Nuestra guía, esa estela a la que seguir en los días más grises y oscuros. Así ha llegado a nuestras vidas la banda madrileña Burdeos, que comenzó su 2023 de la mejor manera posible. «Llévame…» es nuestro desde finales de enero, como continuación más que necesaria de su iniciático álbum «Puntos de equilibrio» (2019) y de aquellos primeros EPs «Burdeos» y «Perfiles» (2018). Todo un viaje con turbulencias, pandemia mediante, que los ha traído al momento en el que nos encontramos, en el que la calma parece ponernos a todos de nuevo en nuestro lugar. Y su lugar es aquel que tenga un escenario. Tal es así que este mismo viernes 3 de marzo, estrenan su nuevo trabajo discográfico en el Panda Club de Madrid. Una cita ineludible para todos los amantes de la música, pero también para ellos, que pondrán la guinda a esta carrera que comenzó allá en el año 2017. Una cita ineludible para la que todavía quedan entradas aquí.
El principio, esperamos, de toda una gira que esperamos que los lleve por multitud de ciudades de nuestro territorio, igual que ya lo hicieron los trabajos anteriores. Las ganas, al menos, no nos faltaran. Y es que este «Llévame…» de los Burdeos es la combinación perfecta de guitarras eléctricas y ritmos potentes, con estribillos melódicos y letras sencillas pero llenas de significado. Siete canciones que nos trasladan constantemente a aquel hipotético lugar en el que sentirse bien. Aquel lugar que convertir en hogar y en espacio de seguridad. Siete canciones que han sido grabadas en Estudios Uno, bajo los mandos del reconocido productor Fernando Montesinos.
En sus pocos meses de vida, «Llévame…» ha tenido una gran acogida y ya suma más de 50 mil reproducciones en plataformas digitales, apareciendo en múltiples listas. Sin duda alguna, un álbum con el que regresan de lleno, más que preparados para girar por las salas y festivales de todo el país.
Fue un poco antes de que acabara el año cuando descubrimos a la artista y compositora benidormense Nuria López. Por aquel entonces acababa de presentar la primera parte de su historia, un relato que pudo haber sido pero no fue. Y es que sí, con «Lo que podría haber sido» nos abrió las puertas de su mundo repleto de matices y de sonoridades. Pero es que con «Y no fue» ha terminado por lucirse y emocionarnos. No es para menos cuando una obra conceptual como la suya, tiene tanta verdad y realidad detrás. De la mano de su productor El Migue y del sello Ninenty Flavors, la alicantina ha dado vida y forma a todo su universo sonoro.
Un universo que nos hace viajar a través de la historia de amor de los dos personajes principales – representados por una estrella y una nube en cada una de las portadas de las canciones -, para posteriormente mostrarnos que cualquier cuento tiene su cara B: surgen problemas difícil de afrontar, comienza la guerra fría, la necesidad de alejarse y, cómo no, también el desamor. Pero como todo, después de la tormenta, siempre llega la calma. Por fortuna, en estos casos, solo necesitamos que pase el tiempo para poder echar la vista atrás sin que nos duela, aunque la añoranza siempre se mantenga. A lo largo del tiempo y de la distancia.
En medio de toda esta vorágine de sentimientos que nos han causado «Lo que podría haber sido»«Y no fue», hemos tenido la oportunidad de charlar largo y tendido con la propia Nuria López. Fue ella quien nos desveló todos los detalles sobre su proyecto musical y sobre estos dos EPs que ha presentado recientemente. Si queréis saber todo lo que nos contó, solo tenéis que darle al play y disfrutar de la entrevista al completo. ¡Nosotras la disfrutamos muchísimo!
Hay artistas que tienen tanta verdad detrás de ellos que hasta asusta. Hay artistas que son capaces de llevar al límite los géneros musicales y fusionarlos con una facilidad tremenda. Hay artistas cuyas referencias sonoras y líricas dan tanto la vuelta al mundo, que tienden a confluir en algún punto de su vida. Y entre todos estos pequeños grandes limbos, se encuentra el dúo musical Triana y Luca, quienes nos han enamorado por completo desde la primera escucha que nos han regalado. Productor de todo este trabajo constante, ha nacido su nuevo sencillo «Raíz». Una canción muy íntima y especial, que cuenta una historia sobre emigración y que baila libre entre el acoustic, el chamber folk pop y el indie folk. Del mismo modo, igual que ha visto la luz la versión original de este tema, también hemos podido escuchar la sesión acústica y grabada en vivo y en directo, sin ese cuarteto de cuerda que acompaña en la primera que escuchamos.
De esta manera, los dos artistas radicados en Países Bajos nos preparan para la llegada de su EP de debut, que verá la luz durante el verano, gracias a la colaboración que se han marcado mano a mano con Mike Butcher a la producción. De hecho, «Raíz» ha sido la primera canción del mismo. Y es que durante todo este tiempo Triana Segovia y Luca Vaillancourt han estado trabajando por encontrar un sonido propio, a medio camino entre la ranchera mexicana, el jazz y el flamenco. También se han curado mucho en vivir experiencias de todo tipo, que les sirvieran para plasmar en nuevas composiciones. Y es que sí, cuentan con una amplia trayectoria en directo, tocando en múltiples salas de conciertos de Luxemburgo, Holanda, España y Portugal. Además de haber sido seleccionados para actuar en diferentes festivales y de haner ganado múltiples galardones.
Pero calma, porque de todo esto y mucho más, nos hablaron ellos mismos hace apenas unos días. No os perdáis la entrevista que les hicimos.
Desde el corazón de Suiza llega Imelda Gabs a ritmo de pop. Un pop pegadizo, del que es capaz de atraparte hasta la médula. Con un sonido actual y un estilo que se sale de lo común, la joven artista nos ha presentado sus dos primeras canciones «Fallen Angel» y «Alter Ego». El inicio de un increíble recorrido musical, que pronto se saldará con nuevas composiciones y también con nuevo trabajo discográfico. Pero mejor dejemos que sea ella quien nos cuente todos los detalles sobre su proyecto musical.
¿Quién es Imelda Gabs y cómo se inició en el mundo de la música?
Soy una artista y productora independiente belga y congoleña, afincada en Suiza. Empecé a tocar el piano a una edad muy temprana, aunque enseguida empecé a cantar y escribir mis propias canciones. Tuve mi primer espectáculo en directo en Bruselas a los 14 años, ¡y desde entonces nunca he dejado de actuar y producir música!
«Reckless» ha sido la última canción con la que nos has sorprendido a todos. ¿Qué significa para ti y cómo nació?
«Reckless» es una canción sobre la pasión y el amor desinteresado. La escribí en un momento en el que tenía muchas dudas, sobre mi música y mi carrera. Lanzarla fue muy vulnerable y a la vez empoderador, me permitió expresar esos sentimientos profundos, y también avanzar desde ellos para abrir un nuevo capítulo.
¿Cómo ha sido la acogida de esta última canción y cómo recuerdas el proceso creativo?
Tanto la canción como su vídeo fueron muy emocionantes de trabajar, y ver que fue recompensada así por gente de todo el mundo fue realmente reconfortante y alentador.
¿Cuáles son las principales influencias sonoras de Imelda Gabs?
Siempre me ha gustado escuchar muchos géneros musicales diferentes, como el soul, la música electrónica, el pop y el rock. Algunos de los artistas que he estado escuchando últimamente son Caroline Polachek, Tove Lo, Sevdaliza o Kimbra, aunque podría nombrar muchos más.
Y líricamente, ¿de dónde sacas la inspiración para dar vida y forma a tus nuevas canciones?
La mayoría de mis ideas líricas las saco de mis experiencias vitales, relaciones o viajes. Cuando estoy fuera de mi zona de confort es donde más inspiración encuentro.
Debutaste en 2020 con tu primer «Fallen Angel» y luego lanzaste «Alter Ego». ¿Qué han significado estas canciones para ti y cómo ha evolucionado Imelda desde entonces?
Allá por 2019, cuando empecé a trabajar en mi proyecto en solitario, nunca hubiera imaginado cómo iba a ser 2020, sobre todo en lo referente a la pandemia. Tuve que revisar mis planes iniciales, pero aun así sentía que tenía que lanzar algo para empezar oficialmente este nuevo capítulo, y así surgió «Fallen Angel». Como la situación seguía siendo bastante confusa el año siguiente, aunque tenía bastantes canciones preparadas, volví a lanzar otro sencillo, «Alter Ego». Al final, esos dos años y singles me permitieron apartarme un poco y tomarme realmente el tiempo necesario para trabajar en mi proyecto y crecer como artista, por lo que estoy muy agradecido.
De hecho, el videoclip de tu primera canción («Fallen Angel») destacó y llamó mucho la atención, ganando varios premios. En este sentido, ¿qué importancia tiene la imagen en el proyecto musical de Imelda Gabs?, ¿cómo se construye toda esta identidad visual?
Los visuales siempre han sido una parte importante de mi proyecto, siempre completan mi visión general a la hora de escribir el tema. Me gusta escribir y producir arte que pueda tener varias lecturas dependiendo del oyente u espectador, ¡además me encanta el reto!
¿Es cierto que tu álbum de debut está en camino, ¿qué puedes explicar al respecto?, ¿cómo va el proceso?
Por supuesto que sí. Producirlo ha sido realmente una de mis experiencias más desafiantes y reveladoras, ya que he aprendido mucho sobre mí misma por el camino. No veo la hora de estrenarlo en unos meses.
Más allá de eso, ¿cómo se presenta 2023 y cuáles son tus próximos pasos?
2023 se presenta como un nuevo capítulo, lleno de grandes cambios y, muy probablemente, de crecimiento como artista y como mujer, ya que dentro de unas semanas cumpliré 25 años y poco después publicaré mi álbum de debut. Estoy deseando ver qué me depara este año.
¿Qué canción tuya identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?
Tengo una canción llamada «New Beginning» que escribí hace algún tiempo. Todo está en el título: un nuevo comienzo, un nuevo capítulo, que encarna plenamente el lanzamiento de mi primer álbum.
Por último, para hacer honor al nombre de nuestro medio, ¿cuál es la verdadera locura que has cometido por la música?
Mi pasión por la música me ha llevado a lugares a los que nunca habría ido, me ha hecho viajar por todo el mundo para dar vida a mis visiones, ir más allá de mis límites, aprender nuevas formas de crear, construir los proyectos más locos con otras mentes dementes con las que nunca pensé que me cruzaría. Así que la verdadera locura probablemente sea ser artista en sí mismo… ¡pero no me arrepiento ni un ápice!
No existe una sensación mejor en el mundo que la de ir de concierto, más si las bandas que vas a ver tienen tanto talento y tanta proyección como la que tienen The Magic Mor. y Henko Desde lugares diferentes de la península y con muchas cosas que contar, mañana se encontrarán sobre el escenario de el madrileño Café La Palma este mismo jueves 23 de febrero. Contando las horas para que llegue este gran momento, en el que ambas formaciones musicales muestren todo el despliegue de medios y potencia que tienen. Además, ambas están más que dispuestas a presentar el nuevo material que se traen entre manos. La verdadera pregunta es, ¿estáis vosotros preparados para verlos? Todavía quedan unas pocas entradas en la plataforma de venta de entradas, dice.fm.
Desde el sur, The Magic Mor es una de esas bandas rara avis del panorama alternativo nacional que destacan por no dejarse encasillar en ningún estilo y que se caracterizan por la búsqueda continua de nuevos sonidos, pero sin perder ni un ápice de su esencia y personalidad. Tras debutar en 2015 con su primer trabajo discográfico «The Magic Boooooom» y seguir la estela poco después con «Move The Lines to Make Circles» (2018) y «Abstract Minds in Complex Mazes» (2021), ahora se disponen a pegar el gran salto definitivo. Y es que, a punto de presentar su cuarto álbum de estudio «Retrato de amor primitivo», se han atrevido con el castellano. Unas nuevas canciones que están en camino y que nos adelantarán mañana en vivo.
Por su parte, desde Ciudad Real llegan Henko para mostrar a su público todo el arte que se cuece en la Mancha. Difícil de explicar, fácil de escucharlos y adentrarnos en su particular universo sonoro repleto de matices. Los conocimos con su recién estrenada canción «El carro de las tormentas». Una canción que nace de un puro acto de rebeldía contra el mundo exterior, pero también contra uno mismo. Una canción de respeto hacia nuestra propia persona que, además, nos invita a mutar y a transformarnos constantemente. Una canción que podremos escuchar mañana en directo, junto a los grandes himnos que nos ha ido regalando el grupo durante todos estos años, especialmente desde su debut en 2018.
Si en pleno 2020, con toda la que estaba cayendo, sorprendieron con la llegada de su primer álbum «_BCN626», ahora _juno se decide a dar un paso al frente. Y lo hace de la mejor manera posible, presentando su segundo trabajo discográfico. De hecho, fue el pasado viernes 17 de febrero cuando llegó a nuestras vidas «_BCN747». Un disco más que necesario que, en breves, comenzarán a rodar en directo. Un gran nivel escalado en este proyecto musical, impulsado por los siempre imprescindibles Zahara y Martí Perarnau IV, con quienes tuvimos el placer de charlar hace algunos días.
Antes de empezar, ¿cómo estáis ante el reciente estreno de «_BCN747».
Martí. La verdad es que estamos muy contentos y felices. Yo hacía tiempo que no sacaba disco y no recordaba esta sensación. Además, creo que este es el disco más bonito que he sacado nunca.
Zahara. ¡Ay, qué guay! Es que claro, el anterior disco de _juno, entre el misterio con el que lo lanzamos, que fue sin previa y sin nada, y que luego cuando quisimos hacer promo, llegó la pandemia.
Martí. Sí, total, hicimos muy pocas entrevistas y no tuvimos sensación de nada, porque apenas pudimos hablar con nadie. Sin embargo, ahora, sí que estamos haciendo firmas de discos y está siendo muy guay. También hace cosa de un mes, pudimos poner «_BCN747» en tiendas de vinilos de la península. Pero en Marilians pudimos estar nosotros con unas 80 personas que vinieron a escucharlo. Y entonces les pudimos explicar nuestras historietas y comentamos canción por canción. Ese día fue increíble y precioso. Me está gustando que nos digan que les está gustando nuestro disco.
Es que es un discazo, de hecho, tendría dilema para escoger canción favorita.
Z. ¡Qué guay! Muchas gracias, de verdad.
M. A nosotros también nos pasa lo mismo. Aunque supongo que es normal que nos pase [risas].
Z. Al final es que terminas queriendo las canciones como dedos de las manos, a mí me pasa eso. Puedo pensar que al meñique lo quiero menos, pero no.
M. Es que ojo, tienes un día tonto con el dedo meñique [risas].
¿Cómo fue y cómo recordáis todo el proceso creativo de «_BCN747»?
Z. Tú mal, porque no lo recuerdas [risas].
M. Es verdad, es verdad. Yo tengo problemas para recordar los momentos guays de la vida. Después, las cosas que no importan, como las ciudades que hemos visitado, los hoteles en los que nos hemos quedado y las rotondas por las que hemos pasado, de eso me acuerdo de todo. Tengo flashes de la composición, pero sí que recuerdo de estar los dos al piano, en tu casa escribiendo las letras. Me acuerdo que hubo canciones que surgieron muy fácil, rollo tocar los acordes y que surgieran al pispás. Como por ejemplo, «Anikillación» o «Cuando llegué, yo ya estaba aquí». Habíamos hecho muchos discos con ordenadores en nuestra vida o incluso tocando en directo. Pero nunca había hecho uno tocando el piano o la guitarra y componiendo desde cero. Así que ha sido como hacer temas de una manera muy sencilla o muy tranquila.
Z. Hemos sido muy felices haciendo este disco, especialmente después de venir de un disco como «Puta» que, al menos en mi caso, fue como un proceso muy largo y complejo en todos los aspectos, llevándonos al límite de nosotros mismos. Sin embargo, con «_BCN747» ha sido todo lo contrario. Escribir con los instrumentos o hablar de los viajes, aunque los textos después sean tan pesimitas o el tono del mensaje tenga tanta crítica y tanta rabia. Creo que, en realidad, no éramos conscientes de que estábamos tan cabreados creando, porque gozamos mucho mientras lo hacíamos. Era como «se está destruyendo el mundo, lo odiamos, el sistema es una mierda, ja ja ja, cómo río, me encanta» [risas]. Había mucha felicidad en el proceso y está impregnada ahí.
M. Yo creo que se nota que estamos disfrutando o, al menos, quiero creerlo.
Quizás sea por el momento en el que fue creado. Hablas de lo complejo que fue crear «Puta», pero al final ese disco es muy vivencial. E imagino que cambia mucho la visión cuando estás tú en primera línea o cuando vives las situaciones desde fuera.
Z. «_BCN747» también tiene nuestras historias, pero el hecho de vivirlas, compartirlas, escribirlas y producirlas todo el rato juntos, a mí me quita un peso grandísimo y me permite hablar de cosas que, a lo mejor en mi proyecto, ni siquiera lo hago, porque estoy atrapada por mi propio deseo de hablar sobre mí. Eso hace que ponga el foco sobre mí y sobre mis necesidades, porque quiero y lo necesito. Pero claro, en _juno es completamente diferente y también mucho más divertido. Además, yo confío mucho en Martí, me encanta cómo piensa y me flipan sus ideas, sus armonías, sus letras. Y ver cómo ve, cómo vive, cómo afronta o cómo escribe sobre las mismas situaciones que yo, a veces de manera muy parecida y otras de forma totalmente opuesta, me parece fascinante. Eso me hace pensar: «qué guay cómo le ha dado más empaque, más profundidad y cómo se lo ha llevado a un terreno al que yo no he sido capaz de llegar». A mí me parece un privilegio poder hacer una canción y no solo tener que usar lo mío, porque me parece que puede ser limitante.
M. Total, de hecho, a mí me pasa lo mismo pero al revés. Yo creo que esa admiración mutua que tenemos, se nota mucho. Es una suerte tener un grupo al 50% y admirar al otro miembro de la banda. Supongo que tiene que ser así.
Las canciones de este disco son relatos de viajes, fotografías de ciudades que habéis visitado, conciertos que habéis dado. También hay mucha crítica en ellas. Y, si no me equivoco, algunas de ellas están compuestas antes y después de la pandemia. ¿De qué manera os han cambiado todas estas experiencias y cómo os ha ayudado poder cantarlas?
M. Ostras, ¡qué difícil! Creo que nacen en el momento en el que podemos salir de nuevo y que nosotros nos vamos poniendo estas aventuras en forma de viaje. Es en ese momento, que empezamos a decirnos a nosotros mismos que podemos salir e ir a raves, disfrutarlas y descubrir la música electrónica, que aunque la conocíamos muy bien, no habíamos tenido experiencias con ella hasta después de la pandemia. De alguna manera, ha sido como una búsqueda de nosotros mismos: salir de la pandemia, salir de un disco como «Puta», econtrar qué había ahí fuera y crear nuevas canciones después de esa vorágine. En definitiva, encontrar si había algo que contar, porque muchas veces te aventuras a hacer un nuevo disco sin saber qué explicar. Y al final, resultó que todo comenzó diciendo que nos lo habíamos gozado viendo a Dixon. Luego ya empezaron a suceder más cosas, vinieron más viajes, tuvo lugar la gira de Zahara en México [risas]. Fue ahí cuando ya empezamos a forzarnos un poco más y decirnos: «llevamos las cámaras de fotos, vamos a fotografiar todo esto». Fue ahí cuando comenzamos a poner las ciudades que visitábamos como posibles futuras canciones.
De hecho, ahora que comentas lo de las fotos, leyendo el manifiesto y viendo el propio diseño del disco tan analógico, ¿cómo ha sido vivir el proceso de esta manera y llevarlo como tan al límite, trasladándolo al plano más visual?
Z. Cuando empezamos a hacer esos viajes iniciales que no estaban planificados y que inspiran las primeras canciones («_SCLHR» y «_LHR410»), estábamos convencidos de que el disco iba a tratar sobre Londres, porque la ciudad estaba muy presente. Pero es cierto que, a la par, surge mi gira en México y ya luego, planificamos Los Ángeles y San Francisco. Fue entonces cuando supimos que queríamos hacer canciones de esos lugares. Por eso, fuimos con las cámaras y con los móviles para grabar vídeos, intentando fijar todo eso que estamos viendo y que queremos que se nos quede impregnado, para luego escribir sobre ello y materializarlo. Sí que es cierto que la primera vez fue casual, porque en el primer viaje a Londres, visitamos Camden y yo quería comprarme una cámara analógica, porque hacía mucho tiempo que no tenía una. Fue cuando revelamos el primer carrete y vimos esas imágenes, que nos gustó lo que vimos y pensamos utilizarlas para _juno. Fue un: «estas fotos están hechas en el mismo momento en el que hemos contado esta historia, pues vamos a hacerlo siempre». De hecho, la portada del disco la escogió Emilio Lorente, que es un genio, y a nosotros nos encanta, porque es una imagen que creemos que nos representa, porque es una foto de una foto y está tomada como desde los dos ángulos. Y al final, es algo que nos pasa constantemente con el proyecto. Queremos hablar de los demás, pero hablamos de nosotros. Criticamos lo de fuera, pero también criticamos lo que somos. Es un viaje como de ida y vuelta. Que es lo que nos pasaba con las fotos, que al final son todas de nosotros: fotos que le hacía yo a Martí y muchas otras que me hacía él a mí.
Por hacer un poco de contraposición con «_BCN626». Sé que nacen en momentos diferentes, el primero es mucho más intimista y este segundo es como más liberador. Pero más allá de eso, me gustaría saber de qué más maneras ha evolucionado _juno y cuál es el mayor aprendizaje que os lleváis de este proceso.
M. Es que yo me siento muy afortunado, porque creo que vivimos en un aprendizaje constante. En el primer disco, en _juno aprendemos a grabar porque, básicamente, vamos a La Casa Murada con nuestro ingeniero Ángel, aunque a pesar de todo, estuvo muy hecho por nosotros dos. Igual que «Puta», que llegó justo después. También aprendimos muchísimo en los conciertos posteriores. Es como una especie de rueda sin fin [risas].
Z. El mayor aprendizaje, en concreto, fue aprender a mezclar.
M. Sí, totalmente. Bueno y que producimos mano a mano, sin que ningún ingeniero estuviera con nosotros. Además, hicimos de tu casa nuestro estudio.
Z. La verdad es que ha sido muy guay hacer las canciones así. Lo aprendimos a hacer en el anterior disco en La Casa Murada, precisamente, con la canción que se llama «Casa Murada», que la compusimos allí como una especie de metahistoria. Y, la verdad, es que la experiencia nos gustó mucho, tanto, que es una de nuestras canciones preferidas. A nosotros nos cambió el chip y la manera de hacer las cosas, hasta el punto de que con este nuevo álbum, lo hemos llevado al límite. Hemos aprendido a quitarnos la vergüenza, o al menos, la poca que nos quedaba. Lo que no sabemos es si habrá más, eso es algo que me asusta: descubrir que hay una vergüenza más que desconocíamos y que nos hemos quitado. Aquí hemos sido muy fuertes, a nivel de despelote artístico, de escribir nuestros textos y de después leérnoslos como si fueran una redacción. Y si había que cambiar o arreglar algo, ser capaces de hacerlo juntos. Lo mismo pasó con las melodías y las armonías. Ese es un aprendizaje que me llevo ya para toda la vida.
M. Además, nos sentimos muy poderosos porque saber mezclar y saber hacer discos desde el primer acorde hasta que lo entregas en mastering, pues la verdad es que nos hace pensar que cualquier decisión que tomemos en el futuro será puramente artística y no porque no sepamos hacerla. El tener la absoluta independencia. Que si, en algún momento, alguien tiene que mezclarnos, que lo haga porque así lo hemos decidido y no porque nosotros no seamos capaces. Así que, enhorabuena [risas].
Hay una cosa que me da mucha curiosidad preguntaros, los dos discos llevan las siglas BCN. ¿Qué le pasa a _juno con Barcelona?
M. Hemos venido mucho [risas].
Z. No, la verdad es que el primero surgió así. El proyecto nació con una canción que hablaba de aquí y la canción «_BCN626» fue muy importante y sentíamos que el disco tenía que llamarse así. Este segundo iba a llamarse «_LHR410» y durante un tiempo fue así, pero nos dimos cuenta de que también eran las siglas de La Habitación Roja, que son muy amigos, pero claro, no lo vimos oportuno, porque ellos muchas veces tocan y ponen LHR. Así que, aunque nos encantaba Londres, vimos que no iba a poder ser el nombre del disco. Y que, además, luego nos dimos cuenta de que este, no era el viaje. Sí que nos gustaba pensar que, casualmente, la habitación en la que nos quedamos cuando vinimos a tocar a Barna con _juno era la 747, donde nace esa canción. Y nos hacía gracia subir de habitación, como si con este nuevo disco, hubiésemos subido una planta. Es más, es que también nos parece un número maravilloso, como si fuese un avión que nos permitía volar por el mundo y descubrir las otras ciudades que luego vimos. También nos parecía una hora inspiradora, porque ya que pensamos que merecemos la aniquilación y cuando morimos, quedamos en un limbo. Justo este limbo es una rave donde está pinchando Dixon y las 7:47 nos parecía una buena hora para que el DJ despidiera la sesión, ya que a las 8:00 chapan el garito.
M. Nos pareció muy poético estar a las 7:47 de la mañana atrapados en una rave [risas].
Z. Era mucho más potente y coherente de lo que al principio imaginamos. Se nos ha revelado todo.
M. Totalmente, las cosas van cobrando sentido de esta manera.
Z. Así, como broma, que se llamen casi igual, me parece maravilloso [risas].
M. A mí también, la verdad [risas]. De hecho, flipamos, porque cuando los vimos juntos en plataformas digitales, quedan preciosos los dos discos juntos. Parece que estén pensadísimos.
Ahora, con el disco en la calle, es hora de presentarlo en directo y, de hecho, ya habéis anunciado las primeras fechas de presentación.¿Cómo os preparáis los directos?, ¿hay algún pequeño spoiler que nos podáis hacer?
M. La preparación es digna de saltar por un puente, porque está siendo extenuante [risas]. Como lo hacemos todo en directo y no llevamos ni cosas pregrabadas ni portátiles, llevamos ensayando bastante tiempo. Así que parte del ensayo, se nos está yendo en preparar y en crear el ambiente adecuado a nivel de conexiones, que esto parece súper aburrido. Pero es que queremos tener todos los efectos a nuestra disposición, para poder expresarte musicalmente. Entonces llevamos como dos semanas, tres, un mes. No sé. Pero lo queremos tener todo muy atado para poder expresarnos con libertad y que no haya ninguna historia. El show a nivel visual también lo llevamos preparando mucho tiempo y la idea es coger la gira donde la dejamos con el primer disco, ya que para nosotros fue un poco corta, pero bueno, es que nos pilló la pandemia y pasaron ciertas cosas que todo el mundo sabe. Partir de ese escalón, llevarlo mucho más allá e invitar a la gente a un viaje musical, que sucede casualmente a las 7:47 de la mañana.
Z. Sea la hora que sea, queremos que cuando los espectadores entren a nuestro concierto sean las 7:47 de la mañana todo el rato y que se olviden un poco de lo que suceda fuera. Queremos que se sientan como en una especie de limbo, que puedan dejarlo todo atrás y que disfruten del viaje sónico y visual. Ojala nos salga bien, porque lo que hemos imaginado es maravilloso.
M. Sí, totalmente. De hecho, hemos elegido lugares adecuados para ello, muy proclives a la introspección, a la oscuridad y al dejarse llevar. A ver si nos sale bien, tengo un poco de nervios, la verdad.
Z. Yo ahora mismo, no sé nada. Llevamos tanto tiempo, que no recuerdo nada, no sé tocar ninguna canción, ni cantar ninguna [risas].
M. Nos hemos dado cuenta de que las canciones del disco serán difíciles de cantar, porque como son completamente nuevas. Hay que descubrir cuál es la mejor manera de tocarlas y de cantarlas para que funcionen.
Queda una última pregunta, con la que me gusta terminar siempre, conectando así con el nombre del blog y es, ¿cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?
Z. La música en sí misma es una locura, montar un sello.
M. Dejar la vida entera, no sé.
Z. Claro, abandonar todo lo demás.
M. Sí, con esto de la música, se pueden perder muchas amistades y muchas cosas de la vida. Pero, bueno, a mí me encanta.
Z. Yo me he dado cuenta de que no tengo ni un minuto libre para quedar con personas con las que no esté trabajando, porque no tengo hueco. Si alguien me lo contara y lo analizara fríamente, me parecería un locurón. Pero es que realmente, yo busco huecos libres en el calendario para dedicarme a hacer música, porque es lo que me apetece hacer cuando tengo tiempo. Es como una especie de amante al que quiero ir a morrear cuando la vida me deja [risas]. Porque es lo que me apetece hacer. Cuando me lo oigo decir, suena raro. Me tengo que pedir citas, para quedar conmigo [risas].
Si hay algo que nos ha sorprendido de Anaju es esa capacidad de reinventarse con cada canción que publica. Tanto, que parece que queda ya muy lejos aquel iniciático «Me iré», del que han pasado ya casi tres años. La realidad es que hoy, estamos procesando todavía el nuevo temazo que se ha marcado con «Manto de flores», en la que ha estado acompañada por el compositor y productor Menend, «un artista y amigo a quien admiro y con quien he tenido el placer de trabajar en este nuevo proyecto», explica la autora. La otra cara de la moneda y la voz que faltaba para hacer que este hit quedara redondo.
Con destellos electrónicos, pero sin perder ni un ápice de su esencia y de su timbre de voz tan característico, la de Alcañiz se ha superado con esta nueva composición. Estremecimiento continuo y emociones a flor de piel, que iban in crescendo con cada escucha que hemos sumado. Y es que el mensaje que acompaña es poderoso, a la par que desgarrador. Para ello, se ha rodeado de todo un equipo de lujo, formado por Maximiliano Calvo, Javier Toledo, Carles Campi, Pau Vehí y la mismísima Anaju en la creación de la música, y Leticia Sala ayudando en la composición de la letra. «Al pensar hasta dónde es capaz de llegar alguien para volver a entrar en tu vida, me acordé de una hermosa tradición en mi tierra, la ofrenda de flores a la Virgen del Pilar. La imagen de alguien cubierto por un manto de flores, tipo Midsommar, ofreciéndolas como una forma de pedir perdón, es simplemente impresionante», añade la autora.
De esta manera, la cantante aragonesa da un paso al frente y nos muestra la primera pieza de este engranaje, que nos llevará directamente a su álbum debut «Rayo». Un disco que contará con un total de once canciones que supondrán todo un viaje a través de su particular y enigmático universo sonoro y personal, y que contará con algunas colaboraciones como esta que acabamos de escuchar con Menend o la del artista argentino Maximiliano Calvo en «Agua maldita». Un disco que, más allá de todo eso, ha contado con la producción de Carles Campi Campón (ganador de varios Latin Grammy). Sin duda alguna, el paso definitivo que Anaju necesitaba. Un cambio de rumbo necesario que, por su parte, nos alejará de su primer EP «MOOD», con el que logró grandes hitos, además del de poder trabajar con grandes referentes musicales como Raül Refree o Zahara. ¿Alguien más como nosotras, deseando escuchar más, más y más?
Son la voz de toda una generación, tanto que sus canciones se han transformado en verdaderos himnos. Gracias a ese sello musical que suena tan a Veintiuno y las letras tan claras y directas de Diego, han recreado todo un imaginario sonoro que nos ha atrapado y enamorado. En este sentido, «A la orilla» ha sido la última y mágica píldora que han publicado. Bajando las revoluciones con respecto a sus anteriores «La ruina», «Escalofríos» y «La vida moderna» junto a Love Of Lesbian, la banda toledana ha viajado al pasado y ha hurgado en lo más profundo de sus recuerdos. Además, en esta ocasión, han contado con Ale Acosta de Fuel Fandango a la producción del mismo.
«Por nuestra ciudad pasa un río precioso, a pesar de lo mucho que se le maltrata. Y a su orilla hay un banco donde las chicas y los chicos vamos a fabricar recuerdos. La mayoría buenos, algunos no tanto. Para hacer el pequeño vídeo de la canción nos fuimos exactamente a ese banco, y llamamos a un montón de artistas toledanxs, amigas y amigos, para salir en él», explicaba la banda en sus propias redes sociales con respecto al videoclip de «A la orilla». Ese pellizco en el corazón y esa retrospección a nuestros «yo» del pasado. A aquella persona que un día fuimos, con la gente que nos acompañó durante este viaje que es la vida.
Un trabajo muy complejo de mirar hacia dentro y hacia atrás. Una necesidad constante de regresar al que un día fue tu hogar, al lugar en el que creciste. Un ejercicio complejo, pero también precioso, que los propios miembros de Veintiuno han tenido que realizar para dar vida a todas y cada una de las canciones del disco en el que están trabajando. Solo esperamos poder escucharlo en breves.
Eso sí, lo que sí que sabemos que podremos hacer en breves es ver a Veitiuno en directo. Y es que ahora, con 2023 ya arrancado, están más que dispuestos a dar el pistoletazo de salida a su gira «Ya no nos hablamos tour». Comenzarán este mismo viernes en la Sala X de Sevilla (24 de febrero) y seguirán por la Stage Live de Bilbao (11 de marzo), la Sala Salamandra de L’Hospitalet dentro del Let’s Festival (17 de marzo) o la Mon Live de Madrid donde han agotado entradas (18 y 19 de marzo), al igual que lo han hecho en el Loco Club de València (15 de abril). Una vez realizada este pequeño tour de salas, llega el turno de los festivales como el Palencia Sonora (del 8 al 11 de junio), el Festival de les Arts (10 de junio), el León Vive Festival (30 de junio), el Oasis Sound (1 de julio), el Boombastic (del 20 al 22 de julio), el Sonorama Ribera (del 9 al 13 de agosto), el Granada Sound (15 de septiembre), el Caudal Fest (16 de septiembre) y el Sum Fest (6 de octubre). Las entradas para todos y cada uno de los conciertos, están disponibles en su página web veintiunomusic.com.
Descubrimientos que llegan de manera inaudita y que, predeciblemente, ya se quedarán de por vida en nuestras vidas. El de Augusta Sonora es uno de estos casos maravillosos que, con cada canción que publican, te atrapan y te magnetizan por completo. Tal es así que hace apenas unos días, nos regalaron su segundo sencillo, su nuevo adelanto musical. «Colectivo suicida» ya es completamente nuestro y no podemos estar más maravilladas con esta canción. «Una contraposición superpuesta de dos elementos claros: una musicalidad y melodía pegadizas y divertidas, en contrapunto con uno de los mensajes más claustrofóbicos del futuro disco. Perfecto para bailar roto por dentro. Un tema dulce y caótico. Un disparo de luz», detallaba la propia banda el gran día del lanzamiento.
Agónicamente divertido o tal vez divertidamente agónico, esta nueva canción ha llegado acompañada de un espectacular videoclip, dirigido y producido por Dacio de las Heras. En este sentido, Valladolid se ha convertido en el mejor escenario posible para ello. Tanto, que los estudios Valenti Sonido ha sido el lugar escogido para esta ocasión tan sumamente especial y César Valenti – y todo su equipo – la persona elegida para recrear el escenario, los efectos y la iluminación del mismo.
Poco a poco, va quedando menos para descubrir este nuevo álbum que está preparando y que será definitivamente nuestro en el mes de marzo. Pero es que más allá de eso, también conocemos la primera fecha de presentación. Será, cómo no, en la ciudad natal de Augusta Sonora. Será el próximo 18 de marzo cuando aterricen en la mítica sala Desierto Rojo de Valladolid, donde estarán acompañados por la banda Vuelo Fidji. Una cita imperdible, enmarcada dentro del circuito del Conexión Valladolid, para la cual ya están las entradas disponibles en la plataforma Wegow. ¿Has comprado ya las tuyas o todavía te estás haciendo el remolón? Corre, venga, venga, antes de que terminen por volar todas.
Hi ha artistes que són capaços de fer tremolar tots els nostres fonaments, de canviar la nostra manera de sentir i d’enfrontar la vida. Hi ha artistes que són capaços de donar crear discos tan reals i autèntics, que ens toquen l’ànima i ens recomponen. Guineu és una d’aquestes autores i la seua última prova ha estat el seu darrer àlbum «Una sacsejada». Un treball discogràfic espectacular, que va veure la llum el passat divendres 17 de febrer i que, a ritme d’indie pop en català i actitud riot girl, ens fa viatjar a través del caos intern i els dubtes que l’envolten com a professional i com a persona. És un passeig per un grapat de situacions emocionalment complicades; un camí amb el cor ferit que vol abraçar els moments més incòmodes, acceptant-los i reconciliant-se amb ells. Un procés pel qual tots hem passat algun cop en la nostra vida i que, segurament, ens vindrà de luxe cantar i cridar a ple pulmó.
Una bona dosi de realitat, un crit desesperat assegurant que no estar bé sempre també és normal i que mai ningú ens ha ensenyat a gestionar les emocions negatives. «Una sacsejada» són deu cançons que pesen, però t’acompanyen i et conviden a ballar amb aquest sentiment de merda, encara que siga per a fer-ho una mica més lleuger. Uns sentiments que millor que estiguen fora que dins. Tal és així, que ara arriba el moment de presentar aquest recull de temes en directe. I és que enmig d’aquesta mar de novetats, ja sabem que gaudirem de Guineu en viu i en directe, en els escenaris del Café del Teatre de Lleida (10 de març), el Let’s Festival de L’Hospitalet de Llobregat (11 de març) o la Sala VOL de Barcelona (18 de març), entre molt altres dates encara per confirmar.
Així i tot, abans de donar el tret de sortida a aquesta gira de presentació, aprofitem per a parlar llargament amb la mateixa Aida Giménez aka Guineu. Voleu saber què ens va explicar? Doneu-li ja al play i gaudiu de tots els detalls d’aquesta nova etapa artística.
No hay nada como terminar de pasar lo que queda de domingo, tranquila en casa y sumergiéndonos en la música que nos regalan los nuevos proyectos musicales que conocemos. Hoy es el turno de cuatro artistas y bandas de los pies a la cabeza, que nos han enamorado completamente y con los que estamos en bucle desde que los escucháramos por primera vez. Hoy es el turno de hablar sobre Libby Reed, Julieta Rose, Stephen Henderson y Shadowbanned. ¿Quién nos acompaña en este viaje musical?
A pesar de su juventud, Libby Reed es una de esas artistas que no pasa inadvertida para nadie. Con un talento y una voz increíbles, recientemente nos ha sorprendido con la llegada de su nuevo sencillo «call it my sister». Una canción única y dinámica, que se adentra en el lado más vulnerable de su escritura de la joven compositora, discutiendo su miedo al abandono dentro de las relaciones. Si a eso le sumamos los elaborados arreglos de armonías, las voces de apoyo y el sensual solo de guitarra, tenemos un tema completamente redondo. El primer paso de su nueva era artística que, previsiblemente, continuará este 2023, alzando a la creadora estadounidense a lo más alto de la escena. Y es que Libby espera publicar este mismo año su segundo disco, como continuación clara de su primer «Heavenly Bodies» que vio la luz en 2021. Un iniciático proyecto de indie-pop alternativo de quince canciones que creó en el sótano de la casa de su familia en Syracuse. Un iniciático proyecto en el que adentrarse hasta el fondo.
Si el asunto va de aprender a amarse a una misma, Julieta Rose tiene la clave. Tal es así que la joven y prometedora cantante de Mexicali acaba de estrenar su nuevo sencillo «Amor propio». Con apenas 22 años ha mostrado una madurez extrema en esta canción, al hablar sin tapujos sobre la importancia de quererse, aceptarse y confiar en sí misma. Un mensaje que debería estar presente en nuestro día a día pero que, sin embargo, en muchas ocasiones olvidamos. Este es el mejor reflejo de quién es ella y del punto vital en el que se encuentra. Este es el mejor reflejo de todo su talento y dedicación. Además de ser el primer paso de todos los que dará en su carrera musical y es que, los más ansiosos pueden estar tranquilos. Tanto, que pronto nos sorprenderá con muchísimas más composiciones musicales y, ¿quién sabe? Puede ser que con algún que otro concierto también.
Cuando la estupidez humana no conoce límites, pero sin embargo, es capaz de hacernos reflexionar. Es en ese punto de la vida en el que surgen canciones como «Instafamous», el nuevo sencillo del artista y compositor hawaiano Stephen Henderson. Una canción que nos hace debatirnos entre el eterno dilema de: ¿publicar o no publicar en redes sociales? «La escribí intentando pensar cómo iba a explicarle a mi hijo de 5 años qué era exactamente Instagram después de que me respondiera a la pregunta más sencilla: ¿qué significa una marca de verificación azul?», explica el propio autor. Abordando la amplia gama de características de la plataforma mezcladas con dosis de terapia de autoconciencia, la canción se siente como el himno de la generación social. La misma que parece vivir enamorada de la atención, pero muriendo desesperadamente por la recompensa fácil de las redes sociales y del algoritmo. «Es una conversación que yo mismo estoy teniendo sobre mi propio dilema: como artista, las plataformas son mi vehículo para todo, pero como ser humano son demasiado adictivas y poco saludables», añade.
Seguimos con la estela de estos descubrimientos y ponemos el broche de oro hoy con Shadowbanned. Con un estilo y personalidad únicos, la banda es capaz de cantar emotivas historias sonoras, hilando capas y capas de sonidos. Cuartetos de cuerda, samples, pedal steel, voces humanas, cajas de ritmos, guitarras acústicas, sintetizadores, palabras. Todo un collage de emociones y sonoridades, que bien podrían recordarnos a otros artistas como Joni Mitchell, The Weeknd, HAIM, Massive Attack, New Order, Kacey Musgraves y Danger Mouse. Pero, ¿quién se esconde tras este adictivo proyecto musical? Pues se encuentra el productor y compositor Chris Sizemore, al que se une un elenco en constante evolución de vocalistas y músicos conmovedores de todo el mundo. Y el último regalo musical que nos ha hecho ha sido su canción «Field Of Dreams», la cual se ha sumado recientemente a «Lennon – McCartney» y «If I forget your face, love». El combo perfecto y el mejor final posible para esta publicación de domingo.
Cerraron 2022 con la publicación de su eléctrico y crudo álbum «No somos tu p**a banda de pop» y lo han empezado con su nuevo sencillo «Cocodrilo», mano a mano con David Summers y Rafa Gutiérrez de Hombres G. Una canción que se alza como la más importante de su carrera hasta el momento, no solo por la colaboración que conlleva, también por la historia que tiene detrás. Y es que está dedicada al padre de uno de los componentes de la banda, que falleció durante la pandemia. Desde luego, lo de Kitai es ya imparable. Lleva siéndolo mucho tiempo, pero ahora con muchísimo más motivo. Llegaron para quedarse y vaya si lo hicieron, todo a base de constancia, trabajo y esfuerzo. Y es que si alguien se merece tener un espacio dentro de la escena rock en español, son ellos. Pero sin duda alguna.
Ahora, la banda que pasó a la historia por conseguir el Récord Guinness tras estar tocando 24 horas seguidas en 2018 o por dar el primer concierto de rock en las nubes y desde un globo aeroestático el pasado mes de junio, está más que decidida a dar un paso al frente. Está decidida a que 2023 sea el año en el que continúen presentando todas y cada una de las canciones de su último trabajo discográfico, además de seguir dando bombo a sus grandes himnos. Tal es así que ya están preparados para hacer temblar todos los cimientos de escenarios como el de la Sala Sidecar de Barcelona (18 de marzo), la Sala La Paqui de Madrid (23 de marzo), la Confetti Playa de Alicante (25 de marzo), la Sala Karma de Pontevedra (22 de abril), La Movida de Mallorca (16 de mayo), la Sala Niágara de Santander (19 de mayo), la Ley Seca de Zaragoza (20 de mayo), el Conexión Valladolid Festival (30 de junio), el Planeta Sound Festival de Ponferrada (del 7 al 9 de julio) o el Moddermass Festival de Navarra (5 de agosto). La mejor manera de seguir con esa estela que ya han dejado a principios de año en países como México. Las entradas para todas estas fechas ya se encuentran disponibles en la plataforma Wegow. Pero ojo, porque esto solo acaba de comenzar y todavía quedan muchas más citas por confirmar. Si no, tiempo al tiempo. La gira Obreros del Rock acaba de dar el pistoletazo de salida y todavía queda mucho recorrido por delante.
