo álbum, que llegará a nuestras vidas durante 2023. Un álbum en el que la artista y compositora ha trabajado mano a mano con Carles Campi Campón (Vetusta Morla, Xoel López o Jorge Drexler) a la producción. Es así como culminará con dos años de búsqueda, introspección y redifinición del proyecto musical. ¿Alguien más igual de emocionadas que nosotras?
