Si hay una personalidad que nos tiene completamente maravilladas es Rodrigo Cuevas. Hipnótico con nadie y talentoso a rabiar, el artista y compositor asturiano regresó a escena el pasado viernes 14 de abril con una canción que nos ha pellizcado el alma. Acompañado por iLe, firmó magistralmente este «Más animal». Casi tres minutos de declaración de intenciones, atrevida y tenaz a partes iguales. Casi tres minutos de adelanto, que no hace más que afirmar lo necesario que es dentro de nuestra escena musical, ya no solo como artista, también como activista cultural. Y es que nadie como él para aunar a la perfección tradición y vanguardia, electrónica y folclore, pasado, presente y futuro. Difícil también salir de su mundo, una vez consigues entrar en él y conectar en todos los sentidos.
Más allá de lo revolucionaria que ha sido esta canción, «Más animal» ha significado el primer avance del que será su nuevo álbum «Manual de romería» y con el que comenzará a girar a partir del mes de junio. La primera píldora de su nuevo trabajo, que no será más que la continuación de aquel iniciático «Manual de cortejo», con el que se diera a conocer. La primera píldora, que no es más que «un himno de sensualidad, vitalidad y poder», que pasa del desafío a la fiesta más absoluta en un abrir y cerrar de ojos. Por no hablar de ese espectacular videoclip que acompaña y que refuerza el potente mensaje del tema, una pequeña gran joya audiovisual que ha sido obra y arte del director Ricardo Villoria, colaborador habitual de Cuevas. Prisma pop y realzamiento del mundo rural, tal y como Cuevas nos ha acostumbrado hasta el momento. Esencia y personalidad en estado puro.
Ahora, con este himno ya en la calle y a la espera de este nuevo trabajo discográfico, no nos queda otra que ir pillando fuerzas para la gira de presentación que se avecina. Un tour que llevará por título «La Romería» y que dará el pistoletazo de salida el próximo 30 de junio en el Festival (a)phónica. Un tour que se extenderá hasta 2024 y que tiene previsión de cruzar al otro lado del océano. Ahí es poco.
Hay canciones que llegan para enquistarse y para repetirse en bucle una y otra vez dentro de tu cabeza. Un estado de ánimo constante en el que vivir. Un soplo de aire del que alimentarse. Eso es lo que nos pasa cada vez que escuchamos «Cumplo Condena», lo nuevo de Gabriel Parpusa. Una emotiva canción que nos invita a reflexionar sobre ese anhelo de reencontrarnos con aquello que amamos y que, inevitablemente, hemos tenido que dejar atrás. La combinación perfecta de letra llena de sentimiento y musicalidad contagiosa, en la que se unen mágicamente guitarras españolas, percusiones y batería con groove. Una canción que está llamada a convertirse en himno, sin lugar a dudas.
Un tema que forma parte de su último EP – que vio la luz el pasado 12 de abril – y que supone la mezcla ideal de influencias y referencias. Estilos que se mueven libres entre la copla, la rumba, la música disco o el soul, pasando también por la salsa y el son cubano. Géneros que, aparentemente, poco tienen que ver entre ellos, pero a los que Gabriel sabe cómo darles una identidad única y especial. Ahora, da un paso al frente y nos muestra el videoclip que ha preparado para este «Cumplo Condena». Una verdadera joya audiovisual en la que sigue mostrando su personalidad tan diferente. Un vídeo sencillo y natural, que fue grabado desde el mismo Palacio de Velázquez de Madrid, a cargo de los directores José L. de la Quintana, Juan M. de la Quintana y Carlos Halcón.
Y esta solo ha sido una pequeña muestra de todo lo que el propio Gabriel Parpusa es capaz de darnos, si no tiempo al tiempo. Sin duda alguna, se convertirá en uno de los nombres emergentes más importantes de nuestro año. Porque como él, no hay dos.
Es una de las voces indiscutibles del trap y de la escena urbana en general. La Zowi está aquí de nuevo con su nueva canción, llamada a convertirse en himno, como todo lo que crea y toca. Acompañada en esta ocasión por Samantha Hudson y Olivia Missy en el videoclip, la artista hispanofrancesa firma su hit «BITCH FEKA». Una bofetada en toda regla, un golpe en la mesa y una joya musical para muchos, que ha sido producida mano a mano por el archiconocido productor musical Lex Luger (quien también ha trabajado con personalidades como Waka Flocka Flame o Wiz Khalifa).
La mejor manera de firmar un regreso que ha durado demasiado tiempo. Tras tres años desde su anterior proyecto musical, nadie esperaba menos de ella. Una primera píldora, que no hace más que anunciar lo evidente: la inminente llegada de su nuevo álbum, «La reina del sur». ¿Y qué mejor manera de hacerlo que con una canción tan cruda y que representa tan bien la personalidad de La Zowi? Una metralleta de barras brillantes que bien podrían ser un manifiesto sobre poder y sexo. Una esencia que se traslada perfectamente al videoclip. Tres minutos de film, que bien podría estar dirigido y guionizado por los mismísimos Tarantino y Virginie Despentes.
Ahora, a expensas de que llegue, al fin, el nuevo álbum de la compositora, podemos anunciar a bombo y platillo que habrá oportunidad de verla en directo. Será este mismo sábado 22 de abril cuando arranque la gira en el Infierno Festival de Granada, para continuar inmediatamente por la Sala La Riviera de Madrid dentro del Sound Isidro (24 de mayo), el Vive Fest de Guadalajara (26 de mayo), el Sonar Festival de Barcelona (17 de junio), el Big Sound Festival de València (30 de junio), el Peñíscola From Stage (1 de julio), el Rolling Loud Festival de Portugal (del 6 al 8 de julio), el Fan Futura Fest de San Javier (29 de julio), el Neo CAAC de Sevilla (11 de agosto) y el Riverland de Arriondas (25 de agosto). El inicio de un 2023 de escándalo, si no, tiempo al tiempo.
Sentir que vivimos en una constante dualidad, enfrentando dos realidades aparentemente antagónicas, pero complementarias a su vez. Da igual el ámbito de la vida en el que nos encontramos, que el debate no deja de aparecer en múltiples momentos. Un hito que nos sucede a todos y que la banda de folk-pop The Son Of Wood han querido aprovechar para dar vida y forma al que ha sido su segundo trabajo discográfico, «Asfalto y cereal». Un álbum que baila libre entre la nostalgia, la crítica y la ambición. Todo mientras confronta y fusiona el mundo rural y el mundo urbano, a la par que realza el sentimiento de comunidad.
Un nuevo disco en la carrera de los salmantinos – después de que debutaran en 2019 con «Náufragos» – y que fue grabado el pasado verano en los Red Beard Studio (Alcalá de Henares), mano a mano con Héctor Trujillo a la coproducción. Persona imprescindible en este proceso, que los ha ayudado y guiado hasta culminar con este hilo conductor, en el que la ciudad y el campo convergen para afianzar la comunidad que tanto necesitamos. Porque seamos de donde seamos y vivamos donde vivamos, ¿qué sería de nosotros sin las personas que tenemos a nuestro alrededor?
Ahora bien, «Asfalto y cereal» ya está en la calle y es momento de presentarlo en vivo y en directo. Tanto, que tras pasar por Salamanca y Madrid, The Son Of Wood aún nos prometen conciertos en El Desierto Rojo de Valladolid (29 de abril), la Cueva del Jazz de Zamora (19 de mayo), la Filomatic de A Coruña (20 de mayo), la Black Bourbon de León (3 de junio) y la Sala Niágara de Santander (10 de junio). Pero antes de que todo ello suceda, hemos querido charlar largo y tendido con la banda. Esto es lo que nos han explicado sobre el proyecto musical, imprescindible para nosotras a partir de ya. Y es que si hay de lo que no dudamos, es de que llegarán lejos. Si no, tiempo al tiempo.
La cita de los domingos se ha convertido, con el paso del tiempo, en algo completamente ineludible. Tanto, que ya no concebimos otra manera de acabar la semana que descubriendo nuevos artistas y bandas con los que sumergirnos de lleno. Hoy, toca adentrarnos en los particulares universos sonoros de Adeline V. Lopez, Trapo, Tlew e Invasores. ¿Alguien que nos acompañe en este viaje?
Desde el corazón de Nueva York, llega la joven artista y cantautora Adeline V. Lopez para mostrarnos los primeros adelantos del que será su gran EP de debut, «Feel Too Much». A ritmo de pop desgarrador – ese estilo que mezcla magistralmente el pop y el folk con sonoridades y tonalidades varias -, la compositora nos ha enamorado por completo con este trabajo, que llegó a nuestras vidas el pasado 7 de abril. «Cada una de estas canciones me ayudó a superar algo y hacerlo fue realmente un viaje a un lugar mejor. No puedo esperar a compartir la música y tocarla en vivo», explica. Y es que sí, este pasaso 15 de abril presentó este disco tan redondo y completo en Groove en Greenwich Village.
Trapo es la siguiente artista en pasar por nuestro radar musical esta noche, para sorprendernos con su nueva canción «Ayunas». Una canción con la que hace sus pinitos con la música electrónica, marcando de esta manera la identidad musical – y también visual – que la acompañará a lo largo y ancho de este viaje musical. Una canción que nos habla de esos viajes que todos hacemos dentro de nuestra cabeza, del intrigante mundo de la mente humana. Eso sí, siempre desde una perspectiva desenfadada y que invita a bailar. No sabéis la emoción que nos da haber descubierto este proyecto tan 360º y poder seguirlo tan de cerca.
Con una personalidad con la que arrasa y que asusta, Tlew llega desde Estados Unidos para presentarnos su nuevo sencillo de adelanto, «Sand Bag». Una canción con la que nos ha cautivado por completo y que experimenta una evolución tremenda: con el rock industrial como base, este tema arranca con un inquietante instrumental de guitarra y batería con una voz de estilo Strokes. Aunque hacia la mitad comienza a cambiar y girar. Y es que es en ese momento en el que la voz evoluciona, mientras una guitarra distorsionada te despierta. Como resultado final, tenemos una joya musical increíble y potente, que no nos podemos quitar de la cabeza. Tal es así, que esta pieza forma parte de su increíble trabajo discográfico, «Defense».
Aunque para banda que ha roto por completo con todos nuestros esquemas, está Invasores. A ritmo de pop, rock y R&B, nos han enamorado hasta las trancas con su canción «Es muy tarde», pese a no ser un estilo que dominemos. Pero es que esas ganas de activarnos y de ponernos a bailar, han traspasado por completo la pantalla. Una canción que vio la luz en el pandémico año 2020 y con la que pusieron el broche de oro a su carrera, justo antes de anunciar la pausa merecida que tanto necesitaban. Así que, desde aquí, solo deseamos que regresen lo antes posible.
Las ganas de festivales ya comienzan a inundarnos y eso se está empezando a ver en todos y cada uno de los carteles que nos están empezando a llegar. Pero para quien los asocie solo a la época estival, no, está muy equivocado, porque el verano no se acabará hasta que no aterrice en la Ciudad Condal una de las citas más alternativas de nuestro panorama, el Festival·B. Tanto, que los días 29 y 30 de septiembre, el Parc del Fòrum de Barcelona acogerá a artistas y bandas de la talla de Alizzz, Carolina Durante, Rojuu, Yung Beef, Cariño, La Plazuela, Mujeres, Albany, Ben Yart, Depresión Sonora, Gloosito, Irenegarry, Jarfaiter, Judeline, Juicy Bae, Brava, Gazzi y Yung Prado. Pero alerta, porque estos son solo los primeros nombres anunciados, todavía quedan muchos interrogantes por delante. Si no, tiempo al tiempo.
Una nueva apuesta por las caras B de todos los discos y de una escena que está, cada vez más, en auge. Actualidad, emergencia y frescura son los factores clave de una programación que mira al futuro y que, además, en el pasado ha tenido enorme éxito. ¿Cómo olvidar la edición pasada? Había una necesidad imperiosa de dar un paso al frente y de crecer, abrazando siempre las tendencias y tomando el pulso a las corrientes musicales más emergentes, que transitan entre los géneros urbanos, el rock, el punk, la electrónuca y los movimientos musicales más independientes.
No hay ninguna duda de hay cuatro nombres que sobresalen de este primer avance. Cuatro artistas que se han hecho hueco en la escena y que lo tienen más que merecido. Alizzz y su pop renovador, Carolina Durante como hacedores de himnos rock intergeneracionales, Rojuu con su iconoclasta propuesta llena de imaginación o Yung Beef como pionero del trap en España. Sin olvidarnos del resto de nombres, por supuesto. Mientras que el toque más urbanos lo pondrán artistas como trap queen Albany, la incandescente Juicy BAE, el nihilismo de Ben Yart, Gloosito o el estilo de Jarfaiter; las guitarras correrán a cargo de Cariño y su sonido luminoso, el divertido rock garage de Mujeres, el intenso post punk de Depresión Sonora o la combinación de funk y folclore andaluz que propone La Plazuela. También destaca la presencia de nuevas voces del pop como Irenegarry y Judeline. Por supuesto, habrá cabida para la música electrónica con Brava, Gazzi y Yung Prado al frente.
Los primeros abonos ya están disponibles en la página oficial del Festival·B, todo hasta agotar existencias. Además, estos solo han sido los primeros nombres, que todavía quedan muchos más artistas por confirmar. ¿Estáis igual de impacientes que nosotras?
Hi ha bandes que tenen àngel i talent innat, però res dura si no es treballa. El cas d’Oniria és especial, perquè amb un sols àlbum al carrer i amb unes ganes immenses de menjar-se el món, han estat capaços de descobrir-nos el màgic univers intern que els acompanya. Un univers que s’ha convertit, de cop, en vuit cançons precioses, convertides en llar. Fa unes setmanes, Maria Campabadal (veu), Néstor Bravo (baix) i Jofre Vall (guitarra) ens van regalar la seva joia més apreciada, «El refugi». I, per descomptat, vam tenir l’oportunitat de parlar amb ells.
Per començar i aprofitar que «El Refugi» ja ha vist la llum, preguntar-vos com neix aquest àlbum de debut i què ha significat per vosaltres?
Néstor. Potser hem d’anar a l’inici més inici, quan la Maria i jo vam començar a tocar junts i a fer acústics a l’institut. I, bé, també coneixia al Jofre, així que feia temps que dèiem: «podem muntar una banda, que això serà fàcil». Encara que no ho era tant [rises]. Però, tot i això, ens vam posar a compondre algunes cançons, vam preparar algunes maquetes i ens vam presentar al Programa de Suport de Cases de la Música, un fet que ens va permetre gravar quatre cançons. Així i tot, quan vam acabar, ens van plantejar què fer, si publicar un EP o un àlbum. Ens ho vam anar trobant una mica, la veritat. I, de sobte, vam gravar i masteritzar quatre més, fins a tenir les vuit.
Jofre. Així és com va néixer la idea més logística.
Néstor. Exacte, després la part com més creativa va sorgir temps enrere, com fa dos anys. De fet, el primer tema que va sortir va ser «La cançó que saps». El punt va ser que vam començar a passar-nos lletres i temes entre nosaltres. Al final és que cada cançó està enfocada a una emoció concreta i molt diferents entre si, però totes elles estan dintre del marc del refugi, que és un poc com la metàfora aquesta. Totes elles ens fan sentir còmodes i ens fan sentir bé. És una invitació a què tothom escolti cançons com molt pures.
Maria. Jo crec que també el fet de donar vida a la lletra i a la melodia de la cançó «El refugi», va ser com el punt d’unió. Com que a partir del single, va arribar tot l’àlbum. Encara que la resta de temes són molt diferents, però tots ells construeixen aquesta sensació de refugi, de llar.
Néstor. Va ser meravellós crear aquesta cançó que dona títol a l’àlbum, perquè reunia tot el concepte del disc.
Jofre. És que té un missatge molt potent. I, en definitiva, tot l’àlbum és un conjunt d’idees dels tres. Perquè hi ha moltes bandes en les quals, el compositor és sols un d’ells i la resta, sí, s’uneixen i afegeixen el seu toc. Nosaltres hem cuidat tota la idea d’«El refugi» i hem cuidat cada lletra al mil·límetre, cada punt, cada frase. Perquè volíem tenir tots el mateix pes i influència.
Maria. I que al final, també hi ha hagut unió i hem pensat molt en què li va millor a cadascun de nosaltres. Començar amb una instrumental o amb una idea de lletra.
Parleu de la importància d’aquest missatge de les cançons, però fins a quin punt ho ha sigut i com ha estat tot el procés fins a trobar «El refugi» com a punt d’unió o fil conductor?
N. El tema de les lletres és una cosa que, personalment, és obsessiu per mi. De fet, hi ha cops que jo llegeixo cançons, per veure com sonen. De fet, és que a mi m’agradaria que la gent pogués llegir les nostres i digués: «estan molt pensades». I aquesta és una idea que compartíem tots. Així que en el moment de fer les lletres, a vegades quedàvem només per parlar d’un parell o tres de frases de temes nostres que, potser, no ens quadraven pel motiu que fos. En aquest sentit, «El refugi» va ser la lletra que més a la primera va sortir, quant a concepte i de tot. Però la resta sí que les vam anar comentant.
I a nivell més musical, quines han estat les principals influències o referències d’Oniria?
M. Jo crec que aquí està molt xulo, perquè crec que és un mix dels referents dels tres. Per exemple, jo tinc moltes referències del pop i indie espanyol, com Love Of Lesbian o Vetusta Morla.
J. Jo, com el Néstor, he begut molt del moviment valencià anys 2012-2017. Referents com Ciudad Jara ara mateix, Valira, Tenda, Smoking Souls. Però sense oblidar-nos tampoc de referents bastant propers com són Gossos, que són també de Manresa. No deixa de ser un popurri de molts estils, que al final conflueixen en un sol.
N. De fet, ara que comentava la Maria amb Vetusta Morla, als nostres inicis tocàvem versions seves. Aleshores, quan t’aprens una cançó tant al mil·límetre, la idea i el poso es queda.
M. A més, en el nostre cas és el primer àlbum, que crec que hi ha molt més espai per indagar, jugar i experimentar amb els sons i estils. I què no deixa de ser una combinació del que som nosaltres ara mateix. Que, així i tot, és cert que quan ens pregunten què toquem, diem: «pop-rock». Però és una etiqueta molt àmplia.
J. I el fet de no estar pendents d’una data, et dona més llibertat perquè el procés creatiu sigui molt més ampli. Òbviament, sempre hi ha uns deadlines, però no tens una data fixa amb la qual vas més collat perquè has de sortir abans de l’estiu. Per nosaltres, si el disc no hagués estat per publicar ara, no ens hauria estat greu publicar-ho més endavant. I creiem que això també és molt interessant, perquè no hem anat amb presses i hem pogut cuidar tots els detalls.
Respecte al procés de gravació, vau poder treballar amb Oriol «Puxi» Puig i la masterització va anar a càrrec de Roger Gascón. Com va ser la feina amb ells i com recordeu tot aquest procés?
J. Jo diferencio com tres etapes, no? La primera d’elles va ser per totes les tardes que ens vam tirar fent les maquetes en si i la preproducció, que ens va servir per poder anar una mica amb els deures fets, saber què volíem fer i tenir una guia de treball, que hem de dir que aquí ens va ajudar molt el Lars Serra, que ens va fer tot el tema dels teclats. Ja, la segona fase va ser la del Puxi, sens dubte.
N. Sí, amb el Puxi estem al cent per cent, estem molt contents amb ells i amb la seva feina. De fet, ens va acompanyar molt i malgrat treballar amb altres artistes, va estar molt pendent de nosaltres. De fet, des de l’inici ens va dir molt clar que anàvem endavant entre els quatre. A més, era també el nostre primer contacte amb els estudis. Ja amb la mescla ens va plantejar com ho volíem fer, perquè ens va dir que ho podia fer, però que era cert que hi havia gent que es dedicava específicament a això.
J. També és cert que en aquest sentit, l’estil de l’Oriol és molt diferent del nostre. Perquè ell ha produït a Tribade, a Pirat’s Sound Sistema, que són pols oposats al que fem nosaltres. Així que part de què aneguéssim al Gate24 amb Roger Gascón va ser això, que ell va produir gent molt top i més del nostre rotllo. A part que ell és bateria i amb aquest tema, ens va ajudar molt i ens ha fet algun arranjament. S’ha implicat també molt.
M. Referent també a aquestes dues etapes que deies tu, tant el Puxi com el Roger han sigut molt propers amb nosaltres, ens han ajudat molt amb la feina i ens han demostrat que estaven acompanyant-nos i formant part del procés.
N. I per nosaltres ha estat un luxe, perquè hem estat amb dos grans professionals del sector.
J. Al final és una mica això, la importància del missatge nostre, que han format part d’«El refugi», sent ells també refugi per nosaltres. I ens ha sumat una experiència més per nosaltres.
«El refugi» i «La gran ciutat» van ser els dos primers avançaments del disc i m’agradaria saber per què les vau escollir com a senzills.
J. Jo crec que «El refugi» perquè és obvi.
N. A més que va ser la millor presentació, la millor manera de dir: «nosaltres serem això». I vam publicar la cançó que més definia l’àlbum i que portava el títol del disc. Estàvem d’acord els tres i, potser, era la que més ens agradava a totes. El missatge era ideal, així que aquesta va ser molt fàcil d’escollir.
J. I la segona va ser com més experiment, perquè és la que es troba més en els antípodes d’«El refugi» com a concepte musical. Són pols oposats: una és com molt rockera i l’altra és molt pop, molt instrumental. Va ser una mica prova, però també té una part nostra molt latent de reivindicació, que sense arribar a ser molt explícit, però sí que volíem enviar un missatge sobre què és «La gran ciutat» per nosaltres.
N. A més, que com eren els dos primers singles de la nostra banda, tampoc hem de pensar molt bé quin hem de treure, perquè el que volíem era presentar l’àlbum. El llançament gros era aquest. Així que vam pensar a presentar aquestes dues, una per identificar-nos i l’altra, per ser la més oposada.
M. Un avançament realment, de tot el que podríem oferir dins l’àlbum. Dues coses molt diferents que algú podria sentir i dir: «mira, aquesta m’agrada més i aquesta menys». O que dues persones completament diferents, li’ls poguessin agradar el mateix grup.
J. Jo crec que és això. Musicalment, som «El refugi» amb aquesta part més acústica i tranquil·la, que al final són els nostres orígens, però també som una banda més rockera i canyera. I l’àlbum és el que es conjunta en mig.
N. De fet, quan estàvem component vam dir: «La gran ciutat serà el nostre màxim». Volíem rock, però fins aquí. També ho vam fer perquè tingués coherència. I, bé, els singles els vam decidir després de fer el primer concert al setembre de l’any passat, que vam arrancar amb «El refugi» i «La gran ciutat» em sembla que va ser la penúltima. Així que com que tot tanca.
J. També per la rebuda que va tenir allà a l’Stroika, que va ser com diferent de la resta. I és que de principi a final va ser molt bonic i el públic va interactuar molt.
Que, parlant de concerts, vau tocar a la Sala Stroika abans que el disc veiés la llum i fa molt poquet, vau tornar a actuar a Manresa.
J. Sí, vam fer un showcase de presentació així més acústic. Va ser molt bonic, també buscàvem com aquesta part més íntima, que connecta amb els nostres inicis.
M. Vam voler que la presentació del disc fos com un recordatori de tot el que ja vam poder fer, per poder-ho presentar a les persones que ens han acompanyat durant aquest procés de creació. Per això vam buscar un espai petit com és l’Sferic Café d’aquí de Manresa. I, la veritat, és que vam sortir molt contents
N. No va ser com el concert a la sala Stroika, perquè al final són dos espais completament diferents. Però també tela amb Stroika, perquè vam anar allà pensant: «tenim un disc en procés del qual ningú coneix les cançons». I és que no el teníem encara, ho estàvem mesclant encara en aquell moment, ni nosaltres sabíem com s’escoltava.
J. Havíem escoltat la producció del Puxi, però no hi havia màster encara. Llavors va ser com: «a veure què passarà». Tot i això, jo estava més nerviós al showcase amb 25 persones, que a Stroika. No sé si a vosaltres us va passar també.
M. Sí, jo també ho vaig veure així, però perquè tot el procés de creació ha estat tan llarg, que quan et pares a pensar, dius: «és que tenim un àlbum».
J. A més, va ser com tancar molt el cicle. I que ara, la idea és deixar una mica els acústics i començar a tocar com a banda. Així ja podem tancar aquest període de dos anys o dos anys i mig.
N. Sí, de fet, el concert de presentació el vam enfocar més cap a concert de presentació de la banda. Perquè a tothom que li dèiem que tocaríem amb una banda, ens contestaven dient: «com sereu vosaltres, set persones sota l’escenari, amb un bateria, un teclista». Però és que clar, durant dos anys ens han vist tocar amb guitarra, veu i com a molt una caixa. Així que els ho vam mostrar, li’ls vam mostrar una mica el caramel·let. I per nosaltres també va ser com una satisfacció, pensar: «sí, ho podem fer».
Ara, com es presenta la resta de l’any per Oniria. Hi haurà més concerts? I, a més a més, com serà el procés de treball amb tota la banda per canviar completament els directes?
M. Bona pregunta [rises].
N. Sí, ara ja hem tancat alguns concerts de cara a l’estiu. Encara que nosaltres teníem clar que volíem començar a finals de maig, entre altres coses perquè a meitat de mes, farem un stage allà a la sala Stroika. I és que Cases de la Música, entre les mil coses que han fet per ajudar-nos, llença unes beques cada any, i una d’elles ens ha permès preparar el directe professionalment. Això ens servirà per començar a preparar els concerts amb tota la banda. Està tot quadrat, així a partir del mes de maig, ens podran veure per tota la zona de Manresa. A més a més, hem aprofitat per participar en diferents concursos de música.
J. I referent al que deies sobre com organitzar una banda de set persones, crec que és una de les coses més complicades. Sobretot perquè no som músics professionals i no ens dediquem a això tot el temps. Primer que en l’àmbit tècnic és molt difícil gestionar un espai on assajar, quadrar totes les agendes amb les respectives feines és un plus afegit.
Queden un parell de preguntes amb les quals sempre m’agrada tancar. La primera d’elles és, quina cançó d’Oniria identifica millor el moment en el qual esteu i per què?
M. Jo crec que tinc la resposta, a veure si us agrada. Aquests dies estem parlant de quina és, potser, la cançó que més ens agrada als tres de l’àlbum i vam dir «L’altra cara de la lluna». És un tema que parla d’aquest instant en què comparteixes un moment amb una persona i es converteix en algú molt important per tu. Si ho fem més metafòric, ara estem vivint coses que, al seu moment, vam viure com a públic i ara ho estem fent realitat des de l’altra banda de l’escenari. O potser fa uns mesos estaves llegint una entrevista i ara estàs fent tu una.
J. Sí, i inclòs coses que ara no semblen rellevants i, d’aquí a dos o tres mesos, caus i dius: «d’acord, para un moment».
N. Totalment! Cert que la cançó parla de persones que, en un moment no coneixies i potser, al cap de deu anys es transformen en les teves millors amigues. Però és que ara, en aquesta situació, és molt aplicable.
I ja sí que sí, per tancar el cercle i connectar amb el nom de la revista, quina és la bogeria més gran que heu comès per la música?
N. Fer un grup de música [rises].
M. Fer un àlbum [rises].
N. És molt bàsica i molt fàcil. També com, de moment, tenim poca trajectòria, espera’t!
M. També és cert que si mirem enrere, en dos anys, la vida ens ha canviat molt.
J. Jo crec que és això. De fet, fa unes setmanes vam fer la publicació anunciant la sortida del disc i vam donar les gràcies per acompanyar-nos en aquesta aventura. I és una mica això: aventura i bogeria, van de la mà.
Si hay un ciclo de conciertos que amemos sobre todas las cosas es el Noches del Botánico. No imaginamos un escenario más maravilloso que ese que reactiva el corazón de Madrid durante todo el verano y que logra reunir a artistas y bandas de todo tipo. Rodeados de natulareza y en uno de los pequeños pulmones de la ciudad. Un pequeño oasis que comenzará los próximos 7 y 8 de junio con la actuación de Bob Dylan, y que llegará a su fin el 30 de julio con el concierto de Damien Rice. Dos meses de intensidad y música por las nubes. Dos meses de programación para todos los gustos, que presentaron en sociedad el pasado 2 de marzo, pero a la que se han sumado recientemente unos cuantos cambios. ¿Se puede pedir algo más al universo? Porque nosotras creemos que no.
Pero a todo esto, ¿cuáles son los cambios que se han añadido tras aquella presentación inicial? Por un lado, la artista argentina Nicki Nicole se suma a la programación del festival, ofreciendo un concierto el próximo 15 de julio. Una de las artistas más reveladoras y prometedoras de la escena pop, trap y R&B, a pesar de tener sólo 22 años. Todo gracias a la repercusión que tuvo con «Wapo Traketero» en 2019. Desde entonces, no ha hecho más que crecer. Por otro lado, Omara Portuondo, quien fuera la vocalista de los Buena Vista Social Club, sustituye a Adriana Calcanhotto en su concierto del 10 de julio. De esta manera, acompañará a Salif Keita en una noche que se plantea maravillosa y mágica a partes iguales.
Por todo lo demás, asegurar y más que asegurar que el cartelazo de esta edición es un escándalo y que hará que disfrutemos de unos directos de diez. Bob Dylan, Andrés Calamaro, Silvana Estrada, Iván Ferreiro, Quique González, The Lumineers, Luz Casal, Niña Pastori, Lila Downs, León Benavente, Moderat, Natalia Lafourcade, Rubén Blades, Fito Páez, Carlos Rivero, Kings Of Convenience o Damien Rice, entre muchos otros artistas maravillosos. ¿Tienes ya tus entradas o todavía te lo estás pensando? Consíguelas ya en la página oficial nochesdelbotanico.com.
El miércoles es menos miércoles si lo terminamos con una de las colaboraciones más bonitas que nos ha regalado esta semana post-vacacional. ¿Qué puede salir mal si se alían el dúo madrileño Gold Lake con Annie B Sweet? Pues que, de repente, vemos como la magia surte efecto y aparecen canciones tan especiales como «Lovers». La mejor manera de endulzarnos estos días, pero también la larga espera hasta la llegada del nuevo álbum del dúo formado por Lúa y Carlos. Y es que así, estirando la vida del que fuera su disco debut «Years» nos despedimos de este día repleto de emociones. Adaptada a nuestros días, este sencillo es especial por diferentes motivos. Cerrando los ojos y permitiéndonos viajar a otros lugares, nos subraya la importancia de mantener la llama encendida en una relación.
Un testimonio del poder y la magia que pueden surgir cuando dos talentos únicos se unen para crear algo especial. Una alianza de escándalo que no esperábamos, pero que, sin embargo, tiene todo el sentido del mundo. «La colaboración con nuestra amiga Ana, ha sido una experiencia de ensueño. Su voz sedosa y sensual, casa perfectamente con nuestra manera de crear ambientes y atmósferas. Nos encanta perdernos en los sueños y con ella eso ha sido más fácil y mágico. Crear esta magia juntos ha sido un placer», señalan los madrileños. En este sentido, a nivel visual, tanto el emotivo y sincero videoclip que acompaña; como la increíble portada diseñada por Joaquín Reyes cierran y avalan el concepto propio de la canción.
La mejor manera, sin duda alguna, de dar continuidad a un proyecto musical precioso, que dio comienzo en el mismísimo corazón de Brooklyn. Lugar en el que Lúa y Carlos se encontraron, lugar en el que comenzaron a actuar y a dar vida y forma al que fuera su primer trabajo discográfico. Así, en 2014 vio la luz «Years», mezclado por Phil Ek. Un álbum especial que acaparó el interés de la prensa internacional y el reconocimiento de grandes figuras de la música. No es para menos si tomamos en cuenta ese particular sonido que los ha diferenciado tanto y que los ha convertido en la banda que son a día de hoy. Con el corazón dividido entre Nueva York, el Mediterráneo y Madrid. Un viaje sin vuelta atrás, una visión bajo la cual nace también su segundo disco, que será nuestro en breves. Si no, tiempo al tiempo.
Cuando pensábamos que teníamos controlados todos los festivales de nuestra zona, de repente, llega el mítico Alma Festival de Pedralbes de Barcelona para demostrarnos que está más vivo que nunca y que sí, que este verano se celebra la música en vivo, directamente desde el Poble Espanyol. Con un cartel de lujo y con las entradas ya a la venta – desde el pasado jueves 30 de marzo -, estamos ya deseando que llegue ya el verano. Y es que del 10 al 27 de julio viviremos y bailaremos al son de multitud de artistas y bandas con los que hemos crecido y a los que tenemos como referentes. En total, cerca de 5.000 personas visitarán el recinto. Un aforo superior al de los propios Jardines de Pedralbes. «Comenzamos en una nueva casa un festival que ya existe», quiso explicar Martín Pérez (director de la promotora musical Concert Studio) en la presentación oficial del evento.
De esta manera, Fito Páez será el encargado de abrir este evento el próximo 11 de julio. Seguido muy de cerca por el cantautor Chris Isaak (12 de julio); LP (13 de julio); Jacob Collier (14 de julio); las siempre imprescindibles Zahara en formato rave y Delaporte (15 de julio), quien fuera uno de nuestros iconos musicales Anastacia (16 de julio); los increíbles Bastille (17 de julio); el reconocido compositor de las bandas sonoras de «The Last Of Us», «Babel» y «Brokeback Mountain», Gustavo Santaolalla (18 de julio); el combo formado por Las Palmeras + Chico Trujillo + Guacamayo Tropical DJs (20 de julio); Soft Cell (23 de julio), Toquinho (25 de julio); el dúo compuesto por M-Clan + Seguridad Social (26 de julio); y los emocionantes Goran Bregovic + Balkan Paradise Orchestra (27 de julio). Y, por lo que parece, todavía nos queda saber quién será el artista encargado de inaugurar este ciclo el mismo 10 de julio, además de alguna que otra sorpresa más. Pero tiempo al tiempo. Por el momento, queremos aprovechar para recordaros que las entradas para todos y cada uno de estos conciertos, ya se encuentran disponibles en la página festivalpedralbes.com.
Despojarse de todo lo que sentimos y abrirse en canal, mostrando así la parte más vulnerable de uno mismo. Jack In Water sabe de lo que hablamos y así se ha encargado de demostrarlo en su nueva canción «Gold Rush», que vio la luz hace apenas unos días. Un tema que se nutre de la conformidad y la seguridad, aunque en el fondo, el verdadero desencadenante de la composición es el propio miedo a la soledad que, en más de una ocasión, nos ha podido acechar a todos nosotros. Con una sensibilidad que asusta y sin temor a mostrarse vulnerable, William Clapson – que es quien se esconde tras el proyecto -, ha producido un tema de 10. Por su parte, el mastering ha corrido a cargo de Kevin Tuffy. Si la finalidad era pellizcarnos el corazón con su talento y su verdad, objetivo más que conseguido, desde luego.
La mejor manera de regresar. Regresar con todo y mostrando, de esta manera, el primer adelanto del que será su nuevo e inminente álbum «Strangely Gone». Un trabajo discográfico en el que el artista explorará las relaciones románticas y todos los sentimientos turbios y confusos previos a aprender a amar y ser amado como un joven adulto. Sin duda alguna, será la mejor manera de dar continuidad a este proyecto musical emocionante, que en 2022 culminó con el lanzamiento de dos EPs por parte del compositor británico afincado en Mallorca. Mientras «You Once Were Home» fue una colección de reelaboraciones que incluían colaboraciones con Lily Kershaw, Alaskan Tapes, The Last Dinosaur y The Prussians; «The Year We Lost» se remonta a mucho tiempo atrás, a 2020 y los momentos más complicados de la pandemia y del encierro, momento en el que comenzó a publicar pequeñas píldoras musicales, gracias a la insistencia de seguidores, familiares y amigos.
Para quien todavía no tenga el honor y placer de conocer a Jack In Water, desde aquí os invitamos a seguirlo. Porque es uno de esos artistas talentosos, sencillos y vibrantes, capaces de tocarte el alma con su música y su sensibilidad. Un imprescindible desde el mismo momento en el que lo descubres y llega a tu vida. Y así nos lo seguirá demostrando a lo largo y ancho de este 2023…no os imagináis las ganas que tenemos de que publique su nuevo trabajo y de que pueda girar con él en directo. Por el momento, sabemos que ha sido confirmado para el Focus Wales, que se celebra del 3 al 6 de mayo y donde ha confirmado ya cuatro showcases. Pero calma y tranquilidad, porque esta es solo la punta del iceberg y el inicio de todo lo que está por llegar. Si no, tiempo al tiempo.
Hay bandas cuyo talento es capaz de arrasar con todo, de revolucionar desde dentro toda una escena musical y de remover todos nuestros esquemas. Hay bandas, como shego, que han llegado para quedarse y así lo llevan demostrando durante mucho, mucho tiempo. Aunque si hay un hecho que ha terminado por asentar a Maite, Raquel, Charlotte y Aroa como verdaderas reinas de nuestro panorama es su último trabajo discográfico, «SUERTE, CHICA». Ocho temas descarados con los que gritar muy alto, con los que bailar y con los que llorar. Ocho temas muy vivos que, además, no entienden en absoluto de etiquetas y de límites, pues con ellas se han atrevido con todo.
Desde luego, no podemos negar que lo de shego no haya sido un ascenso meteórico, pero es que tampoco se merecen menos. Más si tenemos en cuenta que su primer EP «Tantos chicos y tan poco tiempo» (2021) supuso ya un verdadero descubrimiento. Tras él, llegaron hitos tan especiales como las colaboraciones con Zahara en la versión de «Merichane» incluida en «Reputa» o la alianza inquebrantable con Natalia Lacunza en la canción de las madrileñas «Qué voy a hacer». Pero es que ahora han evolucionado, han crecido, han demostrado al mundo que son capaces de más. Aunque siempre fieles a sí mismas y a ese carácter directo, ácido, claro y conciso que ya las encumbró. Todo ello es lo que ha hecho que ahora den vida y forma a un trabajo discográfico cargado de himnos y referencias diversas, acompañado a su vez por una estética igualmente especial y trabajada. Todo ello junto, hacen de este proyecto una gran seña de identidad.
Ahora, con el álbum ya en la calle, llega el momento de presentarlo en vivo y en directo. Y es que si bien es cierto que se avecinan grandes conciertos, aunque antes de que todos ellos sucedan, hemos querido aprovechar para charlar largo y tendido con ellas. ¿Quieres conocer todos los detalles que nos revelaron? Pues no te pierdas la entrevista que les hicimos hace algunos días.
