Si estábamos esperando la gran noticia con la que prácticamente despedir la primavera de 2023, ya la tenemos. Fue ayer cuando la banda británica Nothing But Thieves desvelaba dos nuevas fechas de su gira europea, en la que presentará en sociedad su inminente y nuevo trabajo discográfico «Dead Club City», que verá la luz el próximo 30 de junio. Y es que sí, la Sala Razzmatazz de Barcelona (jueves 29 de febrero de 2024) y La Riviera de Madrid (viernes 1 de marzo de 2024) están entre las paradas obligatorias de la formación. Así que id preparandóos, porque la preventa de las entradas estará disponible mañana miércoles 14 de junio a las 10.00 de la mañana en Live Nation, mientras que la venta oficial se abrirá este viernes día 16 también a las 10.00 horas en Live Nation y Ticketmaster.
De esta manera, «Dead Club City» supondrá el cuarto álbum de estudio para la banda de Essex. Un disco en el que harán todo un despliegue de medios y de personalidad. Un derroche de energía y de letras socialmente perspicaces, tal y como nos tenían acostumbradas hasta el momento. Eso sí, añadiendo ese toque de experimentación y atrevimiento en lo que al sonido respecta. Y es que Nothing But Thieves regresan a escena con un universo sonoro mucho más vanguardista. Un hecho que se ha hecho especialmente patente en los dos primeros adelantos que nos han regalado. Mientras «Welcome to the DCC» ha marcado el capítulo más innovador de este nuevo ciclo, «Overcome» ha arrasado a ritmo de pop épico con fragmentos de nostalgia, pero cautivadoramente moderno.
Lo que sí que parece más que evidente es que los británicos están más que dispuestos a regalarnos el más emocionante y mágico de sus comienzos, repleto de himnos y de canciones representativas y empoderadoras. Nos morimos de ganas por escuchar al completo este «Dead Club City». Y, por supuesto, de disfrutar de los eléctricos conciertos que Nothing But Thieves nos regalarán en Barcelona y Madrid. ¿Te los vas a perder?
Nos hemos acostumbrado demasiado a la frase de que segundas partes nunca fueron buenas. Pero, ¿de verdad es así? Al menos, en el caso de Chelsea Boots, nos permitimos ponerlo en duda. Y es que ni el cambio más bestia en su formación ha hecho que ellos frenen, que ellos paren y que no hayan sabido reinventarse, reconstruyendo así su propio concepto sonoro, letrístico y visual. Si bien es cierto que la marcha de la banda de Santi Isla en el 2022 fue un auténtico varapalo, pero lo más importante es que los madrileños se han sabido recomponer. No ha faltado empeño. Ni ganas. Como resultado, han parido un trabajo discográfico espectacular, que nos ha cautivado y enamorado desde el primer instante. Así es como ha llegado a nuestras vidas este «Chelsea Boots, Parte I». Un álbum que anticipa el sonido y la narrativa de su nueva etapa como trío con Ferri (voz y guitarra), Dani (bajo y sintetizadores) y Martín (batería) al frente.
Grabado entre Estudios Reno (Madrid), El Nido (Cantabria), Ritmo y Compás (Madrid), O Grove (Galicia) y Durón (Guadalajara); este álbum ha nacido producto de las maratonianas jornadas que se ha marcado la banda a nivel de composición, grabaciones caseras y sesiones de estudio. Eso sí, siempre acompañados por el imprescindible productor de Chelsea Boots, Dani Núñez. Aunque hemos de reconocer que ha creado una dupla increíble con el gran Brian Hunt. El resultado ha sido impresionante, basta escucharse de cabo a rabo este «Chelsea Boots, Parte I» para darse cuenta de ello. Trabajo redondo y críticas que acompañan. Y que, por supuesto, seguirán acompañando. Porque ahora es natural que este disco comience a rodar, si no, tiempo al tiempo.
Aunque antes de avanzar todo tipo de acontencimientos, hemos querido hablar largo y tendido con Ferri, vocalista y guitarra de la banda. ¿Quieres saber todo lo que nos explicó?, ¿o cómo ha evolucionado Chelsea Boots desde que debutara con su primer larga duración «Guilty Pleasure» en 2018? Pues adelante, siéntente bienvenidx y disfruta al máximo de la entrevista que le hicimos la semana pasada.
Hay colaboraciones que nos llenan el corazón de alegría y de emoción. Así que ya os podéis imaginar la sorpresa que nos llevamos cuando Vaho en su imparable escalada hacia la cima, anunció lo que era un secreto a voces – especialmente tras su último concierto en Madrid – y es que lanzaban nueva canción, en esta ocasión, junto a Celia Becks. Era así como nacía y llegaba a nuestras vidas, «La herida». La canción que no sabíamos que necesitábamos, pero que sí merecíamos. Un grito de rabia y de libertad. La explosión tras decidir dejar atrás todo aquello que no nos permite avanzar. La necesidad de decir «basta ya». Una corriente de esperanza, ilusión y energía. Un tema imprescindible que ha sido compuesto de manera conjunta, y que ha sido obra y arte del productor Jesús Antúnez en Estudio 73.
Un pequeño paso más tanto para la banda madrileña Vaho, que no ha dejado de sorprendernos en los últimos meses con canciones como «Sintigo», «Llamándome en oculto» y «Las cosas buenas». Y es que tras una etapa de silencio, que les sirvió para replantearse todo y volver con más fuerza todavía, están más que dispuestos a seguir llenándonos con su talento y nueva música. Tiempo al tiempo, porque todo está por llegar y ojala el disco esté al caer. Al final, la sensación que sentimos cada vez que los escuchamos, se resume en una sola pregunta: ¿qué sería de nosotras sin ellos?
Por su parte, también está siendo un año de cambios y de crecimiento para la artista madrileña Celia Becks, que hasta este mismo 2023 formaba parte de La La Love You. Ahora, ha llegado el momento de explorar nuevos caminos como bajista de Colet, pero también en solitario. En este sentido, hemos podido escuchar sus primeros adelantos «Deberes de terapia» y «Delante de la bestia»; además de las tremendas colaboraciones que se ha marcado en los nuevos trabajos de Nena Daconte («Tu canción») y Chica Sobresalto («La monogamia»). Una Celia que es más Celia que nunca. Y nosotras no podemos estar más encantadas con esta nueva faceta que nos está mostrando.
El año 2014 fue el germen de lo que es a día de hoy Emergencia Emocional, todo gracias a la mente inquieta de su vocalista Gonza. Un largo camino de nueve años que les ha llevado a tocar y formar parte de otras bandas hasta aterrizar en este iniciático y prometedor 2023. Un trabajo intenso que culminó el pasado mes de mayo con la llegada de su segundo EP de estudio «Evolución». Un disco que gira alrededor de la pureza de los sentimientos y de las emociones, y que no hace más que continuar con la maravillosa estela que dejó «1 + 0 son 4» (2019). Mensaje y potencia a partes iguales, la mejor manera de conectar lo que somos y sentimos como seres humanos, pero a ritmo de indie pop y rock alternativo. Todo un universo sonoro y letrístico, en el que no dudamos en adentrarnos.
Y es que si hay alguna cosa importante en esta vida es el poder explorar el mundo de las emociones, el permitirnos sentirlas y expresarlas, en aprender a gestionarlas y darnos cuenta el enorme potencial que tenemos los seres humanos a través del autoconocimiento. Invitamos a reflexionar y mirar hacia dentro para saber quiénes somos y vivir en coherencia con ello. Todo ello sin olvidar que hemos venido a esta vida a disfrutar y brillar sacando lo mejor de nosotros mismos. Toda una declaración de intenciones, que los chicos de Emergencia Emocional llevan hasta la saciedad. Eso es lo que nos ha enamorado tanto de ellos y eso es lo que ha hecho que se conviertan en imprescindibles para nosotras a partir de ahora.
En medio de tanta novedad, hemos tenido la oportunidad de charlar con ellos largo y tendido. Gonza y Pablo nos explicaron todos los detalles sobre este nuevo trabajo discográfico que acaban de publicar y sobre todo lo que está por llegar. ¿Queréis saber todo lo que nos contaron? ¡Te damos todos los detalles!
Nuestro momento favorito de la semana es aquel en el que podemos sentarnos y sentirnos con la calma suficiente como para descubrir nuevos nombres dentro de nuestra escena musical, tanto a nivel nacional como a nivel internacional. Y hoy, como cada domingo, estamos en ese mood perfecto. Hoy, como cada domingo, nos metemos de lleno en los universos particulares de cuatro proyectos musicales que nos han enamorado. Llega el momento de hablar de Caro Raro, Javier Lekker, Kid Travis y Apache Rose. ¿Alguien que nos acompañe en este intenso viaje musical?
Fue a finales del mes de mayo cuando Caro Raro nos presentaba su nueva canción «Kemono tu Kimono». A ritmo de sintetizadores brillantes, líneas de bajo que recuerdan a la música disco y guitarras jazzy, el proyecto musical de Enrique Agüera arrasa con este tema que nos adentra en lo más profundo de nuestros sentimientos cuando una ruptura sentimental nos acecha. Una pequeña gran píldora musical que describe aquellos momentos cotidianos en los que hay algo (un objeto, un olor, una prenda, un lugar) que nos recuerda a la otra persona y sentimos esa nostalgia. Una pieza que transita entre el drama y la comedia, y que se resuelve en un estribillo luminoso, potente y pegadizo. La mezcla perfecta entre lo naïve y lo irónico. Uno de los mayores descubrimientos de los últimos meses.
Con un acento muy del sur, concretamente de Málaga, llega el ecléctico y diverso Javier Lekker para presentarnos su proyecto musical. Aunque es arquitecto de profesión, siente la música con el corazón. Una premisa bajo la cual ha construido todo un imaginario sonoro: el indie de Vetusta Morla, el intimismo de Billie Eilish y los sonidos de las máquinas recreativas de su infancia. Como resultado, sus canciones se convierten en viajes auditivos que recorren su pasado, presente y su curiosidad por lo desconocido. Así es como nació en 2022 su primer EP «Termodinámica». Y este mismo camino está siguiendo su inminente trabajo discográfico «Arcade», que verá la luz en breves y del que ya conocemos su primer sencillo de adelanto, titulado «Dior». Una canción que es una reflexión sobre el amor, la ciencia y el café. El cómo hablar sobre la obsesión por la perfección y cómo esta nos impide avanzar hacia nuevas experiencias.
Con sólidos matices melódicos del punk y del trap, Kid Travis canta una gran variedad de estilos musicales. Incapaz de mantenerse sujeto a un solo género musical, este cantante, instrumentista y productor demuestra día a día su amor por la música. De hecho, desde 2012 ha estado trabajando con diferentes con diferentes herramientas de audio como pueden ser Audacity, Fruity Loops, y más recientemente, Ableton y Pro Tools. Producto de este incesante trabajo, ha visto la luz si reciente y potente canción «My Favourite Song (Sped Up)», que nos ha cautivado por completo. Y seguro que con ella ha llegado a toda una legión de seguidores, que ya acumulan grandes cifras en sus plataformas digitales, superando los 206 millones de streams y 24 millones de oyentes en total en Spotify desde el año 2018.
Desde Georgia pero con raíces rusas, llega Apache Rose para anunciar que, tras la llegada de su debut «Attention!», están más que dispuestos a seguir trabajando en el que será la continuación del mismo. De esta manera, la formación grabará seis temas completos y terminará varias canciones que fueron grabadas en Moscú en 2022. «El sonido del nuevo disco será diferente del primero. Será algo más pesado y prestará más atención a las texturas sonoras». Así pues, a falta de muchos más detalles por confirmar de este segundo álbum, ya podemos asegurar que su primer adelanto «Cabin Fever» suena increíblemente bien. ¿Estáis preparados para todo lo que está por llegar?
No mentiremos si diremos que los conocimos gracias a su exitosa canción «Stolen Dance», que una década después de su lanzamiento acumula más de un millón de reproducciones en Spotify. Pero es que el legado que Milky Chance va mucho más allá de esta canción con la que enamoraron a toda una legión de seguidores. Tienen alma y un ímpetu por hacer bien las cosas, por convertir en magia todo lo que tocan. Podemos decir que el efecto de los alemanes Clemens Rebhein y Phillipp Dausch ha trascendido cualquier tipo de frontera y que, diez años después, pueden seguir presumiendo de sus más de 14 millones de oyentes en plataformas digitales. Un dato que tiene su debida repercusión en los conciertos, pero también en cada lanzamiento nuevo que nos regalan. El último de ellos fue, precisamente, ayer viernes 9 de junio. Y es que tras haber sorprendido a propios y extraños con adelantos como «Colorado» o «Synchronize», llegaba el momento de dar la bienvenida a su nuevo, potente y necesario trabajo discográfico, «Living In A Haze».
Un álbum que suena realmente clásico a primera escucha y que está compuesto de 12 mini obras maestras que pueden valerse por sí mismas. Un álbum que está cargado de esa impronta tan característica que tienen y que suena más a Milky Chance que nunca. Un sello y personalidad que se han mantenido firmes a lo largo del tiempo y que no se han visto quebrados. Quizás por ese anhelo latente de no querer someterse a la industria musical y querer ser independientes, contra todo pronóstico. «Salimos de nuestra zona de confort para hacer este álbum. Fue liberador y lo sentimos como un nuevo capítulo para nosotros. Nos dimos el espacio y la energía para sumergirnos de verdad en la composición y la producción, probamos cosas nuevas, trabajamos con colaboradores increíbles como Charlotte Cardin y Fatoumata Diawara, y creamos, lo que pensamos que es un álbum colorido y diverso», han querido explicar ellos mismos, de hecho.
Ahora, con este álbum ya en la calle, se disponen a presentar sus nuevas canciones en directo. Por el momento y a falta de que confirmen nuevas fechas, sabemos que estarán todo este verano recorriendo multitud de escenarios de Estados Unidos. Nosotras, mientras esperamos a que confirmen nuevos conciertos por Europa, queremos aprovechar para recuperar la entrevista que le hicimos el pasado abril de 2022 a Clemens Rebhein. Por aquel entonces, pocos detalles nos pudo dar sobre «Living In A Haze», aunque sí que habían visto la luz ya «Colorado» y «Synchronize». ¿Queréis saber todo lo que nos contó?
Aunque sólo han pasado tres años desde que la pandemia nos azotara a todos por igual, hemos de reconocer que es un hecho que nos cambió por dentro. Que se lo digan si no a la artista y compositora italiana Sara Ardizzoni, que es quien se esconde tras el proyecto musical de Dagger Moth. Sensible, emotiva y con un talento brutal, compuso un álbum de 10 durante este periodo, con el que nos ha enamorado por completo. Producto de todas estas vivencias, vio la luz «The Sun is a Violent Place». Un disco que, a pesar de todo, le ha dado muchas alegrías y que hace muy poco, pudo presentar en directo en el Primavera Pro de Barcelona. Pero mejor si es ella misma quien nos da todos los detalles.
Para todo el público español que no te tiene en su radar musical, ¿quién es Dagger Moth y cómo empieza en la música?
Dagger Moth soy yo, es mi trabajo en solitario. Un proyecto en el que mezclo guitarras eléctricas, electrónica y voz. Al mismo tiempo, bebe de una dimensión muy solitaria y de una pluralidad de influencias diferentes. Me inicié en la música de niña, primero como ávida oyente y melómana. Me empapé del sonido en mi casa y luego, al final de la adolescencia, empecé a tocar la guitarra.
Entendemos que la pandemia fue un momento clave para el proyecto, ya que fue cuando concebiste «The Sun is a Violent Place», ¿cómo recuerdas este proceso creativo y compositivo?
Muy polifacético y muy solitario. Para mía fue como una mezcla de impulso creativo y alienación, moldeado por una extraña sensación de tiempo que se sentía suspendido e interminable. Aunque también fue amenazador y enigmático. El proceso de grabación de este álbum se convirtió en una especie de capullo salvífico en el que refugiar y almacenar emociones, a menudo contradictorias.
Teniendo todo esto en cuenta, ¿qué ha significado este álbum para ti?
Evidentemente, me ayudó a atravesar un periodo muy complicado. Pero al mismo tiempo, estar encerrada en casa con una agenda vaciada de obligaciones como nunca antes, me dio la oportunidad de explorar y cincelar realmente mis ideas con una minuciosa atención al detalle, tanto durante el proceso de composición como durante las semanas de grabación y premezcla (ya que lo grabé yo misma en casa). Sigo pensando que este trabajo enmarca con mucha precisión un momento concreto de mi vida que, sin duda, representa un punto de inflexión a muchos niveles.
¿De qué manera has construido todo tu imaginario sonoro?
Realmente surgió de forma natural, no tenía un camino predeterminado que seguir, simplemente intenté traducir en música una mezcla muy concreta de estados de ánimo (incredulidad, alienación, angustia sigilosa, suspensión, calma aparente).
¿Y las letras?, ¿qué importancia tienen para ti?
La música siempre es lo primero para mí, pero las letras tienen su importancia. Cuentan historias que tengo en la cabeza, secuencias, visiones. Me gustaría que de las palabras sugirieran imágenes sin explicar demasiado, siguiendo el mismo flujo cinematográfico que tiene el sonido.
También has colaborado con tres grandes profesionales como Victor Van Vugt, Fabrizio Baioni y Alessandro Gengy de Guglielmo. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos?
Fabrizio es un querido amigo mío, batería y compositor electrónico de gran talento, y contribuyó con algunos ritmos adicionales en tres canciones. Alessandro es un ingeniero de masterización muy competente de Milán. Victor, probablemente el más conocido de los tres – antiguo colaborador de Nick Cave, PJ Harvey o Beth Orton -, me ayudó a finalizar el proceso de mezcla. Con él trabajé a distancia y fue muy respetuoso con mis arreglos y orientación artística.
¿Qué significó para ti actuar en Primavera Pro?
¡En realidad, me siento muy afortunada, ya que es mi segunda vez en este festival! La primera fue en 2018, en uno de los grandes escenarios con una banda italiana: Cesare Basile & Caminanti. Pero este año, el estar allí con mi proyecto en solitario, significó aún más. Es una experiencia increíble, a nivel profesional y emocional.
Más allá de este festival, ¿cuáles son los próximos pasos de la banda?
Bueno, como la «banda» soy sólo yo, tengo bastante libertad para decidir los pasos y el ritmo. Probablemente me tome un poco de tiempo libre – he estado de gira desde el otoño pasado para promocionar el nuevo álbum -, mientras planto las semillas de un par de proyectos paralelos.
¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde que empezaste a grabar y cuál es el mayor aprendizaje que te has llevado de ese momento?
Empecé con Dagger Moth, mi proyecto en solitario, en 2012 y la trayectoria siempre ha sido consistente, tanto a nivel artístico como de ética de trabajo: una atrevida curiosidad por experimentar con sonidos de guitarra, electrónica y loops, además de haberle dado siempre un enfoque profundamente arraigado en el DIY. Estar sola en el escenario es a la vez liberador y muy exigente, así que, a medida que pasa el tiempo, esta dimensión sigue definiendo nuevas percepciones de autoconciencia.
Quedan dos preguntas con las que nos gusta terminar siempre. La primera es, ¿qué canción tuya identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?
Ahora mismo, la canción que probablemente mejor se adapte es «Slow Motion Collapse», ya que es bastante reflexiva, enigmática pero también potente. Para mí, desvela una energía propulsora, que te lleva de aquí para allá.
Y por último, ¿cuál es la verdadera locura que ha hecho por la música?
El mero hecho de intentar hacer carrera en la música hoy en día, sin atenerse a ciertas normas, ¡es pura locura!
Justo cuando Soyla presentaba su primer trabajo discográfico homónimo, la pandemia azotó a todo el mundo, paralizándolo y encerrándonos a todos en casa. Han pasado ya tres años desde aquel 2020 complicado para todo el mundo y la normalidad ha vuelto para nuestras vidas. Que se lo digan si no a la banda catalana que en 2022 presentó su nuevo álbum «STOY» y, ahora, se dispone a reeditar algunas de las canciones que el COVID no nos dejó disfrutar en vivo y en directo. De esta manera, y acompañados de amigos y artistas, han publicado las nuevas versiones de «Ola Imperfecta» junto a Jere, «Robots» con A Cámara Lenta, «Gritos» en colaboración con Rafa Pons y la más reciente, «Neones Rojos», con Alison Darwin. El inicio de una nueva etapa profesional y musical para la formación catalana que, muy pronto, presentará este nuevo EP al completo. ¿Alguien está como nosotras?, ¿alguien más con unas ganas tremendas de escucharlo de principio a fin?
Un año 2023 repleto de música y de canciones, pero también de conciertos veraniegos. Y es que los barceloneses Soyla están más que dispuestos a comenzar con su gira de presentación. Tal es así, que los podremos ver este mismo viernes en la Sala Continental de Barcelona junto a Gigante (9 de junio), en la Casa de la Mar de Castellón (16 de junio) y en la de Valencia (17 de junio), y en El Perro de la Parte de Atrás del Coche de Madrid (29 de septiembre), a falta de muchas más fechas por confirmar.
Pero mientras todo llega, hemos querido aprovechar para charlar largo y tendido con Micky Laborde, vocalista y front-man de Soyla. ¿Queréis saber todo lo que nos explicó sobre este ecléctico y diverso proyecto que tanto nos ha cautivado? Pues dale al play y disfruta, ¡no te pierdas ni un sólo detalle!
Con «Mariposas» abrió una brecha, que fue creciendo poco a poco, también gracias a colaboraciones ya icónicas como la que se marcó con Rayden en «Matemática de la carne». Aunque, sin duda, con la canción con la que nos ganó el corazón por completo fue con la desgarradora e íntima «Entre Tirso y Benavente». Pero es que ahora, Bely Basarte se ha decidido a empezar 2023 de la mejor manera posible. Tras actuar en los Premios Goya 2023, arrancar en abril con su nueva gira y arrasar con sus primeros adelantos «me cuesta tanto olvidarte» y «M-30», llega el turno de la positiva «Contigo».
Un tema que marcará un antes y un después en su carrera, y que arroja un poco de luz. A ritmo de pop y con esa voz preciosa que Bely tiene, ha querido explicar que esta canción «nació en un torbellino de emociones amorosas. Estaba en las nubes y sentí la necesidad de capturar esa explosión de felicidad en una canción pegajosa». La mejor manera de celebrar el amor sano. «Quiero que la gente sienta la misma emoción y euforia que experimenté al principio de mi relación. Es un recordatorio de que el amor puede ser increíblemente divertido y liberador, y que todos merecemos esa felicidad», añade. Además, ha llegado acompañada de un divertido videoclip, que ha sido obra y arte del director Joaquín Reixa del estudio creativo Omglobal.
Un himno perfecto que, junto a los dos anteriores, formará parte del nuevo e inminente EP de la compositora madrileña, que verá la luz dentro de muy poco. Mientras tanto, Bely continuará con su gira «Bomba de humo», que arrancó la pasada en Salamanca y que seguirá por multitud de ciudades a lo largo y ancho del verano. De hecho, la próxima cita será el 12 de julio dentro del ciclo de El Patio de Mahou en Madrid. Pero atención, porque también pasará por Alicante, Barcelona, Córdoba y Sevilla, entre muchos otros lugares.
Es una de las voces de nuestra generación, es uno de los talentos musicales más emocionantes de nuestra escena y un «volcán que te toca con una guante de seda». Carolina Alabau lleva el arte en las venas. Nacida en el seno de una familia de músicos clásicos, creció con la copla española sonando en el coche cada verano e influenciada por la música latinoamericana, es creadora de dos álbumes preciosos como son «Primera mirada» y «Meraki», en colaboración con la violinista Èlia Bastida. Sin embargo, ahora, la autora catalana se encuentra en el mágico proceso de dar vida a su tercer trabajo discogrráfico «Una frase imaginada», con Javier Limón a la producción y composición.
Un proyecto que surge desde el amor al propio folclore, pero con ese sabor tan latinoamericano. Un proyecto que la propia Carolina Alabau asegura que no existiría sin Javier Limón (una figura importantísima dentro del sector de la producción musical, al haberse alzado con 10 Premios Grammy). Juntos, han conseguido montar una dupla de escándalo. El tándem musical perfecto para que todas las canciones suenen bonitas, para que todas las canciones salgan desde el corazón. Un proceso que nace de dentro a fuera y que ha permitido que ambos exploren detalles tan sutiles como la creación de un sentimiento o de una emoción, el olor antes de la tormenta y el más minúsculo de los inicios. Un trabajo de investigación, que ha tenido un único objetivo: poder expresar de la mejor manera las historias que yacen en las letras de las canciones.
Un proceso emocionante que, por lo pronto, nos ha dejado el primer sencillo de adelanto, que también lleva por título «Una frase imaginada». Para todo lo demás que está por llegar, habrá que esperar. Eso sí, la charla que hemos tenido con la propia Carolina Alabau no nos la quita nadie. Fue preciosa y mágica, así que os la dejamos a continuación. ¿Quieres saber todo lo que nos contó sobre su proyecto musical?
Huyen de las etiquetas musicales, abogando por un estilo único y un sello identitario único. Quizás, por eso, la banda italiana Guatemala haya supuesto un verdadero descubrimiento para nosotras. Tras haber estrenado recientemente su nueva canción «Messaggio», que supone y un antes y un después en su carrera, y tras haber actuado la pasada semana en el Primavera Pro de Barcelona, hemos tenido la oportunidad de charlar con ellos. Un auténtico placer si se trata de conocerlos más y mejor.
Para todo el público español que no os tenga en su radar musical, ¿quiénes son Guatemala y cómo empezásteis en la música?
Guatemala es una banda rara surgida en Italia, que ni siquiera puedde ubicarse dentro del ecosistema actual musical italiano. Nos conocimos en la universidad, en fiestas, pubs y jam sessions. En todos estos espacios construimos nuestras identidades, necesitábamos una música que pudiera describir la incierta condición de los jóvenes estudiantes que buscan algo de despreocupación y aún así quieren que sus problemas sean representados.
«Messaggio» es vuestro último single, ¿cómo surgió esta canción y qué significa para vosotros?
«Messaggio» expresa una violenta necesidad de honestidad en oposición a la moderna forma superficial de vivir el romance. Hay una falta de conexión humana en las historias de amor de hoy en día, ya que escondemos nuestras inseguridades detrás de mensajes de chat. Nuestra generación creció dentro de este sistema. Sin embargo, sentimos la necesidad de vivir las emociones más allá de los dispositivos.
¿Es esta canción el comienzo de un nuevo camino?, ¿es uno de los primeros adelantos de un futuro álbum o EP?
Por supuesto que lo es. De hecho, después de cuatro singles que forman parte de una narración circular, «Messaggio» es la primera producción de un nuevo capítulo. Pronto publicaremos un EP, en el que participará un nuevo miembro de la banda, que ha actuado en España con nosotros, y algunos nuevos experimentos sonoros que estamos impacientes por publicar.
¿Cómo es y cómo vivís desde dentro todo el proceso creativo y compositivo en Guatemala?
Vivimos una vida caótica, entre horarios musicales, universidad, problemas de alquiler e inestabilidades de la vida privada. Todo ello, hace que renovemos constantemente nuestros sentimientos, que después traducimos en canciones. Sobrevivimos juntos haciéndonos un regalo cada vez que a alguien se le ocurre una nueva idea. Todos somos multiinstrumentistas y todos escribimos las letras juntos, sin embargo somos personas totalmente diferentes. Por lo tanto, cada canción no es la idea de una sola mente, sino la mejor muestra del grupo social al que pertenecemos.
¿De qué manera habéis construido todo vuestro imaginario sonoro?
Gracias a nuestros diversos orígenes, cada uno de nosotros aporta una influencia única al sonido del grupo, sin intentar nunca ajustarnos a un género de referencia. Más bien explotamos este contraste interno para garantizar una combinación original de opciones musicales. Por eso, nunca encontramos artistas más grandes que sirvan de referencia para describir nuestra música. Y también por eso nuestro público recuerda y reconoce a Guatemala.
¿Y las letras?, ¿qué importancia tienen para vosotros?
No contamos historias personales, sino la gran historia que vive hoy nuestro grupo social. Intentamos representar todas esas emociones que los jóvenes vivimos en secreto: las dudas sobre nuestro futuro, la soledad y la sensación de estar perdidos en un mundo sin espacio para nosotros. La autoaceptación es lo que necesitamos para sentirnos juntos más ligeros y eso es lo que buscamos sobre nuestra forma de vivir el sexo, la culpa, la esperanza y las responsabilidades. Cuando el público canta con nosotros en nuestros conciertos, sentimos que unidos nos sentimos libres.
¿Qué ha significado para vosotros actuar en Primavera Pro?
España es ahora nuestra segunda casa, después de tocar en Valencia y ahora en Barcelona, encontramos en el festival Primavera el mejor público de la historia: gente que se paraba de verdad delante del escenario y se quedaba allí para escuchar de verdad y preocuparse por lo que intentábamos comunicar. Inmediatamente el público para el que tocábamos empezó a crecer y, después de las dos primeras canciones, nos encontramos actuando delante de muchísima gente que realmente bailaba nuestra música.
Más allá de este festival, ¿cuáles son los próximos pasos de la banda?
El festival Primavera ha sido un paso fundamental que nos asegura que ahora nos podemos sentir lo suficientemente seguros como para ir a tocar al extranjero en cualquier lugar y saber que la gente vibrará con nuestra música, incluso sin entender las letras. Así que estamos planeando algunos nuevos conciertos en el extranjero para el futuro y estamos deseando hacerlo presentando el nuevo EP, que estará disponible pronto.
¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde que empezasteis a rodar y cuál es el mayor aprendizaje que os habéis llevado desde ese momento?
Guatemala siempre ha cambiado en su esencia, ya que hemos vivido tantas experiencias desafiantes tan rápido. De ser sólo una joven banda de estudiantes, nos encontramos tocando por toda Italia y en el extranjero, aprendiendo a ocuparnos de todos los aspectos que hay detrás de la música, desde las redes sociales hasta el merchandising y construyendo un material de amigos y artistas en los que apoyarnos y que, además, no dejan de crecer. Sabemos que nada se puede conseguir realmente solo y que lo que puedes hacer con gente en la que confías es siempre mejor de lo que esperas.
Quedan dos preguntas con las que nos gusta terminar. La primera es, ¿qué canción vuestra identifica mejor el momento en el que os encontráis y por qué?
«San Cataldo» es, probablemente, el single que mejor representa ahora nuestra identidad. Con él, queríamos regalar a nuestro público una especie de himno o alegatp en defensa de nuestras imperfecciones. Esta conciencia de uno mismo es un paso necesario antes de llegar a la aceptación de uno mismo y, luego, sentirse bien con los demás.
Y por último, ¿cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?
Sinceramente, es probable que hayamos desordenado nuestras influencias musicales en este proyecto, dando vueltas para encontrar algo que no pudiéramos encontrar en otra parte. Simplemente no nos importaba en qué categoría musical encajaría nuestra música. Más bien queríamos hacer coincidir nuestros lenguajes musicales personales, adaptando sus diferencias para encontrar una forma común de comunicarnos. Siempre es como apostar y, quizás, sea esta imprevisibilidad lo que hace que nuestros oyentes siempre sientan curiosidad por lo nuevo.
El poder de la música es magnético e inevitable, un hecho completamente místico que nos recarga de energía y que es capaz de cambiarnos y mejorarnos el estado de ánimo. Especialmente si cuando esta música, viene de la mano de una artista tan talentosa como es Andrea Mir. Hasta hace bien poco, no la teníamos en nuestro radar, pero descubrirla ha significado todo un mundo de posibilidades. Más cuando acaba de pegar un gran salto al vacío como este, más cuando ha experimentado un cambio de lo más significativo, regalándonos así su nueva canción, «The Kids». Un tema que supone el tercer adelanto de su nuevo e inminente trabajo discográfico, tras la irrupción de «alas y garras meet» y «hágase tu voluntad». Magia en estado puro y un bucle infinito del que no queremos salir nunca más.
¿Focalizamos nuestra energía en lo que realmente nos gusta, en encontrar nuestro sitio en este mundo tan mezquino y cruel? Bajo esta clara premisa, la artista y compositora catalana nos ha regalado una nueva canción preciosa, con la que nos invita a centrarnos en lo que verdaderamente nos importa. Un aprendizaje vital que la propia Andrea ha llevado al límite y ha explotado sin medida. Más con estos nuevos temas que nos está presentando y que, quizás, se alejan un poco de lo que nos avanzó con su álbum de debut «Arribes tard» en 2018. Cinco años han pasado desde entonces y nuevas influencias han llegado a su vida, de la mano de Kanye West, Travis Scott, Billie Eilish e incluso Beyoncé. Aunque hemos de reconocer que el verdadero germen partió de unas declaraciones de John Frusciante, guitarrista de Red Hot Chili Peppers. De hecho, su voz aparece en la introducción de «The Kids».
Aunque mejor si dejamos que sea la misma Andrea Mir quien nos dé todos los detalles sobre su proyecto musical. ¿Qué os parece la idea?, ¿nos acompañáis en este viaje musical de emociones?
