Que llevamos años y años cantándole al amor en todas sus formas es un hecho más que probado. Es fuente de inspiración para multitud de artistas y compositores, sean del género que sean. Porque lo sentimos y lo vivimos, porque está presente en todas y cada una de las cosas que hacemos, y porque se manifiesta en múltiples formas. No sólo existe el amor romántico, también está el platónico e incluso el familiar o el amistoso. Y seguro que alguno nos dejamos por el camino. Un concepto que el rapero de Carabanchel Recycled J ha querido explotar en su último trabajo discográfico «Casanova», que vio la luz el pasado viernes 2 de junio. En su caso, baila libre entre los dos primeros tipos que hemos mencionado, mostrando así su faceta más íntima, personal y vulnerable. Porque, al final, ¿qué somos los seres humanos si no somos capaces de sentir un ápice de amor?
Con tintes del rap y el hip hop, que es de donde viene él, pero con sonoridades pop, no podemos evitar pensar que este álbum está, en cierto modo, plagado de tristeza y de melancolía. Lejos de la chulería que incluso parece denostar el título del mismo, Jorge Escorial y Recycled J, Recycled J y Jorge Escorial parecen fusionarse en estas doce canciones. Además, no cuenta con ninguna colaboración vocal, lo que hace que ese toque íntimo recaiga sólo sobre él y que permanezca intacto. Sin duda alguna, es todo un viaje musical al interior del artista, pero también de la persona y del alter ego que se esconde detrás. Eso es lo que hace que conecte, aún más si cabe, con el público.
Doce canciones que han sido compuestas en Colombia, mano a mano con Selecta, quien ha ayudado a Recycled J en la composición de alguna de las letras. Por su parte, otro de los aspectos que nos ha llamado la atención, ha sido el concepto artístico que envuelve las propias canciones, desde los videoclips hasta el propio arte del disco. Rojo intenso y con una simbología muy particular, con las rosas presentes siempre – de alguna manera u otra -, como símbolo del amor y todo lo que este representa. Para nosotras ha sido una grata sorpresa, a pesar de que este género no es nuestro fuerte. Pero este ha sido el álbum que nos ha acompañado durante todo el fin de semana.
Han sido uno de nuestros grandes descubrimientos, no es para menos si tenemos en cuenta el enorme talento y proyección que tienen. Lo de Merino es difícil de explicar si no los has escuchado con anterioridad, pero una vez entras en su particular universo sonoro, ya no hay marcha atrás. En este arduo camino de redescubrimiento y conocimiento, nos están preparando para la gran llegada del que será su segundo trabajo discográfico «Himnos de guerra», que al fin será nuestro en otoño y apenas tres años después del que fuera su álbum de debut, «Piel, equilibrio y humo». Tiempos complicados se han sucedido por medio y muchas ganas de seguir regalando el mayor de sus bienes: su música.
En este sentido, el pasado jueves 1 de junio estrenaron su nuevo y más reciente sencillo de adelanto «Bailando con lobos». Un grito de motivación, una inyección de fuerza para hacer a uno sentirse invencible, la necesidad de resaltar la importancia de tener al lado a las personas adecuadas para poder enfrentarnos a las dificultades. Un nuevo himno como todos los que formarán parte de este trabajo discográfico, grabado a medio camino entre Blind Records (Barcelona) y La Casa Murada (Tarragona) y bajo las directrices de los siempre imprescindibles Santos & Fluren. Un trabajo discográfico que se avecina épico y que artísticamente será una joya, no solo por los temas que lo conformarán, también por ese peso y carga visual de las portadas, inspiradas en el «Guernica» de Picasso. Resaltar el trabajo gráfico de María Vaquero (EMEVDE), que ha sido de 10.
Ahora, tras una gira de escándalo que los ha llevado ya por multitud de escenarios y ciudades – la última de ellas Toledo -, la banda madrileña se prepara para seguir regalándonos estas joyas musicales en directo. El Cooltural Fest de Almería (17 a 19 de agosto), el MUWI La Rioja Music Festde Logroño (del 31 de agosto al 2 de septiembre) y el DCODE Festival de Madrid (9 de septiembre) serán las siguientes citas, aunque la más grande será el próximo 28 de octubre en La Sala del WiZink Center de Madrid. Aunque antes de que ese momento llegue, os dejamos la entrevista que les hicimos hace algunos días.
No hay nada como aprovechar este primer domingo de junio, para dar un repaso a algunas de las propuestas musicales más prometedoras de nuestra escena, tanto a nivel nacional como internacional. Un día más, aprovechamos para activar nuestro radar musical y descubrimos los universos sonoros de Obstans, A:AM, Ally London y Le Husky. ¿Alguien más dispuesto a acompañarnos en este viaje repleto de talento y de música?
Obstans nace como un puro experimento de dos amigos que, a guitarra y voz, han enamorado y cautivado a propios y extraños. Dos autores y artistas escandinavos que producen música de una forma nueva e intrigante, mezclando géneros y contando historias, preparando su EP de debut y creciendo cada día a día. Una filosofía de vida que nos ha atrapado por completo. Significativas, enérgicas, dinámicas, la banda es ecléctica y mezcla un poco de todo. De hecho, sus canciones desdibujan las líneas entre el pop alternativo y el rock alternativo. Y a falta de la llegada de su nuevo e inminente trabajo discográfico, «Did I make you cry» es la primera prueba de ello.
Desde Cataluña, llega el proyecto musical de A:AM. Cantante, compositor, productor y multi-instrumentista, siente un especial afán por combinar elementos de la miríada de géneros que ha estudiado a lo largo de su vida ha llevado a Albert a un viaje de identidad propia e innovación. Producto de este arduo trabajo y de tratar de mirar hacia dentro, el artista acaba de regalarnos su primer e irreverente sencillo. «Kerosene» llega con la clara intención de sorprender y atrapar. Una canción completamente diferente a lo que estamos acostumbradas a escuchar, ya que no cuenta con la instrumentación habitual, ya que el propósito del proyecto era crear una canción sólo con sonidos de la naturaleza. Se grabó un gran número de sonidos y, con una producción cuidada.
Tras el lanzamiento de EP de debut el pasado año, la artista emergente Ally London sigue más que dispuesta a seguir presentando música. En este sentido, acaba de regalarnos su nuevo sencillo, «Stole from Heaven». Una tema que contrasta drásticamente con su estética y carrera anterior de «chica triste». Inaugurando así su nueva etapa profesional, este tema de amor happygo-lucky nos ha robado el corazón por completo. Pura honestidad emocional y vulnerabilidad, a ritmo de melodías pegadizas y ritmos que no puedes bailar. Y es que la artista de Tennesse pero afincada en Londres, se inspira en «iconos del pop triste como Ethel Cain y Phoebe Bridgers». El resultado es que respira pura autenticidad.
Es en 2006 cuando nace el proyecto musical de Le Husky en plena oleada de la escena independiente de Montreal. Con un universo de lo más complejo, en el que se mezclan canciones pop y melancolía, enseguida comienza a hacerse notar gracias a una maqueta casera de una rara sensibilidad que rápidamente se sitúa en los primeros puestos de las listas universitarias y comunitarias de Quebec. Un año después publica su primer trabajo «Chanson moderne pour cyniques romantiques», con el que empieza a girar por multitud de escenarios. Una carrera repleta de éxitos, que nos ha traído hasta el día de hoy. Pleno 2023 e inicio de una nueva fase para el artista, que acaba de estrenar su nuevo EP titulado «Un zoo la nuit».
Dorian siempre será una de las bandas de nuestra vida. Creadores de himnos tan emblemáticos como «La tormenta de arena», «A cualquier otra parte», «Los amigos que proerdí», «Verte amanecer», «La mañana herida», «Arrecife» o «Paraísos artificiales», entre infinidad de títulos más; siempre presentes y siempre capaces de poner las palabras exactas a todos y cada uno de nuestros sentimientos. Precisamente por eso, desde que los descubriéramos, se han convertido en nuestros imprescindibles, en nuestra banda sonora vital. Nunca los veremos lo suficiente en directo, ni nunca nos emocionaremos lo suficiente con ellos. No es para menos si tenemos en cuenta que, tras cerca de dos décadas sobre los escenarios, han sabido hacerse a sí mismos, reinventándose y explorando ese imaginario tan particular, que no deja de juguetear con diferentes sonoridades, a medio camino entre el pop y la electrónica.
Con esta sensación tan bestial y el buen sabor de boca que dejan en todos sus conciertos, y después de haber disfrutado a lo grande de ellos el pasado mes de noviembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona, la Ciudad Condal se prepara para un nuevo asalto de Dorian. En esta ocasión, será en el marco del Suite Music Festival, un ciclo de directos de lo más ecléctico, que se celebra durante todo el año y que junta a los mejores artistas y bandas del panorama musical, tanto nacional como internacional. En este sentido, los catalanes aterrizarán el próximo 15 de junio en Gran Teatre del Liceu de la localidad. Una noche que se plantea de lo más mágica y especial y en la que, seguramente, haya más de una sorpresa. Desde luego, no podemos estar más emocionadas por ver de nuevo en acción a Belly, Marc, Bart y Lisandro. ¿Tienes ya tu entrada? Rápido antes de que vuelen todas, están disponibles en la página oficial del festival: suitefestival.com.
Fue ayer cuando se estrenaron en los escenarios del Primavera Pro, aunque esta noche todavía les queda un último asalto en el Night Pro en el Parc del Fòrum. Es el gran aterrizaje de la delegación italiana en el Primavera Sound, impulsada por Puglia Sounds, Italia Music Export y Emilia Romagna Music Commission. Es el gran aterrizaje de una gran banda como es European Vampire, quienes nos han cautivado por completo con su estilo, con su personalidad y con esa capacidad de ver y analizar el mundo, canalizándolo y convirtiéndolo en música. A ritmo de electrónica, han sido capaces de crear un pack completo con el que sorprender a todo el mundo. Y es que con canciones como «International Girls Club» o álbumes como «Forever Speeding Through Darkness», han marcado un nuevo rumbo. Camino del que hemos podido hablar con ellos largo y tendido.
Para todo el público español que no os tenga en su radar musical todavía, ¿quiénes son European Vampire y cómo empiezan en la música?
Mark Ceiling (MC). European Vampire es más un colectivo suelto que una banda. Lorenzo y yo somos el núcleo del grupo, pero tenemos muchos colaboradores – en primer lugar, Michele, nuestro director artístico – que nos ayudan a dar forma y sabor conceptual y visual a nuestra música. Y no nos olvidemos de nuestro vampiro honorario, Angus. Empezamos en diferentes bandas en el instituto, luego yo estudié música electrónica en la facultad de música. Fue después cuando nos pusimos de acuerdo y empezamos a trastear como dúo.
Lorenzo Sutto (LS). Somos una respuesta hit and dance a nuestra sociedad Tik Tok y nos gustan los trajes, las corbatas y las cosas francesas.
Habéis empezado este 2023 lanzando vuestro nuevo single «International Girls Club». ¿Qué significa esta canción para vosotros y cómo surgió?
MC. Musicalmente, quería experimentar un poco más con sonidos de piano acústico en un contexto house, intentando aportar algo de contraste con sonidos dance de finales de los 90’s principios de los 00’s.
LS. No sé, supongo que quería exponer a un cierto tipo de gente que parece vivir sólo para ir de discotecas en Berlín, pero es más que eso, explica lo poco en contacto con la realidad que tenemos últimamente. Persiguiendo constantemente el síndrome FOMO («temor a dejar pasar») nos lleve donde nos lleve, limitados por una gran cadena de privilegios que de otro modo no harían posible nada de esto. También es nuestra primera canción con una parte en español, que es un poco más romántica que la francesa y la italiana, pero sigue siendo muy conmovedora.
Asimismo, el pasado año 2022, publicasteis vuestro álbum «Forever Speeding Through Darkness», ¿cómo recordáis todo el proceso creativo y de composición?
MC. «Forever Speeding Through Darkness» tardó más de dos años en terminarse y recuerdo ese tiempo con cariño. Nuestra manera de hacer las cosas suele ser dispersa, un poco caótica, dejamos que las ideas fluyan libremente aunque crucen géneros. Es una experiencia gratificante cuando, al final, das forma y sentido unificado a todo ese caos. Y supongo que para mí este álbum es la encarnación de eso.
LS. Simplemente evoca toda la época covídica y postcovídica, esa sensación de estar completamente perdido, de no saber qué hacer ni quién ser. Incluso la forma en que está dividido el disco, con la parte «Forever Speeding» más bailable y la parte «Through Darkness» más lúgubre y oscura. Ambas reflejan ese ambiente esquizofrénico de aquella época. Una gran época para escribir, pero no la mejor para vivir.
¿De qué manera habéis construido todo vuestro imaginario sonoro?
MC. Recogemos muchas influencias y géneros que hemos escuchado a lo largo de los años. Mientras que Lorenzo tiene un montón de influencias brit pop e indie, mi paleta bebe mucho de la música electrónica de baile, pero también del prog de los 70. Creo que hemos encontrado un terreno común en la música electrónica, ya que es lo suficientemente dúctil como para que experimentemos y seamos libres a la hora de explorar diferentes estados de ánimo y vibraciones.
LS. Yo vengo del rock and roll como músico, aunque siempre he sido un gran fan de la música electrónica y de baile, sobre todo de los 80 y especialmente de Inglaterra, así que sólo tenía que encontrar el equivalente a la fuerza motriz de un acorde de potencia. Una vez lo conseguí, para mí fue como volver a la normalidad, por supuesto con muchas más posibilidades en cuanto a sonidos y efectos
¿Y las letras?, ¿qué importancia tienen para vosotros?
MC. Creo que las letras son la voz, la manifestación del personaje que construimos. Son una parte integral en la creación de la narrativa y el estado de ánimo de nuestras canciones, aportando lujo y decadencia.
LS. Nuestro proyecto se llama European Vampire y no Vampires, y eso es porque canto y escribo las letras de estas canciones pensando en un personaje en particular. Él nunca llega tarde, nunca llega pronto, uber-socialite, felliniesque criatura nocturna de la que trata todo esto. El camuflaje puede caer a veces, pero la imagen permanece intacta, como una especie de estatua que una vez estuvo viva. Cantamos sobre la muerte, la moda, el sexo, las drogas, la violencia, pero también sobre el amor, la pasión, las relaciones, los remordimientos y la pérdida. Y lo hacemos utilizando las tres lenguas europeas que mejor dominamos: el italiano, el francés y el inglés. A veces jugamos con los sonidos y con las imágenes de una lengua frente a otra, lo cual hace que cometas errores gramaticales que harán que la frase sea más conmovedora que antes.
Otro aspecto que nos ha llamado la atención es la imagen que rodea a las canciones, y la atmósfera cinematográfica que habéis recreado. ¿Cómo nació este concepto artístico más allá de la música?
MC. Yo diría que la parte visual de este proyecto es tan importante como la propia música. De hecho, cuando empezamos a esbozar el álbum, ya estábamos pensando en cómo crear, visualmente hablando, un ambiente, imágenes vívidas que ayudaran a reforzar el significado que hay detrás de nuestra música.
LS. Nuestra música y nuestra mezcla estética son fundamentales la una para la otra. European Vampire es una criatura robada de los sueños más oscuros de Bowie, de los últimos días de Chet Baker en Amsterdam y de las revoluciones perdidas de franceses e italianos. Todo el concepto del hombre siempre trajeado, vestido igual, terriblemente elegante, pero nunca fuera de lugar tiene para nosotros la misma importancia que un traje de superhéroe, que en nuestro caso se convierte en un antihéroe, vagando por las fiestas más glamurosas de las noches en busca de otro crepúsculo interminable que nunca llegará.
¿Qué supone para vosotros actuar en el Primavera Pro?
MC. ¡Es un gran logro y una buena oportunidad para expandir nuestra europeidad!
LS. Estuve en el Primavera Festival el año pasado y fue una de las mejores experiencias de mi vida, y actuar en el Primavera Pro justo un año después me hace sentir tan bendecido como siempre.
Más allá de este festival, ¿cuáles son vuestros próximos pasos para la banda?
MC. Todavía tenemos que terminar la gira, después de eso, ¡volvemos a la mesa de dibujo, ya que tenemos que seguir trabajando en el nuevo material que estamos escribiendo!
LS. Una nueva grabación que ya tenemos en mente, esta vez con instrumentos y con un sonido más orgánico. La verdad es que estoy deseando volver al estudio.
¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde que empezasteis a grabar y cuál es el mayor aprendizaje que os habéis llevado de ese momento?
MC. El proyecto empezó conmigo y con Lorenzo haciendo el tonto en mi habitación, y ver cómo ha crecido, tanto en complejidad como en alcance, ha sido increíble. Nos llevó bastante tiempo y un poco de testarudez, así que diría que la principal lección que aprendimos es a tener paciencia.
LS. Ha habido algunas ocasiones en las que Riccardo (Mark Ceiling) y yo estamos a punto de tocar en estos increíbles locales, en las que lo aparto un momento y le pregunto si entiende lo lejos que hemos llegado desde que empezamos en la habitación de su abuelita y nos emocionamos, pero al mismo tiempo sabemos que aún nos queda un largo camino por recorrer.
Nos quedan dos preguntas, con las que nos gusta terminar. La primera es, ¿qué canción vuestra identifica mejor el momento en el que os encontráis y por qué?
MC. Sigue siendo «Forever speeding through darkness», que la que cierra nuestro álbum. Ess la pieza más meditativa y melancólica, la mejor representación de la incertidumbre. Creo que refleja bien mi propio estado de ánimo ahora mismo.
LS. Esa o «Postcard», nuestra canción más infravalorada. Es realmente yo ahora.
Y por último, ¿cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?
MC. Hacer cosas burocráticas y organizativas, ¡seguro!
LS. Hay muchas estupideces que he hecho por la música, pero todo ha merecido la pena.
Han sido, son y serán la banda de toda una generación de personas que, durante más de veinte años, ha nacido, crecido, evolucionado, enamorado y desenamorado con su música. Precisamente por eso, la despedida de Second tiene un sabor tan agridulce. Los maravillosos momentos que nos han regalado, chocan con la complicada realidad que supone no volver a verlos más sobre los escenarios. Queremos imaginar que, como todo, esto es una etapa más de la vida y que sólo queda aceptarla, dejarla marchar y recordarla con el amor que se merece. Aún así, cabe recordar que hay nos queda más de la mitad del año para disfrutar con ellos, para vibrar al son de todas las emociones que Sean Frutos, Fran Guirao, Jorge Guirao y Nando Robles nos hacen sentir.
De lo que no cabe la menor duda es de que las últimas fechas ya están marcadas en nuestro calendario. De que hay ciertas fechas de caducidad – por llamarlas de alguna manera – que son irreversibles. Y de que los últimos conciertos que darán por siempre jamás serán a finales de año en casa, en su casa. En ese maravilloso lugar que es Murcia y que personas como ellos la han convertido en cuna y musa de la música, en la lanzadera de muchas más bandas que nos han cautivado y enamorado hasta las trancas. Igual que ellos. De esta manera, los próximos jueves 28, viernes 29 y sábado 30 de diciembre, el Teatro Circo de Murcia se convertirá en un lugar mágico y especial. Triplete de escándalo para despedir a una de las formaciones musicales más grandes de nuestra escena. Tres conciertos irrepetibles para los que ya no quedan entradas – aún habiéndose activado esta misma mañana -, y en los que no estarán solos.
En el primer concierto titulado «Llevo tu pulso», que se llevará a cabo el jueves 28, Second nos ofrecerá su faceta más elegante. Será una oportunidad única para disfrutar de la música de la banda en un ambiente cargado de emoción. Mientras que el viernes 29, en el segundo concierto titulado «Todos se divierten», el grupo prepara una sorpresa para sus seguidores con la participación de colaboraciones históricas. El sábado 30 de diciembre, en el tercer y último concierto titulado «Para todo el universo», ofrecerán un espectáculo que será retransmitido en streaming, para que todos los fans puedan disfrutarlo en cualquier parte del mundo y que nadie se quede sin su merecida despedida.
Así que id sacando los pañuelos porque serán tres jornadas lacrimógenas a más no poder. Nosotras no dejamos de pensar en ese momento y no podemos estar más emocionadas. Y es que, pase lo que pase, el legado de Second será eterno y perdurará por siempre. Veinte años de carrera, una decena de álbumes publicados han dado para muchas vidas, ahora llega el momento de despedirse y de decir «hasta siempre». ¡Gracias por ser nuestra banda sonora y acompañarnos en los momentos más importantes de nuestras vidas!
En cualquier carrera artística, como en la vida, hay un punto de inflexión claro, un punto que marca un antes y un después, un acontecimiento que hace que saltes, que cambies y que evoluciones. Pierdes el miedo y te atreves a experimentar, a probar con nuevos sonidos, poniéndote a prueba y sacando lo mejor de ti mismo. Que se lo digan si no, al talentoso y afamado artista Guillermo Salas quien, tras dos álbumes en solitario y alguna que otra incursión previa en la escena musical, se ha decidido a regalarnos su tercer trabajo discográfico, «Los más bonitos de España». Un disco concebido en Lasting Noise Recording Studio, bajo los mandos del productor Adrián Hidalgo. Un disco cuidado al detalle, que tiene una preciosa historia tras de sí, narrada a ritmo de indie pop, hip hop y rock.
«Los más bonitos de España» es mucho más que una declaración de intenciones, es un álbum que no hará más que asentar a Guillermo Salas, convirtiéndolo en una de las grandes voces de nuestro panorama musical actual. Tiempo al tiempo. Eso sí, lo que no puede faltar ahora que ha llegado a nuestras vidas, es su respectiva gira de presentación. De esta mañana, podremos verlo en Madrid (2 de junio), Valladolid (17 de junio), León (18 de junio), Granada (8 de julio) y Santander (15 de septiembre). Todo ello, entre muchas otras más fechas por anunciar (como una segunda cita en la capital y otros lugares como Viveiro y Segovia).
Aunque todo eso llegará y lo podréis ver a través de las redes sociales del artista y compositor. Mientras tanto, os dejamos la entrevista que le hicimos hace algunos días a Guillermo Salas. ¿Quieres conocerlo mejor?, ¿quieres saber todos los detalles que envuelven este proyecto musical? Pues dale al play y disfruta. Nosotros pasamos un ratito de lo más agradable.
No tenían suficiente con sorprender al mundo entero con su gran cambio y evolución al castellano – desde el inglés -, que Jhonny B. Zero siempre son capaces de ir más allá. Y es que con la llegada de «Fotógrafo» hace algunos meses, los valencianos nos mostraron una nueva faceta. Un nuevo «yo» que adquiría una dimensión tremenda y que se clavaba directamente en nuestras mentes. Y es que con un ritmo inspirado en la samba pero con cierto carácter de hip hop, la formación musical nos regalaba un tema emocionante que habla de lo difícil que puede ser la sentimentalidad cuando hay problemas económicos. «Cuando el dinero escasea nos hablamos mal, muy mal. Sí, ajá. cuando el abismo arrastra te dejas arrancar de mí», reza esta joya musical, de hecho. Aunque en su defensa, vale la pena recalcar que también tiene un toque de positividad y de aceptación del amor.
Un sencillo increíble y directo a partes iguales, que se muestra como primer avance del que será el nuevo álbum de Jhonny B. Zero. Un trabajo cuya producción ha corrido a cargo de Carlos Ortigosa en la Azotea de Karl Sound y que ha contado con las colaboraciones de Natxo Tamarit (Zigarros) al bajo, Elisabet Hernández y Ferrán Gisbert (Alizzz) como ingeniero de sonido en la grabación de guitarras. Un disco que promete ser crucial en la carrera profesional del artista y que, estamos convencidas, de que nos enamorará. Sabemos que lo podremos escuchar pronto, aunque antes de su lanzamiento, nos queda una última cita en directo en la que quizás – quién sabe -, podremos disfrutar de algún pequeño gran adelanto. Y es que tras arrasar en casa, este próximo viernes 2 de junio llega el momento de quemar toda la sala Cadavra de Madrid. Ahora falta saber si estáis completamente preparados para la que se nos viene encima.
No sabemos exactamente qué está pasando en Galicia, pero musicalmente es un hervidero cultural que no deja de sorprendernos. Y ojala siga así durante muchos, muchos años, porque la cantidad de nombres que están saliendo de allí es impresionante, haciendo de nuestra escena musical una de las más diversas y ricas del planeta. Es así como hemos conocido al dúo de electrónica Galician Army, formado por los productores, DJs y compositores Alberto Prado y Sergio Vallejo. Una de esas formaciones que no dejan indiferente y que han aterrizado con un nuevo trabajo discográfico potente, a la par que rompedor. Tras arrasar con «Nós», el álbum en el que han remezclazo y remixeado grandes éxitos de otros artistas gallegos como Eladio y los Seres Queridos, Xoel López, Iván Ferreiro, Luar Na Lubre o mariagrep, entre muchos otros.
Toda una declaración de intenciones y la mejor carta de presentación, que sirve como especial homenaje a la cultura gallega, al haber visto la luz el mismo Día das Letras Galegas. Identidad en estado puro que, a su vez, rememora a Nós, un grupo de escritores gallegos que, a través de una revista con el mismo nombre, reivindicaron con orgullo aquello que los unía: el arte y su tierra. Raíces que se mueven al compás de la electrónica del dúo y de la particular visión que tienen de algunas de las canciones más representativas de los artistas del territorio. La verdad es que no imaginamos una manera mejor de presentarse al mundo. Y nosotras no podemos estar más felices de haberlos descubiertocon este trabajo discográfico que, muy pronto, presentarán en directo en lugares como O Son Do Camiño de Santiago de Compostela (16 de junio), Festival Portaméricade Portas (del 13 al 15 de julio), Nachiños Fest de Ferrol (8 de septiembre) y Caudal Fest de Lugo (16 de septiembre). Todo ello, a falta de muchas más fechas por confirmar.
Eso sí, en medio de tanta novedad, hemos tenido la oportunudad de charlar largo y tendido con ellos. Esto es lo que nos han explicado sobre el proyecto musical. ¿Quieres conocerlos más y mejor?
De no tenerlo ubicado en nuestro radar musical a convertirse en un imprescindible para nosotras, más ahora que ha puesto patas arriba uno de los festivales más importantes de nuestro país, al convertirse en uno de los ganadores del Mad Cool Talent by Vibra Mahou. Para los despistados, hablamos del músico y productor valenciano Pau Corea, quien se atreve a explorar nuevas sonoridades, ampliando sus referencias y mostrándonos todo su universo repleto de matices. Un proyecto en solitario que, tras «La Cumbre», «GirⓄ», «Contra» y «Pienso entrar», acaba de de presentar su quinto sencillo «FT8». Todas ellas son magníficas piezas que estarán incluidas en su inminente álbum de debut. Casualidades del destino que han hecho que estemos en bucle con uno de los artistas más prometedores de nuestra escena pop y electrónica. Y si no, tiempo al tiempo.
Siempre ligado a la música, especialmente como productor – faceta que lleva explotando durante más de 15 años -, Pau Corea decidió lanzarse de lleno también a la composición. Con la calma, paciencia y amor que todo ello requería, el valenciano ha ido cociendo poco a poco un proyecto musical de lo más ecléctico y diverso, que pone el pop y la electrónica en el centro. Con un estilo de lo más lynchiano en todas sus facetas, ha ido presentando las primeras canciones del que será su primer trabajo. Todo hasta culminar con este último «FT8». Una composición cuidada con tintes atemporales en una época de celeridad constante. La última píldora antes del gran lanzamiento. La última píldora hasta el momento de una propuesta que ha encadilado a todos los presentes. Y en el festival Mad Cool de Madrid tendremos la mejor demostración de todo lo que es capaz de conseguir.
Sin embargo, ¿quién mejor que él para explicarnos todos los detalles que envuelven el proyecto musical de Pau Corea? ¡Esto es lo que nos contó, no te lo pierdas!
Desde el corazón de Bergen (Noruega), el artista y compositor Eide Olsen ha logrado cautivarnos con esa profunda voz y con su prisma único. Una manera especial de contemplar el mundo que le rodea, de saber darle la vuelta y hacer arte con él. Y es que no hay nada como sus canciones para apreciar el talento y la emoción que respira. Producto de todo este trabajo y sensibilidad, acaba de publicar su nuevo trabajo discográfico «My Dear», que ve la luz dos años después de su anhelado regreso musical. Unas novedades que mejor que nos explique en primera persona.
¿Quién es Eide Olsen y cómo empezó en la música?
Eide Olsen es un músico noruego que, tras 20 años de pausa, reinició su carrera en 2021 con el aclamado álbum de regreso «Cross My Heart»
«My Dear» es tu último álbum, que vio el 12 de mayo. ¿Cómo surge el concepto del disco?
Nace como continuación del álbum de regreso, sigue la misma receta. Un poco de jazz, algo de pop, una pizca de blues y algunas pinceladas de música clásica. Es como un guiso: un poco de esto y un poco de aquello. Diría que mis letras contribuyen a la diversidad. Algunas letras son dramáticas y emotivas, pero también hay algunas canciones divertidas y francamente locas. Como «The Cello and the Cat», que podría parecerse a algo que Ray Davies podría haber escrito para los Kinks.
¿Cómo recuerdas el proceso creativo y compositivo?
Era como hacer rafting, como estar en una pequeña embarcación en la corriente de un río. A merced de fuerzas que no puedes dominar, pero en las que aún tienes una pequeña posibilidad de evitar los desenlaces más catastróficos. Con la buena ayuda de un gran equipo y unos músicos fantásticos, puedo decir, sinceramente, ¡que se convirtió en un viaje de placer!
¿Qué peso tienen las letras y el mensaje de las canciones en este proyecto musical?
Las letras son importantes para mí. Por eso, el mensaje que intento transmitir en este álbum es que aunque la vida sea una paradoja, el amor es siempre la respuesta. Ingenuo y romántico por un lado, pero espero que con la sabiduría que hace que merezca la pena contemplarlo.
¿Cuáles han sido las principales influencias sonoras?
Mientras que «Cross My Heart» era un álbum estrictamente analógico y producido a la vieja usanza, esta vez he aplicado un enfoque sónico más moderno. En las grabaciones se han introducido capas y patrones de ritmo y sonido creados digitalmente. Aun así, he utilizado las herramientas modernas, sobre todo, como condimento y creo que la sensación del álbum es definitivamente humana y suena muy en directo.
«Anchored» es el focustrack. ¿Qué tiene de especial esta canción?
Fue la canción más difícil de escribir para el álbum, sin duda alguna. La letra gira en torno a pensamientos de derrota extrema y acaba llevando al oyente a la horrible pregunta de «¿merece la pena?». Pero, por otro lado, el contraste de la voz de Helene Morks que tiene 14 años, con mi voz áspera, hace que sea un dúo muy agradable de escuchar (si se me permite decirlo).
¿Cómo fue masterizar este álbum con Ryan Smith?
La verdad es que no lo sé. Está en otro país y el único contacto que tenemos durante el proceso es por correo electrónico. Pero puedo decir lo siguiente: algunos temas de masterización requieren decisiones interesantes y entonces se convierte en una batalla encontrar las palabras adecuadas para describir la realidad sónica y las consecuencias emocionales al alterarla. Para mí, como artista, significa mucho, pero para Ryan Smith es sólo un día más en su negocio y en su vida profesional. Si el diablo está en los detalles, entonces Ryan es el…(¡usted mismo puede completar la frase!) Pero para que quede claro, Ryan Smith es probablemente el hombre más destacado del mundo para masterizar cualquier álbum. ¡Estoy realmente contento con el resultado!
¿Cómo ha sido la acogida y las primeras reacciones del público?
Han sido tremenda. En la primera semana, el álbum dio más vueltas en los servicios de streaming que en los dos años anteriores. ¡Guau! Varias emisoras de radio europeas han puesto en rotación los dos primeros singles, «Don’t Even Try» y «Anchored». Especialmente Francia, Bélgica y ahora Canadá parecen apreciar la música. (¿Quizás haya una conexión francesa escondida en alguna parte?). ¡Ha sido genial!
Ahora que «My Dear» está en la calle, ¿cuáles son los próximos pasos de Eide Olsen?
En pocas palabras: ¡conciertos y componer nueva música!
Quedan dos preguntas, que son las que siempre nos gusta cerrar con todas las entrevistas. La primera es, ¿cuál de tus canciones identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?
Elegiré la canción «Praise the Summer» de «My Dear». Es una loca canción ballrom-punk, que mezcla influencias del rock’n’roll de distintas épocas, desde los años 50 hasta los 90. La letra te dice que aproveches el momento y dejes de lado los pensamientos sentimentales. La vida es demasiado corta para pensar en las oportunidades perdidas.
Y ya para terminar y haciendo honor al nombre de nuestra revista, ¿cuál es la verdadera locura que has cometido por la música?
Hice un concierto en Barcelona hace un mes y, aunque no parezca una locura, la logística que se necesita para que músicos de Noruega y Polonia se reúnan en el lugar adecuado en Barcelona y se aseguren de que tienen los instrumentos y el equipo adecuados…¡guau! Yo soy más cantante y compositor que organizador. Pero, a pesar de un ingeniero de sonido que sólo hablaba español, me enorgullece decir que resultó ser un buen concierto.
Cuenta atrás activada para una de las mayores citas de la industria de la música, ya no sólo en nuestro país, sino en todo el mundo. Cuenta atrás activada para el Primavera Pro, el área profesional del Primavera Sound, que tendrá lugar en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona(CCCB) del 31 de mayo al 4 de junio. El punto de encuentro perfecto entre profesionales del sector, artistas, bandas y también seguidores. El momento ideal para conocer también a multitud de agentes de otros países. Con el pretexto de unir a profesionales de diferentes partes del mundo, este año el foco del encuentro será buscar respuestas a todo lo que está por venir en el sector. En este sentido, las delegaciones de Italia y de Chile estarán presentes en esta gran cita musical.
Gracias a las agencias de exportación musical Puglia Sounds, Italia Music Export y Emilia Romagna Music Commission, conoceremos las mejores propuestas musicales emergentes del país que, este año, vendrán de la mano de las bandas European Vampire y su sonido que viaja entre el post-punk y la electrónica; Dagger Moth y su capacidad innata de recrear atmósferas misteriosas; y Guatemala, una formación musical que fusiona elementos electrónicos y rockeros. Los tres proyectos se subirán al escenario del Day Pro en el Pati de las Dones del CCCB el 31 de mayo, abierto tanto para los profesionales acreditados como para el público general. También actuarán los días 31 y 1 de junio en el escenario Night Pro, dentro de la programación del festival en l Parc del Fòrum. Todo mientras la recepción de la delegación italiana, se desarrollará el día 31 de mayo en el CCCB de 16:30 a 17:30 horas.
Por su parte, Chile volverá a estar de manera presencial en una de las ferias profesional más importante del mundo por décimotercer año, de la mano de Chilemúsica. En esta edición, su delegación incluye una veintena de empresas nacionales y artistas como la polifacética y ecléctica Vale Castillo, quien debutó en solitario en 2020 con su primera canción «Fate» a ritmo de pop y R&B; y elmalamía, proyecto impulsado por el multiinstrumentista, compositor y productor Lucas Solovera (previamente ha formado parte de proyectos como el de Alex Anwandter, Javiera Mena, Camila Moreno y Kinética). Podremos ver cómo ambas propuestas se desenvuelven en directo en el escenario Day Pro Stage el próximo 31 de mayo. Mismo día en el que se realizará la recepción de la delegación en el CCCB, de 12.00 a 13.20 horas.
